EFÍMERO. Revista de Arte y Moda Masculina

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AÑOS 60, 70 y 80 la formación de la identidad estética masculina actual

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AÑOS 60, 70 y 80 la formación de la identidad estética masculina actual

Uno sumario 01 editorial + staff 03 exposición: william kentridge 04 icono: stanley donnen 06 márgenes: josé acosta 07 versus: sinpatrón vs oihana alvar 08 piezas: cristina lópez 10

Dos

reportaje: 3 décadas de iconos 12 entrevista: alvarado 18 análisis: balenciaga 22 reportaje: inventando al hombre moderno 30

Tres viaje: Nueva York 36 pasarela: milán o/i 12/13 37 disco libro cine fiesta 38 exposición 39 imagen: avedon 40

Sumario

Editorial ¿Puede un diseño de Chanel tener tanta importancia histórica como una pintura de Picasso? Desde que el arte salió de los museos y se instaló en la vida cotidiana, todo es posible.La moda es un fenómeno social, un medio por el cual las generaciones expresan ideas y filosofías que llenan de imágenes las páginas de la historia. La moda y los movimientos artísticos han tenido siempre una conexión muy particular, han compartido siempre espacios en los que EFÍMERO quiere situarse.

Concebida desde la idea de que la moda es algo más que la tendencia, algo más que el simple ir y venir, devenir, de colores, prendas y formas, y acercándose más a la dimensión creativa de esta disciplina, EFÍMERO habla de la moda como hecho artístico y realidad estética, que se nutre constantemente de otras artes y que, en un interminable camino de ida y vuelta, influye en ellas.

STAFF revista EFÍMERO número 1 Año 1 dirección: DANIEL LÓPEZ MARTÍNEZ redacción: DANIEL LÓPEZ MARTÍNEZ dirección de arte: DANIEL LÓPEZ MARTÍNEZ diseño + maquetación: DANIEL LÓPEZ MARTÍNEZ consejo editorial: FRANCISCO QUERO CARLOS SÁNCHEZ DE MEDINA ELENA ROBLES DAVID LÓPEZ RUBIÑO MAR BERMÚDEZ fotografía portada: DANIEL LÓPEZ MARTÍNEZ distribución + publicidad + suscriptores + propuestas de colaboración:EFIMERO@REVISTAEFIMERO.COM www.revistaefimero.com Real de Cartuja 71 5A 18012 Granada tel:958290196 imprime ECOPRINT depósito legal GR-1418-2012 ISSN: 2173-2086 El criterio de los artículos es responsabilidad exclusiva de su autor y no refleja necesariamente la opinión de EFÍMERO. Reservados todos los derechos.

El contenido de esta obra está protegido por la Ley, que establece penas de prisión y/o multas, además de la correspondiente indemnización por daños y perjuicios, para quienes reproduzcan, plagien, distribuyan o comuniquen públicamente, en todo o en parte, una obra literaria, artística o científica, o su transformación, interpretación o ejecución artística fijada en cualquier tipo de soporte o comunicada a través de cualquier medio, sin la previa autorización.

EFÍMERO está pensada y creada para profesionales tanto del mundo de la moda como del arte, interesados en estos espacios de contacto de ambos mundos. Diseñadores, estilistas, historiadores y fotógrafos de moda, que busquen en el resto de las artes una fuente de inspiración rica e interminable. Creadores que tengan en Balenciaga, Yves Saint Laurent, McQueen o Galliano un referente, que miren hacia aquellos momentos en los que la moda trasciende sus propios límites y se convierte, por derecho, en una disciplina artística más. Pero también autores de cualquier disciplina, pintura, escultura, vídeo, performance, literatura, música, que quieran profundizar en los temas propuestos, que entiendan la moda como influencia y que creen en esa dirección, en la de los esquemas no demasiado definidos ni establecidos.

Cada número, de los cuatro que se editarán cada año, girará en torno a un tema monográfico como punto de partida; en el que se profundizará a través de una fuerte carga teórica y de un amplio contenido gráfico. Dividida en tres partes, EFÍMERO, se abre con una serie de secciones breves en las que varias firmas, emergentes o consagradas, nos hablarán del tema propuesto y de su propia obra. El cuerpo central de la revista contará con artículos y reportajes de diversa extensión, que desarrollarán el argumento propuesto, así como con una entrevista a un profesional de reconocido prestigio que aportará su visión personal del tema central. Por último, la publicación se cerrará con una nueva sección de breves, que completarán y cerrarán la visión del monográfico.

En este número 1, EFÍMERO habla de las décadas de los sesenta, setenta y ochenta del pasado siglo, como los años decisivos en los que se formó la identidad estética de los hombres de hoy en día. A través del diseño de moda y del resto de disciplinas artísticas, conoceremos las influencias, las realidades y los resultados de la imagen del hombre actual.

Bienvenidos a estos espacios indefinidos.

Daniel López Martínez

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MUSEOS

William Kentridge ¿No se unirá usted al baile?

Centro de Arte Contemporáneo de Málaga 14 de febrero 13 de mayo PRIMERA EXPOSICIÓN DE TAPICES EN ESPAÑA DEL ARTISTA SUDAFRICANO. MOSAICOS, ESCULTURAS, BOCETOS, COLLAGES, VÍDEO Y SUS INCONFUNDIBLES DIBUJOS SON OTROS TRABAJOS QUE PODRÁN VERSE EN LA EXPOSICIÓN COMISARIADA POR FERNANDO FRANCÉS. LA PIEZA CENTRAL ES UN TAPIZ BASADO EN UN MAPA DEL SIGLO XIX DE MÁLAGA Y QUE SE PODRÁ VER POR PRIMERA VEZ EN EL CAC MÁLAGA. LA EXPOSICIÓN REPASA EL TRABAJO MÁS RECIENTE DE UNO DE LOS ARTISTAS MÁS PROLÍFICOS E INFLUYENTES DEL ARTE CONTEMPORÁNEO.

Desde que en los años noventa Kentridge saltara al panorama internacional con su obra Drawings for Proyections (Dibujos para Proyecciones), cortometrajes de animación que representaban la vida diaría durante el aparheid, la obra del sudafricano ha reflejado variados conflictos políticos alrededor del mundo. Si bien, su arte se diferencia de otras obras con fuerte carga política en que describe los efectos de estos conflictos en perpetradores, víctimas y espectadores, sin distinción.

Artista multidisciplinar, desde los años 70, se implica en cine de animación y teatro, como actor, director o guionista. Su obra abraca escultura, pintura, tapices, cortometrajes, grabado, collage, libros o producciones teatrales, siempre

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MUSEOS

investigando su mundo interior y los conflictos políticos que le preocupan.

Kentridge parte siempre del dibujo para el desarrollo de sus obras, en un continuo proceso de ensayo error que queda reflejado constantemente, ya que fotografía todos los pasos de sus obras. Sus cortometrajes guardan la huella de todo el proceso y la acumulación, “Cualquier trabajo mío empieza siempre con dibujos. Es como un diario íntimo en el que se entrecruzan los acontecimientos políticos que me impactan”.

En 2001 comienza a realizar sus series de tapices para ser enrrollados y transportados, “como murales portátiles” en palabras del propio autor. La elaboración de estas piezas sigue un complejo

proceso en el que Kentridge realiza collages de papel negro sobre fragmentos de mapas y atlas, con los que se elaboran cartones que sirven de guías a las tejedoras del Stephens Tapestry Studio, en Sudáfrica.

Su tapiz más reciente ¿No se unirá usted al baile? se ha tejido en exclusiva para el CAC, a partir de fragmentos de un plano de Málaga de 1880 rescatado en la Diputación Provincial, siendo además un homenaje a Picasso.

La exposición la completan mosaicos y la proyección anamórfica What Will Come HAs Already Come (2007), sobre la invasión italiana de Etipía.

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ICONO

¿Qué haría yo sin

Stanley Donen?

Por José Antonio Ramos Pérez Cada vez que el mundo amenaza con volverse más feo, me paro un momento y pienso en todo lo que merece la pena. Y en mi lista, aparece también Stanley Donen, responsable de la renovación de la comedia musical, director de Charada o Dos en la carretera y artífice de la mirada elegante en el cine. Este abril ha cumplido 88 años, pero hace décadas que Hollywood arrinconó a un hombre que, como el maestro Wilder hasta el final de sus días, no ha dejado de trabajar, aunque sí de rodar. “Estoy perfilando el guión de un documental sobre un director de musicales, un hombre ya mayor con problemas para rodar películas. Quiero dirigirlo, pero es muy complicado. Llevo años trabajando en él y creo que es muy bueno. Se titula Bye, bye, Blues. Además, un estudio quiere hacer un largometraje con la recopilación de mis números musicales, y yo les he ofrecido mi ayuda”, declaró Donen a Fotogramas hace unos años. Las televisiones no harían daño a nadie si programaran una retrospectiva completa de sus películas.

Donen, bailarín y coreógrafo, trabajó con los grandes del Hollywood clásico, desde Ingrid Bergman a Richard Burton, pasando por Sophia Loren o Cary Grant, a quien dirigió en cuatro films. Codirigió junto a Gene Kelly Un día en

Nueva York y Cantando bajo la lluvia, musicales que se caracterizan por una superación de las convenciones del género y el aprovechamiento de los recursos cinematográficos –Fred Astaire bailando por las paredes y el techo en Bodas reales-.

En los 60, Donen se orientó hacia las comedias de suspense, como Charada o Arabesco, o dramas que diseccionaban el desgaste emocional de la pareja, como Dos en la carretera o La escalera, crónica de la agitada y amarga decadencia de una vieja pareja homosexual, un peluquero que se está quedando calvo y un actor de cuarta fila que teme que lo encarcelen por haber hecho de travesti.

Cuando veo una película de Stanley Donen, me reconcilio con el mundo que me rodea. Al menos por un tiempo. Observo cómo se mueven Cary Grant y Audrey Hepburn en París, cómo van vestidos; escucho unos diálogos que quisiera aprenderme y tener ocasión de utilizar, y me quedo boquiabierto con los créditos de Maurice Binder y la música de Mancini.

Pero siempre vuelvo a Dos en la carretera, el relato de un gran amor que se apaga, contado

a través de un minucioso montaje al servicio de la evolución emocional de los personajes, un juego de cajas chinas donde cada episodio desvela otro que no necesariamente se ha sucedido en el tiempo, pero sí en el sentir de los personajes. Para Audrey Hepburn, reticente al principio a protagonizar la misma historia en la pantalla y en su vida, –el guión de Frederic Raphael contaba justamente lo que ella estaba viviendo con Mel Ferrer-, este film supuso una ruptura con su imagen anterior. Incluso en el vestuario. Su indispensable Hubert de Givenchy dejó paso aquí a una colección de modelos de Ken Scott, Michèle Rosier, Paco Rabanne, Mary Quant, Marion Foale y Sally Tuffin.

En su artículo Donen o la metafísica del champán, Miguel Rubio escribió: “para gozar su obra hay que amar la vida, sentirse a gusto con el mundo”. Y yo digo amén y añado que el cine de Donen enseña también a amar y a comprender la vida

ilustración: AUDREY HEPBURN y ALBERT FINNEY en Two For The Road (Dos en la Carretera) de STANLEY DONNEN

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MÁRGENES

Fascinación y rechazo (en la estética del consumo) El traslado del epicentro artístico mundial de París a Nueva York, a mediados del siglo pasado, estuvo ligado al impulso ascendente de la pintura americana abstracta. Mientras la École de París producía variaciones cada vez más estéticas de las vanguardias, en Norteamérica se estaba generando obras muy novedosas en la que la pintura se entendía como proceso. Todos los artistas catalogados como expresionistas abstractos compartían la necesidad de expresarse a través del acto inmediato y espontáneo de pintar. Pero más allá de los vigorosos ejercicios de Pollok, de Kooning o Kine, estaba gestándose un movimiento nuevo que volvería sus ojos a la figuración durante las décadas de los 60, 70 y 80, desde el pop-art hasta el posmodernismo.

Tal vez ninguna denominación de una corriente artística del siglo XX haya pasado a formar parte de la vida cotidiana como lo ha hecho el Pop Art. Una obra como “¿Y qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?” (Richard Hamilton, 1956) marca las claves de una fascinación por lo trivial, una fuerte ironía hacia los símbolos capitalistas de las sociedades occidentales. El collage, algo ya probado con éxito por los cubistas y dadaístas, se convirtió en una pieza clave para expresar una fascinación

crítica, una especie de amor-odio irremediable, hacia los iconos de la cultura de masas.

Los cambios revolucionarios en la forma y el tema que introdujo el pop logaron, una vez pasado el tiempo, ir calando en las ideas estéticas de la sociedad. La misma sociedad de consumo que irónicamente se aludía en las obras. Los protagonistas del pop británico imaginaron un arte contemporáneo que sería tan vital y diverso como la propia vida contemporánea, incluyendo sus banalidades. La comunicación directa entre arte y vida cotidiana, ente vanguardia y kitsch.

Más allá de la jovialidad de Warhol, Wesselmann o Lichtenstein, la obra de Hockney vuelva a alejarse de la abstracción, creando un idioma visual comprensible dentro del contexto de una nueva figuración. Mientras, en el polo opuesto figurativo, Francis Bacon empleaba el método de la distorsión para descubrir el terrible resultado de su diagnóstico de la realidad.

Entre Hockney y Bacon, desfilan todas las posibilidades de esta nueva figuración y, en gran medida, muchas de las ideas que desembocarían en el posmodernismo de los 80. Desde la banalización de los temas, el gusto por lo que

Por José Miguel Gómez Acosta de trivial y consumista tiene la vida cotidiana, el hedonismo irónico y autocomplaciente, hasta la revisión acrítica de las formas del pasado o la retórica del fragmento sacado de contexto o cambiado de escala.

No podemos saber con exactitud cuánto ha contribuido este camino estético al momento actual, donde la aceptación y el rechazo de la idea de consumo forman un todo cambiante entre la fascinación y la crítica, donde la colosal maquinaria de la cultura de masas lo absorbe todo. Pero en la forma en que podemos comprar una camisa en cualquier tienda globalizada del mundo subyace la idea que aquel collage fundacional de Hamilton “¿Y qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?”. Y también toda la complejidad y contradicción que el propio Hockney expresaba: Yo pinto lo que me gusta, cuando me gusta, y donde me gusta”.

ilustración: RICHARD HAMILTON ¿Y qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?

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VERSUS

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Oihana Alvar Vs Sinpatrón NACIDA EN ORDIZIA, GUIPUZCOA, LA OBRA DE OIHANA ALVAR SE POSICIONA EN LOS LÍMITES DE LO ESTABLECIDO EN CUANTO A GÉNERO E IDENTIDAD SEXUAL, FORMULANDO AL ESPECTADOR CONSTANTES PREGUNTAS ACERCA DE SU REALIDAD MÁS ÍNTIMA Y SU DIMENSIÓN MÁS SOCIAL.

La última obra de ALVAR, La Ley No Escrita, propone al observador una reflexión activa acerca de las leyes y normas sociales que existen en torno a las ficciones de género. Por medio de una instalación en la que vemos una espada que atraviesa un bloque de 800 folios que simulan un contrato acerca de las imposiciones de género. En la peana en la que descansa este conjunto podemos leer: “El nuevo San Jorge tiene cara de estado, y la espada que mata tiene forma de ley”

ALBERTO ETXEBARRIETA ES SINPATRÓN, DISEÑADOR BILBAÍNO AUTODIDACTA, SU NOMBRE ES SU PRESENTACIÓN Y SU IDEA, ROPA EXCLUSIVA, ELABORADA ARTESANALMENTE, SIN PATRONAJE Y SIN REPETICIÓN.

Esta última obra resume certeramente el recorrido de esta creadora plástica y visual, que parte de un conocimiento profundo y crítico de las teorías feministas, para expandirse en el desconocido (para el gran público) campo de la identidad de género.

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En el universo de Alvar, lo que siempre hemos entendido y aceptado como hombre, mujer, homosexual, heterosexual o bisexual, masculino y femenino, explota en un crisol de nuevas realidades que adelantan realidades que hoy día parecen casi futuristas.

Las prendas que se crean en Sinpatrón, tanto para hombre como para mujer, comparten una idea indefinida de lo que significa masculino y femenino. Se mueven en el complejo territorio de la sexualidad y la identidad de género del siglo 21.

SINPATRÓN propone un salto hacia delante, muy hacia delante, en cuanto a la estética del hombre actual. Quizá sus diseños se entienda mejor dentro de algunas décadas y quizá sea

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parte de ese grupo de visionarios que proponen el estilo del hombre del futuro.

Otro aspecto que comparten todas sus colecciones son las múltiples referencias a aspectos artísticos, culturales, geográficos y folklóricos de todo el globo. Las tribus de nativos americanos, la estética más urbana, el ballet o lo militar son sólo algunos de las fuentes en las que ha bebido este diseñador. La contínua experimentación con los materiales y las formas están siempre presente en las propuestas de Sinpatrón, moviéndose siempre en los márgenes del canon establecido.

01. amantes (collage, técnica mixta) 02. cerámica 03. la ley no escrita (instalación) 04. identidades (videocreación) 05. colección SINMAS otoño/invierno 2012/13 06. colección SINCOPE primavera/verano 2012

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PIEZAS

Men in the City Robert Longo PINTOR, ESCULTOR Y PERFORMER ESTADOUNIDENSE, PERTENECE AL MOVIMIENTO DE LA BAD PAINTING. SU TRABAJO SE CENTRA EN CUESTIONAR LA CULTURA POPULAR Y LOS ESTEREOTIPOS QUE, DE ALGUNA MANERA, DESCRIBEN LA ALIENACIÓN QUE VIVE EL HOMBRE EN LA COMPLEJA SOCIEDAD ACTUAL. ENTRE SUS OBRAS MÁS IMPORTANTES ENCONTRAMOS GUERRAS CORPORALES: MUROS DE INFLUENCIA.

Tres piezas pertenecientes a la serie MEN IN THE CITY de Robert Longo

Por Cristina López Martínez

Robert Longo nació en Brooklyn en 1953 y creció fascinado por los medios de comunicación, televisión, revistas, películas, comics, todos ejercerían una gran influencia en su obra. Estudia en su América natal, además de en Florencia y se establece en Nueva York en los años 70, donde entra en contacto con los artistas locales.

A pesar de graduarse en escultura, el dibujo es la técnica con la que mejor se expresa Longo.

Pero la escultura aparece de una forma u otra en su obra, dando a sus dibujos un aire de 3 dimensiones, como podemos observar en la serie Men in the City (Hombres en la Ciudad), en la que utiliza técnicas como el grafito para desarrollar imágenes de cuerpos que se retuercen y danzan extrañamente, como si de una coreografía macabra se tratase. Lo particular de esas ilustraciones

es que son siluetas de hombres y mujeres, vestidos elegantemente como empresarios, pero sus cuerpos están completamente contorsionados representando emociones convulsionadas.

El empleo del dibujo supone para Robert Longo una experiencia que roza lo fotográfico. El uso del carboncillo es para él un proceso similar al revelado fotográfico. Según sus propias palabras: “El dibujar a partir de fotografías es una manera de reclamar las imágenes que nos pertenecen” Además de dibujos y esculturas, Longo ha desarrollado videocreaciones, performances y ha intervenido como guionista y director en varias películas.

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REPORTAJE

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REPORTAJE

icn s O 3 décadas de

Cary Grant ǩ Francis Bacon David Bowie ǩ David Hockney Bryan Ferry ǩ Lucian Freud

Cary Grant Su verdadero nombre era Archibald Alexander Leach. Llegó a ser uno de los actores más populares de su época, no solo por su atractivo físico, sino también por su elegancia, su encanto y su agudeza. Grant tuvo una infancia infeliz y un tanto confusa. Protagonizó algunos clásicos de la comedia, como Historias de Filadelfia o La fiera de mi niña . Aunque fue nominado dos veces para los Óscar, Grant no obtuvo el premio, si bien recibió en 1970 un premio especial de la Academia de Cine en reconocimiento a su carrera. Tuvo una estrecha relación de amistad con el actor Randolph Scott, con el que compartió casa durante doce años intermitentemente, y con el que se relacionó hasta su muerte, surgiendo especulaciones sobre su orientación sexual.

Francis Bacon Aunque nació en Dublín y toda su niñez transcurrió en Irlanda, se le suele considerar un pintor inglés debido a sus raíces familiares inglesas y a que desarrolló buena parte de su producción en Londres. La infancia de Francis Bacon no fue fácil. Fue expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales. Francis Bacon realizó algunas

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de las pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo. En 1964 conoció a George Dyer, su amante por muchos años. Su relación fue más bien tormentosa, si bien inspiró múltiples obras al artista. Curioso y desordenado, Bacon acumulaba en su taller innumerables recortes de prensa y fotografías de obras de arte antiguas, especialmente de Velázquez.

Three Studies for Portrait of George Dyer on light ground (Tres estudios para el retrato de George Dyer con luz inferior)

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REPORTAJE

David Bowie Figura importante de la música durante más de cinco décadas, Bowie es considerado un innovador, en particular por sus trabajos de la década de 1970 y por su peculiar voz, además de la profundidad intelectual de su obra. Consiguió notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo Space Oddity llegó al top 5 de la lista británica de sencillos. Después de tres años correspondientes a una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino álter ego Ziggy Stardust, gracias a su exitoso sencillo Starman y el disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. La relativamente corta vida de Ziggy probó ser sólo una faceta de una carrera marcada por continuas reinvenciones, innovaciones musicales y presentaciones visuales de todo tipo.

Portrait_of_an_Artist_Pool_with_Two_Figures (Retrato de la piscina de un artista con dos figuras)

David Hockney Hockney nació en Bradford. Estudió en el Royal College of Art en Londres, donde fue presentado en la exposición Young Contemporaries al lado de Peter Blake que anunciaba la llegada del British Pop Art. Se vincula con el pop art, pero sus primeros trabajos también muestran elementos expresionistas, no muy distintos de ciertos trabajos de Francis Bacon. En 1963 visita New York y establece contacto con Andy Warhol. Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de de pinturas al óleo de piscinas en Los Angeles. En 1970 se realiza una retrospectiva de su obra en Londres, que posteriormente se muestra en Hanover y Rotterdam. En 2001 publicó un estudio El Conocimiento Secreto, obra polémica en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos hacían uso de sistemas ópticos (cámara oscura) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido en secreto por parte de los propios pintores.

80 Lucian Freud

Después de haberse iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa.

Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos. Fue un gran amigo del

pintor expresionista figurativo Francis Bacon, desde 1959 y hasta su muerte 1992. Las obras de Lucian, particularmente los variados retratos de la madre, suelen describirse como las más importantes representantes de la escuela neofigurativa inglesa. Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños.

Autoretrato de Lucian Freud

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REPORTAJE

Bryan Ferry Bryan Ferry (Washington, Sunderland, 26 de septiembre de 1945) es cantante, músico, cantautor y ocasionalmente actor inglés. Es conocido por su estilo vocal y visual suave, que le hizo destacar en los años setenta como vocalista y principal compositor de Roxy Music. También es famoso por su posterior carrera en solitario. En 1985 salió a la luz Boys and Girls, álbum con el que logró situarse en la primera posición de las listas británicas siendo muy estilísta e incluyendo éxitos como: Slave To Love. En 1987 trae consigo una nueva producción, Bête Noire un cuidado álbum que contribuyó a un éxito notable, indicando que la musa inspiradora sigue estando bien viva. Después de lanzar este material se aleja nuevamente de la música hasta 1993, donde reaparece con Taxi. Un año más tarde se junta con Brian Eno y lanza el disco Mamouna.

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ENTREVISTA

antonio

ALVARADO Alta Sastrería

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Las pasarelas muchas veces se ven como algo efímero y lejano del público real, pero no lo son.

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ENTREVISTA

Cuando lo efímero deviene sempiterno, cuando se sobrepasan las tendencias y la moda se convierte en el icono de una época o de una generación, es entonces cuando podemos decir que la creatividad es arte y se ha instalado en el imaginario colectivo. De este modo, hablar de Alta Costura masculina en España y hablar de un diseñador que representa como ningún otro “La Movida Madrileña” o los movimientos más vanguardistas es hablar de Antonio Alvarado. Artista ecléctico y multidisciplinar, Alvarado desencorsetó el guardarropa masculino en los 80; lo sacó a la calle y a los lugares de moda. Más de 30 años al servicio de la creatividad, es uno de los diseñadores españoles preferidos por artistas nacionales e internacionales para llevar sus creaciones y directores como Pedro Almódovar, Bigas Luna, Fernando Trueba, Fernando Colomo o Carlos Saura le han encargado el vestuario de algunas de sus películas.

Moda, fotografía, artes plásticas… Alvarado está en un continuo crecimiento artístico y personal que lo convierten

en paradigma de la moda en España e incluso del arte.

Su apoyo a los creadores noveles o su compromiso con causas humanitarias son la otra faceta de este artista alicantino.

Su nombre traspasa las fronteras de nuestro país y las principales revistas de moda se hacen eco de sus nuevas colecciones. Pionero de la Pasarela Cibeles, donde participó en su primera edición, Antonio Alvarado habla para Efímero y nos desvela cómo entiende la moda o cómo ha ido evolucionando en los últimos años.

Por Manuel Amezcua Clemot

¿QUÉ SE SIENTE CUANDO GRANDES ARTISTAS, PERSONAJES FAMOSOS, OTROS CREADORES DEL MUNDO DE LA MODA U OTRAS ARTES, RECURREN A UNO PARA QUE DISEÑE SU VESTUARIO, O EL DE UNA PELÍCULA, O COLABORE EN UNA COLECCIÓN? Siempre uno se siente más motivado cuando la persona o el encargo va de la mano de una persona con un reconocimiento social, bien por su trabajo o por su propia imagen pública. En el fondo la moda necesita la difusión y estas situaciones te ayudan mucho, sobre todo en un principio.

USTED ES DE LOS POCOS CREADORES QUE DAN LA MISMA IMPORTANCIA A LA ALTA COSTURA MASCULINA QUE A LA FEMENINA, ¿POR QUÉ CREE USTED QUE LA MAYORÍA DE LOS DISEÑADORES SIENTEN ESA FASCINACIÓN POR EL UNIVERSO FEMENINO Y DEJAN DE LADO LA MODA MASCULINA? El término de Alta Costura solo es considerado para la mujer, en el hombre es Alta Sastrería, o la sastrería a medida de toda la vida. Está clarísimo que la Alta Costura reporta dividendos en otros productos de la marca, como puedan ser líneas de cosmética, complementos etc. Hasta no hace mucho el hombre no disponía de muchas líneas de cosmética ni productos relacionados. Quizás sea ese el motivo.

FUE DE LOS PRIMEROS DISEÑADORES ESPAÑOLES EN PRESENTAR SUS PROPUESTAS FUERA DE LOS CIRCUITOS CONVENCIONALES, ROCKOLA, JOY ESLAVA… ¿SÉ CONSIGUE DE ESTE MODO QUE LAS PROPUESTAS SE ACERQUEN MÁS AL HOMBRE DE LA CALLE? Muchas veces las cosas vienen de una manera inevitable, y en mi caso se dio así.

De todas formas si es cierto que le da un aire de cotidianidad y cercanía, ya que las pasarelas muchas veces se ven como algo efímero y lejano del público real, pero no lo son.

VIVIÓ EN PRIMERA PERSONA Y ES PARTE (DEL OLIMPO/DE LA ICONOGRAFÍA) DE LA MOVIDA MADRILEÑA, ¿QUÉ SIGNIFICARON LOS AÑOS 80’S Y “LA MOVIDA” PARA LA MODA MASCULINA DE AQUELLA ÉPOCA? Es el momento que el hombre en España empieza a quitarse las vergüenzas, a no pensar en el que dirán, y no permitir que las madres o esposas les hagan las compras de su armario.

También nacen marcas nacionales e internacionales con una fuerte carga de imagen hacia el hombre, como Domínguez aquí, o Armani y Versace en el resto del mundo, sin olvidarnos de JPG que se dirige a otras minorías más vanguardistas.

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ENTREVISTA

Y, ¿PARA LOS AÑOS POSTERIORES? Finales de los 70´s y los 80´s fueron el inicio de la reafirmación de la individualidad, y el gusto masculino por sus propias cosas, el vestuario formó parte entre otras.

HOY EN DÍA, LOS HOMBRES AUNQUE AÚN CONSERVADORES, SON MÁS ATREVIDOS A LA HORA DE VESTIR ¿QUÉ ÉPOCA DEL SIGLO XX CONSIDERA USTED QUE HA SIDO DECISIVA A LA HORA DE MARCAR LA MODA MASCULINA DEL SIGLO XXI? La autentica revolución empieza en los 60´s, justo cuando la moda trata de imponer el UNISEX. El Pret a Porter aparece, y con ellos las ventajas de poder disponer de todo tipo de ropa en cualquier punto de venta. Después las formas de cada cual están bastante condicionadas por la personalidad, entorno (ocio o laboral), e indudablemente por su nivel de economía. Hoy en el siglo XXI las cosas son bastante más fáciles, por la invasión de las marcas de producción inmediata, donde todo está al alcance de todos.

CON LOS (COOL HUNTERS/CAZADORES DE TENDENCIAS) EN LAS PRINCIPALES CIUDADES DEL MUNDO, CON JÓVENES QUE HACE DE SU ASPECTO UNA DECLARACIÓN DE PRINCIPIOS, ¿QUIÉN MARCA HOY LA MODA, LA CALLE O LOS DISEÑADORES? Es un cóctel de varias casualidades. La calle es el reflejo de las diferencias, Los diseñadores tratamos de absorber y plasmarlo de la forma más legible, para nuevamente crear una imagen que la calle digiera masivamente, o de forma exclusiva, para un público afín al “target” de la marca.

SIEMPRE APOSTANDO POR NUEVAS EXPERIENCIAS, APOYANDO A LOS NUEVOS CREADORES, ¿QUÉ LE MUEVE A CURIOSEAR ENTRE GENTE QUE COMIENZA DAR SUS PASOS EN LA MODA? Más que curiosidad me reporta satisfacción. Me siento cómodo y motivado, tanto por el intercambio de ideas como por la frescura con la que afrontan sus carreras, fuera de miedos y mercantilismos (no todos son así). Muchas veces yo procuro enviar mensajes no muy alentadores, precisamente para hacerles una reflexión, que la moda no es un camino de rosas, pero si puede ser una gran trampa de la que jamás puedan salir.

COMO UNO DE LOS GRANDES NOMBRES DE LA MODA EN ESPAÑA, ¿CUÁL ES LA SALUD DE LA MODA EN NUESTRO PAÍS? La salud de la moda parece que esta con algún que otro virus, pero ya encontraremos algún remedio mas allá de los genéricos (Zara-HMMango-Etc)

Los finales de los 70´s y los 80´s fueron el inicio de la reafirmación de la individualidad, y el gusto masculino por sus propias cosas, el vestuario formó parte entre otras.

COMO ARTISTA MULTIDISCIPLINAR, ¿QUÉ ENTIENDE POR MODA, POR ALTA COSTURA? ¿CÓMO DESCRIBIRÍA LA INFLUENCIA DEL ARTE EN LA MODA Y VICEVERSA? La moda se alimenta de las diferentes corrientes, artísticas, estilísticas, cine, arquitectura, o artes plásticas entre otras. Como ya dijo Javier Mariscal “Jamás equiparo el arte con el diseño, el arte no debe solucionar ningún problema concreto a ningún cliente, mientras que el diseño sí. Son dos actividades muy distintas.

LA ALTA COSTURA, ¿ES ARTE? En algunos casos y casas… puede llegar a serlo PARA FINALIZAR, ¿QUÉ PRENDA NUNCA DEBE FALTAR EN UN ARMARIO MASCULINO? Un pantalón de pijama de algodón y una chaqueta de dos botones.

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ANÁLISIS

Cecil Beaton

CRISTÓBAL

Balenciaga el modisto arquitecto

En el mundo de los modistas actuales, Balenciaga forma rancho aparte como una especie de disconforme que estuviese meditando sobre las flaquezas y servidumbres de las modas, pero que a la vez estuviera comprometido a actuar y a crear en el mismo mundo que contempla con una mirada clásicamente española.

Balenciaga es el Picasso de la moda. Al igual que este pintor, Balenciaga tiene un profundo respeto hacia la tradición y una pura línea clásica. Todos los artistas que, aparte de sus dotes únicas y personales, actúan también como médiums que transmiten el mensaje del arte del pasado, son a la vez y de un modo inevitable mesurados y desmesurados en relación con su propia actualidad.

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ANÁLISIS

A

diferencia de Dior, Balenciaga sabía, incluso desde su niñez, que quería ser modista. Pero aunque persiguió su vocación durante mucho tiempo, sólo en 1938 y a la edad de cuarenta y dos años empezó a elevarse como estrella en el cielo de la moda parisina con la calma y la confianza de Sirio. El éxito vino tarde, quizá demasiado tarde, para Balenciaga, aunque bien pudiera ser que ese mismo carácter tardío de su consagración sea el motivo del lugar único que ocupa en la moda contemporánea.

Balenciaga no pertenece a nunguna camarilla ni sigue otro juego que el suyo propio. Se niega obstinadamente a comercializarse tanto a sí mismo como a su talento, concede escasa atención a los cambios de temporada de los estilos y persigue una solitaria creación de valores que le han granjeado el respeto, la admiración y el patrocinio de aquellos que conocen íntimamente la moda y son capaces de reconocer un genio extraordinario.

Nacido en un pueblecillo de la costa vasca de España, la personalidad de Balenciaga dio pruebas tempranas de que estaba destinado a seguir una carrera distinta de aquella que podía hacer prever fundamentalmente su ambiente de origen. Su padre era capitán de una embarcación dedicada a hacer excursiones marítimas de puro entretenimiento proveyendo a la distracción de gente sencilla. El marino podía por menos que sentirse asombrado por el hijo aquel que, en su tierna edad, no sentía ninguna inclinación hacia la pesca o la natación ni a llevar la vida corriente de un chico campesino. Balenciaga, por el contrario, prefería «coser como las mujeres».

Su padre se llevaba las manos a la cabeza lleno de horror; pero la madre, presintiendo quizás el futuro que se estaba fraguando dentro del hijo, protegió al muchacho y le permitió continuar con sus aficiones.

En aquella pequeña comunidad española existían muy pocas oportunidades para que un modista en embrión pudiese ver algunas damas elegantes del mundo exterior. La única excepción quizá era una anciana marquesa, una antigua gran beldad que poseía una casa muy grande en la montaña y a la que el soñador Balenciaga podía admirar desde distancia en la iglesia o fugazmente cuando pasaba en su coche. Un domingo por la mañana, y entre la multitud que salía de la iglesia de oír misa, Balenciaga vio a la vieja marquesa bajando los gastados escalones de piedra, vestida con un tailleur blanco y cubierta con un sombrero de paja envuelto en un velo marrón que se ataba con un lazo bajo la barbilla. Incapaz de contener su admiración, el joven murmuró en voz alta: «¡Qué elegante es usted!»

Se niega obstinadamente a comercializarse tanto a sí mismo como a su talento, concede escasa atención a los cambios de temporada de los estilos y persigue una solitaria creación de valores.

La marquesa se detuvo y se quedó mirando fijamente a aquel muchacho bajo la luz ardiente del sol de España. Sorprendida por aquella exclamación proferida por quien era evidentemente un chico campesino, la señora sintió picada su curiosidad y empezó a hacer a éste una serie de preguntas. Descubrió enseguida su interés por la costura y sus incipientes aptitudes estéticas que fueron fervientes y manifiestas por muy imperfecta que pudiera ser su expresión. Como consecuencia de ese encuentro, la marquesa decidió poco después conceder a Balenciaga el gran honor de permitirle que copiara su vestido de Drecoll. Entregó al muchacho una pieza de tela y le envió la creación original que parecía haberlo embelesado tanto.

El joven Balenciaga se quedó de piedra y, a la vez, en un estado de profundo júbilo. La perspectiva de copiar un vestido de Drecoll era verdaderamente extraordinaria; pero; ¿y si echaba a perder el tejido de gran precio que la marquesa le había mandado? Temblando y lleno de temor ejecutó la copia y la aristócrata premió su obra con el galardón máximo: ponérsela. Balenciaga reconoce hoy que la copia no debía precisamente cortar el aliento con su presencia, pero marcó un buen principio y le dio la confianza y el naciente sentido de ambición que necesitaba.

Al año siguiente, el joven modista, pulido y brillante y con el refuerzo de una pequeña cantidad de dinero en el bolsillo, fue a París para una visita deslumbradora como un episodio de Leu) mlt y una noched, durante la cual tuvo ocasión de ver las colecciones de Doucet, Drecoll y Worth, que le produjeron un rapto de éxtasis. Cuando se le acabó el dinero, Balenciaga se volvió a su casa con la dichosa persuasión de que él llegaría a ser un gran modista. Pero aquel Dick Wittington vasco tenía que recorrer un camino largo y penoso antes de llegar a ser el pontífice máximo de la moda contemporánea.

Abrigo de noche en tafetán de seda de color negro (1935), Outumuro, imagen perteneciente a la colección del Museo Balenciaga.

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ANÁLISIS

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ANÁLISIS

Fundó su primer establecimiento de modas en San Sebastián con un capital ridiculamente pequeño y con una limitación de tejidos que resultaba patética. Le costó muchos años de duro trabajo el encontrar una compensación del ambiente y de la falta de oportunidades y educación. Lentamente Balenciaga adquirió lo que necesitaba su inteligencia natural, y de un modo tenaz cogió en sus manos a la suerte cuando ésta se le presentó. En 1936, con más de cuarenta años de edad, fundó un establecimiento en París con un capital de diez mil libras.

Quizá las dificultades derivadas de la falta de un éxito comercial lo habían mantenido en segundo plano durante demasiado tiempo. Había llegado su triunfo, pero había de tener ya sabor de ceniza en su boca y no podía ser como el vino fuerte de una victoria juvenil.

Hoy día, Balenciaga es un hombre de cincuenta y nueve años, pero parece mucho más joven.

Tiene unos ojos fatigados pero brillantes, y solamente cuando se pone unas gafas con montura es cuando uno se entera de que es miope. Su nariz es picuda y española y su boca pequeña se

pliega en una sonrisa ligeramente humorística y levemente sardónica que sugiere una amargura largamente oculta o un irónico conocimiento de la naturaleza humana. A pesar del distante orgullo escrito en sus rasgos, el conjunto de la expresión de su cara es intensamente humana.

Su personalidad resulta un tanto sugerente de características que pueden encontrarse en el mundo de los pájaros. Todo su aire resulta de una perfecta naturalidad, pero existe una especie de cualidad voladora en torno suyo cuando está en reposo, semejante a lo que veríamos en un ave sosegada que descansa sobre una pata.

Balenciaga es tal como la vemos cuando baja de una rama para esponjar sus plumas antes de volver a su solitaria altura.

En su obra Balenciaga muestra el refinamiento de Francia y la fuerza de España. Sus vestidos tienen elegancia y solidez, y como su autor pueden codearse con reyes sin perder el contacto con la gente común; Balenciaga no ofrece cambios impresionantes. Su desenvolvimiento es lento y cuidadosamente trabajado. Mientras que las creaciones de Dior son la evolución in-

Diferentes vestidos y conjuntos pertenecientes a la colección del Museo Balenciaga. Imágenes de Outumuro.

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ANÁLISIS

geniosa y bella de los bocetos, Balenciaga utiliza los tejidos como un escultor trabaja el mármol.

Puede deshacer un vestido con sus pulgares y volverlo a hacer o alterar su aspecto con una soltura práctica, manual podríamos decir. Es incluso posible que no haga ninguna clase de bocetos confiando enteramente en el dibujo que se representa ante los ojos de la mente.

De nuevo en comparación con las de Dior, las creaciones de Balenciaga sufren pocas modificaciones en cada temporada. Su péndulo es más medido. Sin embargo, de un modo paradójico, sus estilos están casi siempre adelantados en varios años a las modas vigentes. Es un auténtico conductor y sus vestidos no se hallan nunca fuera de moda, pues se encuentran basados en sólidos fundamentos. Otros modistas pueden disfrutar de las frivolidades de la existencia; pero Balenciaga, duro, español y ascético, es un arquitecto magistral que sólo trabaja en líneas duraderas.

En contraste con creaciones más femeninas, la obra de este modista español es a la vez más

Otros modistas pueden disfrutar de las frivolidades de la existencia; pero Balenciaga, duro, español y ascético, es un arquitecto magistral que sólo trabaja en líneas duraderas.

atrevida, menos transigente y más masculina. Si se mira al fondo del arte del vestir y se le despoja de todo lo que no sea esencial, considerándolo en sus términos más sencillos, entonces habrá que reconocer que Balenciaga es, en realidad, el titán del día entre los modistas. Su estilo tiene la seguridad áspera, campesina podríamos decir, de los grandes artistas.

Y lo es, efectivamente. Como los pilotos que confían en los complicados instrumentos de su tablero para conducirse a través de un arduo trayecto de navegación, muchas mujeres creen ciegamente en el atrevido pero infalible talento de Balenciaga y se sienten guiadas desde el peligro a la seguridad en las corrientes y remolinos de las modas contemporáneas. Sus vestidos de lana negra, sus túnicas ceremoniales con bordados bizantinos y sus fantasías en azabache, deberían ser conservadas como reliquias, mano a mano con las ropas de campesina, las vestiduras de sacrificio o las prendas ceremoniales que puedan encontrarse en nuestros museos, pues aquéllas forman parte de la historia de la moda contemporánea.

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ANÁLISIS

Puede que Balenciaga hable con volubilidad, pero es fundamentalmente reticente. Tiene pocas máximas, pero firmes, y uno de sus principios formula que ningún modista puede hacer chic a una mujer que no lo sea por sí misma. Tampoco cree que el chic pueda lograrse solamente con seguir las modas del momento. Si una mujer es cursi y lleva un vestido, un bolso y un pañuelo que hagan juego, puede alcanzar, es cierto, una elegancia vulgar; pero no es esto lo que se desea.

Si se le pregunta en qué consiste una mujer elegante, Balenciaga citará socarronamente a Dalí: «Una dama distinguida siempre tiene un aire desagradable». Establece, sin embargo, una separación entre mujer distinguida y mujer dotada de un encanto o atractivo femenino de fondo sensual que se encarna en la palabra glamour.

Cree que las cocotted con glamour de ayer se han vuelto respetables y son las damas distinguidas de hoy.

Pero para Balenciaga la vida ha cambiado en modo irreversible. Las mujeres ya no tienen tiempo ni solaz para parecer tan hermosas como lo fueron en los primeros años del siglo XX. Vivimos en un mundo distinto. Con la Primera Guerra Mundial terminó una era de elegancia presidida por Worth y Doucet. Después de ella sobrevino otra era de chic, creada, según afirma Balenciaga, por Cheruit, que afirmó no precisamente un estilo, sino cierta nota flexible y picante que equivalió al chic. Y hubo aún otra era a la que puso fin la Segunda Guerra Mundial.

Sin embargo, Balenciaga, como Dior, cree que el modista debe seguir la dirección que el tiempo señale. No puede luchar con su época, sino que más bien debe procurar que su expresión abra camino a través de la moda temporal. Debe sentir lo que es necesario y cómo deben mostrarse las mujeres en un momento determinado. El propio Balenciaga hace siempre una colección teniendo en cuenta lo que considera indispensable y no lo que él quisiera presentar. Pero de un modo u otro sus creaciones pasan siempre a través del filtro de su personalidad española, fuerte e inquebrantable, que sabe extraer una solidez de lo pasajero y crea una cualidad duradera de una fase temporal.

Balenciaga no trata de seguir la nueva moda de la temporada ni sabe lo que ésta es. Intenta, en el mejor de los casos, sentir lo que una mujer debería parecer en un momento determinado.

Puesto en esta actitud se tiene tal vez la idea de que un Dior se siente más impelido a observar la línea de la moda de las temporadas precedentes y a atender a otras indicaciones, más que a

volver la espalda a todas estas precedentes y a crear una nueva expresión. Balenciaga puede ser más conservador, pero en el fondo es, extrañamente, más osado que muchos de sus rivales franceses.

Balenciaga vuelve siempre a su afirmación básica recalcando que un modista no puede crear el espíritu interno de una mujer, sino sólo hacer de ella lo que pudiéramos llamar el colgador de un vestido. Como ejemplo, Balenciaga indica que puede ponerse una misma ropa a dos mujeres distintas y una será vulgar mientras que la otra logrará una auténtica distinción.

Balenciaga no cree que las mujeres deban estar variando constantemente de traje para conseguir ir bien vestidas. Los hombres, dice, llevan los mismos trajes casi siempre y ello no contraría el que puedan ser elegantes y en efecto lo sean.

Balenciaga no cree en lo que pudiera llamarse la eterna novedad de lo nuevo, como hacen muchos maniáticos de la elegancia. Muy por el contrario, sus planes deben integrarse con lo que ha habido antes y deben derivar de características enraizadas. Aunque a veces hace concesiones, nunca altera este pensamiento básico.

Tras sus observaciones accidentales sobre las mujeres, la moda y el mundo moderno, se percibe un firme pero vital rastro de pesimismo.

Esto puede que sea la base verdadera de esa sagacidad creadora, única en su género, que define a Balenciaga, pues lo que busca su raíz en el pesimismo no puede morir. Aunque crea que el gran estilo de la vida ha desaparecido para siempre, y aunque se hayan marchado para no volver la opulencia y el esplendor que crearon la atmóstera de un fabuloso apogeo de la moda, Balenciaga, como Dior, se adapta a su tiempo y sigue creando lo que ese tiempo debe tener que hacer para reflejar su verdadera imagen.

Orgulloso, clásico, español, el gran artista es una rara roca que puede encontrarse en medio del mar proceloso de la moda y que durará mucho tiempo después de que las olas caprichosas del momento hayan agotado estérilmente sus esfuerzos para conmoverlo en sus fundamentos.

(A la derecha) Vestido de novia de 1968 inspirado en las pinturas de monjes de Zurbarán (A la izquierda) Retrato de Fray Hernando de Santiago, de Zurbarán

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Ilustraciones: Elena Rodríguez Iborra (Elenovari)

Durante los treinta años que abarcan las décadas de los 60, 70 y 80 se reinventó, redefinió y avanzó la imagen que tendríamos los hombres del siglo XXI. La moda estalla definitivamente, se hace popular, se masifica y llega definitivamente a todos los públicos. Los hombres comienzan a darse cuenta de que pueden decidir su aspecto, a querer decidir sobre su aspecto y sobre lo que quieren decir cuando se visten. Como en todas las disciplinas artísticas, en la moda existen figuras que, con su actividad creativa, definen mejor que otros el espíritu y la esencia de su época. Hemos escogido a Pierre Cardin en los años sesenta, a Vivienne Westwood en los setenta y a Jean Paul Gaultier en los ochenta, como diseñadores representantes de estas décadas, como muestra de modistos que dan al nuevo hombre nuevos horizontes estéticos.

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REPORTAJE

Pierre Cardin

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Nació el 2 de julio de 1922, en Italia. Se trasladó a París en 1945. Allí, estudió arquitectura y trabajó con Paquín después de la guerra. Trabajó con Schiaparelli hasta que se convirtió en jefe del atelier de Christian Dior en 1947. Cuando le denegaron trabajar en Balenciaga, decidió fundar su propia casa en 1950. Es así como Cardin se inició en la alta costura en 1953 Inventor de la silueta unisex, de la ropa espacial, que auguraba un futuro psicodélico y pop, Cardin definió la modernidad de los años sesenta al inventarse nuevos horizontes estilísticos tanto en la figura masculina como la femenina.

Defensor a ultranza del pret-a-porter, fue el primer diseñador de alta costura en vender en unos grandes almacenes y en expandir su marca a otros mercados, como el japones, entendiendo la nueva realidad a la que se abría de la moda.

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REPORTAJE

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Vivienn Vivienne vienn Westwood Nace en 1941 en Inglaterra, trasladándose a Londres a los 17 años para estudiar arte en el Harrow School of Art. Su carrera como diseñadora está unida a la de Malcom Mclaren, manager de los Sex Pistols, a los que Westwood viste para salir a escena. Ellos inventan el punk en sus tiendas, Let It Rock, Too Fast To Live-Too Young Too Die y Sex. Desde allí crean la imagen de la Inglaterra de los setenta, de la revelión, y del underground.

Más tarde Westwood comienza a desfilar en la London Fashion Week y su moda deriva hacia la alta costura, convirtiéndose en una de las diseñadoras fetiche de su país, sin perder nunca su aire contrasistema y su extraña mezcla entre elegancia clásica inglesa y rebelión punk.

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REPORTAJE

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Jean Paul Gaultier

Gaultier nunca recibió educación formal como diseñador.

Comenzó enviando sus dibujos a diseñadores famosos.

Se sumergió en el mundo de la alta costura cuando Cardin se impresionó por su talento, y lo contrató como asistente en 1970.

Su primera colección fue lanzada en 1976 y su característico estilo irreverente data de 1981. Muchas de las siguientes colecciones estarían basadas en ropa callejera, inspirándose en la cultura popular, mientras otras, particularmente las de alta costura, son muy formales y al mismo tiempo inusuales.

Además destaca por su gran colaboración para músicos como Madonna, para películas (Almodovar entre otros) y por su intención de expandir los ideales de belleza más allá de las medidas perfectas de las modelos tradicionales.

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SALIDA

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Viajar Vestir Leer Ver Escuchar Hacer

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CIUDAD

Nueva York En Nueva York está todo. Mejor, allí se puede encontrar todo, sólo hay que saber buscar. Pero la búsqueda no sólo ha de reducirse al exterior, para entender de verdad (si es que se puede) esta fascinante ciudad hay que mirar hacia dentro y ver que el mundo que se despliega ante nuestros ojos y en sus calles, forma parte de nuestra identidad cultural. Puede que esté lejos, en otro continente y al otro lado del Mar, pero Nueva York vive dentro de cada cinéfilo, de cada apasionado lector, de cada artista y, por supuesto, de cada arquitecto.

Cuando se recorre, la extraña y a la vez cálida sensación que provoca, la sorpresa continua que convive a la perfección con la impresión de estar en casa, es la que provocan las historias que has vivido como espectador y que, de repente, se vuelven parte de tu realidad inmediata.

Allí todo es nuevo pero al mismo tiempo conocido y sobre todo, excesivo. La aplastante escala de los rascacielos, el movimiento incesante, la convivencia de lo completamente dispar, la comida, las diferencias, la artificial naturaleza de Central Park, la acumulación de arte en los incontables museos, lo interminable de sus calles, el caos que nunca cesa, las noches infinitas, la compulsión del consumismo más festivo; todo está multiplicado y engrandecido con respecto a lo que siempre has esperado de ella.

Incluso el tópico resulta exagerado en esta ciudad. Exagerado cuando se cumple y exagerado cuando no lo hace y nos sorprende irremediablemente. Y es que, al igual que en el resto de los Estados Unidos, y aún siendo una isla dentro de ellos, el contraste es el alma y el cuerpo que da forma a la gran metrópoli por excelencia del siglo XX, la guía con la que moverse por sus ángulos rectos.

Lou Reed dijo una vez que seguía viviendo en Nueva York porque la conocía y sabía moverse por ella.

Al final del viaje, entendí perfectamente que quería decir. No debe de resultar nada fácil hacerse con esta ciudad, con este universo de exceso y contraste continuo y ,cuando lo consigues, debe de parecerse bastante a entender el mundo. Adivino que ser neoyorquino tiene que resultar algo así como un estado del alma, y en los habitantes de esta ciudad, en los millones de almas que la recorren y viven, está también lo mejor de ella. Cada momento, cada espacio, cada edificio, cada calle, están asociados en mi mente con la imagen de una persona. La chica negra de

ojos verdes con botas vaqueras y vestido de flores viajando sola en el metro de madrugada, la anciana delgadísima leyendo en un rincón de una sala vacía del Whitney, el camarero latino del diner de la calle 22 con la tercera, amante de la música española, el grupo callejero de baile que actuaba a la entrada del Metropolitan y dejaba boquiabiertos a los turistas que hacían cola, la familia asiática que visitaba el Jardín Botánico de Brooklyn y que había ido a ver la impresionante colección de rosas, la mujer rusa del puesto de helados de Little Odessa

Todo en Coney Island parece mentira. Ni siquiera es ya una isla, puesto que el estrecho canal que la separaba de la tierra firme hace tiempo que dejó de ser algo más que un banco de arena móvil. Sus atracciones de feria y sus desfiles también han cambiado mucho. El lugar donde cualquiera podía pasar el día por unos cuantos dólares, el último recurso siempre seguro para los menos ricos o para los curiosos, poco a poco se extingue.

Si hay una ruina majestuosa que pueda conmover en Nueva York, es Coney Island, con su paseo marítimo de madera y sus muelles cargados de cañas de pescar y paseantes ya viejos, como dicen allí, casi acabados.

en Coney Island, el dependiente de la tienda de vaqueros del Soho que en realidad era una futura estrella del rock, la chica de la gabardina y los tacones rojos que comía fideos en la mesa de al lado del restaurante de China Town; cada lugar una persona, un personaje.

Cuando visitas una ciudad que te emociona quieres quedarte para siempre, pero en ninguna como en Nueva York, en la que desearías haber nacido para saber moverte por ella, para entenderla.

CONEY ISLAND De camino a la última parada de metro en Brooklyn, entre edificios vulgares y sucios, se ve recortado por un momento el mar. Al fondo, se intuye Coney Island, la que para muchos resulta la última playa de Nueva York.

Se dicen muchas cosas de Coney Island, siempre las mismas. Que sus montañas rusas son el Coliseo de América. Que su frente marítimo es un inmenso domingo por la tarde, perpetuo y opresivo. Hay algo de verdad. Cuando uno pone el pie en Coney Island, se siente triste.

Las ruinas de Coney Island aún viven levemente. Por eso duele verlas y por eso su efímero presente sobrecoge.

El silencio tranquilo de la playa calma el ruido furioso del lejano Manhattan. Ese es su gran valor, aunque los neoyorquinos no la visiten nunca Coney Island sigue ahí.

Se respira en el aire. Se nota en las esquinas. En medio del bullicio, en el cruce de la calle Treinta con la Octava avenida, alguien se detiene un instante y recuerda que el mar helado sigue rompiendo imperturbable en la orilla lejana y asequible de Coney Island.

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PASARELA

Milán

JIL SANDER

A/W 2012-13

RICK OWENS

BURBERRY PROSUM

LANVIN

PRADA

MOSCHINO

DOLCE & GABANNA

VIVIENNE WESTWOOD

GUCCI

VERSACE

MARC BY MARC JACOBS

MARNI

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RESEÑAS

disco libro cine fiesta

GRIMES visions (4AD 2012) Grimes es el nombre artístico de Claire Boucher, una canadiense un tanto excéntrica y peculiar, que en Visions se decanta por un electropop oscuro y de corte generalmente minimalista pero atmosférico, con ramalazos witch house o industrial, similar al de sus debuts, Halfaxa y Geidi Primes, ambos de 2011.

La agudeza vocal podría encasillarla en un único registro, pero por suerte la versatilidad que comprobamos en su debut sigue presente e incluso potenciada, entre la inocencia a la actitud juguetona o delicada e incluso inquietante. Se puede decir algo similar de la producción, que presenta un sonido propio, bien hilado y variado dentro de una coherencia, destacando por los muchos elementos que no pasan desapercibidos, especialmente el carácter orgánico de los teclados. Por ahora Visions se ha alzado como uno de los discos del año que acabamos de estrenar. Y ojo, huele a grower. A ver qué tal se le da el directo. Lo comprobaremos en el Primavera Sound.

ESTILISMO DE MODA Jacqueline McAssey & Clare Buckley Editorial Gustavo Gili. Barcelona. ¿Cuándo el estilista de moda a pasado a considerse una verdadera y muy deseada profesión? Los primeros estilistas fueron en realidad editores que trabajaban en revistas de moda y se encargaban de seleccionar las prendas y crear los looks, sólo a partir de los años 80 empezaron a aparecer los primeros estilistas para luego convertirse en personajes clave para las editoriales de moda.

A lo largo del libro los nombres y breve biografía de los estilistas que durante estos años han hecho historia en el mundo de la moda y entrevistas a personajes emblemáticos para poder acercarnos y entender mejor este mundo.

Como empezar en esta profesión y todos los pasos para realizar un estilismo de moda. Una lectura aconsejable a todos los apasionados de moda para tener todos los conocimientos básicos fundamentales.

TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN lynne ramsay 2012

SÓNAR 2012 Barcelona 14,15,16 Junio

Eva pone a un lado sus ambiciones y su carrera profesional para dar a luz a Kevin. La relación entre madre e hijo es complicada desde los primeros años. Cuando Kevin tiene 15 años hace algo irracional e imperdonable a los ojos de toda la comunidad. Eva lucha con sus propios sentimientos de dolor y responsabilidad. ¿Alguna vez llegó a amar realmente a su propio hijo? ¿Cuánto de lo que hizo Kevin fue culpa de su madre?

Austra, New Order, Die Antwoord, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, James Murphy, The 2 Bears, Untold, Pegasvs, Daniel Miller y Daedelus son algunas de las nuevas incorporaciones al Sónar que se han dado a conocer recientemente y que se suman a Hot Chip, The Roots, etc.

La película cuestiona esa inocencia innata que se le presupone a cualquier persona y nos viene a decir que lejos de influencias externas, educación, falta de cariño o comprensión, hay personas que pueden ser malas por naturaleza o, al menos, estar trastornadas desde su nacimiento. La película analiza la negación. Ninguna persona quiere creer que su hijo sea así, nadie acepta que un niño pueda albergar maldad. Este autoengaño se produce en ambos progenitores, pero más aún en el padre.

El festival también contará con Cornelius presentando la banda salyu x salyu, el experimentador brasileño Ricardo Donoso, los remixers canadienses Keys N Krates, la insólita propuesta músico-científica del japonés Masaki Batoh, el grupo secreto e inédito Mostly Robot, concebido por la empresa de software musical Native Instruments, y algunas de las propuestas nacionales del momento, como las de Lenticular Clouds, Lolo & Sosaku, D.Forma o Esperit!

La imagen oficial del festival.es la de la película La Distancia, la historia de un robo en una central térmica en Siberia.

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CITAS

exposición EL ESPEJO INVERTIDO: ARTE DE LAS COLECCIONES DE LA FUNDACIÓN "LA CAIXA" Y DEL MACBA Guggemheim Bilbao 31/01-02/09 2012

El espejo invertido presenta obras de 52 artistas procedentes de los fondos de dos de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Europa: la de la Fundación "la Caixa" y la del MACBA, que por primera vez se presentan de manera conjunta fuera de sus respectivas sedes. Este recorrido desde finales de los años cuarenta hasta el momento actual

incluye pintura, escultura, fotografía y vídeo, y está organizado en seis secciones temáticas: "Dau Al Set y El Paso", "Función y recreación en la fotografía: Landschaft", "Función y recreación en la fotografía: el Yo y el Otro", "Los Límites de la performance", "El espejo invertido" y "Levedad, gravedad y otras imposibilidades".

SCHIAPARELLI AND PRADA: IMPOSSIBLE CONVERSATIONS Metropolitan Museum (MET) Nueva York 10/05-19/08 2012

Tras la exposición de Alexander McQueen, el MET pretende repetir éxito con una nueva exhibición.

Esta vez las protagonistas son dos mujeres: Elsa Schiaparelli y Miuccia Prada. La exposición, que abrirá sus puertas el diez de mayo, explora las similitudes de las dos creadoras italianas a través de ficticias conversaciones entre ambas y sugiere nuevas lecturas sobre su innovador trabajo. La exposición, que podrá verse hasta el 19 de agosto, se inspira en las Impossible Interviews

que Miguel Covarrubia realizó para Vanity Fair en los años treinta.

El Museo del Prado presentará el próximo mes de junio la exposición El último Rafael, una de las exposiciones más importantes dedicadas al artista y su taller, y la primera centrada en sus años finales, etapa tardía de su producción que le convirtió en el pintor más influyente del arte occidental. Coorganizada con el Musée du Lo-

uvre, la muestra contará con más de setenta obras y propondrá un recorrido cronológico por la actividad del maestro, desde el inicio del pontificado de León X (1513) hasta su muerte en 1520, y de la de sus principales discípulos: Giulio Romano y Giovanni Francesco Penni, hasta finales de 1524.

EL ÚLTIMO RAFAEL Museo del Prado, Madrid 12/06-16/09 2012

DIANE VREELAND AFTER DIANA VREELAND Palazzo Fortuny, Florencia 10/03-25/06 2012

La exposición recorre el trabajo de Vreeland como editora y como descubridora de algunos de los diseñadores más importantes del siglo XX. Las fuentes documentales de la exposición se han tomado de sus diferentes trabajos y colaboraciones en revistas de moda: sus artículos periodísticos serán la columna vertebral del discurso de la exposición ya que en ellos se desgrana su pensamiento sobre la moda.

Podrán verse prendas emblemáticas a través de videos de conversaciones simuladas entre Schiaparelli y Prada, dirigida por Baz Luhrmann, centrándose en cómo ambas mujeres exploran temas similares en su trabajo a través de enfoques muy diferentes.

La exposición reflexiona también sobre la herencia y la influencia de Diana Vreeland en la moda actual a través de una serie de instalaciones que cuentan la historia de su personalísima visión de la industria.

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Mikhail Baryshnikov, bailarín, Nueva York, 20 de Junio, 1978 RICHARD AVEDON

Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión.

Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

Esta imagen de Baryshnikov muestra a la perfección la idea del nuevo hombre que nacía en estos años. Si bien podría ser atemporal, por la ausencia de vestimenta que marque una época determinada, la expresión del bailarín, la naturalidad y la desnudez de su cuerpo nos habla de los códigos estéticos y sexuales que imperaban en estos años: libertad, ambigüedad y ausencia de prejuicios.