Cassandre - Cuaderno de Campo by Luis Eduardo Pedraza

Cuaderno de Campo

Eliana Uribe Luis Eduardo Pedraza Sergio Melo AngĂŠlica Mora

Universidad Jorge Tadeo Lozano Historia Del DiseĂąo Octubre 2020

“Una cosa que es meramente imaginada bien puede sorprender o asombrar al espectador. Incluso puede mantener su interés, pero nunca lo conmoverá. Sólo lo que se experimenta tiene el poder de moverse y, por tanto, de persuadir” A.M. Cassandre

Contenido Págs Introducción

Glosario

Capítulo I. Sobre el artista

1. ¿Quién es Adolphe Jean-Marie Mouron?

2. Cronología de vida

3. Características formales de su trabajo

4. Influencias

4.1 El cubismo y Cassandre

4.2 El purismo y Cassandre

4.3 Futurismo italiano

4.4 Entreguerras del siglo XX

4.5 Alemania

5. El cartel publicitario

6. Sus fuentes tipográficas

6.1 Tipografía Bifur

6.2 Tipografía Acier

6.3 Tipografía Peginot

6.4 Tipografía Tourin

6.5 Tipografía Graphika

6.6 Tipografía Metop Cassandre

Capítulo II. Análisis de sus obras

Conclusión

Referencias bibliográficas

Introducción Desde la creación del ser humano, la necesidad de comunicarse siempre ha estado presente. Hombres y mujeres totalmente sociales que han sido inquietos en la manera de cómo dar a conocer sus pensamientos, emociones y expresiones. Muchos lo han hecho a través de la escritura, unos aprovechan la expresión corporal y otros sus habilidades artísticas, especialmente las relacionadas con el dibujo. Ese interés por transmitir conceptos, saberes y pensamientos tanto de manera verbal como no verbal y de crear formas y canales únicos se ha convertido en uno de los referentes históricos sobre nuestro progreso. Una de esas formas fue a través de la pintura, la cual con el pasar de los años se convirtió en todo un arte; del cual muchos lo tomaron como referente de análisis y estudios para crear corrientes y disciplinas, y así construir corrientes que comenzaron de manera recreativa para pasar a ser oficios, tendencias, disciplinas y profesiones. El diseño gráfico fue una de estas disciplinas, que se encargó de transmitir mensajes específicos a grupos sociales de terminados, bajos unos objetivos previamente establecidos; optimizando así la comunicación visual. La creatividad en las piezas, proyectos y propuestas gráficas comenzaron a surgir y con ella las corrientes, estilos e influencias; siendo así muchos los artistas que al mostrar sus tendencias impusieron una novedad artística en el diseño, a tal punto que hasta se convirtieron en ícono de la disciplina, dejando huella histórica. Uno de ellos fue Adolphe Jean-Marie Mouron, mejor conocido como AM Cassandre, quien dejó huella por su estilo futurista (para la época en que vivió) tanto en sus obras como en la tipografía y otros campos artísticos, donde también incursionó. Se hizo famoso por diseñar carteles, con los cuales contaba historias. Convertía un objeto en centro de atracción gracias a lo grandioso y relevante del tamaño de ese objeto y a la aplicación de una geometría audaz y un ingenioso drama pictórico. De esta manera, Cassandre cambió el concepto del cartel y su uso entre los años 1920 y 1930. El artista ucraniano tomó como referencias a pintores como Ernst, de Chirico y Picasso. Fue artista de caballete, exitoso diseñador teatral y creador de elegantes tipos de letra y arte de revistas. Así también lo dio a conocer su hijo Henri Mouron a través

del libro biográfico “Soy Cassandre” que escribió en honor a su padre, en el cual da a conocer detalles artísticos e íntimos de Cassandre. (Mouron, Soy Cassandre, 1985) En este libro de campo se recopila toda la información obtenida en libros, sitios web, folletos, audiovisuales, trabajos investigativos, entre otros sobre la vida y obra de AM Cassandre; con la cual analizamos y exportamos aportes relevantes, para así poder comprender el legado del artista a la disciplina del diseño gráfico y su historia. De igual manera habrá apartes en los cuales nuestro aporte será esencial para analizar su estilo y legado en las artes y letras, y en el diseño gráfico.

Glosario Arte Cinético: Expresión adoptada hacia 1954 para designar las creaciones artísticas fundadas en la introducción del movimiento como elemento plástico dominante en la obra. Algunos representantes son Eusebio Sempere de España; Julio de Parc y Gyula Kosice de Argentina; Matilde Pérez de Chile, y Soto y Cruz-Diez de Venezuela. (Más de arte, s.f.) Arte contemporáneo: se suele definir como el arte elaborado después de la Segunda Guerra Mundial. En sentido amplio, el arte contemporáneo es el hacer artístico que se desarrolla en nuestra época. Se desarrolla desde la teoría postestructuralista la cual ha acuñado el término "postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de la originalidad y la novedad (elementos propios de la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto comunicativo. (Ecured, 2019) Art Deco: movimiento modernista que surgió en Europa durante la década de 1920. Si bien esta corriente se compone de muchas estéticas diferentes –desde diferentes paletas de colores hasta una amplia gama de materiales que va del ébano y marfil a la madera y plástico– se caracteriza con mayor frecuencia por formas geométricas simplificadas que contrastan con una rica ornamentación y una decoración lineal. (Sienra, 2019) Cubismo: vanguardia artística europea que surgió en el siglo XX en Francia y cubrió las artes y la literatura. Estuvo marcado por el uso de formas geométricas, rompió con los modelos estéticos que sólo valoraban la perfección de las formas. Su origen se dio en París por el reconocido artista español Pablo Picasso y los franceses Georges Braque. Sus características esenciales son: predominación de las líneas rectas, modeladas básicamente por cubos y cilindros, dada la geometrización de las formas y volúmenes. (Profe en Historia, 2020)

Cubismo analítico: tiene por características que: las representaciones artísticas llevan en su interior un evidente sentido racional; se pueden descomponer de manera casi ilimitada; la figura humana se difumina y acaba convirtiéndose en una especie de objeto de tipo geométrico; y el aparente desorden de las representaciones tienen en el fondo un sentido. (Tochilina, 2020) Cubismo sintético: superada la etapa analítica, nuevos creadores y teóricos del cubismo desarrollaron un nuevo enfoque en esta corriente estética. Algunas de sus características son las siguientes: las formas geométricas ya no aparecen tan definidas y se aproximan al movimiento abstracto; el color adquiere un mayor protagonismo y los grises y ocres de la etapa anterior se abandonan por una mayor amplitud cromática; la técnica del collage, los efectos visuales y los elementos tipográficos son introducidos en las representaciones cubistas; y se impone una geometría sintética, es decir, basada en la experiencia y no en los planteamientos estrictamente racionales. (Tochilina, 2020) Diseño gráfico: especialidad o profesión, cuyo objetivo es satisfacer necesidades de comunicación visual. Se ocupa de organizar imagen y texto, producidos en general por medios industriales, para comunicar un mensaje específico, a un determinado grupo social y con objetivos claros y definidos. (Conceptodefinicion.de, Redacción, 2019) Entreguerras: Se conoce como período de entreguerras o interbellum al periodo histórico del siglo XX que va de 1918 a 1939. Cronológicamente, se puede establecer desde el final de la Primera Guerra Mundial el 11 de noviembre de 1918 y el inicio de la Segunda Guerra Mundial el 1 de septiembre de 1939. La Ilustración: (enero 1, 1750) movimiento cultural e intelectual, primordialmente europeo, activo en Francia, Inglaterra y Alemania. Inspiró profundos cambios culturales y sociales, y uno de los más dramáticos fue la Revolución francesa. Se denominó de este modo por su declarada finalidad de disipar las tinieblas de la ignorancia de la humanidad mediante las luces del conocimiento y la razón.

La Bauhaus: es la escuela de diseño alemana que marcó y transformó la enseñanza de esta disciplina en el siglo XX. Sus propuestas y declaraciones rigurosas que proponían una transformación social desde la enseñanza artística le permitieron a La Bauhaus (Casa de la construcción) trascender en el tiempo y cumplir un rol que transformó y revolucionó el pensamiento cultural y artístico, así como el concepto de producción en el mundo durante el siglo XX. Hoy sigue siendo una fuente de inspiración para los diseñadores contemporáneos que continúan buscando maneras para generar un cambio social a través del diseño. Así mismo, esta escuela, que se convirtió en un movimiento, también constituyó los fundamentos académicos que definirían algunas de las tendencias más influyentes de la arquitectura moderna: una nueva estética que abarca todos los ámbitos de la vida cotidiana. (Arango, 2016) Modernismo: este término se aplica en referencia a distintos movimientos, en especial a la corriente de renovación artística que se desarrolló entre finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX en Europa y América Latina. Este movimiento se conoció en español como modernismo, pero en otros idiomas recibió el nombre de Art Nouveau, modern style y jugendstil, por ejemplo. En cada país tuvo características propias. Su base se encontraba en una intención rupturista con los estilos predominantes de la época. (Ecured, 2019) Op-Art: Es una corriente artística abstracta, que surgió a partir del movimiento abstracto-constructivista representado por el suprematismo, De Slijl y la Bauhaus, también se conoce como Op art u Optical art. Nacida en Estados Unidos en el año 1958. Este tipo de arte utiliza sobre todo ilusiones ópticas, basada en la composición de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento e una superficie bidimensional, es por eso, por lo que en todas las obras que se han realizado en el arte óptico hacen que el espectador colabore de manera activa ya sea desplazándose o moviéndose para intentar captar el efecto óptico, es por esto por lo que este tipo de obras no tienen ninguna apariencia emocional. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Es un arte impersonal, técnico, en el que queda

abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Orfismo: Guillaume Apollinaire bautiza en 1913 a esta tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino que exalta ante todo el color y la luz. Lo hace en parte para distanciarse del frenesí futurista que estaba arrasando París y que él consideraba «una bobada». El Orfismo viene de Orfeo, tan virtuoso con la lira que conectaba con el alma. El arte de esta gente pretendía precisamente eso: cuadros que vibraran en armonía y tono, como una composición musical. Esto conecta con los postulados del arte abstracto, que se había inspirado en la música, y de hecho el orfismo es considerado una preabstracción, ya que la música, sino está acompañada de palabras, es absolutamente abstracta. Prescindir de elementos figurativos y trabajar solo con color y luz, ese era la idea. De hecho, en las obras orfistas a veces no se sabe de qué se está hablando. A veces son formas indefinibles en las que el color es el único tema del cuadro, por lo que están incluidas en el eterno debate de cuál fue la primera obra abstracta. (Ha!, 2020) Publicidad: es un tipo de comunicación audio y/o visual del marketing que emplea mensajes patrocinados e impersonales para promocionar o vender un producto marca o servicio. (Sevilla, 2019) Purismo: Movimiento desarrollado en París entre 1918 y 1925 ligado a la nueva estética del arte de la máquina. Sus fundadores y protagonistas son Ozenfant y el pintor y arquitecto suizo Charles- Edouard Jeanneret, más conocido como Le Corbusier; ambos escribieron Aprés le Cubisme, que fue publicado en 1918 por la revista L´Esprit Nouveau. En ella se exponía la teoría de que el cubismo había perdido su rumbo y había degenerando en arte decorativo y puramente ornamental, se sientan los fundamentos del purismo y se intenta inocular a los artistas el espíritu de la época. (Más de arte, s.f.) Surrrealismo: El surrealismo es un movimiento artístico y literario de vanguardia fundado en 1924 por André Breton, que consistió en la expresión del subconsciente por medio de la literatura, la pintura, la escultura, la fotografía y el cine. Sus principales características son: Automatismo psíquico puro (consiste en hacer emerger las imágenes

del subconsciente de forma automática, a través de recursos como los estados de trance, la hipnosis y técnicas como el juego del cadáver exquisito); Expresión de subconsciente (el surrealismo se aproxima al inconsciente mediante la exploración del subconsciente. Para ello representaba realidades absurdas, oníricas y fantásticas, en la cual se proyectaban mitos, fábulas, sueños y fantasías); Expresión espontánea y desinhibida del pensamiento (para los surrealistas, liberar el pensamiento era la única forma para llegar al inconsciente, que se expresa a través de los sueños, las fobias y la imaginación); Carácter interdisciplinario (el surrealismo se expresó en literatura, pintura, escultura, fotografía y cine. Asimismo, favoreció la colaboración entre disciplinas y la incursión de los artistas en áreas diferentes a su especialidad. Por ejemplo, los poetas incursionaron en la plástica y los pintores incursionaron en la poesía, la fotografía y el cine), y Creación del cadáver exquisito (técnica colectiva en la que cada participante escribía una línea o trazaba un dibujo sin ver lo que había hecho el anterior. Permitía a la vez estimular el automatismo psíquico y favorecer la colaboración entre artistas). (Significados Surrealismo, 2020) Vanguardismo: también conocido por su nombre en francés avant-garde; se refiere a las personas y a las obras experimentales e innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y la literatura; representa un empuje de los límites de lo que se acepta con la norma o statu quo, sobre todo en el ámbito cultural.

Capítulo I. Sobre el artista

1. ¿Quién es Adolphe Jean-Marie Mouron? En 1901 la ciudad ucraniana de Kharkov vio nacer a Adolphe Jean-Marie Mouron. Creció y estudió en París gracias a su padre, quien deseaba que él continuara con la tradición paterna de su familia: ser educados en la ciudad de la luz. La situación de guerra en Europa y la Revolución Rusa de 1917 obligó a la familia de Adolphe Jean-Marie Mouron a abandonar sus bienes y propiedades, por lo cual el joven tuvo que trabajar para costearse sus estudios de arte en la Académie Julian y en la Academia de

Cassandre en una tarde de trabajo. Fuente: Libro AM Cassandre

Bellas Artes. La industria de las artes gráficas Hachard et Compagnie fue la primera empresa en donde trabajó. También lo hizo de manera independiente, cuando al terminar sus estudios en 1922, decidió fundar su propio estudio, eligiendo el que sería su seudónimo nombre comercial desde entonces “Cassandre” (el de la infausta sacerdotisa de Zeus a la que los dioses habían conferido el don de la adivinación); produciendo así numerosos trabajos secundarios e impersonales hasta que en 1923 lanzó a la luz pública el cartel “Au Búcheron”16, que lo haría mundialmente famoso. (ArteAC, 2018) La espontaneidad y facilidad en sintetizar ideas y conceptos a través de imágenes modernas llamativas y que despertaban la atención y retención sedujo a los comerciantes europeos de esa época, quienes deseaban a toda costa los servicios de Cassandre. Y así fue. Por varios años el artista realizó un sinnúmero de carteles, todos bien valorados por las personas de la época especialmente los involucrados en el arte.

Influenciado por el cubismo y el surrealismo, Cassandre fue uno de los principales nombres del diseño gráfico aplicado a carteles especialmente en los años 20 y 30. Sus piezas artísticas poseían cualidades técnicas y poéticas, y una perfecta comunicación visual bien recibida por la publicidad. Cassandre manifestaba que “un cartel dirigido al apresurado viandante, hostigado por un alud de imágenes de todas clases, ha de provocar sorpresa, violentar la sensibilidad y señalar la memoria con una huella indeleble”. (CCP, 2019) Y así se reflejaba en sus obras que eran dadas por terminadas por el artista solo cuando tuviesen un equilibrio entre la imagen y el texto. Él creía que el mensaje escrito era el punto final para una comprensión completa del mensaje y esto lo llevó entonces a crear sus propias fuentes tipográficas. Así desarrolló 6: Bifur en 1929, Acier en 1930 y Acier Noir en 1936, Peginot en 1937, Touraine en 1947, Graphika en 1960 y Metop Cassandre en 1968. Gracias a su éxito Cassandre tuvo la oportunidad de vivir también en los Estados Unidos por varios años, en donde realizó una serie de cubiertas para las revistas Harper´s Bazar y Fortune. En vida Cassandre se dedicó a la pintura, a la literatura, al diseño de decorados y figurines de teatro y hasta adivinador. Hizo historia por el diseño de carteles y fue considerado como un gran influenciador en esta disciplina y la publicidad, al igual que en el Art Deco. A partir de 1959 su éxito comienza a decaer por la llegada del Nuevo Realismo y el Pop Art. Por eso Cassandre voluntariamente se retira del arte de la creación de carteles y se dedica únicamente a la elaboración de un Cassandre también realizó decoraciones teatrales. Fotografía de Luc Joubert

proyecto tipográfico llamado Metopa, que al parecer no fue de agrado para el editor alemán que lo había contratado, lo cual le

produjo una enorme depresión porque no aceptaba cambiar el estilo que lo definía. Así que Cassandre terminaba por suicidarse el 17 de junio 1968. Dejó una carta, encontrada en un cajón de su despacho laboral, en la cual rechazaba lacónicamente el diseño por demasiado heterodoxo.

Cassandre con su esposa Madeleine Cauvet, sobrina de Georges Richard, uno de los pioneros de la industria automotriz de Francia (1932). Fuente: Libro AM Cassandre

2. Cronología de vida AM Cassandre nació, creció y murió en el siglo XX conocido a nivel mundial como el “Siglo de la vanguardización” porque en este período la libertad de expresión a través de la innovación en varios sectores culturales y sociales dejaron precedentes en el mundo. En este período la tipografía fue protagonista y este artista formó parte de los tipógrafos reconocidos y que dejaron huella. Durante su vida, Cassandre recibió muchas influencias de ese modernismo y futurismo que estaba a punto de llegar en la humanidad, gracias a los avances en la tecnología, medicina y ciencia que vieron quienes vivían en esa época. En lo que concierne al arte, en este siglo se pudo apreciar el nacimiento de movimientos artísticos como el modernismo, expresionismo, surrealismo, arte abstracto

y arte contemporáneo; todos ellos influyeron en el artista de alguna u otra manera. También se evidenció crisis en el pensar y actuar de las personas siendo la crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en 1930 las que más impacten en el arte, creando movimientos artísticos de protesta. Durante este siglo se distinguieron dos grandes movimientos: “Las vanguardias históricas y el arte postmoderno. Cabe anotar que la Revolución Industrial se convirtió en una gran influencia en el arte, el caso más curioso de esta etapa es el movimiento impresionista en la pintura y su convivencia con la, aquel entonces, nueva técnica de la fotografía”. (Ecured, 2019) A continuación relacionamos en una línea de tiempo todos los acontecimientos realizados por el artista durante su vida, y de manera comparativa con los principales hechos históricos de la época.

“El lettering desempeña un papel fundamental en los pósteres. El dibujante de pósteres debería siempre empezar a trabajar con el texto y darle, si es posible, una posición central. El artista debería basar el dibujo en la composición y no al contrario...” AM Cassandre

Fuente: creaciรณn propia

Al observar la línea de tiempo, de manera comparativa con los principales sucesos en el arte de la época, podemos deducir que Cassandre también fue motivado e impulsado por las situaciones históricas, sociales y culturales vividas en el siglo XX. El hecho de tener que dejar su país natal y radicarse en Francia, al igual que el cambio socio económico familiar, fueron motivos para salir adelante, darse a conocer y destacarse. De igualmente, la visión modernista que él poseía lo llevaba a destacarse ante muchos otros artistas; como es el caso de cambiar el concepto de cartel y su diseño. Quizás a esto lo motivo expresiones sociales como de libertad, populismo y libertad de expresión.

3. Características formales de su trabajo Las obras de Cassandre se caracterizan por tener características del futurismo y el predominio del estilo caricaturesco de la escuela alemana; además de estar influenciadas por el cubismo de Picasso, el surrealismo de Max Ernst y Salvador Dalí, y la escuela Bauhaus. Sus obras en especial la cartelería se caracteriza por su interés en la tipografía. El cartel para él no es una solo una imagen, el texto tiene un papel protagónico. La tipografía siempre se fijaba de manera equilibrada, Cassandre utilizaba mucho las letras mayúsculas en sus carteles y solía cambiar las formas y las proporciones, dándoles un toque distinto. El lenguaje gráfico utilizado por Cassandre está directamente vinculado al arte contemporáneo: sus ilustraciones se

Autoretrato: Soy Cassandre Fuente: Libro AM Cassandre

caracterizan por los puntos de vista bajos que presentan las figuras en contrapicados que las hacen parecer gigantescas y poderosas, en combinación con la geometrización y simplificación de las formas que provoca una lectura inmediata del mensaje, sus carteles son famosos por su impacto visual, también son impresionantes, por su dominio de la composición, por el cuidado en las tipografías y por el soberbio uso de la forma. Uno de los elementos que caracteriza los carteles de Cassandre es el extremo cuidado que pone en las tipografías. El cartel como elemento comunicativo suele incluir imagen y texto (aunque pueden existir

Dibujo Fuente: Libro AM Cassandre

sólo carteles tipográficos y otros con sólo imagen) y es importante que exista un claro equilibrio entre ambos. Cassandre cuidaba la tipografía en extremo, de modo que sus imágenes contundentes no se vieran afectadas por el texto, pero consiguiendo que el texto no quedara minimizado por el impacto visual. Solía utilizar tipografías de palo seco (lo que le relacionaba directamente con el diseño de vanguardia de principios de siglo) que transmitieran el mensaje a través de la simplicidad. En las obras de este artista se aprecia la influencia de movimientos de su época en el ámbito artístico, como lo son: el Cubismo, el Surrrealismo, la Bauhaus, el Constructivismo, el purismo de Le Corbusier, la nueva tipografía y una marca futurista en los gráficos, que incluyen líneas cinéticas y una sensación de velocidad. A pesar de su predominante influjo de las vanguardias sabe utilizarlas con excelente maestría sólo cuando él lo ve necesario para llegar al público de manera eficaz y directa. En obras como el cartel diseñado para Wagon- Bar en 1932 podemos ver claramente el cubismo vanguardista. Por otro lado, en el diseño realizado para la ferroviaria London Midland and Scotish en 1928 se observa el futurismo propio de la época. Por último, en la publicación para el aperitivo Bonal de 1935 es el surrealismo una de las características fundamentales.

Algo que también se puede apreciar en sus obras especialmente las utilizadas en el ámbito publicitario, es que Cassandre diseñaba sus propuestas de manera abierta, para todo tipo de público; eran muy fácil de comprender y de adaptarse e interpretarse, independientemente de los conocimientos, edad, género, clase social o raza. Igual pasaba con el sector comercial: podía ser un cartel para una ebanistería o para un perfume o para un vino… De hecho su primer cartel “Au Bûcheron” fue diseñado en 1923 para una ebanistería. Las ilustraciones de Cassandre se caracterizan por los puntos de vista bajo (los contrapicados) de los personajes que formaban parte de sus diseños, lo cual le otorgaba un carácter de poder y parecían gigantescas, dándole un gran impacto al mensaje que quería transmitir. También combinaba la geometrización y la simplificación en las formas, logrando una lectura inmediata del mensaje entre el público que veía la ilustración realizada por Cassandre. Un detalle, que se convirtió también en una firma propia del artista, era que sus carteles tenían una tipografía original, creada por él mismo. “Cassandre cuidaba la tipografía en extremo, de modo que sus imágenes contundentes no se vieran afectadas por el texto, pero consiguiendo que el texto no quedara minimizado por el impacto visual.” (Vázquez, 2012) La simplicidad de sus obras también se podía apreciar en las fuentes tipográficas, que por lo general eran de palo seco. Otra característica marcada era el uso de las letras en mayúscula. El color también fue fundamental. El negro y los tonos oscuros predominaron en sus obras pero siempre bien combinados con las letras que acompañaban las gráficas. Su estilo aplicado en el cartel publicitario le abrió las puertas en Europa y Estados Unidos, ya que su genialidad y creatividad en sus diseños le dieron un nuevo estilo al arte comercial a través del cartel. Para este artista “Un cartel está dirigido al apresurado viandante, hostigado por un alud de imágenes de todas las clases, ha de provocar sorpresa, violentar la sensibilidad, y señalar la memoria con una huella indeleble”. (Domínguez, 2020) A continuación se copian algunas obras realizadas por Cassandre. No se describen porque en el próximo capítulo se explican varias de ellas:

Fuente: MOMA

4. Influencias Dentro de la obra y trabajo (principalmente cartelería) de Cassandre nos encontramos con que estos están muy influenciados por algunos movimientos y vanguardias. Cassandre vivió en la época de las vanguardias por lo que su obra reflejó mucho los principios de algunas de ellas, como por ejemplo en primer lugar está el cubismo, puesto que en sus obras observamos además de una composición geométrica y lineal, un trabajo de formas representadas en un solo plano, eliminando en algunos casos esa sensación de profundidad que puede surgir en otras obras, así como también usa colores con una tonalidad baja, un ejemplo de esto puede ser el cartel de Grand sport - 1931. Por otro lado, nos encontramos con el futurismo dentro de algunos carteles, donde apreciamos ese uso de líneas y colores para representar movimiento y sonido,

NeNyto 1928 Fuente: Libro AM Cassandre

rechazando la estética tradicional, tan característico del futurismo, un ejemplo de este uso es el poster de NeNyTo – 1928, y el Boucheron o woodman un cartel creado para un ebanista que ganó el primer premio en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925, una feria mundial, celebrada en París. Luego surge el Art Deco, el cual fue un movimiento artístico en la década de 1920, el cual estuvo inspirado en algunas vanguardias. Este se caracterizó por contener en sus diseños una composición con formas geométricas simplificadas que contrastaban con una decoración lineal, los parámetros estéticos de este movimiento se pueden observar en el póster de Normandie (1935), ya que su apartado visual relata los principios del Art

Deco, teniendo líneas como parte fundamental de su composición y a su vez una ilustración muy controlada y simétrica. Es así que muchos de los movimientos artísticos más importantes, estuvieron presentes en la vida y obras de Cassandre, por su ubicación, claramente son movimientos surgidos en Europa los que formaron su estilo de diseño. Reflejando lo que se vivía en esa época, en cuanto a tendencias de las obras visuales y como esto afecto al diseño en ese momento. (Isabel, 2010) Así en sus trabajos se podía evidenciar la influencia de sucesos de la época y vanguardias artísticas concernientes a las entreguerras del siglo XX como el cubismo, el purismo de Le Corbusier, e incluso el futurismo con los recursos gráficos líneas cinéticas y sensación de velocidad. 4.1 El cubismo y Cassandre El cubismo fue el primer movimiento artístico que se daba a conocer en pleno siglo XX. Pablo Picasso y Georges Braque fueron quienes le pusieron fin a esta tendencia, cuyo impacto se basaba en la abstracción y la subjetividad artística. Estas características fueron acogidas por Cassandre mostrando a través de sus carteles una realidad de las actividades que realizaban las empresas y volcándolo al lado humano y práctico de uso. Para ello el artista empleaba elementos sobredimensionados; un elemento de su obra ya sea humano o un objeto. También incluía formas geométricas que le daban valor a la pintura y hacían enfocar la atracción del observador. De esta manera Cassandre logra que sus obras sean observadas de una manera analítica, cumpliendo uno de los objetivos del cubismo de “crear en el cuadro una realidad propia independiente de cualquier referente y de cualquier intento por lograr la verosimilitud”. (Mouron, Soy Cassandre, 1985) Cassandre también sobreponía en sus obras diferentes planos. Así Cassandre se vio involucrado en esa transformación del arte influenciado por situaciones políticas, económicas, culturales y otras que se dieron a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. El sistema de representación es un dibujo en forma de collage. Es decir, encontramos varias formas una encima de la otra algo típico del cubismo. En cuanto a los tonos del cartel, podemos afirmar que sigue la estructura cromática general de la época; es decir, tonos apagados como negro y mostaza.

El artista se vio influenciado por el desarrollo tecnológico que daba paso a una sociedad industrializada y masiva, en la cual Europa se reemplazaban los sistemas monárquicos por democráticos, y aparición del socialismo y el comunismo como consecuencia de las dinámicas socioeconómicas que generó el capitalismo. Prueba de ello era la captación del instante que representaban sus carteles, como si hubiesen sido tomados por una cámara cinematográfica y contando historia, como si estuviese construyendo una narrativa. Cassandre introdujo la idea del poster en serie: un grupo de carteles que son vistos en una rápida sucesión para captar una idea completa tal como se puede apreciar en el trabajo realizado para el vino aperitivo Dubonnet en 1932. En ellos, Cassandre nos muestra una secuencia compuesta de tres carteles en la que un personaje muy cubista primero contempla una copa de vino, luego la degusta y finalmente se sirve otra copa. Como hemos comentado anteriormente, el cartel adopta un estilo cubista. Cada uno de los carteles que forman esta historieta utiliza una tonalidad diferente: el fondo del primero de ellos es rosa, el del segundo azul y el último fondo amarillo. Lo que los tres tienen en común es que son colores apagados, al igual que los de los demás elementos que componen el cartel. El método de Cassandre es esencialmente geométrico y monumental.

Dubonnet 1932 Fuente: Libro AM Cassandre

4.2 El purismo y Cassandre La influencia del purismo en Cassandre fue muy poca. El artista tenía mucha más tendencia hacia el cubismo. Sin embargo en sus obras se puede apreciar el uso de formas geométricas, al igual que la pureza de las líneas, las formas y los colores, dando una sensación de velocidad visual que facilita la comprensión de lo expuesto ante el público. Cassandre componía carteles más sencillos, dejando atrás toda la ornamentación del modernismo y dando paso a la belleza formal y la simplicidad. También utilizan la misma gama de colores en sus composiciones, tonos serios y oscuros por lo general. Casi siempre colores muy primarios. 4.3 Futurismo italiano Esta influencia en las obras de Cassandre se manifiesta fuertemente en las líneas cinéticas y la sensación de velocidad de una obra muy geométrica. También se considera que el futurismo en sus obras y en su técnica se aprecia en sus obras al adelantarse casi 30 años a las tendencias del Op Art y al exponer claramente las fórmulas de las tendencias pictóricas de las vanguardias artísticas de la época en sus carteles de una forma sencilla que el público podía captar características del cubismo analítico y sintético, purismo, orfismo y clasicismo surrealista. 4.4 Entreguerras del siglo XX La influencia del período denominado Entreguerras influyó en Cassandre en varios aspectos de su vida. Primero que todo en 1914 sus padres decidieron que él permanencia en París, lugar donde pudo observar las consecuencias de la II Guerra Mundial. Posteriormente cuando se dio la Revolución Rusa de 1917, él tuvo que ver cómo su familia huida de su patria, abandonando bienes y propiedades. Un cambio económico tanto para él como para sus seres queridos, en el cual el iniciar de nuevo socialmente le abrió las expectativas de conquistar el mundo y de verlo de una manera oportuna. Así que su educación se dio en Francia, convirtiéndose en testigo de una Europa llena de sueños y anhelos. Cassandre fue capaz de mostrarnos con maestría y genialidad

su tiempo, el tiempo de la belle epoque, cuando el resurgir de unos tiempos bélicos se convirtió en esperanza para muchos y en momentos emotivos para expresarse. Prueba de ello es que en los últimos años de la I Guerra Mundial surgió en Francia, Alemania, Suiza, España y muchos otros países, un movimiento de jóvenes poetas y pintores que dieron lugar a las vanguardias artísticas. El futurismo fue uno de ellos, que se dio en dos períodos, separados por la Primera Guerra Mundial. El primero fue antes de este suceso histórico, en el que en este enfrentamiento bélico moriría una de las figuras más representativas del movimiento Umberto Boccioni, hecho que marcaría también al movimiento mismo. El primer periodo previo a la Primera guerra Mundial se desarrolla

Fausto. Para la Ópera, la iglesia, 1948 (nunca se realizó)

especialmente en el Norte de Italia en

Fuente: Libro AM Cassandre

la ciudad de Milán. El segundo periodo, posterior a la Primera Guerra Mundial, el movimiento artístico giraría en torno a la capital italiana, Roma. En este periodo la publicidad, la tipografía o la moda pasarán a ocupar un lugar trascendente dentro del movimiento futurista. Y fue en este en el cual Cassandre mostró su influencia en varias de sus obras y en sus trabajos varios que realizó. De ahí su interés no solamente por la ilustración sino también por la tipografía y obras teatrales, en las cuales veía una manera de expresión popular y libre; en las calles y en la cual podía dar a conocer su talento de diseñador de escenarios, vestidos y la parte de utilería. 4.5 Alemania En Alemania, surgió una escuela de pensamiento verdaderamente colectiva -y constructiva- muy diferente del concepto elitista de “arte burgués” en lo que respecta al tema de la relación entre la creación artística y las artes industriales y aplicadas.

Ya en 1913, Walter Gropius expuso sus ideas sobre la forma en los productos industriales. Unos dos años antes incluso había diseñado una fábrica. Su enfoque completamente lógico y racional de la estructura marcó el triunfo de la función sobre la consideración puramente estética. Su diseño proclamaba que en lo sucesivo la verdadera belleza arquitectónica residía en lo funcional. Sin embargo, al final de la Primera Guerra Mundial, Gropius había perdido la esperanza de encontrar industriales interesantes en sus ideas, al menos por el momento. El conmovedor texto que se publicó en 1919 como una especie de manifiesto es una llamada vibrante a los jóvenes artistas de la posguerra: "¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver a ponernos en contacto con un concepto artesanal del arte! Ningún artista meramente como profesión. Por lo tanto, unámonos y formemos una nueva corporación de artesanos. ¡Derribemos las presuntuosas distinciones de clase que levantan -y estaban destinados a levantar- un muro de orgullo entre las bellas artes y las artes aplicadas! Es para nosotros sentir la necesidad de concebir, de crear juntos el edificio del futuro que combinará la arquitectura, la escultura y pintar de una forma única y novedosa ". (Mouron, Soy Cassandre, 1985) El proyecto de Gropius fue importante porque su propósito principal era sacar al artista de su torre de marfil y llevarlo a la calle. Desde principios de los años veinte, Gropius atraería a creadores de todos los campos y de todas las nacionalidades a su academia en la Bauhaus de Weimar: no solo arquitectos, escultores y pintores, sino artesanos de todas las artes aplicadas. Su tarea era formar, en un entorno interdisciplinario, artistas plásticos que, se esperaba, eventualmente darían sustancia al sueño de Gropius de una arquitectura total. El plan de estudios de la Bauhaus incluía naturalmente el diseño gráfico. Los sobresalientes experimentos tipográficos de Oskar Schlemmer, Lyonel Feininger, Herbert Bayer y los constructivistas Moholy-Nagy y Lissitzky son un testimonio elocuente -a pesar de su severidad ocasional- de la determinación de estos artistas de ver la escritura "como una obra de arte". Estos diseñadores gráficos propiciaron un retorno a la sencillez y nobleza de las monumentales inscripciones de los antiguos romanos. La tipografía Universal de Herbert Bayer, por no mencionar la Futura de Paul

Renner, refleja el esfuerzo de los tipógrafos de la Bauhaus por la legibilidad y la claridad, y su indiferencia por los temas estrictamente decorativos.

5. El cartel publicitario El interés por los carteles surgió en Cassandre en 1919, cuando comenzó a mostrar deseo por realizar experimentos visuales y al mismo tiempo ganarse la vida. En su prefacio a la primera entrevista de Cassandre, que se publicó en el número de diciembre de 1926 de la Revue de l'Affiche Française, Pierre Andrin da los siguientes detalles sobre los inicios de Cassandre como cartelista: “En 1919, cuando todavía era estudiante en la AcadÈmie Julian, Cassandre presentó un diseño a un concurso organizado por Michelin. Su proyecto, una variación del hombre de neumáticos Michelin, fue poco más que un homenaje a los principales diseñadores de la época; sin embargo, quedó en tercer lugar”. (Mouron, A.M. Cassandre, 1985) El primer proyecto comercial a gran escala de Cassandre fue un diseño para Pates Garres. Este marcó el comienzo de la larga asociación de Cassandre con Hachard & Cie con quien había firmado un contrato exclusivo. “Este diseño para un producto alimenticio fue seguido por un cartel deportivo: el genio alado de las reuniones de aviación del Aéroclub de Bourgogne. Luego, en 1923, llegó el diseño muy conocido de Au Bucheron, seguido, en orden cronológico, por sus diseños para Onoto, Le Nouvelliste, Turmac, Le Kid, Pivolo, Grand-Sport, Florent, L'intransigeant, La Croix Verte y, finalmente, en octubre de 1926, la variación en azul y negro del diseño original de Bucheron ". (Mouron, A.M. Cassandre, 1985) En el libro biográfico que su hijo publica, como homenaje póstumo a su padre AM Cassandre, manifiesta que la razón por la que se volvió cartelista su padre fue netamente económica, lo cual logró con el exitoso diseño para Au Bucheron, que sucumbió a la fascinación del arte en el cartel publicitario de la época. Pero también el éxito se dio por su profundo compromiso de ser excepcional. Este compromiso de Cassandre, que se remonta a algún momento entre 1919 y 1923, fue con toda probabilidad el resultado de una serie de meditaciones morales y

estéticas que reflejan las principales contracorrientes intelectuales que barren el mundo del arte europeo en este momento. El mantenía un verdadero diálogo con su público en cada obra que realizaba. Cassandre define el cartel como una obra pictórica pensada para las masas y, en consecuencia, necesariamente tropezada con el lirismo individual que es la seña de identidad de la pintura de caballete (para la que hay y solo puede haber un público limitado). El concepto de un "arte para la burguesía" está implícitamente condenado. Esto es importante, porque todo el enfoque creativo de Cassandre en ese momento se basaba en el rechazo del arte por parte de la élite. Las opiniones de Cassandre y las del grupo Bauhaus pertenecen a la misma corriente intelectual. Tienen numerosos puntos en común, que se pueden enumerar de la siguiente manera: el rechazo del elemento individual y personal en la pintura; el recurso a los medios ilimitados de reproducción mecánica de la industria; la referencia a las artes aplicadas como depositario de una tradición de anonimato, la única tradición que puede inspirar en el artista la humildad necesaria para la creación de un arte verdaderamente popular; y, quizás aún más crucial, las repetidas referencias a la arquitectura, el entorno por excelencia de la obra de arte visual que extrae de él sus reglas de composición, su estructura geométrica y sus ritmos.

También está el regreso a los orígenes de un auténtico estilo epigráfico de diseño de letras. Gracias a su claridad y sencillez arquitectónica, este es el único estilo que se puede utilizar en la pintura monumental. Pero el significado real del texto de Cassandre radica no solo en la doctrina estética que describe, sino también en la nueva fe que proclama, una fe que Cassandre compartió con los artistas de la Bauhaus. Cassandre consideraba que los carteles no debían llevar firma de quien los realizaba porque estos no eran cuadros de caballete. Sin embargo, solamente uno de sus carteles lleva firma y es el realizado para las reuniones de aviación; considerado por el artista como el único trabajo como cartelista en tener un error: su firma de relleno. También se puede anotar que las letras utilizadas por Cassandre en sus carteles eran muchas propias. Diseñadas por él. En mayúsculas. Consideraba que las letras minúsculas eran simplemente una distorsión manual de la letra monumental, una abreviatura, una alteración cursiva introducida por los copistas. El estilo de Cassandre es todo lo contrario al tipo de estilización tan popular en Art Deco. El estilo y el talento del artista transforman el fenómeno más ordinario, el objeto más humilde de la vida diaria, en una declaración noble y universalmente significativa. Con el Cassandre revela la personalidad única de un artista nato, un artista que, unos quince años después de su muerte, puede parecer desconcertante, tan diverso es su trabajo, pero que fundamentalmente siempre se mantuvo fiel a sí mismo. El deseo de tomar el objeto y convertirlo en el centro de atracción del cartel, naturalmente, también llevó a Cassandre a anclar sus obras en una construcción muy sólida, dándole entonces el tipo de base rigurosamente geométrica que se encuentra con más frecuencia en la arquitectura que en la pintura. Cassandre también sintió la necesidad de establecer su composición en figuras geométricas y "líneas reguladoras" basadas en el ritmo numérico. Esta necesidad es más espectacularmente evidente en sus primeros carteles. Reflejan un interés por el arte callejero -un arte accesible a todos- que obviamente lo llevó a buscar estructuras que pudieran dar a su obra la apariencia anónima de perfección formal. Como Le Corbusier y los artistas italianos del siglo XV, claramente aspiraba a ser a la vez arquitecto y pintor. Cassandre veía en el cartel principalmente una forma de pintura monumental, se esforzó por dar a sus carteles una apariencia lo más plana posible. Consideró la planitud como una de las virtudes cardinales del cartel, que debe abrazar el conjunto en el que se

muestra e integrarse a fondo en la arquitectura urbana. Hizo una regla de nunca, o casi nunca, usar ninguno de los consejos asociados principalmente con la representación tridimensional. Evitaba modelar y sombrear. Se basó exclusivamente en líneas realzadas por tintes y colores planos (como se encuentran en grabados populares, tapices medievales y los frescos italianos de principios del siglo XV). Por regla general, utilizó los colores por sus poderes evocadores más que para crear contrastes cromáticos. Grand-Sport (1925) es la única excepción a esta regla. En 1925 apareció un nuevo elemento en la obra de Cassandre. Esta era la perspectiva, la notación de un espacio tridimensional sugerido. Se convertiría en uno de los componentes vitales de su obra. Está presente por primera vez en La Croix Verte y Onoto (donde Cassandre parece usarlo casi tentativamente). Cassandre manifestaba que la pintura es un objetivo y que el cartel es sólo un medio, un medio de comunicación entre el vendedor y el público, algo así como un telégrafo. “El cartelista es como un telegrafista: no REDUCE mensajes, los DESPLIEGA. Nadie le pregunta qué piensa; todo lo que se le pide que haga es comunicarse de forma clara, poderosa y precisa”. (Mouron, A.M. Cassandre, 1985) Aunque el artista del cartel utiliza los métodos de la pintura, no los utiliza como medio de expresión individual. Para él, estos métodos son un lenguaje anónimo, una especie de código internacional como el código Morse. Cassandre manifestaba que un cartel tenía que contener la solución a tres problemas: óptico, gráfico y poético. El problema óptico es porque el cartel está diseñado para ser visto. Esta visibilidad- es el resultado, no de un simple contraste de color, sino de una relación de valores a la que dan protagonismo las formas en colisión, un accidente formal. El problema gráfico es porque el cartel está obligado a transmitir su mensaje rápidamente. El cartel utiliza el mismo lenguaje: la imagen, el verdadero vehículo del pensamiento; el vocabulario, que se basa en el mismo vocabulario que en pintura y todas las Artes Gráficas está limitado por los requisitos técnicos de la imprenta; además, el cartel debe respetar las leyes que rigen estas otras artes. Está obligado a utilizar la misma gramática, la misma sintaxis, para lograr la misma armonía.

El problema poético es porque el cartel es una imagen combinada con una palabra (o un nombre). Su objetivo es crear, alrededor de esta imagen-palabra, una serie de asociaciones mentales muy simples. Es más, estas asociaciones mentales deben ser inolvidables. Por tanto, no basta con dar al espectador una sensación visual efímera. El cartel tiene que provocar una emoción. Y esta emoción, ya sea que el espectador sea consciente de ella o no, tiene que ser obsesiva.

6. Sus fuentes tipográficas Cassandre también fue tipógrafo, creó varias fuentes bastante conocidas, las inventaba ya sea para incorporarlas a sus afiches como para utilizarlas como logotipos. Así fue como durante su carrera artística siempre el diseño de carteles estuvo ligado a la creación de fuentes tipográficas propias, que serían incluidas en varios de sus proyectos como para que su estilo futurista y Art Deco no desentonara con los mensajes escritos. Así desarrolló 6: Bifur en 1929, Acier en 1930 y Acier Noir en 1936, Peginot en 1937, Tourain en 1947, Graphika en 1960 y Metop Cassandre en 1968. 6.1 Tipografía Bifur La tipografía Bifur es uno de los primeros intentos tipográficos de Cassandre, que muestra la clara impronta del racionalismo geométrico que movimientos de vanguardia y sobre todo la propia escuela de la Bauhaus (1919-1933) ejercieron sobre él. (Palau, 2008) Hoy en día esta tipografía se considera arriesgada e innovadora y en su momento tuvo que ser una auténtica revolución. Combinada formas sólidas y líneas finas paralelas, y era evidente la gran influencia del Art Deco. pretendía romper con “la tipografía de inspiración renacentista”; y lo consiguió. Cassandre describió, en un escrito del Arts et Metiers, que esta tipografía era totalmente de carácter publicitario y diseñada para una sola palabra. Solamente tenía mayúsculas.

6.2 Tipografía Acier La tipografía Acier fue creada en 1930 y en 1936, Cassandre sacó a la luz pública la Acier Noir. Ambas con fines publicitarios y con características de la influencia Art Deco. Estaba editada en dos colores: gris y negro; y se volvió famosa por aparecer en la publicidad de varios productos. 6.3 Tipografía Peginot Esta tipografía fue diseñada en 1937 para la fundición Deberny & Peignot. El rasgo particular de Peignot son las letras de caja baja o minúsculas que son una mezcla de letras mayúsculas reducidas en su altura y letras minúsculas. Es una tipografía decorativa, que en la década de los treinta fue muy popular y experimentó un resurgimiento a finales de los años setenta. 6.4 Tipografía Touraine Esta tipografía fue creada en 1947 y su diseño es muy parecido a la fuente Peignot pero más delgada. La Touraine forma parte del portafolio tipográfico de Deberny & Peigno.

Collage de tipografías de Cassandre Fuente: Libro AM Cassandre

6.5 Tipografía Graphika Esta tipografía fue creada en 1960. Según el portal web de Mais Fontes es una fuente ideal para crear diseños interesantes, cubiertas, tiendas y nombres y logotipos de tiendas. La fuente Cassandre Graphika también es perfecta para proyectos de marca, diseños de artículos para el hogar, empaque de productos, o simplemente como una superposición de texto elegante en cualquier imagen de fondo 6.6 Tipografía Metop Cassandre Este fue el último diseño tipográfico de Cassandre, destinado a la composición fotográfica, pero rechazado por Berthold y Olivetti; dicen que esto le produjo una gran depresión, la cual termina en su suicidio en 1968. Una variante conocida se utilizó para una inscripción epigráfica en el aeropuerto Charles de Gaulle en París y posteriormente en relieve, para redactar los mensajes que decoraban las paredes del Centro de Juegos Olímpicos de Invierno en Flaines, Francia. (Fonts in use, 2018) En 2003, Thierry Puyfoulhoux lanzó una versión digital, en tres estilos; original, normal y atrevido.

"Toda mi vida me han pedido dos tendencias innatas; una necesidad de perfección formal, que me había llevado a seguir el trabajo de un artesano que sabe dónde están sus deberes y límites, y una sed ardiente de una expresión lírica que aspira para liberarse de todas las limitaciones. Impulsos contradictorios y difíciles de reconciliar en estos tiempos. Porque la obra lírica de un artista contemporáneo consciente de su propio destino trágico contiene necesariamente su dolor, su angustia, su desesperación. Como obra de un artesano, que expresa esencialmente la alegría de su propia realización, sólo puede contener una fe en la vida y la durabilidad, una afirmación inequívocamente optimista. Pero, ¿cómo se puede alcanzar esta serenidad gozosa cuando el corazón está lleno de dolor? Tal vez mi miedo a entregarme, casi reprobablemente, al narcisismo, siempre me han impedido expresar líricamente mi propia desesperación. Y sin embargo, ahora me parece que el lirismo es el único honesto ". AM Cassandre

Capítulo II. Análisis de sus obras

Luego de haber terminado sus estudios, Cassandre se vinculó a “talleres gratuitos” en donde practicaba sus habilidades. Esto lo ayudó a reforzar su interés en los carteles, como la manera de pintar y experimentar de manera visual y por supuesto, ganar dinero para poder vivir. Así el artista comenzó a sacarle provecho al arte y por ende inicia una época prometedora para él. La más próspera: entre 1920 y 1940. Fue por ello que se escogió esta época para analizar en este capítulo teniendo en cuenta su brillantez como diseñador a tal punto que fue considerado como uno de los más admirados en Francia. También por su edad, su estilo y la gran producción de obras comerciales. Tal reconocimiento le fue otorgado debido a la utilización marcada de influencias, que supo moldear y adoptarlas a su estilo propio, creando piezas diferentes a las comúnmente desarrolladas. Su primer proyecto comercial a gran escala fue para Pates Garres, el cual también fue el comienzo de la larga asociación de Cassandre con Hachard & Cie, con quien firmó un contrato exclusivo. Después fue un cartel deportivo: el genio alado de las reuniones de aviación del Aéroclub de Bourgogne. Luego, en 1923, llegó el diseño muy conocido de Au Bucheron, seguido, en orden cronológico, por sus diseños para Onoto, Le Nouvelliste, Turmac, Le Kid, Pivolo, Grand-Sport, Florent, L'intransigeant, La Croix Verte y, finalmente, en octubre de 1926, la variación en azul y negro del diseño original de Bucheron . El cartel de Au Bucheron y Dubonet, se detacaron en esa época por el contexto, producto o empresa para la que fueron creados; era la primera vez que se creaba una imagen, por un lado con líneas bien marcadas y figuras estilizadas, y por el otro la influencia de la escuela caricaturista alemana y la sensación de movimiento o el pasar del tiempo, casi como en una tira cómica, integrado en una sola con influencias del cubismo, futurismo y las líneas cinéticas, presentes en la mayoría de sus obras. Para entender mejor el desarrollo de su trabajo es importante estudiar o enfocarse en sus inicios, aquello que le inspiró y le dio las herramientas para formar su

Fuente: creaciรณn propia

legado, además de entender sus momentos de mayor reconocimiento y porque le fue otorgado ciertas distinciones, con el estudio se evidenciará el avance de su trabajo y el vínculo que tenía con su contexto social y cultural. París fue el lugar donde pasó la mayoría de su vida, este entorno le dio y enseñó las herramientas para lo que hoy se conoce como el legado de AM Cassandre (Adolphe Jean-Mouron). Aunque el comienzo como cartelista fue más obtener una solvencia económica que le permitiera independizarse de su familia, sus habilidades y visión fascinaron al público logrando darle un estatus de arte al cartel de la época, dejando atrás el modelo predeterminado de esos años: un cartel con muchas letras y decoraciones repetitivas de figuras que formaban cenefas, y el blanco y negro. Así que ese cambio de presentación del cartel le brindó a Cassandre la oportunidad de conectarse y comunicarse con el público, teniendo en cuenta que era el objeto visual de las personas en la calle, que comunicaban e informaban; esto lo aprovechó. Se dio cuenta que los carteles eran hechos para ser visto, a la luz del día y formaban parte de una rutina de vida de los transeúntes, quienes aprovechaban las publicaciones publicitarias para ver, apreciar, informarse y comentar con quienes se encontraban en la calle. Ese público quería libertad de expresión e igualdad, y veía en los carteles de Cassandre eso, una oportunidad de verse reflejados en la publicidad porque cuando había protagónicos en los carteles siempre eran a través de acciones o labores cotidianas y del común; de poder apreciar arte en las calles de manera no exclusiva como lo hacían los ricos; y de poderse informar de los servicios de las empresas, las tendencias sociales y culturales. Tomar la decisión de cambiar el concepto del cartel tuvo que ser una decisión no fácil para Cassandre. Tuvo que meditar sobre valores estéticos y morales que reflejaban las principales contracorrientes intelectuales que estaban en el mundo del arte europeo por esa época. Y lo logró. El cambio del diseño del cartel fue hasta considerado como la edad de oro del arte porque se reconoció el diálogo entre el artista y su público. También cambió el concepto de una obra de arte como un objeto de arte para introducirle las financias; lo mercantil.

Con su estilo en el cartel, Cassandre dio a conocer su pensamiento sobre el arte y los cambios que podía tener, al igual que ratificó que se identificaba con la corriente intelectual de La Bauhaus con: el rechazo del elemento individual y personal en la pintura; el recurso a los medios ilimitados de reproducción mecánica de la industria; la referencia a las artes aplicadas como depositario de una tradición de anonimato. En las obras de Cassandre se evidencia la creación de arte verdaderamente popular, influencia de la arquitectura en lineamientos como las reglas de composición, estructura geométrica y ritmo; un auténtico estilo epigráfico de diseño de letras; y una pintura monumental llena de claridad y sencillez. De esta manera Cassandre logró hacer que el cartel avanzara hacia un arte colectivo y utilitario. Él se quedó atascado en el tiempo pues quiso crear carteles que cubrieran fachadas o que fueran vallas, que se pudieran colocar en inmensas áreas urbanas. Lo cuál no se pudo en esta época por la limitante de la impresión, que solamente permitía el tamaño carta. Los carteles de Cassandre tenían como centro de composición el texto, de ahí que diseñaba hasta el tipo de letra que iba en sus carteles, otorgándoles a muchos de ellos movimiento, tendencia y asociación de ideas. Todo este estilo lo convirtió en uno de los mejores artistas de la época dedicados a la parte comercial; a tal punto que Estados Unidos puso sus ojos en él para que realice las cubiertas para las revistas Harper´s Bazar y Fortune. Pero su vinculación con la multinacional Container Corporation of America, devuelven a Europa a Cassandre ya sin la fama antes mencionada. Comienza su decadencia en el arte del cartel y se dedica a la pintura, alternada con otra de sus antiguas aficiones: el diseño de decorados y figurines de teatro. Hay que destacar que los hechos históricos de la época, especialmente la guerra, no incidió en Cassandre a nivel profesional en cuanto a la producción de obras. Siempre trató de defender su estilo, profesionalismo y producción, cosa que no pasó a nivel personal y familiar. A continuación analizamos diez obras que seleccionamos y que forman parte de la producción que realizó el artista entre 1920 y 1940. Las fichas técnicas fueron tomadas del libro biográfico que el hijo de Cassandre publicó en honor a su padre.

Tipografía palo seco, organizada a partir de gama seriales y la jerarquía se distingue gracias al puntaje utilizado para cada línea de texto.

La jerarquía se distingue gracias al puntaje utilizado para cada línea de texto, además que el texto principal se destaca su protagonismo.

En la imagen se le da importancia a la acción, no es una representación ﬁel de la realidad; sin embargo integra códigos visuales como la silueta aparentemente negra que permite la lectura de un hombre que sostiene un hacha y la representación del tronco de un árbol derribado. Es una imagen mayormente plana y sugiere volumen a través del manejo del color, tamaño generando puntos de luz y sombra, y composición en forma de V.

Iconografía

Imagen ilustrada, en formato horizontal, con colores cálidos desaturados y análogos al rojo

Es una composición por ley de tercios, los elementos que la integran es una ilustración con elementos orgánicos y geométricos, y el texto en la parte inferior, con un fondo blanco teniendo relevancia en la imagen.

Fuente: creación propia

El texto principal se destaca su protagonismo, siendo de mayor puntaje y de ubicación central, dentro de un recuadro blanco y de colores negro y rojo.

Se utiliza una paleta cromática limitada; el punto focal está centrado y se resalta con las líneas proyectadas.

Integra los colores a esta lectura de códigos, como la sección en color blanco situada en la parte central sobre el fondo mayormente naranja, sugiere al espectador el entorno de un atardecer, todos los elementos implementados generan una lectura adecuada.

Se evidencian letras gruesas que recuerdan un poco a la Capitalis Quadrata de los siglos II al V d.C.

• Au Bûcheron

Fuente: https://cutt.ly/vgf9xfl

Ficha técnica:

1923 Estilo Cubismo Género: cartel Editorial: Hachard & Cie, Paris Galardonado con el Gran Premio en la Exposition des Arts Décoratifs. Realizado por Cassandre para Au Bûcheron y fue diseñado para la ebanistería Le Gran Magasin du Meuble. El cartel tiene un campo horizontal alargado, con composición triangular abierta en forma de V, con la figura de un leñador y el escenario simbólico.

Iconología:

La imagen nos habla de un tiempo a partir de la forma de la

ilustración y la implementación de elementos geométricos, los cuales corresponden a la época donde los artistas utilizaban el motivo escalonado y los rayos de sol estilizados, características propias de un momento donde se tenía una noción futurista industrial, que se caracteriza por ordenamiento elegancia funcional y modernista.

Al ser una época industrial, había un gran flujo de personas en las ciudades debido al trabajo por lo cual era común que las estaciones de metro fueran un lugar bastante concurrido, siendo así el lugar perfecto para situar un cartel como Au Bûcheron, que promociona, publicita una marca, según Robert K. Brown y Susan Reinhold en The poster Art of A.M. Cassandre, la pieza fue creada para la productora de muebles Au Bûcheron, con el objetivo de ser ubicada en las estaciones del metro. Habla de un contexto en el cual la producción, y el comercio son importantes, en el cual se evidencia la mano de obra para realizar un trabajo, en este caso el de conseguir madera. Por ello el protagonista es un leñador, en representación de la clase obrera. El desarrollo del cartelismo desde la Primera Guerra Mundial ya no estaba influenciado principalmente por artistas, sino también por arquitectos modernos e incluso pintores, influyendo en la estilización de las formas implementadas en la imagen. Se perciben las influencias del diseñador, en la creación estilizadas de ilustraciones y la unión o integración de elementos; además del poco tiempo que estudió arquitectura, se podría decir que esta utilización de formas geométricas y estilos escalonados se debe a este corto periodo, además de la implementación de líneas de aireación dinámicas, influencia del uso cubista y líneas simétricas. Según los acabados que presenta la imagen y el material regularmente utilizado por Cassandre se puede decir que la imagen fue realizada utilizando litografía sobre un papel, sin embargo, no se encontraron fuentes que respalden esta afirmación. La imagen sigue siendo eficaz en términos comunicativos porque logra mostrar al espectador su objetivo el cual es transmitir la realización artesanal del producto, además de lograr que a partir de la composición y elementos como el color situar la mirada del espectador en el punto focal, sin embargo, esta obra actualmente no logra comunicar el mensaje de por los trabajadores de la empresa productora de muebles , ya que resume el contenido que quiere comunicar utilizando pocos elementos comunes que tiene relación a muebles, lo único que da a conocer que es de muebles es el texto. Esta pieza gráfica actualmente se percibe como una pieza de colección. Es llamativa visualmente porque se implementó un nuevo estilo gráfico.

Iconografía La utilización de los tonos planos y desaturados, presentan la imagen como plana.

En el cuarto plano se identiﬁca una ﬁgura en perspectiva que nos hace tener la atención primero en el texto y luego nos dirigimos a la parte superior de la imagen.

Cada ﬁgura tiene una orientación dando una apariencia de papel recortado sobre un lienzo, que en algunos casos tiende a salirse.

Está integrado por formas geométricas presentes en los acabados circulares de las formas, y extremos bien pulidos.

La ﬁgura que se sitúa sobre el con características que sugieren una forma de ave que se sitúa en segundo plano y en tercer plano se encuentra una ﬁgura circular de color neutro.

Es una composición en cruz donde los elementos dirigen la mirada del espectador al texto en primer plano ubicado en el centro de la imagen. Imagen vertical, con una paleta limitada de colores y tonalidades desaturadas.

Fuente: creación propia

• Le Nouvelliste Ficha técnica:

1924 Estilo Arte Deco Género cartel Le Nouvelliste fue un diario francés con sede en Lyon. Esta es una de las primeras obras de Cassandre para la publicación política, que representa en un patrón geométrico estilizado en tricolor de temática francesa, cómo el pájaro matutino entrega rápidamente el papel a la puerta.

Iconología:

El texto se encuentra partido para representar que está en un medio

de un periódico y que el pájaro lo está llevando en el pico. Sin embargo, lo que debe destacarse es que, debido a su simplicidad, las mayúsculas, y más especialmente las mayúsculas Sans Serif, se adaptan particularmente bien a los métodos modulares que utilizó Cassandre en sus primeros trabajos. Otra ventaja más de la letra mayúscula es que se puede deformar (distorsionar sus proporciones, reinterpretar sus líneas) sin afectar su legibilidad. Aunque mal visto por los tipógrafos tradicionales, tales distorsiones pueden ser extremadamente útiles en la publicidad donde se justifican por la necesidad de inventar una forma casual que dé prominencia visual a una marca o mensaje.

Fuente: https://www.wikiart.org/es/cassandre/lenouvelliste-1924

Su paleta de color principal son el rojo, blanco y el azul, colores correspondientes a la bandera de Francia

Imagen en formato vertical, utiliza colores desaturados y mayormente fríos. Presenta un juego de ilustraciones (pájaro y copa) como pieza central de la imagen, a las que se le integra un texto con tipografía Bifur, diseñada por Cassandre especialmente para esta obra.

Aquí, Cassandre ilustra la influencia de Bernhard y sus seguidores omitiendo los detalles de fondo y jugando con un juego de palabras Pie vole haut (urraca, vuela alto). En términos de composición y letras, el enfoque de Cassandre es decididamente francés.

En esta pieza logra una síntesis notable en las letras mayúsculas y minúsculas. Donde son intervenidas y cambiadas, en un grado la forma y el tamaño, añadiendo variación de colores sobre cada glifo.

El artista utiliza las letras por primera vez por su impacto visual, como una forma de hacerse eco de la ilustración, más que por su valor semántico o sus cualidades arquitectónicas.

Iconografía

Cassandre divide los elementos separados de cada letra, incluido el espacio entre ellos, en tres colores diferentes. PiVolo es un póster dinámico por derecho propio

El pájaro está compuesto enteramente por curvas y líneas rectas, un enfoque uniﬁcado que se convirtió en un sello distintivo en muchos de sus carteles posteriores.

La ilustración es realizada a partir de una composición por letra en este caso la (U).

La copa de vino fue un motivo muy utilizado en el cubismo sintético y el purismo, al que Cassandre le da una calidad facetada y cristalina que se asocia con los artistas de estos movimientos. Fuente: creación propia

• Pivolo Ficha técnica:

1924 Estilo Arte Deco Género cartel Editorial Hachard & Cie, París

Iconología:

La pieza nos habla de

un tiempo a partir de los códigos visuales que utiliza para aplicar a la pieza como la copa de vino, el pájaro y los círculos que sitúa en el punto de la i. Nos habla de un contexto social a partir de la representación del pájaro y el juego de palabras que propone, donde “pastel” en Francia es urraca, haciendo la asociación del aperitivo con algo agradable, como lo sería un pastel (Pájaro). El texto de Pivolo está diseñado en Bifur. Este cartel brinda la oportunidad de evaluar la importancia del formato y la tipografía al tratarla como superficies, graduarlos de negro a azul -dispositivo que

Fuente: https://www.wikiart.org/es/cassandre/piVolo1924

se repite en la ilustración- y rellenar el triángulo abierto de la V con gris, los transforma en elementos plásticos activos en el cartel. Convierte así el texto en un juego rítmico de líneas, superficies y espacios de conexión. Diseñado para publicidad, Bifur pretendía sorprender se busca quedar en la mente del espectador porque no tienen la apariencia de formas de letras convencionales. Destacó sus cualidades geométricas, eliminó todas las líneas horizontales que no eran

absolutamente necesarias (aplanando sus letras en lugar de sugerirlas) y rellenó los espacios dentro de las letras con gris u otros colores. Cassandre utiliza la copa de vino lo cual es muy utilizado en el cubismo sintético y en el purismo al que Cassandre le da una faceta cristalina en que se asocia con los artistas de estos movimientos. No funciona en términos comunicativos porque utiliza unos códigos propios de la época o relacionados con el entorno francés, como lo es el juego de palabras(pastelurraca) y la implementación de la copa de vino, siendo algo importante o destacado del contexto francés. A nivel gráfico y estético, es eficaz porque al intervenir la tipografía genera dinamismo y no rompe la composición de la letra, además de unos acabados pulidos de las formas, implementando curvas y líneas rectas. La pieza valorada actualmente, como una pieza de colección. Diseñado para publicidad, Bifur pretendía sorprender. Sus personajes se impresionan en la mente del espectador porque no tienen la apariencia de formas de letras convencionales. Casi parecen haber sido producidos por un accidente tipográfico. Adoptando el principio que usó para diseñar la palabra piVolo,

Iconografía

La tipografía tiene una gradación la cual le da un peso visual más fuerte, la titulación tiene un mayor puntaje el cual genera jerarquías sobre el texto del cartel.

Esta gráﬁca está compuesta por trazos simples y manchas de color que generan volumen.

Este es un cartel vertical, con una paleta de colores amarillos con baja opacidad, azules, grises, rojo y blanco, donde se pueden apreciar altos contrastes entre claro y oscuro, los cuales ubican el foco de la imagen en la gráﬁca central que ocupa más del 50% estando en primer plano del peso visual del cartel.

Fuente: creación propia

• Grand Sport Ficha técnica:

1925 Estilo Art Decó Género cartel

Iconología:

Las principales

influencias del cartel de Grand Sport son Picasso y el pintor de la Bauhaus Oskar Schlemmer. La composición general del cartel se remonta a una obra de 1913 de Picasso titulada “L'Étudiant à la Pipe”, en la que el maestro cubista representa una falla modelada casi idénticamente en la cabeza de un hombre que está fumando un tubo. Sin embargo, la forma en que Cassandre dibujó la cabeza y los rasgos faciales se deriva directamente de Schlemmer en su uso de líneas simples para connotar los ojos, la oreja y la nariz. Lo más sutil e interesante del

Fuente: https://cutt.ly/Igf3jqt

cartel es la sugerencia de una perspectiva múltiple, que proporciona un punto de vista simultáneo directo e inclinado hacia la derecha del rostro. Cassandre también refuerza el impacto de la imagen central haciendo un contorno suelto de la cara con un aerógrafo y extendiendo las líneas verticales interrumpidas desde el hombro hasta el bloque sólido gris detrás y encima del sombrero amarillo. Tienen una majestuosidad que cautiva al espectador incluso hoy en día. Su sujeto u objeto, en realidad lo mismo, se maneja con audaz franqueza.

Iconografía

La composición es guiada por unas líneas de proyección ubicadas en la parte lateral derecha de la imagen.

Imagen ilustrada, se evidencia la utilización de colores fríos como las tonalidades de azul y cian, y el color negro, también se encuentra una participación pequeña pero no menos relevante del color rojo, destacando sobre el fondo mayormente azul

Combina un tratamiento muy expresivo del espacio con un segundo tema: la velocidad.

La imagen sugiere volumen (luces y sombras) con la implementación de los colores negro, gris y blanco. Al lado derecho de la imagen hay unas líneas en color blanco en profundidad.

La posición inusual del punto de fuga en la esquina inferior derecha de la ilustración, donde es fácil de identiﬁcar, enfatiza aún más las líneas de perspectiva que convergen dramáticamente, desde los lados del motor hasta el haz de cables telegráﬁcos casi verticales; destacándose, claro sobre oscuro, contra el cielo.

La ilustración está integrada por formas geométricas desde la utilización de círculos como cilindros y líneas rectas.

Esta imagen construida gráﬁcamente genera así su propio signiﬁcado dinámico.

La tipografía presente en el cartel es dinámica desde su ubicación, y la variación de la línea de texto, hasta la variación de colores en la mitad de los glifos, cortando la rigidez del texto o la tipografía implementada.

el mirador está a nivel de la pista (que también es el horizonte y la base de la ilustración). Por lo tanto, el espectador mira la abrumadora masa de la locomotora. Esta es una manera conveniente para que el artista exprese la tremenda potencia del motor ampliﬁcando sus ruedas motrices y bielas. Fuente: creación propia

• Nord Express Ficha técnica:

1927 Género Cartel Editorial: Hachard & Cie, Paris Diseñado por Adolphe Mouron Cassandre; fue incluido en la exposición Art Deco de V&A en 2003. Diseño creado para la empresa Compagnie Internationale des Wagons-Lits

Iconología: Al mirar este cartel, uno siente que el artista se dejó arrastrar por la emoción engendrada por un espacio ficticio que parece casi misterioso en su profundidad. Aquí la perspectiva se inclina bruscamente hacia arriba. El horizonte se empuja hacia los tramos superiores de la composición, dejando espacio suficiente para la estrella de cinco puntas que simboliza el tren expreso. Colocada sobre el punto de fuga donde convergen los raíles, la estrella derrama su luminosidad sobre toda la composición, disolviendo la misteriosa oscuridad que persiste al pie de la ilustración.

Fuente: https://www.wikiart.org/es/cassandre/NordExpress-1927

Es decir, incluyó parte de las innovaciones tecnológicas que el hombre fue creando y la fantasía e ilusión de viajar en

la Estrella del Norte. El lenguaje del artista en esta obra muestra una asombrosa economía de medios; está tan cargado de poesía como cualquiera que hubiera podido soñar. Con Nord Express, Cassandre comienza a utilizar el punto de fuga de formas bastante interesantes y atrevidas. Lo que es tan inusual aquí es que el efecto de retroceso tiene lugar en la esquina extrema derecha de la imagen en un ángulo de noventa grados que se logra haciendo que los cables del telégrafo retrocedan hacia atrás y la locomotora se mueva de izquierda a derecha. Cassandre integra las letras en la materia pictórica primero haciendo que la D dividida y la S final sigan la dirección del primer cable telegráfico y luego modelando los destinos del tren en una vía férrea, parte de la cual lleva las ruedas traseras del tren. De nuevo hay una influencia ligera en la forma en que Cassandre ha modelado la locomotora. Cassandre lo ha idealizado en un conjunto pulido de formaciones de tubos y discos de luz y oscuridad contrastantes, similares a pinturas de Léger como La Partie des Cartes (1917). Al encoger el cuerpo, para dar la racionalización dinámica que es fundamental para el efecto general. El resultado final es uno que produce una versión cinética, futurista y sensación de velocidad de un tren sin que el espectador piense dos veces sobre lo que está mirando.

Iconografía

Imagen en formato vertical, con colores análogos al rojo y fríos, en su composición íntegra formas geométricas y dos líneas onduladas que junto a las formas de nube, añaden un toque artesanal al cartel

La imagen es mayormente plana, sin embargo se evidencia volumen por la utilización del color en las chimeneas industriales generando puntos de luz y sombra, además del aro de luz que rodea la ﬁguras.

La tipografía del título del cartel no sigue un orden lineal, además de contener textura de ladrillos y estar en mayúsculas

El equilibrio entre las formas, y el color degrade en el fondo logran una imagen sencilla y relajada.

Es una composición vertical

Presenta una composición aparentemente rígida por la exactitud y cuidado de las ﬁguras que la integran, sin embargo el equilibrio entre las formas, y el color degrade en el fondo logran una imagen sencilla y relajada.

Fuente: creación propia

• NeNyTo Ficha técnica:

1928 Estilo Art Decó Género cartel

Iconología: La pieza habla de un tiempo a partir de la fecha puesta en el cartel y la imagen de las chimeneas, como evocación a la revolución industrial; además de la intervención que se le realiza a la tipografía en el lugar mencionado en el cartel a partir de la tipografía Rotterdam. La imagen según la representación y la ilustración central, se puede decir que fue creado en un contexto donde el desarrollo de las industrias era algo importante, y el diseño adoptada una representación de acorde al entorno, por lo cual los ladrillos añadidos como textura o la utilización de tipografías palo seco muestra un momento donde en el arte y en el diseño se adoptan algunas influencias de un entorno mecanizado y geométrico. Elementos formativos que se evidencian en la pieza son la proporción para jerarquizar una composición, donde la ilustración y algunos tramados

Fuente: https://www.wikiart.org/es/cassandre/nenyto-1928

como la imagen de los ladrillos sobre el texto, se integran creando, haciendo parte de la misma ilustración, según Robert K. Brown y Susan Reinhold en The poster Art of A.M. Cassandre, este póster muestra la fascinación de Cassandre por las imágenes de la tecnología moderna. Es una pieza realizada a partir de litografía sobre papel, no se encuentra información con relación al medio en que circulaba, pero por su forma y ser incluido entre los carteles de Cassandre, se puede inferir que hacia Si hay un equilibrio entre la composición y a pesar de la rigidez de las formas que integran la composición incluyendo la tipografía, el fondo y los elementos como las nubes o las ondas de humos logran que sea dinámica, actualmente la pieza se le pueden atribuir otras interpretaciones sino se tiene un conocimiento del contexto en el que fue creado o para que, por lo que el mensaje no es del todo claro, sin embargo logra comunicar el mensaje del desarrollo de una época industrial.

Iconografía

El elemento en primer plano está en un tamaño totalmente diferente en relación con el segundo plano, este tiene una paleta de color amarillo desaturado con sombra

Es un cartel vertical digitalizado, tiene una gama de color de oscuro a claro, está constituido por diferentes planos, la superposición de estos generan volumen a la imagen

Al lado izquierdo se genera una especie de mancha que hace alusión a un elemento , los siguientes planos tienen un color diferente que varía en la tonalidad, teniendo formas irregulares. La tipografía es en palo seco, espaciado en la interletra

Fuente: creación propia

• Ecosse Ficha técnica:

1928 Género póster / cartel Medio: litografía Impresora: Cie Artistique de Publicité

Iconología:

Écosse es una de las

naciones cuádruples constitutivas de Roéyôme-Uni. Cassandre unió a su estilo geométrico luces suaves y colores tenues siendo un póster surrealista. Cassandre realizó este cartel para promover los viajes a Escocia, aunque este fue diseñado al principio de su carrera, el cartel refleja el tipo de surrealismo que se volvería mucho más prominente en el trabajo de Cassandre a finales de la década de 1930. Este cartel de paisaje es muy diferente de los otros diseños publicitarios de Cassandre, su intento de cruzar la frontera entre un naturalismo que sin duda debía parecer lleno de asombro y los dictados de un enfoque sintético de la composición fue audaz, si no imprudente.

Fuente: https://cutt.ly/cgf9TjQ

El artista combina los elementos de una visión ampliamente descriptiva, fusionándolos en una imagen notablemente concentrada que parece recortada y colocada sobre un fondo de colores significativos. En otros lugares, su visión se expresa de manera abreviada, casi impresionista.

Cassandre realizó este cartel para mostrar los viajes de Escocia; aquí Cassandre quiso crear una obra asociada al naturalismo que se salía un poco de lo había construido en años pasados en vez de ser una obra audaz fue algo imprudente. Cassandre quería retomar algunos elementos de sus referentes o técnicas y elementos cuando estudió en la Bauhaus, tratando de crear algo diferente dentro de la gama y serie de sus carteles porque tal vez ya no sentía gran satisfacción con lo que había realizado hasta este momento.

Iconografía

Tiene una perspectiva en línea del ferrocarril, el cual está construido también con ﬁguras geométricas con relleno y degradados otorgando volumen a la imagen.

La tipografía utilizada es Sans serif, con una gama serial regular y bold, en la parte superior la tipografía se divide en dos, donde se usa una baja opacidad de esta para que se integre con el fondo. Mientras que en la parte inferior la tipografía se superpone sobre el fondo y tiene un color que genera alto contraste y destaca más.

Imagen vertical y su composición es diagonal con el uso de una paleta de colores grises, blanco y azules con distintas tonalidades, generando altos contrastes en los tonos azules.

Principalmente la gráﬁca está construida con ﬁguras geométricas las cuales a su vez construyen formas representando objetos, donde se superpone el objeto en primer plano con el segundo plano que es la sombra que genera el primer elemento sobre el fondo, siendo este el foco de la imagen.

Fuente: creación propia

• Chemin De Fer Du Nord Ficha técnica:

1929 Medio: Serigrafía Dimensiones: 39 x 24 1/2 "(99,1 x 62,2 cm) Impresora: Danel, Lille Género: Póster / cartel

Iconología:

La Compañía de ferrocarriles del Norte fue una compañía

ferroviaria francesa dedicada a la explotación de la red ferroviaria del norte de Francia de 1845 a 1938. En este póster Cassandre retoma características del futurismo, de la arquitectura y de la geometría. En 1929 fusionó algunas de las ideas gráficas que eran clave de sus dos carteles que había realizado anteriormente para el ferrocarril; la perspectiva que se desvanece siendo formada por los riele convergentes y las líneas telegráficas, y la estrella en equilibrio sobre los rieles mismos) con una aguja de brújula. La forma en que representa la aguja y su sombra es un trabajo de aerógrafo extremadamente elaborado y sofisticado. Cassandre usa el cielo azul y un puñado de nubes para ayudar a que la aguja se destaque, la N negra de la brújula refuerza el NORD. Cassandre había ideado esta idea de una aguja de brújula varios años antes cuando la utilizó para la portada rediseñada de la revista de la compañía del ferrocarril.

Fuente: https://cutt.ly/Ugf9XQx

Iconografía

Composición simétrica cruzada, donde los elementos que integran la imagen parecen ser los mismos en la parte derecha e izquierda, casi como un espejo del otro lado siendo el punto focal de la imagen.

Se minimiza la intrusión del texto manteniéndolo debajo de la imagen y en una escala discreta.

La tipografía es en palo seco, hay una variación de tipografías, gamas y puntajes

Al ser la imagen simétrica, genera que el barco adopte una postura imponente.

Imagen digitalizada en formato vertical, presenta una gama de colores fríos y pequeños detalles en rojo.

Fuente: creación propia

• Normandie Ficha técnica:

1935 Estilo Art Deco Género cartel

Iconología:

La imagen habla de un

tiempo y de un espacio, primero por la ilustración central del cartel, el transatlántico, tienen el estilo particular de los barcos de una época, los acabados de la pieza indican la técnica implementada, esta obra se utilizó para anunciar un crucero transatlántico de French Line. Normandie fue un transatlántico perteneciente a la compañía naviera francesa Compagnie Générale Transatlantique. Construido en 1935, contaba con un diseño avanzado para la época, con modernas líneas y

Fuente: https://cutt.ly/lgf3Aig

tecnología. Se puede decir que describe un contexto en el cual la movilidad, (viajes o transporte de, mercancías) era importante. En el espectador (uno inexperto con relación al trabajo de Cassandre) actual por la referencia del trasatlántico, la lectura del cartel se desvía al Titanic. En la actualidad es catalogada como una pieza de colección.

Iconografía Este cartel está desarrollado verticalmente, con una paleta de colores grises, cafés, amarillo y rojo.

La gráﬁca está compuesta con base en ﬁguras geométricas las cuales estructuran el escenario que se representa. También está compuesta con degradados los cuales generan volumen.

El contraste entre el fondo y los elementos genera un foco atencional sobre estos, ya que destacan visualmente en la composición.

La tipografía tiene una gama serial, que se usa para dar jerarquías al texto junto con el color que tienen de relleno.

Es un tríptico que logra la misma calidad dinámica que Paris Films, utilizando medios mucho más sutiles.

Lo que más destaca de este cartel es cierta limpieza en la composición puesto que esta tiene trazos ﬁnos, contrastes marcados, una paleta de color reducida y algunos espacios en blanco que pueden dar aire y equilibrar el peso visual.

Fuente: creación propia

• Dubonnet Ficha técnica:

1935 Editorial: Alliance Graphique, Paris Género cartel Cartel realizado para la empresa de vinos Dubonnet para lanzar su eslogan publicitario "Dubo, Dubon, Dubonnet" (un juego de palabras que significa "Es bueno; es bueno; es Dubonnet"), que todavía se puede encontrar en las paredes de las casas en Francia.

Iconología:

Esta pieza se realizó para la publicidad de un vino, Dubonnet es una

bebida dulce y aromática con vino que se toma en los aperitivos. La silueta y los gestos característicos de la figura, que debían prestarse a diversas variaciones cómicas, han inmortalizado el aperitivo típicamente francés. Él fue quien inició el concepto del cartel en serie, un grupo de carteles que transmite una idea completamente interesante a través de una rápida sucesión. Aprovechando la captura de una acción (tomar vino o aperitivo) en secuencia tomando como referente la cámara cinematográfica; además el uso del vestido elegante.

Fuente: https://www.wikiart.org/es/cassandre/dubo-1932

"Un cartel, a diferencia de una pintura, no es ni está destinado a ser, una obra que se distingue fácilmente por su - manera - un espécimen único concebido para satisfacer los exigentes gustos de un solo amante del arte más o menos ilustrado. Está destinado a ser un Objeto producido en serie que existe en miles de copias como una pluma estilográfica o un automóvil. Como ellos, está diseñado para responder a ciertas necesidades estrictamente materiales. Debe tener una función comercial. No necesito enfatizar que mi principal y constante cuidado es renovarme sin cesar. Mucha gente muy bien intencionada me pide que haga carteles, al estilo de "Au Bucheron", como si tuviera la libertad de seguir produciendo placas electrotípicas de un diseño una vez que haya encontrado el favor. con el público y establecerse! Tales repeticiones están fuera de discusión. Además, equivaldrían a una especie de suicidio para el artista. Cada póster es una nueva experiencia, o más bien una nueva batalla que librar y ganar. El éxito no le llega al artista que intenta engatusar al espectador con palabras suaves. Se trata del artista que barre al público como un húsar, o más bien (si se me permite esta imagen) que lo viola". A.M. Cassandre

Conclusión Gracias a sus trabajos artístico y al registro de los mismos a través de los años, AM Cassandre ha sido considerado como un ícono del diseño gráfico y del cartel publicitario, al igual que como artista plástico y en los demás roles en que él se desempeñó. Alcanzó notoriedad profesional gracias al su creatividad e innovación en los recursos utilizados, marcando así tendencia y registrando las bases del diseño gráfico en la actualidad. También generó recursos visuales que trascendieron en el tiempo y definió la concepción y utilidad del cartel como medio de comunicación preciso y masivo. Sus obras parecen no haber pasado de moda gracias a las dimensiones, los colores y relevancia protagónica que muchas de ellas tenían. Supo expresarse de manera propia y original; además que era un apasionado por su arte, a tal punto de dedicarse a crear tipos de letras única y exclusivamente para sus carteles. Al estudiar su vida y obra es evidente observar las dos etapas de Cassandre: un antes y un después de Norteamérica, que concuerdan con sus éxitos como cartelistas y su ocaso como artista. Deja como enseñanza que el arte y el diseño son una pasión. Que el crear debe hacerse para ser inmortales en el tiempo y para dejar huella; y que la comunicación e interpretación del público es esencial, por ello hay que realizar diseños claros, directos y que se comprendan a primera vista.

Referencias bibliográficas

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