Le Mertier

LE MERTIER ESTO NO ES UNA REVISTA DE ARTE ISSUE 8

NUNCA ANTES VISTO

SHOCK VALUE Expresiones artísticas innovadoras para las nuevas generaciones del siglo XX.

La destrucción del significado de la palabra arte como la conocías.

EDICIÓN ESPECIAL: FIN DEL MILENIO

LE MERTIER

CONTENIDO 25 Fuera del Marco Dentro del MOMA

28 31 Keep Learning Bonus Exhibition Un vistazo a la época ¿Se puede volver a mostrar?

2 Nota del Editor

4 White Canvas Siglos XX Y XXI Un breve recorrido por las vanguardias y al mal gust…, perdón, al más allá

9 The Old-New Design Diseños del siglo XX La nueva era para arquitectónico

el

diseño

13 Fashion Meets Art La moda en los primeros años de los 1900 Un resumen de lo más trendy de 1900 a 1930

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Bibliografía

21 Les Grands Los artistas como nunca antes vistos Un poco de la nueva generación de artistas LE MERTIER | 1

NOTA DEL EDITOR

ISSUE 8

ARTE EN TIEMPOS DE GUERRAS

by Marcela Mecalco

Existe un dicho que dice que las mejores ideas surgen en momentos de crisis. Aunque el siglo XX fue un siglo de guerras, también fue un siglo donde la creatividad fluía. El hombre desencadeno su creatividad y su capacidad de crear e innovar al máximo. Esto resultó tanto en buenos como catastróficos eventos.

Mientras que la tecnología crecía considerablemente con inventos como el auto y el cine sonoro, uno de los negocios más rentables también crecía: las armas. La Primer Guerra Mundial dio la excusa perfecta para la creación de nuevas armas en serie.

La bomba aérea, el tanque y las armas químicas fueron el centro de atención en la guerra. A esta guerra, también llamada la Gran Guerra, le siguieron muchas otras, al igual que la Gran Depresión en 1929.

La Guerra Bolchevique, la Guerra Civil Española, la Guerra de Corea, la Revolución Cubana, la Segunda guerra sino-japonesa, todas dejaron una huella permanente en la cultura de cada país. Pero la que dejó, más que una huella, una herida, fue la Segunda Guerra Mundial. Este conflicto resuena hasta hoy por todas las atrocidades cometidas que resultaron en alrededor de 55 y 60 millones de personas fallecidas, de las cuales 11 o 12 millones fueron víctimas del Holocausto.

Pero a pesar de los conflictos, el siglo XX vio la tecnología crecer de sobremanera en ciencia, computación, medicina y todos los ámbitos posibles. Socialmente, la revolución sexual sacudió al mundo con ideas liberales que definieron la última parte del siglo. Era el fin de un milenio que traía muchas heridas y confusiones, pero que esperaba un mejor futuro.

La Guernica, Pablo Picasso, Museo Reina Sofía, Madrid, España

Picasso se inspiró en las bombas lanzadas el 26 de abril de 1937 por la Legión Condor alemana a la ciudad de Guernica. El cuadro fue incluido dentro del catálogo de creaciones prohibidas por el partido nazi.

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WHITE CANVAS

Siglos XX Y XXI UN BREVE RECORRIDO POR LAS VANGUARDIAS Y AL MAL GUST…, PERDÓN, AL MÁS ALLÁ

By Natalia López Noriega

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Si te consideras una persona de gustos "tradicionales", esto no te va a agradar tanto, pues el concepto de realidad se vuelve algo alocado. Acompáñame en este breve recorrido a las vanguardias y al mal gust…, perdón, al más allá. Esto que estás por leer sin duda te va a sorprender.

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Futurismo

El futurismo comenzó en Italia al inicio del siglo XX, en donde los artistas buscaban plasmar el dinamismo y el movimiento a través de vibrantes composiciones de colores. La representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, la multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo y el reverso de la figura. Los pintores extrajeron sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando todo populismo o simbolismo. Dentro de los artistas más importantes están Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà y Gino Severini.

Edvard Munch “El Grito”

Expresionismo

El expresionismo surgió en Alemania en la primera década del siglo XX como oposición al positivismo materialista que imperaba en dicha época. Buscó ofrecer una nueva visión de la sociedad y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla. La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basado en una necesidad interior, manifestándola a través de la desproporción y distorsión de las formas, al igual que con el uso de colores y trazos para expresar simbólicamente estados de ánimo. Los artistas destacados son Edvard Munch, Oskar Kokoschka y Emile Nolde.

Umberto Boccioni “Dinamismo de un ciclista” LE MERTIER | 4

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Fauvismo

Se desarrolló en Francia de 1903 a 1907 y derivó de la palabra “fieras”. Se caracterizó por ser expresivo mediante la saturación del color, por plasmar lo real de manera subjetiva, la eliminación de la perspectiva. Se usaban referencias hacia las culturas primitivas y exóticas, como la árabe y la africana. Dentro de ella destacaron pintores como Maurice Vlaminck, Henri Matisse y André Derain.

Maurice Vlaminck “Casas en Chatou”

Cubismo

El Cubismo tiene sus bases en Cézanne y quedó formalmente fundado en 1907 con la obra de Pablo Picasso Las señoritas de Aviñón.

Picasso y Georges Braque llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura que, para ellos, debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por ello, eliminaron la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a tonos grises, verdes y marrones y con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo. Dentro del Cubismo no hay nada teórico, sino que todo son descubrimientos.

Pablo Picasso “Las señoritas de Aviñón”

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Dadaísmo

El Dadaísmo nace en Zurich en 1916 y fue fundado por el pintor Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara. Se caracterizó por la expresión irónica-satírica de los valores artísticos establecidos por la tradición, la integración de técnicas distintas con empleo de fragmento de materiales y objetos de desecho cotidiano, su negación al arte despreciando cualquier canon impuesto y protestó contra todo convencionalismo plasmando temáticas en las que predominó lo “absurdo”. Dentro de los artistas destacados se encuentran Marcel Duchamp, Francis Picabia, Jean Arp, Hannah Hoch, etc.

Salvador Dalí “La persistencia de la memoria”

Joan Miró “El carnaval de arlequín”

Marcel Duchamp “L.H.O.O.Q.”

Surrealismo

Este movimiento nació en Francia al finalizar la Primera Guerra Mundial y se caracterizó por la figuración con la temática subjetiva de carácter onírico basado en las técnicas del inconsciente de Freud, es decir, la interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad. Los objetos y formas que conforman las pinturas son despejados de su significado tradicional provocando que el observador quede desorientado y pueda hacer varias interpretaciones, también da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la destrucción y lo misterioso. Dentro del movimiento destacaron artistas como Salvador Dalí, René Magritte y Joan Miró.

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Marcel Duchamp "La Fuente"

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Post Vanguardias Pop Art

Se inspiró en el arte popular de la sociedad del consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las hizo accesibles al público en general. Se caracterizó por la combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición y la utilización de colores puros, brillantes y fluorescentes. Dentro de los artistas destacados se encuentran Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein y Tom Wesselman.

Posmodernidad Body Art

Fue un estilo de gran relevancia en los años 60 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Es un género artístico en el que se fusionan la expresividad del cuerpo junto a otras manifestaciones del arte como las escénicas, danzarías y musicales. Se caracterizó principalmente por el uso del cuerpo como material y forma expresiva. Algunos de los principales representantes son Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci y Eduardo Sanguinetti.

Yves Klein “Anthropométrie de l'époque bleue”

Banksy “Niña con globo”

Street Art

Este tipo de arte engloba tanto al grafiti como a otras formas de expresión artística callejera. Los artistas desarrollaron un modo de expresión mediante el uso de diversas técnicas con plantillas, posters, pegatinas, murales, etc. Integra sus elementos en lugares públicos en donde pretende sorprender a los espectadores a través de mensajes de critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social. Algunos de los exponentes más reconocidos son Banksy, John Fekner, Shepard Fairey y Blek le Rat. Andy Warhol “Lata de sopa Campbell’s”

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WHITE CANVAS

Kitsch

La palabra kitsch define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término “kitsch” en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto. Se caracteriza por una saturación cromática y semiótica, empobrecido con mala manufactura. Uno de los artistas “amantes del mal gusto” es Jeff Koons.

Jeff Koons, Colección Gazing Ball

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THE OLD-NEW DESIGN

Diseños del siglo XX LA NUEVA ERA PARA EL DISEÑO ARQUITECTÓNICO

By Ana Pimentel Amador

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THE OLDNEW DESIGN

SAGRADA FAMILIA, ANTONI GAUDI.

En esta edición de Le Mertier se está abordando la época más actual y la que tiene una influencia directa en nuestras vidas.

La arquitectura vanguardista, moderna, contemporánea y las otras formas que tienen de llamarla surgió a principios del siglo XIX, mayormente por la búsqueda de nuevos principios estéticos para traer mayor innovación en arquitectura.

Durante este período han existido diferentes estilos e influencias; uno de ellos llamado Art Nouveau, que se ha caracterizado por la libertad para imaginar, así como por representar formas más orgánicas de la naturaleza. Algunas de las corrientes se decidieron por el uso de líneas rectas y planos perpendiculares. Un ejemplo claro de este estilo es “La Sagrada Familia”, por el arquitecto español Antoni Gaudí, uno de los mayores representantes del conocido modernismo catalán.

SEDE DE LA ESCUELA BAUHAUS EN DESSAU, ALEMANIA.

Con la segunda guerra mundial surgieron distintas innovaciones; una de las principales fue la Bauhaus, una escuela de diseño fundada por el arquitecto Walter Gropius que constituyó el centro del movimiento moderno en diseño, arquitectura y arte reuniéndose para crear artículos que abarcarán cada aspecto de la vida cotidiana siendo así, el comienzo para reconocer al diseño industrial y gráfico como una profesión. Desde la silla en la que te sentaras, hasta la libreta que sostenías en tus manos tendría un diseño y arte.

Esta academia cambió la historia de la arquitectura para siempre, la Bauhaus tenía como principio que “la forma sigue a la función”, por lo que se empezó a diseñar de acuerdo con formas geométricas según la función para la que esta había sido concebida.

Ahora se aprovechaban los materiales industriales y económicos, por lo que se emplearon materiales como el acero para sus estructuras, así como heladas membranas de vidrio.

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THE OLDNEW DESIGN

Otro gran ejemplo de la arquitectura vanguardista que se encuentra en Brasilia, es la catedral de esta misma ciudad, hecha por Oscar Niemeyer. Este arquitecto empezó el proyecto en los años cincuenta y utilizó materiales como el hormigón armado y fibra de vidrio, cosa que lo hizo destacar entre la multitud. En su obra, la luz se convierte en la protagonista de esta y busca igualar en belleza y santidad de anteriores construcciones catedralicias sin la necesidad de recurrir a imágenes como santos o crucificados.

CATEDRAL DE BRASILIA, OSCAR NIEMEYER

SERPENTINE PAVILION 2016, BJARKE INGELS GROUP.

HOTEL ZIG-ZAG SKI EN SUIZA, BJARKE INGELS

Para cerrar, es bueno mencionar a un arquitecto actual que sigue este tipo de principios dándole su toque personal.

Este es Bjarke Ingels, cuyo estilo es el de la constante búsqueda del equilibrio entre arquiectura tradicional y arquitectura más vanguardista. Entre sus obras más destacadas se encuentran el Serpentine Pavilion para el programa de Arquitectura de las Serpentine Galleries en Reino Unido y una de las más recientes es el Hotel Zig-Zag Ski en Suiza. Su ingenio y creatividad lo han llevado a realizar investigaciones para explorar las posibilidades de vivir y construir en marte. Ingels cree que en “una arquitectura utópica y pragmática a la vez; una que se ocupe de la creación perfecta de lo social, económico y ambiental como un objetivo práctico”.

Sin duda alguna, la arquitectura va en ascenso y cada vez son más las innovaciones como Ingels que nos lo demuestran. Sólo queda esperar y ver la evolución de este arte que moldea nuestro entorno físico renovando las superficies y creando nuevas realidades para la sociedad.

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Para mí, el arte es un acto humanitario, y creo que existe la responsabilidad de que el arte pueda afectar a la humanidad, hacer del mundo un lugar mejor Jeff Koons

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FASHION MEETS ART

La moda en los primeros años de los 1900 UN RESUMEN DE LO MÁS TRENDY DE 1900 A 1930

By Ana Paula Kuthy Rodríguez

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FASHION MEETS ART

1900-1914 El siglo XX fue la época de total ruptura con la tradición e innovación artística, tanto en un aspecto físico como representativo. Los estilos que empezaron a desarrollarse a inicios del siglo se extendían en el más amplio rango, desde manifiestos a favor de un futuro hiper industrializado con la primera vanguardia histórica; el futurismo, hasta expresiones carentes de discurso racional con el dadaísmo y el surrealismo. (Ríos, 2020) La moda nunca ha sido, y en esta ocasión mucho menos, la excepción. Así como el arte es el reflejo de un paradigma de pensamiento, la moda lo es también, con la diferencia de que casi siempre cumple con una función práctica.

Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo siguiente, se empiezan a desarrollar simultáneamente en todo el mundo, muchas de las características que hoy en día forman la institución de la moda como la conocemos. En 1881, por ejemplo se establece en Francia Paquin, la primera casa de la moda dirigida por una mujer: Jeanne Paquin. Esta es la primera casa en tener pasarelas, y la firma tuvo tiendas en París, Nueva York, Londres, Madrid y Buenos Aires. Esto es algo que hoy en día suena de lo más cotidiano, incluso en aeropuertos encontramos firmas de moda de lujo, sin embargo, la casa Paquin en muchos sentidos fue precursora de la alta costura contemporánea.

Stengel, 2018)

Al inicio del siglo XX, entre 1900 y 1914, Europa estaba al mando de la moda con Francia como capital indiscutible. Ahí se fabricaban textiles, ornamentos y joyas de la más alta calidad con marcas como Fabergé y Chaument en joyería y Redfern con su impecable sastrería inglesa con estilo parisino. Esta última, en 1903 puso una casa en París y fue la primera casa en proponer el traje sastre para la mujer. La moda masculina vio poca evolución de su siglo anterior, se utilizaban pantalones rectos, chaquetas largas y corbatas.

(Stengel, 2019) Con Die Belle Epoque, que siguió presente toda la primera década del siglo y hasta la primera guerra mundial, la mujer seguía casi obligada a buscar tener la figura de un reloj de arena.

Estéticamente, había mucha influencia Art Nouveau, y en cuanto al ideal de belleza, se utilizaba poco maquillaje en el rostro, rubor rosado y ojos muy pintados. La figura buscada era tan delgada, que muchas mujeres incluso comían solitarias para mantenerse delgadas. En 1908 apareció la figura del pecho de paloma, que era un corset mucho menos agresivo para los órganos femeninos, y se usaban enormes sombreros decorados que llegaban a pesar hasta más de 20kg.

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FASHION MEETS ART

La primera década del siglo XX se caracterizó por ser pacífico, pero hoy se sabe que era solamente la calma previa a la tormenta pues en 1914 estalló inevitablemente la gran guerra, tan esperada. Desde 1909 con el manifiesto futurista, se celebraba y se anhelaba la guerra que “sacudiera las consciencias de los burgueses”. Sin duda, esta puso en perspectiva la noción de la mortalidad del hombre, pero otros aspectos del manifiesto futurista de Marinetti como la celebración de la velocidad, el avance tecnológico y el movimiento influyeron en el futuro de la evolución de la moda. (Ríos, 2020) El cine ayudó a difundir rápidamente el ideal de belleza, que en primera instancia surgió por un dibujo de “la mujer ideal” de Charles Dana Gibson, y que personificaron un número de actrices y modelos. Además de acelerar la difusión del ideal de belleza, el cine también fue herramienta y pieza clave para la evolución de la moda, que en este siglo comenzó a sufrir un aceleramiento radical en su producción y consumo. En 1911, en Nueva York ocurrió la tragedia del Triangle Factory, donde un cigarro mal apagado causó un incendió que mató a 150 mujeres. Se conoció por primera vez el término sweatshop y determinó un método despreciable de producir moda que todavía se utiliza hoy en día, gracias al cual se producen 52, muy innecesarias, temporadas de ropa al año.

Mucho antes de que siquiera se concibiera esta posibilidad, a inicios de los 1900, hubo una serie de personajes y situaciones que permitieron este rápido desarrollo en la moda. El primero en orden cronológico fue Jacques Doucet quien nació en el seno de una familia rica que siempre se había dedicado a la lencería, y quien volvió el negocio familiar una casa de alta costura. Él más que crear moda, le interesaba la ostentación, defendía que las mujeres se cambiaran de ropa hasta 5 veces al día para estar ad hoc a cualquier circunstancia. Se caracterizó por elaborar prendas de colores pastel y con encaje, telas muy vaporosas inspiradas en las telarañas.

Se conoce que fue amigo de Marcel Duchamp y André Bretón y aficionado por el arte, sin embargo, su más infalible talento era el de reconocer talento nuevo, y fue así como ayudó en la creación de la casa de modas de Paul Poiret.

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FASHION MEETS ART

Antes de explicar la importancia de Poiret es indispensable mencionar un nombre cuya intervención en la moda es poco reconocida pero su aporte ha sido magno. Margaine Lacroix fue una casa que buscó defender una silueta más natural y lo hizo a través de propuestas tanto de alta costura y lujo como de textiles suaves para la ropa interior y accesorios con más movimiento y flexibilidad que el corset.

Este vestido tiene una silueta suelta que se adelantaba al radical cambio que vería la moda hacia el periodo entre guerras. La armonía entre el encaje metálico, bordado y pedrería, mesh de seda es emblemático de la alta costura de la época.

Paul Poiret entró como dibujante a la casa Doucet y en 1904 abrió su propia casa. Fue pionero en incluir las vanguardias históricas y artes en la moda, y se le conoce como quien formalizó las temporadas. En moda propuso en 1908 una silueta llamada directorio, donde se utiliza un corte recto hasta pocos centímetros arriba del suelo y el corte de cintura es directamente abajo del pecho. Esta silueta aunada a propuestas de Margaine Lacroix, ayudaron poco a poco a dejar atrás el corset.

En 1909 con la llegada de ballets rusos y la moda oriental, se inspiró en sus colores vivos, pantalones bombachos y turbantes. En 1911 fue la primera casa de moda en lanzar un perfume, y fue también de los primeros en utilizar motivos art decó, también conocido como el estilo entre guerras. Importantísimo precursor de la comunicación de la moda como se le conoce hoy en día ya que organizaba fiestas y enormes espectáculos, que mal administradas lo llevaron a la ruina. Después de la gran guerra ante el reto de una mujer que buscaba practicidad en el vestido, lanzó las medias color piel, la falda pantalón, el vestido tubo y el vestido saco.

También se involucró con otras diseñadoras ofreciendo seminarios para que las mujeres pudieran diseñar los patrones originales de sus firmas. (Stengel, 2019)

Otro nombre que carga mucho peso en la historia de este siglo es Mariano Fortuny, quien fue precursor del escaparate de moda como hoy se le conoce. Inventó sistemas de iluminación y patentó vestidos con plisados “mágicos” a partir de nuevos desarrollos de tintas. A él se le atribuye el vestido Delphos que es un tubo largo y ajustado con movimiento. Inspirado en la Grecia antigua,este vestido de corte rectangular celebraba el drapeado natural, que abrazaba el cuerpo, y la silueta como columna, además de pensar en la economía de construcción del vestido. Gracias al plisado del vestido, permite ser una prenda ajustada al cuerpo pero que permite todo el movimiento de caminar, sentarse etc. Con esta propuesta de Fortuny, es de los primeros registros en que una prenda se acomode al cuerpo de quien la viste, y no que al LE MERTIER contrario imponga su forma.

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FASHION MEETS ART

Vestido Delphos

Para la década de 1910, el ideal de belleza ya había cambiado a lo que hoy recordamos como femme fatale: pálidas, labios rojos y ojos dramáticos, el cabello corto en un eton bob.

Gloria Swanson y Lillian Gish eran referentes importantes de estilo y belleza. Todavía existían modas imprácticas como la hobble skirt que era larga y se adelgazaba en los tobillos.

Junto con la última vanguardia histórica, el surrealismo, destacó la diseñadora Elsa Schiaparelli. Impulsada por Poiret, decidió dedicarse a la moda y formó parte importante de la vanguardia surrealista. Trabajó con Dalí en el vestido de langosta, él hizo un teléfono y ella vistió a Wallis Simpson. Elsa se concentraba en los detalles y por su influencia de la característica surrealista de desplazar objetos cotidianos de sus espacios tradicionales tanto sus vestidos como sus sombreros hacían alusión a cosas completamente ajenas a la moda.

LOS 20 En el periodo entre guerras, en Estados Unidos surgió un movimiento musical que fue tan importante, que hoy en día a la década de los años 20 se le conoce como la época del jazz.

Junto con él, una tendencia del diseño influyó de manera dominante en todos los aspectos de la vida cotidiana, desde la arquitectura, hasta la moda y objetos prácticos que se decoraban ostentosamente: el art decó. Con esta corriente se volvieron a fusionar las artesanías, el arte y el diseño. El art decó celebraba el lujo, la decadencia y la modernidad por medio de líneas geométricas y colores metálicos. Se utilizan motivos antiguos En la moda, se vivió una modificación radical en el vestido de la mujer, se recortó su largo hasta la rodilla.

Posterior a la gran guerra la liberación de la mujer se avanza de ser un mero adorno hacia una figura trabajadora, por lo tanto, el vestido LE MERTIER tenía que ser funcional.

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FASHION MEETS ART

Los primeros motivos art decó aparecieron en la década anterior con Paul Poiret y posteriormente Chanel se vuelve un referente de la época y el empoderamiento femenino, la masculinización y el confort de la ropa y la elegancia como simplicidad. La fotografía siguiente (17) retrata un vestido de Poiret que es un claro ejemplo del vestido que se usaba en los primeros años de la década. Un escote conservador recto, muchas lentejuelas y cuentas en la parte superior y un plisado en la falda que llegaba hasta la rodilla, sin curvas. El vestido dorado es de un diseñador desconocido, pero ayuda también a visualizar lo que se usaba para salir a bailar en las noches de los años 20: un vestido estilo camisero con cuello amplio para ponerse y quitarse sencillamente.

Igualmente respeta las características estéticas del art decó, utilizando pedrería que reflejaba y brillaba en los clubs al bailar y tiene líneas y cortes geométricas y modernas.

Los años 20 fueron una época de lujo y exceso: en esta década tuvieron un boom las marcas cosméticas, el ideal de belleza era una mujer pequeña, delgada casi sin curvas, como Clara Bow, y en lugar del corset se usaba un bandeau para disimular los pechos. Se usaba el cabello muy corto decorado con sombreros y aparece la mujer fumadora, otro paso en la liberación femenina. Coco Chanel, ícono de esta época diseña el Little black dress inspirado en las empleadas domésticas. Al igual que Madeleine Vionnet, su falta de facilidad para dibujar hace que ella aprenda a modelar sobre maniquí y vuelve la moda minimalista: silueta recta, pliegues casi invisibles, y utilizaba textiles prácticos, no elegantes. A pesar de que vendía joyería de fantasía para que todas las mujeres pudieran verse lujosas, de ella surge la idea de moda como concepto, la elegancia deja de estar en el material, en lo tangible, y empieza la búsqueda de una moda atemporal.

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FASHION MEETS ART

Nueva York se vuelve capital para la moda, el vestido masculino en este tiempo era lo que hoy se conoce como el traje de golfista: pantalón corto o short debajo de la rodilla con suéter corbata, se utilizaban los grandes abrigos de piel y los Oxford bags. El auge del diseño gráfico e industrial juega un papel importantísimo en la moda en las portadas de revista de Vogue, Vanity Fair, y Harper´s Bazar.

También fue en este tiempo que aparece un personaje clave para la comunicación de la moda: el fotógrafo de moda.

Lucien Lelong fue un diseñador francés quien en 1910 entró al negocio de sus padres, quienes trabajaban para las cortes extranjeras. Para mediados de la segunda década del siglo, ya tenían más de 1000 personas trabajando en la firma. Su esposa, hija de un duque ruso presentaba sus diseños en la alta sociedad y entre otros, para esta casa trabajaron Balmain, Dior, y Givenchy. Después de la gran depresión, sacó una línea de vestidos a los que les hacía arreglos a las tallas para lograr una fusión entre el pret-a-porter y la sastrería. Para él trabajó como fotógrafo Man Ray, quien estuvo involucrado en las corrientes vanguardistas del dadaísmo, cubismo y el surrealismo. El legado más importante de Lelong fue haber sido elegido por voto unánime para ser presidente de la Chambre Syndicale de la Couture, el cuerpo que gobernaba la alta costura de Francia, mismo puesto con el que cumplió de 1937 hasta 1945 durante tiempos extremadamente difíciles cuando Alemania ocupó París durante la segunda guerra mundial.

Tres años después, cerró su casa.

Los primeros años del siglo XX se caracterizaron sin lugar a duda por una rapidez en el cambio de tendencias, ganas de progresar, ruptura con todo lo que se conocía. Incluso con la gran depresión manchando 10 de estos 30 años, los primeros 20 fueron suficiente para dar cuerda a lo que hoy se ha convertido la institución de la moda, desde cortes en la tela, innovación en el pintado de textiles hasta motivos decorativos, pasando por personajes cuyas contribuciones con conocidas y reconocidas hoy en día. Para seguir leyendo sobre los siguientes años del siglo XX espere la LE MERTIER siguiente publicación de Le Mertier.

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Una moda que no llega a las calles, no es moda.

Coco Chanel LE MERTIER |

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LES GRANDES

Los artistas como nunca antes vistos UN POCO DE LA NUEVA GENERACIÓN DE ARTISTAS

By Carlos Prado Solorzano

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LES GRANDS

Pablo Picasso (1881-1973)

Joan Miró (1893-1983)

Pintor de origen español que es considerado uno de los más importantes del siglo XX, fue inventor de la corriente del cubismo y rompió los esquemas de la pintura tradicional, pasando por etapas como el surrealismo y el expresionismo. Utilizó el simbolismo durante sus etapas “rosa y azul”. Mostró una perspectiva muy personal del arte y ha influido en la mayor parte de pintores contemporáneos.

Fue pintor, grabador, escultor y uno de los precursores del surrealismo. Experimentó con las corrientes del cubismo, el expresionismo y el fauvismo. Su estilo es más infantil, simple y abstracto, con un predominante uso de los colores básicos y formas primarias. Utilizaba mucho simbolismo que le da al mundo una visión más feliz. Su principal rasgo fue el interés en el subconsciente infantil por las formas abstractas y estilizadas, para ser sustituidas por imágenes más fantasiosas y poco convencionales.

“Hay artistas que reinventan el arte, como el primer ser humano que pintó los muros de una caverna. Picasso es uno de esos artistas”, define Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía de Madrid, donde cuelga el ‘Guernica’, el cuadro fundamental y más icónico de la trayectoria del malagueño.

Leonor Fini (1907-1996) Artista argentina que también formó parte de la corriente surrealista. En sus primeros años admiró a los artistas del Quattrocento y a los de la escuela Manierista. Estudió artes y en 1993 se une a una exposición en Europa acerca del surrealismo. Sus obras muestran muchos elementos de la pintura clásica basándose en siluetas delicadas y de rasgos femeninos.

Salvador Dalí (1904-1989) Salvador Dalí fue quizás el surrealista más popular y uno de los máximos exponentes mundiales del arte contemporáneo. Nacido en Figueras, España, viaja a Madrid en su adolescencia donde experimenta con las corrientes del cubismo y el dadaísmo. Entabló amistades con artistas como García Lorca y Buñuel, siendo él mismo un artista en muchas áreas además de la pintura, como la escultura, el cine o el diseño. Sus obras se consideran como un detallado mundo de sueños en donde mostraba el poder del inconsciente. Inventó el llamado método paranoico crítico. Su pelo largo, patillas y bigote no pasaron desapercibidos en el Madrid de la belle epoque. Su vida y su obre llegaron a fusionarse y acabó siendo un showman obsesionado por promocionarse así mismo siendo pionero de los happenings y del pop-art creando así a un personaje provocador e imprevisible.

Andy Warhol (1928–1987) Artista plástico dedicado al género del expresionismo, pero buscó imponer un estilo propio basándose en la propaganda de productos de consumo como sopas, bebidas y otros artistas icónicos como Marilyn Monroe o Elvis Presley. Ansiaba ser famoso por lo que estudió el concepto de fama hasta el punto en que logró crear una marca que lleva su nombre y LE MERTIER que se hizo un producto en la sociedad de consumo.

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LES GRANDES

Después cambió su estilo cuando el expresionismo abstracto dejó de existir y lo cambió por el pop moderno donde se convirtió en una estrella dentro de este género. Su carrera artística estuvo cultivada por la pintura, el dibujo, la serigrafía, el cine, la televisión, la moda, la música, la fotografía, el arte digital, el teatro y el performance. Sin embargo, su vida personal se vio plagada de vicios pero independientemente de esto Warhol fue considerado un hombre visionario en una época donde la saturación de elementos fue su más grande fuerte creando un nuevo panorama dentro de la cultura pop en donde la moda y las subculturas se convirtieron en una forma de sustituir a la realidad misma.

Edward Hopper (1982-1967) Pintor y uno de los más grandes representantes de la corriente del realismo. A pesar de que durante su vida su obra no recibió tanta atención y crítica por parte del público su persona, se ha convertido en un icono del estilo de vida y la sociedad moderna. Dedicó su vida a realizar estudios en arte y a realizar viajes a Europa donde se interesó por la obra de Edgar Degas. Su producción artística es escasa porque fue un pintor muy metódico lento y pausado, pero se relaciona con grupos artísticos como la escena americana de cuya convivencia. Hopper desarrolló su propio estilo pictórico caracterizado por tener auras nostálgicas y de formas simples y austeras simplificando una representación de la realidad y captando casi a la perfección el sentimiento de Soledad del hombre contemporáneo. Fue muy relevante porque su obra surgió durante la época de la gran depresión cosa que para él representa una etapa de Gran crisis en la vida moderna. Comenzó a adquirir fama después de su muerte para ser considerado uno de los más grandes maestros de arte del siglo I de la pintura realista americana.

Takashi Murakami (1962) Artista japonés polifacético dedicado al trabajo en grabado pintura y escultura, comúnmente comparado con Andy Warhol en una versión Oriental pero más simplista. Su estilo también se basa en el uso de la cultura pop como herramienta al igual que personajes icónicos de esta subcultura para realizar sus obras. Su experiencia en trabajar el animación y dibujo de manga le ayudó a formar un estilo de pintura tradicional japonesa, sin embargo, al viajar a Nueva York se interesó más por el arte contemporáneo y se influenció mucho de las creaciones americanas entonces realizó una combinación de la esencia japonesa con ciertos elementos occidentales. Se le considera precursor del movimiento llamado superflat en donde se exterioriza la cultura popular japonesa a través de la subcultura otaku, consiguiendo crear sus propios personajes como una especie de representación y autorretrato. Su estilo se caracteriza por ser muy coloridas y con patrones de flores que llenan la superficie elementos budistas o dibujos hipersexualizados y fetichizados.

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El mundo me fascina.

Andy Warhol

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FUERA DEL MARCO

Dentro del MoMA DATOS CURIOSOS DEL MUSEO MÁS IMPORTANTE DE ARTE MODERNO

By Marcela Mecalco Espejo

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FUERA DEL MARCO

Conoce el Museum of Modern Art Inaugurado el 7 de noviembre de 1929, el Museo de Arte Moderno fue creado con la intención de ayudar entender las nuevas manifestaciones de arte. Abrió sus puertas gracias a las donaciones de las filántropas Abby Rockefeller, Lillie P. Bliss y Mary Quinn Sullivan. Actualmente se encuentra en St 11 W 53rd St, Nueva York y es considerado el primer y más importante museo de arte contemporaneo del mundo.

Cada piso muestra instalaciones y exposiciones de todo tipo de arte desde impresionista hasta posmoderno, tales como arquitectura, diseño, película, escultura, dibujo, letras y libros ilustrados.

El enfoque vanguardista del museo es único y ad hoc con el arte que presenta. Con un exterior estilizado y minimalista, pero con un interior lleno de vida, el MoMA es un museo que es un "must" a un aficionado del arte moderno.

Su diseñador El arquitecto detrás del diseño actual del museo es Yoshio Taniguchi. Ganó una competencia en 1997 para rediseñar el Museo de Arte Moderno de Nueva York, venciendo a otros diez arquitectos internacionalmente renombrados, incluyendo Rem Koolhaas, Bernard Tschumi, y Jacques Herzog y Pierre de Meuron. Lo que hizo en el MoMA fue su primer trabajo fuera de Japón.

Obras Icónicas

El museo alberga más de 150,000 pinturas, esculturas, dibujos, letras, fotos, modelos arquitectónicos y objetos de diseño. Entre las más famosas están Las Señoritas de Avignon de Picasso y La persistencia de la memoria de Dalí, entre otros. También cuenta con obras de artistas como, Warhol, Pollock, Kandinsky, Mondrian y Edward Hopper. Cuenta también con arte impresionista de Van Gogh y de Monet, la cual es considerada como la primer vanguardia por autores como Peter Bürger.

¿Qué hay dentro?

Cuenta con una Sala de Cine donde se presentan filmes de todos los géneros y documentales también. En 1939 se incluyó el Jardín de Esculturas Abby Aldrich Rockefeller, el cual es famoso por mostrar esculturas de Alexander Calder, Anthony Caro y Pablo Picasso. Igualmente, el museo aloja el restaurante The Modern, premiado con una estrella Michelin y dirigido por el chef Abram Bissell.

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Un museo es como una taza de té.

Yoshio Taniguchi

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KEEEP LEARNING

Diferentes experiencias, diferentes vidas RECOMENDACIONES PARA ADENTRARTE EN LA HISTORIA

By Catherine Salguero Flores

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KEEP LEARNING

La diversión y el ocio no son solo desebales, sino que son necesarios para que nuestra existencia tenga más sentido o para que se pueda sobrellevar ofreciéndonos una especie de escapatoria de nuestras vidas mientras nos da la oporunidad de descubrir o comprender nuevas realidades. No pensar en el ayer ni en el mañana, sino en el presente; y disfrutar con intensidad cualquier libro que estes leyendo o cualquier película que estes viendo. Ese es el objetivo de Keep Learning; de brindar una lista que ayude a nuestros lectores a escapar por un momento de la cotidianidad mientras se sumergen en mundos de los que pueden aprender y apreciar no solamente las manifiestaciones artisticas de las que se habla en cada edición, sino tambien el mundo o el contexto en que estas se desarrollaron. El arte por excelencia del siglo XX es el cine. La creación de este nuevo arte fue una especie de revolución social y creativa trayendo nuevas ideas para ser desarrolladas y difundidas. En esta última edición de Le Mertier, les traemos una especial selección de películas y documentales esperando que sirvan como inspiración para continuar proponiendo nuevos mundos, para sentirnos con la suficiente valentía de perseguirlos y crearlos por cuenta propia.

Frida (2002)

Dirigida por Julie Taymor y protagonizada por Salma Hayek, este drama narrra la vida de una de las pintoras mexicana más importandes del siglo XX: Frida Kahlo. La película se enfoca en retratar la tan característica fortaleza de la artista frente a su accidente y su complicada relación con Diego Rivera, uno de los muralistas más destacados de principios del siglo pasado. La historia está basada en el libro escrito por Hayden Herrera sobre la vida de Frida, lo que hace notorio que se muetsren los detalles biográficos de su desarrollo artístico.

Basquiat (1996)

Ambientada en la época post-punk en Nueva York, esta cinta está dirigida por Julian Shnabel y se enfoca en la vida del artista estadounidenser JeanMichelle Basquiat, interpretado por Jeffrey Wright, quien pasó de vivir en la calle y pintar grafiti bajo el seudónimo de SAMO a convertirse en uno de los pintores neo-expresionistas más importantes de la década de los 80 y ser mano derecha de Andy Warhol. El director acerca al espectador a un mundo underground donde pintores y músicos se reunen en espacios culturales del barrio de Soho resultando en el srugimiento de una contra-cultura.

Dentro del reparto se destacan los nombres de David Bowie, Dennies Hopper, Benicio del Toro, Gary Oldman, Christopher Walken y William Dafoe.

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KEEP LEARNING

Exit Through the Gift Shop (2010)

Documental dirigido por el artista inglés Banksy que cuenta la historia de Thierry Guetta, un francés que vive en Los Ángeles y cuya única obsesión y tarea es grabar todo con su cámara de video. Poco a poco comienza a introducirse en el mundo del arte urbano y para su fortuna, resulta ser primo de uno de los artistas callejeros más reconocidos a nivel mundial: Invader y después de conocer a otros renombrados artistas del grafiti como Shepard Fairey, Guetta se obsesiona con las expresiones de arte callejero y expone que desea crear un documental sobre street art con la única misión de ocnoncer a Banksy.

El misterio Picasso (1956)

Esta película documental francesa dirigida por Henri Georges Clouzot quien convenció a Pablo Picaaso para rodar un documental donde nos revela la técnica y el proceos creativo que subyacen en sus obras. Grabada en el propio estudio del pintor malagueño, la cinta parte del primer momento en el que el artista se enfrenta al lienzo en blanco para hacer al espectador testigo de el procreso tan personal e íntimo que existe entre pintor y obra.

“Para saber lo que ocurre en la mente de un pintor, sólo tenemos que seguir sus manos”, dice Clouzot al inicio y eso es precisamente lo que muestra. De este modo, nos permite conocer la forma de trabajar de picaaso y las motivaciones estéticas y espirituales que guiaban cada una de sus pinceladas. A lo largo del documental se fabrican 18 cuadros que terminan por ser destruidos por el artista, por lo que este material audiovisual es la única oportunidad de contemplar las obras que se crearon al momento de la filmación.

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BONUS EXHIBITION

¿Se puede volver a mostrar?

EL RETO DE LA CONSERVACIÓN DEL ARTE POSTMODERNO

By Marcela Mecalco Espejo

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BONUS EXHIBITION

Anteriormente, el arte era más "tradicional, en el sentido de que los materiales que se usaban era los mismos. Pero conforme se comenzó a experimentar con materiales como el periódico, basura, plástico, entre otros, surgieron nuevos problemas para los restauradores al buscar cuidar las piezas. Y, aunque algunas obras tienen la intención de ser efímeras, la misma presentación pide del servicio del restaurador para su mantenimiento.

Para restaurar/conservar una obra de arte se necesita analizar y comprender aspectos de la misma los cuales resultan complicados encontrar en el arte contemporaneo.

Para saber más sobre el tema, se entrevistó a Mariana Mecalco Espejo, restauradora de arte egresada del ENCRYM (Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía). Ella comentó que el método que se sigue para conservar una obra de arte contemporáneo es terreno nuevo. El problema yace en que algunas de estas obras van más allá de lo material. Por esto, al restaurar o conservar las obras, siempre se busca cuidar el discurso que el artista pretende transmitir. Esto, comentó, es lo más importante. También comentó que existen casos en los que al montar una exhibición de arte contemporáneo con materiales efímeros, se deben reemplazar algunos elementos para que se pueda mostrar el tiempo que se necesite.

Igualmente, habla que, tradicionalmente, se mostraría un cuadro en una pared blanca, pero las nuevas corrientes buscan crear una experiencia, lo cual exige una metodología diferente. los artistas ya tienen una idea clara de la museogafía y como es que quieren que se exhiban sus piezas, ya que su arte va más allá de 4 paredes. Los retos que presenta esta manifestación de arte es el almacenamiento, ya que algunos se hacen con el fin de que "mueran", los avances tecnológicos los cuales hacen que algunas obras se vuelvan obsoletas, y respetar el discurso original del artista con un cambio para conservarlo.

Finalmente, explicó que realmente no se tiene un método establecido para tratar con estas obras, pero que poco a poco se han ido adaptando para conservar el concepto de arte.

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KEEEP LEARNING

LE MERTIER PRESENTA:

EL STAFF NOTA DEL EDITOR Y FUERA DEL MARCO

MARCE MECALCO

Estudia Comunicación y es amante del arte en todas sus expresiones, la fotografía y la historia. Es encargada de escribir y diseñar la revista "Le Mertier" cada semana.

Expresionismo Abstracto

KEEP LEARNING

CATHERINE SALGUERO Estudia el segundo semestre de la Licenciatura de Comunicación en la Universidad Anáhuac Querétaro.

Es locutora del programa Así Somos que se transmite por Radio Anáhuac Qro., entre sus hobbies favoritos se destaca la fotografía. Forma parte del equipo de la revista semanal Le Mertier, se encarga de escribir Keep Learning.

Surrealismo LE MERTIER |

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FASHION MEETS ART

ANA PAU KUTHY Estudiante de comunicación y Moda innovación y tendencia. Además de ser apasionada por el arte y el diseño, y destacada en el deporte universitario, orgullosamente forma parte del equipo detrás de la revista semanal Le Mertier.

Futurismo

LES GRAND

CARLOS PRADO Estudiante de Comunicación en la universidad Anáhuac Qro desde dos semestres de 21 años de edad y orgullosamente queretano. Trabajar en Le Mertier en lo personal me hizo crecer como persona y apreciar más el arte, una enseñanza en todos nosotros al igual que a la persona que lo lea aprenderá.

Pop art LE MERTIER |

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KEEEP LEARNING

WHITE CANVAS

NAT LÓPEZ Natalia López es estudiante de comunicación en la Universiadad Anáhuac Querétaro. Su pasión por comunicar se ve reflejado dentro de su trabajo en el periódico AM y, más aún, en sus publicaciones semanales de la revista Le Mertier.

Cubismo

THE NEW-OLD DESIGN

ANA PIMENTEL Dadaismo

Ana Pimentel es estudiante de comunicación y en un futuro se especializará en cine. Tiene un gran gusto por la música, así como en el cine, y busca convertirse en una gran directora en el futuro. La columna de arquitectura en Le Mertier le deja grandes enseñanzas y busca seguir innovando en el proyecto.

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BIBLIOGRAFÍA FUTURISMO. (2005, ENERO 1).

RECUPERADO DE HTTPS://WWW.ARTEESPANA.COM/FUTURISMO.HTM G. (2010, MARZO 26). LA PINTURA DEL SIGLO XX. RECUPERADO DE HTTPS://ES.SLIDESHARE.NET/GUESTB4B9EF/LA-PINTURA-DEL-SIGLO-XX CALVO SANTOS M. (2016). LA BAUHAUS. ABRIL 30, 2020, DE HISTORIA ARTE HA! RECUPERADO DE HTTPS://HISTORIA-ARTE.COM/ARTICULOS/LA-BAUHAUS ALCALÁ N. (SIN FECHA). BAUHAUS, LA PRIMERA ESCUELA DE DISEÑO DEL SIGLO XX. ABRIL 30, 2020, DE CULTIER. RECUPERADO DE HTTP://WWW.CULTIER.ES/BAUHAUS-LA-PRIMERA-ESCUELA-DE-DISENO-DEL-SIGLO-XX/ BALDWIN E. (2019). TED TALK: BJARKE INGELS EXPLORA LAS POSIBILIDADES DE VIVIR Y CONSTRUIR EN MARTE. MAYO 16, 2020, DE ARCHDAILY. RECUPERADO DE HTTPS://WWW.ARCHDAILY.MX/MX/927222/TED-TALK-BJARKE-INGELS-EXPLORA-LASPOSIBILIDADES-DE-VIVIR-Y-CONSTRUIR-EN-MARTE PRIETO FERNÁNDEZ L. (2013). CATEDRAL DE BRASILIA, OSCAR NIEMEYER. MAYO 16, 2020, DE ARTE LA GUÍA 2000. RECUPERADO DE HTTPS://ARTE.LAGUIA2000.COM/ARQUITECTURA/CATEDRAL-DE-BRASILIA-OSCARNIEMEYER ECURED. (SIN FECHA). ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA. MAYO 16, 2020. RECUPERADO DE HTTPS://WWW.ECURED.CU/ARQUITECTURA_CONTEMPOR%C3%A1NEA METROPOLITAN MUSEUM OF ART. (2020) IN PURSUIT OF FASHION. ESTADOS UNIDOS. COLECCIÓN TEMPORAL. RÍOS, F. (2020) NARRATIVAS AUDIOVISUALES. UNIVERSIDAD ANÁHUAC QUERÉTARO, COMUNICACIÓN PERSONAL. STENGEL, N. (2017) HISTORIA DEL DISEÑO Y OTROS DISEÑOS. UNIVERSIDAD ANÁHUAC QUERÉTARO. COMUNICACIÓN PERSONAL. STENGEL N. (2019) HISTORIA DE LA MODA. UNIVERSIDAD ANÁHUAC QUERÉTARO. COMUNICACIÓN PERSONAL. STENGEL N. (2020) MODA DEL SIGLO XIX. COMUNICACIÓN PERSONAL. ZAMORA, A. (2020) MODA DE LOS AÑOS 20. UNIVERSIDAD ANÁHUAC QUERÉTARO. COMUNICACIÓN PERSONAL. PRECKLER, A. M. (2003). HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL DE LOS SIGLOS XIX Y XX (VOL. 2). EDITORIAL COMPLUTENSE. IMÁGENES: 1 VESTIDOS DE LOS 1900 2 TRAJE SASTRE REDFERN. 3 VESTIMENTA MASCULINA DE 1900 4 ESCOTE PECHO DE PALOMA 5 UNIQUE FORMS OF CONTINUITY IN SPACE 6 VESTIDO DE JACQUES DOUCET 7 VESTIDO DE MARGAINE LACROIX EN MET 8 VESTIDO DE PAUL POIRET 9 VESTIDO DE PAUL POIRET 10 KIMONO DE DISEÑADOR DESCONOCIDO MET 11 VESTIDO DELPHOS DE MARIANO FORTUNY MET 12 KIMONO DE MARIANO FORTUNY, MET 13 GLORIA SWANSON IDEAL DE BELLEZA 1910 14 VESTIDO DRAPEADO ROSA MADAME VIONNET 15 ELSA SCHIAPARELLI: VESTIDO DE CAJONES 16 VESTIDO Y TELÉFONO DE LANGOSTA CON DALÍ.

17 SOMBRERO DE HOJAS CASA SCHIAPARELLI 18 VESTIDO ART DECÓ DE POIRET MET 19 DISEÑADOR DESCONOCIDO, ESTADOUNIDENSE, MET 20 DISEÑADOR DESCONOCIDO, FRANCÉS, MET 21 VESTIDO CHANEL 22 PINTURA DE TAMARA LEMPICKA 23 JEAN DUPAS 24 RAN RAY FOR LUCIEN LELONG

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