TEMPO Revista de música clásica

La música a través de la mirada de

Barenboim Daniel

TITANES DE LA MÚSICA

Los grandes de la música clásica se unen para presentarnos un concierto inolvidable

DEL PERÚ PARA EL MUNDO

Miguel Harth-Bedoya brindará concierto con la orquesta filarmónica de Filadelfia

RAY CHEN

“Practicar con otros te empuja a mejorar”

SUMARIO

4. 7 8 11 18 23 31 33

Staff

DIRECTOR

David MARTÍN

AFUERA FEST: Concierto gratuitos al aire libre

Milena Warthon

El cerebro y la música

Ray Chen: Un violinsta virtual

¿QUIEN ES DANIEL BARENBOIM?

NIGUN CLARINET DAY

Miguel Harth-Bedoya: “Me reconforta abrir la puerta a nuevas generaciones”

BRASS BAND WORKSHOP

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EDITORIAL

Como editora musical independiente contamos con la para administrar su obra de la mejor forma, siempre velando por el respeto a los derechos de autor; desde el registro de cada obra musical hasta su comercialización. Comprometiéndonos a explotarla positivamente en sus diferentes formas de distribución; asimismo, hacemos parte de las diferentes Sociedades de Gestión, con el fin de potencializar los ingresos de nuestros autores y compositores.

Actualmente contamos con un catálogo editorial de artistas cómo Piso 21, Afrodisiaco, Doctor Krápula, Dragon & Caballero, Jimmy Saa, El Cuatro, Dellag, entre otros. En esta primera edición del año, articulamos la actualidad de la música clásica con notas de color para que sigas disfrutando de las vacaciones. Uno de las más interesantes violinistas de la actualidad, el taiwanés-australiano Ray Chen. Nos cuenta un poco sobre su trayectoria como músico y como es considerado un niño prodigio. Llegó a estudiar en el prestigioso Instituto Curtis de Philadelphia, uno de los más exigentes centros de estudio musical del mundo. Con el hablamos sobre su carrera y la nueva edición del Festival y sus futuras presentaciones.

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Festival de música Afuera Fest vuelve a la terraza del Gran Teatro Nacional este otoño

El Gran Teatro Nacional presentará del 07 de septiembre al 26 de octubre, a las 7:00 de la noche, la segunda edición del Afuera Fest, ciclo de conciertos gratuitos al aire libre con la participación estelar de Barrio Calavera (rock fusión), Plutonio de Alto Grado (rock alternativo), DJ Shushupe (electrónica fusión), Liberato Kani (rap, hip hop en quechua), Colectivo Circo Band (fusión pop), Cumbia All Stars (cumbia peruana), Difonía (rock pesado), Cosa Nuestra & Tito Manrique (salsa y ritmos afroperuanos).

Los espectáculos musicales programados en la terraza del GTN permitirán fortalecer la conexión de miles de jóvenes con sus espacios públicos y aproximar las canciones contemporáneas a obras clásicas universales, entendiendo que cada agrupación invitada interpretará a su estilo -y a manera de reto- una pieza clásica compuesta por Beethoven, Mozart, Bach, Schubert, Vivaldi, Stravinsky, Debussy, entre otros.

La fiesta empezará el viernes 7 de septiembre con Barrio Calavera, banda creada hace 12 años e integrada por Joe Hoyos “Winsho” (voz), Mijail Palacios (batería), Aníbal Dávalos (bajo), Joao Kahn (teclados) y Pablo Begazo (guitarra). Su repertorio actual transita entre el ska y la cumbia, géneros mezclados con sonoridades del reggae, rock, bolero, punk y música tradicional.

Ha compartido escenario con Auténticos Decadentes y Babasónicos de Argentina, Inti Illimani, Chico Trujillo y Sinergia de Chile, Swing Original Monks de Ecuador, Los Rabanes de Panamá, Inspector de México, The Skatalites de Jamaica, Biohazard de Estados Unidos y Jarabe de Palo de España. Tiene dos discos en el mercado titulados “Suena Calle” y “Kumbiamerikan Rockers”, además acaba de lanzar el primer single promocional de su tercer material. Los conciertos del Afuera Fest 2023 continuarán el 13 de septiembre con Plutonio de Alto Grado ejecutando los principales temas de su compacto “Sueños alternativos”. El jueves 20 será el turno de la DJ Shushupe, artista que clausuró con éxito los Juegos Panamericanos Lima 2019; y el 27 subirá al escenario el talentoso Ricardo Flores, mejor conocido como Liberato Kani.

BARRIO CALAVERA

Desde los juegos panamericanos llega SHUSHUPE con sus sonidos tropicales

Dj Shushupe (Úrsula Talavera) viene a compartir con su público un repertorio de su trabajo musical. DJ Shushupe combina el folclor con la electrónica, por lo que fue la encargada de animar al público con sus originales mezclas. Su setlist estuvo cargado de folk con beats electrónicos. Las imágenes que acompañaron a la melodía de la DJ fueron de Elliot Tupac.

Colectivo Circo Band animará la noche del 5 de octubre con su interesante propuesta musical circense, una semana después sonará con fuerza la chicha peruana de Cumbia All Stars, aplaudida en el Festival de Glastonbury (Inglaterra); y el jueves 19 los asistentes disfrutarán los temas de Difonía, liderado por Charlie Parra del Riego. El cierre está programado para el día 26 al son de Cosa Nuestra & Tito Manrique, grupo triunfador en Viña del Mar 2015.

Los enlaces de inscripción serán publicados en la página web y las redes sociales del Gran Teatro Nacional una semana antes de cada concierto. Todas las fechas del Afuera Fest 2020 serán grabadas en vivo y transmitidas durante la segunda mitad del año.

LIBERATO KANI

El cerebro y la música

Francisco Delahay y Sergio de Régules

Sabemos que todas las sociedades humanas tienen música y que las habilidades musicales se manifiestan desde las primeras etapas del desarrollo de los niños. Pero desde el punto de vista evolutivo, el origen de la música es un misterio.

Un misterio

Los instrumentos musicales más antiguos que se conocen se encontraron en las cuevas de Isturitz, en Francia, y de Geissenklösterle, en Alemania. Se trata de unas flautas hechas de hueso de ave que datan de hace unos 32 000 años. ¿Para qué usaban la música los habitantes de esas cuevas? No hay manera de saberlo porque la música no deja rastros duraderos una vez que se acaba. Pese a todo, podríamos imaginarnos algo así: un grupo de humanos primitivos lleva a cabo sus actividades cotidianas. En las proximidades de la cueva las mujeres recogen frutos, algunas con criaturas en brazos. Los niños juegan cerca de ellas. Los hombres vigilan, arma en mano, antes de irse a cazar. Un bebé llora. Su madre le canta para tranquilizarlo. Se oyen otros sonidos: el viento pasando entre las hojas de los árboles, pájaros, el rugir de algún felino. Detrás de un árbol un hombre toca la flauta para una mujer. Cae la noche. A la luz de la fogata suena el golpeteo rítmico de un instrumento de percusión hecho de corteza de árbol.

Un anciano repite monótonamente un cántico que embelesa al grupo. Todos bailan mientras tocan las flautas de hueso. El placer de la actividad coordinada genera un ambiente de camaradería que deja a los participantes extasiados.

Hay quien expresa su identidad por medio de su atuendo y usa la ropa como si fuera una tarjeta de presentación. Otras personas se definen por lo que leen: se puede obtener mucha información acerca de ellas examinando el contenido de sus libreros. Pero no todo el mundo les da importancia a la moda o a la lectura, ni confía su imagen personal a su vestuario o a su biblioteca. Una expresión de identidad más común es la música que escuchamos. Si te pareces a nosotros —y estamos casi seguros de que en esto sí—, entre tus pertenencias más personales se encuentra tu colección de música.

La música nos gusta por diversas razones, pero sobre todo porque inspira emociones, desde la oleada de placer abstracto que nos pone la carne de gallina sin saber por qué, hasta la nostalgia del recuerdo que nos evoca. Tanto significado emocional le damos a la música que es fácil ponerse sentimental y no apreciar el enigma que entraña. Charles Darwin lo expresó por primera vez en 1871, en

su tratado sobre el origen de los humanos: "Puesto que ni la capacidad de disfrutar ni la de producir notas musicales tienen la menor utilidad para el hombre en sus hábitos cotidianos, hay que clasificarlas entre las facultades más misteriosas de las que está dotado". No es que Darwin desdeñara la música ni las distintas funciones que cumple (ambientación para rituales, bálsamo del alma, herramienta para el cortejo). El padre de la evolución se refi ere más bien a que no es de ninguna manera evidente que las facultades musicales nos confieran a los humanos ventajas en el juego de la supervivencia: no nos sirven para defendernos de las fieras, ni para cazar a nuestras presas; no calientan nuestro hogar, no nos ayudan a obtener agua ni cuidan nuestros cultivos. Desde el punto de vista evolutivo el origen de la música es un misterio.

La música y el lenguaje

El estudio de la percepción del lenguaje ha influenciado y precedido en muchos aspectos al estudio de la percepción musical, seguramente por ser ambos, música y lenguaje, información transmitida por medio de sonidos.

Pero hoy sabemos que el cerebro no procesa igual la música y el lenguaje. Isabelle Peretz, guitarrista y psicóloga de la Universidad de Montreal, y su equipo han realizado estudios del trastorno conocido como amusia, la imposibilidad de reconocer sonidos musicales. Los participantes son incapaces de aprenderse melodías sencillas y de detectar errores en una melodía conocida. Sin embargo, conservan sus habilidades lingüísticas intactas. Por ejemplo, distinguen perfectamente entre la entonación de una afirmación y la de una pregunta. Peretz opina que la amusia se debe a algún trastorno de la corteza auditiva primaria, donde se reconocen las notas y su sonoridad, el primer paso que lleva a cabo el cerebro al analizar la música.

Por si eso no bastara para distinguir la música del lenguaje, los investigadores han descubierto que éste se procesa preferentemente en la corteza auditiva del hemisferio izquierdo del cerebro, más dado al análisis, mientras la música se procesa más bien (aunque no exclusivamente) en la corteza auditiva derecha. En los músicos la corteza izquierda interviene más que en las personas que no lo son, sin duda porque los músicos escuchan la música de manera más analítica.

Con todo, las analogías entre música y lenguaje siguen guiando investigaciones. En los años 50 el lingüista Noam Chomsky alegó que el cerebro humano ya viene equipado con una especie de programa de gramática, pero no para un lenguaje específico, sino una gramática universal. Así, todas las lenguas del mundo, por distintas que nos parezcan, tendrían una estructura común a cierto nivel. Algunos compositores, lingüistas y musicólogos han extendido las ideas de Chomsky a la música. El lingüista Ray Jackendoff y el compositor Fred Lerdahl propusieron en 1983 una teoría de la gramática universal de la música, según la cual una composición se construye con un número limitado de notas que se combinan según un conjunto de reglas (la gramática musical). Las reglas dan a las notas una estructura dividida en capas de significado musical. Al escuchar la secuencia de notas, el cerebro del oyente reconoce esas capas de la misma manera que en el lenguaje reconoce verbos, sustantivos, adjetivos y todo lo demás.

El etnomusicólogo estadounidense

Alan Lomax llegó a una conclusión chomskiana, también en los años 50, luego de analizar las canciones de muchas culturas. Según Lomax, igual que por medio del habla se puede construir un número infinito de frases a partir de un número finito de sonidos, un número infinito de canciones se puede generar a partir de sólo 37 elementos rítmicos, armónicos y melódicos. Más recientemente, en los años 90, Jukka Louhivuori y Petri Toiviainen, de la Universidad de Jyväskyklä, en Finlandia, también influenciados por las ideas de Chomsky, han diseñado modelos generadores de melodías y los han convertido en programas de computadora que “componen” frases musicales. Louhivuori y Toiviainen han probado la eficacia de estos programas como imitadores de los compositores humanos haciendo que muchas personas escuchen y evalúen las melodías.

RAYCHEN

El violinista clásico que conquista el mundo virtual

El violinista Ray Chen sale todas las noches al escenario con un tesoro aprisionado entre su barbilla y su hombro izquierdo. Es un instrumento con más de tres siglos de historia que fue creado en 1715 por el italiano Antonio Stradivari, el lutier más legendario de la historia, quien construyó cerca de 1.000 violines, venerados por la belleza de sus diseños y la calidad de los sonidos que producen. El Stradivarius de Chen es un préstamo de la Nippon Music Foundation y perteneció al violinista húngaro Joseph Joachim.

Uno de las más interesantes violinistas de la actualidad es el taiwanés­australiano Ray Chen. Considerado un niño prodigio, comenzó con el instrumento a los 4 años y antes de los 10 ya había completado todos los niveles del método Suzuki. Llegó a estudiar en el prestigioso Instituto Curtis de Philadelphia, uno de los más exigentes centros de estudio musical del mundo. Chen llamó la atención del famoso violinista Maxim Vengerov, quien fue jurado en la competencia Yehudi Menuhin que Chen ganó en el 2008. Vengerov luego lo invitó a hacer giras en Rusia y Azerbaijan. “Ray ha probado ser un músico puro, con todas las habilidades de un auténtico intérprete musical, con bello tono juvenil, vitalidad y liviandad.” Ha dicho Vengerov sobre él.

Mientras tanto, la prensa especializada ha comparado a Chen con el mismo Vengerov. El Corriere della Sera dice sobre su grabaciones, “Es difícil decir algo nuevo sobre estas celebradas obras. Sin embargo, Ray Chen las interpreta con la clase de autoridad que lo pone en la misma categoría que Maxim Vengerov”. Las prestigiosas revistas The Strad y Gramophone hablan de Chen como “un artista en el cual hay que fijarse”. Todo esto pasa mientras Chen no cumplía los 20 años.

“Practicar con otros te empuja a mejorar”

-En sus dos conciertos en Asturias interpreta el concierto para violín en mi menor de Mendelssohn. ¿Por qué esta pieza?

Para mí es una obra muy especial, porque la toqué por primera vez con nueve o diez años. Es uno de los cuatro grandes conciertos alemanes para violín, con los de Beethoven, Bruch y Brahms. Pero el de Mendelssohn es una gema, es la joya de los conciertos.

Es romántico pero clásico. Y es más música de cámara: la manera en la que la música interacciona con la orquesta es muy cercana, no es un complemento sino que el violín interacciona con la orquesta. Y además tiene una de las entradas más difíciles en todo el repertorio del violín: sólo tienes una parte y media para hacer la entrada. En el de Brahms tienes minuto y medio; en el de Beethoven al menos dos minutos. Pero en esta lo tienes que hacer de forma inmediata. Es además un concierto muy apasionado, y muy técnico

-¡Especialmente en su caso, que toca un Stradivarius! ¿Cómo llegó esa pieza a sus manos?

Es un préstamo de la Nippon Music Foundation, una pieza que para mí es muy especial no sólo por su sonido, también por su historia: lo tocó en su día Joseph Joachim. Este es el Stradivarius “Joachim”, con él tocó los conciertos de Schumann y Brahms.

-¡Especialmente en su caso, que toca un Stradivarius! ¿Cómo llegó esa pieza a sus manos?

Tus recitales y conciertos tienen mucha energía. ¿Consideras que eres un músico “virtuoso”, de esos que hacen que las composiciones más difíciles suenen fáciles?

Primero que nada, ¿qué entendemos por lo que significa virtuoso? Puedo decir que significa eso, pero para mí significa más. Es también hablar de una performance excepcional, lo que entregamos en un concierto. El violín es un instrumento virtuoso, es muy rápido o lento, agudo o grave, así que ser virtuoso con el violín significa tener maestría completa.

-Una pieza valiosa, ¿ha tenido problemas en los aeropuertos, a la hora de facturarlo o viajar con él?

Yo nunca he tenido problemas, porque el violín viaja siempre conmigo. Sí que he oído a otros músicos amigos que habían tenido algún problema con sus instrumentos, porque les pedían facturarlo o algo. Pero yo siempre he pedido que por favor me dejen subirlo a cabina, y nunca me han puesto.

-¿Permite introducir a gente joven en la música clásica?

Ese es el siguiente paso. Hay dos tipos de audiencias para la música clásica: los abonados, que van a conciertos diez o doce veces al año, y mucha gente joven que está estudiando música, que aprenden a tocar algún instrumento. Esta es gente que no va a los conciertos, porque los conciertos de música clásica no tienen nada que ver con ellos. Hablamos de gente de 5 a 15 años, que pueden llegar o no a ser músicos profesionales. Y normalmente no van a conciertos de música clásica: pueden ir a uno o dos, pero no va habitualmente porque no conocen a los concertistas. Es como ir a ver una película: si tú no conoces a los intérpretes, no vas a ver la película. Porque además la gente no tiene dinero o tiempo, principalmente tiempo, y deciden invertir su dinero en otra cosa. Pero si tienen quince años y van dos o tres veces al año, puede estar bien para que luego lo puedan ir incrementando. Y a la larga tendrán la oportunidad de suscribirse, de abonarse.

"El violín puede no parecer 'cool' pero si los jóvenes ven un vídeo divertido quizás les guste"

¿QUIEN ES DANIEL BARENBOIM?

“Una vez que comienzas a tocar una pieza, hay una conexión entre cada nota. No puedes decir: ‘No me concentraré en esta nota’. No puedes ignorar las cosas como lo haces en el resto de tu vida.”

“La música despierta el tiempo”

Daniel Barenboim es uno de los músicos clásicos más famosos del planeta y uno de los más grandes artistas de nuestro tiempo. Como pianista, es particularmente admirado por sus interpretaciones de las obras de Mozart y Beethoven . Desde su debut como director en 1967, ha tenido una gran demanda como director de las principales orquestas del mundo. Daniel Barenboim estuvo casado con la violonchelista Jacqueline du Pré y se convirtieron en la pareja de oro de la industria musical. En 1991 reemplazó a Sir Georg Solti como director musical

de la gran Orquesta Sinfónica de Chicago (puesto que dejó en 2006), y en 1992 fue nombrado director musical de la Ópera Estatal de Berlín y de la Staatskapelle de Berlín.

En 1999 fundó la Orquesta WestEastern Divan, con el académico Edward Said, que cuenta con músicos árabes e israelíes. Daniel Barenboim es actualmente el director musical de la Ópera Estatal de Berlín y la Staatskapelle de Berlín. Descubre más sobre su vida y su música

Niño prodigio y adulto digital

Un músico comprometido

Martha Elena Bravo ha ido directamente a la nuez de este asunto. Que un músico, a los 80 años, por razones de salud, se vea forzado a abandonar la escena, es apenas natural. La inmensa mayoría de sus colegas han tenido que hacerlo un

poco después de los 60. Barenboim pudo prolongar su carrera, de pianista y director de orquesta, mucho más allá de lo usual. Si su retiro ha conmocionado al mundo es porque se trata de un personaje de convicciones excepcionales.

Fue a lo largo de su carrera de 75 años, en el buen sentido de la palabra, un político y, si se quiere, hasta un provocador.

Su vida ha sido una cadena de toma de posiciones que se remonta a cuando enfrentó, con valentía y con respeto, al sector más conservadurista de la música para poner en tela de juicio la búsqueda, casi arqueológica, de la interpretación del repertorio, como se hacía en el pasado, que a su juicio, entrañaba peligros: “Esa ideología ha conseguido venderse como algo progresista. Por eso tiene tanto éxito. Cómo puede ser progresista algo que afirma ‘miremos hacia atrás’”.

Como director de ópera fue abanderado de las puestas en escena audaces, siempre y cuando no fueran en contravía de la música: “Me cuesta digerir esos experimentos de dirección en el Finale de Così fan tutte de

de Mozart. La música es muy sencilla, muy natural, en un radiante Do mayor, pero los directores de escena se devanan los sesos pensando en cómo demonios pueden cargarse este final”.

Otra batalla, que le dio la vuelta al mundo, la dio por la música de Wagner. De quien, desde luego, desaprobaba sus posiciones antisemitas y ruindad personal, pero, objetivo como era, reconocía la condición de genio del autor del Tristán y su influencia posterior, por eso no escatimó esfuerzos para poner su talento al servicio de su música, lo que le llevó a enfrentar a la fracción más ortodoxa de sus compatriotas en Israel, donde sus intentos por dirigir su música fueron sistemáticamente boicoteados. En alguna de sus actuaciones allí, para interpretar, como bis, una pieza de Wagner, invitó a abandonar la sala a quienes se sintieran agredidos.

Emilio Sanmiguel

“La música tiene la capacidad de crear una realidad mayor.”

festival italiano de clarinete en latinoamerica

El festival de clarinetes más famoso de italia y europa llega por primera vez a latino america

Nigun Clarinet Quartet nació de la idea de cuatro jóvenes artistas: Michele Giovinazzo, Michele Napoli, Gabriele Calcopietro y Stefano Anania que comparten la misma pasión deciden dar a conocer la música y potenciar la versatilidad del clarinete. El continuo espaciamiento entre géneros brinda a los artistas la oportunidad de proponer un repertorio que abarca numerosas épocas musicales en su totalidad: desde el barroco hasta las composiciones contemporánea, pasando por el clasicismo, el romanticismo, la música descriptiva de principios del siglo XX, piezas de swing, jazz hasta Klezmer, todo ello para satisfacer los gustos de un público variado, despertando interés incluso en los espectadores más observadores demandante.

La prerrogativa de su estilo es la investigación tímbrica caracterizada por una continua experimentación sobre las amplias posibilidades expresivas de los instrumentos que componen la familia de los clarinetes desde el Piccolo Clarinet in Lab hasta el Conbass Clarinet. Una formación pequeña pero enormemente cautivadora.

Ganadores de numerosos premios Nacionales e Internacionales tanto como solistas como con agrupaciones de cámara, los maestros han actuado para prestigiosas Asociaciones, Exposiciones y Festivales de primera importancia en Italia, incluido el Festival Morellino Classica, para el CIDIM en el festival La velada de los museos en los jardines de los museos del Vaticano y en el extranjero: Francia, España, Suiza, Lituania, Israel, Palestina, Japón y China, atrayendo elogios generalizados del público y la crítica en todas partes.

Al mismo tiempo colaboran con las orquestas Ópera-Sinfónica de Italia y en particular de Calabria. Junto a la actividad concertística la de docencia, para la celebración de seminarios y Masterclass en Asociaciones Privadas y Organismos Públicos. Promotores y creadores del primer Campus de clarinete denominado Nigun Clarinet Days con carácter anual dirigido a jóvenes clarinetistas.

Dependiendo de las circunstancias, el cuarteto se presenta con la adición de voz, con percusión y posiblemente con

Se graduó en clarinete en el Conservatorio “F. Cilea” de Reggio Calabria donde también obtuvo un diploma académico de segundo nivel y el título de profesor de orquesta. .

Es titular del puesto de I clarinete alto en la Banda de la Guardia di Finanza. .

Se graduó en el conservatorio “F.Cilea” de Reggio Calabria donde también obtuvo el diploma académico de segundo nivel en clarinete y el título de profesor de orquesta.

se graduó en clarinete en el conservatorio “F.Cilea” de Reggio Calabria. Sigue el curso de especialista de dos años en el “L. Refice” en Frosinone. Es profesor titulado, graduado en clarinete bajo en la “G. Cantelli” en Novara.

se graduó en el conservatorio “F.Cilea” de Reggio Calabria en clarinete donde también obtuvo el diploma académico de segundo nivel. Se graduó en Instrumentación y Dirección de Banda en la “S. Giacomantonio” de Cosenza. Es un maestro licenciado.

Lapresencia de personas extranjeras en nuestro territorio es ahora una realidad consolidada durante mucho tiempo. La diversidad debe entenderse como un recurso, enriquecimiento, tremenda oportunidad de intercambio, cooperación y estímulo para el crecimiento personal de todos. La educación intercultural proviene del encuentro consciente de diferentes asignaturas e identidades culturales que avanzan juntos hacia la construcción de una nueva convivencia civil. Creer en la educación intercultural significa creer en un tipo de educación que actúa, apunta al cambio, preocupa a todos, está contextualizada en tiempo y espacio, es formación permanente. La intervención educativa intercultural tiene como objetivo promover el diálogo y la convivencia entre sujetos de diferentes culturas. Las diferencias culturales deben traducirse en en enriquecimiento mutuo y madurez en la búsqueda de una convivencia basada en el respeto, el intercambio y la cooperación.

Durante el Campus, gracias a la experiencia y profesionalismo de Gianluca Versace quisimos dar a un grupo de niños de la comunidad extranjera de Camini, un primer enfoque a la Música, tuvieron la oportunidad de descubrir y divertirse con percusiones

La masterclass de clarinete Nigun

Clarinet Days 5.0 estuvo programada en Camini hasta el jueves 27 de julio , con el Nigun Clarinet Quartet , un encuentro educativo con músicos de todos los niveles, a partir de los once años, para profundizar en la familia del clarinete y la formación del cuarteto de cámara. .

Un auténtico campus de cuatro días, entre estudio y diversión, para poner en valor el talento de los jóvenes músicos y la belleza de los pueblos milenarios. Las sugerencias del lugar, la hospitalidad de quienes lo habitan, el entusiasmo de los niños y profesores crean el ambiente en el que la inspiración musical encuentra inspiración y el pueblo vuelve a la vida.

El evento, promovido y organizado por Eurocoop Jungi Mundu , en colaboración con Ama Calabria y Buffet Crampon , con el patrocinio de la administración municipal, se enmarca en el proceso de revitalización de pueblos despoblados, ya iniciado hace años por Eurocoop a través de la recepción, que reúne , para la ocasión, el proyecto “Nigun Clarinet Days 5.0” con un mismo objetivo: prestigiar pequeños y no siempre suficientemente conocidos lugares con jornadas intensas, dedicadas al arte.

La clase magistral traerá a Camini a jóvenes músicos de diferentes partes de la región y profesionales de la orquesta, como el primer clarinete de la Scala de Milán y el Teatro de Lieja, para garantizar el alto nivel educativo de los cursos. También habrá una lección de percusión en la que también participarán jóvenes inmigrantes y, por último, dos conciertos en los que cada participante podrá experimentar lo aprendido junto al Nigun Clarinet Quartet: el primer directo será el 26 de julio a las 21.30 h. en Piazza San Salvatore, y el 27 de julio, siempre a las 21.30 horas, en Piazza Municipio.

Por lo tanto, el renacimiento del pueblo también pasa por la belleza de la música, gracias al Nigun Clarinet Quartet, compuesto por Michele Giovinazzo , Michele Napoli , Gabriele Calcopietro y Stefano Anania , ganador de premios nacionales

le internacionales, que para sus clases magistrales elige lugares para realzar. , como Camini.

Por lo tanto, los “Nigun Clarinet Days” representan un punto de encuentro entre estudiantes y profesores, único en su tipo en Calabria, para unas vacaciones de estudio de estudio didáctico, pero también de agregación para niños que comparten el mismo interés por la música y el clarinete, recibiendo así estímulos nuevos e importantes con respecto a la trayectoria educativa normal del curso escolar.

Asi que no puedes perderte esta experiencia de aprender de grandes músicos en un evento tan especial y unico que se dará proximamente en nuestro páis.

Miguel Harth-Bedoya:

Con 51 años de edad y más de treinta como director de orquesta, indudablemente es la batuta más importante que el Perú tiene girando por el mundo. Graduado en el Instituto Curtis y la Escuela Juilliard, conservatorios de culto, Harth-Bedoya ha estado al frente de las mejores orquestas del orbe y desde hace 19 años es titular de la Sinfónica de Fort Worth de Texas, ciudad que lo acoge como una auténtica celebridad. Después de muchas temporadas regresa para dirigir la orquesta que ayudó a fundar, la Sinfónica Nacional, en el Gran Teatro Nacional, espacio que él inauguró con un memorable recital el 23 de julio de 2011.

El próximo 8 de octubre, el director peruano de la Orquesta Sinfónica de Fort Worth -quien también estuvo a cargo de la Filarmónica de Los Ángeles y fue galardonado con un premio Emmy- ofrecerá un concierto al mando de la Orquesta Sinfónica Nacional por invitación de Radio Filarmonía, que celebra treinta y cinco años de transmisiones ininterrumpidas al servicio de la cultura del Perú. Conversamos con él, desde Texas, donde vive junto a su esposa y sus tres hijos. Asi que antes de su concierto decidió darnos un espacio de su agente para que nos pueda contar sobre su carrera y detalles de su concierto.

“Me reconforta abrir la puerta a nuevas generaciones”

Mi extenso entrenamiento académico y desarrollo artístico personal me permiten estudiar obras de cualquier período y estilo. Básicamente, cuando leo una partitura yo sé como suena. Y prefiero incorporar a los músicos en el ‘por qué’. Doy instrucciones en vez de dar solamente órdenes. |

Con esto consigo que los miembros de la orquesta se sientan parte de un gran trabajo de equipo. Siempre trato de balancear mis indicaciones entre cosas técnicas y musicales. Mi meta es ser yo un reflejo visual del sonido que va produciendo la orquesta. De esa manera vamos en unidad visual y auditiva, sobre la cual mi expresión pueda añadirse. La opción que la música da es como el deporte. Involucra a las personas de cualquier edad y de cualquier procedencia, tanto como a los espectadores,aficionados y participantes en cualquier nivel técnico. En el caso de la música: en orquestas infantiles, juveniles, cívicas (aficionados adultos) o profesionales. Involucrarse en una actividad musical de grupo, si están bien organizados, puede tener un fin de sanación social.

El 2013, como titular de la Fort Worth Symphony Orchestra de Texas, dijo: “Mi rol está a la altura del alcalde de la ciudad, ese nivel de influencia tiene mi trabajo”. Hoy, con más de tres décadas en el oficio, ¿su labor está a la altura de un jefe de Estado?

¿Cómo nace esa capacidad para comunicar ritmo, flujo, textura y los climas de una pieza, anticipándola?

BRASS BAND WORKSHOP

Patricio Consentino

Eufonista y tubista

Director de la brass band Córdoba

25 al 29 de agosto

Es el tuba sudamericano más activo , habiendo hecho carrera como solista, músico de cámara y director de orquesta.

Después de recibir su título musical bajo la tutela del célebre tuba Walter Hilgers en la Hochschule für Musik ‘Franz Liszt’ de Weimar, Alemania, en 2009, regresó a Argentina para aceptar el puesto de tuba principal de la Sinfónica Nacional. Orquesta.

Después de algunos años de experiencia orquestal, Patricio descubrió su amor por actuar en el escenario y decidió concentrarse únicamente en su carrera solista a partir de 2012.

Desde entonces ha viajado constantemente, actuando regularmente con algunos de los mejores conjuntos de metales y vientos, así como con orquestas, en América, Europa y África.

En particular, Patricio Cosentino trabajó junto con muchos compositores sudamericanos para desarrollar un nuevo repertorio para instrumentos de metal. Esta colaboración ha producido más de 250 nuevas piezas de compositores provenientes de Argentina, Uruguay, Paraguay, Chile, Perú, Brasil y Colombia.

Su apoyo a los compositores sudamericanos ha redefinido el mundo de los metales y ha permitido estrenos mundiales de conciertos de Roberto Pintos, Jorge Tagliapietra, Noelia Escalzo, Luis Rojas, Gerardo Gardelin, Pablo Aguirre, por nombrar algunos, sumando nuevas piezas a la tuba y los metales. literatura.

Para reforzar su apoyo a los compositores sudamericanos, fundó la editorial musical Pampa Editions, que se

especializa en música sudamericana.

Del 2011 al 2014, Patricio trabajó junto a la Asociación Internacional de Tuba Bombardino (ITEA) como representante internacional del comité ejecutivo, siendo el primer tubista sudamericano en pertenecer a tan prestigiosa organización internacional.

Patricio Cosentino es bien conocido por sus clases magistrales y clínicas de tuba que se llevan a cabo con frecuencia en

numerosas universidades líderes en los Estados Unidos y Europa, incluidas Brass Academy Alicante, Conservatorie à rayonnement Regional de Paris, Hochschule für Musik Trossingen, ESMUC, University of Southern California. , Universidad de Arizona, Universidad del Norte de Georgia, Ithaca College y Universidad Emory.

Como artista discográfico, Patricio tiene varios álbumes como solista y músico de cámara entre ellos “Sudamérica Vibra”, “MOVE!” y “Viejos Aires”.

Además de solista, Patricio Cosentino es integrante del Trío Dispar.