Issue 15

Furi KMN14-B

Paris est toujours une bonne idée ed è proprio a Parigi in occasione di MAISON&OBJET 2023 che Londonart ha deciso di presentare la nuova collezione Tale Books:

Kimono il progetto pensato e voluto da Nicola Bottegal, Art director e CEO dell’azienda. Soggetti preziosi che si ispirano all’oriente, fondi oro e colori squillanti per la collezione preziosa e innovativa.

Oltre ai wallpaper in questo nuovo numero del Mag, che si propone sempre di

Paris est toujours une bonne idée and it is indeed in Paris, for MAISON&OBJET 2023, that Londonart has decided to present the new Tale Books: Kimono collection, the project conceived by Nicola Bottegal, Art director and CEO of the company. Precious subjects inspired by the East; golden backgrounds and vivid colours for the precious and innovative collection. This new issue of the MAG, which is increasingly a universal container covering all shades of beauty, features, in addition to the wallpapers, many new contents. Starting from interior design and architecture, you will find homes with blurred boundaries in total connection with the outdoors and vegetation, where you will dream of living. We will then take you around the world to the most amazing and exclusive restaurants capable of igniting our senses and giving a touch of charm. Still on the subject of food, an interesting point on the new vision of the food system based on three macro trends dictated by the growth of climate change. In this issue #15 of the MAG you will also be seduced by fashion, starting with the colour purple, a debated and controversial hue, and continuing with the trend of the balaclava, a technical and rebellious accessory, absolute protagonist of the latest catwalks.

più come un contenitore trasversale capace di dialogare con le diverse sfumature della bellezza, non potevano mancare tanti contenuti inediti. Partendo dal design e dall’architettura troverete case dai confini sfumati in cui sognerete di abitare, in totale connessione con l’esterno e con la vegetazione. Vi porteremo poi, in giro per il mondo nei ristoranti più sorprendenti ed esclusivi capaci di accendere i nostri sensi e regalare un tocco di charme.

E sempre a proposito di cibo un punto interessante sulla nuova visione del sistema alimentare che si fonda su tre macro trend dettati dal crescere dei cambiamenti climatici. In questo numero #15 del MAG potrete farvi anche sedurre dalla moda partendo dal viola, colore discusso e controverso e proseguendo con il trend del passamontagna, accessorio tecnico e ribelle, super protagonista delle ultime passerelle.

ART DIRECTOR & DIRECTOR: NICOLA BOTTEGAL

EDITORIAL DIRECTOR: VALENTINA PEPE

CONTRIBUTORS:

VALENTINA PEPE MARINA JONNA, MARA BOTTINI

EDITORIAL DESIGN: RICCARDO ZULATO

HEADQUARTER IT Via Migliadizzi 18 Noventa Vicentina, Vicenza | Italy +39 0444 760565 info@londonart.it

SHOWROOM IT Piazza S. Marco 4 Milano | Italy +39 02 23175856 milano@londonart.it

SHOWROOM UK Design Centre, Chelsea Harbour Lots Road, Chelsea, London | UK +44 (0)2045473447

london@londonartwallpaper.co.uk

londonartwallpaper.com londonartwallpaper.co.uk londonart.it

Bonne lecture

#whatsnew TALE BOOKS: KIMONO COLLECTION

17

#closeuptalk WALLPAPER MURALS, INTERPRETED BY CREATIVE DESIGNERS

22

#design NATURE INSIDE

62

11 36 46 70

#trend HANDS UP

#travel DESIGN IS SERVED

#fashion PURPLE REIGNS

#food

FUTURE ON THE PLATE

Hakma KMN11-A

Londonart continues to explore and experiment through the new Tale Books Collections designed by Nicola Bottegal. The core of this collection is tales, travels and culture, exploring specific creative worlds. The first capsule “Kimono” is inspired by the art of fabrics, patterns, and ancient screens. These artworks can involve the senses in a new aesthetic experience, to light up the atmosphere with splendour and elegance. The result of the reinterpretation of centuries of decorative art, essential and yet full of details, Tale Books Collection recreates decorative surfaces that embellish the places they inhabit, offering, in the case of Kimono, glimpses of Japanese life, of the tradition and evocative and imaginative creativity that this world enshrines. The printing of this fine Tale Books collection is the result of two different printing technologies. Gold, silver, caramel, white and black hues, are the background to the precious and extremely detailed hand-made designs. Protagonists of this collection are the traditional elements of Japanese iconographies, such as Cherry Blossom branches, Bamboo, Wisteria, a stolen landscape, waves and Herons. An Oriental-style palette of possibilities ready to create atmosphere and chiaroscuro effects, in an alternation of strokes that accentuate its three-dimensionality. The “optimistic” bright and vivid colours chosen, like red, bright purple, blue, and green, enrich this collection, a triumph of precious details, inspired by Eastern wisdom.

Londonart continua ad esplorare e sperimentare attraverso le nuove Tale Books Collection ideate da Nicola Bottegal. Una raccolta di racconti, di viaggi e di culture è al centro di queste collezioni, che esplorano emisferi creativi ben precisi. La prima capsule “Kimono” è ispirata all’arte dei tessuti, ai pattern e ai paraventi antichi giapponesi. Opere in grado di coinvolgere i sensi in una nuova esperienza estetica, per accendere di bagliori ed eleganza le atmosfere. Frutto di una reinterpretazione di secoli di arte decorativa, essenziale e al contempo piena di dettagli, Tale Books Collection ricrea superfici decorative che impreziosiscono i luoghi che abitano, raccontando nel caso di Kimono, scorci della vita nipponica, della tradizione e della creatività suggestiva e immaginifica che

questo mondo racchiude. La stampa delle preziose carte Tale Books Collection è frutto di due diverse e innovative tecnologie di stampa. L’oro, l’argento, il caramello, il bianco, il nero, fanno da sfondo ai preziosi disegni fatti a mano che risultano estremamente dettagliati. Protagonisti della collezione sono gli elementi tradizionali dell’iconografia giapponese: il ramo di ciliegio, il bambù, il glicine, un paesaggio rubato, le onde e gli aironi. Un ventaglio orientale di possibilità pronte a suggerire atmosfere e i giochi di chiaroscuri, in un’alternanza di tratti che ne accentuano la tridimensionalità. Anche i colori che sono stati utilizzati risultano estremamente “ottimisti” il rosso, viola acceso, blu, il verde arricchiscono questa collezione, che diviene un tripudio di lavorazioni preziose, dal sapere orientale.

Yuki KMN16-C

Wallpaper murals, interpreted by creative designers

NICOLA BOTTEGAL

The founder of Londonart focuses on the expressive power of designer collections. From the fashion sets of Dsquared2 to the pop blow-ups of Toiletpaper

PARATI COME MURALES, INTERPRETATI DAI CREATIVI

Il fondatore di Londonart punta sulla forza espressiva delle collezioni d’autore. Dalle scenografie fashion di Dsquared2 alle gigantografie pop di Toiletpaper

LIVING №12 ⚡ 2022

CORRIERE DELLA SERA

>txt: Mara Bottini

The contemporary wallpaper exploits the expressive potential of digital printing, with results ranging from hyperrealism to computer language. Londonart (the name recalls the international vocation of the brand and the great tradition of English wallpaper) creates emotional wallpapers designed as imaginative domestic murals. Pop, dreamlike, natural, decorative, architectural, fashion, depending on the authors.

The first collection was signed by Marcel Wanders. My brief ? “Do Wanders”. And he staged his neo-baroque vision The latest, Dsquared2 for Londonart by designers Dean and Dan Caten, creating a dialogue between fashion and design. The duo imagines rooms dressed in the emblems of the brand: monogram and animalier, camouflage denim and tartan (in full revival), The graffiti of street art and the forests of Canada, their country of origin.

La prima collezione l’ha firmata Marcel Wanders. Il mio brief ? ‘Fai Wanders’. E lui ha messo in scena la sua visione neobarocca L’ultima, Dsquared2 per Londonart degli stilisti Dean e Dan Caten, mette a dialogo moda e design. Il duo immagina stanze vestite con gli emblemi della griffe: il monogramma e l’animalier, il denim camouflage e il tartan (in pieno revival), i graffiti della street art e le foreste del Canada, loro paese d’origine.

The Toiletpaper Luxury Shit capsule translates the artistic photos of Maurizio Cattelan and Pierpaolo Ferrari into pop and irreverent blow-ups. While the language of architects Ferruccio Laviani, Gio Pagani and Carlo Colombo plays with graphics and geometries. This year, for the company’s 10 year anniversary, I have collected these and many other bestsellers in the Re-Edition collection, looking towards neutral tones, which are definitely back in the limelight.

La capsule Toiletpaper Luxury Shit, traduce le foto artistiche di Maurizio Cattelan e Pierpaolo Ferrari in gigantografie pop e dissacranti. Mentre il linguaggio degli architetti Ferruccio Laviani, Gio Pagani e Carlo Colombo gioca con grafismi e geometrie. Quest’anno, per i 10 anni dell’azienda, ho raccolto questi e molti altri bestseller nella Re-Edition collection, virata sui toni neutri, tornati decisamente alla ribalta.

1 ★ 2 ★ 3 ★ 4 ★

Two main trends: the ceiling wallpaper (perfect for dining room and corridor) and the return of the wallpaper on all walls (ideal in large rooms). For those who prefer to paper a single wall, I recommend the one behind the bed or sofa. Among the most innovative types are the sound-absorbing and waterproofing wallpapers, which have paved the way for wallpapers in the kitchen and bathroom, even in the shower. Before choosing, check the toxicity certifications.

Due le tendenze principali: il wallpaper a soffitto (perfetti sala e corridoio) e il ritorno del parato su tutti i muri (ideale in ambienti di grandi dimensioni). A chi preferisce tappezzare un’unica parete, consiglio quella dietro al letto o al divano. Tra i supporti più innovativi di sono i fonoassorbenti e gli impermeabili, che hanno sdoganato i parati anche in cucina e in bagno, perfino nella doccia. Prima di scegliere, attenzione alle certificazioni di tossicità.

Il wallpaper contemporaneo sfrutta le potenzialità espressive della stampa digitale, con esiti che variano dall’iperrealismo al linguaggio del computer. Londonart (il nome richiama la vocazione internazionale del marchio e la grande tradizione del wallpaper inglese) crea parati emozionali pensati come immaginifici murales domestici. Pop, onirici, naturali, decorativi, architettonici, fashion, a seconda degli autori.

PHOTO ADRIANO RUSSO STUDIO

Boundaries blur and vanish, leaving room for air curtains in total connection with the outside, allowing vegetation to enter the house. Fascinating residences where time is dictated by nature, first design element of the house. Like in the case of the Garden House, the experimental project of a couple of architects, Mauro Baracco and Louise Wright, who have decided to live literally surrounded by the Australian landscape. Located in the territory of the Australian Aboriginal people Boon Wurrung, in a clearing near Western Port Bay not far from Melbourne (Australia), the project by Baracco+Wright Architects is an active part of the regeneration of the site’s ecosystem. The house appears to be a greenhouse, a building

Magical spaces where humans, plants, and animals coexist seamlessly. Welcome to the transparent Garden House in Australia and the enchanting Atelier Villa in Costa Rica

>txt: Marina Jonna

Spazi magici dove uomini, piante e animali convivono senza soluzione di continuità.

Benvenuti nella trasparente

Garden House in Australia e nell’affascinante

Atelier Villa in Costa Rica

I confini sfumano e svaniscono, lasciando spazio a pareti d’aria in totale connessione con l’esterno, permettendo alla vegetazione di entrare all’interno delle mura domestiche. Residenze affascinanti dove il tempo è quello dettato dalla Natura, primo elemento di design della casa.

Come nel caso della Garden House, il progetto sperimentale di una coppia di architetti, Mauro Baracco e Louise Wright, che ha deciso di vivere letteralmente immersa nel paesaggio australiano.

Situato nel territorio degli aborigeni australiani Boon Wurrung, in una radura nelle vicinanze della baia di Western Port non lontano da Melbourne (Australia), il progetto di Baracco+Wright Architects è parte attiva della rigenerazione dell’ecosistema del sito. La casa appare come fosse una serra, un edificio dove la luce naturale disegna lo spazio, fortemente connessa al verde e alla natura circostanti, progettata in modo da lasciare crescere le piante al suo interno. Raccontano gli architetti: “Ci siamo accampati lì per circa tre anni prima di costruire la casa. Volevamo capire il ciclo della luce e i ritmi naturali del luogo, oltre a scoprire specie vegetali endemiche.

La nostra sfida era quella di rigenerare l’ecosistema

where natural light draws the space, strongly connected to the surrounding greenery and nature, designed to let the plants grow inside. The architects said: ‘We camped there for about three years before building the house. We wanted to understand the cycle of light and the natural rhythms of the place, as well as discover endemic plant species. Our challenge was to regenerate the severely compromised local ecosystem. We wanted the house not only to be connected to the landscape, but completely surrounded

by it.’ To be able to bring it to life, they chose a light metal structure, to be assembled on site, enriched, on both sides, by several layers of vegetation. Instead of windows, large sliding doors and perimeter panels that allow plenty of natural light to enter. Inside the house there is a raised wooden platform, where the living area is located, which includes the conversation corner, the kitchen,

locale gravemente compromesso. Volevamo che la casa non fosse solo in relazione con il paesaggio, ma totalmente immersa in esso”. Per riuscire a realizzarla, hanno scelto una struttura metallica leggera, da assemblare sul posto, arricchita, su entrambi i lati, da più strati di vegetazione. Al posto delle finestre, grandi porte scorrevoli e pannelli perimetrali che permettono alla luce naturale di entrare in abbondanza. All’interno della casa, una piattaforma rialzata in legno, dove si trova l’area giorno che comprende

and the dining room: this allows an easy outflow of water in case of heavy rains, in addition to reducing the impact on the environment. Indeed, the plants grow around and under the house, redefining the perimeter of the house over time, so much so that the two architects have to change the entrance to the house from time to time. The night area is instead created via a mezzanine, while

l’angolo conversazione, la cucina e la sala da pranzo: questo permette un facile deflusso dell’acqua in caso di forti piogge, oltre a ridurre l’impatto sull’ambiente.

Le piante crescono infatti intorno e sotto la casa, ridefinendo il perimetro della casa con il passare del tempo, tanto che i due architetti sono obbligati a cambiare, ogni tanto, l’ingresso della casa. La zona notte è invece ricavata su un soppalco mentre l’area servizi è lunica appoggiata al suolo. La superficie è minima,

8x8 metri, ma l’architettura risulta funzionale e ariosa grazie all’assenza di muri, corridoi o stanze, lasciando il vero ruolo da protagonista al giardino spontaneo che cresce e l’avvolge. Non solo, qui entrano con i loro suoni, i piccoli animali del bosco. La sensazione è quella di dormire su di un prato dove l’uomo diventa solo un osservatore rispettoso di quello che è il miracolo della Natura.

Passiamo ora nella jungla rigogliosa della Costa Rica dove la vegetazione,

the restroom is the only one resting on the ground. The surface is minimal, 8x8 meters, but the architecture is functional and airy thanks to the absence of walls, corridors or rooms, leaving the real

leading role to the spontaneous garden that grows and envelops it. And not just that, the small animals of the wood enter as well with their sounds. The sensation is that of sleeping on a meadow where humankind becomes just a respectful observer of the miracle of Nature.

Let’s now move on to the luxuriant jungle of Costa Rica, where the vegetation,

sicuramente più selvaggia e prorompente, accoglie il progetto Atelier Villa firmato da Formatal. Una residenza adagiata nella foresta, aggrappata su di un ripido pendio, dove i confini fluidi e gli spazi aperti delineano la costruzione. Definita da una forma pura, un parallelepipedo lungo 26 metri, ha una maglia strutturale di 4x4 m, che può chiudersi e compattarsi come un bozzolo o, al contrario, spalancarsi sul mondo esterno. La facciata rivolta verso l’oceano, è

certainly wilder and more rampant, welcomes the Atelier Villa project designed by Formatal. A residence nestled in the forest, clinging to a steep slope, where fluid boundaries and open spaces outline the building. Defined by a pure shape, a 26-metre-long parallelepiped, it has a 4x4 m structural mesh that can close and pack itself like

realizzata con pannelli mobili in acciaio Corten traforati, con motivi differenti a seconda delle sezioni, a creare un emozionante gioco di luci e ombre all’interno. Resistenti alla ruggine e refrattari al calore del sole, se alzati, fungono da tettoie riparando i proprietari con la loro ombra. L’intera struttura posteriore, rivolta invece verso la montagna, è rivestita in legno carbonizzato trattato con l’antica tecnica giapponese Shou Sugi Ban, in grado di proteggere il legno dalle intemperie e dall’invecchiamento.

Dal punto di vista della disposizione degli spazi interni, la villa possiede lo stesso spirito minimalista che la sua forma suggerisce.

I ripostigli, i bagni e la cucina sono disposti lungo la parete di fondo. La disposizione del resto della casa è molto aperta; i confini tra l’interno e l’esterno scompaiono e l’intero spazio sembra una terrazza coperta da un tetto verde. Leggere pareti divisorie scorrevoli, poste nell’area giorno, possono servire come strumento per creare zone private e movimentare lo spazio a seconda delle necessità.

Infine il patio, che rivela una piscina a sfioro parzialmente coperta per proteggerla dal sole cocente. L’arredamento è caratterizzato dai toni caldi e terrosi dei materiali naturali. Tutti gli arredi, a parte le sedie del salotto e della zona pranzo, sono stati

a cocoon or open wide to the outside world. The facade facing the ocean is made with mobile panels in perforated Corten steel, with different motifs depending on the sections, creating an exciting play of lights and shadows inside. Resistant to rust and refractory to the heat of the sun, if raised, they act as canopies, sheltering the owners with their shade. The entire rear structure, facing the mountain, is clad in charred wood treated with the ancient Japanese technique Shou Sugi Ban, which protects the wood from bad weather and ageing. For the layout of the interior spaces, the villa has the same minimalist spirit that its shape suggests. The closets, bathrooms, and kitchen are arranged along the back wall. The layout of the rest of the house is very open; the boundaries between inside and outside disappear and the whole space looks like a terrace covered by a green roof. Light sliding partition walls, placed in the living area, can serve as a tool to create private areas and move the space according to need. Finally, there is the patio, which reveals a partially covered infinity pool to protect it from the scorching

sun. The furniture is characterized by the warm and earthy tones of natural materials. All the furnishings, apart from the chairs in the living room and dining area, were designed by the architects and custom made by local craftsmen. Only the lights (Shibari by Bomma), which blend perfectly with the tropical atmosphere, come from the homeland of the architects, the Czech Republic, renowned for its glassmaking skills. The raw aesthetics of the places of conviviality, open onto the jungle, reveal a simple elegance that focuses on materiality and authenticity, underlining the warm embrace of nature. Both of these projects, although very different from one another, pursue and achieve the harmony between

Ceca, rinomata per l’abilità vetraria. L’estetica raw dei luoghi della convivialità, aperti sulla jungla, rivelano un’eleganza spartana, che punta su matericità e autenticità., a sottolineare l’abbraccio caldo della

humankind and nature. An objective sought after by designers as early as the last century with organic architecture, whose greatest exponent was American architect Frank Lloyd Wright; Catalan modernism, represented, among others, by the works of Antonio Gaudí; and the garden city movement, founded by English urban planner Ebenezer Howard. As Wright wrote: ‘No house should ever be on a hill or on anything. It should be of the hill. Belonging to it. Hill and house should live together each the happier for the other.’

natura. Entrabi questi progetti, pur diversissimi fra di loro, inseguono e raggiungono un’armonia, quella tra uomo e natura. Un obbiettivo ricercato dai progettisti già a partire dal secolo scorso con l’architettura organica, di cui il massimo esponente fu l’architetto amercano Frank Lloyd Wright, il modernismo catalano, rappresentato, tra gli altri, dalle opere di Antonio Gaudí, e la città giardino, idea declinata per prima dall’urbanista inglese Ebenezer Howard.

Come scriveva Wright: “Una casa non deve essere su una collina, o su qualsiasi altra cosa. Deve essere della collina, appartenerle, in modo tale che collina e casa possano vivere insieme, ciascuna delle due più felice per merito dell’altra”.

Haori KMN05-A

Mofuku KMN04-C

Tsukesage KMN20-A

Ski mask or balaclava, whatever you want to call it, is undoubtedly the musthave accessory for the cold season. Probably also thanks to the complicity of this absurd period in which, given the circumstances, we have become accustomed to having our faces partially covered, what before might have seemed strange and at times even unsettling, no longer frightens us and has become part of our daily habits, making the use of this accessory more acceptable and normal. It has military origins: its first use dates back to the battle of Balaklava in 1854

Ski mask or balaclava, whatever you want to call it, is undoubtedly the musthave accessory for the cold season. Probably also thanks to the complicity of this absurd period in which, given the circumstances, we have become accustomed to having our faces partially covered, what before might have seemed strange and at times even unsettling, no longer frightens us and has become part of our daily habits, making the use of this accessory more acceptable and normal. It has military origins: its first use dates back to the battle of Balaklava in 1854

>txt: Valentina Pepe

>txt: Valentina Pepe

during the Crimean war, where balaclavas are said to have appeared on the faces of British soldiers to cover themselves and face the harsh climate.

From that moment on it is basically impossible to retrace all the uses of balaclavas clearly and linearly. Mrs Riot, an illustrator who has made the balaclava her logo, says she started using it in 2019,

per la stagione fredda. Probabilmente anche grazie la complicità di questo periodo assurdo in cui, per forza di cose, ci siamo abituati ad avere in parte il volto coperto, ciò che prima poteva sembrarci strano e a tratti persino inquietante, non ci fa più paura ed è entrato a fare parte dei nostri usi quotidiani, rendendo l’uso di questo accessorio più accettabile e normale. Nato

when she first saw it worn by Pussy Riot. From ski slopes to fashion catwalks, the balaclava has managed to establish itself and captivate everyone at the latest fashion shows; from the most particular and colourful models to handmade versions, from fabrics inspired by the future, to fine yarns. Its success is also due to its double allure: on the one

Passamontagna o balaclava, comunque lo si voglia chiamare è senza dubbio l’accessorio da avere nell’armadio

hand it is an accessory with a technical soul, ideal for snow sports and to protect yourself from the cold, on the other, it reveals its more glamorous side in the precious versions presented with frostproof and sophisticated casual looks.

con una funzione militare, la prima occasione in cui è stato utilizzato infatti, risale alla battaglia di Balaklava del 1854 durante la guerra Crimea, dove si narra che i passamontagna fossero apparsi sui volti dei soldati inglesi per coprirsi e affrontare il clima rigido. Da quel momento in poi è praticamente impossibile ripercorrere in modo chiaro e lineare tutti gli utilizzi

del balaklava. Mrs Riot, illustratrice che ha fatto del balaklava il proprio logo, racconta che ha iniziato a utilizzarlo nel 2019, quando l’ha visto per la prima volta indossato dalle Pussy Riot.  Dalle piste da sci alle passerelle di moda, il passo è breve e il passamontagna

è riuscito ad imporsi e a conquistare tutti alle ultime sfilate; dai modelli più particolari e colorati

alla versione fatta a mano, dai tessuti ispirati al futuro, ai filati pregiati. Il suo successo è dovuto anche alla sua doppia allùre: da un lato è un accessorio dall’anima tecnica, ideale per gli sport sulla neve e per proteggersi dal freddo, dall’altro rivela il suo lato più glamour nelle versioni preziose presentate a corredo di look anti-gelo e casual sofisticati.

Yuki KMN16-B

D D

E E E R V

S S S I I G N

Modern, vintage, or classic: these are the new restaurants around the world that have a single common thread: an atmosphere to enjoy with both eyes and palate

Ristoranti

Restaurants that add an extra ingredient to the menu: design, improving the well-being of the guests. Because the right furniture that welcomes us, the light and accessories that surround us, give a touch of charm that ignites our senses. So let’s embark on a journey through the brand-new designer restaurants, designed by international architects and designers. The first stage takes us to the Scandinavian countries and, more precisely, to Sweden. Here, among the vineyards of the Ästad Vingård winery, is the new ÄNG starred restaurant, designed by Norm Architects studio. The building looks like a perfect prism that stands solitary among the vines. The shape is reminiscent of a greenhouse but the iron structure that supports is exclusively inside the

che aggiungono alla carta un ingrediente in più, il design, capace di far stare bene gli ospiti. Perché l’arredamento giusto che ci accoglie, la luce e gli accessori che ci circondano, regalano un tocco di charme capace di accendere i nostri sensi. Iniziamo quindi un viaggio attraverso i nuovissimi design restaurant, firmati da architetti e designer internazionali. La prima tappa ci porta nei paesi

Moderni, vintage o classici: sono i nuovi ristoranti in giro per il mondo che hanno un unico fil rouge.

Quello di donare atmosfere da gustare con gli occhi e il palato

>txt: Marina Jonna

scandinavi e, più precisamente, in Svezia. Qui, tra i vigneti dell’azienda vinicola, Ästad Vingård, si trova il nuovo ristorante stellato ÄNG, progettato dallo studio Norm Architects. L’edificio appare come un prisma perfetto che si erge solitario tra le vigne. La forma richiama quella di una serra ma la struttura in ferro che lo sostiene è disposta esclusivamente all’interno dell’edificio. La costruzione appare così, all’esterno, liscia e trasparente, in grado di reagire alle diverse condizioni di luce del tempo meteorologico e con la superficie che si specchia nel paesaggio rurale. Al suo interno, mobili e complementi in rovere realizzati su disegno dall’azienda Karimoku, creano ambienti che mixano l’essenzialità nordica alla sensibilità giapponese. Completano lo spazio delle tele grezze per i pannelli murali e la pietra scelta per rivestire i pavimenti. Al piano terra si trova il bar e l’area lounge, mente al piano interrato è ricavata una suggestiva cantina, una zona pranzo e un wine lounge. Una cornice bucolica che completa l’esperienza sensoriale che offre il ristorante, si delinea attorno al cibo e al vino svedesi di altissima qualità, utilizza solo ingredienti locali provenienti da fattorie, foreste, acque e prati della contea svedese di Halland. Il ristorante ha ricevuto la sua prima stella Michelin nel 2021, a cui si aggiunge la stella verde dedicata alla sostenibilità. Continuando il nostro viaggio all’interno dei luoghi che donano esperienze sensoriali a 360°,

building. Thus, on the outside, the building appears smooth and transparent, capable of reacting to the different light conditions of the weather and with the surface reflecting itself in the rural landscape. Inside, custom-made oak furniture and accessories by the Karimoku company create environments that mix Nordic minimalism with Japanese sensibility. The space is completed by rough canvas for the wall panels and the stone chosen for the floors. On the ground floor there is the bar and the lounge area, while in the basement there is a charming cellar, a dining area, and a wine lounge. A bucolic setting that completes the sensory experience that the restaurant offers, frames the Swedish food and wine of the highest quality, using only local ingredients from farms, forests, waters, and meadows of the Swedish county of Halland. The restaurant received its first Michelin star in 2021, followed by a green star dedicated to sustainability. Continuing our journey through places that offer complete sensory experiences, we arrive in Valencia, in the maritime district of Canyamelar-Cabanyal. Here, Spanish studio

Masquespacio created the interior design project for the La Sastreria bar and restaurant. As soon as you enter, a world of mosaics opens up, covering the walls and floors of the bar, reminiscent of the typical surfaces of Valencian tradition, creating an environment that invites you to relax and have fun. The restaurant, instead, is characterized by walls decorated with a long curvilinear sculpture, coloured aqua green on one side and blue on the other. The sinuous shape is reminiscent of a wave, to create, as the architects said, a marine environment, giving the impression of floating on the sea. The floors in this area were made with handmade clay and ceramic tiles, white and blue, shades that evoke sand and sea water. The menu on offer is obviously fish-based, with rich and elaborate dishes, typical of the local tradition.

approdiamo a Valencia, nel quartiere marittimo di Canyamelar-Cabanyal. Qui lo studio spagnolo Masquespacio ha curato il progetto di interior del bar ristorante La Sastreria. Appena entrati, si apre un mondo di mosaici che riveste pareti e piani del bar e che rimanda alle superfici tipiche della tradizione valenciana, creando un ambiente che invita al relax e al divertimento. Il ristorante, invece, è caratterizzato da pareti decorate da una lunga scultura curvilinea, colorata di verde acqua da un lato, e di blu dall’altro. La forma sinuosa ricorda quella di un’onda, per creare, come raccontano gli architetti, un ambiente marino, dando l’impressione di galleggiare sul mare. I pavimenti di questa zona sono stati realizzati con piastrelle di argilla e ceramica fatte a mano, bianche e blu, tonalità che vogliono rievocare la sabbia e l’acqua del mare. Il menu proposto non poteva che essere a base di pesce, con piatti ricchi ed elaborati, tipici della tradizione locale. Ci spostiamo ora tra Cannes e Abu Dhabi dove lo studio Vudafieri-Saverino Partners firma il progetto dei ristoranti “Paradiso”

: guidati dagli chef Pierre Gagnaire e Nicole Rubi, eccellenze dell’alta gastronomia francese. Il fil rouge che accomuna i due ristoranti è il progetto di interior che ha tradotto la filosofia creativa degli chef e la loro cucina ispirata alle specialità mediterranee, nizzarde e italiane, in un contesto definito da un’immagine calda, chic e disinvolta. Il primo ristorante Paradiso Nicole

We now move to Cannes and Abu Dhabi, where the VudafieriSaverino Partners studio signs the project of the ‘Paradiso’ restaurants, led by chefs Pierre Gagnaire and Nicole Rubi, excellences of French haute gastronomy. The common thread that unites the two restaurants is the interior design project, which translated the creative philosophy of the chefs and their cuisine inspired by Mediterranean, Niçois, and Italian specialities into a setting defined by a warm, chic, and nonchalant image. The first Paradiso restaurant Nicole & Pierre is in Cannes, inside the exclusive Hotel Barrière Le Majestic, located right on the sea and in front of the famous Palais des Festivals. The same relaxed atmosphere, both in the internal hall and in the large three-level terrace overlooking the swimming pool, can be found inside Paradiso Abu Dhabi,

a recently inaugurated gourmet destination. The interiors designed by architects Tiziano Vudafieri and Claudio Saverino are a tribute to the Mediterranean, to Italian craftsmanship, and to cinema. The rooms are bright and welcoming, characterized by shades of green typical of olive leaves and sage, followed by yellow and orange notes of citrus fruit. Natural textures and finishes such as ceramics, rattan for the panels and chairs, and Modica stone for the flooring, mix with more refined materials ranging from marble to brass, from velvet to silk. The decoration of the walls with a beige background is enriched by a wallpaper that reproduces an old map of the Mediterranean featuring images of scenes from iconic movies filmed in that area. The atmosphere is completed by the rooms decorated with ceramics that represent the Mediterranean artisan tradition, in particular the Sicilian ones by Giacomo Alessi, unique pieces entirely made and decorated by hand, and the orange lighting fixtures, in recycled plastic, which give a warm and enveloping light. Finally, the terraces, with stone floors, are furnished with rattan chairs with yellow cushions and evergreen terracotta vases, echoing the materials used inside, blurring the boundaries between the two spaces.

A leap to Mexico, more precisely to Tulum, takes us instead to the enchanted place where Bagatelle has opened the

& Pierre si trova a Cannes, all’interno dell’esclusivo Hotel Barrière Le Majestic, situato proprio sul mare e davanti al famoso Palais des Festivals. La stessa atmosfera rilassata, nella sala interna come nella grande terrazza a tre livelli affacciata sulla piscina, si ritrova all’interno di Paradiso Abu Dhabi, meta gourmet inaugurata di recente. Gli interni ideati dagli architetti Tiziano Vudafieri e Claudio Saverino sono un omaggio al Mediterraneo, alla capacità artigianale dell’Italia e al cinema. Gli ambienti sono luminosi e accoglienti, caratterizzati da sfumature di verde tipico delle foglie d’ulivo e della salvia, per poi passare a note di giallo e di arancio degli agrumi. Texture e finiture naturali come la ceramica, il rattan per i pannelli e le sedute e la pietra di Modica per la pavimentazione, si mescolano a materiali più raffinati che vanno dal marmo all’ottone, dal velluto alla seta. La decorazione delle pareti con sfondo beige è arricchita da una carta da parati che riproduce una vecchia mappa del Mediterraneo sulla quale sono raffigurate le immagini di scene di film iconici girati in quell’area. Completano l’atmosfera, le sale decorate con ceramiche che raccontano la tradizione artigianale del Mediterraneo, in particolare quelle siciliane di Giacomo Alessi, pezzi unici interamente realizzati e decorati a mano, e i lampadari arancioni, in plastica riciclata, che donano una luce calda e avvolgente. Infine le terrazze, con il pavimento in pietra, sono arredate con sedute in rattan

dai cuscini gialli e vasi di terracotta sempreverdi, a riprendere i materiali utilizzati all’interno sfumando i confini dei due spazi.

Un salto in Messico, e più precisamente a Tulum, ci porta invece nel luogo incantato dove Bagatelle ha aperto le porte del suo nuovo ristorante. Con la sua atmosfera epicurea, il lussuoso rifugio sulla spiaggia fonde il glamour della Costa Azzurra con lo spirito bohémien della Riviera Maya, donando un’esperienza che va oltre la degustazione. In uno spazio di 600 mq avvolge i propri ospiti in un’atmosfera ispirata all’epoca d’oro degli anni ‘60 in Costa Azzurra. Per quanto riguarda la cucina, il leggendario chef Rocco Seminara (ex Byblos, Hôtel de Paris e Le Martinez) ha collaborato con lo chef messicano Marco Tonello per reperire i migliori prodotti di stagione e creare un inedito menu mediterraneo con tocchi di ispirazioni locali. E, per quanto riguarda la cantina, gli ospiti

doors of its new restaurant. With its epicurean atmosphere, the luxurious beach resort blends the glamor of the French Riviera with the bohemian spirit of the Riviera Maya, providing an experience that goes beyond taste. In a space of 600 square meters, it envelops its guests in an atmosphere inspired by the golden age of the 60s in Côte d’Azur. As for the cuisine, the legendary chef Rocco Seminara (former Byblos, Hôtel de Paris, and Le Martinez) collaborated with Mexican chef Marco Tonello to source the best seasonal products and create an original Mediterranean menu with touches of local inspiration. As for the cellar, the guests can choose from a selection of Grand Cru wines and a range of signature and non-alcoholic cocktails.

Our journey through designer restaurants also passes through the Eternal City, Rome, where Alvisi Kirimoto signed the restyling of the starred restaurant Per Me. A stone’s throw from Campo de’ Fiori, in the charming Vicolo del Malpasso, the closing of a framer’s shop allowed an expansion: in addition to the annexing of the third arch, behind which there is now a room that houses 12 to 16 seats, the project included the renovation of the entrance area and the replacement of the fixtures on the façade. The new arched window, made with a slender thermal break iron profile, promotes the connection between the restaurant and the city, revealing it to passers-by.

The simple and minimal decor is underlined by the presence of black PaperStone slab tables with painted iron bases, deliberately without tablecloths to avoid distraction from the courses. To light up the environment, on the back wall, the site-specific artwork by Junko Kirimoto captures your attention even from the outside: a light source composed of a set of spherical elements folded and anchored in different points at a variable distance from the wall, creating continuous movement thanks to the natural light that hits them. ‘Just like Giulio Terrinoni working on the strength and aesthetics of the ingredients, enhancing them and giving them new life through a creative process, I imagined light as the raw material to amaze. The artwork looks like an explosion of small luminous discs that shape the space, which is abstract and dynamic, and project the room into another dimension. Designed to pique the guests’ curiosity, our creation weaves a game of visual references with the Chef’s proposals. The culinary experience is accompanied by the amazement of

possono scegliere tra una selezione di vini Grand Cru e una gamma di cocktail d’autore e analcolici. Il nostro viaggio attraverso i ristoranti di design passa anche dalla città eterna, Roma, dove Alvisi Kirimoto ha firmato il restyling del ristorante stellato Per Me. A due passi da Campo de’ Fiori, nel suggestivo vicolo del Malpasso, la chiusura della bottega di un corniciaio ha permesso un ampliamento: oltre alla

being in front of a deconstructed wall that is highly textured and in continuous evolution,’ said Junko Kirimoto, co-founder of the studio. The interior design project echoes the materiality and the warm and natural tones of the existing structure: white walls, solid wenge wood flooring, wooden ceiling with exposed beams and joists, brought back to light by eliminating the existing false ceiling. A wenge wood boiserie flush with the wall, matching the flooring, runs for a height of 90 cm along the longer sides of the rectangular room, transforming itself, on the street front, into a storage unit and wine fridge. We leave Rome and arrive to the last stage of our journey, dedicated to an idea more than a physical place, that of ‘Outstanding in the field’, conceived by the mind of artist and chef Jim Denevan. ‘A large restaurant without walls’, as the

conquista della terza arcata, dietro cui ora si trova una sala che ospita dai 12 ai 16 coperti, l’intervento comprende il rifacimento della zona di ingresso e la sostituzione degli infissi in facciata. La nuova vetrina ad arco, realizzata con un esile profilo in ferro a taglio termico, favorisce il dialogo tra il ristorante e la città, rivelandolo alla vista dei passanti. L’arredo sobrio e minimale è sottolineato dalla presenza dei tavoli in lastra di paperstone nero con base in ferro verniciato, volutamente privi di tovaglie per non distogliere l’attenzione dalle portate. Ad accendere l’ambiente, sulla parete di fondo, l’opera site-specific di Junko Kirimoto cattura l’attenzione già dall’esterno: una fonte luminosa composta da un insieme di elementi sferici piegati e ancorati in punti diversi e, tra loro, a distanza variabile dalla parete, creano un continuo movimento grazie alla luce naturale che la colpisce.

“Come Giulio Terrinoni lavora sulla forza e l’estetica degli ingredienti, esaltandoli e donando loro nuova vita attraverso un processo creativo, così ho immaginato la luce come la materia prima per emozionare.

L’opera si presenta come un’esplosione di piccoli dischi luminosi, che modellano lo spazio, astratto e dinamico, e proiettano la sala in una dimensione altra. Pensata per solleticare la curiosità degli ospiti, la nostra creazione tesse un gioco di rimandi visivi con le proposte dello Chef. All’esperienza culinaria, si accompagna lo stupore di trovarsi di fronte a una parete decostruita, fortemente materica e in continua evoluzione”, racconta Junko Kirimoto, co-fondatrice dello studio. Il progetto di interior riprende la matericità e le tonalità calde e naturali della struttura esistente: pareti candide, pavimento in listoni di wengè massello, soffitto in legno con travi e travetti a vista, riportato alla luce eliminando il controsoffitto esistente. Una boiserie in legno di wengè a filo parete, in accordo con la pavimentazione, corre per un’altezza di 90 cm lungo i lati maggiori della sala rettangolare,

trasformandosi, sul fronte strada, in un mobile contenitore e frigo vini. Lasciamo Roma e approdiamo nell’ultima

tappa del nostro viaggio, dedicata più che a un luogo fisico a un’idea. Quella di Outstanding in the field nata dalla mente dell’artista e chef Jim Denevan. Ovvero “Un grande ristorante senza pareti” così come ama definirlo il fondatore. La sua missione?

riunire i commensali alla terra e alle origini dei loro alimenti, onorando gli agricoltori locali e gli artigiani del cibo che la coltivano. Immaginate dunque una lunga tavolata davanti al mare, in una distesa di verde, ai piedi di una montagna, in un allevamento, in un frutteto o in un vigneto. Un grande tavolo imbandito che prende forma in qualunque angolo del pianeta o quasi. Dove le pareti sono fatte di luce, natura, cielo e mare. Un sogno che solo un land artist come Denevan poteva realizzare.

founder likes to call it. His mission? Reconnecting diners with the land and the origins of their food, honouring the local farmers and food artisans who grow it. Imagine a long table in front of the sea, in an expanse of greenery, at the foot of a mountain, in a farm, in an orchard, or in a vineyard. A large laden table that takes shape in almost any corner of the planet. Where the walls are made of light, nature, sky, and sea. A dream that could only come true thanks to a land artist like Denevan.

Furi KMN14-E

Fuki KMN10-B

Hakma KMN11-B

Hikizuri KMN19-C

A fluid colour, with an indefinite identity that changes according to the doses of red and blue. The concepts of future, progress, and rebirth are associated with this nuance. And it is as trendy as can be.

Purple is an evocative and highly spiritual colour; it is as relaxing as it is dynamic in its many nuances. Beyond the fact that it is the colour of the year, purple has always been

rather controversial. Some connect it to a superstition (especially in the entertainment world) born in the Middle Ages. At the time, during Lent, when the sacred vestments were of

this colour, it was forbidden to organize shows and artistic representations. Despite all these precedents, purple became established in fashion rather late: the clothes of this colour were once rare and very expensive given that extremely rare shells were needed to make a single garment. Things changed in the mid-nineteenth century when William Henry Perkin, a young British chemist, while trying to synthesize quinine, a compound known to fight malaria, accidentally created a mesmerizing shade of purple, as well as the first artificial dye. It was 1856. This discovery kick-started chemical colours and, consequently, the

Un colore fluido, dall’identità indefinita che cambia a seconda di come si dosano il rosso e il blu, a questa sfumatura sono associati i concetti di futuro, di progresso, e di rinascita. Ed è quanto di più attuale ci possa essere.

Il viola è un colore evocativo e fortemente spirituale è un colore rilassante quanto dinamico nelle sue numerose sfumature. Al di là del fatto che sia il colore dell’anno, il viola ha suscitato nel tempo pareri discordanti. Alcuni lo legano ad una superstizione (soprattutto nel mondo dello spettacolo) nata nel Medioevo. Allora, durante la Quaresima, quando i paramenti sacri erano di questo colore, era vietato organizzare spettacoli e rappresentazioni artistiche. Pur con tutti questi

precedenti il viola si è imposto nella moda piuttosto tardi, un tempo infatti le vesti di questo colore erano rare e costosissime visto che per realizzare un solo abito erano necessarie conchiglie estremamente rare. Le cose sono cambiate alla metà dell’Ottocento quando William Henry Perkin, un giovane chimico inglese, mentre tentava di sintetizzare il chinino, composto noto per combattere la malaria, creò per caso un’ipnotizzante sfumatura di viola, nonché il primo colorante artificiale.

Era il 1856. Questa scoperta ha dato il “La” ai colori chimici e, di conseguenza, alla democratizzazione della moda. Mentre fino ad allora i tessuti erano tinti con ingredienti naturali a base di piante o di insetti, da quel momento inizia a emergere l’industria dei coloranti artificiali. Oltre le sue origini, il viola nelle sue declinazioni, dalle più delicate alle più brillanti, è apparso sulle passerelle internazionali alle ultime sfilate. Utilizzato per colorare leggerissime piume dégradé che adornano gonne a balze, in vestiti dai drappeggi mistici o in cappotti e accessori . Il viola può essere un colore molto versatile: non s'indossa solo con il bianco e il nero, per osare ed esprimere allegria si può azzardare accostato al nude, al color sabbia, all’azzurro, al blu navy e perché no, all’arancione.

democratization of fashion. While until then fabrics were dyed with natural ingredients based on plants or insects, from that moment the artificial dye industry began to emerge. Beyond its origins, purple, in its variations, from the most delicate to the most vivid, has appeared on the international catwalks of the latest fashion shows. It is used to colour very light gradient feathers that adorn flounced skirts, in dresses with mystical drapes, or in coats and accessories. Purple can be a very versatile colour: it is not only worn with black and white: to be daring and to express joy it can be combined with nude, sand, light blue, navy blue, and – why not – orange.

Hōmongi

>txt: Valentina Pepe

Una nuova visione del sistema alimentare propone tre macro trend e si fonda sulle necessità dettate dalla pandemia e dal crescere dei cambiamenti climatici.

Per il Food Report 2023 del Zukunftsinstitut di Francoforte, uno dei principali istituti di ricerca della Germania sulle tematiche riguardanti il futuro, le riflessioni sui sistemi alimentari stimolate dalle difficoltà di approvvigionamento di materie prime hanno innescato tendenze che potrebbero indicare la via d’uscita da molteplici crisi e dare nuovo slancio al made in Italy. Gli studiosi tedeschi hanno individuato i tre macro trend che si stanno delineando nel mondo del cibo, plant-based, glocalism, regenerative food, una nuova direzione dei consumi, ma anche nuove dinamiche produttive e politiche agricole adottate dalle aziende che operano nel settore.

A new vision of the food system proposes three macro trends based on the needs dictated by the pandemic and by the growth of climate change.

For the Food Report 2023 of the Zukunftsinstitut in Frankfurt, one of Germany’s leading research institutes on issues concerning the future, reflections on food systems stimulated by the difficulties in supplying raw materials have triggered trends that could guide us out of multiple crises and give new momentum to the Made in Italy.

The German scholars have identified the three macro trends that are emerging in the world of food: plant-based, glocalism, regenerative food. A new direction of consumption, but also new production dynamics and agricultural policies adopted by the companies operating in the sector.

Plant-based

Plant-based

Da diversi anni i report dedicati al tema delle tendenze e innovazioni alimentari registrano e pronosticano una crescita del veganesimo, con la tendenza sempre più frequente a proporre versioni vegane delle ricette tradizionali (sostituendo gli ingredienti di origine animale come carne, uova e latticini), ma anche a scegliere soluzioni plant-based in alternativa a prodotti comuni, come le bevande vegetali in sostituzione del latte e i veggie-burger. Le ragioni di queste scelte vanno dalla maggiore attenzione alla salute (sette italiani su 10 ritengono gli alimenti veg un aiuto per aumentare il proprio consumo di verdure) all’impegno per un’alimentazione più sostenibile dal punto di vista ambientale.

For several years, the reports dedicated to food trends and innovations have recorded and predicted a growth in veganism, with the increasingly frequent tendency to offer vegan versions of traditional recipes (replacing ingredients of animal origin such as meat, eggs, and dairy products), but also to choose plant-based solutions as an alternative to common products, such as plant-based drinks instead of milk, and veggie burgers. The reasons for these choices range from greater attention to health (7 out of 10 Italians consider veg foods helpful to increase their consumption of vegetables) to a commitment to a more sustainable diet from an environmental point of view.

Glocalism

Glocal is an adjective that means ‘characterized by both local and global considerations’. The term is a neologism created in Japan and then translated into English to specify the approach based on a new relationship between local products and imported foods. In practice, people will prefer locally available products (when possible) rather than their cheaper alternatives that come from the other side of the world. Thus, the often-utopian principles of Km 0 and short supply chains are now contrasted by the more realistic idea of an attenuated globalization, in which the distribution of an identical industrial product throughout the world is replaced by a targeted cooperation with fair trade producers and with farms that use sustainable production methods.

Glocalism

Per Glocal si intende la capacità di valorizzazione un territorio, pur mantenendo una visione globale. Il termine è un neologismo creato in Giappone e poi tradotto in inglese per indicare l’approccio basato su una nuova relazione tra prodotti locali e alimenti importati. In pratica le persone preferiranno prodotti disponibili localmente (quando possibile) piuttosto che le loro alternative più economiche che arrivano dall’altra parte del mondo. Così, ai principi spesso utopistici del chilometro zero e della filiera corta si contrappone ora l’idea più realistica di una globalizzazione attenuata, in cui alla diffusione di un prodotto industriale identico in tutto il mondo si sostituisce una cooperazione mirata con produttori del commercio equo e solidale e con aziende agricole che utilizzano metodi di produzione sostenibili.

Regenerative food

Regenerative food

Nel prossimo futuro, ci sarà infatti un aumento del consumo di alimenti ottenuti da agricoltura rigenerativa. Il sistema si basa   su metodi di produzione che si adattano alle condizioni locali, limitando le emissioni di gas serra e la dipendenza dai fertilizzanti sintetici e, al tempo stesso, mantengono la vitalità del suolo, rendendolo fertile, con un alto contenuto di materia organica e una maggiore diversità microbica. Il tutto grazie all’applicazione congiunta di saperi antichi e conoscenze moderne, dalla diversificazione e rotazione colturale alla riduzione delle lavorazioni meccaniche sui terreni (in particolare l’inversione degli strati di suolo tipica delle arature a fondo praticate nell’agricoltura intensiva), fino alle tecniche di copertura e fertilizzazione naturale, che ben si sposano con l’allevamento di bestiame allo stato brado.

In the near future, there will be an increase in the consumption of food obtained from regenerative agriculture. The system is based on production methods that adapt to local conditions, limiting greenhouse gas emissions and the dependence on synthetic fertilizers and, at the same time, that maintain the vitality of the soil, making it fertile, with a high content of organic matter and greater microbial diversity. All thanks to the joint application of ancient knowledge and modern discoveries, from crop diversification and rotation to the reduction of mechanical tillage on the land (in particular the inversion of soil layers typical of deep ploughing practiced in intensive agriculture), to natural covering and fertilization techniques, which go well with the breeding of livestock in the wild.

Tsukesage KMN20-C

HALL 7 | STAND E147 - F148

Tabi KMN03-B