the wall by Jenny Rojas

Revelaci贸n

StayWay Cruza la l铆nea Tributo a pantera Vuelve The Strokes

Moby

en Colombia

La ultima superestrella del Rock

Kurt Cobain

Editor Cristian García Jefe de producción Camilo Torres Coeditora Marcela Rojas Norato Cómite Editorial Camilo Torres Gamba. Cristian García Garces. Marcela Rojas Norato. Andrés Bernal Torres. Yuritza Velandia Castro. Director de arte Yuritza Velandia Castro. Coordinadora de diseño y Diagramación Camilo Torres Gamba. Cristian García Garces. Marcela Rojas Norato. Andrés Bernal Torres. Yuritza Velandia Castro. Corrección de estilo Camilo Torres Gamba. Preprensa e impresión Berman -Ricaurte Bogotá.

Bogotá Colombia 2010

Editorial La música es el arte que expresa el espíritu humano con la armonía de sus notas, revela su lugar en la historia, la personalidad de los compositores, y las atribuladas experiencias de sus vidas. Cada melodía, acorde o percusión que ejecuta un instrumento equivale a un estado de ánimo, una realidad, un fenómeno natural, una estación, una celebración, un ritual religioso, una circunstancia de la vida y también al hecho crucial de la muerte. Los compositores perciben sus obras antes de componerlas como una totalidad, se sienten simples canales que tienen la capacidad de percibir la verdadera belleza no mundana de la armonía sonora. Para crear tienen que alejarse de las cosas cotidianas o no darles importancia, porque la inspiración suele llegar solamente en estado de quietud y contemplación, por esta razón, the wall, dedica sus secciones al mundo sonoro que diariamente contemplan nuestros sentidos.

Contenido Agenda Nueva Era Tendencias The Wall El Muro Revelación Tributo Entrevistas Lo + Conciertos Zona Retro Lo nuevo Biografias

Pág 5

Pág 21 Pág 38 Pág 52 Pág 70 Pág 77 Pág 88

Pág 10 Pág 30

Agenda

ABRIL 16 Viernes

La Orquesta Filarmónica de Bogotá, bajo la dirección de la cubana Tania León

Pág 72 Pág 82

17Suba al Rock Sábado

El estreno de la obra colombiana “Concierto para flauta, cuerdas y percusión” marcará el encuentro musical que ofrecerá al público la Orquesta Filarmónica de Bogotá este 16 y 17 de abril en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y en el Auditorio León de Greiff, respectivamente.

Celebración de los 10 años de la Escuela de Rock de Suba Con las agrupaciones: 1.280 Almas, Awaken y Black Memory. Hora: 12:00 m. Entrada gratis

Para el deleite de los aficionados y seguidores de la música sinfónica, vuelven este fin de semana los tradicionales recitales de la Orquesta Filarmónica de Bogotá: el viernes 16 de abril a las 7:30 p.m. se presentarán en la renovada tarima del Teatro Jorge Gaitán, y el sábado 17 desde las 4:00 p.m. estarán en el Auditorio León de Greiff.

Universitaria Artística

Pág 48 Pág 56

Centro Cultural La Media Torta

El plato fuerte es la destacada directora cubana Tania León que oficiará sus obras “Ácana” y “Horizontes”; igualmente, se hará el estreno mundial de la obra colombiana “Concierto para flauta, cuerdas y percusión”, composición de Pedro Sarmiento. Por su parte, Fabio Londoño, flautista de la Filarmónica, participará como solista.

¿DONDE? Teatro Jorge Eliécer Gaitán (Cr 7 N° 22-47) Viernes 16 de abril, 7:30 p.m. Costo: $10.000 a $20.000 Descuentos para estudiantes y adultos mayores

Auditorio León de Greiff, Univ. Nacional (Cr 30 con cl 45) Sábado 17 de abril, 4:00 p.m. Costo: $7.000 a $20.000 Descuentos especiales para estudiantes y trabajadores de la Universidad Nacional de Colombia.

18Muestra Domingo

II Jornada Conciertos- Género: Tropical Participan: Orquestas de las Universidades Nueva Granada, Los Libertadores, San Martín y Uniminuto Hora:1:00 p.m. Entrada gratis

Sábado

Concierto Los Jóvenes y el Bicentenario

En alianza con la Subdirección de Juventud de la Secretaría de Integración Social País invitado: Argentina Bandas por confirmar Hora: 1:00 p.m. Entrada gratis

Agenda

FESTIVAL Blues y Jazz

La Libélula

Dorada 2010

VIERNES

CITADINO

(BLUES - ROCK) Música creada con influencia de bandas clásicas y tendencias variadas como el jazz, el latín funk, el folclor entre muchos otros. La banda ha presentado su música en diferentes programas de televisión y de radio, además de la participación en festivales, teatros, bares y escenarios dentro y fuera de Bogotá.

SÁBADO

AFLAMENKAOS

(JAZZ) Aflamenkaos busca extraer, de su crisol de géneros e influencias, atmósferas y ambientes que le permitan al músico ser libre a improvisar y al oyente dejarse llevar por una música que no pretende aferrarse a las hilaciones tradicionales.

VIERNES

MARTES

MINORÍA ENSAMBLE

(JAZZ) Propone una visión amplia de la música, utilizando la improvisación de forma universal, infEl mejor tributo a Queen en Colompor el lenguaje jazzístico, ya que la intensión es hallar un lenguaje propio.

Agenda

El mejor tributo a

Queen

en Colombia

JUEVES

Dios Salve a la Reina, la agrupación apadrinada por Bryan May, guitarrista original de la banda, vendrá a Colombia para revivir los mejores momentos de Queen en Bogotá y Medellín. Dios Salve a la Reina llegará al país para presentarse los días 7 y 8 de mayo en Bogotá y Medellín respectivamente, exponiendo un show que de seguro ningún seguidor de Queen se debe perder.

EL HOMBRE LIMÓN

(BLUES) Sus canciones se caracterizan por tener diferentes estilos musicales como country, blues, y rock que al mezclarlos se obtiene un sonido propio que caracteriza a la banda.

JUEVES

AEROSMITH

Por primera vez en Colombia, la banda estadounidense Aerosmith realizará un concierto, en el marco de su la gira “Cocked, Locked, Ready ro Rock Tour”.

Bogotá recibirá a Moby, el compositor, productor, DJ, pionero e innovador de la música electrónica, quien protagonizará una gran fiesta el próximo sábado primero de mayo en la capital colombiana. La rumba calentará motores con lo mejor de la escena electro de Colombia y además contará con un invitado internacional que será anunciado próximamente. Moby ha logrado más de 14 nominaciones como mejor artista o composición musical en diversos

Después de más de 30 años, la banda icono del rock se presentará en el parque Simón Bolívar, el 20 de Mayo. premios como los MTV, Grammy o los Britt Awards, ganando en los campos de mejor video o artista web. Ahora el turno es para Colombia de recibir al maestro del sonido electro.

Datos del Concierto: Lugar: Parque Jaime Duque Fecha: 1 de Mayo de 2010. Boletería: www.tuboleta.com

Ricardo Leyva, empresario que trae a la agrupación ganadora de 4 premios Grammy, señaló que es un evento que estaban esperando los colombianos. “Después de muchísimos años vienen a Latinoamérica… fueron muchos años, hasta que lo logramos. Pero lo importante es lo que esta pasando en Colombia y en Bogotá, hoy en día todos lo grupos quieren venir al país”, señaló Leyva. Las boletas se empezarán a vender desde el 13 de marzo a las 00:00 horas, los precios serán de 350.000, 240.000 y 120.000. En cuanto al grupo que le abrirá a Aerosmith, Ricardo Leyva confirmó que se escogerá a través de un concurso.

“Vamos a hacer un concurso y lo todos los integrantes de Aerosmith van a decir que banda colombiana quieren para compartir escenario”

Agenda

19 5

en Colombia

True Metal Arrival Fest

Bandas SOBIBOR-LEGACIA-ORDOG-GROWING HATE-SILOGISIUM Fecha sábado, 5 de junio 2010 Lugar Calle 69A bis sur No. 78J-23 Tercer Piso - Efesto Bar - Bosa Piamonte Hora 07:00 • PM Valor 6.000 Ciudad Bogotá TRUE METAL ARRIVAL FEST 1 Presenta a las bandas: SOBIBOR: relanzando su cd “a un paso del Abismo LEGACIA: lanzando su cd “Libre albedrio” ORDOG: Relanzando su primer demo “Blasphemy and hate” GROWING HATE: Death grindcore interpretando lo mejor de S.F.U y Mortician. SILOGISIUM: lanzando promo cd “Invocando el pasado”

Organiza: Evolutiva 3114726835

Una gira que podrás disfrutar como nunca en Bogotá el sábado 19 de junio de 2010 a las 5 p.m. en el Teatro Metro de la calle 34 No: 13-28 con una impactante puesta en escena y la actual alineación conformada por Tete Novoa (Voz), Tony Hernando (Guitarra), Andy C (Batería) y Niko del Hierro (Bajo), junto a ellos Sagar y Thunderblast, dos de los bandas más importantes de la escena actual en Colombia.

• General $60.000 • VIP $80.000

Hora: 8:00 p.m. Lugar: METROPOL, Calle 24 Nº 6-31

Puntos de Venta:

Boletas en: www.tuboleta.com Precios: Primera etapa hasta el 23 de mayo VIP $110.000* General $80.000*

eventos

Desde Madrid, España Saratoga viene a celebrar en nuestro país su mayoría de edad…18 años de historia musical, una discografía compuesta por 9 álbumes de estudio, 2 en vivo y una compilación de grandes éxitos, actualmente se encuentran estrenado su nuevo trabajo discográfico “Secretos y Revelaciones”, producido por Niko del Hierro y Tony Hernando, la masterización estuvo a cargo de por Roland Grapow (Helloween, Masterplant).

Invita: Colombia Metal Militia Records

Lacuna Coil En Colombia

Segunda etapa del 24 de mayo en adelante VIP $125.000* General $95.000* *No incluye costo de servicio Tu boleta.

SÁBADO

Saratoga

SABADO

SÁBADO

Agenda

Edad mínima 14 años. Apertura de puertas 4:00 p.m. Artista principal en escenario 10:00

True Descarnation Chia Metal Fest

Rolling Disc • Carrera 5 No: 18-86 local 206 C.C. Vía Libre teléfono: 2860009

Bandas : SOULBURNER, VERTEBRAL,VASTAGO SOULS, NEXCIDIUM, DEATH RACE

Sound Store • Carrera 7 No: 57-47 teléfono 3473720

Fecha sábado, 19 de junio 2010 Lugar RESTAURANTE BAR LAS PUERTAS PARQUE PRINCIPAL Hora 06:00 • PM Valor 10.000 INCLUYE CERVEZA Ciudad Chia

Alto Voltage Sala de Ensayo • Calle 57 No: 7-53 teléfono 606867

Nueva Era

Luego de ser teloneros de la legendaria banda IRON MAIDEN en el año 2008, Introspección dedicó sus esfuerzos a producir la obra que estaba siendo concebida desde el lanzamiento de su álbum Revealed.

Con un trabajo que imprimiera huella a nivel conceptual, lírico y musical motivó al sexteto colombiano a entregarlo todo en la realización del trabajo que ahora sienten que representa a Introspección como una banda auténtica, ambiciosa y perfeccionista. 10 tracks en Inglés y uno en español integran este LP con sonoridades que oscilan desde el Thrash hasta el MetalCore, desde el Heavy Virtuoso hasta el Progresivo Oscuro, desde el Folk Americano hasta el Épico Europeo, desde la música llanera hasta la andina, todos estos estilos apareciendo y mezclándose en un viaje lleno de furia, pasión y nostalgia. Gran ejemplo de esto es la canción Seventh Day, que al ser la última en ser compuesta y al durar 10 minutos refleja todos los elementos del álbum y la intención de la banda de Trascender. A diferencia de Revealed, TRANSCENDING es un trabajo en que todos los miembros de Introspección to-

maron un rol en la composición lírica y musical, en la arreglística de su propio instrumento, en el concepto sonoro y visual, canciones con afinaciones más bajas en la guitarra, la inclusión de instrumentos como el Vocoder, el bajo de 5 cuerdas, la Guitarra Acústica, Arreglos Corales no solo enriquecen el espectro sonoro de este trabajo, lo hacen mucho más contundente. Bajo la producción de César Restrepo y Victor Santafé, el talento humano detrás de este disco incluye al experimentado Germán Villacorta(Ozzy Osbourne, Rolling Stones, Zack Wilde, Koyi-K-Utho, Pestilencia) quien mezcló y masterizó Transcending en los studios LimaAV 32 en California(Estados Unidos) y el fotógrafo y diseñador Adrián Prada, famoso por haberse convertido en el gurú de los conciertos en Colombia con su página www.colombialive.com quien se encargo de la fotografía, concepto visual y diseño del álbum.

Nueva Era Systema Solar Es un colectivo músico-visual de la costa Caribe de Colombia. Sus integrantes, provenientes de diversas latitudes territoriales y sonoras, han encontrado en las vibraciones afro Caribeñas un mar de posibilidades para realzar la fuerza y potencia de la música colombiana. El objetivo del colectivo es crear espectáculos audio-visuales con su estilo propio que llaman “Berbenautika”, inspirándose en la tradición de los pikos (sistemas de sonidos colombianos) y la verbena (fiesta popular). Sus integrantes se reúnen para crear, adaptar y reinventar músicas de manera improvista y con un fuerte énfasis en el culto al baile y la alegría. Reciclan la música afro caribeña y folclórica colombiana como el porro, la cumbia, el fandango, la champeta, y la fusionan a través de herramientas electrónicas con ritmos y estilos culturales actuales tales como el hip hop, house, techno, breakbeat, breakdance, el scratching y el video en vivo.

MARROCKO Nace en el corazón de una ciudad llena de alegría, sabor, y Mujeres hermosas, Santiago de Cali. Formada en agosto del año 2003 cuando sus dos primeros integrantes Guillermo (Vocal), y Alexis (Guitarrista), después de tocar juntos en varias Bandas de Rock emprenden su sueño de grabar un CD. Así empezó una aventura hasta alcanzan la meta de grabar su CD de Lanzamiento llamado “Marrocko” e inician una Gira de conciertos por todos los Bares de Cali y del departamento del Valle. Además, empiezan a grabar un DVD en el que captan de manera natural todas las etapas de la banda en videos que representarían las canciones de esta producción. Ahora luego de 5 años y radicados en USA, lanzan su segundo CD llamado “Desde Cero”, una producción que tiene 13 tracks de los cuales 4 son en ingles y en las que se tomaron 1 año en el proceso de componer, arreglar y producir, Marrocko es igual a un Mar de Rock Desde Cero y un Nuevo Comienzo.

VIOLECTRICA Provenientes de distintas escuelas musicales pero unidos por la experiencia de la banda Sudaca, ganadora del premio Shock a la mejor banda emergente y desaparecida prematuramente luego de una meteórica carrera. John Fredy y Nicolás se encuentran luego de un año dedicados a sus proyectos personales (la banda Lengua, cuyo primer trabajo discográfico saldrá en 2010 es el proyecto de Nicolás y Kika Pérez) y se sumergen en el mundo de la electrónica que tanto han conocido en sus años en la música y ajenos a la culpa costumbrista se proponen hacer música para bailar y pensar a la vez. Sin proponérselo, VIOLECTRICA se introdujo en un género que lleva más de una década entre dormido y despierto, el Hip House. Con influencias del techno, el funk, el deep house y el hip hop, Violectrica propone canciones orgánicas que cambian de forma porque hacen parte de un espectáculo y es el público quien decide su duración. Las canciones que se oyen en este player fueron grabadas en vivo y siguen el instinto y la comunicación entre los miembros de la banda.

Nueva Era

La Unión De Los Sentidos. De la fuerza de Rock surge SINESTESIA, una nueva agrupación de Santiago de Cali que presenta su propuesta musical a través de canciones propias inspiradas en temas variados de las vivencias cotidianas del ser humano. Desde su creación, SINESTESIA ha desarrollado sus canciones bajo el estilo del Hard Rock y otros afines, manejando letras en español, lo que ha permitido a esta agrupación presentarse en muchos lugares y ganar el reconocimiento de quienes los escuchan; al punto de ganar un concurso creado por la Secretaría de Cultura y Turismo de Santiago de Cali a través de los Estudios Takeshima para todas las agrupaciones nuevas de la región y que le permitió la grabación de su primer sencillo, en el cual se encuenLa agrupación continúa con la creatran las canciones Partiré Mañana y Todo ción de sus propias canciones conPor Ti, canción sobre la cual se hizo también tando ya con muchas composiciones, el primer videoclip de la banda. La agrupación además de muchas interpretaciones a través de estos años se ha presentado en diferentes escenarios de Santiago de Cali de otros artistas reconocidos con las y otras ciudades de Colombia, logrando cuales busca llegar al público. gran aceptación y llevándolos a abrir una de las presentaciones de la agrupación vallecaucana Kronos, además de presentarse en varios eventos compartiendo escenario con agrupaciones como Koyi K Utho, Pornomotora y Doctor Krapula entre otros. En la actualidad, se está terminando la masterización de otras canciones inéditas y la producción del segundo videoclip de la canción titulada La Canción Del Trago. La agrupación continúa con la creación de sus propias canciones contando ya con muchas composiciones, además de muchas interpretaciones de otros artistas reconocidos con las cuales busca llegar al público de toda Colombia y por que no, llenar de energía, satisfacción y rock al mundo.

Nace en Barrancabermeja, Santander (Colombia). Inicia sus estudios musicales en la Universidad Industrial de Santander (UIS). A su vez empieza su vida musical integrando los primeros grupos de Rock en Barrancabermeja tocando diversos géneros musicales y destacándose como guitarrista de la banda Hijos de Caín, grupo musical que influenció a muchas otras agrupaciones y banda que marcó historia en esta ciudad por sus excelentes presentaciones y gestión de eventos culturales a favor de la música. Luego en busca de nuevos horizontes y con como Daniel Leonetti ( ex productor de enaproyectos personales viaja para Argentina, nitos verdes y bajista de Walter Giardino) y iniciando en la ciudad de la Plata y realiza Adrian Barilari, excelente vocalista, quien es estudios de música el cantante de Rata moderna en la escueblanca. También asisHoy en día presenta su trabajo en la “EMU” donde se da tió a clínicas con gransolitario integrando a estos grandes a conocer por sus apdes músicos de jazz y músicos mencionados como artistas titudes y destrezas, de Rock como Pedro invitados, incluyendo al bajista de logrando tocar con Aznar, Hugo Fatoru“Juanes” Pipe Navia” y a músicos desgrandes y reconociso, David Becker, Jeff tacados la escena regional. dos músicos argentiBerlin, Sid Jacobs en nos, teniendo clases la escuela de música magistrales con músimoderna EMU. cos que lideraron grandes bandas y propuestas del Rock en español como Lapo Gessaghi Igualmente contó con el apoyo del reconocigraduado en Berklee College of Music, Roy do vocalista de Rock nacional Elkin Ramírez, Elder también graduado en Boston y com- líder y cantante de Kraken, reconocida banda partiendo sets de grabación con personas colombiana.

Nueva Era

Nueva Era relizado en abril del 2009, organizado por la Alcaldía Local de Usaquén, logrando gran acogida. En mayo la banda capitalina ganó la convocatoria para participar en el Festival Rock al Parque 15 Años ,uno de los festivales más importantes de Latinoamérica, contando con gran cantidad de público, la banda abrió el escenario rock el segundo día del festival.(28 junio),realizando un excelente presentación y contagiando a la gente con la mejor energía. El julio 18 alto grado participo el el Tortazo de Reggae, realizado en la Media Torta de Bogotá, compartiendo tarima con bandas representativas como Voodoo soul Jahs, y Kirtan reggae. Participó en el compilado Abre Sierra Se-

Alto Grado Colombia fue seleccionado por Cartel Urbano revista muy reconocida en los medios Colombianos para las eliminatorias sonoras 2010 evento presentado por MTV.

En tan solo un año de trayectoria la banda colombiana ALTO GRADO COLOMBIA ha logrado posicionarse como una de las mejores bandas de reggae fusión del país.

A través de un formato sencillo, compuesto por Deegeereedoo (Instrumento de viento australiano) y otros vientos, guitarra, bajo, batería y voces; se mezclan los más exóticos sonidos afro, combinándose con lo mejor de los sonidos afro-jamaiquinos como lo son el reggae y el ska, y afro-americanos como el funk y el hip-hop. En la búsqueda constante de un sonido impactante y característico, cada uno hace su aporte musical: las voces, con un gusto especial por el reggae y el hip-hop, la guitarra con apuntes más hacia el funk con tildes de reggae, la trompeta colocando la esencia del jazz y el drum & bass, por último pero con la misma importancia, la batería y el bajo hacen la unión perfecta con sus acordes tropicales recordando una vez más la raíz afro. Su movimiento es por la tierra, llevando un mensaje positivo y propositivo (intentando llegar a soluciones), con conceptualización Rastafari, aclarando su punto de vista, pero sin segregar el ideal de cualquier otro grupo. Promulgan amor y unión entre todos, solidificando su carácter social sin dejar aparte el lado social y urbano característico de

ykiwia proyecto Arte por la Tierra donde grabaron junto a Manu Chao, Sargento García, Doctor Krapula y otros artistas nacionales e internacionales. ALTO GRADO COLOMBIA ha compartido escenario con artistas de la talla de Aterciopelados, Mauricio y Palo de Agua, Los Gaiteros de San Jacinto, Malalma, Nawal, Sidesteper, ChoQuibtown, Jorge Velosa, Vía rustica, Natural Selection, entre otros. Alto grado Colombia seleccionado para el festival de bandas de la revista Shock y posicionado como una de las mejores bandas del evento. Alto Grado Colombia fue seleccionado por Cartel Urbano revista muy reconocida en los medios Colombianos para las eliminatorias sonoras.

la banda, todo esto acompañado de coros explosivos que poco a poco se están convirtiendo en himnos para los jóvenes bogotanos. EVENTOS Y PRENSA Dentro de las presentaciones más importantes podemos referir el “Concierto Por El Agua”, realizado el 22 marzo 2009 dedicado a la conciencia ambiental y al cuidado del agua como recurso natural gratuito (Reseñado en importantes medios de comunicación colombianos). En este evento cuentan con una acogida y respuesta del público impactante. Su segundo concierto a Favor de los derechos Humanos,

Alto Grado Colombia participo en el concierto cierre de años con Canal 13 y Colt 35 en la Universidad Nacional de Colombia en la concha acústica evento donde tuvieron muy buena acogida por los asistentes. Y emitido en el programa vrs de canal 13. En el 2010 Alto Grado Colombia, gestiono y participo, en el evento HAITI CUENTA CONMIGO, realizado el 24 de enero, con el fin de recoger alimentos para los damnificados de Haití, el concierto conto con la participación de 5.000 asistentes.

Nueva Era

DISCOGRAFÍA:

• Latinoamérica Tierra de Inocentes (1999) • Somos Violentos (2003) • Gira tu Rabia (2007)

• Aniversario Musinet Teleantioquia, Medellín (2007)

PARTICIPACIONES:

• Bandancha Rock Festival (Envigado 2007 y Medellín 2008) • MedeRock, Medellín (2000 y 2002)

Toda la fuerza y la energía de Medellín Co- barrios donde el imaginario colectivo esta lombia para el mundo, proponiendo reflexio- moldeado por el legado de Pablo Escobar Ganes con un alto contenido social y de posi- viria, dinero fácil, corrupción, deslealtad, y ción crítica sobre nuestro actual proyecto de un total deterioro del tejido social”. Nepentes sociedad. Nepentes es una banda de Rock habla de eso, de cómo 4 jóvenes ven su ciudad, su país, y como se conformada en el año de 1998 en el barrio superan grandes retos, Integrantes: pero aún así de cómo Manrique de la ciudad falta recorrer un gran de Medellín - ColomJuan Fernando Álvarez (Nano): Voz camino para ayudar bia, Nepentes presen- Juan Carlos Sánchez (Gallina): Batería a resolver la inmensa ta su propuesta bajo el Juan Carlos Botero (Juan K): Guitarra género del Noise, en el Carlos Alberto Montañez (Caliche): Bajo deuda social que tiene nuestra ciudad y nuescual la banda explora tro país. sonidos del metal, el punk y el hip hop para concluir en un sonido fuerte con mucha ac- En la actualidad la banda se encuentra finalititud y carácter. Desde sus inicios la banda zando la etapa de preproducción de su próxiconcluyó que debería desarrollar temáticas mo disco, el cual piensa ser grabado en el en las cuales se pudiese plantear una posi- mes de marzo y sacado a la venta en el mes ción frontal y argumentada de la coyuntura de junio del 2009. política y social del país, “hay algo que queremos comunicar, muchas bandas hablan de la La banda también prepara un DVD, con el cotidianidad, pero nosotros crecimos en una cual pretenden celebrar los 10 años de exisde las ciudades más violentas del mundo, en tencia de la banda.

• Festival 2005.

Sol

Naciente,

Fredonia,

• Festival Undergrano Medellín, 2004.

RECONOCIMIENTOS: • El 16 de agosto del año 2007 la cadena mundial MTV notificó la entrada en rotación del videoclip de la canción “se tienen rencor” • La Revista Shock nominó a Nepentes como mejor banda de Rock Duro Nacional y mejor Nuevo Artista Alternativo del año 2007. • Segundo lugar en el concurso “Ciudad sonora”, organizado por el canal TELEMEDELLIN, en el año 2005.

Nepentes ha compartido escenario con bandas nacionales e internacionales como: Versuit Vergarabat (Arg), Resorte (Mex), Carajo (Arg) Kinki (Mex), Total Chaos (U.S.A), Aterciopelados, Pornomotora, Koyi k utho, La Pestilencia (U.S.A), Muscaria (Ecu), Masacre, Grito, IRA, Nadie, Coffee Mackers, Don Teto, Rey Gordiflón, Providencia, Pop Corn, De bruces a mi, Tres de Corazón, Dr. krápula.

GRACIAS

TOTALES Es lo que nos dicen todas las empresas que escogen Hard Rock para sus almuerzos corporativos, fiestas, eventos privados o lanzamientos... Reserva el tuyo: 5307328 Ext. 105 “Tus invitados séran atendidos como estrellas”

Radiohead están siendo noticia durante las últimas semanas por muchas razones, y algunas de ellas incluso se contradicen entre sí. ¿Recuerdan cuando unas recientes declaraciones de Thom Yorke nos dieron a entender que el grupo no lanzaría un álbum “normal” durante bastante tiempo? Pues olvidense de ello, porque según el guitarrista Ed O’Brien fueron malinterpretadas.

En toda regla en 2010

Gorrilas mas pop inglesa llena de botellas de plásDespués de colaborar en una gran cantidad de álbumes con distintos artistas, Damon Albarn, miembro de la banda animada Gorillaz, comunicó hace poco que su tercer disco de Gorillaz se encuentra terminado y será lanzado en 2010. Bajo el nombre de Plastic Beach (como homenaje a una playa

tico) el disco será sucesor de Demon Days (2005). Gorillaz adora hacer trabajos en conjunto con artistas invitados y este disco no será la excepción. La lista de participantes para este nuevo proyecto es extensa y en ella caben nombres como Snoop , Lou Reed, Barry Gibb, Bobby Womack o Mos Def. Según él, el nuevo LP será el disco con ritmos más “pop” de su carrera y es un dato hecho a propósito.

Interpol llegará a principios de 2010

C C. ATLANTIS PLAZA HARD ROCK.COM

El cuarto disco de Interpol, aún sin título, llegará a principios de 2010 a través de Capitol Records. Pues aquí va una más, porque Fogarino asegura que con esta grabación están retomando las sensaciones del excelente Turn On The Bright Lights (puesto trigésimo primero en nuestra reciente lista de los mejores debuts de la década).

Tendencias

Black Gives Way

Black Gives Way to Blue es el cuarto álbum de estudio de la banda de grunge estadounidense Alice in Chains que tuvo como fecha de lanzamiento el 29 de septiembre de 2009.[7] Este álbum no solo es el primero que lanza la banda en 14 años sino que también fue el debut del nuevo vocal de la banda William DuVall, el que se une después de la muerte de Layne Staley.

Outkast: nuevo disco en 2010 La banda geogiade hip hop Outkast acaba de anunciar que el año que sacarán su séptimo álbum en su carrera… con cierta condición. Sólo lo harán y saldrá a la venta si los álbums en solitario de los miembros del grupo, Big Boi y Andre 3000, tienen ambos éxito. Yo lo veo difícil, porque realmente no es que sean conocidos por separado, pero no hacen mal en intentar suerte. Big Boi sacó un single en octubre llamado For Your Sorrows en el que participa George Clinton y formará parte de su disco Sir Luscious Left Foot: The Son Of Chico Dusty. Está finalizado, pero aún no hay fecha oficial de lanzamiento. Por su parte, Andre 3000 también prepara el suyo, pero aún no sabemos nada.

Lo nuevo de R.E.M La Banda de Georgia R.E.M. lanzará un nuevo disco el año que viene, que según las palabras del propio Peter Buck, guitarrista, tendrá un sonido más pop y acústico. Este ya ha empezado a trabajarse en estudio y el equipo de producción será el mismo de sus anteriores discos, con Scott Litt a la cabeza. El ultimo material grabado por R.E.M. fue “Live At The Olympia” un álbum

doble grabado en vivo y un documental en DVD. R.E.M. es una de las bandas más emblemáticas del Rock Alternativo a nivel mundial y la noticia del sonido pop de su nuevo disco ha sorprendido a muchos de sus Fans quienes esperaban el sucesor del disco “Accelerate” del 2008, pero por su trayectoria y calidad musical las expectativas para esta nueva producción siguen siendo muy grandes.

Arcade Fire en 2010Lo que puedes leer en el título y

en el resumen es todo lo que sabemos sobre el que será el sucesor de Neon Bible, el exitoso segundo trabajo de Arcade Fire. Además Marcus Mumford, , se ha ido de la lengua en una entrevista a la BBC y ha afirmado que Markus Drav, productor de su alabado disco de debut Sigh No More y que ha trabajado con artistas como Coldplay, Björk, Brian Eno o los propios Arcade Fire, lleva trabajando.

Fleet Foxes se hacían cada vez más populares, y a finales de 2007, su Myspace había registrado un nivel de 250.000 reproducciones en tan sólo dos meses.Aunque la banda aún no había editado ninguna de sus canciones, se vieron beneficiados por el “boca a boca” de los internautas. El 18 de enero de 2008 firmaron con la filial de Warner Music, Sub Pop. Terminaron su segundo EP Sun Giant al mismo tiempo que hacían los preparativos para su primera gira,que les llevaría a partir del 28 de febrero de 2008 y durante toda la primavera por todo el Noroeste de Estados Unidos, junto a Blitzen Trapper. Su participación en el festival South by Southwest de Austin, elevó a la banda a la conciencia colectiva, y suscitó el interés de la prensa.

Nuevo elen 2010 Indudablemente, una de las bandas más aclamadas del pasado año ha sido Fleet Foxes. Los hippies ha sido una auténtica inyección de personalidad musical para el 2008, y a más de un año del lanzamiento de su primer disco, Robin Pecknold y los suyos comienzan a pensar en los planes futuros. Pecknold habla del estado actual de la banda, y declara que el trabajo de cara a un nuevo álbum está en proceso. “Estamos trabajando todos los días. No haremos ningún tour hasta terminar con el próximo disco, y este es el momento para escribir y grabar el nuevo álbum”. 23

Tendencias

VUELVE A LOS ESCENARIOS EN 2010

The Strokes ha fijado por lo menos un concierto para el próximo año: será uno de los grupos más importantes del festival británico Isle of Wight. Los norteamericanos Strokes volverán a los conciertos en 2010. La banda será uno de los nombres más importantes del evento británico que se celebrará entre el 11 y 13 de junio. Otros artistas como el rapper Jay-Z encabezan el cartel del evento que contará con cola24

boraciones de los Blondie y Orbital. La actuación de los Strokes acontecerá el 12 de Junio y los tickets para el festival Isle of Wight están disponibles para venta online desde el 4 de Diciembre. Los Strokes hablaron recientemente sobre el regreso a los álbumes después de un descanso que se viene prolongando tres años (desde la edición de First Impressions of Earth). Desde la red social de microblogging Twitter, el bajista

Nikolai Fraiture dice encontrarse con el manager en la búsqueda de un estudio en Nueva York. Su vocalista Julian Casablancas dice también en una entrevista al Pitchfork que el regreso a las grabaciones sucederá después del inicio de 2010: “Debemos unirnos en Enero, pero todavía no hay nada decidido. Andamos intentando hacerlo desde hace años. Estoy siempre disponible y ellos lo saben, pero estar juntos se hace complicado”.

Tendencias

MASSIVE ATTACK0 Massive Attack son una colaboración Británico dúo de la producción Bristol. Trabajando junto a los co-productores, varios músicos de sesión favorecidas y vocalistas invitados, hacen registros y gira. El dúo se considera que los progenitores de los trip hop género. Originalmente en número de tres, DJs Grantley “Donación” Marshall (alias Daddy G o “G”), An-

drew “Andy” Vowles (También conocida como seta o “Mush”) y el graffiti artista convertido enMC Robert Del Naja (3D alias o “D”) se reunieron como miembros del colectivo de DJ / MC, Grupo salvaje. Uno de los soundsystems de cosecha propia por primera vez en el Reino Unido, The Wild Bunch se convirtió en dominante en la escena de clubs Bristolian a mediados de la década de 1980.

Por fin ya hay una fecha definitiva. Después de tanto esperar, el próximo 8 de febrero llegará a las tiendas de discos el quinto álbum de la formación de Bristol. De títuo Heligoland, el álbum cuenta con las colaboraciones vocales de gente como Damon Albarn (Blur), Tunde Adebimpe (TV On The Radio) o Guy Garvey (Elbow).

Por lo pronto puedo adelantar el tracklist y algunos temas para calentar motores. 01. Pray For Rain - featuring Tunde Adebimpe 02. Babel – featuring Martina Topley-Bird 03. Splitting The Atom – featuring Robert del Naja/ Grant Marshall/Horace Andy 04. Girl I Love You – featuring Horace Andy 05. Psyche – featuring Martina Topley-Bird 25

Tendencia

ROCK STARS Tributo a Pearl jam

Pearl Jam ha ampliado su rango musical conforme avanzaban sus álbumes. Para Vitalogy de 1994, el grupo comienza a incorporar más influencias punk en su música. En No Code fue deliberado el rompimiento con el estilo musical de su álbum debut Ten. Aquí las canciones tienen elementos del garage rock, el worldbeat y la música experimental. Después del regreso al rock directo de sus primeras producciones que se da en Yield, el grupo se acerca a un rock más experimental con Binaural y al folk rock en Riot Act. El álbum del grupo Pearl Jam, es citado como un regreso al sonido primitivo de la banda. La dinámica del grupo cambió cuando Vedder comenzó a tocar más la guitarra hacia el periodo de Vitalogy. En 2006 McCready comentó: “Aún con tres guitarras, creo que quizá ahora tenemos más espacio. 26

Comparados con otras bandas del movimiento grunge de inicios de los años 1990, el estilo de Pearl Jam es notablemente menos pesado y se remonta más hacia el rock clásico de los años 1970.El grupo ha citado como influencias a varios grupos de punk y rock clásico, tales como The Who, Neil Young y Ramones. El gran éxito del grupo ha sido atribuido en gran parte a su sonido, el cual fusiona “los riffs del rock de estadio pesados de los 70 con el valor y la furia del post-punk de los 80, sin descuidar los ganchos ni los coros”.

Kiss es un grupo estadounidense de rock, formado en diciembre de 1972 en la ciudad de Nueva York. Sus integrantes se caracterizan por el uso de maquillaje al más puro estilo Kabuki con personajes de terror o de cómic y su extravagante puesta en escena.

Tendencias

Kiss por Siemrpe

Mientras otros artistas como Alice Cooper y David Bowie representaban el rock de una manera teatral, Kiss fue aún más lejos en la vertiente circense y autoparódica del rock. Con base en sus actuaciones en vivo y grandes espectáculos, escupiendo sangre y fuego. La banda original estaba conformada por Gene Simmons (bajo y voz), Paul Stanley (guitarra rítmica y voz), Ace Frehley (guitarra líder y voz) y Peter Criss (batería y voz). Con su maquillaje y trajes, ellos asumieron los personajes de “El Demonio” o “el Vampiro”(Simmons), El “Chico Estrella” o “El Amante” (Stanley), “El Hombre del Espacio” o “El Marciano” (Frehley), y “El Gato”o la bestia (Criss). Las ventas comerciales de la banda también habían menguado considerablemente en ese momento. En 1983, Kiss abandonó su maquillaje y disfrutó un resurgimiento comercial a lo largo del resto de la década. Manteniéndose a flote por una ola de nostalgia hacia Kiss en los años noventa, la banda anunció una reunión de la formación original (con maquillaje) en 1996. 27

Tendencias

PIXIES

Los Rolling Stones, los Beatles y

PRIMAVERA

Blur publican temas inéditos

SOUND

2010

Pixies es una banda de rock alternativo formada en 1986 en la ciudad de Boston, Estados Unidos. El grupo se desintegró en 1993 debido a tensiones internas pero se reunió nuevamente en 2004. La banda ha estado integrada desde su creación por Black Francis, Joey Santiago, Kim Deal y Dave Lovering. La música de Pixies está influida por el punk y el surf rock. A pesar de que su estilo es muy melódico, son capaces de ser cáusticos. Esto se ve reflejado en las letras de Francis, cantante y compositor principal del grupo, que interpre28

ta con un estilo de voz desesperado. Los temas de sus letras suelen girar en torno a fenómenos de difícil explicación, como el fenómeno OVNI o el surrealismo. Las referencias a temas como la inestabilidad mental, imágenes violentas tomadas de la Biblia, el incesto o daños físicos también son muy frecuentes en las letras de la banda. Al grupo frecuentemente se le ve como el antecesor inmediato del boom del rock alternativo de principios de la década de 1990, a pesar de que su disolución se dio antes de que pudieran cosechar

beneficios de ello.Kurt Cobain, fan confeso de Pixies, reconoció la gran influencia que el grupo ejerció en Nirvana,al igual que otros grupos de rock alternativo. Esto aseguraría el legado de Pixies y provocaría que su influencia fuera creciendo sustancialmente en los años posteriores a su separación. La organización del Primavera Sound 2010 ha confirmado la presencia en el festival de la mítica banda Pixies. Es la segunda confirmación del festival después de la ya confirmada presencia de los también míticos Pavement.

En 1972 los Rolling Stones grabaron Plundered My Soul dentro de unas sesiones que culminarían en el exitoso Exile On Main Street. La canción ha dormido en el olvido hasta este fin de semana, cuando ha salido a la luz entre una amalgama de temas inéditos y rarezas de grupos británicos que incluyen los Beatles, Blur o Pet Shop Boys.

Blur, una de las bandas icónicas del movimiento britpop, también ha lanzado un nuevo tema, Fool’s Day, en este caso, el primero que graba la banda con su formación original desde que en 2002 el guitarrista Graham Coxon la abandonara por las ‘diferencias’ que surgieron con el cantante, Damon Albarn, ahora cantante de la banda animada Gorillaz.

Petshop boys

Cada año desde hace cuatro se celebra en Reino Unido el Record Store Day, es decir, el Día de la Tienda de Discos, que busca promover entre el gran público los pequeños comercios que siguen dedicándose a ello en un momento en el que la piratería y el formato digital amenaza su existencia más que nunca.

Dentro de Parlophone, sello de Blur, se han lanzado toda una serie de ediciones limitadas en estilo vintage que incluyen grupos como Bat For Lashes, Hot Chip, Babyshambles o Lilly Allen. Del mismo modo, se han sumado a la iniciativa The Flaming Lips, Jimi Hendrix, the Stone Roses y MGMT.

La iniciativa del Record Store Day, sin embargo, no es invento británico. La idea surgió en Estados Unidos, donde este año se han previsto unos 200 lanzamientos de ediciones limitadas que, por el escaso número de copias a la venta, se convierten en piezas de colección inmediatamente.

Para apoyar la iniciativa, discográficas y artistas se han decidido al lanzamiento de temas inéditos en una edición limitada de miles de copias. Es el caso de los Beatles, los Pet Shop Boys, Goldfrapp o los Rolling Stones, que han tirado de cajón de los recuerdos para publicar Plundered My Soul, uno de los ‘descartes’ del doble álbum Exile On Main Street.

Se calcula que a día de hoy sólo quedan 269 tiendas de música en todo Reino Unido, una tercera parte de las existentes hace cinco años. En España, según un estudio realizado el año pasado con motivo del Día de la Música, el número asciende a 864 establecimientos, un 11,3 por ciento menos que dos años antes.

The Wall

Guns N’ Roses, después de 25 años, aún dispara Toda una generación de ahora treintañeros y cuarentones creció con su música. Un rubio llamado Axl Rose, con short, pañuelo en la frente y camisa a cuadros, invitaba con su aguda voz, en sus conciertos, a entrar en la jungla del rock. Guns N’Roses se convirtió, en su género, en el grupo más influyente de las décadas de los ochenta y noventa. Calificada como hard rock (rock and roll y blues rock) o glam metal (debido al look despeinado, y sus influencias glam rock), la banda hizo que los jóvenes la convirtieran en leyenda, por su propuesta en escena. Transcurría 1985 en California, EE.UU., “donde la hierba es verde y las mujeres son l i n d a s ”, como dice Paradise city, una de sus

canciones símbolo. Las bandas Hollywood Rose Axl Rose y L.A. Guns se unieron para formar Guns N’ Roses, que empezó su carrera con una gira local. Después de dos años salió al mercado Apetite for destruction, que los llevaría a la cima. El tema Sweet child o’ mine le hizo saber al público que la música glam podía tener calidad, y Wellcome to the jungle sorprendió por su feroz y potente sonido. Los discos G N’ R Lies (1988) y los dos Use your illusion (1991) tuvieron rotundo éxito. De ellos se desprenden Patience, November rain y You Could Be Mine, baladas que Axl interpretaba con carisma, acompañado por los guitarristas Slash (quien usa un sombrero de copa) –para algunos críticos, uno de los mejores del mundo– e Izzy Stradlin; Steven Adler (batería), Dizzy Reed (teclado, desde 1990) y Duff McKagan (bajo). Tenían éxito mundial, pero los conflictos entre ellos empezaron. El primero de los miembros cumbre en irse fue Adler, porque Axl les pidió que no consuman drogas y Adler no cumplió

(aunque después se conoció que no era el único que lo hacía). En la gira Use you illusion (19911993) hubo más conflictos. Periodistas golpeados, recitales cancelados y hoteles destrozados fueron el saldo de los shows. Con el fin de la gira se acabó la etapa dorada del grupo. Cause

nothin’

lasts

forever

(porque nada dura para siempre),

dice Axl en November Rain. Las peleas hicieron que Slash y Duff McKagan dejaran la banda entre 1994 y 1996. Rose y Dizzy fueron los únicos que se quedaron, pero GN’R dejó de hacer música por algún tiempo.

La gira comenzó mostrando un Rose con un look vaquero, kilos de más, junto a los nuevos GN’R: Tommy Stinson (bajo), Dizzy Reed (teclado), Ron Thal, Dj Ashba, Chris Pitman, Richard Fortus (guitarras), y Frank Ferrer (batería). A pesar de los problemas y los años pasados, GN’R ha vendido más de 90 millones de discos y está considerada una de las diez mejores bandas de rock de la historia. Sigue atrayendo público con la fuerza musical del grupo “más peligroso del mundo”, como se lo conoció.

En 1998, Axl volvió a los estudios con otros músicos para hacer un nuevo disco, que demoraría diez años en lanzarse. Chinese Democracy fue lanzado en el 2008, con opiniones divididas. Para algunos, fue un insulto haber grabado bajo el nombre Guns N’ Roses, cuando el grupo era otro, y existen críticas favorables, como la de la revista Rolling Stones, que dan crédito a la calidad musical.

The Wall

Placebo , viene a C o l o m b i a p o r segunda v e z Y un nuevo integrante hace parte de la banda El trío de rock alternativo celebra las energías de lo que llama ‘un nuevo comienzo’. Es como si fuera la primera, pues se trata de una banda que vive un renacimiento: No solo Brian Molko y Stefan Olsdal renovaron energías, sino que traen consigo al nuevo baterista, Steve Forrest. Es así como, el próximo jueves 22 de abril, el trío volverá a Bogotá, después de tres años, ahora para promocionar su álbum Battle for the Sun, que simboliza esos cambios. Forrest reemplazó a Steve Hewitt, aquel a quien el público colombiano le cantó el Feliz cumpleaños en el 2007, en el Palacio de los Deportes. El nuevo baterista venía de la banda Evaline. El lenguaje común de la música llevó a este artista de 24 años (12 años menor que Stefan Olsdal y 14 que Brian Molko), perteneciente a la escena punk de Turlock (California), a integrarse al grupo con base en el Reino Unido, casi sin saber quiénes iban a ser sus compañeros. De hecho, cuentan, Forrest pasó

un chasco cuando, después de que le informaron de la oportunidad de unirse a Placebo y de explorar todas las canciones, el día en que los presentaron se enteró de que quien cantaba era un hombre y no una mujer. “Hoy somos una familia feliz”, asegura Forrest, quien atendió a EL TIEMPO el segundo día de descanso después de dos meses de andar rodando por el mundo junto a Molko y Olsdal y conocerlos en esencia. “Me gusta salir a un escenario y tocar muchos géneros, y con Placebo fue genial porque su sonido es tan europeo y tan de avanzada”.

Más alegría, más color Para lograr encajar, Forrest tuvo que bajar un poco las revoluciones propias en las que se mueve un baterista de punk: “Ellos me ayudaron a soltarme y creo que el resultado es algo para estar verdaderamente contentos”. Battle for the Sun, el álbum que inspira esta gira, ha sido calificado por los críticos como uno “más alegre y colorido”, algo peculiar a la hora de hablar de Placebo, una banda que tiene entre sus fortalezas describir con su música y de forma apasionante estados como la melancolía o la tristeza.

“Tiene mucho que ver con ser un nuevo comienzo y creo que tener toda esa energía en el cuarto es la razón por la que las canciones salieron como salieron”, explica Forrest. “Creo que Brian nos muestra esa esencia de lo que se encuentra en la base de Placebo, que tiene memorias oscuras, por supuesto, pero también hay buenos momentos -añade el baterista-. Puedes disfrutar la vida y reírte por ahí, es un comienzo fresco (...) No es ‘antichévere’ ser feliz. Disfrutar la vida debe ser una cosa buena”.

Sin las viejas canciones Para llegar a ese estado de depuración de sentimientos, Placebo tuvo que atravesar por momentos difíciles.

comunicas con el otro y si no te diviertes, es muy difícil mantener una buena relación”.

De la partida de Hewitt, dijo Olsdal a este medio, en julio del 2009: “Estuvimos casados durante 11 años. Estar en una banda, juntos, es como estar en un matrimonio. Si no te

Hoy, Placebo decidió retirar de sus conciertos gran parte de las viejas canciones que pusieron al grupo en el corazón de los fanáticos. Prefieren darle rienda suelta a Battle for the Sun y a solo una dosis del viejo material.

Placebo con su nuevo baterista Steve Forrest en la parte izquierda al fondo, en medio Stefan Olsdal y en primer plano Brian Molko a la derecha de la fotografía.

The Wall

Gotan Proyect Gotan Project es una banda de tango electrónico y electrónica jazzística asentada en París (Francia) que está integrada por el DJ francés Philippe Cohen Solal, el músico suizo Christoph H. Müller y el intérprete argentino de bandoneón y guitarra Eduardo Makaroff. El nombre del trío viene de un juego de palabras muy común en el español rioplatense llamado vesre,o mejor conocido como “El Lunfardo”, que consiste en invertir el orden de las sílabas en una palabra. Así, la palabra “tango” se convierte en “gotan”.

Su história Se conocieron en París, y creyeron que su interés por la música justificaba un trabajo más o menos constante. Sin muchas expectativas, en 2000 publicaron mil copias de su primer single, Vuelvo Al Sur/El Capitalismo Foráneo (en El Capítalismo Foráneo Gotan Project incluyen un sampleado de un discurso de Eva Perón de 1948 en el que denuncia el “capitalismo foráneo”). Su combinación de tango, jazz y electrónica explotó hasta alturas insospechadas, obligando al trío a profesionalizarse de manera urgente y organizar al poco tiempo una gira internacional. Su disco La revancha del tango (2001) se acerca al millón de copias de venta.

La música de Gotan Project ha aparecido en numerosas bandas sonoras de películas y series, así, la canción Santa Maria (del Buen Ayre) del álbum La Revancha del Tango fue la música elegida para la principal secuencia de baile de la película de 2004 Shall We Dance?, protagonizada por Jennifer Lopez y Richard Gere. También apareció en la secuencia de tango de Take the lead (2006), de Antonio Banderas. Las series de televisión estadounidenses Nip/Tuck y Sex and the City, también usaron su música. Los simuladores, serie de televisión argentina, ganadora del Premio Martín Fierro de Oro en

The Wall

y su nuevo álbum 2003, utiliza la versión de Gotan Project de “Cité Tango” tanto en la presentación del programa como en los celulares de los protagonistas cuando alguno de ellos es contactado por “Santos”, su líder. En esta serie la música de Gotan Project fue de alguna manera emblemática, representando al exitoso programa en sus dos temporadas y en sus versiones argentina, chilena, mexicana, española y rusa.

“Tango 3.0” es lo nuevo La banda con base en París editó su tercer álbum de estudio con célebres invitados. Gotan Proyect regresa este año con su nuevo disco titulado “Tango 3.0”, en donde no sólo tributan a la música argentina sino que, como es de costumbre, también fusionan jazz, blues y electrónica. “Tango 3.0” viene además con invitados especiales. En el segundo tema, “Rayuela”, parece Julio Cortázar, que lee algunos párrafos de “Rayuela” y el famoso periodista deportivo nacido en Uruguay, Víctor Hugo Morales, hace su aporte en la canción “La Gloria”.

The Wall

Su nombre está inspirado en el saludo que el historiador venezolano Arturo Uslar Pietriutilizaba para comenzar su programa de televisión Valores Humanos, el cual se mantuvo en el aire por dos décadas: “Amigos invisibles...” Su debut discográfico ocurrió en 1995 con la puesta a la venta de A typical and autoctonal Venezuelan dance band, un álbum producido por ellos mismos que tuvo un éxito moderado enVenezuela. Compuesta por el cantante Julio Briceño, el guitarrista José Luis Pardo, el teclistaArmando Figueredo, el percusionista Mauricio Arcas, el bajista José Rafael Torres y elbaterista

Juan Manuel Roura, la banda consolidó su fama local manteniéndose en gira hasta1997.

Son considerados la banda venezolana con mayor proyección internacional.

Ese año, David Byrne los contrató para su sello discográfico, Luaka Bop, y tras establecerse en Nueva York, editaron su primer disco para el ex Talking Heads, The new sound of the Venezuelan gozadera en 1998, el cual tuvo éxitos como “Ponerte en cuatro”, “Sexy” y “El disco anal”. Dos años más tarde pusieron a la venta su tercer disco, Arepa 3000: a Venezuelan journey into space el cual fue nominado al Premio Grammy y al Grammy Latino teniendo como tema promocional “Cuchi cuchi”, que fue

seguido por The Venezuelan zinga son, Vol. 1 en 2003, el cual fue nominado al Grammy en la categoría de Mejor Álbum Latino Alternativo siendo este el álbum más maduro según dicen sus fans teniendo canciones de más de 8 minutos como se hacía en los años 70 y 80 teniendo un sonido impecable y único[cita requerida]. En 2005, Los Amigos Invisibles editaron un álbum puesto a la venta en Venezuela, Japón, México, Estados Unidos, Colombia, Perú y Ecuador, entre otros, Super pop Venezuela, una colección de versiones de canciones venezolanas. Este ultimo fue nominado al Grammy en la categoría “best latin rock, alternative or urban álbum”. Esta sería su cuarta nominación a los Grammy.

Son considerados la banda venezolana con mayor proyección internacional. Están radicados en la ciudad de Nueva York desde el año 2000. Sus miembros han colaborado con otras bandas como es el caso de Mauricio Arcas, el cual se ha desempeñado como productor musical de diversos proyectos. José Luis Pardo por su parte ha trabajado como Dj y productor musical, posicionándose como un reconocido remezclador, conocido como Dj Afro y también ha colaborado con otros artistas como guitarrista. Julio Briceño tiene su proyecto paralelo como solista, Chulius and The Filarmonicos, producido por él mismo y editado en Venezuela y Estados Unidos por el sello Gozadera Records.

El Muro

Aterciopelados, brillo y mensaje

La banda colombiana amplía sus horizontes CIUDAD DE MÉXICO.- Más que una banda de rock. Es una frase que describe la historia de Aterciopelados, grupo que comenzó ya arrancada la década de los años noventa, cuando la escena roquera de su natal Colombia era casi inexistente. La cantante, compositora y guitarrista Andrea Echeverri, entonces estudiante de Bellas Artes, y el bajista Héctor Buitrago fundaron la banda Delia y los aminoácidos, la que sembró los cimientos de lo que años después representaría la agrupación de rock más importante surgida en ese país. Tras el mediano éxito que obtuvo su álbum debut Con el corazón en la mano (1994), Aterciopelados penetró en el público latino con su segunda producción discográfica, El dorado (1995), de la cual se desprendió uno de sus más grandes y duraderos éxitos, Bolero falaz. Entonces comenzó su andar en nuestro país. Los músicos llegaron a México en la segunda mitad de la década de los años noventa y su popularidad creció a tal grado que pronto Echeverri fue considerada una “diva del rock latino”. Fue hasta entrado el siglo XXI que el dúo comprendió que podía utilizar el micrófono para apoyar diversas causas sociales, entre ellas el tema de la ecología, el que llevaron con sus canciones hasta el desierto californiano, tras formar parte del selecto grupo de latinos que se subieron al escenario de Coachella este fin de semana. Con Río (2009), la agrupación trata un discurso ambientalista, aderezado con piezas dedicadas al tema de la migración, la guerra y los temas políticos correspondientes a su país.

El músico Héctor Buitrago explicó su sentir de formar parte del famoso festival estadounidense de rock, también sobre sus planes de reconquistar México y el compromiso social que mantienen en sus canciones.

Con espíritu musical renovado y menos presión, el grupo vuelve a sus raíces con el disco Río

Velandia

y La tigra siguen avanzando

Desde sus primeros proyectos han tenido exito, y siguen llendo por más. Velandia y La Tigra es un proyecto liderado por el guitarrista, cantante y compositor Edson Velandia, alumno del compositor y director de orquesta Blas Emilio Atehortúa. Hasta 2006, Velandia hizo parte de Cabuya, grupo caracterizado por fusionar jazz y funk con el ritmo del porro. Bajo la propuesta denominada “rasqa” por su director, tomando como base los ritmos de carranga, guabina, rumba criolla y rock, Velandia y La Tigra presentaron Once rasqas, su primer trabajo discográfico. Este álbum recibió elogiosos comentarios por su calidad musical y por la inclusión de interludios entre sus canciones bajo el rótulo de “ficción popular colombiana”.

En junio de 2009, Velandia y La Tigra presentó Superzencillo, su segundo álbum. El tema “Chuvak” se ubicó en los primeros lugares en las emisoras de RTVC, Radiónica y Radio Nacional. El grupo se presentó en la edición de 2008 del festival Rock al Parque, donde recibieron muy buenos comentarios por la teatralidad y el humor de su puesta en escena, la cual incluía la aparición del vocalista disfrazado con una cabeza de burro. Supersenzillo fue seleccionado por la revista Semana dentro de los diez mejores discos colombianos de 2009.

Velandia y la Tigra lanza su tercera producción titulada Oh porno. El primer sencillo del disco Tons que, ya está disponible en el MySpace del grupo, que mezcla rock con sonidos propios de la zona andina colombiana. Durante el primer semestre de 2010, Velandia hará la gira Piedecuesta-La Patagonia, que recorrerá ciudades de Colombia, Perú, Ecuador, Bolivia y Argentina.

El Muro

La Revuelta difunde la marimba urbana Este colectivo juvenil que interpreta ritmos tradicionales del Pacífico-sur colombiano y vincula instrumentos como batería y bajo eléctrico, adecua sonidos africanos a los urbanos desde una perspectiva moderna y juvenil. Hoy en día, La Revuelta se ha consolidado por su fusión de aires autóctonos como currulao, bunde, juga, torbellino, rumba timbiquireña, mapalé y porro chocoano; con la fuerza del rock, funk, reggae, hip-hop, y otras sonoridades. La cantante Verónica Atehortúa, nacida en Medellín y criada en Bogotá, resaltó que con La Revuelta “hacemos música de marimba urbana, esta nos regala lo suyo y nosotros le aportamos lo nuestro. Nos alimentamos con

Systema Solar y La Revuelta son dos de las bandas que en la actualidad, mezclan con mayor fuerza ritmos tradicionales con sonidos vanguardistas, propuestas que cada día ganan más adeptos en el mundo. 40

músicas diversas”. Dijo que entre los proyectos de La Revuelta, se prevé el lanzamiento del segundo disco, que dentro de poco se va a empezar a escuchar. “Además, viajaremos a Europa. Hay un video clip que viene en camino que se hizo en Buenaventura, en el puente de El Piñal”. La Revuelta ha sido condecorada en festivales como el Petronio Álvarez, donde recibieron un premio por el lenguaje del Pacífico en sus composiciones.

El mensaje de Systema Solar es “ser feliz” En el marco del 12 Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, estas agrupaciones ofrecieron conciertos junto con: Bambarabanda, Bomba Estéreo, La 33, ChocQuib Town, Mojarra Eléctrica, La Mákina del Karibe, Calambuco, Tumbacatre, Alerta Kamarada, Malalma, entre otras que también se encargan de acrecentar la riqueza artística y cultural del país.

Los integrantes de esta agrupación músico-visual de la costa caribe colombiana, que provienen de latitudes y prácticas artísticas diversas, fusionan la champeta, la salsa, la percusión hasta llegar a lo electrónico.

“La zona estelar Berbenautika es la propuesta que le tenemos a la gente, es decir, bailando nos conectamos con la posibilidad de crecer como especie humana, a través del ritmo, ese es nuestro mensaje”, expresó Indigo.

somos el nuevo folclor, pues la música folclórica no es algo del pasado, es lo que hace la gente en su momento”. El músico cartagenero Jhon Primera Teherán, por su

La filosofía de Systema Solar está inspirada en la creación de un nuevo género de espectáculo que llaman la ‘Berbenautika’, que se construye a través de músicas electrónicas, el scratching y el video en vivo. En ‘la voz del despegue’ que complementa el rap y en el performance está Indigo, quien podría considerarse un Jimi Hendrix palenquero.

Otro de los músicos de Systema Solar es Pellegrino, que respecto a la tendencia de mezclar música folclórica con electrónica, afirmó que “nosotros

parte, cuya voz se proyecta ‘hasta el espacio sideral’, manifestó que en cada una de sus presentaciones, expresa el sentir de su ser.

Cada vez que estos grupos se presentan en cualquier escenario, su talento, energía y composiciones innovadoras, atrapan a cualquier oído y ponen a bailar hasta a los más tullidos. Para mayor información, los interesados pueden visitar las paginas: www.grupolarevuelta.com www.sistemasolar.com

El Muro

Sensatez y sentimiento Dos joyas de reciente aparición: la folclorista María Mulata y la cantante de Bomba Estéreo, Liliana Saumet, nos ofrecen miradas complementarias a la música del litoral Atlántico.

El año que pasó fue especialmente generoso en el florecimiento de voces femeninas. Hay dos, en particular, que se convirtieron en facetas opuestas de un mismo sentimiento. Su lenguaje es el de la cumbia y el bullerengue -con arriesgadas extensiones hacia la champeta-, pero María Mulata y Liliana Saumet lo desarrollan desde rincones distintos. De María Mulata (Diana Hernández) conocemos ya su espíritu acucioso de investigación. Para grabar su anterior álbum hizo primero una travesía de dos meses recorriendo las zonas más musicales del departamento de Bolívar y el Golfo de Urabá: necesitaba documentarse en canto, danza y percusión. Ella es para el folclor, además de inspirada cantante, una investigadora seria, de esas que siempre citan la fuente. Y de tanto conocer el folclor, se ha lanzado también a escribir algunas piezas, como Me duele el alma, la canción que terminó triunfando en el Festival de Viña del Mar hace dos años.

Su nueva grabación, Los vestidos de la cumbia, es un documento exuberante desde todo punto de vista. Veintiuna canciones que se deleitan especialmente en los lenguajes de la costa Atlántica, pero que también pueden sonar a jazz latino o a calipso isleño. Noventa minutos de temas producidos con factura internacional pero a la vez con un sonido muy fresco. Y, de hecho, el único álbum doble que se publicó en Colombia en 2008. María Mulata está cantando mejor que nunca. Hay que oír, por ejemplo, cómo pasa de la cumbia al flamenco en el tema Macondo en llamas. No es difícil contagiarse de su alegría cuando nos canta que Volvió Juanita en una versión que resalta la poesía de la compositora barranquillera Esthercita Forero. Y tampoco le va nada mal con el paseo vallenato. En su voz ha congregado varias regiones de Colombia y en sus composiciones es notable una conciencia de lo lírico. Su estilo juicioso contrasta con el más espontáneo de Liliana Saumet, la vocalista de Bomba Estéreo que este año irrumpió con el disco Estalla. Cuando le pregunté de dónde salían sus canciones, me contestó quitándole importancia al asunto: “No las pienso mucho, simplemente las escribo. Básicamente es lo que yo siento: si algo me gusta, lo digo, y si no me gusta, también”. Entonces entiende uno mejor esas sabrosas retahílas en que se confiesa fogosa, despotrica de las mentiras del Presidente, sueña que se convierte en ola de mar, saluda a sus amigos en Santa Marta y lo sazona todo con citas de La pollera colorá y El morrocoyo.

María Mulata está cantando mejor que nunca.

Liliana se ha dicho que es una cantante de hip-hop de talla mundial y se la ha comparado con Manu Chao y con La Mala Rodríguez.

De Liliana se ha dicho que es una cantante de hip-hop de talla mundial y se la ha comparado con Manu Chao y con La Mala Rodríguez. Tal vez no son exageradas esas apreciaciones, pero yo la siento más cercana al folclor: por instantes su voz me recuerda a esa Totó la Momposina joven, la del primer disco. Ella, por su lado, defiende una mezcla a partes iguales cuando canta que “es una bomba atómica un poco de folclor con música electrónica”. La única manera de mantener la tradición es renovándola, y las grabaciones de María Mulata y Liliana Saumet ofrecen soluciones distintas pero igualmente preciadas. La una metódica y la otra desparpajada, lo cierto es que estas dos chicas se han convertido en las piedras angulares de una nueva manera de cantar la música costeña en nuestro país. Y, al menos en el anaquel de este coleccionista, ya tienen un lugar ganado al lado de Totó la Momposina y los Gaiteros de San Jacinto.

El Muro

Fértil Miseria

Y su trayectoria con los integrantes Fértil Miseria es una banda de hardcore punk colombiana nacida en 1990 en la ciudad de Medellín fue conformada por mujeres en su mayoría lo que les dio gran importancia en la escena nacional, la banda inicio con Yolanda Molina (batería) y Piedad Castro (bajo), poco después ingresaron Vicky Castro (voz líder) y Harley Sánchez “el alemán” (guitarra) quien estaría en la banda poco menos de un año. De esta forma tocaron hasta que “el alemán” se retiró y fue reemplazado por Juan Carlos Londoño (guitarra) quien forma parte activa de la banda desde entonces y que le da a fértil miseria la mayoría de composiciones de letra y música. La banda tuvo una formación más o menos estable hasta comienzos de 1999. Poco después tuvieron varios cambios de integración, y esto afectó mucho la estabilidad de la banda. Actualmente la banda sigue tocando y es una de las más importantes e influyentes de la escena punk y hardcore colombiana, tanto por su gran trabajo musical, así también por la reconocida labor de ayuda social con la población desplazada de la ciudad de Medellín, siendo reconocidas en el país y fuera de este como la banda insignia de dicha población, tanto así que han formado parte de los eventos realizados por entidades como, Save the Children, Alcaldía de Medellín, Acnur, Unicef y Museo de Antioquia entre otras de igual importancia. También han recorrido algunos escenarios internacionales como ecuador y costa rica en donde su música y letra es bien reconocida. Fértil miseria se escucha en casi todos los países del planeta en donde los colocan como la banda punk hard core más influyente en el entre la escena punk Colombiana y mas creativa al incorporar teclado ó violín en algunas de sus presentaciones en vivo y con letras de gran contenido social y de la vida real.

Dr.

Krapula La música de Doctor Krápula se deja bailar y se deja reflexionar y ha logrado irrumpir en los grandes mercados sin negociar el carácter revolucionario de su esencia lírica.

Su música y sus mensajes que gusta a mas de uno. DOCTOR KRÁPULA es una banda de rock alternativo latinoamericano, que transmite a la humanidad mensajes de transformación y de activación de la conciencia a través de su música popular mestiza.

Formada en Bogotá Colombia por 5 músicos en 1998. En 10 años de carrera y 4 trabajos discográficos [el Carnaval de la Apatilla] [Dele la Welta al Disco] [Bombea] y [Sagrado Corazón] los integrantes de Doctor Krápula se han posicionado como gestores del movimiento artístico consciente de América Latina. Cuenta con un poderoso show en vivo que ha logrado impactar el corazón y trascender en la memoria de más de un millón de

personas en más de 500 presentaciones. El amor de sus seguidores y su persistente y continuo trabajo los han hecho merecedores de más de 10 premios Shock de la música, 4 Premios Nuestra Tierra, 3 nominaciones en los premios Mtv Latinos, una nominación en los Premios 40 Principales en España además de innumerables reconocimientos por parte de la prensa especializada y masiva gracias a su música y a sus acciones.

El Muro

Público mexicano sorprende a

El Muro

Estados Alterados

Público mexicano sorprende a estados alterados, Tras subir al escenario rojo del Vive Latino. El grupo colombiano de rock Estados Alterados quedó sorprendido del recibimiento que le brindó el público mexicano, luego de subir al escenario rojo, en la edición número 11 del Festival Iberoamericano de Cultura Musical Vive Latino, la tarde de este sábado en el Foro Sol. En conferencia de prensa, detallaron que sus expectativas fueron superadas porque tan sólo en Colombia hay 40 millones de habitantes, ni la mitad de lo que hay en la ciudad de México, luego de considerar que es uno de los más grandes festivales que han pisado hasta el momento. “Este no es cualquier festival porque es valioso para cualquier rockero que quisiera tener trascendencia, esperábamos que nos escucharan con atención, pero la respuesta fue mucho mejor porque interpretaron nuestros temas, estamos sorprendidos”, coincidieron Tato, Ricardo y Elvis.

‘Nuestro compromiso es tocar, luego de cuatro discos y 20 años de trayectoria, hoy por fin tenemos la oportunidad de estar en México, con nuestra propuesta de rock electrónico’.

Tato, Ricardo y Elvis abundaron que este disco tiene 12 temas con letras que abordan canciones de amor e intrigas: “Después del Vive Latino vamos a estar toda la semana por México para promocionar su más reciente proyecto musical”. Hasta las 16:20 horas la asistencia en Foro Sol superaba las 42 mil personas distribuidas en los escenarios verde, azul, rojo y carpa intolerante, informaron autoridades de Ocesa.

Consideraron que el público mexicano es uno de los más ávidos en conocer propuestas musicales: “Porque es muy difícil que una banda de la que no se conoce nada, tenga el respaldo de un público como el mexicano”. Destacaron que todo fue una coincidencia porque recién lanzado su nuevo disco “Romances científicos”, del que se desprende el sencillo “Contenme”, recibieron la invitación para participar en esta edición del Vive Latino. 47

Revelación

Rrevelación

Compuesta por:

• Ganadores del concurso myspace Motorokrband Latinoamérica con el video en vivo de la canción MEMORIES.

Diego Abril (Voz y guitarra)

• Nominada a al premio Subterranica como “mejor artista en vivo”.

Andrés Abril (Bajo)

cruza la línea

CROSS THE LINE, es el nombre del primer disco de stayway, una banda Bogotana de rock alternativo, que gracias al talento de 4 jóvenes hoy en día se postula como una de las bandas más importantes y escuchadas a nivel local.

Dani Gonzáles (Guitarra líder) Juan Camilo Mejía (Batería)

•Ganadora del premio Subterranica a “mejor artista nuevo”. •Reconocida por la revista SHOCK como una de las 9 bandas de mayor proyección para el 2009.

Haciendo parte del festival de teatro, el tributo a Michael Jackson, el cierre del día mundial de la música en Stayway no solo es conocida por los jóvenes bo- Medellín, el miche Rock gotanos; CHAKOTA, una de las revistas de música festival, teloneros en la gira más importantes en México, tiene en su página de de Raped dolls entre otros, Internet un listado con los sencillos más intere- esta banda esta logrando santes que se han lanzado en los últimos meses, estar dentro de las favoritas de muchos jóvenes en donde esta banda figura como la número 19, que buscan un estilo fresco y una nueva forma de con la canción FREEDOM, compartiendo hacer y escuchar música. listado con bandas de talla mundial como Stayway, cruzó la línea, por eso esperamos ansio the killers, roover armada sos disfrutar de sus canciones y de su estilo prol y ladytron, entre otras. pio, que serán plasmados en CROSS THE LINE, su primer disco que será lanzado a finales de marzo de este año.

Aunque con influencias de bandas como muse, placebo, incubus, the strokes, foo fighters, the killers, Oasis y red hot chilli peppers, esta banda se ha caracterizado por tener un estilo fresco, descom plicado, único, que encanta a sus segui dores y que hace que estén atentos y a la espera de más. Aunque solo llevan 3 años en el merca do de la música, son muchos los premios y concursos que conmerito y esfuerzo esta banda ha logrado:

Revelación

en la cima Diva Gash, concebido en la ciudad de Bogotá, es actualmente uno de los grupos de Rock independiente más importantes de Colombia. Con una particular aleación de estilos clásicos de los 70’s y 80’s como el funk, el disco y el retro rock, entre beats electrónicos, riffs metaleros y algunas rimas hip-hop, brillan como una de las bandas más vanguardistas del movimiento musical latinoa americano. Su peculiar look, junto con un contundente show en vivo que disfrutan personas de todas las edades y gustos, enmarca a Diva Gash en un concepto alegre, refinado y romántico dentro de una propuesta musical creada tanto para divertir como para ser degustada, en su discografía y sus presentaciones. Diva Gash nace en 1997 con la idea de crear un proyecto que se saliera del contexto musical que

Integrantes: Camilo Ferrer (Guitarra, Voz) Andrés Ramírez (Batería, Voz) Javier Pabón (Bajo, Teclados, Voz) Camilo Sánchez (Guitarra, Teclados, Voz) Mike Cerda (Programación, Guitarra) Miguel Ortiz (Batería)

se llevaba a cabo en el país en ese momento y con una clara intención de tener un sonido cosmopolita, lanzan 2 EPs (199899) y un álbum debut llamado Sequence (2000) masterizado por Tweety Gonzáles (Teclista de Soda Stereo), logrando muy buenas críticas a nivel local. Luego de 12 conciertos en México y una gran gira por Venezuela, lanzan su segundo álbum, Vol. 1 (2005), creado entre Miami, Bogotá, Caracas y Monterrey y producido por Alejandro Rosso, integrante de la banda mexicana Plastilina Mosh; esta producción les abre las puertas a la aceptación del público colombiano y el exterior; el single ‘Starmaster’ se convierte en una canción de culto entre los fanáticos del dance y su video tuvo una alta rotación en canales de videos nacionales e internacionales como MTV, MTVtres y VH1.

y Sony Entertainment Tv, ratifican la calidad y trabajo constante de Diva Gash; han recibido un premio Shock y un premio Subterránica a la mejor Banda de Rock Electrónica y han participado en festivales de renombre como Rock al Parque ,SAMC (Argentina) y South by Southwest (USA). En 2009 lanzan su tercer álbum, 2. Lov, producido por Joel Hamilton (que ha trabajado con Elvis Costello, Justin Timberlake, Dub Trio, Sean Lennon, Lou Reed, etc.), en Brooklyn, New York. Un album que consolida la madurez en el sonido y en la carrera independiente pero próspera de Divagash.

Desde sus inicios en el año de 1997 su propuesta ha sido original, lo que los ha llevado a realizar varios trabajos discográficos con gran acogida entre el público nacional e internacional, entre ellos dos EP y sus tres álbumes de estudio: el primero titulado “Sequence”, el segundo llamado “Vol. 1”, que los ha catapultado con sencillos como “Starmaster”, además del tercero y más reciente titulado “2.Lov”, que con canciones como “Korean Ho” los ha llevado a un punto muy alto en su carrera musical.

Con toda la fuerza de la música electrónica este singular grupo colombiano ha ido posesionando su sonido en las entrañas de la escena musical a través de una movida irreverente, nueva y con un estilo muy claro que los hace únicos.

Reseñas en importantes publicaciones como Rolling Stone (Latinoamérica), URB (USA), Shock (Colombia), Gato Pardo (México), Zona de Obras (España) y en canales de televisión como , E!, AXN, HBO.

Tributo

JIMI HENDRIX, ROOM FULL OF MIRRORS Haciendo alusión a una de las composiciones más reconocidas de Jimi Hendrix, Room Full Of Mirrors, Charles R. Cross, reconstruye la vida del popular guitarrista norteamericano desde sus modestísimos orígenes hasta la cima de la fama mundial.

etrás de la fama y el status de ídolo alcanzado por su virtuosismo con la guitarra, Jimi Hendrix fue también una persona con las necesidades de cualquiera, cuya existencia estuvo definida por unos acontecimientos que le marcarían de por vida Jimi, fue un niño que se crió casi en la indigencia, un adolescente cuyos sueños se hicieron realidad y un adulto con una habilidad que le hizo único pero que le sumergió en un mundo que acabaría por destruirle. Charles R. Cross, después de hacer un interesante recorrido por el árbol genealógico de Jimi, nos abre las puertas de su infancia para adentrarnos en su ciudad natal, Seattle y situarnos junto a una familia de numerosos hermanos y una madre que desaparecería de su vida muy pronto debido a los estragos del alcohol, dejando un profundo vacío durante toda la existencia del músico. El discreto ambiente de su niñez también contenía elementos que resultarían decisivos en su vida. En el barrio, había familias con inquietudes musicales que improvisaban actuaciones en los sótanos y porches de las casas y que resultaron ser sus primeras lecciones de música. De esta forma, tuvo la posibilidad de escuchar a los grandes intérpretes del blues, a quienes imi

taba, primero con una escoba y, posteriormente, con una guitarra de una sola cuerda. Asimismo, Cross, nos sumerge en unos años de infancia míseros, en los que la futura estrella del rock vestía de una forma modestísima, calzaba mocasines destrozados con agujeros en la suela y rara vez tenía almuerzo para llevar a la escuela.

TITULO: Jimi Hendrix Room Full Of Mirrors EDITORIAL: Ediciones Robinbook Ma Non Troppo.

Poco a poco vamos descubriendo el inicio de sus pasos musicales, primera guitarra, primer grupo, primeras actuaciones… Conoceremos su paso por el ejército para librarse de la cárcel y su posterior licenciamiento al haber alegado una falsa homosexualidad.

Descubriremos a un músico adelantado a su tiempo, ambicioso y convencido de su destino, con una inestable e incomprendida estancia en numerosos grupos de rythm & blues. Fue un extraño en su entorno, nunca fue aceptado completamente por su gente y tuvo que emigrar para alcanzar la fama. Otros aspectos de la vida de Jimi que se desvelan en esta biografía son, su apasionada vida sexual, su paulatina vinculación con las drogas y los últimos acontecimientos que desembocarían en su trágico final.

Para confeccionar una exhaustiva biografía que nos descubre nuevos datos sobre su atribulada existencia, aportando algunos indicios que nos acercan al perfil psicológico del músico.

Tributo

Tributo El 20 de febrero de 1967 nace Kurt Poupon en la localidad de Aberdeen, en Washington. Ese niño, que con los años sería conocido como Kurt Cobain. Kurt Cobain tuvo por primera vez en sus manos una guitarra a los 14 años, cuando se la regaló su tío. A partir de ese momento la música se convirtió en una constante en su vida y fue una herramienta que le resultó especialmente útil para expresar en parte su complicada personalidad. Con el tiempo decide, junto a su amigo Krist Novoselic, formar su primera banda, a la que llaman Fecal Matter. Son sus primeros pasos en el mundo profesional de la música.

Nombre artístico de Kurt Poupon EEUU, (1967 - 1994) creador y principal miembro del grupo Nirvana.

Pronto Fecal Matter queda corta para las ansias artísticas de Kurt Cobain. Sigue unido a Novoselic para crear un nuevo grupo al que se incorpora el batería Dale Cro-

ver. Corren los años 1985 y 86 y Seattle ve nacer los primeros conciertos del mítico Nirvana. Ritmos de rock primitivo y des encantado se convierten rápidamente en un himno para la juventud de los años 80. Tanto la música como la estética de Cobain y su grupo influyen decisivamente en la sociedad de entonces. se graba su primer trabajo discográfico, Nirvana, en 1988. Sus dos canciones, Love Buzz y Big Cheese, consiguen ser rotundos éxitos y dan un gran prestigio a la formación de Cobain. Con la fuerza que les otorga su buena aceptación empiezan a trabajar en su primer álbum de estudio, Bleach. Los circuitos alternativos de los Estados Unidos empiezan a albergar los conciertos de Kurt Cobain y sus compañeros con temas como About a girl. El éxito rotundo llega a la carrera musical de Kurt Cobain aunque él no deja de lado sus problemas de adicción a la heroína y su personalidad depresiva.

Love. Es la líder de Hole (un grupo formado por solo mujeres) y se la conoce por su carácter problemático. El suyo será un matrimonio conflictivo en el que abundan las drogas y la violencia y del cual nacerá su única hija, Frances Bean. Los problemas personales de Kurt Cobain son cada vez más importantes y el cantante intenta suicidarse en dos ocasiones, además de ser internado por una sobredosis en el año 1993. El 5 de abril de 1994 muere de un disparo en la cabeza aunque su cadáver no se encuentra hasta tres días después. Sólo tiene 27 años y la versión oficial es que se ha suicidado, aunque las especulaciones sobre un posible asesinato nunca han dejado de oírse.

Tras la muerte de Cobain aparecen en el mercado MTV Unplugged, un álbum realizado en 1993.

El 24 de febrero de 1992 Kurt Cobain se casa con otra cantante norteamericana, Courtney

Entrevistas

Entrevistas The Wall: ¿Qué intimida a la Mala Rodríguez? Mala: El poder . The Wall: ¿Qué añoras de los comienzos de tu carrera? Mala: La ilusión del primer día, la hermandad, la unidad de la escena del hip hop. The Wall: Una imagen que te devuelva a la infancia. Mala: Mi madre. The Wall: ¿Cuál es la grosería andaluza que más te gusta? Mala: ¡Será hija de su madre¡ The Wall: ¿Cómo es ser una cantante de hip hop en una escena dominada por machos? Mala: Es divertido. The Wall: ¿Qué aspectos de la calle te excitan, te inspiran, te sorprenden? Mala: La supervivencia. The Wall: ¿Cuál banda borrarías del mapa? Mala: La Oreja de Van Gogh. The Wall: ¿El último álbum que bajaste de Internet? Mala: Uno de una tía que se llama Georgia Anne Muldrow.

Esta bomba musical, mezcla de rap intravenoso, pop glamoroso y flamenco nato, saltó de un gueto gitano donde brota hip hop ibérico al frenesí de las giras y el estrellato. Es su alquimia poderosa la responsable de versos como ‘’Mírame a los ojos si me quieres matar, nananai, yo no te voy a dejar...’’.

The Wall: Tu trago preferido Mala: El ron puro. The Wall: ¿Qué te inspira el sexo opuesto? Mala: A mí un hombre me inspira mucha confianza, por eso me gusta escucharlos, y creo que ellos deberían hacer los mismo. The Wall: ¿A quién te gustaría tener en primera fila en un concierto? Mala: A muchas chicas que estén deseando que alguien diga lo que ellas no pueden.

The Wall:

¿Qué tan mala es La Mala? Mala:

Mucho, muy mala.

Entrevistas

Cuando faltan pocos días para que se cumpla un año de la muerte de “Dimebag” Darrell Abbott, el ex vocalista Phill Anselmo de PANTERA conversó con la revista sobre la muerte de “Dimebag”.

The

año.

Wall:

Hablemos

este

último

Anselmo: “Hombre, este ha sido el peor año de mi vida — ha sido el peor año para mucha gente. Desde que... Desde que me quitaron a mi guitarrista, básicamente.”

The Wall: ¿Cuánto extrañas a Dime? Anselmo: “Más de lo que te pueda decir.

Pienso en el cada día, cada 30 minutos, si es que no cada cinco. “Estoy tratando de salir de esto. Estoy tratando de recomponerme. Hablo con Rex a menudo. Ambos estamos lidiando con esto... Estoy en terapia. Nunca antes tuve que ver a un siquiatra, ahora estoy con uno.” “Me siento muy mal por Vince, porque durante la grabación de nuestro último álbum juntos, murió su madre... extraño a Vince. Extraño su sentido del humor. Y Dime— no habrá nunca, nunca, nunca, nunca más un huevón más perfecto, creativo, hermoso.

Él podía sacar algo de la nada — podíamos estar en el pueblo más abandonado, en medio de la nada, y él encontraba algo que hacer que terminaba siendo divertido. Y eso, sin mencionar su música, nuestra música. Dimebag, Vinnie, Rex — fueron los más grandes, con que he tocado. Siempre los voy a querer a todos en esa banda, hombre. “Perder a alguien como Dime, y dejar a su hermano con este dolor, me mata. Daría uno de mis dedos para arreglar todo esto, volver el tiempo atrás, o para haber estado ahí. Esto es algo fuerte que decir, pero si hubiese visto a un estúpido hijo de puta dirigirse a mi guitarrista con un arma, lo hubiese intentado detener... hubiese atajado una bala por ese huevón.”

The Wall: ¿Cuando salgas de gira nueva-

mente, ¿te preocupa que algún loco trate de matarte?

Anselmo: “No hay manera de que salga a tocar a menos de que la seguridad sea la apropiada y todos sepan que hacer, hombre.”

“no habrá nunca, nunca, nunca, nunca más un huevón más perfecto, creativo, hermoso. Él podía sacar algo de la nada”

Entrevistas ENTRE NOTAS MUSICALES

REGRESANDO A MI GENERACIÓN

The Wall: ¿A la hora de componer una canción, ¿qué funciona más: el amor o el desamor?

The Wall: ¿Cómo hace un músico encubado en el rock, madurado en el bolero y estudioso del bossa nova, para llegar a los jóvenes en estos tiempos de reggaetón?

Cepeda: Yo diría que puede ser más intenso el desamor porque el amor genera una serie de endorfinas que hacen creer que todo es más bonito, en cambio el desamor las quita y hace que sea más intensa la sensación. Ambos sentimientos en la medida de que sean bien intensos producen la misma necesidad.

The Wall: Pero en tu más reciente trabajo Día tras Día, se nota a un Andrés Cepeda enamorado

Cepeda: Pienso que toda música tiene su época y público. Sin embargo, creo que el reggaetón hace parte de esos géneros que son pasajeros y que están más basados en la cuestión de imagen y moda, donde la exploración musical realmente es muy pobre.

“creo que el reggaetón hace parte de esos géneros que son pasajeros y que están más basados en la cuestión de imagen y moda, donde la exploración musical realmente es muy pobre.”

Cepeda: Sí, sí. Ahora estoy pasando por un momento donde emocionalmente estoy muy realizado, estoy muy bien acompañado y digamos que eso obviamente se refleja en mi trabajo y en todas las canciones que estoy haciendo.

The Wall: ¿Crees que la época fuerte del rock en español de los años 80 volverá a Colombia?

Cepeda: Yo espero que sí. El rock en español es una expresión que hace parte de nosotros, no solamente por el idioma, sino porque el colombiano ha demostrado ser bastante rocker, bastante contestatario, entonces espero que esto se vuelva a vivir y a sentir.

Desde hace varios años, este bogotano, cogió rumbo hacia el norte para estudiar música y allá encontró una ola de enseñanzas personales, nuevos contactos y por supuesto, una maduración musical. Maduración que se ha visto en su carrera, comenzando por el rockero de Poligamia, hasta el músico que hoy experimentan géneros como el bolero, al bossa nova y el pop. 61

Entrevistas

MEJORANDO DÍA TRAS DÍA The Wall: ¿Cómo evalúas la tendencia actual de agrupaciones jóvenes que están fusionando ritmos del pacífico y autóctonos con el rock y el jazz? Cepeda: Me gusta mucho porque estos artistas en este tipo de fusión han sido más cuidadosos que la gente que inicialmente hizo fusión con la música de la Costa Caribe en particular. Ahora estos músico están haciendo la fusión más a fondo, más estudiado, más a conciencia y siento que esto es valiosísimo resaltando una parte del folclor que es riquísimo y me parece que es genial, definitivamente es algo mucho mejor que el tropipop.

Entrevistas

El viaje cósmico de Dejó la tierra, se fugó. Cerati vuela hoy en paisajes platónicos, mágicos, en una nave a la que bautizó Fuerza Natural: la lucha entre lo humano, lo divino, lo simbólico y lo maligno.

Gustavo Cerati

El deseo es quizá el culpable de este viaje. El deseo de escribir y ampliar su espectro musical con algo que él llama “combustible místico”. Quiso sacudirse la modorra sonora de sus discos anteriores y hundirse en su propia libertad y locura para concebir Fuerza Natural. Lo invisible, mágico, científico, onírico en una batalla sideral contra lo entendible y catastrófico. A fin de cuentas la naturaleza se expresa de forma explosiva, como dice.

Las capas sonoras de este quinto álbum de Gustavo Cerati tributan el pasado, sin que sus 13 pistas expelan un tufo meramente retro. Trae en él un mestizaje apegado a lo armónico, desaforado y místico y nos aprovisiona nuevamente de su lírica excepcional. Un viaje cósmico a bordo de la poesía. Sus nuevas canciones son el triunfo de lo natural ante lo terrenal, nuestra excusa para tomar el rol de copilotos.

1. FUERZA NATURAL “Me perdí en el viaje Nunca me sentí tan bien Todo por delante Todo está hablándome Está cambiando el aire Nunca me sentí tan bien”. Felicidad. Gustavo ha dicho que si Fuerza Natural fuera su final, se iría feliz, regocijado y pleno. Disfruta de un optimismo pegajoso, ese con el que derrochó guitarras, tan venenosas y abundantes, y letras colmadas de ambigüedades cósmicas y erógenas. Su primera definición del disco escoge las palabras “psicodelia infantil”, que traduce viajar millas y millas en sus recuerdos para atesorar un nuevo sonido. ¿Era arriesgado sumergirse en esas aventuras infantiles?

Entrevistas No es arriesgado, es fundamental. No es la primera vez que lo hago, lo que pasa es que ahora lo tomé como un elemento para desarrollar en las letras y en algunas ideas de sonido… siempre es un poco jugar. Yo siempre juego. Para mí estar en un estudio es como estar en una especie de juguetería y me divierto mucho. El día que no sea así, no creo que valga la pena seguir. Hay mucha cosa lúdica en hacer un disco, en componer canciones, en jugar con las letras, en interactuar con tus amigos de juego y hacer música. Así que lo infantil está rondando siempre. Es una de las fuerzas naturales que nos mantienen la vida. Cada canción suya exhala novedad, como si tuviera una piel y una carne distintas. ¿Se siente un animal nuevo cada vez que compone? Me siento empezando de vuelta cada vez que hago algo. Necesito también romper un poco con las formas que uno mismo se genera. Hacés un disco y las cosas van para un lado y tratan de tener un concepto, pero después querés hacer algo diferente. Necesito explorar dentro de mis límites o fuera de ellos. Creo que somos todos muy limitados y necesitamos sorprendernos. Si hago borrón y cuenta nue-

Entrevistas va, es más probable que llegue a algún puerto o por lo menos a un lugar diferente. Y la gente me acompaña en gran parte porque le gusta esa situación de renovar la piel con cada disco. Me parece que siempre necesita una digestión, eso para muchos que me siguen. Sólo pienso en que necesito cambiar un poco las reglas de juego para desde la composición y las letras decir algo nuevo.

2. DÉJÀ VU “Todo es mentira, ya verás La poesía es la única verdad Sacar belleza de este caos es virtud ¿O no?”.

Algo fundamental. No necesariamente frívolo. Se expresa en una cuestión visual. Cuando uno piensa en belleza es lógico que sea así. Belleza (suspira)… la verdadera belleza está en la naturaleza y somos parte de ella. Cuando expresamos esa belleza natural es cuando más nos emocionamos, y hacer canciones es una forma de acercarme a ella. Yo intento hacer canciones que tengan que ver con la belleza. ¿Y por qué la poesía es la única verdad?

Es posible hallar en ellas paisajes exacerbados, perdones, crímenes, placeres… Las letras de Gustavo Cerati se aferran delirantes y son como sentencias puras, declaraciones que se hurtan para amortiguar soledades, pérdidas o diversiones secas. Son bellas. Siempre lo han señalado como una bestia lírica, de genio inagotable, con tanto que incluso le presta lo suyo a Shakira y a otros tantos. Escribe untado de ella siempre, a bocanadas de poesía nueva. ¿Qué será entonces la belleza para él?

Porque cuanto más viejo me pongo, más siento que es importante esa realidad diferente, esa necesidad platónica de ver otras formas.

poeta, sólo estoy incitando a la poesía como una verdad para que no creamos que porque nos ponemos metafóricos somos menos realistas. Ya que dice que se pone viejo, ¿cómo le van los 50? Muy bien. No me doy cuenta (risas). Es una cifra, digo yo. Tantas veces pensé qué sería cuando tuviera 50 y no noto una gran diferencia. Lo que pasa es que también creo que la vida trascurrida… siento todo como una cosa aprovechable. No como algo que me ha cansado que tengo que cambiar. La verdad es que sigo con un impulso muy similar a cuando era joven.

Quizás sea porque hay tanto reality, y no reniego de ellos, pero hay tantos y los vemos todo el tiempo que necesito más fantasía, y la poesía es eso: de la musicalidad en las palabras, creo que eso dice mucho más que un noticiero. Aparte la poesía está viva. Todo el tiempo hay gente viviendo cosas fantásticas. Yo no pretendo ser un 67

Entrevistas 3. MAGIA “Todo me sirve, nada se pierde Yo lo transformo Sé, nunca falla El universo está a mi favor Y es tan mágico”. Un hombre cree tener superpoderes, cuando realmente padece de algunos desatinos mentales. Gustavo está al frente de la pantalla divirtiéndose con él, el protagonista de la cinta Special, y de repente hay una revelación: el título que había escogido para su álbum se incluye en los diálogos. ¿Qué diferencia a un hombre normal de un super-

Entrevistas héroe?, le preguntan al chiflado. Y responde simple: “¡Dominar las fuerzas naturales!”. Cerati ha repetido la historia, sin que quede claro si está del lado de los cuerdos o de los insanos. Si ya domina esas fuerzas, si es hombre o más bien superhéroe. No creo que sea un superhéroe pero siempre tuve mucha fascinación por esa idea de sublimar al ser humano y manejar las fuerzas naturales. Más que en los superpoderes, creo en la magia. Hay una frase que dice: “Cuando pensás que son casualidades, es porque te olvidaste de la magia”. Hay algo

mágico en hacer canciones, ¡cotidiano y mágico! Realmente hay magia en todo eso. Es la forma en la que se mueve Dios (respira profundo). En la medida que te acercás a ello y vas con esa energía, las cosas funcionan. Muchos de sus seguidores dicen que sus canciones permiten volar, así que usted podría ser más como Superman… Sí, y también un vehículo. Construyo una especie de nave para que la gente pueda salir de lo cotidiano y entre en el terreno de la imaginación. Eso es lo que intento como obra en un disco y sobre todo en este. .

Antes de hablar del mundo de hoy, de esa perversidad arraigada, se espanta.

tremendo. Muchos lugares donde tocamos han sido récords absolutos de asistencia, algo que nos sorprendió ¡tanto cariño! Pero por otro lado Es muy complicado. Sonos dio mucha tuerca para mos muchos seres en seguir. Quedó claro para no4. AMOR SIN RODEOS este planeta y pocos son sotros que era cuestión de un los que tienen conciencia momento en el tiempo con“Que la inocencia nos proteja de esa depredación a la creto y que cerraba algo… Ahora que todo es más perverso”. que estamos sometiendo En la medida en la que nos a nuestro entorno y a nosotros mismos. Creo fuimos encontrando, recuperamos nuestra quíque la naturaleza en cualquier momento nos va mica, aunque sea por un momento en la vida. a borrar de un plumazo si seguimos en con- Como conciertos fueron mucho mejores que tra. Es muy complejo: las ciudades colapsan, los que hicimos los últimos años antes de sepala gente está muy loca. A veces me meto en rarnos, que ya no nos tratábamos muy bien. Un internet y me pregunto ¿qué hace toda esta disfrute total y un cierre inmejorable. No paro gente? ¡No pueden parar de hablar! Se necesita de agradecer lo que fue la respuesta a eso y recuperar esa capacidad que teníamos cuando la atención hacia lo que yo hago porque sigo éramos menos y un poco más místicos y me- adelante. nos contaminados. De esa historia nace usted encomiaSoda Stereo fue un monstruo que ni sido como la gran estrella del rock latinoquiera él pudo domar. Los tres jinetes de americano. Incluso hay quienes lo llaman esa bestia transgresora atesoraron éxito ‘dios’… y reputación, y llenaron ¿Dios? ¡Dios mío! Disfruto de la 5. TRACCIÓN A SANGRE cabezas y espíritus de un admiración, por supuesto, es nuevo goce sonoro. “Respiro libertad, respiro libertad fantástico que eso pase, pero también tengo el espacio como En su entraña, sin embarY no miento”. para sentir que no me creo go, los tres que hacían volar se sentían prisioneros. ¿Terminar Soda nada importante. Aunque la suerte quizá no existe, tengo muchas cosas a favor a través de Stereo lo liberó? todos estos años de poder vivir de lo que hago, Sí, porque lo hicimos disfrutando tanto con esa de que la gente disfrute a través de ello y que energía enorme que nos dio la gente. Fue algo encima sea mi trabajo. ¿Cuánta gente puede darse esos lujos?

LO + MY BLOODY VALENTINE My Bloody Valentine es la banda más importante dentro del shoegazing[cita requerida], un estilo musical iniciado a fines de los ochenta. Influenciados por el post-punk, el dream pop y el rock alternativo de bandas como Sonic Youth, The Velvet Underground, The Jesus and Mary Chain y Cocteau Twins, quedaron establecidos como una leyenda del rock independiente, siendo inspiración e influencia para bandas contemporáneas importantes.

La banda hizo una mezcla para la BBC de Londres y muchos críticos incluso llegaron a afirmar que esta versión era mucho mejor que la original, aunque otros coinciden que la cantautora colombiana y la banda tienen toques diferentes que hacen únicas la misma canción.

LO + ELECTRO POP HOT CHIP. La banda se formó en el año 2000 a raíz de varios trabajos realizados previamente entre dos de sus miembros, Alexis Taylor y Joe Goddard. Tras autoeditarse varios álbumes, firmaron en 2003 con la discográfica inglesa Moshi Moshi, con la que sacaron su primer álbum, de nombre Coming on strong, en 2004. James Murphy, líder de LCD Soundsystem, se interesó en ellos y los contrató para su discográfica DFA Records en Estados Unidos. Un año después firmaron con la discográfica EMI para Reino Unido y su segundo álbum, The warning, generaría bastante más repercusión. Su single

“Over and over” sería considerado como Canción del Año 2006 por la revista musical británica NME. Su siguiente álbum, Made in the dark, salió a la venta el 4 de febrero de 2008 y su primer sencillo “Ready for the floor” alcanzó buenas posiciones en el UK singles chart. El grupo también destaca por sus actuaciones en vivo y sus remixes de otros temas. En España el grupo ha actuado en festivales como el Sónar o el [[Festival Internacional de Benicàssim|FIB]. En el mes de abril se conoce un remix muy famoso de la cancion She Wolf de la conocida mundialmente reina de la música latina: Shakira.

Conciertos

Arde

Esta agrupación, exponente de lo que se ha denominado como indie rock, presenta ‘Tonight’, su más reciente álbum.

Es sabido que su música hace que un frenesí se apodere de la pista de baile. No importa si es Londres, Nueva York o Buenos Aires, todos sucumben. Bogotá también sucumbió. Franz Ferdinand, el cuarteto inglés-escocés que desde 2001 viene haciendo del indie rock una opción para que las chicas contorneen sus caderas y los chicos levanten las manos en forma de proclama, llega por primera vez a Colombia.

sulta más electrónico, con menos protagonismo de las guitarras, que está influenciado por ritmos africanos y en el que se escucha un tintineo fruto de una percusión lograda con el juego de huesos humanos.

This fire, Take me out y Michael, éxitos de su primer álbum, causaron algarabía y recordaron a esa banda que se metió a los televisores de miles de jóvenes con videos de una gran pulcritud gráfica El sábado el Salón Milenio de Corferias, a las 8:00 que retomaban los trazos de los constructivistas rusos. Sin que la calma haya podido hap.m. fue testigo de sus guitarras que esbitar entre la audiencia, el cuarteto que carban un revoltijo de sonidos, de sus Franz rasgueos post punk y de la independenensayaba en algún garaje perdiFerdinand antes cia de ritmos que hacen que esta banda do en Glasgow contará la historia de un hizo a arder desesperado que una noche se levanta y camine por los nuevos senderos del rock inglés. ¡Este fuego se sale de control y a Bogota con decide hacer que alguien lo ame: ¡I said quema esta ciudad! ¡Hay un fuego en mí su concierto I’m gonna make somebody love me! Y la que quema! grito en un coro Alex Kapraaudiencia joven responderá: ¡Well do ya, do ya, do ya wanna! ¡ Wanna go whenos, el vocalista, agarrado del micrófono, y Nick McCarthy rasgueando la guitarra. Paul re I never let you before! Y así, los éxitos de su Thomson, en la batería, y Bob Hardy, en el bajo, segundo disco, You could have it so much better, harán por su parte que un beat despiadado con- dejarán claro por qué sus sonidos han creado una dene a todos los asistentes a gritar: ¡Take me out! marca registrada. La puesta en escena será más bien austera, pues estos dandis no quieren que la gente pague una Unas horas antes de empezar el concierto el sáboleta para ver tele en una pantalla enorme, quie- bado, estaban asaltando alguna videotienda busren que su público viva lo que es un concierto real. cando algo autóctono, como siempre lo hacen en los lugares que visitan. Cuando la tarde cayo, reEsta gira por Suramérica, que arrancó en Buenos gresaron a sus camerinos a escuchar a su telonero Aires, pasó por Paraguay y Perú, tiene la inten- y luego se subieron a la tarima para consagrar sus ción de promocionar el tercer álbum de la banda nuevas maneras de hacer rock.. Tonight: Franz Ferdinand, un experimento que re-

Conciertos

DE NUEVO EL ROCK SUREÑO

La banda es un proyecto de Lionel Padrevecchi junto a su gran amigo Zakk Wylde, guitarrista del grupo de Ozzy Osbourne. La Banda dispone de 9 álbumes hasta la fecha. El primer álbum, Sonic Brew, fue realizado en 1999. El último álbum de la banda realizado en estudio en Septiembre de 2006, bajo la supervisión de Roadrunner Records y producido por Michael Beinhom (Soundgarden, Ozzy Osbourne, Red Hot Chili Peppers). En 1992, Ozzy, tras terminar el No More Tears tour, del cuál desertó Zakk para formar su banda Pride Glory, combinando un rock sureño melódico potente con heavy metal. En 1994 Ozzy decidió que debería dejar atrás el descanso, y las numerosas sesiones para Ozmmosis tomaron lugar. Durante este tiempo,

Zakk se hizo un hueco como guitarra de Guns N’ Roses tras la salida de Izzy Stradlin de ésta, y estuvo durante un tiempo dudando si hacer la gira con Ozzy o unirse a los Guns N’ Roses. Nin`gunode los dosproyectos fue abandonado del todo, lo que

Black Label Society encabezó el cartel en el segundo escenario de este año del Ozzfest US. Todas las entradas se agotaron en Estados Unidos y la Banda tocó en Australia y Nueva Zelanda a finales de 2006 y principios de 2007. Le dio a Wylde la oportunidad de grabar su propio álbum acústico en solitario, Book Of Shadows. Después de un limitado éxito comercial con Book of the Sha-

dows, en 1998, Zakk y el baterista Phil Ondich formaron Black Label Society y grabaron su álbum de debut `Sonic Brew`. Nick Catasnese ha sido el guitarra rítmica de Zakk banda desde la gira de Book Of Shadows. Craig Numencher ha estado en la batería desde el álbum 1919 Eternal, realizado en 2001, despues de la salida de Phil Ondich. Black Label Society encabezó el cartel en el segundo escenario de este año del Ozzfest US. Todas las entradas se agotaron en Estados Unidos y la Banda tocó en Australia y Nueva Zelanda a finales de 2006 y principios de 2007. La propuesta mantenida con Uk coimpanás fue cancelada entre los rumores de que Zakk estaba yendo en gira con Ozzy.

Zona Retro

Años Sin

Zona Retro Los Beatles se separaron en abril de 1970, lo que significa que, aunque cada uno haya desarrollado su propia carrera solista, ya llevamos cuarenta años sin ellos. Ahora bien, ¿es realmente así? ¿Su rastro puede seguirse únicamente en el mero epilogismo de grupos tales como Tears For Fears o, más cerca en el tiempo, de Oasis, o trasciende incluso la música y sus modos de producción para instalarse de manera palmaria en la esfera de nuestra propia y personal intimidad? Una primera alternativa es pensar la historia en estos términos: Los Beatles empezaron siendo un grupo de rock entre tantos otros. En sus primeros discos –vale decir, Please Please (1963), With The Beatles (1963), A hard days night (1964) y For sale (1964)– alternaron versiones del rock ´n´roll negro (Little Richard, Chuck Berry, Larry Williams), blanco (Carl Perkins, Gene Vincent, Buddy Holly) y adaptaciones del rhythm & blues (Ray Charles, los Isley Brothers, The Coasters, The Miracles) con temas propios, por cierto, muy básicos. Estos últimos, sin embargo, a partir de Help (1965), Rubber Soul (1965) y, sobre todo, Revolver (1966) fueron ganando en complejidad y, al mismo tiempo, planteando lo que por entonces constituyó una gran novedad porque, de manera progresivamente excluyente, las composiciones de los Beatles fueron desplazando a sus versiones de temas ajenos. Dicho de otro modo, las canciones salían del seno del grupo, costumbre que, ya sea por motivos estéticos o puramente financieros, terminó por imponerse en el ámbito del rock y de la música popular. No importa aquí si ellos fueron realmente los primeros o no.

Hace cuatro décadas, el gran fenómeno musical y cultural que protagonizaron los Beatles llegó formalmente a su fin. Todas las innovaciones que introdujeron en la música popular se desvanecieron o adocenaron. Pero su existencia marcó el comienzo de una nueva época, en la que predomina el gran mundo urbano pop.

Luego, en 1967 –año de la edi- grabación fuera el verdadero insción de Sgt. Pepper’s Lonely Heart trumento de los músicos. Club Band y Magical Mistery Tour Esa circunstancia se converti–, los Beatles dieron un salto cua- ría en otra personalísima marca litativo produciendo, con el pride fábrica, repetida tanto en el mero de esos dos álbumes, una White Album (1968) como, funverdadera revolución: un disco de damentalmente, en Abbey Road música popular que era algo más (1969). El impacto para la maque una mera colecyoría de sus conción de canciones y temporáneos fue The Beatles que se constituía en tremendo. De hefueron una gran una serie conceptual cho, inmediatameninfluencia para la cual, además, de te después de Sgt. la dignidad artística otros importantes Pepper´s... The Tibrindada al objeto mes del 29 de mayo grupos gracias a la tapa de de 1967 publicó en Peter Blake, por prisu portada que el mera vez en la historia ofrecía las disco alentaba “la esperanza letras de las canciones para su sobre el progreso de la música lectura. pop”, que efectivamente se produjo cuando ese mismo año tanLa música –que no fue unáni- to Pink Floyd, como los Rolling memente aclamada– apelaba a Stones, The Kinks, The Zombies toda la tecnología disponible en y muchos otros grupos britániel momento, comenzando de ese cos trataron de copiar esa idea modo a hacer que el estudio de con muy buenos resultados.

Zona Retro

Zona Retro re explícitamente a John Cage y son más que conocidos los experimentos de John Lennon para la composición y grabación de, por ejemplo, “Strawberry Fields Forever”), los de la música de la India (George Harrison, gran admirador y discípulo de Ravi Shankar, la popularizó en Occidente), etcétera. Con todo ello, los Beatles crearon un sonido de fondo que ya estaba muy lejos del rock tradicional, sobre el cual pusieron melodías fácilmente reconocibles que, notablemente enriquecidas por los arreglos de voces, les permitieron ponerse a la ca-

En tercer lugar, considérese que, al tratarse de ingleses, la influencia de la música estadounidense –en el caso de los Beatles, el rock ´n ´roll, el rhythm & blues, el country & western– fue filtrada y sometida a una lectura particular: acentos cambiados, síncopas diferentes, arreglos cargados con elementos ajenos a la tradición norteamericana. En una rápida enumeración, los de la música de vodevil y la ópera ligera (género al que son afectos los británicos desde que Gilbert y Sullivan lo impusieron a fines

beza de la mayoría de sus contemporáneos. Estos, en más de una ocasión, debieron recurrir a otras tradiciones –principalmente, las del jazz, la música sinfónica, el blues y otras músicas folclóricas– para distinguirse de los Beatles, quienes, en cierto modo se convirtieron en una suerte de síntesis enciclopédica de varios tipos de música, algo que, más adelante podrá corroborarse en otros grandes músicos populares, como, por ejemplo, Richard Thompson, Elvis Costello y, más cerca en el tiempo, Beck.

sicalmente, eso sólo no habría bastado. Deben entonces agregarse otros elementos, en su mayoría externos: el carisma del grupo, el hábil manejo que hicieron de su imagen, la publicidad en torno de sus vidas, las operaciones de prensa y, por encima de todas las cosas, las particulares condiciones de la época.

Está claro que, por más originales que hubieran sido mu-

Los Beatles crearon un sonido de fondo que ya estaba muy lejos del rock tradicional, sobre el cual pusieron melodías fácilmente reconocibles que, notablemente enriquecidas por los arreglos de voces, les permitieron ponerse a la cabeza de la mayoría de sus contemporáneos. del siglo XIX), los de la música de cámara y orquestal (acá no queda más remedio que hablar de la influencia del productor y arreglador George Martin, cuyas ideas y conocimiento musical lo convirtieron, sin la menor duda, en un quinto integrante del grupo –cfr. temas como “Yesterday” y “Eleanor Rugby”, con sus respectivos cuartetos de cuerda, o la utilización de la trompeta barroca en “Penny Lane”, o el uso de la orquesta en “A Day in the Life”), los de la música electroacústica y de vanguardia (McCartney, en sus memorias se refie-

Zona Retro

DAFT PUNK

Fuentes cercanas al grupo de música electrónica Daft Punk han afirmado que es posible que el dúo francés haga una gira por toda Europa, América y Australia a lo largo del 2010.

Daft Punk es un dúo parisino de música de baile, que comenzaron a pinchar hace algunos años, y se han convertido en unos monstruos de la electrónica a nivel europeo rápidamente. Guy-Manuel De Homern Christo y Thomas Bangalter, los dos nombres propios detrás de Daft Punk, han llegado unas auténticas eminencias dentro del electrónico, además de unos personajes muy queridos. Estos dos antiguos amigos,

comenzaron a pinchar con tan solo 20 años, mientras estudiaban sus carreras. Inspirados por Andrew Weatherall, compraron el equipo básico de grabación, lo colocaron en sus dormitorios, y comenzó a producir música house con potentes bases hip hop, y rellenando la melodías con sonidos extraños pseudoespaciales, llenos de sirenas y cortes de guitarras saturadas.

Apenas un año después el dúo firma con un sello independiente de dance (Glasgow’s Soma Records), que edita sus primeros singles, que volaban de las baldas de las tiendas nada más editarlos. Del mismo modo que los Chemical Brothers, los temas de Daft Punk apuntaban tanto al rock como al techno, y de esta manera se consiguen que el single “Da Funk” fuera el más vendido de 1998. Acto seguido Virgin ficha al dúo. El álbum de presentación de Daft Punk, “Homework”, se convirtió en un disco que influenció a todo el espectro musical. Esto fue debido a

que en vez de usar samplers prefabricados, crean sus propios sonidos gracias al equipo analógico que se compraron en sus comienzos. De esta manera pueden añadir todas las capas sonoras que quieran hasta lograr el sonido buscado. Su segundo trabajo volvió a romper las listas de ventas en todo el mundo. Editado en 2001, simplemente con su primer single “One More Time” se colocaron en el número uno de casi toda Europa y EE.UU.

Lo Nuevo

Lo Nuevo banda. Esto se va a notar en el sonido de nuestra música. Va a ser System, pero tendrá nuevos elementos. Hicimos lo que hicimos, y en principio a las personas les gustó, Hicimos algo que nadie había hecho. Ahora vamos a hacer algo que vuelva a causar la misma reacción o por lo menos muy similar a lo que pasó con nuestro debut.”

system

of a

down

prepara su nuevo material y promete ser revolucionario

“Estamos tomándonos todo nuestro tiempo para componer y hacer los arreglos de las nuevas canciones.”

El guitarrista de System Of A Down Daron Malakian y el bajista Shavo Odadjian han comenzado el proceso de composición del material musical que será el susesor del “Toxicity”, de 2001 y de “Steal This Album” tentativamente las grabaciones empezarán entre octubre y noviembre y será lanzado a mediados de 2004. “Esto va a ser muy revolucionario,” se atrevió a comentarle Odadjian a MTV.com. “Estamos tomándonos todo nuestro tiempo para componer y hacer los arreglos de las nuevas canciones. Estamos muy frescos y tenemos nuevos aires dentro de la

Odadjian también reveló que se encuentra trabajando en un nuevo proyecto musical junto a músicos reconocidos en la escena rock, el proyecto será producido por Rick Rubin. “No quiero que cada integrante de System tenga su propio sello. Nos vamos a convertir en un circo,” dijo Shavo. “Pero si tengo que empezar mi propio sello por

lo que hacen ellos pues lo haré. No me gustan las personas que trabajan en las casas disqueras, entonces no quiero ser uno de ellos. La única forma de hacerlo seria por que realmente quiero mucho a la banda.”

System of a Down (1998-2000) En junio de 1998, la banda sacó al mercado su primer álbum de estudio, System of a Down. La banda obtuvo un éxito moderado con su primer sencillo, Sugar,

que se convirtió en un favorito de las radios estadounidenses, seguido por el sencillo Spiders. System of a Down realizó una larga gira abriendo conciertos para Slayer y Metallica antes de conseguir un lugar en el segundo escenario del Ozzfest. Después de Ozzfest salieron de gira con Fear Factory e Incubus antes de encabezar la gira Sno-Core con Puya, Mr. Bungle e Incubus de soportes. En 2000, la banda participó en el álbum Nativity in Black 2 (homenaje a Black Sabbath) con su versión de la canción Snowblind.

Lo Nuevo

Shakira abre el disco del Mundial

“Neutron Star Collision” A ver, primero los datos duros: Muse acaba de lanzar “Neutron Star Collision (Love Is Forever)”, el tema que, formará parte de la banda de sonido de Eclipse, la tercera parte de la saga vampiresca de Crepúsculo . La banda liderada por Matthew Bellamy ya había participado de los dos soundtracks anteriores: con “Supermassive Black Hole” para la primera parte y un remix de “I Belong To You” para New Moon. Como siempre, los ingleses desplegaron todo su potencial de power trío escupiendo desde y hacia todos los corners ese virtuosismo embotellado, el de las fórmulas pretenciosas que nunca fallan. Desde atrás, desde abajo y desde el mismísimo centro: una cabalgata épica, en ascenso; desde el frente: el poder vocal de Bellamy (menos falsettos y más graves) y su colorido piano con una necesaria intervención hacia el final; y desde arriba: un solo de guitarra limpio, preciso. Envolviendo

cada elemento, desde la lírica 84

(“Our love would be forever / And if we die, we die together”): una atmósfera densa, mezcla de sentimientos insondables. Y sí, las fórmulas funcionan, pero (y acá me condeno a muerte...o no) tarde o temprano aburren. Hasta el fin de la tríada inicial Showbiz (1999), The Origin of Symmetry (2001) y Absolution (2003), inclusive con ese compilado en vivo llamado HAARP, todo bien; después, aquella sensibilidad grandilocuente y progresiva que alguna vez lograron transmitir, dejó de surtir efecto. Pero, claro, esa es mi humilde opinión.

con ‘Waka Waka’

‘LISTEN UP!’ SALDRÁ A LA VENTA EL PRÓXIMO 1 DE JUNIO CON LA CANCIÓN DE LA COLOMBIANA COMO TEMA ESTRELLA

Muse hará parte de la banda sonora de Eclipse, la tercera parte de la saga vampiresca de Crepusculo

Madrid.- El álbum oficial del por el ‘Waka Waka’ en Sudáfrica, ra del Mundial como mensaje de Mundial 2010 ya tiene fecha de salida: será el próximo 1 de junio, diez días antes del comienzo del campeonato. Bajo el título de ‘Listen Up!’ el disco incluirá dos versiones del tema de Shakira, ‘Waka Waka’ (‘This time for Africa’).

Además del tema oficial de la Copa del Mundo, el álbum incluirá otra canción en español, ‘Gol de mi corazón’, de ‘Doctor Krápula’, una banda colombiana. A pesar de la polémica suscitada

el tema es el ‘single’ de presentación del disco y Shakira actuará junto al grupo ‘Freshlyground’ en la ceremonia de inauguración del próximo 11 de julio en Johannesburgo.

El álbum reúne a artistas como Angélique Kijdo, John Legend, Wyclef Jean, Pitbull y Siphiwo, una de las grandes voces de Sudáfrica, definido como el ‘Pavarotti negro’. El cantante interpreta ‘Hope’, un tema en el que aparece la voz de Nelson Mandela y que sonará en la apertu-

esperanza.

Los beneficios de la venta del disco se destinarán a la campaña benéfica de la FIFA ‘20 Centers for 2010’, cuyo objetivo es conseguir a través del fútbol un cambio social, construyendo veinte centros ‘Fútbol para la esperanza’ en África, que ayudarán a solucionar problemas de salud y educación en el continente.

Lo Nuevo

PONE BANDA SONORA A IRON MAN 2

El grupo australiano AC/DC ha cedido 15 canciones de su repertorio para acompañar la acción de Iron Man 2. La publicación del disco se anunció el 26 de enero a través de una nota de prensa conjunta entre Marvel Studios y Columbia, la distribuidora internacional del film producido por la casa de las ideas.

La visión de Jon Favreu, director de Iron Man 2, y la pasión de la música de AC/DC se mezclan magníficamente en la película. La música realza la alta energía y la exitación del filme

Entre los componentes de esta promoción se encuentra un vídeo exclusivo que lleva por título Shoot to Trhill y en el que mezclan imágenes de un concierto de AC/DC del año pasado con fragmentos de la segunda película del Hombre de Hierro.

El video del tema Shoot to Thrill fue rodado en Buenos Aires durante la gira “Black Ice Tour”, el material ofrece también imágenes exclusivas, en calidad de estreno, de la cinta. Iron Man 2 se estrenará el día 7 de mayo de este año. El director será nuevamente Jon Favreau . Robert Downey Jr. (quien se mete por segunda vez en la piel de Tony Stark, y de su alter ego Iron Man),Gwyneth Paltrow, Don Cheadle, Scarlett Johansson (en la papel de la Viuda Negra), Sam Rockwell, Mickey Rourke y Samuel L. Jackson (como Nick Fury).

El listado de canciones de AC/DC que sonarán durante el film que está acabando de montar su director, Jon Favreau, es el siguiente: • • • • • • • • • • • • • • •

Highway to Hell Shoot to Thrill Guns for Hire Back in Black The Razor’s Edge War Machine Let There Be Rock Cold Hearted Man Have A Drink on Me Hell Ain’t A Bad Place to Be Thunderstruck Evil Walks T.N.T, Rock ‘ Roll Damnation If You Want Blood (You Got It)

Biografías

Biografías En septiembre de 1991 emigró a España, en donde fundó la banda Los Rodríguez, junto aAriel Rot, Julián Infante y Germán Vilella. Con este grupo hispanoargentino grabó cuatro placas y consiguió mayor éxito con “Sin Documentos” (1993). Paralelamente, continuó con su carrera solista: “Grabaciones encontradas” (“Volumen 1” en 1993 y “Volumen 2” en el ‘94), presentadas en The Roxy junto a Gringui Herrera y Willy Crook, más los invitados especiales: su hermano Javier, Charly García,

La híperproductividad habitual de Calamaro se plasmó en el 2000 con su disco quíntuple “El salmón” (del cual por cuestiones comerciales también se editó un highlight).

Mariano Mores. En esta placa se incluye uno de los hits más importantes del verano ‘94: “No se puede vivir del amor”. En 1995 compuso la banda de sonido de dos películas nacionales: “Caballos salvajes”(segundo trabajo de Marcelo Piñeyro tras su popular “Tango Feroz”) y “1000 boomerangs”(opera prima de Mariano Galperín). Participó del álbum “Chiapas”, a beneficio de los indígenas de ese estado mexicano, para el cual grabó el tema “Media Verónica” y regresó a los discos solista con “Alta Suciedad” (1997). Este trabajo, producido por Joe Blaney, incluye otros temas como “Flaca”, y “Loco”, llegando a ser considerado en España como uno de los discos más importantes del rock en español. La híperproductividad habitual de Calamaro se plasmó en el 2000 con su disco quíntuple “El salmón”.

Andres CALAMARO

músico, compositor, intérprete y productor argentino. Durante toda su carrera ha pertenecido a bandas de gran importancia como Los Abuelos de la Nada y Los Rodríguez. Este artista prolífico, conocido también como “El salmón”, ha compuesto varias de las canciones más importantes del rock en español.

En 1985 integró Las Ligas, la banda que acompañaba a Charly García y registró “Vida cruel”, con Fernando Samalea (batería) ,Richard Coleman y Gringui Herrera (guitarras), Fabián Von Quintiero (teclados) y el Flaco Spinetta como invitado. Su tercer disco solista,”Por mirarte” (1987) no tuvo demasiada repercusión, aunque se destacan el tema homónimo y el cover de “Johnny B. Goode”, el clásico rock and roll de Chuck Berry. Mismo destino sufrió el cuarto álbum, “Nadie sale vivo de aquí” (1989), pese a la buena crítica de los medios. Ya por entonces tenía una banda estable: Ariel Rot (guitarra), Gringui Herrera (guitarra), El Alemán Schanzenbach (bajo), Ricardo González (batería) y Jordi Polanuer (saxo). Previamente había trabajado en la producción de los discos de Don Cornelio y la Zona, Los Enanitos Verdes y Los Fabulosos Cadillacs.

Biografías

Calamaro publicó varios temas inéditos y out-takes en internet, pese a la presión de la industria discográfica en contra del mp3. Pero en el 2004 se despachó con “El cantante”, un disco casi acústico de canciones clásicas

del repertorio latinoamericano y tres canciones propias. También en “Tinta roja” realiza una selección de otros autores, en este caso tangüeros.

masivo como podría imaginarse, sino algo mucho más artesanal, trabajando junto a Litto Nebbia. El single de difusión fue “Corazón en venta”.

Entremedio de esos discos, Andrés regresó a Argentina para presentarse acompañado La Bersuit. Este show, documentado en “El regreso”, fue una reedición en vivo de clásicos recientes. Con “El palacio de las flores” no concretó un retorno

Ese gran retorno fue, efectivamente, con “La lengua popular”, una colección de doce canciones que incluyen el sello de Calamaro: estribillos, poesía, letras finas, ironía, mezcla de ritmos. Sin dudas, uno de los discos más importantes del año.

Su estilo es ecléctico y en su música podemos encontrar rasgos de puro rock n’ roll pasando por el folk, funk, tango, blues, jazz, reggae, bossa nova y hasta incluso hip-hop.

En 2009, la abundancia creativa de Calamaro superó lo conseguido con “El salmón”: “Andrés, obras incompletas” es un boxset de seis discos, dos DVDs y un libro, que incluyen recopilaciones, inéditas y rarezas seleccionadas personalmente por el propio autor. Entre las 108 canciones sobresalen “Las cosas que me ayudan a olvidar”, que había quedado afuera de discos anteriores; “Rock de la mujer perdida”, cover de Los Gatos; “Bachicha”, el corte difusión; “Desconfío”, de Pappo; y “De la lluvia”, un inédito de 1996. También se publicó una edición acotada, de tan sólo 18 temas.

Su influencia con el paso del tiempo ha sido innegable. Ha compuesto decenas de hits con los que ha sido reconocido en el mundo musical, pero además de eso ha logrado trascendencia con discos que van de lo simple a lo complejo de manera versátil y coherente.

Influencia

El material es un rejunte de grabaciones registradas en su estudio casero, algunas de ellas retocadas luego para su edición. Varios años de silencio pasaron antes de su siguiente disco.

Su estilo es ecléctico y en su música podemos encontrar rasgos de puro rock n’ roll pasando por el folk, funk, tango, blues, jazz, reggae, bossa nova y hasta incluso hip-hop. Sus discursos y frases célebres le han dado status de poeta, algo con lo que muchos no están de acuerdo. Incluso, cultores radicales lo acusan de que lo suyo, no es en absoluto rock (algo similar acontece con Fito Páez, Nito Mestre, Litto Nebbia, Raúl Porchetto, Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré, Lito Vitale y Alejandro Lerner). Sin embargo es un artista totalmente flexible que en sus conciertos ha mezclado el más puro rock n’ roll con diversos géneros. Por otro lado está que de entre sus canciones más conocidas y que más veces toca en sus recitales, como es el caso de “Media Verónica”, “Crímenes perfectos” o “Paloma”, ninguna de ellas fue en su día sencillo comercial. Finalmente es considerado con algunos cuantos más, como unos de los mejores cantantes solistas del influyente rock argentino, y muchas bandas y cantautores tienen bajo sí mismos una influencia radical de Andrés Calamaro en su música.

Biografías

CARLOS SANTANA,

SUPERNATURAL Su padre fue violinista en una banda de mariachi, y de joven, Carlos aprendió tocar el violín, pero cambió a la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana. Santana empezó a tocar en clubes y bares en la zona turística. Se quedó en Tijuana cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California, pero pronto la siguió. En 1966, ayudó a fundar la Santana Blues Band, eventualmente acortándolo a Santana. La banda empezó a tocar en The Fillmore West, donde muchas de las bandas legendarias de San Francisco tocaban. Su estreno en grabación ocurrió en The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (Las Aventuras en Vivo de Mike Bloomfield y Al Kooper) con Al Kooper y Mike Bloomfield. Tras firmar con Columbia Records, Santana sacó al mercado un álbum llamado Santana. El grupo consistió en Carlos Santana (guitarra), Gregg Rolie (piano y voz), Mariano Luis Diaz (Guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería), Diego Olivarez(maracas)Juan Perez Bruna (corneta)Jose Areas (percusión) y Michael Carabello (percusión). Haciendo una gira para promover el álbum, la banda Santana tocó en Woodstock. La presentación de la escena en Woodstock fue legendaria y aumentó mucho su popularidad. Santana fue un gran éxito, así como Abraxas (1970) y Santana III (1971). La banda original se

Biografías

Biografías disolvió. Rolie llegaría a ser un miembro fundador de Journey. Carlos Santana usó el nombre y una serie de músicos distintos para continuar su gira tras los Estados Unidos, lanzando varios álbumes. Durante este período, Carlos adoptó el nombre “Devadip”, conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana apareció en el álbum de Ottmar Liebert Solo Para Ti, en las canciones “Reaching out 2 U” y una grabación nueva de su propia canción “Samba Pa Ti”. Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998.

vera, y eso le permitió grabar en el disco de Santana, acompañando guitarra. Supernatural fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy. En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch. En 2005, Santana lanzó su álbum más reciente All That I Am (“Todo Lo Que Soy”). Incluye artistas invitados como Big Boi (de Outkast), Mary J. Blige, Black Eyed Peas, Los Lonely

Boys, Sean Paul, Kirk Hammett (de Metallica), Steven Tyler (de Aerosmith) y Robert Randolph. En 1973, Santana se une sentimentalmente a Deborah King, y es padre de tres hijos: Salvador, Stella y Angelica. Carlos Santana “ Supernatural” Hace mucho tiempo antes de escuchar del concepto “Música del Mundo” Carlos Santana la tocaba. En una época cuando rock ‘n roll tradicional a base de guitarra surgía de la “Invasión Británica”, llegando a nuevos niveles de popularidad en los mercados de habla inglés y E.U., Santana la instilada con una energía fresca y intensidad emocional profunda que se gano

los corazones y toco las almas de millones de aficionados nuevos alrededor del mundo entero. Al fusionar hábilmente los elementos de blues de 12 barras, letras ardientes de rock y ritmos sensuales Africano-Cubano, y mostrando su estilo de guitarrista apasionado y inolvidable, Carlos Santana creyó un sonido único y mágico.

Es un sonido que quedacomo las notas musicales largas y sustentadas que marcan con distinción a sus arreglados de guitarra para un solo-tan poderoso, conmovedor y significante como siempre, 30 años después de que Carlos primeramente lo compartió con el mundo.

Las guitarras favoritas de Santana son las Paul Reed Smith, entre otras que ha usado se encuentra una Gibson SG con la que toco en el Festival de Woodstock. En 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records.

Es un sonido que ganó a Carlos muchos honores, incluyendo su instalación (junto con el conjunto de Santana) en 1998 a la Rock ‘n Roll Hall of Fame, (Galería de la Fama de Rock ‘n Roll). En vez de dormirse en sus laureles, Carlos se lanzó en 1999 con excitación renovado. Se reunió con Clive Davis en Artista Records y está obrando un nuevo álbum de lo más moderno. 94

En 1997 Alex Lora, de la banda rockera mexicana El Tri, invita a Santana para colaborar en una canción titulada “Virgen morena” del disco Cuando tú no estás. Santana aparece tocando la guitarra en esta ya clásica canción de El Tri. Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill, el grupo Mexicano Maná y Sebastián Trepode, el exitoso cantante argentino que grabo por recomendación de Mana. Trepode mantiene una buena relación con Fher Ol-

Biografías Es la banda más representativa del Hip Hop colombiano. Su innovador sonido fusiona el funk, el hip hop norteamericano, el ragga jamaiquino y elementos de la música electrónica para producir elaborados beats; así mismo con los ritmos tradicionales de la costa Pacífica colombiana, tales como bunde, currulao, bambazú y aguabajo; con otros de Latinoamérica y el caribe como la salsa, el songo y guajira. “Como grupo nuestro principal objetivo es que la sensibilidad de nuestra cultura y de nuestra música, dejen de ser ajenas a este país, y si se quiere en el mundo; que se conozca desde lo que comemos, hasta el porque hablamos de la manera en que lo hacemos, queremos ser parte de los espacios donde nos han invisibilizado como etnia y arte” – Tostao (MC Líder Chocquibtown) Premios y Reconocimientos GANADOR FESTIVAL HIP HOP AL PARQUE 2004 MENCION ESPECIAL FESTIVAL PETRONIO ALVAREZ 2006 PREMIOS SHOCK - Categoría Pura Gozadera 2007 PREMIOS NUESTRA TIERRA Movistar 2008 - Categorias: 1. Mejor interpretación Urbana del año: Somos Pacifico CQT. 2. Mejor artista solo o grupo Urbano del año: CQT.

Chocquibtown 96

Prensa “CQT presenta una propuesta revolucionaria dentro de la escena del hip hop colombiano, al electrificar los ritmos de la costa pacífica, incorporar en su flow los acentos y modos locales, haciendo visible la cultura de una región olvidada en nuestro país” – Revista Shock

“El veloz caudal de su música fluye como los ríos de la región pacífica...” – Cartel Urbano “Aprovechan la originalidad de su folclor, reinterpretado a la luz de la música urbana....” – El Tiempo.

“Chocquibtown busca llevar a la esencia chocoana a todos los lugares donde se hace toques y a la par, darle una evolución y mayor identidad al hip hop colombiano...” – Revista Rolling Stone 97

Biografías

The Cure es una banda británica de rock que comenzó su carrera a finales de los setenta con la edición del LP Three Imaginary Boys. Es muy difícil categorizar a The Cure en un sólo estilo musical tomando en cuenta el sonido de la banda a lo largo de su dilatada carrera, ya que en algunos trabajos se puede escuchar un sonido claramente gótico o dark), mientras que en otros se puede encontrar música new wavealegre u optimista (Mint car o In between days), sonidos post-punk y hasta ciertos toques de electrónica.

No obstante, la apariencia estética característica del líder de la banda, Robert Smith, frecuentemente vestido con ropa negra y mostrando un rostro pálido y un lápiz de labios borroneado en la boca, sumado a letras que con frecuencia son introspectivas y existenciales, han hecho que la banda sea asociada erroneamente con el rock gótico. Smith rechaza esta categorización y se niega a enmarcar a la banda dentro de un único género: “Es tan triste que a the Cure se le siga llamando gótico

No somos categorizables. Supongo que eramos Post-Punk cuando salimos, pero globalmente es imposible categorizarnos. Yo toco música de the Cure, sea lo que sea que esto signifique.”

Entre el año de su formación (1976) y (2004), the Cure había logrado vender alrededor de 31 millones de discos en todo el mundo.

Biografías

Mirada al pasado

ZAKK WILDE

EN BLACK

LEBEL A principios de 1990, Wylde había formado su propia banda en solitario Pride & Glory, Tocando una mezcla de blues rock sureño con metales pesados. Sin embargo, después de un álbum, se separaron en diciembre de 1994. Wylde posteriormente grabó un álbum como solista acústico, Libro de las Sombras (Publicado 1996). En mayo de 1998, después de un limitado éxito comercial con Libro de las Sombras, Y el baterista Wylde Phil Ondich grabó lo convirtió en el álbum Negro Label Society debut Sonic Brew. Se decidió, en lugar de ser el álbum otro álbum como solista de Wylde, que iban a formar una banda de larga duración. Se sabía desde el primer momento que Nick

100

Catanese se mantendría como el segundo guitarrista en la banda (Catanese previamente gira como guitarrista para la gira de Book Of Shadows). John DeServio, Quien previamente trabajó con Wylde como un reemplazo temporal en Pride & Glory, se unió como bajista de la banda para la gira del álbum.

Stronger Than Death seguido en 2000, con DeServio siendo reemplazado por Steve Gibb. Craig Nunenmacher sustituye Ondich en julio de 2000, con su grabación de debut con la banda en el álbum en vivo El alcohol Impulsado Brewtality Live 5. Esto fue seguido por 1919 Eternal en el año 2002.

Sonic Brew fue lanzado en Japón el 28 de octubre de 1998. Debido a los retrasos en la firma con una disquera (Spitfire Records), El álbum no fue lanzado en el resto del mundo hasta el 4 de mayo de 1999.

Steve Gibb fue reemplazado temporalmente por Mike Inez durante el Ozzfest Gira de 2001 y, a continuación Robert Trujillo se hizo cargo de funciones de bajo para la banda al año siguiente.

The Misfits han sido considerados a lo largo de los últimos treinta años uno de los grupos más importantes del movimiento punk, siendo uno de los integrantes de la primera ola del género y difusores del mismo, y además creadores de una variante, el horror punk, que se ha desarrollado a lo largo de las dos últimas décadas.

A lo largo del tiempo el grupo se ha caracterizado por componer canciones basadas en películas de terror y ciencia ficción, y por su imagen terrorífica y conflictos dentro y fuera del escenario. A lo largo de su carrera, el grupo ha pasado por dos etapas claramente definidas. La primera con el vocalista Glenn Danzig hasta 1983 (El último disco en que participa Glenn es el ep editado

en 1984 Die Die my Darling) y la segunda, desde 1995, primero con el vocalista Michale Graves. y luego incorporando a tres integrantes de los principales grupos de punk rock de la primera ola: Marky Ramone (The Ramones) en la batería, Dez Cadena (Black Flag) en la guitarra y Jerry Only el único que ha tocado en todos los álbumes del grupo, como vocalista y bajista.

101

Biografías

SLIPKNOT

TRIVIUM Trivium compartirá escenario con Slipnot en el tour 2010

Slipknot Entre las principales influencias de esta banda se pueden nombrar a Black Sabbath, Pantera, Metallica, Manowar, Slayer, Sepultura, Iron Maiden, Carcass, Judas Priest, Korn, AC/DC, Kiss y Beastie Boys. El thrash metal ha sido mencionado en numerosas ocasiones como gran influencia para definirla junto al nu metal. Slipknot utiliza tres tipos de guitarras (principal, rítmica y bajo), dos percusionistas, además de la batería, y la electrónica (samplers y turntables). El sonido de la banda ha sido

102

descrito como “una máquina trilladora devorando un grupo de tambores militares En sus primeros trabajos, las voces varían mucho, desde rapeos ocasionales hasta llegar a la voz gutural.[85] En sus más recientes trabajos incluyen más voces melódicas y han dejado los rapeos. Las letras siempre van en un tono muy agresivo, que se caracterizan por tratar sobre la oscuridad, el nihilismo, la ira, el odio, el amor, la misantropía y la psicosis. Rick Anderson de Allmusic dijo sobre las letras de Slipknot “no son para ser citadas en un sitio web familiar”.

En una entrevista Paul Gray dijo: “El único término que odio es “nu metal”, tenemos influencias del death metal, thrash metal, grindcore. estrella de nueve puntas, representada por 3 triángulos superpuestos de forma que las puntas se distingan bien, con los lados hacia dentro para conseguir más punta, refiriéndose a los 9 miembros igualmmente que la S tribal el símbolo que representa a Slipknot frente a suss fans los maggots.

Trivium anunció que una nueva canción fue grabada, llamada “Shattering The Skies Above”, que sería exclusiva para el juego God Of War III. La canción sería revelada en el EP incluído junto al “God Of War 3 “Shattering The Skies Above estará exclusivamente para God Of War 3, no estará en el próximo disco de Trivium, pero sí le dará a la gente una buena representación de hacia a dónde queremos llegar con el nuevo disco” Agregó: “Estamos seguros de que la tocaremos en el Reino Unido, donde terminará la gira, así la gente sabrá adónde queremos

llegar.” Shattering The Skies Above sería la primera canción grabada con Nick Augusto en la banda. Trivium también grabó un cover de la canción w” de Sepultura. Shattering The Skies Above fue lanzada exclusívamente para su fanclub (TriviumWorld) en el 12 de Febrero del 2010. La canción contiene blast beats, y podría decirse que posee un estilo combinado de los discos “Ascendancy” y “Shogun”. La canción fue lanzada para el público el 15 de Febrero, y al día siguiente, Slave New World fue lanzada.

“Todo va increíble, definitivamente nos está preparando para nuestro siguiente álbum, que es lo que hemos estado haciendo y hemos estado escribiendo. Va a ser y tiene que ser el mejor disco que jamás hayamos hecho. Con todos los discos hemos dicho esto pero esto va a ser definitivo” El bajista Paolo Gregoletto agrega: “Hemos estado ensayando nuevas canciones completas en pruebas de sonido y esas cosas. Tenemos un montón de ideas y cada año hablamos de cómo queremos que sea el álbum .

103

Biografías

Nikelback

Sus integrantes, sus inicios, sus logros, su éxito

La banda nació en Vancouver (Canadá) en 1996. Formada por Chad Kroeger (guitarra y voz solista), su hermano Mike (bajo), Ryan Peake (guitarra y voz) y Ryan Vikedal (batería), hasta que no editaron el sencillo “How you remind me” no consiguieron entrar en el mercado español. En Canadá es una de las bandas con más seguidores. En 1997 graban una maqueta de 7 canciones titulada “Hesher”, de gran éxito a nivel local y que les llevo a realizar trabajos más ambiciosos. En 1998 presentan un EP de siete canciones titulado “Curb” que emprendió un fructífero camino, cuajado de giras y actuaciones por todo Canadá y que les con-

virtió en una de las formaciones más respetadas del país. Poco después llegaría su debut en Lp, “The state”, editado bajo su propio sello discográfico. Cuando llegó la hora de grabar el álbum la banda estaba obstinada en hacer las cosas a su manera. “The State” fue producido por la banda junto con Dale Penner. El cuarteto eligió grabar en los estudios Green House de Vancouver, donde Aerosmith y The Cult grabaron temas clásicos. Todas las canciones estaban preparadas antes de entrar al estudio, excepto “One Last Run”, que sólo era un riff. Grabado en veinte días en julio y agosto de 1998, la banda grabó diez temas.

Biografías En Estados Unidos el álbum “The State” se edita en Roadrunners Records con relativo éxito. El sencillo “Leader of Men” se mantuvo en el top 20 canadiense por varias semanas y logro que la banda compartiera escenarios con bandas como Creed, Silverchair y Everclear en repetidas giras. En el 2001, aparece el primer disco de distribución internacional, “Silver Side Up”, trabajo que incluye el sencillo “How You Remind Me”, canción que llegó al número uno de la revista Billboard en categoría Rock.

Y con este disco su último trabajo les llega el éxito definitivo en Estados Unidos, donde se encaraman a lo más alto en las listas de música rock. “Silver Side Up” significa también el inicio de la lucha por darse a conocer en Europa. Lo hacen de la forma más directa posible, con un excelente disco, lleno de fuerza tanto en la música como en las letras. En tema que abre el CD es un duro alegato contra los malos tratos en el hogar (“Está borra-

cho otra vez, es hora de pelear / ella ha debido hacer algo mal esta noche / la sala de estar se convierte en un ring de boxeo /.../ Oigo sus gritos desde el hall / sorprendido de que pueda siquiera gritar”), envuelto

en una descarga de rock and roll en estado casi puro.

Aunque la música aporta una gran fuerza a todos los discos de la banda, Chad Kroeger escribe unos temas muy personales, con historias que cualquiera puede comprender (y muchas veces compartir), haciendo de su música intimista y, a la vez, potente. Una mezcla que no se ve muy a menudo y que da a los canadienses un excelente resultado. Linkin Park, Godsmack o Staind tuvieron que llegar a vender millones de discos antes de desembarcar en Europa. Nickelback desembarca en el viejo continente con el sello de calidad debajo del brazo. El movimiento post-grunge comienza a llegar por estos lares, y Nickelback es tan buen estandarte del estilo como Creed o Fuel.

do lo que le viene de gusto,

la nueva propuesta del controvertido aunque eso signifique hablar MC español que ha vendido más discos del amor o de personajes de dibujos animados, o estar del género en todo el país Llegó la hora, ahora sé que jamás he muerto”. “Cuantos buscan lo que tengo, cuantos sienten lo que canto”. “Me llaman loco pero sé que soy un genio”. Son algunos de los disparos certeros que se incluyen en el nuevo disco del rapero español Porta, Trastorno bipolar, que vuelve a la escena discográfica después de lograr un

disco de oro con su anterior trabajo En boca de tantos. Controvertido y polémico, el cantante o Maestro de Ceremonias (MC), que es como él mismo se define, vuelve con un problema de bipolaridad. Odia que el personaje público supere a la persona, no soporta el éxito y la fama y sólo quiere hacer música contan-

vinculado a una multinacional como Universal.

En Trastorno bipolar apuesta más que nunca por temas sociales y sigue desafiando y provocando a los que quieran penetrar en sus letras y su música. Como el mismo nos confiesa, “no cambiaría nada de la fama que tengo, la regalaría”. De momento nadie ha aceptado su obsequio.

Biografías

Vuelve Lenny Kravitz, el sex symbol del rock

A tres años de su visita en el Estadio Nacional, el rock star se presentará en San Carlos de Apoquindo el próximo 3 de abril.

Biografías

Hora para la revolución del amor Lenny Kravitz decide abandonar el look Prince y busca inspiración en grandes rockeros de los '60 y '70. Para esa época, 1989, edita su primer álbum Let Love Rule, consiguiendo un número 1 en las listas de éxitos e iniciando una prometedora carrera, que continúa en la actualidad. Dos años después saca su segundo disco, Mama Said, influenciado por su separación matrimonial. En 1995 apareció su cuarto disco, Circus y en 1999 su quinto álbum denominado: Five, en el que incluye una canción de homenaje a su madre y otra dedicada al cumpleaños de su hija Zoe. Además, la canción "Fly Away" le valió un Grammy en 1999 a la mejor voz masculina de rock. En el 2004 llega Baptism con dos grandes hits: “Where Are We running” (que habla de la vida de los rockstars) y la ya clásica “California”. En febrero del 2008 Lenny editó su nuevo disco It’s time for a love revolution, donde ya se destacan los singles “Love Love Love” y “I’ll Be Waiting”. Temas que serán parte de su próxima presentación en Chile.

Mamá lo dijo SANTIAGO.- Para el 3 de abril en el Estadio san Carlos de Apoquindo está previsto el concierto del rockero afroamericano Lenny Kravitz, por segunda vez luego de actuar en 2005 en el Estadio Nacional ante unas 50 mil personas. La agencia Fenix, que estuvo tras la primera visita del rock star, anunció que Kravitz está listo para presentar en Chile su nuevo álbum, It is time for a love revolution, esta vez, y dada las capacidades del reducto, para unas 25 mil personas.

Lenny es hijo de un productor de la NBC llamado Sy Kravitz y de la actriz Roxie Roker y desde pequeño. se notaba su clara vocación musical, haciendo versiones de Duke Ellington, Sarah Vaughan y James Brown. A causa del trabajo de su madre, se traslada a Los Angeles en 1974. Allí se unió a los California Boys Choir, donde aprendió a tocar una gran variedad de instrumentos. Esto le sirvió para entrar en el programa musical de la Beverly Hills High School. En busca del éxito musical, adopta el sobrenombre de “Romeo Blue”, dada su admiración por el también cantante Prince, pero no consiguió ningún contrato musical con alguna discográfica y decide volver a Nueva York. En 1987 se casa con la actriz Lisa Bonet, con la que tiene una hija llamada Zoe. Esta relación se rompió cuatro años después, viviendo Zoe actualmente con su padre. Durante el tiempo que duró este matrimonio,

Biografías

Biografías La primera grabación de la banda fue el Ep Safety, con una edición limitada a 500 copias ya que todos los gastos corrían a cargo de Coldplay. Estos tres temas se grabaron en los estudios Sync City, y en un principio su destino era ser su primera maqueta, pero la banda quedó tan complacida del sonido que deciden editarlo comercialmente en mayo de 1998. Las 500 copias son distribuidas por todo Londres, aunque al final acabaron regalando el 90%. El EP sirve para que Debs Wild de Universal que entusiasmado con el grupo y envíe una copia a Dan Keeling de Parlophone Records. Caroline Ellery de Publicaciones BMP también recibe una copia, y la banda firma con las dos compañías en 1999. En abril de ese mismo año editan Brothers and Sisters, bajo el sello Fierce Panda que les habían visto tocar en directo y les pidió que grabaran una canción para ellos. A causa de este tema, la revista NME comienza escribir sobre Coldplay. Es entonces cuando el temaBrothers and Sisters comienza a escucharse en todas las emisoras, ganando seguidores día a día.

COLDPLAY

Chris Martin nace en Devon, y tocaba la guitarra desde los 15 años, y en Coldplay adquiere los papeles de guitarrista, vocalista, teclista y líder, mientras que el peso de la guitarra principal recae sobre el galés Jon Buckland, que comenzó a tocar este instrumento a la temprana edad de 11 años. Por otro lado Will Champion es original de Southampton y llevaba tocando la batería desde muy temprana edad, mientras que el escocés Guy Berryman y su bajo se conocieron con 13 años.

Nada más editarse su primer larga duración Parachutes, el disco llega al número 35 de las listas, algo impensable para un grupo independiente. El disco continúo escalando puestos durante todo 2000, llegando a los oídos de todas las emisoras mundiales el fenómeno Coldplay. El disco se edita a nivel mundial. En los British Awards de 2001 Colplay consigue varios reconocimientos. En Estados Unidos, uno de los temas estrella Yellow, se coloca en el número 6 del Billboard, y se utiliza como promoción de la cadena de televisión ABC.

Chris Martin, Guy Berryman, Jonny Buckland y Will Champion se conocieron en la Universidad de Londres en 1997, ciudad en la que se establecen como una de las mejores bandas locales, a la vez que surge una fuerte amistad entre ellos.

Ken Nelson les ayuda en las labores de producción de A Rush of Blood to the head(2002), su segundo disco, que alcanzó el número 1 en el Reino Unido y el 5 en los Estados Unidos, con temas como In my place, Clocks o The Scientist