Catálogo de Artes

Catálogo de História da Arte Luísa Cervi Carvalho luisacarvalho852@gmail.com Bacharelado em Design - 4° semestre Centro Universitário Senac Dezembro de 2021

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Este é um trabalho acadêmico da disciplina História da Arte, Prof, Lázaro Elizeu, elaborado durante o curso de Design. O catálogo aborda todo o panorama da arte da Pré-história a Arte Contemporânea e tem o objetivo a análise de obras, artistas e movimentos, para que haja um melhor entendimento sobre a trajetória da arte durante todos esses anos da história.

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capítulo 1. panorama da arte

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capítulo 2. a questão do belo e do feio

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capítulo 3. polêmica e agressividade na arte

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capítulo 4. as bienais e a documenta de kassel

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capítulo 5. arte no pós- guerra

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capítulo 6. arte e design

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capítulo 7. arte e fotografia

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capítulo 8. videoarte

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capítulo 9. perfomance e happenning

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capítulo 10. instalação de arte e site specific

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PRÉ-HISTÓRIA

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PRÉ-HISTÓRIA A arte pré-histórica é aquela produzida durante os períodos cronológicos da Pré-História, dividida entre os períodos: Paleolítico (“Idade da Pedra Lascada”, desde o surgimento da humanidade até 8000 a.C), Neolítico (“Idade da Pedra Polida”, de 8000 a.C até 5000 a.C) e a Idade dos Metais (de 5000 a.C até por volta de 3500 a.C; surgimento da escrita). A arte pré-histórica inclui produções artísticas como pinturas rupestres e gravuras feitas em pedra, além de esculturas e estatuetas. O objetivo dessas produções é alvo de debate entre os historiadores, mas teorias apontam para duas teses: uma forma de expressão ou uma forma de o homem conectar-se ritualísticamente com a natureza.

No período Paleolítico, o grande destaque são as pinturas rupestres, que são as gravuras desenhadas nas paredes de cavernas. Os especialistas acreditam que as pinturas rupestres tenham surgido aproximadamente há 40 mil anos em grupos humanos que já possuíam domínio do fogo e tinham acesso a ferramentas produzidas por meio da lascagem de pedra. Essa arte, em geral, mostra o homem em meio a grandes grupos de animais, representando, principalmente, cenas de caçadas, mas também retrata outras cenas do cotidiano humano e seu estilo de vida nômade - com características muito fortes do naturalismo, buscando fidelidade com a imagem observada.

A arte rupestre utilizava materiais como terra, carvão, sangue, flores etc. Os principais exemplos dessa arte são encontrados na Caverna de Chauvet e Lascaux, na França, mas também estão em outros locais, como Espanha, Austrália, Argentina etc. Aqui no Brasil o grande centro de arte rupestre fica na Serra da Capivara, localizada no Piauí.

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PERÍODO PALEOLÍTICO

Vênus de Willendorf

Existem também pequenas esculturas que foram produzidas nesse período.

Nesse caso, o grande destaque são as estatuetas de Vênus, produzidas entre 40.000 a.C. e 10.000 a.C. Essas estatuetas conhecidas como Vênus reproduzem sempre um corpo feminino nu com formas bastante voluptuosas, destacando-se os seios grandes e os quadris largos.

Essas esculturas são entendidas como um registro relacionado com um culto à fertilidade, o qual pode estar associado como uma divindade conhecida como Deusa Mãe. A estatueta Vênus mais conhecida é a Vênus de Willendorf, localizada na Áustria e que tem aproximadamente 25 mil anos de existência.

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Caverna Lascaux, França

Cova das Mãos - Santa cruz, Argentina

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PARQUE NACIONAL DA SERRA DA CAPIVARA - PIAUÍ, BRASIL

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PERÍODO NEOLÍTICO

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Esses avanços refletiram-se diretamente na construção dos monumentos megalíticos, isto é, enormes complexos feitos por um amontoado de grandes rochas. Esses monumentos são encontrados em diferentes partes do mundo e estão diretamente relacionados com a necessidade do homem de criar registros em homenagem aos seus antepassados. Podem também ter relação com a marcação do tempo ou com a observação dos astros.

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O período Neolítico apresenta grandes transformações e avanços em relação ao Paleolítico – embora de modo não uniforme. Esses avanços podem ser destacados, principalmente, pela sedentarização do homem por meio do domínio das técnicas agrícolas e da domesticação dos animais.

Isso permitiu que o homem desenvolvesse novas ferramentas, que trouxeram melhoria para a sua vida. Um dos grandes avanços do Neolítico está relacionado com as construções, uma vez que pouco a pouco o homem foi desenvolvendo habilidades arquitetônicas.

O Círculo de Pedra de Stonehenge perto de Amesbury, na Inglaterra

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O homem não precisava mais ter os sentidos apurados do caçador do Paleolítico, e o seu poder de observação foi substituído pela abstração e racionalização. Como consequência surge um estilo simplificador e geométrico, sinais e figuras mais que sugerem do que reproduzem os seres.

Os próprios temas da arte mudaram, começaram as representações da vida coletiva - nesse contexto ocorre um desafio na técnica artística, dar a ideia de movimento através da imagem fixa, então eles começaram a criar figuras com traços pequenos que aparentam leveza e agilidade.

IDADE DOS METAIS

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Além de desenhos e pinturas, o artista do Neolítico produziu uma cerâmica que revela sua preocupação com a beleza e não apenas com a utilidade do objeto, pois armazenava e transportava os grãos excedentes da agricultura. Na mesma época em que se inventou a cerâmica – por volta de 5 mil a.C. – o homem conheceu os metais.

Na Idade dos Metais, a Arte na Pré-História começa a desenvolver um outro aspecto com o desenvolvimento da metalurgia e a expansão das técnicas de fundição. Os homens primitivos aprenderam a forjar metais (ferro, bronze, estanho), o que permitiu uma maior precisão durante a fabricação de instrumentos e ferramentas para as práticas agrícolas.

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Diante desse desenvolvimento, as comunidades desse período sentiram a necessidade de expansão, provocando, dessa forma, a disputa por terras e formação de civilizações grandiosas. O ferro foi o último metal descoberto. Ele surgiu a partir de 1.500 a. C na Ásia. Embora ele tenha sido o mais difícil de se trabalhar, o material configurou uma das armas mais eficiente para a sociedade primitiva, além de representar um grande avanço para a Arte na Pré-História.

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EGÍPCIA

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A ICPÍGE

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Sarcófago de Dioskourides

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Entendemos como arte do Antigo Egito todas as manifestações artísticas produzidas por esse povo, entre os anos de 3200 a.C. a 30 a.C., aproximadamente.

A arte egípcia assumiu, sobretudo, a forma da pintura, escultura e arquitetura, estando intimamente ligada à religião, eixo em torno do qual todo o sistema social girava. A expressão artística tinha, então, a função de aproximar os humanos e os deuses, refletindo vários preceitos religiosos.

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Ela estava também ancorada na ideia da morte como uma passagem para outro plano, onde o faraó (que tinha poderes de caráter divino), os seus familiares e também os nobres poderiam seguir existindo.

A arte funerária manifestava-se através de estatuetas e objetos colocados juntos aos corpos, a própria arte de embalsamar; mumificação, os sarcófagos ricamente adornados e as grandes pirâmides, que serviam como morada eterna dos faraós.

Na pintura egípcia, as convenções para a criação eram muito fortes e a forma como eram executadas determinava a qualidade do trabalho. Uma das principais regras era a lei da frontalidade, que ordenava que os corpos deveriam ser pintados em dois ângulos diferentes.

O tronco, os olhos e os ombros deveriam surgir na posição frontal, enquanto a cabeça e os membros eram apresentados de perfil. A intenção por trás desta posição tão invulgar era sublinhar as diferenças entre a arte e a realidade.

Frequentemente, os desenhos eram acompanhados de hieróglifos; é o que acontece no Livro dos Mortos, uma coletânea de papiros que eram colocados nos túmulos. As tintas, produzidas a partir de minerais, acabaram se desgastando com a passagem do tempo.

Estas pinturas eram marcadas por um conjunto de simbologias presentes até nas cores utilizadas. Por exemplo: o preto representava a morte, o vermelho significava energia e poder, o amarelo simbolizava a eternidade e o azul homenageava o Nilo.

Vivendo numa organização social com papéis e hierarquias extremamente definidos, os egípcios criavam pinturas que exprimiam essas divisões.

Assim, o tamanho das figuras apresentadas nas imagens não dependia da perspectiva, mas da sua importância no tecido social, do seu poder.

Podemos entender os hieróglifos egípcios como base da comunicação visual, em que uma linguagem foi criada a partir de símbolos e desenhos que podiam representar ideias, conceitos, objetos, animais e até emoções ou sentimentos. Isso acontece até os dias de hoje na área do Design com a criação de identidades visuais.

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A arte africana representa os usos e costumes das tribos africanas. O objeto de arte é funcional e expressam muita sensibilidade. Nas pinturas, assim como nas esculturas, a presença da figura humana identifica a preocupação com os valores étnicos, morais e religiosos. A escultura foi uma forma de arte muito utilizada pelos artistas africanos usando-se o ouro, bronze e marfim como matéria prima. As mais antigas encontradas, datam de 1.500 a.C., e foram produzidas pela cultura Nok, na região onde hoje se localiza a Nigéria.

Representando um disfarce para a incorporação dos espíritos e a possibilidade de adquirir forças mágicas, as máscaras têm um significado místico e importante na arte africana sendo usadas nos rituais e funerais. As máscaras são confeccionadas em barro, marfim, metais, mas o material mais utilizado é a madeira. Para estabelecer a purificação e a ligação com a entidade sagrada, são modeladas em segredo na selva.

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Escultura em terracota da cultura Nok, na atual Nigéria.

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A pintura é empregada na decoração das paredes dos palácios reais, celeiros, das choupas sagradas. Seus motivos, muito variados, vão desde formas essencialmente geométricas até a reprodução de cenas de caça e guerra. Serve também para o acabamento das máscaras e para os adornos corporais. A mais importante manifestação da arte africana é, porém, a escultura. A madeira é um dos materiais preferidos. Ao trabalhá-la, o escultor associa outras técnicas (cestaria, pintura, colagem de tecidos).

As “máscaras” são as formas mais conhecidas da plástica africana. Constituem síntese de elementos simbólicos mais variados se convertendo em expressões da vontade criadora do africano.

A expressividade utilizada nas obras da Arte Africana, principalmente nas máscaras, veio a inspirar muitos artistas posteriormente na história da Arte, foi o caso de Pablo Picasso no Cubismo.

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GRECO-ROMANA

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GRECO-ROMANA

Chamamos de arte greco-romana as manifestações artísticas, que tiveram início na Grécia Antiga e sua absorção e desenvolvimento na civilização romana. Portanto, podemos dizer que é a arte que representou o período da Antiguidade Clássica.

A arte greco-romana se desenvolveu, aproximadamente, entre os séculos VIII a.C e V. Tem sua origem na civilização creto-micênica, que se desenvolveu na Ilha de Creta. Porém, foi no século V a.C, que esta arte teve grande desenvolvimento na Grécia, principalmente na cidade-estado de Atenas. Foi um período de grande criatividade e desenvolvimento artístico e cultural.

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Na primeira metade do século IV a.C, Alexandre, o Grande (rei da Macedônia) dominou a Grécia.

Grande apreciador da cultura grega, Alexandre difundiu a cultura dos gregos para as regiões por ele conquistadas. Este processo, que foi continuado por seus sucessores, ganhou o nome de Período Helenístico e durou até 146 a.C (conquista da Península Grega pelos romanos).

Os romanos, após conquistarem a Grécia, absorveram vários aspectos da cultura grega. Portanto, a arte romana foi marcada pela forte influência grega.

Os artistas gregos buscavam representar, através das artes, cenas do cotidiano grego, acontecimentos históricos e, principalmente, temas religiosos e mitológicos. As grandes obras de arquitetura como os templos, por exemplo, eram erguidas em homenagem aos deuses gregos.

Outras importantes características gerais, da arte grega, que podemos citar são: valorização do ser humano, busca da beleza estética, representação de valores morais e cívicos e a busca pela representação da natureza.

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As esculturas gregas transmitem uma forte noção de realismo, pois os escultores gregos buscavam aproximar suas obras ao máximo do real, utilizando recursos e detalhes. Nervos, músculos, veias, expressões e sentimentos são observados nas esculturas. A temática mais usada foi a religiosa, principalmente, representações de deuses e deusas. Cenas do cotidiano, mitos e atividades esportivas (principalmente relacionadas às Olimpíadas) também foram abordadas pelos escultores gregos.

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Uma característica da arte romana era a suntuosidade. Os imperadores buscavam construir obras grandes e vistosas como uma forma de demonstrar seu poder e importância política para a sociedade romana.

A pintura mural (afrescos) recorreu ao efeito da tridimensionalidade. Os afrescos da cidade de Pompéia (soterrada pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são representativos deste período. Cenas do cotidiano, figuras mitológicas e religiosas e conquistas militares foram temas das pinturas romanas.

Os gêneros artísticos mais comuns na pintura romana eram: paisagens, retratos, arquiteturas, pinturas populares e pinturas triunfais.

Já na elaboração de esculturas, os romanos buscaram seguir o estilo grego. Um dos principais objetivos dos escultores romanos era a busca pela perfeição. Os deuses e imperadores foram os principais temas das esculturas na Roma Antiga.

O grande foco desse movimento foi em relação a estética do corpo; a exaltação do corpo perfeito, do equilíbrio.

Quanto maior, mais forte, mais saúdavel, melhor, isso passava uma imagem de poder para a sociedade da época.

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A arte medieval está ligada a um período conhecido como Idade Média, que durou aproximadamente desde a queda do Império Romano em 476 d.C. até o início do Renascimento, em 1300.

O trabalho produzido durante essa época surgiu da herança artística do Império Romano e do estilo iconográfico da igreja cristã primitiva, ligada com a cultura “bárbara” do norte da Europa.

O que foi produzido ao longo desses dez séculos rendeu diversos estilos e períodos artísticos, entre eles os primeiros estilos cristãos e bizantinos, anglo-saxões e vikings, românico e gótico.

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A arte medieval era predominante nas regiões europeias, no Oriente Médio e no norte da África, e alguns de seus exemplos mais simbólicos podem ser encontrados em igrejas, catedrais e outros locais com doutrinas religiosas.

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Sob a influência do clero católico, as principais produções medievais foram no campo da arquitetura, da pintura e da escultura. A maioria das obras de arte do período não tem autoria definida, pois o pensamento medieval pregava que o verdadeiro autor das obras era Deus e que, por meio dos seres humanos, expressava suas ideias e vontades.

Na época se destacou, principalmente, o uso de materiais valiosos como ouro para objetos nas igrejas, jóias pessoais, fundos para mosaicos e aplicados como folhas de ouro em manuscritos.

Embora a Idade Média não comece e nem termine em uma data específica, os historiadores da arte geralmente classificam a arte medieval nos seguintes períodos: Arte Medieval Inicial (Arte Bizantina), Arte Românica e Arte Gótica.

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Embora a arte produzida no Império Bizantino fosse marcada por reavivamentos periódicos de uma estética clássica, ela foi marcada sobretudo pelo desenvolvimento de uma nova estética definida por seu caráter “abstrato” ou anti-naturalista. Se a arte clássica foi marcada pela tentativa de criar representações que imitam a realidade da forma mais próxima possível, a arte bizantina parece ter abandonado essa tentativa em favor de uma abordagem mais simbólica.

O mosaico é a expressão máxima da arte bizantina e, não destinando-se somente a decorar as paredes e abóbadas, serve também de fonte de instrução e guia espiritual aos fiéis, mostrando-lhes cenas da vida de Cristo, dos profetas, e dos vários imperadores. Plasticamente, o mosaico bizantino não se assemelha aos mosaicos romanos; são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem também os afrescos. Neles, por exemplo, as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade; a perspectiva e o volume são ignorados, e o dourado é utilizado em abundância, pela sua associação a um dos maiores bens materiais, como o ouro.

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A Arte Românica faz referência a um estilo que surgiu durante a Idade Média, mais precisamente na Alta Idade Média (entre os séculos XI e XIII). O termo “Românico” está intimamente relacionado com às influências do Império Romano, que dominou durante séculos quase toda a Europa Ocidental.

Na arquitetura românica, podemos destacar alguns elementos característicos, como a horizontalidade, ou seja, as edificações não possuíam estruturas muito altas. Diversas igrejas, mosteiros, conventos e catedrais foram construídas nesse estilo. Havia ainda a utilização das abóbodas, que podiam ser de dois estilos: as de berço e as de arestas.

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Por conta de sua grandiosidade e solidez, foram chamadas de “fortalezas de Deus”

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Era utilizada a técnica do afresco, em que a pintura era feita sobre uma parede úmida. Diversos murais, iluminuras e tapeçarias surgem com temas religiosos. Feitas em cores vivas e fortes, elas preenchiam as paredes dos templos religiosos.

Assim, Jesus poderia ser retratado maior do que as outras personagens para trazer a noção de magnitude) e o colorismo (aplicação de cores puras, sem meios-tons e preocupação com jogos de luz e sombra.)

Isso porque na Idade Média, poucos sabiam ler e escrever e, assim, essas pinturas serviam de “alfabetização religiosa” para os mais leigos.

Temas bíblicos e religiosos marcam a pintura românica. Geralmente, essas pinturas adornavam as igrejas e catedrais da época.

Como características principais da pintura desse período, temos a deformação (para transmitir os sentimentos religiosos, as figuras nem sempre eram produzidas nas proporções certas.

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A arte gótica foi uma expressão artística da Baixa Idade Média (século XII) que perdurou até o Renascimento.

Denominada de arte das catedrais, ela era realizada nas cidades. Foi uma reação ao estilo românico e pretendeu rivalizar com os mosteiros e basílicas que eram construídos no campo.

Ela marca o triunfo das cidades, onde a Igreja percebe ter o apoio de uma grande parcela dos fiéis, para quem irá construir catedrais.

Elas representavam símbolos do poder político da Igreja e econômico da burguesia.

Serão as catedrais a exaltarem a beleza do ideal divino, por meio de uma harmonia permeada pela religiosidade.

A desmaterialização das paredes, agora mais finas e leves, bem como a distribuição da luz no espaço, possibilitada por um número maior de vãos e janelas, e os emblemáticos vitrais, permitiu um espaço mais livre e luminoso.

A luz mística e a grandiosidade constituem o veículo para comunhão com o divino, pois estavam mais próximo do céu.

O arco em ponta e a rosácea - também chamada de mandala - serão atributos continuamente presentes nesse estilo arquitetônico, o qual busca substituir o horizontalismo românico pela verticalidade gótica.

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É entendido como Renascimento o período em que a cultura passa a sofrer grandes influências de ideais da antiguidade clássica greco-romana.

O resultado foi que o estudo de Deus como Ser Supremo foi substituído pelo estudo do ser humano, inclusive com o estudo da anatomia. Desde retratos detalhistas, como a intensidade emocional e a iluminação surreal, a arte foi o meio de explorar todas as facetas da vida na terra.

Tem início na Itália por volta do século XIV e desenvolve-se até o século XVII, compreendendo a chamada Idade Moderna. Nessa fase da história, há progressivamente um despertar de valores humanistas e antropocentristas, que colocavam o ser humano como centro do universo.

As artes refletem essas concepções, seja por meio da literatura, pintura, escultura ou arquitetura. São características renascentistas a busca pela harmonia, simetria e equilíbrio nas composições artísticas, além do desenvolvimento da perspectiva e profundidade.

A expansão marítima com a exploração de novos continentes e a pesquisa científica proclamavam a confiança no homem e, ao mesmo tempo, a Reforma Protestante diminuía o domínio da Igreja.

RENASC A arquitetura do Renascimento é caraterizada por um revivalismo clássico, sendo que as ordens arquitetônicas (dórica, jônica, coríntia, toscana e compósita) retornam, assim como o arco de volta-perfeita.

Na projeção e construção dos edifícios segue-se um rigor matemático, e há também uma separação definitiva entre a arquitetura e a escultura e a pintura, pois a imponente grandiosidade da nova arquitetura não permitia à escultura ou à pintura qualquer destaque, brilhando ela própria sozinha sem mais ajuda.

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De uma forma geral, a escultura renascentista, recuperando a sua independência, ganha grandiosidade, volume e realismo, além de reavivar também a sensualidade do corpo nu tão característica da época clássica.

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Sendo que os primeiros passos rumo ao Renascimento foram dados primeiramente pela escultura e pela arquitetura, a pintura vai seguir o mesmo caminho cerca de uma década depois, espelhando nas suas composições os feitos destas.

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Os princípios aplicados à arquitetura, como o rigor matemático das proporções e a perspectiva são usados na pintura, e nas composições pictóricas as figuras são agora enquadradas na arquitetura falsa ou paisagem à escala, respeitando as proporções de cada elemento, conferindo assim profundidade e mais realismo à pintura.

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A profundidade dos interiores representados na pintura renascentista são possíveis de medir, e os mesmos transmitem a ideia de que se as figuras quisessem poderiam se movimentar à vontade. Predomina a técnica do óleo por oposição ao fresco, o que propiciou que as obras pictóricas se tornassem mais móveis. Proliferam também os retratos.

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O Barroco foi um estilo artístico nascido na Itália no século XVI que se espalhou pelos países da Europa e pela América Latina. Caracterizado pela dualidade entre o antropocentrismo e o teocentrismo, o Barroco permaneceu vivo no mundo das artes até as primeiras décadas do século XVIII. De estética rebuscada e extravagante, com requinte e excesso de adornos e representações do divino, o estilo barroco dominou a arquitetura, a literatura, a pintura e a música no século XVII e nas primeiras décadas do século XVIII, se expandindo como uma arte eclesiástica.

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A Igreja, preocupada naquele momento em frear os avanços da Reforma Protestante, teve um grande papel no movimento. O enfraquecimento do poder católico promoveu a disseminação dessa arte sinuosa e dramática utilizada como meio de reafirmação dos valores cristãos por meio de imagens que pretendiam causar impacto semelhante ao das esculturas. Não por acaso, o barroco nasceu na Itália, centro do poder católico, e ganhou igual força entre os países ibéricos.

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A arte barroca apresenta, sobretudo, características bastante detalhistas, dramáticas e expressivas que de alguma maneira mexem com o emocional do espectador. A pintura barroca assumiu características realistas e um ousado contraste de claro-escuro a fim de intensificar a noção de profundidade, além disso, a luz tem o objetivo de conduzir o olhar do espectador à cena principal.

Na arquitetura, o Barroco utilizou elementos para dar a impressão de dinamismo, esplendor e grandiosidade tanto nas fachadas quanto no interior. Elementos sinuosos como os espirais e formas contorcidas eram usados para conferir efeitos ilusórios reforçando a impressão de movimento ascensional.

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O Barroco foi uma forma da Igreja mostrar sua riqueza e poder para tentar conter seus fiéis da onda da Reforma Protestante que se propagava na época. Os reis também gostaram muito dessa estética do “excesso” e aplicaram em seus palácios; como o Palácio de Versalhes (1682), extremamente luxuoso, tendo centenas de aposentos decorados com mármore, móveis de prata e decorações em ouro.

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O estilo Rococó aparece na Europa do século XVIII e, tendo a França como seu principal precursor, se espalha em vários países do Velho Mundo e alcança algumas regiões das Américas, como o Brasil. Para muitos historiadores da arte, o Rococó pode ser visto como um desdobramento do barroco em que vários artistas passam a valorizar o uso de linhas em formato de concha e a função decorativa que a arte poderia exercer.

Em geral, a substituição das cores vibrantes do Barroco por tons rosa, verde-claro, estabelecem uma primeira diferenciação entre os dois estilos. Além disso, a originalidade do Rococó é conferida no abandono das linhas retorcidas e pela utilização de linhas e formas mais leves e delicadas. Do ponto de vista histórico, essa transformação indicava o interesse burguês em alcançar o prazer e a graciosidade nas várias obras que eram encomendadas à classe artística da época.

A relação do Rococó com a burguesia também pode ser vista em boa parte dos quadros que definem esse tipo de arte. Ao contrário da forte religiosidade barroca, a pintura desse estilo valoriza a representação de ambientes luxuosos, parques, jardins e temáticas de cunho mundano. As personagens populares perdem espaço para a representação dos membros da aristocracia. A jovialidade e a edificação do prazer, o tédio e a melancolia são os estados emocionais que geralmente contextualizam os quadros do Rococó.

A disseminação do Rococó pela Europa foi responsável por variações que fugiram da tendência aristocrática que predominou neste estilo. Ao alcançar países como Portugal e Espanha, o rococó penetra a esfera religiosa.

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No Brasil, o Rococó, sob grande influência religiosa, foi marcado pelas grandes obras de Mestre Ataíde, em conjunto com Mestre Aleijadinho, escultor, entalhador e arquiteto. Trabalhos em talha, pinturas sobre painéis e pinturas em forros de igrejas estão espalhadas por algumas cidades mineiras. A dupla atuou e colaborou muito no período barroco-rococó nacional.

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EOCLASSICISMO

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Recebeu esse nome uma vez que esteve baseado nos ideais clássicos. Trata-se de um movimento de oposição aos exageros, rebuscamento e complexidades do Barroco-Rococó.

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O Neoclassicismo representa um movimento artístico e cultural que envolveu a literatura, a pintura, a escultura e a arquitetura. Surgiu no século XVIII na Europa - após a Revolução Francesa (1789), o início da Revolução Industrial e no contexto do Iluminismo chamado de “Era da Razão” - e se espalhou pelo mundo, permanecendo até meados do século XIX.

As pinturas dessa época usavam como referência as artes renascentistas e greco-romanas; valorização do passado histórico. Os artistas optavam pelo uso das cores frias, destacando a simplicidade e pureza estética nas obras, pois isso favorecia para a disseminação desse estilo na criação de novas artes. Outro aspecto influente nos desenhos era a presença do realismo e imitação da natureza, que trazia uma significativa representação da realidade vivida pela sociedade.

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Os arquitetos do Neoclassicismo priorizaram em suas construções, fundamentadas nos ideais clássicos e nas construções erigidas durante o período do Renascimento e Greco-Romano, a utilização de materiais nobres tradicionais como, por exemplo, o mármore, granito e madeira, além dos materiais modernos como o ferro fundido, pois esse último apresentava uma maior funcionalidade e tinha baixo custo.

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universal. Neste momento, a sociedade como um todo passou a ser reconhecida e não apenas o clero e a nobreza.

Surgiu na Europa no século XVIII no contexto da Revolução Industrial e do Iluminismo, movimento intelectual e filosófico baseado na razão; período em que se passou a favorecer os ideais de “Liberdade, Igualdade e Fraternidade” por todo mundo, demonstrando um momento de transformação

O artista romântico criava em suas obras uma atmosfera de fantasia e heroísmo, valorizando a emoção e a liberdade de criação. Além de acontecimentos históricos contemporâneos, também tinha como temática o culto à natureza.

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O romantismo foi um movimento artístico e cultural que privilegiou as emoções, a subjetividade e o individualismo. Contrário ao objetivismo e as tradições clássicas de perfeição, ele apresentou uma visão de mundo centrada no ser humano com destaque para as sensações humanas e a liberdade de pensamento.

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Rapidamente, esse estilo chegou a outros países inspirando diversos campos da arte: literatura, pintura, escultura, arquitetura e música.

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O Romantismo foi um movimento de muita idealização e romantização dos acontecimentos. As obras costumavam tirar o aspecto “ruim” e negativo, como no quadro da Revolução Francesa em que o foco está na “Liberdade”, mulher ao centro, e os corpos mortos ao redor quase passam despercebidos.

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REALISMO O Realismo foi um movimento artístico e literário surgido nas últimas décadas do século XIX na Europa, mais especificamente na França, em reação ao Romantismo. Entre 1850 e 1900 o movimento cultural predominou na França e se estendeu pela Europa e outros continentes. Os integrantes desse movimento repudiaram a artificialidade do Neoclassicismo e do Romantismo, pois sentiam a necessidade de retratar a vida, os problemas e costumes das classes média e baixa não inspirada em modelos do passado. O movimento manifestou-se também na escultura e, principalmente, na pintura e em alguns aspectos sociais.

Na arte realista predominam temas do cotidiano. Os artistas se ocupam em retratar as pessoas como aparentam, sem idealizações.

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Dessa forma, por conta do amadurecimento da industrialização e da crescente desigualdade e pobreza, os trabalhadores serão assunto de destaque.

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Aqui no Brasil, Almeida Júnior foi um artista muito respeitado por toda a crítica, e foi considerado o precursor dos modernistas brasileiro. Ele tinha a preocupação em valorizar nas telas o homem do povo no seu cotidiano, em inserir os personagens típicos de seu país, o que contrastava com a monumentalidade que até então predominava nas artes plásticas do Brasil.

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Indiscutivelmente, o artista inovou com o tratamento da luz em sua pintura que até hoje é comentada e apreciada, bem como também, pelos temas escolhidos em suas composições, onde valoriza o ser humano comum.

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O termo “impressionista” deriva de uma das obras mais significativas obras desse movimento - Impressão: Nascer do Sol, de Monet. Outra explicação diz que o termo foi usado pela primeira vez pelos caluniadores do movimento, que consideravam as obras inacabadas e o nome foi aceito e adotado pelos artistas desse estilo.

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O Impressionismo foi um movimento que se manifestou, especialmente nas artes plásticas no fim do século XIX na França. Os impressionistas rejeitavam as convenções da arte acadêmica vigente na época. As pinturas do Impressionismo captavam as impressões perceptivas de luminosidade, cor e sombra das paisagens, por isso pintavam o mesmo quadro em diferentes horários do dia.

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Os artistas estavam interessados em confinar com a tinta as impressões sensoriais de cor, luz, som e de movimento, por meio de cores claras e brilhantes bem como pinceladas mais livres e distintas.

Assim como é do conhecimento de todos, as cores da natureza mudam conforme a luz incidente em determinado horário do dia, e eram essas impressões que os impressionistas queriam capturar. Os impressionistas estudavam muito sobre os efeitos ópticos, para isso usavam com frequência recursos fotográficos. Em função disso preferiam trabalhar ao ar livre, bem como, não se prenderam ao uso da perspectiva e ao uso de modelos. As figuras representadas não possuíam contornos nítidos, as sombras deveriam ser coloridas e as cores deveriam ser usadas puras, evitando a mistura de tonalidades.

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Inspirados pela fotografia, os impressionistas faziam as representações dos momentos e da natureza que observavam em tempo real, por isso utilizavam a técnica das pinceladas; não haviam rascunhos e era muito mais rápido pintar dessa forma; as obras não possuem muitos detalhes além do observado.

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SIONISMO

O Expressionismo foi um movimento artístico e cultural de vanguarda surgido na Alemanha no início do século XX, transversal aos campos artísticos da arquitetura, artes plásticas, literatura, música, cinema, teatro, dança e fotografia. Manifestou-se inicialmente através da pintura.

Mais do que meramente um estilo com características em comum, o Expressionismo é sinônimo de um amplo movimento heterogéneo, de uma atitude e de uma nova forma de entender a arte, que aglutinou diversos artistas de várias tendências, formações e níveis intelectuais. O movimento surge como uma reacção ao positivismo associado aos movimentos impressionista e naturalista, propondo uma arte pessoal e intuitiva, onde predominasse a visão interior do artista – a “expressão” – em oposição à mera observação da realidade – a “impressão”.

Assim, os artistas exageram e distorcem os temas em seu processo de catarse, revelando, sobretudo, o lado pessimista da vida. Esta escola utilizou a arte enquanto forma de refletir a angústia existencialista do indivíduo alienado, fruto da sociedade moderna, industrializada.

As principais características nas obras eram o contraste e a intensidade cromática; a valorização do universo psicológico, sobretudo de sentimentos densos, como a angústia e solidão; dinamismo e vigor; utilização de uma técnica abrupta e “violenta” na pintura, com grossas camadas de tinta; e a valorização de temas sombrios e trágicos.

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FAUVISMO 80

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FAUVISMO O fauvismo foi um estilo artístico do início do século XX, também chamado de Fovismo. Ele se originou na França em 1901, mas só foi reconhecido oficialmente em 1905. Durou até o ano de 1907, dando lugar ao surgimento das Vanguardas.

Esse movimento artístico se expressou na pintura e foi muito heterogêneo. Isso significa que ele não pode ser definido por um único padrão. Na realidade, a liberdade artística era defendida e isso permitiu variações na hora de pintar.

Este grupo de pintores utilizava nos seus quadros cores violentas, de forma arbitrária. A denominação do movimento deve-se ao crítico conservador Louis Vauxcelles, que, no Salão de Outono de 1905, em Paris, comparou-os a feras (fauves).

Havia ali uma escultura acadêmica representando um menino, rodeada de pinturas neste novo estilo, que o levou a dizer que aquilo lhe lembrava “um Donatello entre as feras”. Tal denominação, inicialmente de caráter depreciativo, acabou por se fixar e passou a designar o movimento.

A nova estética obedecia aos impulsos instintivos ou as sensações vitais. Criar desobedecendo a uma ordem intelectual, onde as linhas e as cores deveriam jorrar no mesmo estado de pureza das crianças e selvagens, afrontando os cânones tradicionais da pintura. Evitavam a ilusão da tridimensionalidade. A tela se apresentava plana, fornecendo apenas comprimento e largura.

A realidade era deformada com a finalidade de produzir o estado de espírito do artista diante do espetáculo oferecido pela natureza em movimento.

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Na ânsia de pintar o estado de graça, muitas vezes aplicava-se a tinta diretamente na tela, onde os vermelhos, os amarelos, os verdes uivavam e antecipavam o gosto moderno pela cor pura. Era o novo espírito de síntese, que deixava para segundo plano o desenho e a forma. Os elementos formais tornaram-se deformadores e criavam contrastes ou harmonia de coloridos inexistentes no mundo visível.

Não se deixaram escravizar pelos aspectos visuais da realidade e do naturalismo. A nova arte surgiu como verdadeira libertação da realidade objetiva e foi construída pelas sensações visuais impulsivas dos artistas.

“A composição é a arte de dispor, de maneira decorativa, os vários elementos a disposição do pintor para a expressão de seus sentimentos. Uma obra de arte deve ser harmoniosa em sua totalidade: pois os detalhes supérfluos, na mente do espectador, usurpariam os elementos essenciais. Devo interpretar a natureza e submetê-la ao espírito do quadro.”

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CUBISMO

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Cubismo foi uma das vanguardas artísticas do início do século XX, com expoentes nas artes visuais e na literatura. Trata-se de um movimento artístico revolucionário, cuja principal característica é a observação da realidade sobre diferentes perspectivas, envolvendo a geometrização das formas e a ruptura com a representação verossímil dos objetos.

Precursor, revolucionário, inovador, o Cubismo rompeu com uma das características mais tradicionais da pintura: o uso da perspectiva plana.

Em prol de uma verdadeira libertação na arte, os cubistas aboliram a cópia. O artista deve criar, não copiar — é o fim da arte mimética.

O cubismo utiliza muito o plano 2D em suas obras; apresentando o passado, presente e futuro em um mesmo plano, em uma mesma figura. Utiliza das formas geométricas para obter esse efeito.

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Desse modo, não há na arte mais nenhum compromisso em representar a aparência real das coisas. Várias faces de um mesmo objeto são retratadas em um mesmo plano, o objeto pode ser fragmentado, justaposto, refeito em colagens ou reduzido apenas a figuras geométricas. É esse novo uso da geometria, por sinal, que batiza o movimento.

“Ele despreza tudo, reduz tudo, sítios, FIguras e casas a esquemas geométricos, a cubos.”

(Trecho do artigo sobre o Salão de Outono de 1908, escrito por Louis Vauxcelles, a respeito das obras de Georges Braque.)

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O movimento contou com duas fases: Cubismo sintético (1911): momento em que há certa redução na fragmentação dos objetos, tornando as figuras novamente reconhecíveis. Insere-se então a técnica da colagem: outros materiais, como pedaços de jornal, de madeira, de vidro e até mesmo objetos inteiros, passam a fazer parte da pintura. A proposta do Cubismo sintético é levar a pintura a novos estímulos além do visual, incorporando também elementos táteis.

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Cubismo analítico (1909): cuja característica é a total decomposição dos objetos representados. Para romper com a representação visual, apresentavam-se vários ângulos sobrepostos e fragmentados de um mesmo objeto, em prol de uma representação conceitual. Muitas vezes essa ênfase na destruição das formas aparentes tornou praticamente impossível reconhecer qualquer figura nos quadros desse período.

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O Dadaísmo, ou simplesmente “Dadá”, foi um movimento artístico pertencente às vanguardas européias do século XX, que propunha a antiarte com seu lema: "a destruição também é criação".

Foi considerado o movimento propulsor das ideias surrealistas e tinha um caráter ilógico, anti-racionalista e de protesto. Isso porque, através da ironia, buscava questionar a arte e, sobretudo, seu contexto histórico, com a ocorrência da Primeira Guerra Mundial.

Essa proposta de arte era irreverente e espontânea, pautada na irracionalidade, na ironia, na liberdade, no absurdo e no pessimismo. O intuito principal era de chocar a burguesia da época e criticar a arte tradicionalista, a guerra e o sistema. Também buscava o caos e desordem e criticava o consumismo e o capitalismo.

“DADÁ É UMA NOVA TENDÊNCIA DA ARTE. PERCEBE-SE QUE O É PORQUE, SENDO ATÉ AGORA DESCONHECIDO, AMANHÃ TODA A ZURIQUE VAI FALAR DELE. DADÁ VEM DO DICIONÁRIO. É BESTIALMENTE SIMPLES. EM FRANCÊS QUER DIZER ‘CAVALO DE PAU’. EM ALEMÃO: ‘NÃO ME CHATEIES, FAZ FAVOR, ADEUS, ATÉ À PRÓXIMA!’. EM ROMENO: ‘CERTAMENTE, CLARO, TEM TODA A RAZÃO, ASSIM É. SIM, SENHOR, REALMENTE. JÁ TRATAMOS DISSO’. E ASSIM POR DIANTE.” (TRECHO DO MANIFESTO DADAÍSTA, POR HUGO BALL)

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Surrealismo foi um movimento artístico, um dos últimos das vanguardas artísticas do século XX, e teve expressões na literatura, nas artes visuais, no cinema, no teatro e na filosofia. Iniciou-se em 1924, com a publicação do Manifesto Surrealista, escrito por André Breton, que propunha uma nova proposta estética que rompesse com a primazia da compreensão racional, sem diferenciação entre sonho e realidade ou entre lucidez e delírio, por exemplo.

A arte surrealista rompe com a busca pelo sentido nas representações. É o surreal: aquilo que está para além do real, que é mais que o real porque transcende a compreensão racional e relaciona-se com a mente inconsciente, com o imaginário e o absurdo.

A teoria psicanalítica de Sigmund Freud foi a principal fonte de inspiração para os surrealistas, pois deu novo entendimento simbólico ao domínio do onírico, atribuindo importância às imagens sonhadas e à mente inconsciente, isto é, aos processos não racionais do cérebro humano.

O instinto torna-se novo ponto de partida para a produção artística, e os sonhos são, também, parte da realidade que compõe o mundo.

“SURREALISMO, s.m. Automatismo psíquico puro pelo qual se propõe exprimir, seja verbalmente, seja por escrito, seja de qualquer outra maneira, o funcionamento real do pensamento.

Ditado do pensamento, na ausência de todo controle exercido pela razão, fora de toda preocupação estética ou moral.”

Trecho Manifesto Surrealista

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Abstracionismo foi um estilo artístico que começou a partir das vanguardas europeias no século XX, que buscavam romper com a tradição cultural herdada do passado, monopolizada pela academia, tradicionalista e que focava o “belo” como principal característica.

Em oposição à representação de imagens e objetos da realidade, a principal característica desse movimento, também chamado de Arte Abstrata, era a criação de formas abstratas, subjetivas e não-representacionais.

As obras abstracionistas não imitavam objetos, natureza ou pessoas, mas apresentavam as emoções do artista de maneira abstrata e desconstruída, sem estarem subordinadas à representação da realidade. As principais características das obras de arte desse estilo artístico podem ser resumidas em: abstrata e não representacional, subjetiva, cores e formas simples, interpretações diferentes sobre a obra, e expressão das intuições e sentimentos dos artistas.

O abstracionismo pode ser separado em duas vertentes: lírico e geométrico. O primeiro, conhecido também como informal ou expressivo, tinha como foco o inconsciente, a inspiração, instinto e a intuição do artista para o desenvolvimento das obras, que eram compostas por formas orgânicas, cores vibrantes e destacavam as linhas de contorno.

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Dessa forma, pode-se afirmar que o abstracionismo lírico objetivava a expressão da arte imaginária de acordo com uma necessidade interior. O maior representante dessa tendência foi o precursor Wassily Kandinsky.

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CIONISMO No Abstracionismo, havia uma necessidade em contradizer tudo aquilo que era específico, representativo.

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O geométrico tinha como referência as formas e composições geométricas e a organização de cores do cubismo bem como também o futurismo, com destaque para a racionalização e análise intelectual. Um dos principais nomes dessa vertente foi o pintor holandês Mondrian.

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minimalismo A expressão “Minimalismo” (do inglês, “Minimal Art”) faz referência aos movimentos estéticos, científicos e culturais que surgiram em Nova York, entre o fim dos anos de 1950 e início da década de 1960.

Esses movimentos primavam pelo mínimo de recursos e elementos utilitários, reduzindo todos seus aspectos ao nível essencial.

Nas artes plásticas, o minimalismo surgiu em Nova York, ainda na década de 1950, quando um grupo de artistas passou a lançar mão de poucos elementos para fundamentar suas obras, abusando de atributos visuais criados a partir de um pequeno número de cores.

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Eles privilegiaram as formas geométricas simples, puras, simétricas e repetitivas, reduzindo os objetos aos seus aspectos de reprodução em série para que eles sejam mais bem percebidos em seu próprio contexto. Já do ponto de vista do conteúdo das representações, é comum a ausência de emotividade.

Assim, as estruturas minimalistas suportam uma bi ou tridimensionalidade que lhe permite vencer os conceitos tradicionais, principalmente acerca da necessidade do suporte que limitava pintura e a escultura aos seus respectivos campos de ação.

Este caráter geométrico é fruto da influência construtivista, a qual buscava uma linguagem universal para expressão artística.

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No minimalismo, criou-se um conceito de elegância que perdura até hoje: o famoso “menos é mais”. Acreditavam que quanto mais simples e puras as formas, mais agradáveis aos olhos eram.

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A “Op Art” ou “Optical Art” (Arte Ótica) foi um movimento artístico que atingiu seu auge na década de 60 nos Estados Unidos.

Baseado em recursos visuais, sobretudo na ilusão de ótica, esse movimento que expressa a mutabilidade do mundo e suas ilimitadas possibilidades, é fundamentado no mote:

Ele foi considerado uma variação do expressionismo abstrato, sendo seu precursor o artista húngaro Victor Vasarely, na década de 30.

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O movimento tinha como principais características a tridimensionalidade, efeitos óticos e visuais, movimento e contraste de cores, tons vibrantes (principalmente preto e branco), formas geométricas e linhas (estilo abstrato), e um observador participante.

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Na Op Art há muita vibração das cores e das formas, você não sabe muito bem onde começa e onde termina a obra, há também muita ilusão de ótica.

O design gráfico pega muita influência dessa época justamente pela maneira que utilizavam e organizavam as formas e

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as cores; suas composições.

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POP ART POP ART POP ART POP ART POP ART POP ART

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POP ART O uso de imagens da cultura popular nos anúncios publicitários, histórias em quadrinhos, desenhos de revista, fotografias, latas de refrigerante, embalagens de alimentos, entre outros, eram as bases para as criações artística s do pop art.

Pop Art ou Arte Pop foi um movimento artístico da década de 1950 na Inglaterra, mas que alcançou sua maturidade na década de 1960 nos Estados Unidos.

Propunha que se admitisse a crise da arte que assolava o século XX, desta maneira pretendia demonstrar com suas obras a massificação da cultura popular capitalista. Procurava a estética das massas, tentando achar a definição do que seria a (cultura pop), aproximando-se do que costuma se chamar de kitsch - usualmente empregado nos estudos de estética para designar uma categoria de objetos vulgares, baratos, sentimentais, bregas (cheesy, do inglês), que copiam referências da cultura erudita sem critério e sem atingirem o nível de qualidade de seus modelos, e que se destinam ao consumo de massa.

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A repetição de uma mesma imagem várias vezes em cores diferentes, vivas e inusitadas era outra marca desse estilo artístico, que tentava dar um tom irônico às mensagens transmitidas pelas obras.

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Também destacam-se como as principais características: a mistura de pintura e objetos reais na composição da obra; uso da técnica silk-screen ou serigrafia, impressão de texto ou figura em uma superfície com tinta vazada; obras com temas como sociedade de consumo, fama, sexualidade e industrialização; imagens de personalidades e pessoas de destaque nas obras.

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Esse conceito de pós-moderno foi introduzido a partir dos anos 60 e veio acompanhado dos avanços tecnológicos da era digital, da expansão dos meios de comunicação, da indústria cultural, bem como do sistema capitalista (lei de mercado e consumo) e da globalização.

As principais características do movimento pós-moderno são a ausência de valores e regras, imprecisão, individualismo, pluralidade, mistura do real e do imaginário (hiper-real), produção em série, espontaneidade e liberdade de expressão.

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O Pós-Modernismo, Pós-Modernidade, ou ainda movimento pós-industrial, é um processo contemporâneo de mudanças significativas nas tendências artísticas, filosóficas, sociológicas e científicas. Surgiu após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945) e o movimento Modernista.

Oposto ao modernismo, racionalismo, ciência e aos valores burgueses, podemos considerar o pós-modernismo como uma combinação de várias tendências. Essas tendências vigoram até hoje nas artes (plásticas, arquitetura, literatura), filosofia, política e no âmbito social. De tal modo, nas artes, o pós-modernismo foca na multiplicidade e mistura de estilos. Não existem mais compartimentos de gêneros, ou mesmo a formalidade aplicada nas artes, bem como nos âmbitos social e cultural.

Por mais que essa era tecnológica e a expansão da homogeneização da globalização demonstre a produção em série dos produtos, o pós-modernismo é uma nova tendência que mescla tudo. Apresenta, assim, a nova vida do homem pós-moderno, que é bombardeado de informações. A vida é baseada na efemeridade, narcisismo e no hedonismo, ou na busca incessante do prazer.

Antoine Compagnon conceitua pós-modernismo como “contrário aos dogmas da coerência, do equilíbrio e da pureza sobre os quais o modernismo se fundará, o pós-modernismo reavalia a ambigüidade, a pluralidade e a coexistência dos estilos, cultiva ao mesmo tempo a citação vernácula e a citação histórica. A citação é a mais poderosa figura pós-moderna.” (1996, p.109).

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ARTE CONTE Embora apresente alguns valores da Arte Moderna tais como inovações, experimentações e diluição de fronteiras entre as formas artísticas, a Arte Contemporânea representa a ruptura com alguns aspectos da Arte Moderna.

Abrindo espaço para uma diversidade de estilos, perspectivas e técnicas, a Arte Contemporânea, abandonou diversos paradigmas da Arte Moderna, trazendo valores para a constituição de uma nova mentalidade artística.

Outro aspecto marcante da arte na contemporaneidade são os avanços tecnológicos, impulsionados pela corrida espacial. Essa característica pode ser observada nos objetos construídos com formatos aerodinâmicos e alusivos ao espaço. A consciência ecológica e o reaproveitamento de materiais também são características observadas na Arte Contemporânea.

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Houve a ampliação da abrangência de linguagens artísticas com a inclusão de dança, música, moda, fotografia, pintura, teatro, escultura, literatura, performances, happenings, instalações, videoarte, entre outras.

Na Arte Contemporânea os artistas possuem uma grande liberdade de criação, de modo que eles podem transitar entre os diferentes períodos. Eles possuem liberdade total para se expressar, tanto tecnicamente como conceitualmente. As principais características da arte contemporânea são: abandono dos padrões habituais, fusão de arte e vida, uso de novas tecnologias e mídias, junção de estilos artísticos, interatividade das obras, questionamentos da definição de arte, aproximação da cultura popular, uso de materiais diferentes para a produções artísticas, e liberdade e efemeridade artística.

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A arte contemporânea pode ser entendida como a “arte que não segue padrões”. Existem muitas técnicas e muitas das vezes ela não é para ser contemplada, e sim, para provocar reflexões. Há a interação do observador com a obra, e também pode haver a ressignificação de objetos.

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As manifestações de arte se são em diversas formas como a arte conceitual, hiper-realismo, land art (utilização de recursos provenientes da própria natureza para o desenvolvimento do produto artístico.), arte de rua (grafite, intervenções, etc), body art (uso do corpo como suporte e intervenção para a realização do trabalho artístico), performances e instalações.

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belo e o feio

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Segundo a autora Clarissa Dubeux Barros, os conceitos de belo e feio são definidos a partir dos períodos históricos e das culturas, e suas atribuições, ligadas a critérios políticos, morais e sociais, e não a critérios puramente estéticos. Ou seja, as problematizações e concepções de beleza são modificadas ao longo do tempo e da cultura em que estão inseridas - padrões de beleza diferentes entre as civilizações chinesas e egípcias de antigamente (e muito provavelmente nas sociedades atuais também), por exemplo.

O conceito de belo na estética grega do mundo antigo se pautava em ideias platônicas/aristotéli-

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cas de que a vida e a arte se faziam baseadas em equilíbrio, simetria, harmonia e proporcionalidade, e também na relação entre o belo/feiura físico e moral: o belo seria o “bom” e o feio, o “mau”; ideias que perduraram no Renascimento e continuam até os dias de hoje.

Consideramos algo bonito não porque realmente achamos aquilo bonito, mas porque nos foi ensinado a achar, fomos ensinados a desejar o belo, seguindo um modelo de beleza instaurado na sociedade por muito tempo. Tudo aquilo que não segue esse padrão, ou seja, que não é habitual, achamos feio, desprezível, não queremos perto.

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Isso porque consideramos feio o “outro”, aquilo que desconhecemos, que não temos afinidade, segundo Umberto Eco em “A história da feiura'' - que traz elementos baseados nas referências das representações visuais ou verbais e coisas de pessoas consideradas feias através das artes.

Essa “repulsa da feiura”, segundo referências de Tomás de Aquino em sua suma teológica, também se dá pelo fato de que toda a falta de proporção ou simetria eram consideradas como erro da natureza, esses seres representavam algo sobrenatural, não humano. Isso explica a razão da bruxaria, satanismo e sadismo causarem medo,

por serem reconhecidos pelo caráter andrógino, misto do humano e de inumano, características contrárias à natureza conhecida da época.

Por fim, acredito que não há uma distinção clara entre belo e feio. Quando falamos de um mundo contemporâneo temos o encontro de muitas culturas, vivências e opiniões diferentes que devem ser levadas em conta. Não é certo achar algo feio por ser de uma cultura ou grupo diferente do meu, ou porque não entendo. Devemos sempre tentar analisar seu propósito, pois arte não é apenas algo estético.

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Egon Schiele foi um pintor austríaco que ficou muito conhecido pelas suas pinturas figurativas, retratando o estado psicológico das pessoas, em vez de suas características físicas. Teve sua juventude um pouco perturbada pela morte de seu pai que desbloqueou uma curiosidade em torno da sexualidade, mortalidade e do comportamento da mente humana. Isso gerou uma série de desenhos “perturbadores” que passavam a ideia de que ele e seus “personagens” eram seres angustiados, doentes, confusos e sexuais.

Suas obras refletiam sua vida, eram cheias de características de problemas psicológicos, o que chamou atenção da comunidade criativa de Viena, em especial Gustav Klimt que se tornou seu mentor. Seu trabalho ficou conhecido pelos corpos contorcidos, pele machucada, gestos eróticos e características faciais andrógenas.

O interesse por temas mais “sofridos” foi marcado por um período que estava preso - pela repressão à sua arte erótica e acusações de ser um pedófilo por desenhar corpos nus de meninas mais novas.

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Desde sua trágica morte, em 1918, aos 28 anos, muitos comentários negativos rondaram suas obras, cuja visão vanguardista e de mente aberta do corpo humano e da sexualidade não tinha precedentes no campo da arte aclamada pela crítica.

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Jenny Saville é uma artista britânica que aborda questões essênciais sobre os estereótipos e problemas comportamentais do gênero feminino contemporâneo em seus trabalhos. Apresenta crítica às convenções de beleza e de tamanhos do corpo diferentes dos padrões inalcançáveis, como mulheres obesas, corpos enormes sem rostos, representados através de traços violentos do pincel, marcas e cicatrizes de cirurgias plásticas.

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As figuras femininas são exibidas e reveladas em suas condições de vítimas de agressões, deformadas, corrigidas plasticamente e transformadas esteticamente.

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polêmica e agressividade

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Trabalham com temas mais sombrios, com um tom de “humor”, hostis e subversivos; os artistas são citados por considerarem o riso dos espectadores e a reação a suas obras mais significativas que a própria obra. Os irmãos também são conhecidos por seus trabalhos escultóricos semelhantes a manequins, que muitas vezes se assemelham a bonecas Barbie unidas e apresentam órgãos genitais em lugares inesperados.

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DAVID CARSON É UM DESIGNER GRÁFICO NORTE AMERICANO, CONHECIDO MUNDIALMENTE PELO SEU TRABALHO INOVADOR NA ÁREA DA COMUNICAÇÃO VISUAL. FAMOSO ENTRE AS GERAÇÕES MAIS JOVENS AJUDOU A POPULARIZAR UM ESTILO INICIALMENTE CONSIDERADO UNDERGROUND. SEUS TRABALHOS VÃO ALÉM DO MERO CARÁTER INFORMATIVO. TODAS AS SUAS OBRAS SÃO RICAS EM APELO GRÁFICO E TÊM UM CUNHO EXTREMAMENTE AUTORAL GRAÇAS A SUA MANEIRA INCONFUNDÍVEL DE COMBINAR ELEMENTOS TIPOGRÁFICOS E FOTOGRAFIA EM COMPOSIÇÕES. CARSON FOI UM DOS DESIGNERS MAIS INFLUENTES DOS ANOS 90 E SUA LINGUAGEM AINDA HOJE É MODELO PARA GERAÇÃO DE DESIGNERS QUE ADOTAM UM POSICIONAMENTO MAIS CONTEMPORÂNEO NA FORMA DE COMUNICAR E DE SE FAZER DESIGN.

SEU TRABALHO É CARACTERIZADO POR UMA APARENTE DESORDEM, IRRACIONALIDADE E FALTA DE COERÊNCIA. O MODO COMO USA A TIPOGRAFIA DEIXA CLARA SUA FALTA DE PREOCUPAÇÃO EM RELAÇÃO À LEGIBILIDADE, PADRÕES E GRIDS, PORÉM O QUE PARECE TER SIDO COLOCADO ALEATORIAMENTE ACABA SE RELACIONANDO INTENSAMENTE COM OS OUTROS ELEMENTOS PRESENTES. ESTÃO PRESENTES EM SEUS TRABALHOS: ESPAÇAMENTOS IRREGULARES E IRRACIONAIS; LETRAS INVERTIDAS; FOTOS RECORTADAS; TIPOS DISTORCIDOS, QUEBRADOS E RECOMBINADOS; SUJEIRA, RUÍDO E RABISCOS; SOBREPOSIÇÕES DE IMAGENS, PROPORCIONANDO DESSA FORMA AO LEITOR, UMA CERTA LIBERDADE DE INTERPRETAÇÃO.

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Um dos principais papéis da arte é promover reflexões, o que não é possível se uma obra for apenas esteticamente “agradável”, o que também é completamente relativo, como observamos no capítulo anterior. É, portanto, necessário que a criação do artista possua algo que estimule pensamentos e análises de determinados assuntos.

Provocações costumam gerar o tipo de reflexão que os artistas desejam. As provocações podem ocorrer de algumas formas, sendo elas mais explícitas, mais chocantes, ou mais implícitas, que podem exigir um pouco mais de observação ou repertório.

No caso de obras mais explícitas, ainda existe o problema da censura ou o tabu de falar sobre determinados assuntos, relacionados à política e sexualidade principalmente. No entanto, se pensarmos que a arte reflete a realidade, não seria certo discuti-los ao invés de escondê-los? Tanto no quesito da arte, quanto na sociedade mesmo, é muito difícil evoluir quando não temos temas a serem questionados - o que é outra questão da arte polêmica; ela sempre estará acompanhada de diversas opiniões. Mas para que isso seja possível, é necessário antes que as pessoas reconheçam os problemas na sociedade, para que assim, haja debates com opiniões válidas.

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bienais de arte

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As bienais têm um papel extremamente importante no campo da arte por conta da diversidade de obras e artistas envolvidos, além da fusão de muitas culturas e visões diferentes sobre diversos assuntos. Para os artistas, serve como fonte de inspirações e referências para trabalhos futuros, e para o público mais “leigo”, que muitas vezes não tem afinidade com esse universo, é uma forma de ter acesso a arte que está sendo produzida no momento, promovendo reflexões e experiências novas. Por isso é tão importante que elas continuem existindo, para que mais pessoas possam ter acesso a cultura cada vez mais.

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Bienal de Veneza 150

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A Bienal de Veneza, fundada em 1895, teve suas obras selecionadas por países, no modelo das exposições universais, e em um sistema competitivo, ou seja, com premiação. Se baseou nas exposições internacionais do século XIX, as mostras bianuais de arte tornaram-se uma tradição particular na América Latina. Surgiram no momento em que a arte latino-americana já havia composto suas principais inovações e podia equiparar-se (quando não superar) à arte moderna internacional.

As bienais latino-americanas funcionaram não apenas como forma pedagógica de conhecimento e de apreciação da arte internacional, mas também como afirmação da criatividade e, eventualmente, da originalidade da arte produzida na “periferia” do capitalismo e do sistema das artes, aos quais elas também se integraram.

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Bienal Internacional de São Paulo

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A Bienal Internacional de São Paulo foi realizada pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP), e financiada pelo empresário Francisco Matarazzo, em um pavilhão provisório localizado na Esplanada do Trianon, na região da Avenida Paulista com o objetivo de ampliar os horizontes da arte brasileira. O espaço, projetado pelos arquitetos Luís Saia e Eduardo Kneese de Mello, deu lugar a 1.800 obras de 23 países, além da representação nacional.

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Foi a primeira exposição de arte moderna de grande porte realizada fora dos centros culturais europeus e norte-americanos. A Bienal trouxe obras de Pablo Picasso, Alberto Giacometti, René Magritte, George Grosz, etc, além de apresentar a produção brasileira de Lasar Segall, Victor Brecheret, Oswaldo Goeldi, entre outros.

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Dez anos após a Segunda Guerra Mundial, Arnold Bode, professor de arte e designer, realizou seu sonho de uma retrospectiva abrangente em Kassel, mostrando o desenvolvimento da arte na Europa no século XX. O local para a exposição chamada “documenta” foi o Museu Fridericianum, destruído pela guerra e provisoriamente restaurado. Seu estado improvisado ofereceu as condições ideais para métodos espetaculares de encenação, nos quais as obras de arte e o espaço estabeleceram relações emocionantes entre si.

Organizado pela associação “Abendländische Kunst des XX. Jahrhunderts e.V.”, com o apoio da cidade de Kassel e o historiador de arte Werner Haftmann como conselheiro mais importante, Bode deu início a mais importante série de exposições do mundo para a arte contemporânea.

O nome “documenta” já pretendia sinalizar a demanda por um equilíbrio objetivo e uma visão geral unificada. As tarefas de política cultural de importância nacional estavam relacionadas com o conceito da primeira documenta: entre outras coisas, a reabilitação de artistas difamados como “degenerados” apenas alguns anos antes, a reintegração da Alemanha Ocidental nas fileiras das nações culturais europeias e a criação de uma base programática para a prática artística futura em uma sociedade democrática.

Em 1955, os objetivos declarados do projeto eram “determinar a posição atual”, “reconciliar-se com o passado” e “religar-se” aos contornos violentamente interrompidos da tradição da vanguarda da primeira metade do século. Decisivo para a credibilidade dessas preocupações foi o fato de não terem sido ordenadas pelo Estado, mas sim por iniciativa privada.

A Documenta ocorre a cada cinco anos em Kassel, Alemanha.

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Documenta de Kassel 155

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56ª Bienal de Veneza

The Key in the Hand, 2015.

Chiharu Shiota

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28ª Bienal Internacional de São Paulo

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A bondade de estranhos, 2008.

Maurício Ianês

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Documenta 14

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Parthenon of Books, 2017.

Marta Minujín

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arte pós-guerra

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Em 19 de julho de 1937 é aberta na cidade de Munique, na Alemanha, a exposição que marca o ápice da campanha pública do regime nazista contra a arte moderna: a mostra internacional “Arte Degenerada”. Organizada pelo presidente da Câmara de Artes Plásticas do reich, Adolf Ziegler, a exposição reúne cerca de 650 obras entre pinturas, esculturas, desenhos, gravuras e livros, provenientes de acervos de 32 museus alemães, consideradas artisticamente indesejáveis e moralmente prejudiciais ao povo pelo governo nacional socialista alemão (1933 1945), liderado por Adolf Hitler.

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Os nazistas classificam como “degenerada” (entartete) toda manifestação artística que insulta o espírito alemão, mutila ou destrói as formas naturais ou apresenta de modo evidente “falhas” de habilidade artístico artesanal.

Em termos visuais, é degenerada toda obra de arte que foge aos padrões clássicos de beleza e representação naturalista, em que são valorizados a perfeição, a harmonia e o equilíbrio das figuras. Nesse sentido, a arte moderna, com sua liberdade formal de cunho fundamentalmente anti naturalista, é considerada em sua essência “degenerada”.

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otto dix

Otto Dix foi um importante pintor expressionista alemão do século XX, que atuou também como artista gráfico. Destacou-se por retratar de forma crítica a sociedade européia (principalmente alemã) no período da 1ª Guerra Mundial e nos anos subsequentes ao seu fim.

Por abordar esses tópicos, Adolf Hitler não simpatizava com o artista e chegou até a tirá-lo de seu posto de professor de artes, na Academia de Dresden. Suas obras fizeram parte da “arte degenerada” estabelecida pelo governo nazista alemão.

Dix começou a criar uma arte claramente politizada a partir da década de 1920, quando as lutas ainda estavam começando. Porém, depois de voltar da 1º Guerra Mundial, ele voltou para Dresden – sua cidade natal e retomou seu ofício. Retratou de forma realista as consequências sociais e emocionais da Primeira Guerra Mundial com sua temática antibélica (fez duras críticas através de suas obras à Primeira e a Segunda Guerra Mundial).

Apesar das crescentes tensões, Dix se recusou a expatriar e, mesmo sob o domínio nazista, conseguiu vender quadros a indivíduos e instituições solidários. O artista acabou sendo preso por duas semanas em 1939, após a tentativa frustrada de Georg Elser de matar Hitler, embora ele não tivesse nada a ver com os planos.

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Suas obras costumavam apresentar imagens vulgares e violentas, temáticas sexuais, e um dos principais temas, a dura condição de vida dos veteranos de guerra, principalmente daqueles que ficaram inválidos. Esse tema o impressionou muito, pois serviu como voluntário no conflito.

Em 1945, ele foi capturado pelos franceses, que reconheceram o artista, porém se recusaram a matá-lo. Um ano depois foi libertado e retornou para a Alemanha, onde continuou pintando até morrer, em 1969. Um artista que desafiou e denunciou os horrores do nazismo e mesmo assim, sobreviveu fazendo aquilo que ele acreditava até o último dia de vida.

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George Ehrenfried Grosz foi um importante desenhista, caricaturista e pintor dadaísta alemão da primeira metade do século XX. É considerado, por muitos historiadores da arte, como sendo um dos principais representantes do Dadaísmo na Alemanha.

Ganhou reputação como artista político dadaísta durante a República de Weimar, foi um veterano da Primeira Guerra Mundial. Posteriormente, Grosz se tornou um crítico do nacionalismo alemão. Como comunista e fervoroso adversário do nazismo, condenou o fascismo em toda a Europa e emigrou para os EUA pouco antes de Hitler subir ao poder em 1933. Pouco mais tarde, os nazistas classificaram sua obra de "arte degenerada" e a removeram das coleções públicas do Terceiro Reich.

Suas pinturas eram marcadas por caricaturas da sociedade alemã, visando condenar à corrupção social, violência social e urbana. Havia também a presença de tons satíricos e de crítica política, principalmente contra o clero, a imprensa, os nacionalistas alemães e os militares, e a retratação de temas polêmicos, perversos e grotescos.

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Max Ernest foi um importante escultor e pintor surrealista alemão (nacionalizado francês) do século XX. Depois de uma breve passagem pelo Cubismo fundou, em 1919, em Colônia, junto com Jean Arp, o grupo Dada que propunha destruir todos os valores estéticos vigentes até então. Foi uma tentativa de ruptura, uma reação contra uma sociedade falida e destruída moralmente pela Primeira Guerra Mundial.

Em 1922, imigrou para a França, onde conheceu André Breton, um dos fundadores do movimento surrealista. Participou ativamente desse movimento até 1934. Em 1954, rompeu definitivamente com o Surrealismo.

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Max Ernest foi soldado alemão na Primeira Guerra. Por esse motivo, em Paris, durante a Segunda Guerra, foi considerado traidor. Nessa mesma época, na Alemanha, seus quadros foram expostos, junto aos quadros de outros artistas, na mostra denominada Arte Degenerada , em 1937. Foi para os Estados Unidos e em 1948 ganhou a cidadania americana. Voltou à Europa em 1958, naturalizando-se francês. Morreu em 1976, em Paris.

Utilizou diversas técnicas, materiais e estilos durante sua carreira como artista plástico, pintou em duas ou três dimensões e abordou muito o mundo dos sonhos e da imaginação.

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Käthe Kollwitz foi uma importante desenhista, pintora, gravurista e escultora alemã. Sua obra reflete a visão das condições humanas da época, principalmente de grupos minoritários - temas como fome, guerra e pobreza.

Suas obras possuem traços do Naturalismo e Expressionismo, além da utilização das técnicas de xilogravura e litogravura.

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Kollwitz teve muitos períodos de conturbação em sua vida, perdeu seu filho na Primeira Guerra Mundial, seu neto na Segunda, era judia, perseguições na Alemanha, e ainda ajudou os soldados na guerra. A artista conseguiu passar todo esse sofrimento para suas obras e isto é muito vísivel.

Além disso, é possível perceber um tom melancólico em algumas obras também.

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Anselm Kiefer é um pintor e escultor alemão. Suas obras são construídas a partir da junção de vários materiais como terra, chumbo, barro, areia, palha, palavras, fotografias, a fim de trabalhar com a realidade na tela, por mais que algumas pinturas sejam relacionadas a mitos ou fantasias. Alguns de seus temas são mais pesados, com paisagens mais sombrias e personagens solitários, porém Kiefer trabalha com mais sutileza ao abordar esses assuntos, mas o espectador ainda consegue identificar o clima que a obra quer passar sem muitas dúvidas.

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Gerhard Richter é um pintor alemão. Suas obras possuem forte ligação com a fotografia, pois ele utiliza o efeito de “borrão” que até então, só era possível captar com as câmeras/nas fotografias, mas Richter consegue fazer essa reprodução muito bem.

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Além da série mais figurativa com as pinturas foto-realistas, ele também já desenvolveu seu lado mais expressivo em relação ao uso de cores, sentimentos, diferentes materiais (neo-expressionismo), e também abstração.

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As fotografias nos cercam. Tão onipresentes são, no espaço público e no privado, que sua presença não está sendo percebida. O fato de passarem despercebidas poderia ser explicado, normalmente, por sua circunstancialidade: estamos habituados à nossa circunstância, o hábito a encobre, somente percebemos alterações em nosso cotidiano. Tal explicação não funciona no caso das fotografias. O universo fotográfico está em constante flutuação e uma fotografia é constantemente substituída por outra. Novos cartazes vão aparecendo semanalmente sobre os muros, novas fotografias publicitárias nas vitrines, novos jornais ilustrados diariamente nas bancas.

Não é a determinadas fotografias, mas justamente à alteração constante de fotografias que estamos habituados. Trata-se de novo hábito: o universo fotográfico nos habitua ao “progresso”. Não mais o percebemos. Se, de repente, os mesmos jornais aparecessem diariamente em nossas salas ou os mesmos cartazes semanalmente sobre os muros, aí sim, ficaríamos comovidos. O “progresso” se tornou ordinário e costumeiro; a informação e a aventura seriam a paralisação e o repouso.

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Estar no universo fotográfico implica viver, conhecer, valorar e agir em função de fotografias. Isto é: existir em mundo-mosaico. Vivenciar passa a ser recombinar constantemente experiências vividas através de fotografias. Conhecer passa a ser elaborar colagens fotográficas para se ter “visão de mundo”. Valorar passa a ser escolher determinadas fotografias como modelos de comportamento, recusando outras. Agir passa a ser comportar-se de acordo com a escolha. Tal forma de existência passa a ser quanticamente analisável. Toda experiência, todo conhecimento, todo valor toda ação consiste de bits definíveis.

Trata-se de existência robotizada, cuja liberdade de opinião, de escolha e de ação torna-se observável se confrontada com os robôs mais aperfeiçoados.

O aparelho fotográfico produz imagens automaticamente, e o homem não mais precisa movimentar pincéis esforçando-se para vencer a resistência do mundo objetivo.

Simultaneamente, os aparelhos emancipam o homem para o jogo. Ao invés de movimentar o pincel, o fotógrafo pode brincar com o aparelho. No entanto, certos homens se apoderam dos aparelhos desviando a intenção de seus inventores em seu próprio proveito. Atual-

mente os aparelhos obedecem a decisões de seus proprietários e alienam a sociedade. Quem afirmar que não há intenção dos proprietários, por trás dos aparelhos, está sendo vítima dessa alienação e colabora objetivamente com os proprietários do aparelhos.

O universo fotográfico é um jogo de permutação cambiante e colorido com superfícies claras e distintas, chamadas fotografias. Estas são imagens de conceitos programados em aparelhos e tais conceitos são símbolos vazios. Sob análise, o universo fotográfico é universo vazio e absurdo. No entanto, como as fotografias são cenas simbólicas, elas programam a sociedade para um comportamento mágico em função do jogo. Conferem significado mágico à vida da sociedade. Tudo se passa automaticamente, e não serve a nenhum interesse humano. Contra essa automação estúpida, lutam determinados fotógrafos, ao procurarem inserir intenções humanas no jogo.

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Considerada por ter registrado algumas das fotografias mais conhecidas da cultura contemporânea, Annie Leibovitz faz muito sucesso nas áreas da moda, arte e publicidade.

Seus trabalhos mais marcantes são os retratos, inclusive de muitas celebridades.

A artista consegue construir uma personagem em volta do retratado, capta todas suas emoções de forma natural e entrega um trabalho impecável.

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Jan Saudek, conhecido como o melhor e mais famoso fotógrafo da República Tcheca, trabalha com temas mais voltados para a sexualidade de forma muito expressiva.

Utiliza muito antagonismo de homem/mulher, velhice/juventude, roupas/nudez, e para muitos suas obras podem ser consideradas como vulgares ou chocantes.

A alta expressividade de seu trabalho acontece pelo fato que após fotografar a cena, ele pinta suas fotos a fim de parecerem pinturas do século XIX, dando um tom quase que sarcástico, pois na época esse tipo de pintura seria considerado completamente imoral.

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Mario Cravo Neto foi um pintor brasileiro que ficou muito conhecido pelas suas fotografias em preto e branco retratando temas afro-brasileiros de um jeito místico e religioso.

Com o uso do preto e branco, as texturas das imagens ficam muito mais visíveis, temos uma experiência quase tátil, além da brincadeira com sombra e luz e o uso de outros elementos que criam simbologias ligadas às religiões e misticismo.

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Robert Mapplethorpe pode ser considerado um dos fotógrafos mais interessantes da segunda metade do século 20. A vertente mais impactante de seus trabalhos foi a de suas fotografias eróticas, especificamente ligadas ao universo sadomasoquista. Por conta disso sofreu muito repúdio e contestação.

Suas fotografias retratam corpos nus com muita luz e sombra e as dimensões sexuais do corpo masculino, seus limites e desejos mais sombrios.

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Spencer Tunick é um fotógrafo dos Estados Unidos, conhecido pelas suas fotografias de grandes aglomerações de pessoas em corpo nu.

Ele trabalha com as relações entre identidade e privacidade. Suas fotografias expressam singularidade enquanto há a objetificação de corpos em massa, criando uma “”paisagem humana”. O artista gosta de trabalhar com os corpos humanos, voluntários, pois sente que são como um “material cru” que podem ser transformados em diferentes formas quando em grandes quantidades.

A escolha dos locais também é pensada e geralmente são lugares com interesses nacionais para evidenciar problemas sociais ou ambientais que ali existem.

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Fotógrafo famoso por criar registros baseados não em uma figura protagonista no retrato, mas sim, nas cenas que circundam e se relacionam com o momento.

Trabalha com câmera analógica e filme preto e branco, com efeito mais granulado pela pouca luz. Seus registros são de arquiteturas modernas e a presença pictórica do espaço.

“O preto e branco traz essa qualidade pasteurizada do tempo, que a gente às vezes confunde o momento em que a foto foi feita”, diz Restiffe.

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Trey Ratcliff é um fotógrafo e escritor norte-americano. Suas fotografias são paisagens ao redor do mundo e são tão nítidas e vibrantes que é possível questionar sua realidade. As imagens também são tão bonitas que nos trazem uma sensação, a vontade de explorar cada lugar fotografado.

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David LaChappelle é um fotógrafo estadunidense, conhecido por suas imagens inusitadas, coloridas e irreverentes.

Suas fotografias são completamente diferentes, com temas surreais e muito saturadas, que chegam à beira do cômico e bizarro muitas vezes.

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Já teve seu trabalho em capas de muitas revistas de moda tendo um grande reconhecimento na área da publicidade.

Além disso, já fotografou muitas capas de álbuns e dirigiu alguns videoclipes de grandes artistas e também fez retratos de celebridades.

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O vídeo de arte nasceu da ligação entre os primórdios da televisão alternativa e a televisão convencional que, já nos anos de 1970, teria percebido o valor destas produções satíricas e irônicas introduzindo-as no cotidiano televisivo por meio da apropriação do modo como usavam a câmera e faziam, por exemplo, suas entrevistas para entretenimento do público. No entanto, para além desta forma irreverente de fazer televisão, a videoarte se constituiu de forma autêntica como produção audiovisual tecida pela interface arte e comunicação, com propósitos legítimos no campo artístico. A videoarte surge em Nova York, no ano de 1965, considerada como resultado de um movimento artístico com o objetivo de questionar o cinema. Teve como precursor o artista coreano Nam June Paik.

Desde a sua origem, o vídeo produzido por artistas resulta da exploração do audiovisual para além dos usos comuns do vídeo para documentários, notícias e outros campos da comunicação. Há de se destacar que a videoarte irá se desenhar como um modo artístico de uso do vídeo cujas técnicas e processos de criação experimentais foram ricos coadjuvantes na construção de textos para televisão comercial, propaganda e publicidade, mas ainda assim serão produtos diferentes da Arte por conta de sua intencionalidade.

O vídeo opõe-se, por isso, à lógica modernista de separação entre cada domínio artístico, operando uma mistura entre cinema, teatro, pintura, dança, escultura, música, e mesmo entre estes domínios artísticos e suportes relacionados com a cultura popular, como a televisão. Ao ultrapassar as distinções entre cada domínio artístico, o vídeo apela a uma interligação entre todas as formas de percepção e entre todos os sentidos.

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Neste contexto, a videoarte é arte e comunicação e, filiada à Arte Conceitual e às linguagens do corpo, a videoarte será, sobretudo, objeto comunicacional resultante da confluência das mídias audiovisuais.

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As instalações vídeo, independentemente das formas que poderão tomar, instituem um aqui e agora espacial que determina a sua recepção como experiência atual, como acontecimento, e não como ilusão (ou seja, como evocação de ausências). As instalações vídeo oferecem assim, ao receptor, como uma ‘obra aberta’, onde a construção e reconstrução de sentido encontram-se em constante mudança.

Este sentido de experiência, de evento, determina que o olhar e o corpo dos sujeitos não sejam apenas confrontados com um dispositivo. Eles instituem-se como um evento. Esse evento, implica, não apenas um olhar, ou uma reflexão, mas um envolvimento global, de todos os sentidos, no confronto com os diversos espaços possíveis. Neste sentido, todas as instalações serão interactivas, já que o visitante escolhe um percurso, um ponto, uma situação de olhar que determina sentidos, e percepções variáveis.

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Algumas instalações jogam com modos habituais de experiência sensomotora, outras operam a um nível mais contemplativo, dependendo da passagem das imagens, ou de campos conceptuais, através de várias dimensões, mais do que na passagem do corpo do visitante através da instalação. No entanto, mesmo neste caso, o visitante é fechado no interior de um envelope de imagens, texturas e sons.

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MATTHEW BARNEY

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Matthew Barney, Estados Unidos, 1967, iniciou a sua formação em artes na University of Yale, em New Haven (EUA), nos anos 1980. As suas instalações e performances audiovisuais abordam questões referentes à ciência e à mitologia, ao corpo e à sexualidade, ao conflito e ao fracasso. O seu contato com o campo da medicina é invocado em muitos de seus trabalhos. Em 1993, apresentou uma de suas obras mais relevantes Drawing Restraint 7, que apresenta a fusão de um mundo ficcional e mitológico, uma analogia à masculinidade como performance.

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No ano seguinte, apresentou a série de filmes CREMASTER (1-5) que evoca questões sobre o desenvolvimento sexual no corpo masculino.

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SHIRIN NESHAT

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Shirin Neshat é uma artista visual iraniana contemporânea mais conhecida por seu trabalho em fotografia, vídeo e cinema (como seu filme Rapture de 1999), que explora a relação entre as mulheres e os sistemas de valores religiosos e culturais do Islã. Ela disse que espera que os espectadores de seu trabalho “levem consigo não alguma declaração política pesada, mas algo que realmente os toque no nível mais emocional”. Embora suas primeiras fotos tenham sido abertamente políticas, suas narrativas de filmes tendem a ser mais abstratas, focando em temas de gênero, identidade e sociedade. Sua série Mulheres de Allah, criada em meados da década de 1990, introduziu temas sobre as discrepâncias de identidades públicas e privadas nas culturas iraniana e ocidental.

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BILL VIOLA

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Seus trabalhos consistem em vídeos que utilizam-se de alta tecnologia, mas que se caracterizam pela linguagem direta e simplicidade, que buscam fazer o espectador trilhar um caminho para o autoconhecimento através da percepção sensorial.

Iniciadas em 1972, suas obras possuem apelos ligados à morte, nascimento e demais aspectos da vida humana, que são imperceptíveis aos olhos rotineiros devido à grande imersão em tarefas cotidianas em que todos estão imersos.

A videoarte de Viola produz sensações em seus espectadores. Mais, procura atingi-los de modo a tocar o lado sensitivo e emocional humano através de imagens e sons, criando um jogo com o tempo, criando uma estrutura mental complexa que varia de acordo com experiências pessoais. Seu arsenal para atingir este objetivo encontra-se em seus vídeos, que abusam da passagem do tempo e corpos humanos em câmera lenta. Se transformam, mudam, variam, distorcem-se.

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Viola tem representado o papel do vídeo como forma de arte contemporânea devido ao teor de suas obras, que envolvem o observador não apenas de forma primária, em que ele apenas assiste, mas também o faz envolver-se no conteúdo.

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A performance surge como uma manifestação artística em que o corpo é utilizado como um instrumento de comunicação e arte que se apropria de objetos, situações e lugares - quase sempre naturalizados e socialmente aceitos - para dar-lhes outros usos e significações e propor mudanças nas formas de percepção do que está estabelecido.

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Ainda nos anos 60, surgiram na Europa movimentos artísticos que realizavam criações com dança e música e acrescentaram novos elementos ao happening. Exemplos disso são as Antropometrias do Período Azul, de Yves Klein, onde 3 modelos nus, untados de tinta azul, prensam seus corpos contra telas enormes, como pincéis vivos, ao som da Sinfonia Monótona de Pierre Henri. A experiência que levou ao extremo a action painting de Pollock, criava espaço para o que mais tarde caracterizaria a body art da segunda metade dos anos 60 e dos anos 70.

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A performance só chegou a ser aceita como expressão artística “autônoma” na década de 70. Naquele momento, a arte conceitual – uma arte de idéias, mais do que de produtos, arte não comprável ou vendável – estava em seu apogeu e a performance teria sido uma das formas de demonstração destas idéias (GOLDBERG, 1996, p.7), na medida em que se apoiava fortemente no corpo como elemento gerador de novas significações, na transitoriedade das apresentações e no fim da representação. Para isso, buscava desenvolver uma linguagem própria, caracterizada pela apropriação e justaposição de outras linguagens.

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A história da performance como arte corporal está ligada a todo um conjunto de práticas contestadoras, produzidas principalmente no início do século XX na Europa e também nos Estados Unidos do pós-guerra e que ficaram conhecidas como as vanguardas artísticas históricas. O movimento de rompimento da performance com convenções formais e estéticas fez com que Renato Cohen a chamasse de “arte de fronteira” (COHEN, 1987, p.4).

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“Fronteira” aqui tem também o objetivo de demarcar algo que termina e começa, e, sobretudo, de anunciar algo que acontece num “entre”. A performance pode ser considerada “fronteira” exatamente por se dar num interstício, num limiar. Algo que termina (a representação, que é abolida nas artes visuais, na música, na dança e nas artes cênicas) e algo que começa (uma outra concepção de arte, de prática artística e de linguagens/processos criativos).

A arte conceitual procurou “desestetizar” a arte num momento de freqüentes questionamentos sobre o significado e a função da arte frente à sua crescente mercantilização.

Como a arte conceitual, a performance representou mais uma experiência de tempo e de espaço do que de produção de objetos de arte, o corpo se converteu num meio de expressão mais direto: daí a importância dos happenings (intervenções rápidas e relativamente simples) e da body art na época, que mais tarde dariam origem à performance.

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A performance, por toda a trajetória das expressões que a antecederam, apresenta fundamentalmente duas outras conotações: a de arte de intervenção e de experimentação. De fato, como expressão artística, pode ser considerada em sua origem mais uma arte de intervenção do que de fruição, a exemplo do que se fazia nos movimentos surrealista e futurista.

Uma arte cujo objetivo era causar uma transformação no espectador, através da criação de jogos com a percepção, embora não de forma tão radical quanto a body art e dadá. Sua proposta está muito mais

voltada, como vimos, para a instauração de outras formas de percepção da realidade e das formas de expressão. (caráter de instauração que a torna nitidamente intencional, o que nos permitiria propor a noção de performance como uma arte de “intervenção”.

A performance propõe novas experiências perceptivas e questiona aspectos de nosso cotidiano, da comunicação e da cultura, o que também lhe conferiria um caráter de “experimentação” com fins de mudança.

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Por mais que a performance tenha absorvido muito do teatro, eles ainda possuem algumas diferenças que devem ser consideradas. No teatro podemos observar um roteiro, caracterização de personagens, cenografia e uma “estabilidade”, raramente ela é livre para adaptações momentâneas.

Já a performance, além de possuir algumas características do teatro (roteiro, direção), seu conceito, enquanto obra, é efêmero, ou seja, acaba - não há um tempo determinado, ou então ela pode acabar por outros fatores que não estão envolvidos na performance - fatores sociais, ambientais, por exemplo. Outro fator é que elas podem ser mutáveis e ter a presença e interação do público, o chamado happening.

No entanto, essas participações devem ser muito bem pensadas para que não haja um risco, tanto para o artista, quanto para o público. Isso é uma questão muito complicada, pois não sabemos o limite do outro, até onde alguém poderia chegar em uma situação dessas. O mais sensato seria o artista colocar limites nessas performances com interação, principalmente artistas mulheres, para não se tornar ambiente inseguro, como na performance “Ritmo 0 (1974)” de Marina Abramovic em que 72 objetos que poderiam dar prazer ou dor foram dispostos sobre mesas e o público estava convidado a fazer o que quisessem com a artista. Ao fi-

nal, estava com as roupas rasgadas, o público a tratava como uma boneca e ainda teve uma arma carregada apontada para si, que poderia ter acabado de um jeito bem pior.

A arte tem seu papel instigante e isso pode gerar alguns problemas, por conta de alguns grupos mais conservadores, quando junto a performances que envolvem nudez ou abordam assuntos sobre a sexualidade. Porém, para que esse tipo de arte não seja censurado ou silenciado, avisos e sinalizações de idade, e talvez uma breve explicação, poderiam estar no local da obra para que não ocorram informações falsas sobre o objetivo e o intuito do artista ao performar aquele ato; como ocorreu no evento do MAM em São Paulo, 2017 que uma criança apenas tocou o pé do artista que estava performando nu e muitas alegações falsas foram criadas e espalhadas.

Como as performances são mais interativas e geram uma maior curiosidade do público, é uma ótima forma da arte, cultura, e conhecimento, se expandirem cada vez mais, tratando de assuntos pertinentes, e às vezes polêmicos, que devem ser discutidos em nossa sociedade atual.

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instalação de arte site specific

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A instalação é uma forma de arte que utiliza a ampliação de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. Pintura, escultura e outros materiais são usados conjuntamente para ativar o espaço arquitetônico. O espectador participa ativamente da obra e, portanto, não se comporta somente como apreciador.

Ela pode ter um caráter efêmero (só existir na hora da exposição) ou pode ser desmontada e recriada em outro local. Diferentemente do que ocorre tradicionalmente com as esculturas ou pinturas, a mão do artista não está presente na obra como um item notável.

Uma instalação pode ser multimídia e provocar sensações: táteis, térmicas, odoríferas, auditivas, visuais entre outras. O conceito, a intenção do artista ao formular seu trabalho é em grande parte a essência da própria obra, na medida em que a instalação emerge no contexto da Arte Conceitual.

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A obra contemporânea é volátil, efêmera, absorve e constrói o espaço a sua volta, ao mesmo tempo, que o desconstrói. A desconstrução de espaços, de conceitos e ideias está dentro das práxis artísticas da qual a Instalação se apropria para se afirmar enquanto obra.

Essencialmente, é a construção de uma verdade espacial em lugar e tempo determinado. É passageira, possui presença efêmera que se materializa de forma definitiva apenas na memória. O sentido de tempo, no caso da fruição estética da Instalação é o não-tempo, onde essa fruição se dá de forma imediata ao apreciar a obra in loco, mas permanece em sua fruição plena como recordação.

Essa questão do tempo é crucial na Instalação, fazendo com que a mesma seja um espelho de seu próprio tempo, questionando assim o homem desse tempo e sua interação com a própria obra.

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catálogo de artes

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As combinações com várias linguagens como vídeos, filmes, esculturas, performances, computação gráfica e o universo virtual, fazem com que o público se surpreenda e participe da obra de forma mais ativa, pois ele é o objeto último da própria obra, sem a presença do qual a mesma não existiria em sua plenitude.

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A necessidade de mexer com os sentidos do público, de instigá-lo, quase obrigá-lo, a experimentar sensações, sejam agradáveis ou incômodas, faz da Instalação um espelho de nosso tempo. Pode-se dizer de fato que a Instalação é uma obra época, a qual só faz sentido se vista e analisada em seu tempo-espaço.

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Imagem 26: Mosaico da Virgem Maria na Basílica de Santa Sofia, Istambul. Foto: Vlada Photo.

Imagem 27: A Dama e o Unicórnio - Divulgação/Maître de la Chasse à la Licorne.

Imagem 28: Justiniano e atendentes. Mosaico na parede norte da abside da igreja de San Vitale (século VI), Ravenna, Itália.

Imagem 29: Igreja Notre-Dame la Grande de Poitiers / Banco de dados do património arquitectónico do Ministério da Cultura da França.

Imagem 30: “Cristo em Majestade” numa mandorla, na abside de Sant Climent de Taüll, no Museu Nacional de Arte da Catalunha.

Imagem 31: Sainte-Chapelle, Paris, França. Svetlana Gumerova/Unsplash.

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Imagem 32: Catedral Notre dame, Paris, França.Gregory Hayes/Unsplash.

Imagem 33: Catedral de Colônia, Alemanha. Yunus G/Unsplash.

Imagem 34: O Nascimento de Vênus, Sandro Botticelli (1489). Galleria degli Uffizi, Florença, Itália.

Imagem 35: Basílica de São Pedro, Praça de São Pedro, Vaticano. Andrei Popescu/Unsplash.

Imagem 36: Interior da Basílica de São Pedro, Praça de São Pedro, Vaticano. Feisan BM/Unsplash.

Imagem 37: Davi, Michelangelo (1501), Academia de Belas Artes, Florença. Jack Hamilton/Unsplash.

Imagem 38: Teto da Capela Sistina, Michelangelo (1508 — 1512). Calvin Craig/Unsplash.

Imagem 39: Homem Vitruviano, Leonardo da Vinci (1492), Academia de Belas Artes de Veneza. Foto: Luc Viatour.

Imagem 40: A Escola de Atenas, Rafael (1509), Vaticano.

Imagem 41: Mona Lisa, Leonardo da Vinci (1503), Museu do Louvre.

Imagem 42: As Meninas, Diego Velázquez (1656), Museu do Prado, Madri.

Imagem: 43: A Incredulidade de São Tomé, Caravaggio (1601–1602). Bildergalerie, Potsdam, Alemanha.

Imagem 44: Judite decapitando Holofernes, Artemisia Gentileschi (1620). Galleria degli Uffizi, Florença.

Imagem 45: Galeria dos Espelhos, Palácio de Versalhes. Jessica Kantak Bailey/Unsplash Imagem 46: O Balanço, Jean-Honoré Fragonard (1767). Coleção Wallace, Londres.

Imagem 47: Assunção de Nossa Senhora no teto da igreja São Francisco de Assis, Mestre Ataíde (1804).

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Imagem 49: O Juramento dos Horácios, Jacques-Louis David (1784). Museu do Louvre.

Imagem 50: Cristo abençoador, Jean-Auguste Dominique Ingres (1834). MASP. Imagem 51: Arco do Triunfo, Paris. Axel Bertrand/Unsplash.

Imagem 52: Chuva, nebulosidade e velocidade, William Turner (1844). Galeria Nacional, Londres.

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Imagem 58: O violeiro, Almeida Júnior (1899). Pinacoteca de São Paulo.

Imagem 59: O Almoço dos Barqueiros, Pierre-Auguste Renoir (1880-1881). Phillips Collection, Washington.

Imagem 60: Impressão: Sol Nascente, Claude Monet (1872). Museu Marmottan, Paris.

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Imagem 68: Juan Legua, Juan Gris (1911). MET, Nova York.

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Imagem 73: Pleiades, Max Ernst (1920).

Imagem 74: Golpe com uma faca de cozinha dada na última cultura de barriga de cerveja da República de Weimar na Alemanha, Hannah Höch (1919). Neue Nationalgalerie, Berlim Imagem 75: O Espelho Falso, René Magritte (1928). Acervo MoMA, Nova York.

Imagem 76: A coluna partida, Frida Kahlo (1944).

Imagem 77: Composition with Portrait, Victor Brauner (1935).

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Imagem 78: A Persistência da Memória, Salvador Dalí (1931).

Imagem 79: A Traição das Imagens, René Magritte (1928–1929). Museu de Arte do Condado de Los Angeles.

Imagem 80: Composição VII, Wassily Kandinsky (1913). Galeria Tretyakov, Moscou, Rússia Imagem 81: Composição VIII, Wassily Kandinsky (1923). Museu Guggenheim, Nova York.

Imagem 82: Composição II em Vermelho, Azul e Amarelo, Piet Mondrian (1930).

Imagem 83: Instalação de Sol LeWitt (1978). MoMA, Nova York.

Imagem 84: Blue Horizon, Frank Stella (1958).

Imagem 85: Título desconhecido, Frank Stella (1967).

Imagem 86: Sem título, Donald Judd (1967).

Imagem 87: Blaze 1, Bridget Riley (1962). Galeria Nacional da Escócia.

Imagem 88: Vega 200, Victor Vasarely (1968).

Imagem 89: Feny, Victor Vasarely (1973). Museu Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Imagem 90: Water From The Rock (1961 - 1962), Richard Anuszkiewicz.

Imagem 91: Concreção 9770 [série Intermutações], Luiz Sacilotto (1997).

Imagem 92: Garota se Afogando, Roy Lichtenstein (1963). MoMA, Nova York.

Imagem 93: Latas de Sopa Campbell, Andy Warhol (1962). MoMA, Nova York.

Imagem 94: Três Bandeiras, Jasper Johns (1958). Whitney Museum of American Art, Nova York.

Imagem 95: No Carro, Roy Lichtenstein (1963). Galeria Nacional Escocesa de Arte Moderna de Edimburgo.

Imagem 96: Made in Japan, Tadanori Yokoo, Having Reached a Climax at the Age of 29, I Was Dead, Tadanori Yokoo. (1965). MoMA, Nova York.

Imagem 97: Díptico Marilyn, Andy Warhol (1964).

Imagem 98: Prince Series, Andy Warhol (1984). https://br.pinterest.com/pin/25262447893566258/ Imagem 99: One ofPrince Series,Andy Warhol (1984). https://br.pinterest.com/pin/25262447893566258/ Imagem 100: Sem título (Caveira), Jean-Michel Basquiat (1981).

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Imagem 101: Valentine’s Banksy, Banksy (2020).

Imagem 102: Sem título (I shop therefore I am), Barbara Kruger (1987).

Imagem 103: Cut Piece (performance), Yoko Ono (1965).

Imagem 104: Solaria, James Jean (2021).

Imagem 105: Equilíbrio, Daisy Balloon (2021). Japan House, SP Imagem 106: The Obliteration Room, Yayoi Kusama (2012).

Imagem 107: Vênus de Urbino, Ticiano (1538). Galleria degli Uffizi, Florença.

Imagem 108: Judite e Holofernes, Caravaggio (1599). Palazzo Barberini, Roma.

Imagem 109: Auto-retrato nu, Egon Schiele (1916). The Albertina Museum, Viena.

Imagem 110: O abraço, Egon Schiele (1917). MoMA, Nova Iorque.

Imagem 112: Girl, Egon Schiele (1918). MET, Nova Iorque.

Imagem 113: Branded, Jenny Saville (1992).

Imagem 114: Reverse, Jenny Saville (2003).

Imagem 115: Closed Contact #8, Jenny Saville (1996).

Imagem 116: PI BIENAL DRE ACENTO BATISTA. Foto: ROBERTO CARVALHO DE MAGALHÃES https://parqueibirapuera.org/o-parque-ibirapuera-esbanja-arquitetura/pi-bienal-dre-acento-batista/ Imagem 117: Bienal de Veneza 1895 https://www.labiennale.org/en/history Imagem 118: 1ª Bienal de São Paulo http://www.bienal.org.br/exposicoes/1bienal Imagem 119: Cartaz da 1ª Bienal http://www.bienal.org.br/exposicoes/1bienal/cartazes/4227 Imagem 120: Letreiro para primeira documenta em frente ao Museu Fridericianum, 1951. Werner Lengemann/documenta archiv https://www.documenta-bauhaus.de/en/narrative/388/bauhaus-artists-at-the-first-documenta-1955 Imagem 121: The Key in the Hand, Chiharu Shiota (2015). Foto: Sunhi Mang Imagem 122: A bondade de estranhos, Maurício Ianês (2008). Foto: Amilcar Packer Imagem 123: Parthenon of Books, Marta Minujín (2017). Foto: Mathias Völzke Imagem 124: Visita à exposição “Arte Degenerada”. KEYSTONE/GETTY IMAGGES

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Imagem 125: Entartete Kunst poster, Berlin, 1938 Imagem 126: Hermann Goering e Adolf Hitler observando a pintura. Fonte: domínio público.

Imagem 127: Fila para conferir a exposição chamada de “Arte Degenerada”. Fonte: domínio público.

Imagem 128: Hitler confere a exposição “Arte Degenerada”. Fonte: domínio público.

Imagem 129: Os sete pecados mortais, Otto Dix (1933).

Imagem 130: Água-forte, Otto Dix (1924).

Imagem 131: Na Alemanha uma Winter’s Conto, George Grosz (1919).

Imagem 132: Caim ou Hitler no Inferno, George Grosz (1944).

Imagem 133: Virgem abençoada castigando o Menino Jesus diante de três testemunhas, Max Ernst (1926).

Imagem 134: O anjo do lar: o triunfo do surrealismo, Max Ernst (1937).

Imagem 135: Woman with Dead Child, Käthe Kollwitz (1903).

Imagem 136: The Mothers, Käthe Kollwitz (1921) Imagem 137: Die Lebenden und die Toten, Anselm Kiefer (2017-18).

Imagem 138: Ash Flower, Anselm Kiefer (1983-97). Royal Academy, Londres. Foto: Justin Tallis/PA Imagem 139: Phantom Interceptors, Gerhard Richter (1964).

Imagem 140: Uncle Rudi, Gerhard Richter (1965).

Imagem 141: Abstraktes Bild (946-3), Gerhard Richter (2016).

Imagem 142: Lupita Nyong’o. Foto Annie Leibovitz.

Imagem 143: Foto Jan Saudek.

Imagem 144: O deus da cabeça, 1995. Foto de Mario Cravo Neto / Acervo IMS. Imagem 145: Thomas, 1987. Foto Robert Mapplethorpe.

Imagem 146: Sea of Hull, 2017. Foto Spencer Tunick.

Imagem 147: Empossamento #7, 2003. Foto Mauro Restiffe, TATE MODERN. Imagem 148: Tokyo, Japão, 2017. Foto Trey Ratcliff.

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Imagem 149: Calendário Lavazza 2020 de David LaChapelle.

Imagem 150: Rapture, Shirin Neshat (1999).

Imagem 151: DRAWING RESTRAINT 7, Matthew Barney (1993).

Imagem 152: The Sleep of Reason, Bill Viola (1988).

Imagem 153: Cremaster 4, Matthew Barney (1994).

Imagem 154: Cremaster 3, Matthew Barney (1994).

Imagem 155: Cremaster 5, Matthew Barney (1994).

Imagem 156: Rebellious Silence, série Women of Allah, Shirin Neshat (1994).

Imagem 157: Women of Allah, Shirin Neshat (1996).

Imagem 158: Fervor (Couple at Intersection), Shirin Neshat (2000).

Imagem 159: Stations, Bill Viola (1994, MoMA, Nova Iorque.

Imagem 160: Nascimento Invertido, Bill Viola (2014) Imagem 161: Transfigurações, Bill Viola (2007/2008).

Imagem 162: Mártires, Bill Viola (2014).

Imagem 163: Apresentação das “Antropometrias do Período Azul” na Galeria Internacional de Arte Contemporânea, 9 de março de 1960. Foto: Harry Shunk e Janos Kender J.Paul Getty Trust. The Getty Research Institute, Los Angeles. (2014.R.20) Imagem 164: Bárbara (Ant 113), Performance Yves Klein (1960).

Imagem 165: Apresentação das “Antropometrias do Período Azul” na Galeria Internacional de Arte Contemporânea, 9 de março de 1960. Foto: Harry Shunk e Janos Kender J.Paul Getty Trust. The Getty Research Institute, Los Angeles. (2014.R.20) Imagem 166: O Escritor, Maurício Ianês (2013).

Imagem 167: Zona Morta, Maurício Ianês (2007).

Imagem 168: notNo, Maurício Ianês (2012).

Imagem 169: 7th Surgery-Performance called Omnipresence, Orlan (1993).

Imagem 170: Opera Surgery-Performance, Orlan (1991).

Imagem 171: 9th Surgery-Performance, Orlan (1993).

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Imagem 172: Imponderabilia – Marina Abramovic e Ulay – Bologna 1977.

Imagem 173: Carrying The Skeleton, Marina Abramovic (2008).

Imagem 174: Ritmo 0, Marina Abramovic (1974).

Imagem 175: Gaia Mother Tree, Ernesto Neto (2018).

Imagem 176: SunForceOceanLife, Ernesto Neto (2021).

Imagem 177: Bololô, Henrique Oliveira (2011). Smithsonian National Museum of African Art, Washington DC - EUA Imagem 178: Instalação questão refugiados, Ai Weiwei (2017). Fachada do museu Kunsthal Charlottenborg, Copenhague, Dinamarca. Foto: David Stjernholm Imagem 179: L’Arc de Triomphe, Wrapped, Christo and Jeanne-Claude (2021). Paris, França.

Imagem 180: IN SILENCE, Chiharu Shiota (2021). Foto: Guan-Ming Lin Imagem 181: Ilhas Cercadas, Biscayne Bay, Christo and Jeanne-Claude, (1983). Miami, Flórida.

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catálogo de artes

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