ART NOUVEAU H ARTE #ARTNOUVEAU WWW.ARTNOUVEAU.COM LUCIANA PICASSO COSCIA
Qué es el Art Nouveau?
El art nouveau fue un movimiento artístico y decorativo internacional, entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte nuevo’, como su nombre en francés, se trataba de un estilo original y moderno. Los antecedentes del art nouveau pueden encontrarse en el movimiento ingles Arts & Crafts fundado por William Morris en 1861, el cual revalorizaba la artesanía tradicional y la naturaleza en contra de la creciente industrialización. El art nouveau valoró las artes aplicadas y la naturaleza, pero a diferencia del Arts ands Crafts, aprovechó los materiales y técnicas disponibles para crear un estilo moderno.
Influencias en la arquitectura Nació en Gante en 1861, conocido mundialmente como precursor del Art Nouveau, admirador de Viollet-le-Duc y díscipulo de Alphonse Balat, tardó algunos años en encontrar su vocación. Comenzó sus estudios de violín, pero pronto fue expulsado por su disciplina. En 1876 hace sus estudios en la Academie de Gand y L’Academie des Beaux-Arts de Bruxelles, donde se inicia en la arquitectura y el dibujo. Más tarde comienza a tomar clases en la Facultad Politécnica de la Universidad Libre de Bruselas.
Horta bebió de las influencias de Viollet-le-Duc, arquitecto autodidacta que jamás consiguió el titulo académico para ejercer su profesión, pero que influyó enormemente en su época y en movimientos posteriores, sobre todo en el Modernismo. El trabajo decorativo lineal sobre hierro que realizó Viollet-Le-Duc, influyó en las posteriores decoraciones de las obras modernistas, tanto de Víctor Horta como de otros integrantes del movimiento, como por ejemplo Gaudí.
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Victor Horta, iniciador del Art Nouveau
La arquitectura en los comienzos - Art Nouveau, Víctor Horta
Víctor Horta
No es lo mismo
Art Nouveau - Art DécoEl Art Nouveau y el Art Déco son dos movimientos artísticos que surgieron en diferentes momentos históricos y tenían objetivos específicos. El Art Nouveau se desarrolló como una respuesta al academicismo reinante y buscaba romper con los patrones del historicismo y el naturalismo. Necesitó décadas para conformar sus características y adoptó influencias orientales y diversos
factores sociales, económicos e ideológicos antes de manifestarse como un movimiento coherente a fines del siglo XIX. Por otro lado, el Art Déco surgió como una reacción al Art Nouveau, rechazando su exceso de ornamentación y líneas sinuosas. Se consolidó con la influencia de movimientos artísticos vanguardistas como el cubismo, el constructivismo ruso y el futurismo italiano, así como el renacimiento de influencias de culturas antiguas y primitivas. Surgió en un período marcado por la maquinización y la necesidad de una nueva estética
A pesar de que el Art Déco aparentemente rechazaba al Art Nouveau, mantuvo algunas de sus características en sus inicios. Ambos movimientos compartieron el distanciamiento respecto al arte académico y prefirieron utilizar recursos expresivos de corrientes contestatarias sin ser parte de ellas.
En resumen, el Art Nouveau y el Art Déco son dos movimientos artísticos que surgieron en contextos diferentes y tenían objetivos distintos, pero comparten ciertas similitudes y una ruptura con el arte académico.
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Transicion de estilos : Art NouveauArt Deco
Art Nouveau - Art Déco
Obras de Víctor Horta
Son muchas las obras que realizó este arquitecto, pero nos centra remos en dos menos conocidas: la Maison Autrique y los Almacenes Waucquez, exponente, el primero de arquitectura privada y el segundo de arquitectura pública.
En la Maison Autrique, una de sus primeras obras, vemos los pasos que dió Horta en la creación de este nuevo lenguaje estético: el paso del Eclecticismo al Art Nouveau que se materializará en
Casa Tassel
La Casa Tassel, también conocida como Hotel Tassel, se encuentra en la rue Paul aemile Janson 6, en Bruselas y es considerado como el primer edificio de estilo modernista debido a que por aquel entonces nacía un movimiento europeo innovador que hoy conocemos como Art Nouveau. En ella podemos ver el uso de vidrieras, decoración vegetal y recurso de la artesanía en las escaleras o radiadores.
Fachada de la Casa Tassel
El solar en el que el arquitecto debía trabajar era bastante estrecho y esto contribuyó a que Víctor Horta utilizara vigas de hierro en la fachada con una función sustentante y decorativa que pudo distribuir el espacio libremente.
su siguiente obra, la Casa Tassel. Fue mandada a construir por el ingeniero Eugéne Autrique para él y su familia, donde pedía expresamente que la construcción no fuera extravagante y careciera de lujos innecesarios.
Se conocían por pertenecer a los “Amis Philantropes” logía mas antigua de Bruselas.
En 1990 fue comprada por el municipio de Schaerbeek y supuso su completa renovación.
La Casa Tassel fue encargada por Emile Tassel, profesor de geometría descriptiva en la Universidad de Bruselas y colaborador del estudio de la firma Solvay. Fue en ese momento una obra considerada ruptista y que generó mucho ruido en la ciudad de Bruselas. Rompe completamente con la distribución tradicional de la planta de las viviendas en Bruselas, donde la puerta de entrada se encontraba siempreal lado de la fachada y se prolongaba gacia el pasillo.
La fachada presenta tres cuerpos: la parte mas baja constituye ventanas separadas por columnas finas de piedra; el segundo nivel es mas alto y se compone de balcones de hierro con una barandilla; y en el nivel mas alto encontramos una terraza dividida en tres ventanas con barandilla.
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Casa Autrique
La primera casa construida por Victor Horta
Casa Autrique, fue la primer casa por enN cargo que Víctor Horta construyó introduN ciendo por primera vez los elementos y detaN lles de su estilo Art Nouveau, lo cual representa su evoluN cíón como arquitecto.
Historia de la Casa Autrique
La Casa Autrique fue construida en 1893 por Víctor Horta para su amigo Eugene Autrique y su familia, quienes querían un hogar simple pero cómodo sin necesidad de invertir grandes cantidades de dinero. Se conocían por pertenecer a los “Amis Philantropes”, una de las logias más antiguas de Bruselas. Este encargo supuso para el arquitecto una gran alegría profesional. Esta se mantuvo en buen estado durante el siglo XX, hasta que en 1990 fue comprada por el municipio de Schaerbeek y supuso su completa renovacion.
Actualmente esta abierta al público y en el año 2000 recibio la Medalla de Europa Nostra por su restauración.
Características de la Casa Autrique
Aunque no cuenta con la novedosa composicion y distribucion en cuanto espacio de la Casa Tassel, en muchos sentidos fue una obra de lo mas innovadora. Todas las características propias del Art Nouveau estan presentes en la obra, y no incluyen referencias de otros estilos: columnas en la fachada, composicion vertical, forjado de hierro, importancia de la de luz natural, detalles florales y formas curvas, vidrieras y mosaicos.
A pesar de que la entrada y la planta baja siguen un estilo arquitectonico bastante tradicional, la casa destaco por la presencia de luz natural en los pasillos y en la mayoría de las estan cias, lo cual fue innovador dentro de las casas belgas privadas que derivo un paso mas hacia el Art Nouveau. Su caracter eclectico, la utilizacion de materiales innovadores y la ornamen tacion curva ayudo a que se diese origen al que mas tarde determinaría su estilo Art Nouveau.
La restauracion de la Casa Autrique
La Casa Autrique fue restaurada entre 2002 y 2004 por el arquitecto Francis Metzger con la ayuda en la distribucion de los dibujantes y escenografos François Schuiten y Benoît Peeters. Permitira entender los orígenes de este estilo, la vision del arquitec to y admirar el interior de las antiguas casas de Bruselas.
plano de construccionCaracterísticas del Art Nouveau
Se inspira en las formas de la Naturaleza, especialmente en las formas geométricas y las líneas de las plantas, rocas. La Naturaleza y su observación sirven de inspiración a los artistas.
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La no existencia de la línea recta en la Naturaleza lleva los artistas modernistas a reivindicar las líneas sinuosas, asimétricas y ondulantes, además de añadir ligereza y dinamismo.
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Es también un arte ecléctico que se inspira por distintas corrientes estéticas como el arte hindú, el japonés, entre otros.
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Una inspiración que también denota un gusto por el exotismo, el lujo y la elegancia.
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4. Este gusto se plasmó en la proliferación de elementos ornamentales y decorativos.
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Además de este gusto por otros movimientos artísticos, el art Nouveau también introdujo técnicas y materiales industriales.
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Se volcaron en la reducción de la brecha existente entre las bellas artes y las artes aplicadas.
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Esculturas del Art Nouveau
ART NOUVEAU
EL GUSTO POR LO ELEGANTE, LO LUJOSO Y LO EXÓTICO
En el arte modernista, la escultura casi siempre estuvo integrada a la arquitectura, ya que esta alianza era la que permitía, justamente, renovar
aspecto, el art nouveau nos recuerda
Sin embargo, sí hubo expresiones de escultura modernista exenta a pesar de no haber sido el interés fundamental del movimiento. Al igual que el resto de las artes, se destacó por la línea ondulante y sinuosa, en función de crear un efecto dinámico. También pesa la asimetría, el gusto por elementos exóticos, el eclecticismo y la sensualidad.
Artes aplicadas en el art nouveau
El art nouveau destacó particularmente en las artes aplicadas. Se habla de artes aplicadas cuando se imprimen valores artísticos en el diseño y confección de objetos utilitarios. Abarcan disciplinas como la cerámica, el arte del vidrio, la ebanistería, la orfebrería y el diseño gráfico. Los artistas usaron motivos inspirados en el reino vegetal para embellecer los objetos. Favorecieron también la línea curva sobre la línea recta, aunque siempre a partir del estudio geométrico.
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Arthur Heygate Mackmurdo
Arthur Heygate Mackmurdo fue un arquitecto y diseñador industrial inglés que influyó en el movimiento Arts and Crafts. Una de sus obras más influyentes y reconocidas es el diseño de la portada para las Iglesias barrocas de Londres de Sir Christopher Wren (1883). Esta obra es un grabado en madera de una alta calidad artesanal que sirve de base para la impresión de la portada del libro de Wren. Un grabado en el que Mackmurdo recrea formas naturalistas y abstractas usando las características formas curvas del modernismo.
Abre su estudio en Londres en 1875. En estos años es presentado a William Morris en Kelmscott House, Hammersmith. En sus primeras obras muestra la influencia de Norman Shaw, como en las casas de Bus Hill Park, Enfield ( 1873 y 1883).
Empezó en la empresa Century Guild, fundada en 1882 con un grupo de amigos, fabricando papeles pintados, tejidos. Diseñó el signo del Guild y la portada del libro sobre Wren’s City Churches, cuyas curvas se convirtieron en ilustración del Art Nouveau. Este tema se repite en el respaldo de su silla de 1883 y en sus diseños de papeles murales y tejidos estampados. Estos diseños influencian profundamente a Voysey en sus diseños más famosos. Funda la revista Hobby Horse, hecha sobre papel a mano, con un tipo tradicional y una calidad superior a su época. Editó siete volúmenes e indujo a Morris a iniciar una imprenta. Por tanto la Kelmscott Press y otras pueden ser una iniciativa de Mackmurdo.
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Obra de Arthur Mackmurdo
Henri de Toulouse-Lautrec 1864 -1901
Toulouse-Lautrec se convirtió en uno de los artistas gráficos más destacados al convertir el cartel publicitario en una obra de arte. Un artista innovador que tiene en La Goulue en el Moulin Rouge (1891) uno de sus carteles más reconocibles. La Goule nos ofrece la imagen icónica de la bailarina francesa de can-can. Una imagen que se recrea con pocas líneas simples que logran ofrecer una sensación de movimiento y ritmo.
espectáculos de sus establecimientos. En las largas noches que pasó en estos locales, Lautrec pintaba todo lo que veía y lo dejaba encima de las mesas. A diferencia de su amigo Van Gogh, Toulouse-Lautrec sí llegó a vender sus obras, aunque fue más reconocido por sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios que por sus pinturas al óleo.
Moulin Rouge
Lautrec apenas se interesó por el género del paisaje y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial y que le permitiesen jugar con los colores y los encuadres. En 1895, pintó el cuadro La payasa Cha U Kao. El nombre deriva de las palabras "chahut-chaos". El chahut era un baile parecido al cancán en el que las bailarinas levantaban las piernas al aire y enseñaban la ropa interior al público. Cha U Kao fue una de las musas de Lautrec, a la cual retrató posteriormente en numerosas ocasiones. Lautrec estaba muy solicitado por los dueños de los cabarets para que pintara carteles promocionando los
Con Baile en el Moulin Rouge (1890, Mac Ilhenny, Filadelfia) comienza una serie de escenas de danza que constituyen el inicio de su período de madurez. La composición es una de las más ambiciosas y admirables del artista. La acentuada perspectiva del local es introducida por el personaje femenino del primer plano; en un segundo término se reserva un espacio vacío para la danza de Valentin le Déssossé y la Goulue; al fondo, los espectadores, entre los que encontramos personajes del círculo de Lautrec, como su padre, con larga barba blanca, y el fotógrafo Paul Sescau, que retrató excelentemente al pintor; en el último plano, los árboles tras la ventana.
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Cartel Moulin Rouge
Baile en el Moulin Rouge (1890)
Antoni Gaudi
Nacimiento de Antoni Gaudí, el 25 de junio
1852
Comienza sus estudios primarios y secundarios
1860
Hace su primera publicación en una revista, 'El Arlequín'
1867
Se traslada a Barcelona e inicia los estudios superiores
1868
Realiza la torre de aguas para el Parque de la Ciutadella.
1875
Recibe el título de arquitecto y comienza a hacer trabajos importantes.
1878
Firma el primer documento oficial como arquitecto de la Sagrada Familia.
1884
La Casa Milà, llamada popularmente como La Pedrera, es la última obra civil de Antoni Gaudí, que comenzó en 1906 y fue terminada en 1912.
El parque Güell es un parque público con jardines y elementos arquitectónicos situado en la parte superior de la ciudad de Barcelona.
Sagrada Familia
El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia es la última construcción de la etapa de Gaudí, un lugar único en Barcelona que además se convertirá en la Basílica más alta del mundo cuando se finalice.
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Casa Milà
Park Güell
El edificio fue construido entre 1904 y 1906, coincidiendo con la etapa de madurez de la arquitectura de Gaudí.
Acaba la construcción de las siete capillas de la Cripta de la Sagrada Familia.
1886
Realiza y acepta mas encargos de construcciones.
1887
Inicia el proyecto de remodelación total de la Casa Batlló.
1904
Empiezan las obras de La Pedrera también conocida como Casa Milà.
1906
Los pabellones de la Finca Güell son una serie de edificaciones situadas en el barrio de Pedralbes, en Barcelona.
Se traslada a Barcelona e inicia los estudi superiores
1911
Se va a vivir a la Sagrada Familia para seguir las obras más de cerca.
1925
Gaudí es atropellado en Barcelona por un tranvía.
Casa Vincens
La Casa Vicens es un edificio modernista, siendo el primer proyecto de importancia de Antoni Gaudí tras su licenciatura como arquitecto en 1878. Construida entre 1883 y 1885 como casa de veraneo de la familia Vicens.
1926
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Casa Batlló
Pabellones Güell
LA SAGRADA FAMILIA
EL MÁXIMO EXPONENTE DE LA ARQUITECTURA MODERNISTA CATALANA.
Es la iglesia más visitada de Europa tras la basílica de San Pedro del Vaticano.
Cuando esté finalizada, será la iglesia cristiana más alta del mundo.
La Sagrada Familia: su interior
El interior debía semejar un bosque, con un conjunto de columnas arborescentes inclinadas, de forma helicoidal, que crean una estructura a la vez simple y resistente.
La Sagrada Familia tiene planta de cruz latina, de cinco naves centrales y transepto de tres naves, y ábside con siete capillas.
Las columnas y la fachada
Ostenta tres fachadas dedicadas al Nacimiento, Pasión y Gloria de Jesús y, cuando esté concluida, tendrá dieciocho torres: cuatro en cada portal, haciendo un total de doce por los apóstoles; cuatro sobre el crucero, invocando a los evangelistas; una sobre el ábside, dedicada a la Virgen; y la torre-cimborrio central, en honor a Jesús, que alcanzará los 172,5 m de altura.
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Pórtico de la esperanza
Reúne las situaciones de la infancia de Jesús que mejor encarnan a José y su virtud, la esperanza.
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Pórtico de la caridad
Construida como si fuera una gran cueva, en ella están presentes todos los personajes del nacimiento de Jesús
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Pórtico de la Fe
Con María como maximo exponente de esa virtud, se representa la infancia y la adolescencia de Jesús relatadas en los Evangelios.
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Pináculo de José
Ícono de la Sagrada Familia
Pináculos de las torres
Campanarios
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AUBREY BEARDSLEY
artista pintor e ilustrador británico
“SI NO SOY GROTESCO, NO SOY NADA”
Otro de los artistas del Art Noveau más destacados. Un pintor e ilustrador inglés que tiene en su producción artística una ilustración que ejemplifica las características básicas del Art Nouveau, La falda del pavo real.
Esta obra es una ilustración hecha para la obra de teatro Salomé de Oscar Wilde. En su diseño, Aubrey emplea la línea abstrayendo las figuras para producir curvas sinuosas, siendo notoria la influencia de los grabados japoneses.
Aubrey Vincent Beardsley fue uno de los artistas más interesantes de la época victoriana en el Reino Unido. El hijo perfecto del fin-de-siècle. Tuvo tiempo de escandalizar, fascinar e influir en los artistas de la época.
Su estilo modernista, mezclado con su humor crítico e incisivo, dio lugar a una obra artística satírica, estética, moderna, hipnótica… maravillosa.
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1872 - 1898
La falda del pavo real
HÉCTOR GUIMARD
HÉCTOR GUIMARD
Hector Guimard (1867-1942) fue un arquitecto francés, representante principal del Art Nouveau francés.
A él se le encarga el diseño de las icónicas entradas de la estación del metro de París.
Las entradas están inspiradas en formas orgánicas, siendo la idea que fuesen de una pieza. Sus primeros estudios de arte fueron en París, luego ingresó a la Escuela Superior de Bellas Artes, donde se graduó como Arquitecto en 1889.
Tras su visita en Bruselas al Hôtel Tassel de Víctor Horta, Guimard se vio influenciado por el Art Nouveau y evolucionó hacia una libertad en la que puso de manifiesto su amor por la naturaleza.
En 1900 construyó en París la casa Canivet, la Maison Coilliot en Lile y los accesos de las estaciones de metro parisinas, con un toque de fantasía, las que utilizó arcos de metal con decoraciones prefabricadas.
El estilo de Hector Guimard fue muy personal, de formas libres, sinuosas y elegantes, inspiradas en la vegetación, pero de un carácter más abstracto que figurativo. El Cartel Béranger volvió
famoso a Guimard y trajo consigo numerosos pedidos que le permitieron precisar aún más sus investigaciones que lo incitaron a una concepción totalitaria del decorado interior, dando resultado obras como el Hôtel Guimard, regalo de boda para su esposa.
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Gustav Klimt
Gustav Klimt, el más célebre artista austriaco de esos tiempos y a la vez el más refinado, complejo y hermético. Eran años en los que Viena estaba empezando su decadencia como capital artística mundial, pero Klimt brilló por su estilo entre el Simbolismo y el Art Nouveau.
Sus obras, cargadas de sensualidad, tienen un estilo absolutamente ecléctico y cada vez están más cargadas de abstracción y plásticas innovadoras como sus extraños puntos de vista, cortes poco habituales y un
Nació en la época dorada del Imperio austrohúngaro, que cuidaba ante todo a sus artistas. Se formó en Viena, muy interesada en la promoción de las artes decorativas, y se codeó con artistas, arquitectos y artesanos.
Antes de cumplir los 30, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos
de Viena pero a finales de siglo entra en la Secesión (el modernismo vienés) muy interesada en todas las disciplinas creativas europeas y muy hostil con el arte académico oficial. Por ello perdería cierta seguridad económica.
Nunca se casó, pero tuvo bastantes hijos (al menos 14). Las mujeres (preferiblemente pelirrojas) eran musas, amantes y catalizadores del
El Beso
El cuadro El beso representa el 'sentimiento' de la pérdida de uno mismo que los amantes sienten. La sensación de amor pleno, fuerte, sensual y espiritual. Algunos consideran el cuadro El beso la más famosa del mundo y no el cuadro la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.
El beso es la culminación del particular y rompedor estilo artístico de Klimt, que se caracteriza por sus personajes lánguidos, una característica combinación de las dos y las tres dimensiones y el uso de materiales como el oro, que recuerda a las imágenes bizantinas.
simbolismo de Klimt. Símbolos de la vida y de la muerte; amenazantes y seductoras al mismo tiempo (las conocidas como femmes fatales). En este sentido su obra se calificó de «pornográfica» por su lenguaje abiertamente sexual. Por esa época, por cierto, andaba el Dr. Freud por Viena.
Su pintura es extremadamente ornamental: abunda el oro propio del arte bizantino (era hijo de un grabador de oro), los motivos geométricos y la sensualidad con un exquisito equilibrio entre líneas curvas y rectas.
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Obra “El Beso” Gustav Klimt, 1907
Las mujeres en el modernismo
El papel y estatus de la mujer en la sociedad se desarrolló de manera significativa a finales del siglo XIX.
Durante el mismo periodo, los artistas y diseñadores modernistas presentaban a las mujeres de una forma muy idealizada, femenina y seductora. Las mujeres esbeltas, atractivas y, a menudo, desnudas con largas
cabelleras. Aparecían muchas veces en las joyas, pinturas y grabados modernistas. La publicidad influyó en gran medida en cómo el público percibía a las mujeres y, al igual que hoy en día, utilizó el cuerpo femenino para vender
estilos de vida y productos a los consumidores. Muchos artistas modernistas utilizaron el erotismo en sus obras, ninguno de ellos de manera más rentable que el pintor y artista decorador checo Alphonse Mucha (1860-1939). Como versátil diseñador de papeles pintados, textiles, objetos de plata y joyas, la obra de Mucha se reconoce al instante y fue muy imitada después de que se publicaran dos volúmenes de sus diseños gráficos en 1902.
El anuncio de Job para la empresa de cigarrillos Job, que se muestra a la izquierda, ilustra la idea de que «el sexo vende»: una mujer voluptuosa sujeta un cigarrillo, y sus ojos cerra-
dos y boca entreabierta sugieren el éxtasis. El mero hecho de que esta mujer esté fumando podría verse como escandaloso, ya que muy pocas mujeres respetables de la época fumaban en público.
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Art Nouveau en Buenos Aires un estilo que sigue generando pasiones
El Art Nouveau en Buenos Aires deslumbra a locales y turistas, no solo por sus estilizados motivos sino por la historia que cuenta cada edificio y objeto de decoración. Este estilo se instauró entre la burguesía por los inmigrantes que buscaban mostrar su poder pero también sus raíces.
El Antiacademicismo desembarcó en Buenos Aires durante el 1900, encontrando una ciudad bohemia donde convivían el arrabal tanguero con la clase alta y la burguesía inmigrante que había logrado rápidamente prosperidad y deseaba hacer visiblencia. El Art Nouveau o Modernismo dejó aquí alrededor de 200 edificios, lo que la convierte en una de las urbes del mundo con más construcciones de este estilo que desafió las reglas clásicas y el academicismo francés que se imponía por aquel entonces. La metrópoli intentaba replicar el gusto de las capitales europeas.
Características
Este estilo recibió en cada país distintos nombres, pero en todos los casos compartían características. Predominaba la inspiración en la naturaleza y formas orgánicas y se trataba de incorporar las novedades derivadas de la revolución industrial, como el hierro y el cristal.
Se recurría a la utilización de contenido simbólico, espiritual, místico y mitológico en contraposición, por ejemplo, a la pintura de escenas cotidianas y paisajes, más comunes en esa época.
Palacio de los Lirios
El Palacio de los Lirios es un emblema de un estilo con curvaturas y el sello inconfundible de Gaudí.
Las líneas curvas se plasman en los tres pisos, los muros, los balcones, los pasillos internos y en las barandas. La decoración se completó con elementos de la naturaleza y la herrería artística.
Confitería El Molino
La confitería El Molino, obra del arquitecto italiano Francisco Gianotti, se construyó con materiales traídos de su patria. Llegaron al puerto de Buenos aires puertas, ventanas, mármoles, manijones de bronce, cerámicas, cristalería y más de 150 metros cuadrados de vitraux.
El edificio contó con la novedosa utilización del hormigón armado, en una época en la cual se construía con ladrillo y losas de bovedilla catalana. Posee mosaicos opalinos, capiteles de bronce y cerámicas de oro.
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Palacio Barolo
Fue el primer rascacielos de Buenos Aires. Pleno de simbolismos y claves. fue concebido como par del palacio Salvo (1928) ubicado en Montevideo, Uruguay. En el edificio hay referencias a la Divina Comedia, como la división general del proyecto en tres partes, que se corresponden con el infierno, purgatorio y cielo
Cúpula del Hospital Español
En avenida Belgrano 2975, Balvanera, se encuentra el edificio a cargo del arquitecto Juan García Núñez que en su cúpula posee elementos constitutivos referentes a la naturaleza y está revestida con las típicas cerámicas de la arquitectura catalana.
Cúpula de avenida Rivadavia y Ayacucho
El edificio fue construido en 1907 por el arquitecto Eduardo Rodríguez Ortega y es conocido por la frase en catalán que tienen al frente: «No ni ha somnis impossibles”. Con una cúpula de estilo Gaudiana, subdividida en tres niveles de altura. El más grande, compuesto de ocho aperturas vidriadas con forma de elipse, el siguiente cuenta con aberturas con arcos curvados y el remate es un cupulín de base elipse, alargado con una curva truncada, una rosa de los vientos.
Tumba de Rufina Cambaceres
Se encuentra en el cementerio de la Recoleta y es obra del alemán Richard Aigner, quien demostró su talento escultórico con curvas sinuosas que culminan en una sugestiva imagen femenina. Realizada en mármol con barandal de hierro al pie del monumento.
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ART NOUVEAU
