Fundamentos del diseño

FUNDAMENTOS DEL DISEÑO MÁRVIN CORADO

16/10/2020

INDICE Diseño ...............................................................................................................................................1 Un repaso por la historia del diseño ...........................................................................................1 Análisis a los fundamentos del diseño gráfico ..........................................................................4 Los elementos base ..................................................................................................................6 1. ELEMENTOS CONCEPTUALES ...................................................................................................6 El punto ........................................................................................................................................7 La línea .........................................................................................................................................7 El plano .........................................................................................................................................7 El volumen ...................................................................................................................................7 2. ELEMENTOS VISUALES ..............................................................................................................7 Forma,...........................................................................................................................................7 Medida, .........................................................................................................................................8 Color,.............................................................................................................................................8 Textura .........................................................................................................................................9 3. ELEMENTOS DE RELACIÓN .......................................................................................................9 Dirección, .....................................................................................................................................9 Posición, .....................................................................................................................................10 Espacio,.......................................................................................................................................10 Gravedad ....................................................................................................................................10 4. ELEMENTOS PRÁCTICOS .........................................................................................................10 Representación, ........................................................................................................................11 Significado, ................................................................................................................................11 Función, ......................................................................................................................................11 Conceptos de arte y del diseño ...................................................................................................11 El arte: ........................................................................................................................................11 La palabra diseño .....................................................................................................................11 Principales representantes del diseño. ....................................................................................12 .....................................................................................................................................................12 1.Storm Thorgerson .................................................................................................................12

.....................................................................................................................................................12 2. Paul Rand ...............................................................................................................................12 .....................................................................................................................................................13 3. Andreas Preis ........................................................................................................................13 .....................................................................................................................................................13 4. Dr. Alderete ...........................................................................................................................13 .....................................................................................................................................................14 5. Milton Glaser .........................................................................................................................14 .....................................................................................................................................................14 6. Alex Trochut ..........................................................................................................................14 .....................................................................................................................................................15 7. David Carson .........................................................................................................................15 .....................................................................................................................................................15 8. Stefan Sagmeister .................................................................................................................15 9. Yugo Nakamura ....................................................................................................................16 .....................................................................................................................................................16 10. Nigel Holmes .......................................................................................................................16 .....................................................................................................................................................17 11. Saul Bass ..............................................................................................................................17 Importancia del diseño gráfico ante la sociedad ....................................................................17 ¿Qué son los elementos gráficos? ..............................................................................................18 Análisis de los 7 elementos básicos del diseño gráfico ............................................19 1. Color .......................................................................................................................................19 .........................................................................................................................................................20 Ejemplo de uso del color en diseño gráfico .............................................................................20 2. Línea .......................................................................................................................................21 3. Escala ......................................................................................................................................23 4. Forma .....................................................................................................................................24 5. Alineación ..............................................................................................................................25 6. Contraste ................................................................................................................................27 .....................................................................................................................................................28 7. Espacio ...................................................................................................................................28

Calidad del diseño. ...................................................................................................................29 Punto ..........................................................................................................................................30 Línea ...........................................................................................................................................30 Plano ...........................................................................................................................................30 Volumen .....................................................................................................................................30 Los elementos de la composición visual..................................................................................30 1.Punto .......................................................................................................................................30 2.Línea ........................................................................................................................................30 4.Textura ....................................................................................................................................31 5.Contraste ................................................................................................................................31 6. Simetría o asimetría ............................................................................................................31 10. Conjunción de elementos .................................................................................................31 Qué es Integración de Diseños ................................................................................................31 UNIDAD DISEÑO ............................................................................................................................32 El orden ......................................................................................................................................32 Armonía .....................................................................................................................................32 El punto focal .............................................................................................................................32 La anomalía ...............................................................................................................................32 Simetría en diseño....................................................................................................................32 Contraste en diseño .................................................................................................................32 La Importancia del Diseño en la Actualidad ............................................................................33 características para ser buen diseñador ..................................................................................33 .....................................................................................................................................................33 Capacidad de innovar ..............................................................................................................33 Trabajo en equipo ....................................................................................................................34 Comunicación ............................................................................................................................34 Creatividad ................................................................................................................................34 Capacidad de organización .....................................................................................................34 Aceptar críticas y ser autocrítico ...........................................................................................35 Capacidad para solucionar problemas .................................................................................35 Constancia .................................................................................................................................35 aspectos que debe considerar a la hora de evaluar un diseño gráfico ...............................35

1) Simplicidad ...........................................................................................................................36 2) Jerarquía visual ....................................................................................................................36 3) Contraste ...............................................................................................................................37 4) Uso apropiado de colores y tipografías ...........................................................................37 5) Espacio y composición ........................................................................................................37 Función del diseñador grafico................................................................................................38 La expresión del Diseñador Gráfico ......................................................................................38 Representación: ........................................................................................................................38 Definición de diseño grafico ...................................................................................................38 tendencias de diseño gráfico que necesitas tener en cuenta ................................................39 01. Estilo Retro “Moderno” .....................................................................................................39 02. Diseño de Materiales .........................................................................................................41 03. Colores Brillantes y Llamativos .......................................................................................43 04. Formas Geométricas ..........................................................................................................45 05. Espacio Negativo ................................................................................................................47 06. Estructuras Modulares ......................................................................................................49 07. Tipografía Dramática ........................................................................................................50 08. Ilustraciones Personalizadas ...........................................................................................52 09. Estilo Minimalista Abstracto ............................................................................................53

Diseño El diseño se define como el proceso previo de configuración mental, prefiguración», en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Se aplica habitualmente en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras disciplinas que requieren creatividad.

Un repaso por la historia del diseño El génesis del diseño lo podemos encontrar en las pinturas rupestres, 20 mil A.C. aproximadamente, en las mismas se observan figuras representando animales y otros seres humanos, se estima, con fines religiosos

.

Los Egipcios elaboraron un avanzado sistema de escritura, los jeroglíficos, pronto

diseñaron también un soporte mas resistente al paso del tiempo llamado papiro. Llegando a la edad media se comienza a prestar atención a las ornamentaciones y decoraciones, añadiendo atractivas misceláneas e ilustraciones a los textos principalmente religiosos. Había especial interés de la 1

iglesia

en

escribir

biblias

llamativas

para

ayudar

difundir

el

mensaje

religioso. Ya para el año 1440 Johan Gutenberg diseña la imprenta, un artefacto capaz de reproducir textos e imágenes sobre papel en escala masiva. Nace la industria de la imprenta moderna, esto permitió lanzar un sinfín de productos impresos en todo el mundo. Se crean nuevos materiales, nuevas tintas, fuentes tipográficas de todo tipo y se crea una nueva profesión: el tipógrafo o cajista, un

técnico especialista en maquetación y ajuste de textos que luego serían impresos por los impresores. Una etapa decisiva en la concepción del diseño gráfico como profesión actual, fue durante la revolución industrial. Con el surgimiento de la industria mecanizada se desarrollan la economía y los mercados, los campesinos se desplazan a las ciudades para trabajar en las fabricas y aparecen las zonas comerciales y la competencia para vender a las masas los nuevos productos elaborados, es así como se desarrolla la técnica publicitaria que se ocupa de enviar a los posibles consumidores información acerca de las nuevas mercancías.

Esto provoco la necesidad comercial de un profesional con los conocimientos necesarios para manejar de manera correcta diversos elementos visuales: formas, textos, tipografías, tonos, ilustraciones fotografías, debían ser orquestadas coherentemente para comunicar masivamente ideas puntuales a los posibles 2

consumidores, es entonces que aparecen los primeros diseñadores gráficos y la

comunicación publicitaria cobra gran fuerza. A finales el siglo XX comienza la era digital, las computadoras, al principio muy costosas, se vuelven productos cada vez más y más masivos. Esto y el uso de programas especiales, permitió que el diseño gráfico pueda ser realizado de manera digital, empujando los limites visuales mas lejos y redefiniendo toda la

profesión. Los diseñadores deben redaptarse a las nuevas tecnologías. Con las computadores los tiempos de producción se aceleran, pero también, al multiplicarse los medios y los formatos, crece la demanda de diseño gráfico. Internet es el ultimo de los desafíos hasta el día de hoy, la interacción de animaciones, contenidos multimedia con textos y aplicaciones online, abre nuevos caminos y propone nuevos desafíos, hoy en día son comunes los híbridos diseñadores gráfico/multimedial que tienen la capacidad de manejar video y contenido interactivos. Ya veremos que nos espera, mas adelante.

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Análisis a los fundamentos del diseño gráfico Como ya te he contado en entradas anteriores, el diseño gráfico está en constante evolución, como medio comunicativo que es en nuestro sistema social basado en la palabra, el diseño se adapta a él a lo largo del tiempo, se va refinando y ampliando su enfoque.

Para que entiendas un poquito mejor esta evolución te voy a transportar a los años 20, con los gángsters, el charlestón (me encantan los vestidos que llevaban � ) y más concretamente, en la escuela de la Bauhaus en Alemania.

El lugar donde se estandarizó y se consolidó el diseño en base a un “lenguaje de la visión” universal que fuera comprensible para todos, analizando las formas en elementos geométricos básicos con los que se pudiera diseñar, con racionalidad y con diferentes puntos de vista. Era su principal finalidad.

Pero el diseño gráfico se transforma con cada avance humano que existe, se reconstruye con la evolución tecnológica y con la aparición de diferentes materiales donde plasmar el arte y el diseño (fotografía, cine, producción masiva…), está en constante replanteamiento ideológico pues también se une al cambio del pensamiento y al cambio social, por tanto, ya puede existir toda la tecnología del mundo y sistemas o métodos racionales, que sus ideas no pueden dejar de estar ligadas al humanismo ni reducirse a su función o una descripción física.

Este pensamiento es lo que llevó a diferentes educadores de los años 40, en la Nueva Bauhaus de Chicago entre otras escuelas de Alemania y Suiza, a ampliar el enfoque con originales perspectivas estructurales del diseño hasta que en los años 60 con los teóricos de la posmodernidad desacreditaron la experimentación formal como componente del pensamiento universal y la 4

realización de las artes visuales, ya que en las obras se debe distinguir entre descripción e interpretación, el hacer que es universal y la universalidad del significado.

Por tanto, se incluyó a los fundamentos del diseño: La interpretación propia del receptor según sus condicionantes culturales y experiencias. A lo que en los años 80 y 90 fue el pensamiento dominante a causa del aumento de mayor número de estilos culturales y mensajes dirigidos a comunidades cada vez más definidas. el diseño no solo es la forma, sino el significado según la percepción e interpretación del lector y los rasgos culturales y experiencias.

Pero aunque este tipo de lenguaje de la Bauhaus no es suficiente para el diseño gráfico, gracias a la tecnología y el software creado se ha alcanzado el objetivo de esta escuela de los años 20, en el que describe el lenguaje visual de una forma universal con elementos básicos.

Un ejemplo, si te vas a Illustrator y deseas realizar una casa, cogerás un cuadrado, un triángulo y un rectángulo, ¿recuerdas la lección 2 de analizar y desmenuzar? No se necesita más para crear una casita, puedes crearla con el doble de elementos y hacerla más compleja y decorada, pero no dejarán de ser cuadrados, triángulos y círculos si te ves creativo ese día.

En definitiva, gracias al software y el avance tecnológico se ha dado capacidad de crear formas por medio de una simplicidad absoluta a cualquier aficionado o chapucero, pero en cambio, no de interpretar que es ahí donde el diseñador se lo tiene que currar y donde se halla la esencia del buen diseño.

Ser diseñador no significa saber utilizar programas y hacer las cosas bonitas, va más allá. En saber encajar las piezas correctamente, de darle la interpretación, el sentido y el mensaje comunicativo idóneo, además de rico para la solución del problema para quien se está creando dicho diseño.

Y a eso quiero que llegues a conseguir por ti mismo. Porque seamos sinceros entre tú y yo, manejarte en los programas con práctica y siguiendo algunos tutoriales todo el mundo es capaz. Pero diseñar ya sabes que no solo requiere de práctica y experiencia, sino también de sentido común, cultura visual y de la teoría.

Si estás solo cuesta más para saber si estás aplicando correctamente los conocimientos con los diferentes recursos gráficos, pero cuando llegues a

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conseguirlo la satisfacción será mayor, aunque siempre puedes pedir consultoría personalizada si quieres aprender más rápido y con eficacia.

Sobretodo, cuando es uno mismo tu propio cliente, suele ser muchas veces más difícil realizar los diferentes diseños y un reto a gran escala, con que ¡vamos al ataque! Cuanto antes conozcas las bases de la Bauhaus de los años 20 para dominar el software y las formas, antes podrás practicar y crear todo lo que se te antoje � Los elementos base Se distinguen en 4 grupos: 1.

2.

3.

4.

Elementos conceptuales Elementos visuales Elementos de relación Elementos prácticos

1. ELEMENTOS CONCEPTUALES Aquí entra en juego la forma en que estos elementos no son visibles a simple vista.

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El punto marca posición en el espacio, es un par de coordenadas x e y. Pero en cambio puede representar una partícula insignificante, la marca de un clavo o de un lugar, puedes ser su propia identidad o confundirse en una multitud formando entre ellos una línea o un plano.

La línea es la sucesión de puntos y tiene longitud pero no ancho, aunque puede cambiar su grosor hasta llegar al punto de convertirse en plano. Conecta con dos puntos o es la propia trayectoria que hace uno a otro. No tiene porque ser solo recta, puede ser curva, continua o a trozos. Cuando la línea se multiplica crea volúmenes, planos y texturas.También puede representar una dirección, ascenso y descenso como ondas o la representación del palpitar de un corazón. Están representadas de manera invisible en los textos, justificando a la izquierda o a la derecha, creando columnas… rigen un orden.

El plano es una superficie plana con largo y ancho, posición, dirección y está limitado por líneas, las cuales lo forman. Es el recorrido de una línea en movimiento que al cerrarse forma un plano acotado. En el software de vectores (Illustrator) todas las formas consisten en línea y relleno, un plano puede ser paralelo a la superficie, desviarse para dar sensación de espacio, de distancia, lejanía… puede ser sólido, transparente, perforado, texturizado, etc.

El volumen es un objeto gráfico que crea un espacio tridimensional con sus características de ancho, altura y profundidad. Se crea por medio de planos en movimiento y también perspectivas variando el tamaño, todo ello de manera ilusoria.

2. ELEMENTOS VISUALES Estos elementos, como su nombre indica, son visibles y están creados por formas con líneas, colores, texturas (según el material utilizado), ancho… componen el principal lenguaje visual del concepto, formas y figuras. Es decir, no visual no es lo que percibes sino su nivel semántico y conceptual.

Forma, todo lo visible tiene una forma que el ojo percibe e identifica el objeto.

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Medida, tamaño o escala es relativo. Un mismo elemento gráfico puede parecer grande o pequeño según la ubicación, el color y los elementos que le rodean, las pequeñas tienden a alejarse y en general, cualquier objero carece de escala cuando no se puede comparar con algo.

Color, el ojo humano puede distinguir entre 10000 colores y aquí no solo se habla de color del espectro solar, RGB, sino también a los neutros negro, blanco y grises, además de sus variaciones cromáticas según la percepción y sus propiedades materiales: tono, saturación y brillo.

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Textura, tiene que ver con el tipo de material utilizado y el resultado al usarlo+, puede atraer tanto al sentido del tacto como al visual.

3. ELEMENTOS DE RELACIÓN Depende del modo en el que relacionas las formas utilizadas dan una interpretación y significado a un diseño.

Dirección, al igual que la escala, la dirección depende de cómo esté relacionada con el receptor, el marco que lo contiene y las otras formas que tengan a su alrededor.

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Posición, depende de la estructura u otro elemento que la contenga.

Espacio, todo ocupa un lugar, un espacio y puede ser visible e ilusorio dando una sensación de profundidad que realmente no hay. Lo crea la ubicación, el tamaño, posición, color.. que se le da a la forma.

Gravedad, este elemento de relación a mi parecer es muy potente porque este efecto puede crearse no solo de manera visual, sino por medio de la psicología, atribuyendo connotaciones de estabilidad o inestabilidad.

4. ELEMENTOS PRÁCTICOS

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Representación, ¿de qué manera has realizado el diseño? Puede ser un diseño realista, estilizada, abstracta, cubista…

Significado, es lo que marca el diseño puede ser consciente o subconsciente pero todo marca un mensaje.

Función, la razón por la que se ha creado dicho diseño.

Estos fundamentos del diseño gráfico sobre los elementos base también pueden ser aplicados al diseño web como al diseño gráfico. Ya que el fin del diseño es crear un elemento estéticamente adecuado pero al mismo tiempo funcional, práctico junto con una composición semiótica (mensaje). ¿Qué te ha parecido esta información? ¿Ves más clara la simpleza de las formas y los objetos? ¿Te has quedado con alguna duda? ¡Que no sea así! Escríbeme en los comentarios.

En la próxima entrada hablaré del siguiente fundamento del diseño: la comunicación visual. ¡Vas a salir de aquí todo un experto! �

Si te ha parecido interesante esta entrada, por favor, comparte para que otros que les pueda interesar les sea más fácil encontrar esta información.

Conceptos de arte y del diseño El arte: es toda forma de expresión de carácter creativo que poseen los seres humanos. Es la capacidad que tiene el hombre para representar sus sentimientos, emociones y percepciones acerca de sus vivencias y el entorno que lo rodea.

La palabra diseño tiene un rango muy amplio de definiciones, ya que se aplica a muchas áreas del saber humano de manera más o menos diferenciada. Sin embargo, por diseño nos referimos generalmente a un proceso de prefiguración mental, es decir, de planificación creativa, en el que se persigue la solución para algún problema concreto, especialmente en el contexto de la ingeniería, la industria, la arquitectura, la comunicación y otras disciplinas afines.

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Principales representantes del diseño.

1.Storm Thorgerson Nacido en el Reino Unido, el fallecido diseñador gráfico fue conocido por haber creado las portadas de los álbumes del grupo Pink Floyd, como “The Dark Side of the Moon”. Imaginativo, surrealista y talentoso, el estilo de sus creaciones lo convirtieron en un artista destacado de su tiempo. Además de su trabajo con Pink Floyd, Thorgerson colaboró con Led Zeppelin, Peter Gabriel, Phish, Styx, The Cranberries y Muse, entre otros.

2. Paul Rand Un notable profesional que trabajo para gigantes corporativos como IBM, ABC, Enron, Ford o NexT. En todos ellos, Rand hizo valer los principios de las corrientes modernistas europeas en EE.UU, aunando bajo un mismo paraguas el constructivismo ruso, la deconstrucción holandesa de De Stijl y el racionalismo alemán de la Bauhaus. Sus diseños sobrios apuestan por la sencillez, sin por ello menoscabar el papel comunicador del logotipo. En sus propias palabras, “el diseño es simple. Por eso es tan complicado”.

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3. Andreas Preis Es un ilustrador y diseñador gráfico de Berlín, que ha trabajado para empresas como Adidas, Nike, TNT, Atomic, Bruce Dunlop & Associates, CK one, DC Comics, Digitalarts, ESPN Classic, entre otras firmas. Su estilo se caracteriza por plasmar con aerosoles y acrílicos retratos de personas y animales, por trazar líneas, abusar de ellas y combinar figuras geométricas con irregulares. “Al final, todo te inspira. La naturaleza, la gente que te rodea, la música, la ciudad, cosas que encuentras en Internet y algunos otros artistas”, dice Andreas en su sitio Web. Y agrega que todas sus piezas son obras de arte porque las dibuja y luego las escanea para trabajar digitalmente en ellas.

4. Dr. Alderete Es unas de las leyendas de la ilustración y diseño en América Latina. Su imaginación ha formado parte de la portada de muchos discos de grandes músicos. Nacido en Argentina, su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas como Illustration Now y Latin American Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los logos series, Latino y Play Loud (Die Gestalten Verlag); Place (Actar), Kustom Graphics (Korero), entre otros. Y su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo. Ha colaborado como animador independiente 13

para varias televisoras como MTV, Nickelodeon, Canal Fox y Once TV. Ha lanzado proyectos alternos, como una disquera, la publicación de libros y una tienda virtual.

5. Milton Glaser Uno de los diseñadores más importantes de los Estados Unidos. Fue co-fundador de Pushpin Studios, y creó la reconocida revista New York Magazine junto con Clay Felker. Se asoció con Walter Bernard en WBMG, en donde rediseñó periódicos como The Washington Post, La Vanguardia y O‟Globo. Su talento ha sido expuesto en diversas galerías y colecciones permanentes fuera de su país.

Una de sus creaciones más emblemáticas es el famoso logotipo: I Love New York (INY). Su obra ha sido catalogada como una profundidad de comprensión y pensamiento conceptual, combinado con una gran riqueza del lenguaje visual, altamente inventiva e individualista.

6. Alex Trochut Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado a este diseñador gráfico catalán a ser toda una referencia en Europa. Entre sus clientes más destacados se encuentra: Nike, The Rolling Stones, Nixon, Brittish Airways, CocaCola, The Guardian, Non-Format, Wieden + Kennedy, Saatchi and Saatchi, BBH y 14

Fallon, entre otros. Sus diseños, cargados de una tendencia minimalista, son de trazo elegante, detallado, a tal grado de transmitir indulgencia. La tipografía mezclada con otros elementos es algo que siempre destacará en su trabajo.

7. David Carson Arriesgado y siempre polémico, este diseñador es uno de los mejores de todos los tiempos. Sus trabajos más famosos fueron resultado de la dirección artística que él realizó en las revistas Transworld Skate Boarding, Musician, Beach Culture, Surfer, Ray Gun. En 1993, se convirtió en consultor de diseño de grandes firmas como Burton Snowboards, Game Net Outdoors, Gotiche Clothing, Hallmark Corporation, Levis, Nike y Pepsi. En 1994 y 1995 realizó tareas como director fílmico de comerciales publicitarios para empresas como American Express, Citybank, Coca-Cola, Hardees, MCI, Norton Bank, Ryders Trucks, Sega, Tv Guide, Vans y Microsoft.

8. Stefan Sagmeister Es de esos genios del arte que se pueden dar el lujo de descansar un tiempo cada siete años. Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena.

Gracias a una beca logró ingresar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a China para trabajar en las firmas Leo Burnett y Tibor Kalman. Finalmente 15

decidió abrir su estudio donde ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori.

9. Yugo Nakamura A parte de ser diseñador, también se desempeña como ingeniero y director creativo apasionado para la exploración de diversas formas de interacción en ambientes digitales interconectados. Es apodado como Yugop o el Genio del Flash. Estudió ingeniería, arquitectura y el paisaje del diseño, en Tokio, Japón.

Después de graduarse, trabajó como ingeniero especializado en diseño de puentes. Sus trabajos comerciales han recibido numerosos premios internacionales, entre ellos Cannes Lions, One Show, Premio Clio, y NY ADC. Hoy es uno de los principales diseñadores de Japón.

10. Nigel Holmes De nacionalidad inglesa, comenzó su carrera a principios de los años 70 como diseñador de revistas y diarios en su Londres natal, pero en 1977 viajó a Nueva York para crear el departamento de gráficos de la revista Time. Desde allí se convirtió en uno de los precursores de la infografía moderna y 16 años después creó su propia empresa, Explanation Graphics. Su estilo, basado en siluetas, líneas negras gruesas y uso muy limitado del color, se fortaleció en la década de los ochenta cuando las primeras computadoras Mac comenzaron a llegar a las redacciones de la revista Time, pues según Holmes, era fácil trasferir sus trabajos en papel a la máquina. Ha dado servicio a firmas de la talla de Apple, Sony, Nike o Visa.

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11. Saul Bass Su nombre está ligado a algunos de los mejores títulos de crédito de la historia, como sus conocidas composiciones para las películas de Alfred Hitchcock (Psicosis, Con la muerte en los talones) o Martin Scorsese (Uno de los nuestros), entre otros. En cierta manera, Saul Bass introdujo el movimiento y el ritmo en el diseño gráfico, pronosticando la importancia actual que tienen los motion graphics dentro de las artes visuales. Por si fuera poco, Bass es el responsable de algunos de los carteles cinematográficos más celebrados del mundo, y de algunas de las identidades corporativas más recordadas de todos los tiempos.

Importancia del diseño gráfico ante la sociedad No todo el mundo es consciente de la importancia que el diseño posee ante la sociedad, no todos comprenden la labor que desempeña un diseñador.

Existe una sociedad en la que cantidad de comercios no contratan los servicios de un diseñador gráfico para crear la imagen de su negocio. Vivimos en una sociedad en la que se piensa que un logotipo, un cartel o una página web se crean “solos”, o tal vez presionando un par de teclas del ordenador.

El diseñador gráfico, tiene la responsabilidad de producir mensajes que contribuyan positivamente a la sociedad, así mismos la creación de objetos visuales que ayuden al desarrollo y la posibilidad de identificar problemas con la capacidad de transformarlos.

Más que hacer logos, o dibujitos, el diseño actual crea comunicación visual, transforma el entorno común de letras a icono, radicando a la vida social actual en como se comunica a través de imágenes.

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El diseño es un proceso de creación visual con un propósito, que cumple una función muy importante con respecto a la comunicación y que puede afectar el conocimiento, las actitudes, los afectos y el comportamiento en las personas.

Esta profesión es capaz de responder a un problema a través de una acción: comunicar visualmente con responsabilidad, con conocimiento, con creatividad y con iniciativa, de tal manera que los proyectos contribuyan a mejorar la realidad dentro de la sociedad.

La importancia del diseño en la sociedad actual radica en su poder de comunicar ideas a través de la imagen, color, forma, tipografía y las técnicas adecuadas que se conocen como teoría del diseño.

“El diseño no sólo vende, el buen diseño sabe como vender y sobre todo como comunicar e implantarse como parte de la sociedad” Entonces podemos culminar garantizando que ofreceremos en nuestros proyectos una buena estética, una adecuada presentación, usabilidad y operatividad, y por supuesto un buen diseño con el que se sentirá conforme.

Podemos realizar todo lo que nosotros queramos, ya que la imaginación es el límite de nuestra creatividad…

¿Qué son los elementos gráficos?

Los elementos gráficos son los aspectos fundamentales de la composición visual.

Están relacionados con los significados y las expresiones culturales, por lo que los diseñadores son expertos en interpretarlos a fin de utilizarlos en sus creaciones.

Aunque el contenido es importante, estos elementos de diseño concentran el mensaje final de un producto. ¿Cuáles son los carteles en los que fijas tu atención cuando recorres un centro comercial? Seguramente, aquellos que tienen colores impactantes o armónicos, los que usan el espacio de forma inteligente o que muestran dinamismo.

Verás que tu reacción no es producto de una casualidad, pues un gran diseño depende de la combinación de los aspectos que se mencionan a continuación.

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Examinaremos en detalle estos 7 elementos; abordaremos qué significan, por qué son importantes y cómo deben usarse para crear diseños de aspecto más profesional, incluso cuando no cuentes con el presupuesto necesario.

Análisis de los 7 elementos básicos del diseño gráfico 1. Color Isaac Newton es mundialmente reconocido por haber creado el primer círculo cromático en 1706. Según cuenta la historia, Newton tomó el espectro de colores que se produce cuando la luz atraviesa un prisma (rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta) y los ordenó en un círculo segmentado. Al girar rápidamente el círculo en un disco rotativo, los colores se mezclaron y se convirtieron en blanco a la vista del ojo humano.

A continuación, podrás darte una idea de cómo era el círculo cromático de Newton. Esta versión de 1708 fue ilustrada por un pintor francés, llamado Claude Boutet, y se basa en la investigación de la teoría del color de Newton.

A lo largo de los años, diferentes científicos, artistas y filósofos adoptaron y profundizaron el sistema de categorización visual de colores de Newton, lo que derivó en el círculo cromático que conocemos hoy en día.

El círculo cromático moderno se compone de tres colores primarios (rojo, amarillo y azul), que teóricamente se pueden mezclar en diferentes proporciones para producir colores secundarios e intermedios. Si bien los estudios modernos 19

demuestran que, en realidad, la teoría del color es un poco más complicada que eso, el círculo cromático sigue siendo una herramienta valiosa para los diseñadores gráficos que buscan combinaciones de colores estéticamente agradables.

Cuando debas seleccionar tonos para un proyecto, considera los colores que aparecen totalmente enfrentados o contiguos en el círculo cromático, ya que estos suelen crear las combinaciones más agradables. También puedes considerar usar una herramienta en línea gratuita para la elaboración de esquemas de colores, como ColorSchemer, la cual te facilitará el trabajo.

Ejemplo de uso del color en diseño gráfico Este caso de ∆ Studio–JQ ∆ es un excelente ejemplo de esquemas de colores gratuitos puestos en acción. Al combinar violeta y amarillo, que están totalmente opuestos en el círculo cromático moderno, se logra un efecto intenso y muy atractivo visualmente.

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Créditos de la imagen: ∆ Studio–JQ ∆ 2. Línea Las líneas no solo son separadores. Las líneas adecuadas pueden sugerir movimiento y emociones, lo que permite unificar una composición y lograr una apariencia profesional.

Rikard Rodin, diseñador gráfico y blogger con más de 15 años de experiencia en el área del diseño, explica que las líneas pueden formar la arquitectura subyacente de un proyecto. Antes de comenzar, si defines una línea de movimiento en tu composición puede ayudarte a crear un diseño que realmente refleje el ánimo deseado.

«Puedes usar las líneas de ánimo en prácticamente todos los elementos de tu diseño», escribió Rodin en su blog. «O bien puedes contraponer líneas de diferentes ánimos en distintas partes de tu diseño para crear un diseño con más capas. Considera, por ejemplo, la línea de ánimo „ESTABLE‟. Puedes utilizarla para determinar la disposición de elementos. Puedes emplearla en la fotografía y también en la selección de fuentes».

Las líneas de ánimo no tienen que verse en la composición final, sino que pueden ser una simple guía que estructure y oriente tu trabajo. Por supuesto, las líneas también podrían incorporarse visiblemente en el diseño final.

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Ejemplo de uso de las líneas en diseño gráfico El diseñador Alexander Koltsov y los expertos de Shuka Design crearon esta impresionante identidad visual para el campeonato mundial de ajedrez de 2016 en la ciudad de Nueva York. El equipo utilizó unas espirales asimétricas de líneas superpuestas muy útiles para representar «el proceso mental de un jugador de ajedrez».

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3. Escala La escala de los diferentes elementos de un diseño ejerce un gran impacto en la forma en que el público ve y encuentra sentido a una composición. Al jugar con el tamaño relativo de los diferentes componentes de un diseño, se puede definir un punto de foco, resaltar áreas importantes y, en última instancia, guiar la mirada de los espectadores en el recorrido de la obra.

La escala no es exactamente lo mismo que el tamaño (aunque muchas personas tienden a emplear estos términos indistintamente al hablar de diseño, como cuando piden «hacer un logotipo más grande»). El tamaño hace referencia a una medida absoluta (por ejemplo, la hoja de papel de 8 pulgadas por 11 pulgadas), mientras que la escala alude a la relación directa entre los elementos de un diseño (por ejemplo, el círculo es dos veces más grande que el cuadrado).

Se puede usar la escala para crear una jerarquía visual para un diseño. Cuando en una composición se muestra un elemento en una escala relativamente más grande que los demás, nuestra mirada se dirige naturalmente hacia allí.

Ejemplo de uso de escalas en diseño gráfico Para crear una sensación de drama y relevancia, el diseñador gráfico de Nueva York Aurelio Sánchez Escudero utiliza una escala de alto contraste entre los elementos de estos materiales promocionales para la semana de innovación social en San Francisco.

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4. Forma Las formas no solo están dirigidas al aprendizaje de los alumnos de preescolar. Una forma se puede explicar en líneas generales como cualquier cosa que está definida por límites. Hay dos categorías de formas que deben considerarse: las formas geométricas, que se definen en proporciones uniformes perfectas (como un círculo, un cuadrado o un triángulo) y las formas orgánicas, que tienen bordes menos definidos y proporciones fluctuantes y, esencialmente, no tienen reglas (como las cosas onduladas o con forma de gota, que no se ajustan a ninguna categoría real).

Cuando trabajes en un diseño, ten en cuenta tanto las formas que estás decidido a incorporar (formas positivas) como las que se crean naturalmente alrededor de esas otras formas (formas negativas).

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El ejemplo más famoso que ilustra la diferencia entre las formas positivas y negativas

probablemente

sea

la copa

de

Rubin.

En

1915,

el psicólogo danés Edgar Rubin diseñó esta ilusión óptica, que hoy en día es muy popular, para mostrar cómo se pueden ver dos imágenes completamente diferentes según se miren las formas negativas o las formas positivas.

Ejemplo de uso de formas en diseño gráfico Un simple círculo siempre ha sido una forma popular y confiable para mostrar información en una composición limpia y unificada. La agencia de Sydney Made Somewhere desarrolló este logotipo sencillo y moderno para Hidden Gems of Sydney, un blog cuyo fin es destacar las atracciones de la región.

5. Alineación Piensa en la alineación como en un eje invisible que atraviesa los elementos y los conecta visualmente, ya sea por sus bordes o sus centros (consulta la imagen a continuación).

La alineación es un tema que surge con más frecuencia cuando los diseñadores debaten sobre texto y tipografía, pero es igual de importante considerar la alineación de elementos que no sean texto para crear una composición equilibrada y ordenada.

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El ejemplo anterior ilustra una alineación de bordes y centros uniformes, pero eso no significa que todos los elementos de una composición siempre deban seguir un mismo patrón de alineación. En la siguiente imagen, se puede ver que los elementos están alineados por sus bordes, pero no están unidos por ningún eje.

Ejemplo de uso de la alineación en diseño gráfico Oscar Riera Ojeda Publishers diseñó esta tapa minimalista para el libro Chasing the Sky, una obra en la que se honran las carreras de diferentes arquitectas influyentes. La tipografía del título se alinea en torno a una forma geométrica.

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6. Contraste El contraste hace referencia a la yuxtaposición de elementos claramente diferentes entre sí (grande vs. pequeño, luz vs. oscuridad, etc.) para crear un interés visual o atraer la atención hacia determinados elementos.

Sin contraste, nuestros diseños no solo son apagados y aburridos, sino también difíciles de entender. La falta de contraste suele ser lo que diferencia un trabajo de diseño mediocre de los que son de aspecto profesional, pulido y claro.

Considera las siguientes imágenes como ejemplos: en la imagen de la izquierda, no hay suficiente contraste entre la foto de fondo del hombre que está trabajando en un escritorio y el texto en blanco. No resulta agradable a la vista y el mensaje es difícil de comprender. En la imagen de la derecha, se oscureció el fondo para crear más contraste y facilitar la lectura del texto.

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Ejemplo de uso del contraste en diseño gráfico El equipo de Barcelona toormix demuestra su gran experiencia en la combinación de distintos contrastes en el diseño del cartel para la semana de diseño de 2016 en Barcelona.

7. Espacio El espacio es exactamente lo que parece: las áreas vacías entre los elementos de un diseño. Cuando se trata de crear diseños propios de aspecto profesional, a veces, lo que no se incluye es tan importante como lo que sí se incluye.

Al trabajar en un diseño, considera no solo los elementos que incorporas (como las imágenes y el texto), sino también cómo los ordenas y los agrupas en la composición. Puede resultar tentador rellenar cada una de las pulgadas de tu lienzo digital, pero intenta dar cierto espacio a los elementos para que respiren.

En el siguiente ejemplo, se puede ver cómo el cambio de espacio y de agrupación de los elementos crea una sensación completamente diferente en la composición.

A la izquierda, el espacio uniforme entre los elementos genera una sensación de orden y seguridad. A la derecha, los distintos espacios entre los elementos transmiten desorden y confusión.

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Ejemplo de uso del espacio en diseño gráfico En

este

cartel

del

diseñador Jonathan

Lawrence,

el

texto

«March

Madness» aparece escrito con un espaciado poco convencional, lo que crea un interés visual inesperado que no se lograría de otro modo, con un diseño minimalista.

¿Ya tienes alguna idea para tus próximos diseños? Da vida a tus proyectos con el uso correcto de estos elementos, tanto si los harás por tu cuenta como en el caso de que solicites ayuda de un especialista.

Calidad del diseño. Asegurará el cumplimiento de las necesidades de los clientes, se adelantará a los posibles defectos que puedan surgir y asegurará la calidad del proceso de diseño.

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Punto El punto es un signo de puntuación. Se usa para indicar el final de un párrafo o de un texto que no sea exclamativo ni interrogativo. También se usa después de las abreviaturas. Además es usado tanto como separador decimal y como separador de millares.

Línea Una línea funciona como una sucesión continua de puntos trazados, como por un trazo o un guion. Las líneas suelen utilizarse en la composición artística, ya sea que el artista lo use en trazos rectos sueltos, que no forman una figura o forma en particular.

Plano En geometría, un plano es un objeto ideal que solo posee dos dimensiones, y contiene infinitos puntos y rectas; es un concepto fundamental de la geometría junto con el punto y la recta.

Volumen El volumen es una magnitud métrica de tipo escalar definida como la extensión en tres dimensiones de una región del espacio. Es una magnitud derivada de la longitud, ya que en un ortoedro se halla multiplicando tres longitudes: el largo, el ancho y la altura.

Los elementos de la composición visual Sin importar el tipo de diseño del que se trate la correcta composición visual debe prevalecer para garantizar un mensaje visual comprensible, significativo y efectivo. ¿Cuáles son esos elementos?

1.Punto Se trata de la unidad visual mínima que se encuentra en una composición visual, a partir de él se desarrolla toda clase de trazos y órdenes gráficos.

2.Línea Trasladar un punto hacia otro sitio a través de un trazo genera una línea, que propicia una dimensión visual de forma curva, recta o mixta en posición vertical, horizontal o diagonal.

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3.Volumen Las líneas desplegadas en un campo visual son capaces de generar volumen y construir composiciones visuales que se pueden detallar y sofisticar.

4.Textura La destreza visual debe ser capaz de generar una sensación de realidad al observar un diseño. Ello se logra con perspectiva e intensidad de color al generar un diseño.

5.Contraste Permite la comprensión efectiva del contenido visual y se obtiene a partir de uso de distintos colores, grosores, texturas y apariencias 6. Simetría o asimetría La simetría propicia igualdad de formas, colores y texturas para los elementos visuales de un diseño, la asimetría es la ausencia de esta condición de igualdad.

7. Espacio libre El diseño necesita “respirar” y ello se logra ofreciendo espacio visual libre que garantice que no se canse la vista.

8. Profundidad y perspectiva El punto de vista desde el cual parte el espectador dice mucho de la perspectiva y caracter que va adquirir el objeto de diseño.

9. Movimiento El diseño será más dinámico si se integran elementos curvos y colores vivos, mientras que las imágenes y poca luz rígidas darán una sensación de rigidez.

10. Conjunción de elementos Integrar cada uno de los elementos mencionados anteriormente es lo que hace posible el “milagro ” y el éxito del diseño gráfico y la creatividad visual.

Qué es Integración de Diseños La integración de diseños se refiere a la concepción y desarrollo integral de un proyecto desde el punto de vista de los diseños técnicos que lo componen, centrado en las necesidades de los usuarios y haciendo énfasis en la integralidad del proyecto y en las interrelaciones entre los distintos tipos de diseños que lo componen.

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UNIDAD DISEÑO Unidad Diseño es un estudio independiente que trabaja en los campos de la arquitectura, el diseño urbano y la planificación, con más de 40 años de experiencia en proyectos en México y América Latina.

El estudio adopta un enfoque multidisciplinario para desarrollar proyectos, uniendo viabilidad económica, diseño sostenible e innovación.

El orden por su parte se refiere al hecho de ordenar los elementos en la página o producto, lo cual va muy ligado a la jerarquización: ordenar exige establecer unas preferencias. Esto lleva a su vez en parte a la proporción ya que al final siempre existe relación entre los diferentes conceptos.

Armonía En diseño gráfico y arte, la combinación de elementos de forma equilibrada sin que ninguno predomine de forma que parezca inapropiada. Una composición o diseño armonioso provocan sensación de unidad, de que todo fluye apropidamente y que todo está en el lugar adecuado.

El punto focal de una composición gráfica es el área de mayor interés y donde se enfoca la atención del observador. Puede ser establecido a través de un color, una forma, una tipografía o cualquier otro elemento que destaque del resto y se transforme así en el centro de interés.

La anomalía es la presencia de la Irregularidad en un diseño en el cual aún prevalece la regularidad. Marca cierto grado de desviación de la conformidad general, lo que resulta en una interrupción, leve o considerable, de la disciplina total.

Simetría en diseño Para lograr la simetría es necesario alcanzar un equilibrio visual, colocar los elementos que conforman la composición gráfica de todo diseño a la misma altura tanto en un lado como el otro, poseer la misma selección cromática, las mismas texturas, y en general, semejar un espejo cuando se coloca cualquier objeto .

Contraste en diseño El contraste es uno de los principios del diseño. Contraste se produce cuando dos elementos son diferentes. Cuanto mayor sea la diferencia mayor será el contraste. ... Por el contrario, un contraste bajo puede establecer el foco en donde no corresponde.

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La Importancia del Diseño en la Actualidad En tiempos pasados, el diseño no era considerado como una herramienta importante ni como algo totalmente necesario para una marca. Y en lugar de trabajar de la mano, era opacado por la publicidad. Poco a poco esta ideología ha ido cambiando, hasta llegar a este punto en el cual se ha convertido en el centro de atención para las marcas, y como algo totalmente necesario y que se debe destacar.

Pero, ¿qué cambió? Aunque como ejemplo mencionemos a un cliché del medio, Apple logró cambiar la perspectiva del diseño e hizo que su marca coloque a este como el eje principal de sus ventas. Desde las medidas minuciosas que se utilizan para diseñar el redondeado de las puntas de sus productos, hasta sus impecables empaques y su interfaz amigable con el usuario, Apple se ha destacado por el uso del diseño y ha demostrado que el diseño es capaz de mover masas.

Hoy en día, el diseño no se basa únicamente de crear un logotipo, o un simple empaque sin un fundamento. El diseño es una herramienta que es capaz de crear un estilo de vida, y reflejar las cualidades de sus consumidores en los productos o servicios de una marca. Además, poco a poco nos hemos convertido en seres cada vez más visuales, por lo que las se han visto en la obligación de crear productos tan vistosos que sean capaz de destacar en la percha de una tienda o supermercado.

características para ser buen diseñador

Capacidad de innovar La innovación es una de las principales claves del éxito en cualquier modalidad del diseño. Aquello que es diferente, creativo y nuevo es lo que más llama la atención 33

del público. Por ejemplo, en el caso del diseño web, aquellas páginas más creativas o innovadoras son las que llamarán la atención de un público más amplio. Por este motivo, contar con la capacidad de innovar es una de las características para ser buen diseñador más necesarias hoy en día.

Trabajo en equipo La capacidad de trabajar en equipo es otra de las características para ser buen diseñador más necesarias hoy en día. La gran mayoría de modalidades del diseño precisan la colaboración con profesionales de otros ámbitos, así como una comunicación constante con el cliente. Es imprescindible poder trabajar en equipo y mantener una comunicación constante en cuanto a los objetivos o propósitos cada proyecto o diseño.

Comunicación Además de establecer una comunicación clara con el cliente y los colaboradores, cualquier diseñador debe ser capaz de comunicar sus mensajes de forma eficaz a través de sus diseños. Esta capacidad de comunicar, en el ámbito del diseño, deberá ir siempre acompañada de mensajes creativos.

Creatividad Se trata de otra de las características para ser buen diseñador más importantes. La creatividad es, hoy en día, lo que permite a las marcas o empresas destacar frente a su competencia. Por este motivo, los mejores diseñadores siempre están dispuestos a aceptar nuevos proyectos y atreverse a probar nuevos diseños.

Capacidad de organización Tanto el trabajo en equipo como la capacidad de organización son características para ser buen diseñador imprescindibles. Hay muchas ocasiones en las que los diseñadores deben trabajar en equipo; sin embargo, también hay otras en las que 34

éstos deben ser capaces de organizar su propio tiempo, gestionar sus propios proyectos y cumplir sus fechas de entrega.

Aceptar críticas y ser autocrítico Otra de las cualidades necesarias para ser un buen diseñador es la capacidad de aceptar críticas. Todos los buenos diseñadores están dispuestos a recibir críticas y feedback, con el objetivo de mejorar y evolucionar en su carrera profesional.

También es importante tener la capacidad de ser crítico con los proyectos y diseños de uno mismo.

Capacidad para solucionar problemas En la gran mayoría de modalidades del diseño, al realizar un proyecto, pueden surgir inconvenientes o ciertos cambios. Por este motivo, otra de las características de un buen diseñador es la capacidad de solucionar problemas de una forma rápida y eficaz.

Constancia El diseño cambia y evoluciona de forma constante. Esto significa que las modas y tendencias no siempre son las mismas; por este motivo, al empezar en el mundo del diseño no siempre es fácil llamar la atención del público. Otra de las características que tienen en común todos los buenos diseñadores es la constancia y la pasión por su profesión.

aspectos que debe considerar a la hora de evaluar un diseño gráfico

Sin lugar a duda a la hora de dar una imagen de profesionalismo, atraer a clientes potenciales y generar confianza, el diseño gráfico es un poderoso elemento que influye de gran manera sobre estas tres cosas y en general envía un muy buen 35

mensaje cuando se usa con consistencia en los diferentes puntos de contacto entre la marca y el cliente.

Con el ánimo de que tenga mayores elementos de juicio la próxima vez que deba encargar a alguien la realización de un diseño o en caso que sea de esas personas que les gusta hacerse cargo de este tipo de tareas aún sin ser diseñador (bien sea utilizando herramientas amateur como PowerPoint o Canva, o profundizando en el conocimiento de otras más avanzadas como Photoshop o Adobe Illustrator), tener en cuenta los siguientes aspectos le ayudarán a mejorar el impacto de sus diseños y hacer que luzcan mucho más profesionales.

1) Simplicidad A diferencia de lo que se suele pensar, un diseño resulta mejor cuantos menos elementos incluya y más despejado o limpio se vea. A mayor sea la saturación y cantidad de elementos que se incluyan en una pieza creativa más difícil será para quien la vea guiarse a través de ella e intentar establecer un orden que le permita identificar qué es lo más y lo menos importante. Por esa razón mientras menos distracción haya en sus diseños y más digeribles los haga simplificando al máximo la información que ponga en ellos, mayor efectividad tendrán. En este sentido reducir al máximo la cantidad de texto de los diseños y crear un orden que guíe a las personas destacando lo más relevante y quitando cualquier elemento innecesario que pueda servir como distractor, les hará mucho más fácil y agradable visualizar la pieza y digerir el contenido que haya en ella.

2) Jerarquía visual Cuando hablamos de orientar a las personas la jerarquía visual juega un importante papel ya que permite establecer un orden que facilite la lectura del diseño así como brindar mayor relevancia a ciertos elementos y un papel menos destacado a otros.

Así como un texto se puede organizar a partir de tres niveles definidos por el título, los subtítulos y los párrafos, de la misma forma definir una estructura para el diseño que pueda ser similar o diferente a esta resulta fundamental para su comprensión.

Un aspecto que juega un papel clave cuando se trata de la jerarquía visual es el punto focal. Este generalmente es el elemento más prominente dentro del diseño y aquel que al llamar más la atención representa el punto de partida a partir del cual las personas comenzarán a visualizarlo. En el caso de la estructura de tres niveles que mencionábamos el título sería ése elemento que representa el punto focal.

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3) Contraste El uso del contraste tanto en los colores como en las tipografías ayuda a realzar y dar vida al diseño. Sin embargo no estamos hablando de cualquier contraste. En el caso de los colores por ejemplo, hablamos de contrastes fuertes como los que se pueden producir entre un color claro o tenue y otro oscuro. En diseño a la claridad u oscuridad de un color se conoce como su valor. Mientras que los colores de valores diferentes pueden generar contrastes más marcados, aquellos con valores similares no lo son tanto.

Por otro lado el uso de tipografías distintas aporta dinamismo al diseño y evita que caiga en la monotonía en caso que incluya una importante cantidad de texto. Sin embargo para que este luzca bien se recomienda usar estilos diferentes pero que combinen y evitar el uso de tipografías similares. Asimismo pueden hacerse variaciones en los estilos de letra, el tamaño y los colores con moderación.

4) Uso apropiado de colores y tipografías Aparte de requerir usarse con moderación ambos elementos, un aspecto clave a tener en cuenta en los diseños es elegir cuidadosamente tanto los colores como las tipografías que se van a utilizar en estos. Teniendo en cuenta que dependiendo el tipo de industria, los valores que definan una marca y el tipo de personas a las que esta se dirige asimismo convendrá hacer uso de una determinada paleta de colores y tipos de letra, no podemos hacer una selección de estos elementos basándonos en nuestros propios gustos.

Para el caso de los colores por ejemplo, ésta infografía muestra cuáles aplican para qué industria y su significado detrás. De igual forma para conocer mejor las tipografías y lo que cada una transmite, esta infografía puede darle información útil al respecto.

5) Espacio y composición Finalmente hay dos aspectos que influyen en un buen diseño: el espacio y la composición. En el caso del primero, si bien puede pasar desapercibido, el espacio en blanco es fundamental para ayudar a organizar y equilibrar el diseño ayudando a separar los diferentes elementos que lo componen. De esta manera permite dar un respiro a las personas para que puedan enfocarse mejor en aquellos elementos que más nos interesa que se enfoquen.

Por otra parte aunque ya hemos visto algunas formas en que se puede orientar a las personas a través de un diseño, mediante la composición se puede lograr un mejor equilibrio entre los diferentes elementos que lo componen y distribuirlos por ejemplo a partir de dividir el espacio en cuadrículas en lugar de hacerlo sin ningún 37

criterio que permita manejar mejor el espacio. Si bien existen varias reglas que permiten abordar esto, esta de la que estamos hablando se llama la regla de los tercios y es una de las más comunes: consiste en dividir el diseño usando dos líneas horizontales y dos verticales igualmente espaciadas. En ella se recomienda poner el punto focal o bien en una de las líneas o hacerlo en uno de los 4 puntos donde éstas se cruzan y a partir de ahí distribuir cada uno de los elementos apoyándose en la cuadrícula para ordenar equilibradamente cada uno de los elementos.

Función del diseñador grafico El diseño gráfico es una forma de comunicación. Los diseñadores gráficos son comunicadores que, mediante herramientas tecnológicas o a mano, son capaces de crear nuevos conceptos. Tratan de llegar a los usuarios para conseguir que el mensaje les impacte. Utilizando diferentes herramientas, transmiten una idea.

La expresión del Diseñador Gráfico La expresion grafica es el arte de comunicar ideas atravez del dibujo, entre mas compleja la idea mejor debe de ser la expresion. Es muy usada por los arquitectos para que en un plano puedan decir todos los elementos que componen la cosntruccion.

Representación: Se refiere a la forma de realizar el diseño: puede ser una representación realista, estilizada o semi-abstracta.

Significado: Todo diseño conlleva conciente o subconscientemente un significado o mensaje.

Función: Para lo que esta creado dicho diseño.

Definición de diseño grafico El diseño gráfico es una profesión y disciplina académica cuya actividad consiste en proyectar comunicaciones visuales destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales, con objetivos determinados. Esta actividad ayuda a optimizar las comunicaciones gráficas.

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tendencias de diseño gráfico que necesitas tener en cuenta

Más que los patrones que surgen de fuentes populares en Dribbble y Behance, las tendencias de diseño pueden ser algo misterioso.

Están influenciadas por la cultura y los medios, el pasado y el presente, la tecnología, la moda y otras industrias.

Van y vienen, pero es difícil saber con exactitud cuándo.

Madeleine Morley en El Instituto Estadounidense para Artes Gráficas (AIGA, por sus siglas en inglés) dice lo siguiente: “Una tendencia nunca surge solo para un año y luego se esfuma en una nube de humo. En cambio, una estética se vuelve popular de manera gradual, incluso misteriosa, con el paso del tiempo antes de esfumarse lentamente sin notarse demasiado.”

Las tendencias de diseño que cubriremos aquí no se materializaron mágicamente; las tendencias tienen un momento culminante, y es bastante probable que hayas visto muchas de ellas en una u otra forma durante los últimos años.

Pero incluso si no eres alguien que siga las tendencias, como un diseñador, es prudente estar consciente de los cambios que ocurren en tu industria – aunque solo sea para evitarlas antes de que se vuelvan trilladas, o para tener la oportunidad de convertirlas en algo nuevo e interesante.

Si bien predecir las tendencias con alguna certeza es un trabajo complicado, muchos miembros de la industria del diseño parecen haber llegado a un consenso sobre qué estilos y enfoques tienen una mayor probabilidad de prosperar.

Hemos reunido nueve posibles tendencias para mantenerse pendiente: 01. Estilo Retro “Moderno” Al contrario de lo vintage o retro “antiguo” – estilos basados en la década de los años de 1900 hasta los 60 – el retro “moderno” toma sus influencias estilísticas de décadas más recientes, finales de los años 70 hasta los 90. Piensa en las primeras computadoras y videojuegos, arte de pixeles y temas espaciales: ser nerd es la nueva moda.

Veamos algunos ejemplos:

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Este diseño de ilustración y de camiseta por Ralph Cifra tiene todo tipo de nostalgia. El tema tecnológico también combina bien con las influencias retro modernas.

Y los diseños de anuncios de The Welcome Branding Group para una tienda de música tienen una sensación retro pero contemporánea, repletos de discos de vinilo y un sistema solar:

Un estilo de los años 80 distintivo de las marcas de artículos de papelería de Write Sketch & y Officemilano:

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Por último, un envase limitado de “edición pixelada” diseñado para Colca-Cola por Erin L. M. McGuire. Presenta a los invasores del espacio del juego de maquinitas del mismo nombre que fue lanzado en 1978.

02. Diseño de Materiales

Google causó algo de sensación en el mundo del diseño cuando introdujo sus lineamientos para diseño de materiales. Este lenguaje visual se caracteriza por 41

“elecciones de color deliberadas, imágenes de borde a borde, tipografía de gran escala, y espacio blanco intencional” para crear una apariencia gráfica y llamativa, según Google.

Algunos se refieren al diseño de materiales como “Plano 2.0” porque, en muchos sentidos, es una actualización a la tendencia de diseño plano, agregando luz/sombra, profundidad, y movimiento para una sensación más tangible de realismo.

Aunque Google creó esta guía para la web y dispositivos móviles, verás que los principios del diseño de materiales aparecen en toda clase de formatos de diseño.

Este concepto de sitio web por Balraj Chana incorpora muchos principios de diseño de materiales, incluyendo colores llamativos, letra grande, y efectos de luz y sombra. Los formatos basados en tarjetas o mosaicos (mira los elementos del menú a la izquierda de esta imagen) también son parte del diseño de materiales.

Para saber más sobre eso, dirígete a la tendencia #6.

Algunas ilustraciones en Plano 2.0 para una aplicación del clima de Disky Chairiandy integran efectos de luz y sombra para producir un efecto de profundidad:

Este es otro sitio web, diseñado por Al Rayhan, que presenta colores contrastantes brillantes y un poco de navegación basada en tarjetas, pero con un diseño más tradicional – un buen equilibrio entre lo conservador y lo moderno.

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Si buscas probar una combinación de colores vivos de diseño de materiales, échale un vistazo a Material Palette. Es un generador de combinaciones de colores que puede ayudar a elegir rápida y fácilmente una selección de tonos versátil.

03. Colores Brillantes y Llamativos Entrando en los estilos de los años 80/90 y en el diseño de materiales, los tonos vibrantes deberían seguir probando ser selecciones populares.

Esta tendencia sería un distanciamiento de las paletas más tenues inspiradas en los años 60 para favorecer a los colores pastel, neón, más ricos y saturados.

El Informe de Colores de Pantone se encuentra justamente alineado con esta predicción.

Informe de Colores de Primavera de Pantone Un tono casi neón de verde combinado con amarillo dorado realmente logra que este póster resalte. Fue diseñado por In the Pool, un estudio con sede en Paris.

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Aquí, Michael Fangman aplicó algunos degradados brillantes de colores pastel sobre la imagen en el diseño de su página principal:

Para terminar, un diseño indudablemente inspirado en los años 80 de Tron Burgundy con colores eléctrico y formas geométricas, el cual nos lleva a nuestra siguiente tendencia:

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04. Formas Geométricas Las formas y patrones geométricos son un motivo que se alinea con algunas de las tendencias de la época de los años 80 que ya hemos observado. Este puede aplicarse de diversas maneras – como elementos gráficos individuales, como fondos, como una técnica ilustrativa.

También mantente atento de un estilo conocido como “low poly”, el cual comenzó como una técnica de modelado para videojuegos. Esta apariencia angular y en facetas continuará apareciendo fuera del mundo de los videojuegos, en proyectos web e impresos (como el diseño debajo por Vivek Venkatraman).

Hay muchos tutoriales disponibles para crear un efecto low-poly, ya sea desde cero o tomando un atajo con una herramienta como esta. O tan solo elige una selección de texturas low-poly gratis darle un vistazo a la tendencia de manera fácil.

Aquí se encuentra otra perspectiva sobre la geometría de Tank Design, con formas superpuestas que crean un fondo colorido para una tarjeta de presentación.

utiliza hexágonos para darle vida a una plantilla de email e incluso recorta las fotos en formas que coincidan:

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Los trĂ­angulos coloridos en este empaque de chocolate por Bag of Bees crean un fondo llamativo y simboliza el sabor de los productos:

Por Ăşltimo, en el siguiente empaque de marca por Simeon, formas circulares y rectangulares simples se combinan para formar un tema visual versĂĄtil:

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05. Espacio Negativo El espacio negativo y/o blanco es una parte esencial para todo buen diseño. Pero si se usa estratégicamente, el espacio negativo puede ser una forma ingeniosa de agregar un significado más profundo o doble a tus diseños, en especial para logos y proyectos de presentación de marca. O simplemente puede contribuir en que tu composición tenga una apariencia más minimalista.

En este diseño para un restaurante llamado “The Swan & Mallard”, John Randall logró incluir en una manera sumamente creativa un cisne, un añade real, y el signo “et” (&) en el logo mediante la interacción del espacio positivo y negativo.

De manera diferente, el espacio negativo en este logo por Sameer Ahmed transmite movimiento y contexto a la palabra que está siendo pronunciada:

Mira con atención las formas y espacios creados por el violín en el póster de concierto de Sam Hadley. Forman una serie de números –1, 2 y 3 – que son parte del nombre del evento.

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Y un par de diseños más abstractos, pero igualmente efectivos. Ambos trabajan para apoyar un tema en una forma inesperada.

El primero, por Andrea Minini para PETA (Personas por el Trato Ético de los Animales, por su nombre en español), toma un minuto apreciarlo completamente.

A primera vista, es como si estuvieses mirando formas abstractas parecidas a listones, pero luego te percatas de que el espacio negativo formado por esas formas se ven como animales.

Ahora te das cuenta que los mismos listones también parecen animales, y la interacción del espacio positivo y negativo crea una serie de figuras que se mezcla a la perfección entre sí (de izquierda a derecha, un ave, un gato, un conejo, un gorila, un perro/lobo, y un oso) para crear una especie de ilusión óptica. ¿Pudiste ver a todos los animales?

El siguiente, un diseño de portada de libro por Jason Booher, toma un concepto del título (inmersión) y solo usa líneas curvas y espacio negativo para crear (de manera abstracta) la imagen de un persona inmersa en agua o alguna otra sustancia.

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06. Estructuras Modulares Las estructuras modulares o basadas en tarjetas han sido adoptadas por algunas de las marcas más importantes para sus sitios web y aplicaciones móviles. Pero organizar los diseños (de todos los medios) de acuerdo con una cuadrícula no es algo nuevo.

Son los módulos autocontenidos o tarjetas usados como el principio básico de organización lo que ha creado el giro de una nueva tendencia.

Esta estructura de sitio web de Balraj Chana abraza completamente esa tendencia, incluyendo los gráficos de estilo tarjeta y la navegación en múltiples configuraciones:

Pero las estructuras no tienen porqué apegarse a una estricta cuadrícula donde todo se encuentre perfectamente ordenado. Pueden ser un poco más flexibles y libres y seguir funcionando como una herramienta de organización eficaz. Por ejemplo, este diseño por Natalie Armendariz:

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07. Tipografía Dramática De acuerdo con esta tendencia, la tipografía no solo es para leerse – es para hacer una declaración. Busca una letra grande y atrevida que sea el centro de atención. Puedes crear drama a través del tamaño, pero también por el color, textura, o colocación.

El diseño de SNASK puede usar todas esas cualidades y muchas más para su intensa y llamativa tipografía. La agencia hizo a mano una serie de letras para crear el arte de la portada para una revista.

Aunque sea más moderado en su estilo, este diseño completamente en letras por Brendan Prince yuxtapone diferentes estilos y tamaños de tipografía para lograr una composición más interesante y llamativa:

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Por el contrario, este enfoque mucho más minimalista de Ben Schade depende en gran medida del color y la forma para su drama:

En cuanto a nuestro último ejemplo de esta sección, el póster tipográfico de Julie Joanny presenta una colocación libre de las letras más texturas y elementos lineales para mejorar la letra:

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08. Ilustraciones Personalizadas Se dice que la fotografía de archivo (stock) está muerta. Pero aun cuando todavía ni siquiera haya soltado su último aliento, la fotografía de archivo y los gráficos están siendo reemplazados más a menudo por imágenes o ilustraciones personalizadas.

Al fin y al cabo, ningún diseñador desea que su trabajo sea como el resto, genérico, y ninguna empresa quiere que los elementos de su marca aparezcan en el sitio web de su competencia. Por eso, muchos diseñadores han invertido en el trabajo extra para crear soluciones únicas.

Mientras las marcas continúen abrazando el pensamiento creativo y otros enfoques centrados en el diseño, esta táctica de hacer las imágenes más personalizadas y relacionadas seguirá creciendo.

Por ejemplo, Vlad Shagov en Railsware ha actualizado el sitio web de su compañía para el próximo año con un alegre encabezado ilustrado y personalizado:

Dropbox también toma un enfoque personalizado para las imágenes de su página principal con ilustraciones amigables y casuales – más parecidas a garabatos – que respaldan la información que se comunica:

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El empaque de Saudade Tea‟s lleva esta táctica hacia una dirección más tradicional, con hermosas ilustraciones de acuarelas:

09. Estilo Minimalista Abstracto A diferencia de los estilos más extravagantes inspirados en los años 80 que hemos visto hasta el momento, esta tendencia se basa en el minimalismo y deconstruyendo o distorsionando formas reconocibles.

Por ejemplo, la identidad de Aurėja Jucevičiūtė para una escuela de música remueve algunas de las formas asociadas con la notación musical y las vuelve a unir en una forma única:

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Aquí se presenta una portada de un álbum por Lukas Haider que presenta colores vibrantes, pero el texto se mantiene a un mínimo y el gráfico principal es una mezcla de formas abstractas vagamente orgánicas:

Por último, estos dos diseños de StudioBrave y Kajsa Klaesén integran formas geométricas y colores brillantes como algunos de los otros diseños que hemos visto, pero lo hacen en una manera simplista, con mucho espacio blanco y un formato aparentemente aleatorio.

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Para que comiences con tu propio proyecto de diseño minimalista, asegúrate de darte la vuelta por nuestra selección de 60 fuentes gratuitas para diseños minimalistas.

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