L'Officiel Argentina May 2021

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MAYO 2021

LOLI MOLINA TAMARA TENENBAUM por Germán Romani

BELEN CHAVANNE AIXA CAMPOS DOLORES FONZI PILAR GAMBOA CANDE PELLIZA

TAMU

MCPHERSON Las razones del abrazo

Nº 30 $390 INTERIOR $20

SISTERHOOD


BELEN CHAVANNE AIXA CAMPOS por Alejo Pichot



BORN IN LE BRASSUS


RAISED AROUND THE WORLD




EDITORIAL

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LA VEREDA DEL SOL

14

ANATOMIA DE UN RELOJ

16 18

Por ANA TORREJON

Por ANDREA LAZARO

FLECOS

Por HERVE DEWINTRE

14

44 SEN SENRA

44

PAULA & MARIANGELES

48

TAMU & CANDELA

52

Por CATA GRELONI PIERRI Estilismo: CARLA PAUCAR Y ALEX TURRION Fotos: CELINE VAN HEEL

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

34

Por SIMONE VERTUA Fotos: TAMU MCPHERSON

40

SASHA SPIELBERG

20 22

PATRICIA BINDI

24

HISTORIA DE UN COLLAR

26

CIUDADES EN EQUILIBRIO

28

VANESSA ROSALES

32

VIVIR LA EXPERIENCIA

34

ARTE GRAFICA

36

ZONA LIMITE

40

ESCRITO A MANO Por NOEMIE LECOQ

Por DOLORES CAVIGLIA

Por CATALINA DEL PINO

Por LARA LUJAN

Por CELESTE NASIMBERA

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Por CELESTE NASIMBERA

Por FERNANDO GARCIA


Elegance is an attitude Kate Winslet

Encuéntrenos en www.longines.com

Longines DolceVita


102 GRAFISMOS

108

LA VIDA EN TECHNICOLOR

120

MONOCROMIA

124

INNOVADORES

134

Estilismo: DELFINA TULLI Fotos: IVAN RESNIK

Por MAUD GABRIELSON Fotos: FLORE CHENAUX

Estilismo: MATIAS CARBONE Fotos: MILOS NASIO

Por FABIA DI DRUSCO Ilustraciones: BLAIRZ

80 LOS NUEVOS DIAS DE KENZO

56

ABRIL & ODILE

60

ROCCO AND ROLL

64

HEAVY METALS

66

NOS TENEMOS

76

BELEN & AIXA

80

RECICLADOS

90

ESPIRITU 90

98

Por LAURE AMBROISE Estilismo: KENZIA BENGEL DE VAULX Fotos: NOEL MANALILI

Por MARÍA MANSILLA Estilismo: SILVANA GROSSO Fotos: ALEJO PICHOT

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Fotos: JENNIFER LIVINGSTON

Por MARINA DO PICO

Por ROMINA ZANELLATO Estilismo: SILVANA GROSSO Fotos: ALEJO PICHOT

Estilismo: VANESSA BELLUGEON Fotos: RAUL RUZ

Por MAUD GABRIELSON

LOLI & TAMARA Por JOSE HEINZ Estilismo: JORGE LEON Fotos: GERMAN ROMANI

102

120 ESPACIO ESTEE LAUDER

138

NATURALEZA Y TECNOLOGIA

140

MADAME D’ORA

142

LA MAGIA DEL CINE

146

Por CATALINA DEL PINO

Por LOLA MONTEIRO

Por PIPER MCDONALD Y TORI NERGAARD

Foto: ALEJANDRA LOPEZ

124 10


11


DIRECTORA EDITORIAL

Ana Torrejón

DIRECTOR DE ARTE

EDITORA GENERAL

Germán Romani

COORDINADORA DE MODA

Dora Becher

EDITORA DIGITAL

Silvana Grosso

Celeste Nasimbera

GERENTE COMERCIAL

Federico Gabrielo

GLOBAL BRANDS MEDIA

Coronel Díaz 1617 (1425) CABA DIRECTOR Y PUBLISHER

Alex Milberg

ADMINISTRACION

REPRESENTANTE DE VENTAS USA

Claudio Castellani

JB Media Consulting Corp.

Distribuidora Sanabria

DISTRIBUCION CABA

DISTRIBUCION INTERIOR

jill@jb-mediaconsulting.com michael@jb-mediaconsulting.com 2300 NW 94th Ave. Ste 205 - Doral, FL

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JALOU MEDIA GROUP MANAGEMENT

128, quai de Jemmapes 75010 Paris DIRECCION GERENTES COPRESIDENTES DE CONSEJO EJECUTIVO Y ADMINISTRATIVO

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DIRECTOR DE CONSEJO EJECUTIVO

MIEMBRO DE CONSEJO EJECUTIVO

Y ADMINISTRATIVO

Y ADMINISTRATIVO

Benjamin Eymere

DIRECTOR CREATIVO INTERNACIONAL

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INTERNACIONAL Y MARKETING DIRECTOR INTERNATIONAL DE LICENCIAS, DESARROLLO DE NEGOCIOS Y BRAND MARKETING

Flavia Benda

DIRECTOR DE PRODUCTOS DIGITALES

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MANAGER DE PROYECTOS DIGITALES

Babila Cremascoli

CONTENIDOS EDITORIALES Y ARCHIVOS INTERNACIONALES

Giulia Bettinelli

FUNDADORES

Georees, laurent y Ully jalou (†) NUESTRAS TAPAS:

Tamara Tenenbaum con blusa, DE ARRIETA. Jeans, ETIQUETA NEGRA. Ballerinas, MISHKA. Pendientes, JULIO TOLEDO. Loli Molina con blusa, ZECHEZ. Jardinero, LULU MARTINS. Pechera, JULIO TOLEDO. Foto: Germán Romani. Estilismo: Jorge León. Belén Chavanne con suéter y pantalones, MAX MARA. Corsé, BOLAZO. Aixa con campera de seda, MAX MARA. Jeans, MISHKA. Cinturón, CHANEL. Colgante, HERMES. Foto: Alejo Pichot. Estilismo: Silvana Grosso.

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L’EDITO Las razones del abrazo En el año 2018 la RAE incorporó el término sororidad. La definición habla de amistad, afecto y solidaridad entre las mujeres, especialmente en la lucha por su empoderamiento. La hermandad con perspectiva de género. En esa frecuencia, el abrazo es la acción simbólica de unión de partes en búsqueda de un latir acompasado. La académica mexicana Marcela Lagarde define a la sororidad, cuya versión en inglés es sisterhood, como: “Una forma cómplice de actuar entre mujeres para que nos aliemos, trabajemos juntas, empujemos las agendas y los movimientos”. El “es con todas” implica reconocer diferencias pero ser conscientes de que lo más importante son las similitudes. Un fascinante puzzle que a partir de piezas sueltas diseña nuevas perspectivas. Hermanas por elección, amigas, cómplices, compañeras, aliadas, espejos para mirar y mirarnos buceando en las turbulencias de los tiempos. En la edición del mes de mayo de L’Officiel Argentina recorremos vínculos, recopilamos fragmentos en primera persona y nos emocionamos. ANA TORREJON 14



MUESTRA

EN LA VEREDA del sol Ansel Adams dijo alguna vez que en cada imagen siempre hay dos personas: el fotógrafo y el espectador. En el caso de las fotos de Vivian Maier, la experiencia que plantea el gran artista estadounidense está signada por el encantamiento de un hallazgo. Nadie recordaría a Vivian Maier de no ser por el historiador John Maloof, que en 2007 compró en una casa de remates un archivo fotográfico, como parte de una indagación en curso sobre el noroeste de Chicago. Si bien las imágenes que contenía no respondían exactamente a lo que estaba buscando, le despertaron el suficiente interés como para revelar varios negativos y compartirlos en Internet. Al ver la admiración que despertaban –y alertado por un crítico especializado– comenzó una búsqueda que lo llevó a identificar a la autora y a enterarse casi simultáneamente de que había muerto unos pocos días antes. Vivian Maier (1926–2009) nació en Nueva York y pasó gran parte de su juventud en Francia. Durante 40 años trabajó como niñera, principalmente en Chicago. En el transcurso de cinco décadas tomó fotografías de manera incesante –la mayoría de escenas de la calle y en blanco y negro– sin mostrárselas a nadie. Maloof reconstruyó su archivo: entre impresiones, negativos y rollos de película sin revelar cuenta con más de 150 000 piezas; un volumen absolutamente desproporcionado para su época, más tratándose de alguien que no se dedicaba de forma profesional a la fotografía.

La nueva exhibición itinerante, Vivian Maier: The Color Work, es una selección del último período, cuando la fotógrafa reemplazó su Rolleiflex por una cámara de 35 milímetros con la que produjo aproximadamente 40 000 diapositivas Ektachrome, un tipo de película color que Kodak lanzó en los años 40. Este cuerpo de obra dio lugar a un catálogo bajo el mismo nombre que reúne unas 150 imágenes recopiladas por Colin Westerbeck, excurador de fotografía en el Instituto de Arte de Chicago, y la Galería Howard Greenberg. En el prólogo, Joel Meyerowitz, un maestro de la fotografía en color, describe así sus primeras impresiones: “Había tiernos retratos y exquisitos momentos de acción congelada; también paisajes urbanos y niños jugando; había pequeños detalles y gestos bellamente capturados y enmarcados, así como fotografías de los viejos, los pobres y las almas perdidas de Chicago y Nueva York. Sobre todo, había una inteligencia feroz que se abría paso a lo largo del trabajo a color”. No importa cuánto hemos ido conociendo de la fotógrafa en estos años, la información no logró acallar el misterio que la rodea. Cada nueva oportunidad de vernos frente a frente con sus fotografías nos encontrará intentando responder a las preguntas originales ¿Quién fue en verdad esta mujer? ¿Por qué no le mostró a nadie su trabajo? ¿Cómo hubiese vivido la fama repentina? n Vivian Maier: The Color Work se exhibe en FOLA® Fototeca Latinoamericana.

Por ANDREA LAZARO 16

Foto: Archivo Vivian Maier – Cortesía de Maloof Collection y Howard Greenberg Gallery, Nueva York.

The Color Work reúne imágenes tomadas por Vivian Maier, la fotógrafa amateur que prefería el blanco y negro, y que nunca supo de la trascendencia de su obra.



ANATOMIA DE UN RELOJ

Los DIAMANTES son eternos Una exploración técnica y estética del “Oyster Perpetual Lady-Datejust”, Lady-Datejust”, la nueva creación de Rolex. GEMAS PRECIOSAS

Uno de los hechizos del “Lady-Datejust” radica en sus 1089 diamantes engarzados en la caja, el bisel, el brazalete y la esfera pavé con números romanos. El oro amarillo de 18 quilates es otra presencia que brilla en este modelo.

SEÑAS PARTICULARES

La lente Cyclops, bautizada así por el gigante de un solo ojo de la mitología griega, aumenta dos veces y media la visualización de la fecha para facilitar la lectura. El brazalete President está provisto de un cierre invisible llamado Crownclasp.

FAMILIA CON HISTORIA

Seleccionar las mejores piedras, modelarlas, colocarlas una a una en el lugar que ocupan. Todos estos gestos de una minuciosidad excepcional se repiten en cada “Lady-Datejust”. Esta nueva versión tiene además una gran herencia ligada a la excelencia y la innovación: Oyster, el primer reloj de pulsera hermético, que vio la luz en 1926, y la cuerda automática por rotación Perpetual, inventada en 1931. Deslumbrante.

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WWW.SANTESTEBAN.NET

@SANTESTEBAN_ZAPATOS


Flecos. La sagaz predicción Flecos. de René Gruau en diciembre de 1964 Cuando editaban los números de L’Officiel, Andrée Castanié y Georges Jalou eran quienes veían todo, representaban todo, predecían todo. A menudo le pedían a René Gruau que ilustrara las tapas. El artista autodidacta tenía la capacidad de encuadrar a la perfección las últimas tendencias de la moda en sus cautivantes dibujos en tinta, inspirados en Toulouse-Lautrec y en la caligrafía japonesa. En los años sesenta, los flecos no eran moda. Habían hecho sus últimas apariciones en las faldas flapper de los años locos. Pero para la tapa de diciembre de 1964, Gruau eligió un tra20

je escarlata, adornado con flecos. Estaba haciendo, al mismo tiempo, una referencia a las chaquetas tejidas de Jean Patou del momento y un guiño al regreso de la intrincada pasamanería de los 50. Predijo lo que vendría: el renacimiento de los flecos de finales de los 60 y los 70, como se ve en las páginas de L’Officiel de diciembre de 1969 y septiembre de 1971 (fotos). La pasamanería textil cobró luego vida propia, con materiales, formas, tamaños y colores diversos. Los flecos rojos de Gruau volvían la mirada a un pasado venerado, celebraban el presente y predecían un futuro desconocido. n

Texto: Hervé Dewintre (Director de joyería y relojería de L’Officiel – Jalouse). Traducción: Silvia VIllegas.

TENDENCIAS


www.calandra.com.ar


LECTURA

ESCRITO

a mano

Escribir permite contar historias y dejar huellas. Lo demuestra el libro Montblanc: Inspire Writing de Editorial Assouline, en sus 220 páginas. Está dividido en cinco capítulos. Parte de los orígenes de la compañía fundada en Hamburgo en 1906 y luego aborda distintos hitos de su historia. Una sección está destinada a la Meisterstück, una pluma icónica que han usado desde la Reina Isabel II y Nelson Mandela hasta Yoko Ono. Hacia el final del libro, un capítulo refleja las personalidades a las que Montblanc ha dedicado ediciones limitadas, como John F. Kennedy, Ernest Hemingway y Frida Kahlo. El texto estuvo a cargo del periodista y crítico de moda Alexander Fury y está acompañado de imágenes de archivo y documentos, además de fotografías realizadas por Laziz Hamani. assouline.com 22

Texto: Federico Ferrari Sánchez. Foto: Olff Appold-TLGG para Montblanc.

Montblanc: Inspire Writing recorre la evolución de la maison alemana a lo largo de más de un siglo.


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Música al

CORAZON En el cine la conocemos por su nombre, Sasha Spielberg, Spielberg, hija del reconocido director. Bajo el pseudónimo de Buzzy Lee, esta californiana sacó su primer disco íntimo, Spoiled Love, Love, de la mano de Nicolas Jaar. Un encuentro a distancia con una cantante brillante brillante.. Es una noche fría y me conecto a Zoom para entablar un encuentro entre París y Los Angeles. Entonces Sasha Spielberg aparece en la pantalla. La sonrisa le ilumina el rostro sin maquillar, enmarcado por el cabello, castaño y ondulado. Detrás, las ventanas dejan entrever el sol y de pronto su cálida bienvenida reduce como de inmediato la distancia que nos separa. “En 2020 pasé por momentos muy difíciles: la ruptura de una relación y la muerte de mi abuelo”, dice para romper el hielo y sigue: “Pero también pude tomarme tiempo para cocinar, para leer, para ver muchas películas que nunca había visto, para caminar, meditar, pintar con acuarelas... Entendí que la soledad no me molestaba. Fue una lección muy importante”. Y no fue la única. El año pasado además Sasha celebró su cumpleaños número 30, un día que pasó “principalmente respondiendo los mensajes”, explica, pero que marcó el comienzo de otra década esperanzadora. Ya conocida en el cine tras haber participado en algunas de las películas de su padre, esta joven estadounidense también hizo música con su hermano Theo (en el dúo indie-folk Wardell) y con su amigo Nicolas Jaar (en su proyecto Just Friends). Pero hay más. A finales de enero lanzó su primer álbum en solitario bajo el nombre Buzzy Lee. “Spielberg ya estaba tomado”, asegura y ríe. Después cuenta que originalmente había considerado lanzar un EP de forma anónima, pero que se dio cuenta de que era imposible si pensaba hacer conciertos con la cara descubierta. “Solo quiero que la gente descubra mi música sin preconceptos, antes de leer este apellido del que a veces prefiero huir”. No es difícil de comprender este deseo de armar un camino propio y hacerse de un nombre dentro de una familia así de prestigiosa. De sus padres, el cineasta Steven Spielberg y la actriz Kate Capshaw, Sasha heredó la pasión por la música. Por el lado paterno, The Beatles y mucha música de películas; por el materno, artistas como Lucinda Williams, Ani DiFranco y todos aquellos que en los años 90 se presentaban en el festival 24

Lilith Fair. “Por mi parte, a los 12, después de una fase pop, comencé a tocar la guitarra. En ese momento me enamoré de Led Zeppelin y del rock “. Alejado de sus obsesiones de la adolescencia, el álbum Spoiled Love tiene tonos de una belleza vertiginosa, relajante, minimalista e íntima. Trae a la memoria los arreglos de Lykke Li, la voz de Zooey Deschanel en la banda She & Him y la claridad de Joni Mitchell. Detrás de su sintetizador, ella compone sus canciones en un tono directo. “Me gustan los primeros borradores. Mis letras están hechas de frases sencillas, muy similares a los textos que escribo en mi diario. Creo que cuanto más ásperas y claras son las palabras, más resuenan y expresan el fondo de mis pensamientos”. Todas las canciones fueron creadas junto con el artista Nicolas Jaar, un amigo cercano con quien Sasha, o mejor dicho Buzzy, trabajó por años. Se conocieron durante su primer año en la Universidad de Brown. Tenían 18 años y se conectaron porque ambos eran fanáticos del grupo inglés Portishead. En Spoiled Love consiguen sonidos delicados, donde la protagonista es la voz de Sasha en dos pistas superpuestas, al estilo de John Lennon. “Nico aporta mucho. Sabe cómo hacer que una canción respire con pequeñas pinceladas. Es capaz de convertirse en guía, en animador cuando lo necesito, en mi entrenador. En resumen, ¡es increíble!”, cuenta pantalla de por medio. Si bien la música es su forma de expresión favorita, Sasha también entiende la moda como un canal para afirmar su personalidad. “Lo que visto dice mucho de mí, especialmente cuando me presento en vivo. Son muchos los estilos que me inspiran, como los años 40 o el look western. Hubo momentos en los que solo me vestía con la ropa de mis novios y me encantaba esa sensación. Admiro la apariencia sobre el escenario de muchos artistas masculinos: David Bowie, Prince... Sus mezclas entre lo masculino y lo femenino me fascinan”. Lo mismo podría decirse de su disco, que con un esplendor nunca ostentoso cautiva de principio a fin. n

Traducción: Dolores Caviglia.

Por NOEMIE LECOQ


L’NEWS

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ENCUENTRO

Animarse a tomar RIESGOS

Patricia Bindi lidera un programa diseñado para mujeres de negocios. negocios. A través de capacitación, financiación y actividades de networking las conecta con nuevos mercados locales e internacionales. Por DOLORES CAVIGLIA

De la vivencia personal al mundo. Eso es lo que busca Patricia Bindi: que a más personas les pase lo que le ocurrió a ella. Directora de la Banca de Empresas de HSBC desde 2015, cuenta con un recorrido amplio, variado e intenso que le permitió pensar un programa que apoye a las mujeres a avanzar en sus rubros. “Siempre quise trabajar. Empecé a los dieciocho años, ni bien terminé el colegio, porque buscaba mi empoderamiento económico. Arranqué como empleada de mostrador en una sucursal bancaria. A los 28 fui gerenta de sucursal, dos años después me puse a pensar cómo reorientar mi carrera para seguir creciendo y me anoté en la universidad para estudiar licenciatura en Administración de Empresas... De ahí en más, nunca paré. Llevo 30 años en el sistema financiero local y actualmente formo parte del Comité Ejecutivo del banco”. Hubo una figura clave en su historia: una mentora que le ayudó a tomar riesgos: “Se llamaba Mary Miraz de Oucinde y era gerenta de la sucursal San Fernando del Banco Europeo para América Latina. Yo tenía 23 años y ella me propuso ser la jefa de cuentas corrientes. Me quedaba lejos de donde vivía, por eso dudé y además pensé que no se lo iban a aprobar desde la casa matriz, pero a los cuatro días ya estaba trabajando allí. Ella siempre me alentó. Fue un ejemplo de sororidad en tiempos en que el término no se pronunciaba”. Con esa palabra en la cabeza, en 2018, con un grupo de colegas, se planteó cómo contribuir a disminuir la brecha de género. Fue entonces que comenzó a reunirse con mujeres de empresas, tanto locales como internacionales, públicas y privadas, para entender las necesidades del sector y aportar para sumar. Así nació Mujeres al Mundo, un programa para mujeres de negocios del HSBC que busca conectarlas con mercados y oportunidades. “El financiamiento es una condición necesaria pero no suficiente, por eso formamos esta comunidad de mujeres talentosas con ambición de desarrollo profesional y de crecimiento”, afirma Patricia y resalta que el programa tiene cuatro pilares: la conectividad, los servicios financieros, la capacitación y networking, el coaching y madrinazgo. “Firmamos un acuerdo con Endea26

vor, la red de emprendedores más grande a nivel mundial, para ofrecerles a nuestras clientes 21 masterclasses divididas en ocho módulos durante todo el año”. Uno de sus objetivos principales es impulsar a las mujeres a animarse y tomar riesgos. Considera que hoy los hombres colaboran más con el progreso de las mujeres, hay mayor claridad sobre la importancia de trabajar en ambientes diversos, pero cree que aún son varios los cambios que se necesitan para llegar a la equidad. También recuerda alguna que otra experiencia personal que la marcó y le fue mostrando el rumbo. “A los 28 años, cuando era Gerenta de Sucursal, tuve que cambiar mi look. Me corté el pelo y usaba pollera para verme ‘más seria’ porque si no, me decían: ‘nena, llamá al gerente’; no entendían que era yo”, cuenta en un mano a mano con L’Officiel. Y agrega: “Tenemos que ayudarnos, colaborar entre nosotras, no competir, cada una tiene su espacio; hay que hacerle lugar a las nuevas generaciones”. Sobre las novedades del programa Mujeres al Mundo en este año, su tercera edición, Patricia detalla que a las masterclasses con Endeavor están sumando sesiones de mentorías, más programas de capacitación junto a la Universidad del CEMA y Mercer, talleres de Comercio Exterior para líderes de pequeñas y medianas empresas interesadas en exportar, préstamos para proyectos sustentables o capital de trabajo a tasas preferenciales y más. Por último, comparte un mensaje optimista, como ella, mezclado con otra vivencia. “Cada vez más las empresas de todo el mundo incluyen perspectiva de género en los escalones de valor”, asegura y continúa: “Tenemos que ser más flexibles con nosotras mismas. Y si queremos hacer un stop en nuestras carreras para ser madres, debemos hacerlo y disfrutarlo. En mi vida varias veces tuve que privilegiar lo profesional sobre lo personal; hoy, no sé si lo haría. Por eso estoy segura de que, si el plan de carrera es sólido, se puede parar y retomar el camino de crecimiento con más fuerza. La pasión sin acción es ilusión”. n

“CADA VEZ MAS LAS EMPRESAS de todo el mundo INCLUYEN PERSPECTIVA de género EN LOS ESCALONES DE VALOR”.


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HISTORIA

de un collar

Pertenece a la nueva colección de Alta Joyería creada por Chanel para celebrar los 100 años del Nº 5. Detalles fascinantes inspirados en la fragancia. Patrice Leguéreau, director del estudio de joyería fina de Chanel desarrolló: “un viaje navegando el alma del perfume N° 5”. Se trata de una colección que celebra los cien años de la fragancia. Las ciento veintitrés piezas están inspiradas tanto en la arquitectura del frasco como en las notas olfativas. Impactantes y bellas, logran enlazar los universos de la perfumería y la joyería. La estrella de la colección es el collar 55.55 que trae un diamante de talla personalizada. “Este es un enfoque sin precedentes –dice Leguéreau-. Empezamos con un diamante bruto hasta obtener uno octogonal perfecto, cortado para pesar exactamente 55.55 quilates”. Además del peso simbólico y la pureza de la piedra, el collar presenta otros detalles deslumbrantes: el bisel de oro blanco de 18 quilates engastado con 104 diamantes redondos y 42 en forma de baguette. El perfil del tapón, la silueta del frasco, el cierre en forma del número de la suerte del perfume y la cascada de diamantes de diferentes tamaños van más allá de un ejercicio de estilo. Simbolizan el abrazo entre el espíritu del perfume N° 5 y una excepcional creación de joyería. Chanel ha optado por mantener esta colección como parte de su patrimonio, para que sea siempre un símbolo visible de la historia de la Alta Joyería de la firma.

Por CATALINA DEL PINO 28


L’HÉRITAGE

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Ciudades

EN EQUILIBRIO The Future Laboratory, Laboratory, consultora internacional de tendencias, describe los cambios que se producirán en la vida urbana. Desafíos y proyectos innovadores. Por LARA LUJAN

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L’HABITAT

Contenedores estandarizados para reproducir espacios limitados.

La pandemia dejó al descubierto diferentes problemas de los entornos urbanos en casi todas las ciudades del mundo. Expuso conflictos en relación con la seguridad, los servicios públicos y el acceso a los espacios verdes. El Trend Briefing 2021 de la consultora The Future Laboratory, con sede en Londres, que ofrece previsiones y pronósticos de tendencias trata, justamente, sobre las claves que afectarán al futuro habitante de las ciudades en la próxima década. Algunas conclusiones: LAS MAS VOTADAS. Se prevé que para 2050, el 68 % de la población del mundo vivirá en ciudades. Son los millennials y la generación X quienes impulsan una existencia urbana mejor equilibrada. Sus modelos preferidos: Londres, Singapur, Chongqing, Barcelona y Copenhague.

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Vista aérea de los contenedores, el jardín, la terraza comunitaria y los paneles solares.

CAMBIO DE RUTINA. En el último año resurgió la vida híperlocal. La combinación entre pandemia y la Cuarta Revolución Industrial (marcada por los avances tecnológicos emergentes en campos como la robótica, la inteligencia artificial, la nanotecnología, entre otros) ha impulsado la metodología remota en educación, trabajo, atención médica y comercio minorista. Como resultado, las rutinas diarias y los desplazamientos en transporte público disminuyeron en algunas regiones, afectando el uso de la infraestructura de la ciudad. Un ejemplo es la transformación en ciclovía de una parte de la Rue de Rivoli de París. En varios casos el cambio de hábitos trajo beneficios: en Japón, según la agencia de noticias Jiji Press, en el 68 % de los ciudadanos se redujo el estrés por desplazamientos y más del 50 % pudo optar por vivir y trabajar en zonas más económicas. REGRESO A LAS RAICES. La pandemia cooperó con el surgimiento de una tendencia que le pone freno al consumo de bienes y recursos, priorizando el impacto socioambiental. Muchos habitantes de las ciudades desviaron sus gastos hacia locales en áreas cercanas –incluyendo las compras online que ofrecen retirar el producto en un punto conveniente para el consumidor– generando así un impacto positivo y reivindicando las tiendas y servicios locales. MIRANDO HACIA EL 2030. En cuanto a las expectativas a futuro, el estudio hace hincapié en que la gente de las ciudades se interesará en temas como la inclusión y la sustentabilidad, y menciona la necesidad de una vida urbana más progresista, justa y responsable con su entorno. Bjarke Ingels y Jan Gehl, arquitectos daneses expertos en urbanismo, expusieron en el último World Cities Festival la importancia de mantener las ciudades “simples, de bajo costo y realizadas para personas de todas las edades”. Sostienen que se 32

construirán sobre cimientos naturales, utilizando energía renovable y proponiendo nuevos modelos económicos autónomos. La arquitectura interseccional será fundamental para la equidad ciudadana. Niños, residentes de la tercera edad, comunidad LGTB+ y personas con discapacidad serán los principales motivadores del proceso creativo hacia un ambiente seguro y contenedor. También en agenda: priorizar la construcción de calles peatonales y ciclovías, consumir alimentos provenientes de cultivos hiperlocales y utilizar rastreadores para monitorear el nivel de contaminación aérea y sonora. EN MARCHA. El cuidado de la naturaleza será fundamental para el funcionamiento y desarrollo de las áreas urbanas. En Copenhague, la pista de esquí CopenHill, construida sobre una planta de conversión de residuos en energía, es un ejemplo de la relación espacio, naturaleza y bienestar. Otro proyecto que se encuentra en proceso es Oceanix City, una ciudad flotante sin coches ni rascacielos, pero con sistemas de reciclaje y granjas submarinas. Está diseñada para resistir desastres naturales como inundaciones, tsunamis y huracanes. Ambos proyectos son liderados por el estudio de arquitectura Big, de Bjarke Ingels. METROPOLI DIGITAL. Una propuesta de la compañía informática Wormhole Labs consiste en una plataforma con ciudades “paralelas” creadas en el mundo digital, que permiten la conexión social y profesional de los residentes sin necesidad de viajar. Tendrán ciudadanías honorarias y se conectarán en versión virtual 10D para explorar los vecindarios, socializar con los vecinos en tiempo real e incluso comprar en tiendas locales. Una apuesta a un nuevo consumo a solo un click de la realidad. n Fuente: Equilibrium Cities, Macro Trends Research, The Future Laboratory.


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ENTRE

líneas

Vanessa Rosales acaba de sacar su segundo libro, Mujer incómoda. incómoda. Textuales sobre el proceso creativo de esta escritora y crítica cultural con gran trayectoria en el campo de la moda. Por CELESTE NASIMBERA

Si espiamos la intimidad que nos habilita Instagram podemos observar en la cuenta @vanessarosales fragmentos de su biblioteca, imágenes de mujeres icónicas –la mayoría en blanco y negro– acumuladas en las paredes, hasta incluso localizar una antigua máquina de escribir. No solo se trata de una mujer que escribe, sino que es de aquellas que utilizan la lectura para encontrar reflexión y estilo. Formada en Ciencias Sociales con especializaciones en la Universidad Di Tella (Argentina) como en la Parsons School of Design (Estados Unidos), la colombiana Vanessa Rosales ha realizado colaboraciones en publicaciones destacadas tales como Vogue, BoF y Vestoj. Esta escritora y crítica cultural es además columnista de El Espectador y creadora de la serie de podcast Mujer vestida. A través de la pantalla conectamos Buenos Aires con Bogotá para conversar en las semanas previas al lanzamiento de su nuevo libro. ¿Cuál es tu definición del periodismo de moda? Estuve recuperando algunos de los motivos fundacionales por los cuales hice periodismo de moda; es un campo que está entre la

L’OFFICIEL:

VANESSA ROSALES:

crítica cultural, la teoría de la moda y la historia de las mujeres. Creo que ahora ya me distancié un poco de ese lugar que intersecciona a la cultura, a la teoría de la moda y a la historia de las mujeres en clave feminista. También me gustó tener la oportunidad de realizar una pasantía en La Nación y ver mi nombre en un medio impreso, tenía esa ilusión. A la distancia ¿cuál fue la experiencia del primer libro? En ese momento yo estaba más dedicada a la escritura en medios y mi intención era convertirme en una ensayista como muchas de mis referentes. Pero fue lo que resultó en ese momento. Por eso el segundo libro es muy distinto. Llevó muchos años. L’O:

VG:

¿Cómo fue escribir Mujer incómoda? Ha sido una gran lección alrededor de la temporalidad de la escritura, de cómo contrasta con esas dinámicas mediáticas de las cuales fui parte. Empecé con cuadernillos, yo escribo a mano. Además, venía leyendo ensayos personales y observando cómo distintas mujeres estaban utilizando ese género. Empezar con mi experiencia personal para volver sobre temas que siempre me han preocupado. Me volqué al estudio de lo construido como femenino y encontré un lema alrededor de la incomodidad: ser una mujer incómoda, estar incómoda, todo lo relativo a la libertad, empecé a escribir reaccionando. Este segundo libro es también una articulación de mí híbrido: me formé en Ciencias Sociales con mucha inquietud, me formé en un periodismo vieja guardia y luego tengo la posibilidad de ejercer el periodismo de moda en Colombia y en un campo consolidado hace treinta años como son las fashion studies. Realmente siento que va a ser mi primer libro. n

L’O: VG:

Mujer incómoda está en formato físico y digital (Lumen, Random House).

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L’AUTEUR

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VIVIR la experiencia Jazmín Digital Point es una nueva propuesta que reúne la experiencia física, la digital y la de redes sociales. “La idea de la Tienda Digital surgió hace dos años. Empezamos a transitar el camino para emprender el proyecto cuando la cuarentena y el incremento que notamos de demanda por parte de nuestras clientas nos impulsó a materializarlo”, explica María Waissman, coordinadora general de imagen de la compañía. En la nueva propuesta conviven distintos formatos. En la tienda física de Palermo está el perchero con la colección y personal shoppers asesoran sobre las características de las prendas y cómo combinarlas. También hay una pantalla táctil donde se puede realizar la compra online, que luego llegará a domicilio. El sitio web, por su parte, cuenta con distintos servicios: se puede hacer una cita por videollamada para recibir asesoramiento personalizado. “Una clienta se quería comprar un pantalón, pero dudaba si le iba a quedar muy largo. Hizo una cita online y una de las personal shoppers que tenía una figura similar se lo probó y no fue necesario ir hasta el local, lo resolvió en una consulta virtual de diez minutos”. Este nuevo espacio permite agilizar el servicio y contestar las dudas de las clientas al instante, pero también cuenta con otros beneficios. Gracias a la asistencia en vivo de Peggy, el personaje robótico que lleva adelante la plataforma web, se puede conocer todo el universo de la marca. Una nueva opción aparece en el menú: “Regala Jazmín”, con asistencia para comprar regalos que luego se envían a la persona agasajada en una caja con mensaje. “Contamos con gente con mucha visión de futuro. Estamos siempre mirando para adelante: cómo mejorar los procesos, el abastecimiento, la tecnología y la calidad de nuestras prendas –señala María–. Si bien la pandemia aceleró el crecimiento de la compra online, teníamos un e-commerce muy robustecido y este proyecto ya estaba encaminado. El nuevo contexto nos mostró que estábamos yendo por buen camino”. n jazminchebar.com.ar

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ 36

Fotos: derechos reservados.

Jazmín Chebar lanza un nuevo concepto para la marca: más servicios en diferentes formatos. formatos. ¿De qué se trata?


L’INNOVATION

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IMPRESIONES Las revistas y sus curiosidades: desde historias de coleccionistas hasta la celebración del papel papel.. Por CELESTE NASIMBERA

En 2012 James Hyman obtuvo el récord Guinness a la colección personal de revistas más grande del mundo, compuesta en ese momento por más de 50 mil ejemplares. Sin embargo, en los años 90 su intención era simplemente tener material disponible para su trabajo como guionista en MTV. Su modus operandi se centraba en la compra de dos ejemplares: uno para leer, otro para coleccionar y repasar información. Así creó su propio Google antes de que nos acostumbráramos a transformar el nombre del buscador en una acción. Cuando las dimensiones del archivo superaron las posibilidades de su propio hogar, fundó Hymag con la curadora Tory Turk. Instalados en una antigua fábrica del este de Londres y mientras el número de revistas sigue creciendo exponencialmente (hoy más de 160.000) a través de donaciones, el objetivo es recaudar fondos para la digitalización. Pantalla mediante conversamos con el presentador de radio y televisión en exclusiva para L’Officiel Argentina. 38

¿Iniciaste tu colección en los 90, cuando los medios gráficos eran una fuente de consulta, qué significan hoy para vos las revistas? JAMES HYMAN: En esa época eran un objeto que sostenías físicamente: lo abrías y leías. Creo que el significado de la palabra se mantiene aún en un contexto digital. Hoy las revistas significan contenido. L’OFFICIEL:

Recibís donaciones, ¿quiénes coleccionan revistas en la actualidad? ¡Hay tantas personas diferentes coleccionando! Por supuesto periodistas, porque trabajan con ellas. También quienes tienen un marcado interés, que están fascinados con algo. En general las donaciones provienen de editores, fanáticos de la música, del cine... Por ejemplo, el periodista y escritor de moda Colin McDowell fue quien nos prestó más de dos mil revistas de moda inglesas, italianas y francesas. Recibimos de todas partes del mundo, para mí es cultura, es global.

L’O: JH:


L’OBSESSION

¿Qué revistas de moda se puede encontrar en el archivo? Tenemos Vogue en sus diferentes ediciones, L’Officiel claro, Elle, Marie Claire, Glamour, Harper’s Bazaar, Vanity Fair, Cosmopolitan, InStyle, LOVE, The Face, ID entre otras.

L’O: JH:

¿Las casas de moda visitan el archivo? La mayoría de las personas interesadas están vinculadas al sector. Nos visitan equipos de la casa Dior, Marc Jacobs y Nike, por ejemplo. Vienen regularmente y suelen pedir cosas muy específicas, como campañas de determinadas temáticas. Además, profesionales independientes que quieren aportar material para un cliente.

L’O: JH:

Hyman me pide permiso para compartir pantalla. Tiene al menos unas veinte pestañas abiertas. Puedo descubrir cómo funciona el archivo digitalizado. Me pregunta qué quiero ver, y elijo buscar a Kate Moss y luego a David Bowie, a quien él entrevistó. Por cada tag uno accede a imágenes con textos relacionados. Un material que hoy puede (o no) estar online y dar con él lleva horas. Su objetivo es resguardar el impreso, generar copias digitales y permitir un mayor acceso. Hasta el inicio del aislamiento era

factible visitar el archivo por un módico importe. De lograr digitalizarlo, los interesados lo podrán ver desde su casa. L’O: ¿En qué momento de la digitalización del archivo se encuentran? JH: Tenemos completo el archivo The Face y estamos planeando el lanzamiento. El proceso de digitalización no lleva mucho tiempo, hay tecnología disponible e incluso la organización resulta factible. Lo que necesito es recaudar dinero de inversores, demostrarles que hay un público interesado en suscribirse. ¿Cuál es el futuro de las revistas impresas? Es saludable. Lo físico y lo digital pueden ir juntos, coexistir; de hecho, lo hacen. Con el aislamiento se generó más interés en el contenido y no siempre lo querés en digital. La historia de la impresión tiene siglos. Además, hay proyectos digitales que también desaparecen, links que se rompen. A veces solo querés tocar. L’O: JH:

Podés donar, colaborar e incluso seguir el proceso de digitalización a través de hymag.com.

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TRABAJO DE ARCHIVO

Argentina es pródiga en cantidad de revistas femeninas y de moda que fueron apareciendo a través de los años. Pero, ¿dónde encontrarlas? La periodista Lorena Pérez se encuentra abocada a esta investigación ante la próxima publicación de un libro sobre moda argentina y nos da un primer indicio: “dispersas”. “Consulté revistas de particulares, coleccionistas y revisé las que tiene el Museo del Cine. Localicé una Claudia en un local de anticuarios: la década del 60 sigue generando expectativa. En las hemerotecas de las universidades (Palermo, la Nacional Tres de Febrero y la facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la UBA) ubiqué varios recortes de revista con fotos, reseñas y material histórico. La biblioteca del Museo del Traje posee varias colecciones de revistas tanto internacionales como locales entre las cuales se encuentran Para Ti, Claudia, Look, Labores, etc. “Las revistas contribuyen a la datación de objetos y muchas veces se utilizan acompañando a la pieza a la hora de ser exhibida” señala María Lizaso, integrante del área de gestión de colecciones de la institución. La Fundación IDA también posee en su acervo una relevante variedad de revistas vinculadas al área que se encuentra en permanente expansión. “Conservamos revistas desde principios del siglo 20. Entre las publicaciones de moda, indumentaria o manualidades textiles se encuentran: Tejiendo, editada en los años 30 y 40 con arte de tapa y publicidades de Juan Dell‘Acqua, El Arte de Tejer con portadas del artista Rogelio Polesello, Primera Plana donde Felisa Pinto retrata los años 60 y 70, La Moda que supo plasmar la década del 80 con textos de la socióloga Susana Saulquin. Se suman otras contemporáneas de diseño general como 90+10, Harper´s Bazaar y L’Officiel Argentina, cuya colección completa ingresó en febrero”, enumera Mora Caraballo, coordinadora general. Sebastián Rodríguez, a cargo de la gestión patrimonial del área de indumentaria y textil de IDA, agrega: “L’Officiel es un título internacional que tiene un siglo de existencia y la edición argentina, por la variedad y calidad de los contenidos que registra, define la agenda de la moda local y es material de consulta permanente para cualquier investigador”. El acceso al archivo requiere una presentación formal de la investigación en curso a través de fundacionida.org n

OBJETO DE DESEO ¿Por qué coleccionamos revistas?, ¿qué tiene el papel que no tienen los bits? Consultamos al periodista y escritor argentino Javier Arroyuelo (Interview, Vogue Italia y actualmente La Nación Revista) sobre la función de las revistas. “Crear comunidad, es decir, el sentimiento, para un conjunto de individualidades dispares, de encontrarse en torno a un mismo fuego, en torno a convicciones, opiniones, gustos, humor y estados de ánimos similares, una cita entre pares que en su mayor parte jamás van a encontrarse salvo allí. Las revistas nos dan algo que necesitamos mucho: un sentido de pertenencia cultural”.

#LOFFICIEL100AÑOS L’Officiel lleva prácticamente un siglo contando historias. El título nació en Francia y hoy está presente en 28 países. En cuenta regresiva a nuestro centenario todas las ediciones internacionales están compartiendo material inédito. Además, todas las cuentas de Instagram del medio están ampliando la información. Unite y seguí #LOfficiel100.

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1921-2021


ZONA límite “Necesitaba una cosa distinta a las palabras para expresar mis emociones”. La artista Rosario Zorraquín expone su obra Oruguismo en la galería Isla Flotante. Historias envolventes y situaciones imaginarias marcadas sobre tela. Por FERNANDO GARCIA

“No sé cuánto tiempo es mucho tiempo hacer psicoanálisis en Buenos Aires”, se pregunta Rosario Zorraquín (1984) con un embarazo casi a término. Está en la oficina de la galería Isla Flotante que funciona, inadvertida, en el segundo piso de un antiguo edificio de Viamonte al 700. En la segunda mitad de los años 50, era la vía de la intelectualidad y la bohemia, pero hace rato que no. Además: ¿existe algo así en otro lugar de la ciudad sesenta años después? Rosario Zorraquín se refería con esas palabras a sus años pasados en terapia, y si mencionamos este tema en la trastienda de la galería donde expone su particularísima obra, es porque mucho de su arte se relaciona con el acto de escuchar: tan cerca del diván freudiano como de la magia chamánica. Es sabido que en la etapa superior de la posmodernidad se habla del artista como curador; a ella no le quedaría nada mal que pudiéramos pensarla como una artista-curandera, porque trabaja sus obras de maneras misteriosas. A lo que hace, Rosario lo llama oruguismo. No es una fritura pasada de las vanguardias (en su furiosa carrera por detectar el mejor y más virulento de los “ismos”) ni una parodia, sino 42

que utilizó una forma clásica de la cultura moderna (la música y la literatura también avanzaron a saltos de ismo) para ponerle nombre a esta práctica, que solo puede contener el arte contemporáneo (donde todo es factible y no lo es al mismo tiempo). De qué otra manera sería posible describir las sesiones de dos horas en las que personas quedan envueltas como momias en telas de lino, sin poder ver, y diciendo lo que les viene a la mente mientras la artista-curandera les escribe lo que dicen sobre los lienzos.¿Son pacientes? ¿Performers? ¿Coautores? Orugas, más bien. Que se dejan envolver para que esos pensamientos expresados a partir de un debilitamiento de lo sensible se conviertan (“metamorfosis” es la palabra clave de Zorraquín) en una obra hecha de palabras que no están puestas para leer. Entre la persona como soporte y el lenguaje como símbolo abstracto, Rosario deviene heredera de Alberto Greco y su Arte Vivo-Dito, y de los jeroglíficos de León Ferrari o Mirtha Dermisache. De hecho, al principio, en un taller en la calle Darwin de Villa Crespo, el oruguismo fue eso: la puesta en escena de un lenguaje inexistente. Zorraquín empezó a dibujar desenfrena


L’INVITATION

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MUCHO DE su arte SE RELACIONA CON EL ACTO de escuchar: TAN CERCA del diván freudiano COMO DE LA MAGIA chamánica.. chamánica damente símbolos que remitían a los que los pixadores paulistas (esa rama esotérica del street art) pintan en lugares inaccesibles de rascacielos y dependencias gubernamentales. “No me interesaba crear un lenguaje codificado, no había nada encriptado en lo que hacía. Lo único que me movía era que necesitaba una cosa distinta a las palabras para expresar mis emociones. Y así fui llenando cientos de cuadernos”, repasa. Uno de esos cuadernos se convirtió en Glosario, producido por las galerías Miau Miau y Big Sur en 2014. Es como el diario íntimo de una pixadora sin paredes que además deja instrucciones de uso para 44

el oruguista del mañana. Parecen sacadas de Pomelo, el libro de Yoko Ono que se tradujo al español por primera vez en Buenos Aires vía Ediciones de la Flor (¡De cuando éramos potencia cultural!). Se transcriben algunas: 1. En una pared marcar todas las alturas de las personas. 2. Mirar el piso, las baldosas forman una grilla. Subrayar algunas baldosas en el espacio. 4. Una persona escribe sin pensar, camina sin pensar, habla sin pensar, todo eso no se puede describir con exactitud. El paso siguiente de la artista-curandera fue invitar a amigos a que hicieran sesiones tipo Ouija sobre sus escrituras que –dispuestas en grandes paños de lino– recuerdan alfabetos de civilizaciones muy antiguas: Egipto, Asiria, todo lo que se leía en los libros de Astolfi. Entonces, les vendaba los ojos y les pedía que pasaran las manos por el relieve de sus profanas escrituras. Y la gente hablaba y Rosario tomaba nota. Y así empezó este lenguaje que ahora se expande en los cuadros-momia, arte escrito en ráfagas abstractas y objetos colgantes que representan tampones, otra fijación del oruguismo. La menstruación como instancia transformer del cuerpo y como productora de imágenes residuales. Esas palabras usa Rosario cuando cuenta que les pedía a sus amigas que le mandaran fotos de sus tampones, que leía como si fueran un test de Rorschach o la borra de café. En los primeros 60, la bohemia de la calle Viamonte desfilaba por el consultorio de Alberto Fontana, el primer psicoanalista que usó el LSD-25 para inducir un estado superior de percepción en sus pacientes. El oruguismo establece una continuidad misteriosa con aquel ritual que pasó de la ciencia a la contracultura. En el lugar conocido como Isla Flotante hay objetos hechos de destellos de conciencia, parpadeos en el sueño más profundo de una ciudad que acaso nunca despertó del todo. n



L’TALENT

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Filosofía SEN

El artista español explora nuevas formas de composición en Corazón Cromado, Cromado, el EP que produjo durante la pandemia. En esta entrevista habla de las colaboraciones con músicos latinoamericanos y de su interés por la moda.

El cromo es un elemento químico que se caracteriza por ser un metal de transición. Duro pero frágil, su nombre se debe a los distintos colores presentes entre sus compuestos: tantos, como los que componen la música de Christian “Sen” Senra. A los 25 años acaba de lanzar Corazón Cromado y es uno de los más destacados de su generación en España. Desde hace seis años edita música y su estilo es aún menos lineal que la costa viguense, donde nació. Empezó su carrera solista con Permanent Vacation (2015), un disco con letras en inglés, de sonido galiforniano (como le dicen a ese puente invisible que conecta las costas de Galicia con las de San Francisco), lo-fi y garagero. Lentamente, fue virando la esencia de sus canciones y el idioma de sus letras hacia una búsqueda más suave, sensual y local para llegar a Sensaciones, en 2019, el álbum que le dio el reconocimiento del público y la prensa española. Con una voz

que va entre el susurro y el falsete, explora el desamor y la seducción a través del R&B y el neo-soul. Sus canciones tienen también composiciones sonoras complejas al estilo de Frank Ocean, una de las influencias más importantes en sus arreglos y a quien le rinde tributo imitando la portada del simple “In My Room”, que el estadounidense había lanzado unos meses antes. Después de un pequeño tour por su país con Sensaciones a fin del año pasado, Senra, que en 2020 participó dos veces en la plataforma berlinesa de música emergente COLORS, volvió a la carga con Corazón Cromado. El EP, que trae siete canciones y dos colaboraciones con su coterráneo C. Tangana y el colombiano Feid, continúa con el temperamento de su última obra: una mezcla de baladas R&B sensibles con flow hispano, cajas de ritmos y dejos urbanos. Entre los simples: “Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer”, en clave synth-pop que se quiebra al

Por CATA GRELONI PIERRI Fotos CELINE VAN HEEL Estilismo CARLA PAUCAR Y ALEX TURRION 47


medio en dos composiciones (como “Nights”, de Frank Ocean). O “Me Valdrá La Pena”, la balada a modo de coda que suma un intertexto de la música de Maná. Senra comentó que escuchaba “Rayando el Sol” con su hermana (la artista plástica Vaas Senber que ilustró cada uno de los simples) cuando eran niños y, en medio del aislamiento, ella lo sorprendió al teléfono con una parte del estribillo, que decidió incorporar “como un shout out a la banda mexicana”, dice. Sen Senra agrega que conoce a varios artistas latinoamericanos a través de la investigación de sonidos por Internet. “Me gusta mucho cómo suenan Chavela Vargas, Atahualpa Yupanqui, José Larralde, Víctor Jara y el trío Los Panchos. No son músicos nuevos, pero aprecio mucho el estilo de cada uno y su identidad”, dice desde su casa en Madrid, donde vive hace tres años. ¿Cómo surgió este nuevo EP? Con esto del aislamiento, aproveché el paro para viajar a Galicia y volver a componer. Recuperé demos que tenía en el ordenador. Generalmente, el cuerpo me pide conceptualizar los discos, pero con Corazón Cromado me di el lujo de ser más libre y explorar sin pretensiones. Relajarme y dejar que fluyera lo que salía de adentro. Empecé a pensar obsesivamente en el concepto de cromar objetos, que me pareció divertido y curioso al mismo tiempo. Por un lado, la idea de bañar en cromo cosas para que no se oxiden ni se lastimen, y por el otro, la simple función decorativa de mejorar superficialmente el aspecto. Me divirtió pensar el proceso de bañar en metal algo tan frágil como un corazón para fortalecerlo. Lo único que tengo claro es que no quiero ser predecible, creo que por eso mi estilo fue cambiando tanto a lo largo de los años. L’OFFICIEL:

SEN SENRA:

¿Y por qué elegiste a C. Tangana para grabar? Con Pucho tenemos una relación de hace varios años y muchos colegas en común, y finalmente este año se dio la oportunidad de meternos juntos al estudio. Le tengo mucho cariño a esta canción porque fuimos sin pretensiones. Entramos a la cabina Alizzz (Cristian Quirante), Anxo (Ferreira), Pucho y yo, y estuvimos todo el día tocando el piano y la guitarra, viendo qué salía. Cuando tuvimos un gancho que nos gustaba fuimos construyendo desde ahí. Me parecen lo más guay las canciones que surgen de la improvisación.

L’O: SS:

La otra colaboración de Corazón Cromado fue con Feid. ¿Ya se conocían? SS: No, pero Feid me tiró buena onda por Instagram y conectamos muy bien. El justo me escribió cuando estaba armando “Wu Wu”; lo viví como una señal, así que lo invité a formar parte y tuvimos muy buen rollo. Estoy muy contento con cómo esta colaboración y la de C. Tangana se desarrollaron de una forma tan orgánica. L’O:

También llamaste a Pedro Artola –que trabajó para el diseñador Jacquemus– para dirigir los videoclips de “Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer” y “Sublime”. SS: Hicimos los videos en Barcelona con su equipo y la verdad es que fue muy bonito. Pedro es muy creativo y le gusta experimentar a nivel visual y con la moda; me gusta juntarme con gente de mi generación que está en el mismo camino, compartimos ideas y la curiosidad por hacer cosas nuevas. Yo no soy ningún profesional de la moda, pero desde pequeñito me interesa jugar con la ropa. Es otra expresión artística que me gusta mucho. L’O:

Se nota la influencia de Frank Ocean en tu música y producción. ¿Qué es lo que más valorás de su trabajo? SS: Es un superartista que descubrí en sus comienzos, cuando era parte del colectivo Odd Future y lo que más me gusta es su libertad a la hora de componer. Es un músico muy completo: la lírica, la melodía, la forma en la que te hace viajar mientras escuchas su música y cómo te la va enseñando. Me resulta ultrainspirador. L’O:

“ME PARECEN LO MAS guay LAS CANCIONES QUE SURGEN DE LA IMPROVISACION”. 48

¿Cómo fue la experiencia de salir de gira en plena pandemia? Hicimos un tour de teatros cumpliendo con la seguridad y restricciones que había, pues no queríamos quedarnos sin la posibilidad de presentar Sensaciones en vivo. Entonces fue un tour pequeñito de ocho shows en Madrid, Valencia, San Sebastián y Barcelona. Preparé un concierto a la medida de esta situación tan extraña que estamos viviendo, un show con luces, casi como una obra de teatro para que pudieran estar sentados y disfrutar igual. Salió de lo más guay y el feedback fue increíble. n L’O: SS:


“El listón siempre en altura peligrosa Pa’ que sude un poco esta carita hermosa”. (de Tumbado En El Jardín Viendo Atardecer)

Camisa, RAF SIMONS SS04. Abrigo, RAF SIMONS SS15. Falda, COMME DES GARÇONS HOMME PLUS. Botas, BATA. Bolso, VINTAGE. DISEÑO DE SET: Atenea Martínez.

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Paula

Mariángeles AGUIRRE Son hermanas, viven a 11 955 kilómetros de distancia y juntas crearon una marca de ropa con desechos desechos,, remanentes e influencias punk. Se consigue tanto en Córdoba como en Berlín. Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ

Therapy Recycle & Exorcise es una firma de suprareciclaje textil que llevan adelante dos hermanas cordobesas: Mariángeles Aguirre, que vive en Berlín, y Paula Aguirre, en Córdoba capital. Crean piezas únicas a partir de prendas de segunda mano y remanentes de fábrica. Sus influencias provienen de contraculturas urbanas y estilos de vida no convencionales. “Nos inspiran los accesorios del fetichismo, como arneses y cadenas, y las técnicas y colores de ese universo”, dicen. Su modelo de trabajo se alinea también con el movimiento punk en cuanto a “salirse del sistema y generar uno propio. Eso es lo que hacemos: cuestionamos lo establecido y creamos todo nosotras mismas”, agregan. La marca nació en 2012, ocho años después de que Mariángeles se mudase a Berlín. “Tuve una crisis de identidad y empecé a preguntarme para qué me había ido. Me dio ganas de agarrar una ti50

jera, una máquina de coser y unos trapos. Fue una terapia creativa”. Comenzó a vender sus creaciones en mercados de segunda mano y al año le propuso a su hermana unirse al proyecto abriendo una sede en Córdoba. “Nos planteamos no tratarla como si fuera una marca de feria americana, sino como una de moda: íbamos a tener etiquetas, campañas y buenas fotos”. En 2016 y 2017 fueron convocadas para participar en la Berlin Alternative Fashion Week. “Nos dio ritmo para poder hacer dos colecciones al año”, cuenta Paula. A eso le siguió el llamado de la Helsinki Fashion Week en 2019. “Fue genial porque es una plataforma que no solo destaca lo alternativo sino también lo sustentable”. Las colecciones no son temporales, sino temáticas. En su premisa de “cuestionar lo establecido”, entran desde el sistema de producción y consumo de indumentaria hasta la heteronor-


L’INSPIRATION

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“ELEGIMOS hilo elástico Y RECURSOS ajustables,, QUE AGRANDAN, ACHICAN ajustables O ALARGAN las prendas. prendas. NOS GUSTA MUCHO lo multifuncional Y ADAPTABLE”.

matividad, el patriarcado y el binarismo. “En 2016 nos inspiramos en un libro que hablaba de las cortesanas. Entendimos que se animaron a romper las reglas en una época en que la mujer no tenía ningún rol en la sociedad”, explica Mariángeles. En su último desfile, en enero de 2020, presentaron Awake, que era una crítica a los medios, la publicidad y el marketing. Tomaron como referencia la película They Live de John Carpenter. “Los modelos eran como zombis alienados. Pero llevaban prendas con mucho color, como un símbolo del despertar”. Realizan los productos a partir de materiales de ferias americanas, sobrantes de fábricas y prendas o géneros que reciben de gente conocida de Argentina y Alemania. También utilizan sus propios remanentes, por eso en 2018 crearon el término poscolecciones. “Las dos conectamos con la misma idea: tomar los materiales que nos sobraron o no se vendieron y usarlos en la siguiente colección”, dice Paula. Piensan los diseños para que puedan usarlos distintos tipos de cuerpos. “Elegimos hilo elástico y recursos ajustables, que agrandan, achican o alargan las prendas. Nos gusta mucho lo multifuncional y adaptable”. Las pistas de baile y los escenarios son los espacios habituales donde se lucen las prendas de la marca. Los clientes suelen ser artistas, cantantes, DJ y creativos de diferentes especialidades. Este año, Andrea, la hermana mayor, se sumó al proyecto.

“Aporta su pragmatismo como contadora y su pasión por el diseño, la decoración y la arquitectura”. A pesar de que vienen de campos diferentes –Mariángeles se formó en comunicación social y Paula en diseño de indumentaria y publicidad– se complementan. “Tenemos intereses comunes. Somos muy unidas y amigas. Nos vemos constantemente online y al menos dos veces al año en forma presencial”. Reconocen que desde niñas tuvieron una conexión con la costura. “Nuestra abuela era costurera. Siempre nos divertíamos haciéndole ropa a las muñecas”. Therapy Recycle & Exorcise posee dos sedes, una en Berlín y otra en Córdoba, y cada una tiene un canal de venta online. Además, los diseños se venden en tiendas multimarca de Córdoba, Buenos Aires, Berlín y Amsterdam. Ahora, las hermanas Aguirre quieren desarrollar una línea de complementos. “Pensamos en hacerla con alguna cooperativa o taller donde trabajen personas en situación de vulnerabilidad”. Desde el año pasado, además, sumaron la venta de piezas vintage no intervenidas y el alquiler de prendas, dos servicios que están en sintonía con el modelo de consumo que promueven desde hace nueve años. “Buscamos generar un impacto positivo en el medioambiente, la industria de la moda necesita un cambio”. n @therapy_argentina, @therapy_berlin

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Tamu MCPHERSON Candela PELIZZA

Las unen diez años de amistad y de compromiso, no solo con la moda sino también con el universo femenino y los derechos humanos. En esta nota realizada en Milán, interpretan la “Coussin Bag” de Louis Vuitton. Por SIMONE VERTUA Fotos TAMU McPHERSON Tamu, con trench, camiseta estampada, pantalones con cintura alta, abotinados “Matador” y cartera “Coussin MM” de cuero con el monograma. Candela viste top de paillettes, shorts, stilettos “Madeleine” y cartera “Coussin PM”.

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L’EMOTION

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¿Cómo se conocieron? En una semana del diseño en Milán. Estábamos en un evento en la casa de Lapo Elkann. Había muchísimos invitados, pero lo único que nosotras queríamos hacer era ir a comer crèpes en PortaTicinese. L’OFFICIEL:

TAMU MCPHERSON: A partir de ese día hubo muchas circunstancias, eventos y viajes en los que nos fuimos conociendo mejor. En tiempos en que todavía ser creador de contenidos digitales no era una ocupación bien definida, Candela sabía perfectamente de qué se trataba. L’O: Cómo creadoras de contenidos digitales, ¿tratan temáticas dirigidas a sensibilizar a los lectores? CP: Las publicaciones nunca estuvieron exclusivamente focalizadas en el producto, siempre me concentré en el deseo de crear sinergia entre la gente, en particular dentro del universo femenino, para crear comunidad. TM: Para mí, es natural incluir discursos que tengan que ver con cuestiones sociales y contemporáneas. Siento la responsabilidad de conectar y potenciar a las personas que están interesadas en los derechos humanos, en particular a las del movimiento Black Lives Matter y LGBTQI+, y darles un lugar para la discusión. La información es importante y mi platafor-

CANDELA PELIZZA:

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ESTA PAGINA: Tamu, con casaca y pantalones de paillettes, aros “Louisette” y cartera “Coussin PM” de cuero. PAGINA OPUESTA: Candela, con vestido estampado, aros “Planète” y cartera “Coussin PM” de cuero. En toda la nota la ropa y los accesorios son LOUIS VUITTON.

Traducción: Teresa Donato.

Amigas desde hace muchos años, se encuentran después del encierro obligado por la pandemia. La argentina Candela Pelizza, exmodelo e it-girl, hoy madre a tiempo completo de tres niños y la jamaiquina Tamu McPherson, que creció entre Nueva York y Milán, fotógrafa de Street Style y desde 2008 directora creativa del portal digital All the Pretty Birds. En 2011 comenzaron a trabajar para grandes marcas y en colaboraciones editoriales. Hoy son protagonistas de una producción en torno a la nueva “Coussin Bag” de Louis Vuitton. La cartera, supersuave al tacto, pero con la audacia que le aporta una gruesa cadena de metal, es fruto de la reflexión de Nicolas Ghesquière –director artístico de la colección Mujer– sobre la fluidez y la igualdad entre los géneros. Un tema que les importa muchísimo a Candela, comprometida en la defensa del universo femenino, y a Tamu, promotora de los derechos humanos del colectivo LGBTQI+ y del movimiento Black Lives Matter; como le cuentan a L´Officiel en esta entrevista.


ma All the Pretty Birds nació por esta razón y hoy tiene una comunidad abierta y receptiva. Me resulta más natural este abordaje en vez de contar lo que pasa en mi vida. ¿Intentan separar su vida privada de la digital? Empecé cuando la tendencia era contar la vida privada, casi como si fuera un diario íntimo. Sigo ese modelo sin forzarlo, con imágenes y un vocabulario que fui creando con el tiempo y que quien me sigue conoce bien. TM: No hablo de mi familia ni comparto las fotos, es una forma de protegerla. Me condiciona la idea de equivocarme; no quisiera hacer quedar mal o poner en peligro a las personas que amo. L’O:

CP:

¿Cómo les cambió la vida ser madres? Después del nacimiento de Verde me sentí completa. Es como si mi hija me hubiese traído de regalo una dosis de seguridad. Lo mismo me pasó con Celeste y Martin. Si bien cada tanto tengo necesidad de desconectar un poco de ellos para ocuparme de mí, cuando están en lo de su papá me siento perdida y pienso en ellos constantemente. TM: Es inexplicable, seguramente la experiencia más mágica y perfecta que la naturaleza te pueda ofrecer. Los sentimientos se amplifican, la conexión con un hijo es fuerte, como si fuera una extensión de vos misma. Durante el primer año de Piero, ver esa fragilidad del bebé… Tanto mi marido como yo estábamos aterrorizados. L’O: CP:

L’O: En la producción están vestidas por Louis Vuitton, ¿qué vínculo tienen con la maison? CP: Es una unión afectiva, hemos realizado muchas colaboraciones y con el equipo siempre hubo un flujo de ideas y un intercambio constructivo. Recuerdo todavía el primer viaje a Forte dei Marmi, estaba muy entusiasmada.… TM: El equipo principal siempre fue el mismo y por este motivo se armó también una relación de amistad. Amo el trabajo de Nicolas Ghesquière y con la maison hemos vivido experiencias sorprendentes.

¿En qué proyectos están trabajando? Yo continúo con la plataforma All the Pretty Birds y estoy trabajando en mi cuenta @shoeupforjustice en Instagram donde hago una venta especial de mi colección de zapatos: lo que se recaude irá a organizaciones como Fair Fight Action, que promueve el derecho al voto en los Estados Unidos. CP: Estoy trabajando en muchos proyectos, pero recién están en fase de creación y no puedo anticipar nada. L’O: TM:

Les propongo que se hagan una pregunta entre ustedes… ¿Cuándo le vamos a presentar Celeste a Piero? CP: ¡Espero que sea lo antes posible! Vos ya la conociste, ¡ahora tenemos que hacer que se encuentren! Vos, ¿cómo hacés para ocuparte de todas tus actividades sin perderte? TM: Soy una persona desordenada. Pero por suerte mi marido es organizado y tiene una energía única; logra ocuparse de Piero, del trabajo y del equipo que me apoya. L’O: TM:

¿Qué piensa una de la otra? Candela es muy equilibrada y estable. Es budista y esto la lleva a escuchar, a observar y a reflexionar sobre su propia interioridad. Todos absorbemos la energía del exterior y ella siempre emana positividad. CP: Tamu es alegría pura y creatividad, es capaz de vivir el momento sin pensar demasiado en el resultado. Por eso siempre logra ofrecer nuevas interpretaciones y puntos de vista. n L’O: TM:

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Los

de

nuevos días

KENZO

Felipe Oliveira Baptista, director artístico, artístico, volvió a las raíces de la marca con líneas arquitectónicas y piezas inclusivas inclusivas,, que juegan con libertad en estampados vibrantes. Se cuenta que, a principios de los años 60, cuando Kenzo Takada abandonó su Japón natal y llegó a París tras seis meses de viaje, lo primero que hizo fue bailar toda la noche. Era un momento de posibilidades infinitas para el joven diseñador. Aunque no hablaba francés, manejaba un lenguaje aún más universal: el del color. Así, combinó su sensibilidad poética con el rigor de los cortes occidentales, articulando el dialecto y el vocabulario de las flores. Fue un periodo de esplendor. Hoy, los tiempos son más pragmáticos, y la llegada del diseñador portugués Felipe Oliveira Baptista (45) ha sido muy valorada. Designado director artístico de la colección de hom-

bre y mujer de Kenzo por LVMH en 2019, se lo considera uno de los diseñadores que siempre marca tendencia. Su primera colección, inspirada en viajes, demostró su maestría en la morfología de las prendas –el lado técnico del diseño que tanto ama–, mientras que su lado easy to wear y alegre se transmitió en los estampados. La casa de moda trajo de vuelta los archivos de Kenzo, conservados por el coleccionista Olivier Châtenet, y Baptista es quien explora y revive la herencia de la marca, centrándose particularmente en el legado de los 70. Armó su segunda colección, presentada en septiembre, durante el primer confina

Por LAURE AMBROISE Fotos NOEL MANALILI Estilismo KENZIA BENGEL DE VAULX 58


L’DESIGNER

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miento europeo: “Fue una mezcla de preocupación y alegría, con un deseo optimista de llegar a superar todo esto. Quería destacar la reconciliación entre el hombre y la naturaleza”, explica. La propuesta fue un llamado a la belleza de lo outdoor: jardines floridos en contraste con los largos velos protectores de los sombreros de los apicultores. Después de todo, las abejas son las musas de esta colección: una fuerza de la naturaleza que nos protege y consume solo aquello que necesita. Lo que nos lleva a la mirada de Baptista hacia la sustentabilidad. “En Kenzo estamos comprometidos con el uso de un 80 por ciento de algodón orgánico, junto con cachemira, nylon y poliéster reciclables. El embalaje está fabricado con materiales respetuosos del medioambiente y estamos asociados con World Wildlife, una fundación que tiene como objetivo duplicar la población de tigres salvajes para el 2022”. Sí, volvió el famoso tigre. El ícono tan prominente en las colecciones de Humberto Leon y Carol Lim –directores artísticos de la casa entre 2011 y 2019– apareció estampado en la colección de 2020 a partir de una obra del pintor portugués Júlio Pomar. En todo el trabajo de Baptista es visible la idea de “utilidad conectada al placer”. Y lo explica de esta forma: “Siempre me

AMO la arquitectura, la imagen, la fotografía... LA MODA ES UNA mezcla DE TODO ESO. Tropecé CON ELLA POR CASUALIDAD. ha interesado ese lado pragmático de la ropa, fácil de encontrar en los uniformes, donde todo responde a una necesidad; una moda funcional y estética a la vez”. Esta cercanía se evidencia en su abrigo de dormir, inspirado en la vestimenta con grandes capuchas de las mujeres de las Azores, las islas donde nació el diseñador. Su ropa es, por lo tanto, desmontable, reversible y práctica. Más que un estilo, es toda una firma. A Baptista también le gusta que en sus colecciones se desdibujen las líneas generacionales. “El mejor halago es ver a personas de diferentes edades usando la misma prenda”. Además de diseñador, es estilista y fotógrafo. “Siempre he sido multidisciplinario. Amo la arquitectura, la imagen, la fotografía… La moda es una mezcla de todo eso. Tropecé con ella de casualidad”. Amante del arte, lo conmovió la retrospectiva de Christo y Jeanne-Claude realizada en el Centro Pompidou en 2020. Cuando le preguntamos sobre sus colaboraciones, asegura que le encanta mezclar sus trabajos con los de otros diseñadores, como la que hizo con Kansai Yamamoto, el legendario diseñador japonés conocido por sus excéntricas colaboraciones con David Bowie en los 70. Su tercera colección presentada el 26 de marzo fue un tributo a Kenzo, que falleció por Covid hace ocho meses. A través de un fashion film realizado en el Cirque d´Hiver de Paris, repasó los diseños icónicos del creador de 1978 a 1985. El resultado fueron prendas llenas de color, movimiento y forma. Hubo despliegue de rayas, pájaros exóticos, hortensias y tulipanes. Fue emotivo encontrar un eje en común. Kenzo Takada y Felipe Oliveira Baptista: dos hombres, dos estilos, la misma energía y el mismo gusto por la belleza y la poesía. n

Chaqueta, vestido y sandalias, KENZO. MODELO: Nina Fresneau para WOMEN. MAQUILLAJE Y PEINADO: Alix Perrot.

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Abril LUCINI Odile SUCARI

Comparten vocación y proyectos de dirección audiovisual. Saben qué necesitan para trabajar en equipo. equipo. “Funcionamos bien porque somos distintas”. Fotos ALEJO PICHOT Estilismo SILVANA GROSSO

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Por MARIA MANSILLA ¿Cuál es aquella escena del cine que te marcó sin esperarla, te habló al oído, te hizo sentir identificada, la que vuelve como un loop a tu cabeza, te hace verte ahí, quizás te ayuda a sostener una decisión y hasta tiene una canción que cuando la escuchás te saca una sonrisa? Abril Lucini y Odile Sucari tienen 25 años y están terminando la carrera de realizadoras audiovisuales (Abril en la FADU y Odile en la ENERC). Mencionan uno de los primeros trabajos que encararon juntas en Landia, la productora de publicidad (“que está buenísima porque tiene una superestructura”). Fue la campaña de Ay Not Dead, un collar de minihistorias inspiradas en películas (“Apropiacionismo cinematográfico”, según los créditos), una curaduría de las escenas cómplices que para ellas funcionaron como educación sentimental y visual: Attenberg, Blue Valentine, Retrato de una mujer en llamas, Corazón salvaje. Como los dúos de esas postales en movimiento, Odile y Abril forman un team

“VINCULARTE CON UN OTRO amplía TU MUNDO Y TE AYUDA A conocerte MAS A VOS MISMA”. — Odile Sucari

estrella de la productora, en la que se mueven como directoras y asistentes de producción. Pero en el guion de este equipo femenino no hay lugar para la simbiosis: cada una hace sus búsquedas creativas más allá de las propuestas para realizar juntas. Y esa distancia luego las retroalimenta y les permite redescubrirse y sorprenderse al levantar la mirada. L´OFFICIEL: ¿Cómo es el proceso de pensar la historia y ser las magas de esa realización? ODILE SUCARI: Hacer cine es complejo. Es la conjunción de muchas áreas y eso es lo más fascinante: podés mutar y variar de un área a otra a lo largo de los años. Es un camino, por eso lo elegí. Conjuga lo terrenal de atravesar un rodaje real en una locación tangible con actores que interpretan emociones y todo un universo concebido de manera mental, con la imaginación. Es trasladar un proceso creativo a algo que tiene que suceder para ser captado por la cámara, y la suma de las partes hace que el producto terminado sea siempre superador.

Odile: suéter, LACOSTE. Abril: remera, LACOSTE. Jeans costumizados, LEVI’S.

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“ESTA BUENO ver otras visiones, visiones, ESCUCHAR OTRAS FORMAS de pensar, pensar, PONER EN cuestionamiento LO QUE CADA UNA TRAE”. — Abril Lucini

Si hacemos un collage con partes de Abril y partes de Odile, ¿cuál es el valor de marca de esa obra? ABRIL LUCINI: Las dos somos multifacéticas, y cuando nos encontramos se da un buen equipo de trabajo. Está bueno ver otras visiones, escuchar otras formas de pensar, poner en cuestionamiento lo que cada una trae. Nos permite aprender siempre algo nuevo y distinto, eso me entusiasma y me divierte. También es bueno formar equipos con otras personas y tener independencia para explorar lo que a cada una le gusta; eso nos potencia cuando nos encontramos para hacer algo juntas. ODILE SUCARI: Nos conocemos desde hace un montón y venimos trabajando juntas desde hace bastante también. Tenemos una sensibilidad compartida, pero creo que funcionamos como equipo en el momento en el que somos distintas, cuando en esa diferencia buscamos el punto en común y generamos algo más grande. Es importante reconocer la diferencia en los demás y respetarla; vincularte con un otro amplía tu mundo y te ayuda a conocerte más a vos misma. L´O:

L’O: La artista digital Mikeila Borgia dice que para que te vaya bien, para hacer cosas buenas, tenés que cuestionarlo todo y tener autodisciplina. ¿Están de acuerdo? A.L.: Cuestionar todo, poner en crisis las cosas es clave para avanzar. O.S.: La autodisciplina es casi un talento, es el mejor regalo que nos podemos dar para cumplir con lo que queremos. No me refiero solo a un cronograma sino también a nuestros deseos, es tener conciencia de la energía que estás dedicándole a eso. Pero, ¡es tan fácil distraerse!

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¿A la hora de crear contenidos, confían en aferrarse a una idea o dejan que se dé el flow? O.S.: Para que un proyecto fluya necesitás comprender la idea. Si tenés claro ese esqueleto, se puede dejar fluir. Si no, todo podría ser un caos o algo lindo visualmente, pero sin sustancia. Puede tener una forma que se corresponda con las expectativas modernas, pero no va a ser algo significativo. L’O:

L’O: Toda esa creatividad que las recorre, ¿cómo implosiona durante los meses de parate y confinamiento? O.S.: Yo el año pasado me puse a hacer remeras. Tengo una marca de remeras estampadas muy indie. Fue el único espacio en el que me podía expresar y jugar. Diseñar esas estampas fue como un sostén en tiempos de incertidumbre. Me fue muy bien, y ya siento que estoy en vías de construir algo más grande. Se llama @soluzioni_punk, en Instagram. Es un espacio mío, íntimo, no trabajo con nadie más y eso me da libertad. Estoy frente a un lienzo y hago lo que quiero, es el contrapuesto al trabajo en equipo del cine. Tengo las dos configuraciones: hago videos con mucha gente y trabajo muy sola en las remeras. Y eso me gusta, se aprende un montón de ambas experiencias y una le sirve de alimento a la otra. A.L.: Me sirvió para retomar otros proyectos que tenía ganas de hacer y no les había encontrado el tiempo ni el espacio para validarlos. Estuve filmando con Sandra, un colectivo que formamos con amigas de la facultad. Ya hicimos dos cortos con los que nos fue bastante bien, Coronados y Mientras las olas. Esta vez el proceso fue raro y caótico, fue mutando según lo que era posible filmar o no. El trabajo documental me gusta mucho. Me gusta trabajar con lo cotidiano, con lo real, con las situaciones que nos rodean. También me gusta hacer fotos, hoy es una herramienta de la que intento valerme para experimentar cosas más personales.

Como en el cine mainstream y para cerrar esta conversación con un final feliz: lo mejor de la nueva normalidad es… A.L.: Por un lado, nos permite ser más conscientes de las personas y del mundo que nos rodea, estar en presente y ser más concretas con lo que queremos. Profesionalmente es un desafío encontrar nuevas formas de hacer, pensar y armar. Está bueno explorar un poco. O.S.: Ahora estamos en la segunda ola. Hay que ver cómo transformar las restricciones en algo que nos siga manteniendo vivas y creativas. n L’O:


Odile: top bordado y pantalones de cuero, LOEWE VINTAGE Abril: pantalones de terciopelo MENAGE A TROI. Top nude, EVANGELINA BOMPAROLA. ASISTENTE DE ESTILISMO:

Delfina Tulli. MAQUILLAJE: Sofia Rubinstein con productos Chanel. POSPRODUCCION: Reto Studio. Bruzzone, Conde estudios y The movement by Landia.

AGRADECIMIENTOS: Clemente

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ROCCO

& roll

En cuatro años grabó tres discos discos.. El primero cuando todavía estaba en el colegio. colegio. Su fórmula: vocación clara, escuchar sus sueños y hacer que se cumplan.

Cantaba y tocaba la guitarra mientras un reflector colorado iluminaba su traje de flores rojas y azules. Se movía frenético de un lado al otro, como si las piernas estuvieran cargadas de su propia música. Era fin de marzo y la primera vez que se presentaba en la ciudad de Buenos Aires desde la llegada de la pandemia. Estaba sobre el escenario de la sala Pablo Picasso del centro cultural Paseo La Plaza en el lanzamiento de El Gaviota, el tercer disco en su meteórica carrera. Rocco Posca tiene 21 años y a los seis se encontró por primera vez con una guitarra. “Mi vecina tenía padres músicos y un día vi en el piso una Fender Stratocaster roja conectada a un amplificador; me acerqué despacito, la toqué y flasheé ”. De ahí en más comenzó a tomar clases y a los diez años ya formaba bandas de rock. “Se armaban y desarmaban continuamente. Siempre había alguno que no quería seguir. Hasta que dije ´basta´ y me mandé solo”. A los catorce tuvo su primer show en una muestra de arte y a los dieciséis formó un dúo con otro músico y empezaron a tocar en el under. “Eramos menores y tenía que acompañarme mi madre. Le poníamos todo: éramos dos, pero soñábamos como si fuéramos ocho”. Su primer disco llegó a los diecisiete: Niños del Universo, de la mano de Sony Music. “Había repartido mis temas por varias discográficas. Un día estaba en el colegio, me llaman de Sony y me dicen que les encantaron. Ese contrato lo tuvieron que firmar mi mamá y mi papá”, cuenta. En 2018, salió Fervor, su segundo álbum, que grabó con Gordon Raphael, productor estadounidense de músicos y bandas como The Strokes y Regina Spektor. “Me puso ‘me gusta’ en una foto en Facebook. Vi que era músico y me encantó, pero no sabía quién era. Le hablé y le propuse que hiciéramos algo juntos y me dijo que sí. Después me puse a investigar sobre él y no lo podía creer”. El nombre del material

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surgió a partir de la etimología de la palabra, que proviene de los términos fe y hervor. “Había algo de ese fuego interno. ‘Espinas’, que fue el corte del disco, lo empecé a componer una mañana, cuando iba al estudio a grabar, y lo terminé a la noche mientras me bañaba. Fue algo que emergió, que apareció”. El Gaviota salió a la luz en marzo, pero comenzó a producirlo en octubre de 2019. “Fui muy meticuloso: pensamos muy bien cómo queríamos sonar”. Se animó a mezclar el sonido del rock con flamenco, rap, pop y tecno. “Yo tenía muchas canciones que venía componiendo, pero había algo que no me terminaba de causar ese fervor que necesito para hacer las cosas. Entonces cambié el ángulo: puse en loop una base de hip hop y empecé a tocar los temas sobre eso; después hice lo mismo con otros. Me gustó mucho más porque me divertía”. Define su nuevo material como “íntimo”. “Me deja vulnerable en un montón de aspectos. Los temas nacieron de cosas que me estaban pasando”. La canción “Vos y yo” es un ejemplo. Surgió de la vuelta con su novia y productora, Belén Asad. “Cerramos la puerta de casa, la miré y le dije ‘es un idioma diferente, que no habla mucha gente, solo vos y yo’. Todo improvisado. Así pasó con casi todos los temas”. El nombre del disco fue producto de un sueño. “Estaba en un tablao de flamenco, era tipo el 1900, y se me acercan dos señores que me dicen: ´joder, que está todo bien con la música y lo que haces, pero ya no puedes llamarte Rocco, ahora eres El Gaviota. Pensé, ¿por qué no? Sentí que me permitía explorar toda una parte más actoral y performática mía”. Si la situación por la pandemia lo permite, planea visitar algunas ciudades de Argentina y de otros países como Chile y Uruguay. En relación con el desarrollo de su carrera en tan corto tiempo, Rocco explica: “Uno no reconoce cuando crece. Me pasa eso en mi vida en general: hago y no me doy cuenta”. n

Foto:gentileza: Foto GentrilezaBelén BelénAsad. Asad.

Por FEDERICO FERRARI SANCHEZ


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HEAVY metals

No todo lo que brilla es oro. La prueba está en la relojería,, donde el color plateado inspira las esferas y los relojería diales. Desde que el reloj pulsera reemplazó al de bolsillo en el guardarropa masculino a principios del siglo XX, la plata desapareció casi por completo de los catálogos cediendo su lugar al acero inoxidable, el oro blanco (como en Hermès), Hermès), o el platino. Los relojeros también continuaron innovando con nuevos materiales. Para sus “Luminor”, el relojero italiano Panerai desarrolló una nueva aleación con el nombre de Platinumtech Platinumtech,, más fuerte y sólida que el platino regular. Luego de cosechar innumerables elogios en los últimos años, los relojes de acero se encuentran entre los modelos más deseados y hay que armarse de paciencia si se espera adquirir el popular “Odysseus” “Odysseus”,, el primero de su tipo producido por el fabricante alemán A. Lange & Söhne. Söhne. Inicialmente, el acero fue el metal preferido de relojes profesionales como los “Breitling Chronomat”, pero luego conquistó todas las gamas, desde el deportivo chic “Overseas” de Vacheron Constantin a los más refinados de Cartier y Montblanc, y demostró ser tan versátil como hermoso. Fotos JENNIFER LIVINGSTON 68


“Star Legacy Automatic Date 43mm”. MONTBLANC.

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“Chronomat B01 42”, BREITLING.

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“Odysseus” en acero inoxidable con esfera azul. A. LANGE & SÖHNE.

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“Santos Dumont”. CARTIER.

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“Speedmaster Moonwatch Master Chronometer”. OMEGA.

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“Overseas Dual Time” con esfera blanca. VACHERON CONSTANTIN.

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“Carrera Porsche Chronograph Special Edition”. TAG HEUER.

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“Luminor Marina Platinumtech 44mm”. PANERAI.

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MODELOS: Aedan, Nrada

“Arceau L’Heure de la Lune”. HERMES. y Zheng para IMG. Jorge Dorsinville. MAQUILLAJE, PEINADO, MANICURA: Charlotte Day. PRODUCCION: Jenny Friedberg para CREATIVE CHAOS. TECNOLOGÍA DIGITAL: Dallas Raines. RETOQUES: Picture House. ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: Hans Olson. ASISTENTE DE ESTILISMO: Robbie Gutman.

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NOS tenemos

Llorar amuchadas, darnos malos consejos, ser todas para una contra la violencia machista. La hermandad tiene nuevo significado significado:: una forma de amor que construimos juntas. Por MARINA DO PICO Ilustración MARIA REBOREDO

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“La soledad es un concepto anglosajón”. Así comienza un cuento de Lucia Berlin que podría ser una carta de amor a México, una historia sobre el fracaso o lo que brilla al principio y al final: una fábula sobre la hermandad entre mujeres. No es casual que nuestro “encuentro de mujeres” sea una experiencia inédita en el mundo: las latinoamericanas tenemos un talento para crear comunidad. Nos gusta estar juntas, ser ruidosas, hablar interrumpiéndonos, llorar sobre el hombro y ensuciarnos la remera. En el cuento de Berlin, la protagonista y su hermana vuelven a casa: ella, a prepararse para una cita, la hermana, a descansar antes de una sesión de quimioterapia. Al llegar encuentran a sus sobrinas Mercedes y Victoria mirando una telenovela con Belén y Dolores, las dos empleadas domésticas. Entonces, se ponen en bata y se sientan también a ver ese episodio de Los golpes de la vida. La imagen de la hermandad para mí son esas seis mujeres, todas distintas, llorando juntas en una cocina por la telenovela o consolando luego a la protagonista por su cita fallida. Es que con las hermanas se puede ser vulnerable. Hermanas son las que “no piensan que soy una tonta por llorar”. Los últimos años vieron una revalorización de los vínculos entre mujeres en todas sus formas. Series como Girls (2012) contribuyeron a complejizar las amistades y a mostrar sus sutilezas. Por caso, la segunda temporada cierra con la sentencia: “Una amistad entre dos amigas de la facultad es más grandiosa y más dramática que cualquier romance”. Pero, a diferencia de la “predecesora” Sex and the City (1998), una serie con la que suele ser comparada, las amigas de Girls no se la pasan tomando cosmopolitans, felices, en la Quinta Avenida. Se pelean por el alquiler, por el egoísmo de una, el escapismo de la otra, por hablar mal de sus novios, pero, sobre todo, se pelean por ser “malas amigas”. Apenas surge el concepto, gritado como un insulto, una se pregunta: ¿con qué modelo de amistad se están comparando? Justamente, con el modelo que sostienen series como Sex and the City, hitos de una generación previa: amigas que se encuentran religiosamente a compartir un brunch semanal, que siempre atienden el teléfono, que saben exactamente qué decir, que parecen disponer de un tiempo ilimitado una para la otra. O sea, amigas perfectas. Girls tiró abajo un ideal de amistad que, como muchos otros, termina, siendo una exigencia aplastante para las mujeres. La hermandad de Girls es antiglamorosa y precisamente por eso es más conmovedora. Lo que la serie subraya es que ninguna sabe cómo ser una hermana porque nadie nos enseñó: estamos aprendiendo juntas. Poco a poco, el mundo audiovisual fue evolucionando para mostrar arcos dramáticos que priorizan la relación entre mujeres y la vuelven el centro de la narración. Este es el caso de Frances Ha (2012), que apunta a la amistad pasional y dramática de dos universitarias neoyorkinas. Lady Bird (2017) presenta el clásico arco de un coming-of-age excepto porque, tras una iniciación al amor romántico doblemente fallida, la protagonista encuentra más sentido, complejidad y realización en los vínculos con su mejor amiga y con su madre. La miniserie Big Little Lies (2017) es el epítome de este fenómeno: producida, dirigida y protagonizada por mujeres, la historia es básicamente una lección en sororidad. Además, al estar ambientada en un suburbio de clase alta, cuestiona la idea de que aquellos “civilizados” rincones del primer mundo son inmunes a la violencia machista. Dicho esto, universalizar la experiencia “femenina” haciendo caso omiso de la clase, la raza o la orientación sexual es un grave error de concepto. Ya lo viene diciendo el feminismo interseccional desde los noventa: pensarnos como hermanas también implica reconocer nuestras diferencias. Hermanar no es igualar y la diversidad es un poder si se lo sabe aprovechar. En definitiva, uno de los rasgos más valiosos y conmovedores que tiene la hermandad femenina es su expansividad, diversidad y espíritu inclusivo. Cada año, el histórico Encuentro Nacional 80

“UNO DE LOS rasgos MAS VALIOSOS Y conmovedores QUE TIENE LA HERMANDAD FEMENINA ES SU expansividad expansividad,, DIVERSIDAD Y espirítu inclusivo inclusivo”.”. de Mujeres (ENM) se ensancha para incluir nuevas identidades. Hoy ha sido renombrado como Encuentro Plurinacional de Mujeres, Lesbianas, Travestis y Trans. Somos una familia grande y poderosa que no para de crecer: el primer encuentro en 1986 contó con mil asistentes, mientras que al último (2019) fueron aproximadamente 200 000 mujeres y disidencias. La exclusión y la violencia de género son experiencias que nos unen, nos llenan de ira y nos motorizan. Las instituciones nos defraudan, así que el refugio, por ahora, somos nosotras mismas: “Me cuidan mis amigas” es una frase que resonó mucho en los últimos meses. Esta vez fue por Ursula Bahillo, pero se trata de un flagelo cotidiano: cada femicidio es como una herida que vuelve a abrirse y nunca termina de cerrar. En un duelo colectivo incesante, nos organizamos, marchamos, creamos comisiones de ayuda, damos charlas y talleres, nos instruimos y seguimos luchando. No conocemos a Ursula, pero es una hermana. Su asesinato es un atentado que tomamos de forma personal. “Si no vuelvo, rompan todo”, es otra de las frases que repetimos. La ópera prima de la directora Emerald Fennell, Promising Young Woman (2020), lleva esta máxima a sus últimas consecuencias. Cassie Thomas, la protagonista, ingenia una sofisticada vendetta por la muerte de su mejor amiga, víctima de una violación en el campus de la universidad a la que asistían. A pesar de los numerosos pedidos de su entorno de que abandone el tema, Cassie está totalmente decidida a poner su cuerpo y su vida al servicio de una misión abnegada: hacer justicia por esa “joven prometedora” que nadie más parece valorar. El dolor y el afecto nos mueven más allá de la sangre y el parentesco. Una hermana es un vínculo afectivo. Es la misma lógica que nos lleva a incluir a las mujeres trans como parte del colectivo: no nos aliamos con otras mujeres por el hecho de tener los mismos órganos reproductivos; lo que compartimos es mucho más profundo y trascendente. Compartimos la otredad, el desamparo, un sentido de la justicia, el deseo de conquistar derechos y ganar espacios que todavía nos son vedados, compartimos las noches de vigilia en el Congreso, la lucha y el compromiso, pero también el baile y la alegría cuando los esfuerzos rinden fruto. Aún nos queda mucho camino por recorrer, pero tenernos ya es una batalla ganada. n


2021 J U N IO

MAYO 2 0/0 5

0 3/0 6

17/0 6

AG OSTO

J U LIO 0 6/07

2 7/07

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24/0 8

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EVENTOS 2021

EVENTOS 2021

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O C TU B R E

S E P TIE M B R E 0 2/0 9

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N OVIE M B R E

D IC IE M B R E 1 8/ 1 1

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Ensambladas

Belén Chavanne y Aixa Campos se conocieron hace catorce años y se sienten familia familia.. “Cuando estamos juntas es como estar de vacaciones”. vacacione s”. Fotos ALEJO PICHOT Estilismo SILVANA GROSSO

Belén: suéter cuello tortuga y pantalones, MAX MARA. Corsé, BOLAZO. Aixa: campera de seda, MAX MARA. Jeans, MISHKA. Cinturón, CHANEL. Colgante, HERMES.

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“LA AMISTAD ES el espacio DONDE UNA PUEDE MOSTRARSE sin editarse”. editarse ”. — Belén Chavanne

ESTA PAGINA: top

abotonado, SALVATORE FERRAGAMO. Minifalda, BOLAZO. GOROF.

PAGINA OPUESTA: minivestido, MARIA

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Por ROMINA ZANELLATO

“Catorce años atrás en Nueva York”, así comienza esta historia de amistad. Aixa Campos estaba estudiando dirección de cine cuando, de la nada, le llegó un mensaje por Facebook invitándola a una fiesta en el Barrio Chino. Era Belén Chavanne, que estaba en la ciudad por unos días y había escuchado hablar muy bien de ella, así que le escribió, “de lanzada”, siguiendo una intuición. Habrá sido la magia del momento o el destino ya estaba escrito, pero en esa salida sellaron una amistad que muy rápidamente se transformó en hermandad; se convirtieron en familia. “Fuimos de cero a cien en un instante”, recuerda ahora Belén. La escena era de película, como todo lo que sucede en esa ciudad. Las ahora modelos fueron a una fiesta tan original, tan loca, que no recuerdan mucho. “La gente se prendía fuego, era rarísimo”, cuenta Aixa, pero lo importante de la anécdota no estaba ahí, en la excentricidad neoyorkina, sino en que estas dos chicas se fueron a la vereda, se sentaron en el cordón y ahí, charlando (o “hangueando”, como dice Aixa), se forjó un vínculo central en sus vidas. No pasó mucho, creen que fue a la cuarta vez que se vieron, que decidieron viajar juntas de vacaciones. “Fue muy intuitiva nuestra relación”, dice Aixa. En el transcurso de catorce años de amistad, hubo épocas en que se vieron más que en otras, pero el vínculo es cotidiano. No se cruzaron en ninguna producción, pero tienen planes y comparten las ideas y el entusiasmo cada vez que hablan de futuros proyectos en conjunto. Las dos trabajan pensando contenidos creativos y nuevas formas de narrar historias. También son dos it girls que los medios adoran. Belén, además, es actriz. Una de las primeras apariciones en la tele fue en Casi ángeles y participó en la película El ciudadano ilustre y en la serie Monzón (las dos últimas se pueden ver en Netflix). “Nos potenciamos un montón y tenemos muy poca capacidad de autoengaño si la otra está presente. Eso es algo muy especial”, suma Belén. Entre ellas se dicen “enana”, porque ninguna de las dos tiene la estatura de la “manequin lunga”, que brillaba en las pasarelas de los 90. La belleza de su vínculo está en la elección cotidiana, la transparencia y la familiaridad.

PAGINA OPUESTA: Belén: viso, VALENTINA KARNOUBI. Jeans anchos, EVANGELINA BOMPAROLA. Botas, LORENA PAFUNDI. Aixa: camisa oversize, ZITO. Botas, LORENA PAFUNDI.

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“NO QUIERO DECIR UNA obviedad obviedad,, PERO ELLA ES LA familia QUE ELEGI”. — Aixa Campos

ESTA PAGINA:

campera crop de seda, MAX MARA. Jeans, MISHKA. Cinturón, CHANEL. PAGINA OPUESTA: minivestido, ZITO.

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Cuando una habla de la otra, ambas sonríen; se sienten orgullosas de su vínculo. “Estar con Aixa es como estar siempre de vacaciones”, dice Belén, y se ríe por la frase que le salió festiva, sincera y un poco cliché. Aixa confirma: “no quiero decir una obviedad, pero ella es la familia que elegí”. El contacto con la naturaleza es primordial para ambas. Aixa hace equitación y su caballo, así como su perro, son fundamentales en su vida. Belén también siente lo mismo por su mascota, pero lo extiende a todas las especies: “Los animales y los humanos no somos tan distintos. A las personas hay que conocerlas, testearlas antes de confiar, en cambio con los animales es instintivo, somos hermanos”. La conversación sobre nuevas formas de vincularse con ellos parece aceitada, posiciones claras y sin eufemismos. “Tenemos que cuestionar nuestros hábitos y consumos”, dicen las dos en relación con la carne y demás alimentos de origen animal. Las coincidencias se siguen multiplicando. En lo que respecta a los movimientos de mujeres, el tema está en ellas y lo dialogan de manera frecuente. No son ajenas a lo que se vivió en las calles desde el 2015 con Ni una menos, y fue Belén la que llevó a Aixa a su primera marcha. Acercar a una amiga a algo que le va a cambiar la forma de ver las cosas puede ser arriesgado, pero ellas fortalecieron aún más la relación. Aixa admite: “Aprendo mucho de ella”. “La amistad es el espacio en el que me formo y practico lo que necesito para interactuar con el mundo”, plantea Belén. Algo así como un campo donde ejercitar la empatía, la tolerancia y la paciencia, un espacio para ser franca y construir una mejor versión de sí mismas o, como dice ella: “el espacio donde una puede mostrarse sin editarse”. Estas chicas están atentas la una a la otra. Desde la vereda del Barrio Chino de Nueva York al “hangueo”, edificaron las bases de un vínculo de hermanas, que parece incondicional. En un ámbito laboral competitivo y en apariencia hostil, el impulso que tomó Belén para escribirle aquella vez hace catorce años es celebrado y honrado con las palabras, las sonrisas y los cuidados que se mantienen en el tiempo. Sin darse por sentado, cada una relata a la otra con la generosidad propia del tesoro que se elige y se lleva en el corazón. n

Belén: capa HERMES. Medias fantasía, MORA. Collar y aros, ROMERO. Aixa: blusa plisada, HERMES. Cuello de esmoquin, MS. Colgante, HERMES. Medias fantasía, MORA. MAQUILLAJE Y PEINADOO: Sofia Rubinstein con productos CHANEL BEAUTY. ASISTENTE DE ESTILISMO Delfina Tulli. POSPRODUCCION: Reto Studio.

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Reciclados La modelo francesa Ivanka Smilenko fue la cara de la campaña Twilly de Hermès, L’Interdit de Givenchy Givenchy,, los diseños de Vivienne Westwood y recientemente caminó por la pasarela de Chanel en su última colección Métiers d’art. En esta producción de moda moda,, posa con prendas de temporada y las piezas vintage más bonitas de su madre. Fotos RAUL RUZ Estilismo VANESSA BELLUGEON

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Chaqueta bordada con hilos, colección 1984, YSL RIVE GAUCHE en ANOUSHKA PARIS. Blusa de poliéster, PATOU. Jeans, HED MAYNER en ANOUSHKA PARIS. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Medias de lana y cachemira, FALKE. Zapatos en satén y cristales, MANOLO BLAHNIK.

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y pantalones en jersey elástico, collar, GIVENCHY. Cinturón y mocasines, CELINE BY HEDI SLIMANE. Bolso “Kelly”, HERMES VINTAGE. vestido de gabardina, falda de mohair, cuello alto de viscosa y zapatos, PRADA. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Pendientes, GIVENCHY.

ESTA PAGINA: body PAGINA OPUESTA:

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chaqueta sin mangas en tweed de algodón y minibolso, CHANEL. Polo de algodón, RALPH LAUREN. Jeans, HED MAYNER EN ANOUSHKA PARIS. Brazalete y anillo, ARISTOCRAZY. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Escarpines, PRADA. PAGINA OPUESTA: chaqueta entallada de lana virgen, blusa de poliéster y pantalones de lana virgen, PATOU. Pendientes, GIVENCHY. Medias, CALZEDONIA. Sandalias de piel, VERSACE. ESTA PAGINA:

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PASSARO. Blusa con mangas de seda, bermudas y malla, MAX MARA. Bolso “Maillon Triomphe”, CELINE BY HEDI SLIMANE. Hebilla de metal esmaltado, VERSACE. Gafas de sol, PERSOL. Sandalias de lino, ACNE STUDIOS. PAGINA OPUESTA: chaleco, falda y top bordado, MIU MIU. Medias, NICOLAS MESSINA. Cinta de terciopelo, MOKUBA. Bolso de piel, VERSACE. PEINADO: Leslie Thibaud. MAQUILLAJE: Sergio Corvacho. ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Romain Hirtz. ASISTENTE DE ESTILISMO: Kenzia Bengel de Vaulx.

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Traducción: Dolores Caviglia.

ESTA PAGINA: trench, STEVEN


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CON EL

espíritu DE LOS 90

Estilo despojado, actitud minimalista, impronta raver… En las colecciones primavera-verano 2021 flota un aire retro.

Las colecciones primavera-verano 2021 presentadas en octubre pasado nos sumergieron en una nostalgia oportuna y reconfortante. Una vuelta a los años noventa, cuando la despreocupación, arrullada por un espíritu rebelde que sonaba a rock y música electrónica, se reflejaba en los guardarropas. El puntapié inicial lo dio la primera colección imaginada en dúo por Raf Simons y Miuccia Prada para la maison de Milán: minivestidos rectos en rosa pálido o amarillo muy claro, conjunto de camisa y pantalones negros realzado con drapeado y tiras, delicados juegos de superposición y volumen, pulóveres de punto livianos de corte refinado, regreso del logo al primer plano… Yendo aún más lejos, el dúo rescató de los archivos una serie de estampados estilo

sixties pop, vistos por primera vez en la colección otoño-invierno 1996 de Prada y reinterpretados aquí sobre grandes faldas plisadas combinadas con buzos con capucha. Después vinieron las prendas de corte simple, algunas de colores eléctricos, otras de tonos sobrios, firmadas por Daniel Lee en Bottega Venetta, los polos con cierre combinados con pantalones holgados de Coperni calzados a la cadera, los elegantes trajes negros con corpiños de cuero y maquillaje “cara lavada” de Hermès y hasta un montón de vestiditos de breteles finos, que recuerdan la mejor época de Kate Moss, Paco Rabanne, Jil Sander, N°21 o Gabriela Hearst. Junto con todas estas referencias de diseño, el espíritu rave party, tan caro a los agitados nineties, siempre está presen-

Imágenes de la muestra An Intervention by Helmut Lang. Helmut Lang Archive, en el MAK (Museo de Artes Aplicadas) de Viena, hasta enero de 2022.

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Fotos: HL-ART.

Por MAUD GABRIELSON


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decisión de la maison Bottega Venetta de retirarse de las redes sociales también se inscribe en esta radicalización. “Puede ser vista como un rechazo al exceso de información, como una búsqueda de sosiego”, dice por su parte Eric Briones. No es de extrañar que los diseñadores de hoy, muchos de los cuales crecieron en los años noventa, se reapropien de este periodo que los marcó en su construcción. Matthew Williams, de treinta y cinco años, director artístico de Givenchy, creció en California, donde frecuentaba los skateparks y el circuito de DJ. En una entrevista concedida al diario francés Le Figaro en octubre pasado, retomaba la definición de lujo de Martin Margiela, otra gran figura de la moda de los noventa: “Calidad, comodidad y atemporalidad”, a la que agregaba la noción de “ecoresponsabilidad”, término apreciado por las nuevas generaciones. Para Leyla Néri –directora de la maestría en Fashion Design and the Arts de la escuela de moda Parsons de París– los estudiantes actuales están especialmente interesados por la moda de los años noventa. “Hace una década, no les interesaba. Hoy, en cambio, hacen muchas preguntas sobre el trabajo de Helmut Lang o el de Raf Simons. Para ellos son verdaderas referencias, los ven como diseñadores icónicos, y adhieren en especial a la visión de Lang de no crear colecciones sino guardarropas. El tenía esa voluntad de hacer vestimenta para personas reales y que les sirviera en la vida real. Es por eso que su trabajo tiene una dimensión utilitaria. Además, el minimalismo no tiene género, y eso resuena particularmente en las preocupaciones de nuestros estudiantes”. El legado de diseñadores como Helmut Lang inspira vocaciones y también despierta pasiones. Es el caso del neoyorquino David Casavant, estilista de treinta años, que a lo largo del tiempo reunió una colección de prendas de Lang que haría palidecer a sus más fervientes admiradores. “Actualmente tengo varios miles de piezas, mi departamento está casi repleto –se divierte–. Comencé cuando era adolescente, por eBay. Su estética minimalista encaja con mi personalidad más bien discreta. Estoy a la caza de las prendas que me faltan para reconstruir las colecciones completas, temporada tras temporada. Creo que este resurgimiento del interés por la época y en particular por sus diseñadores se potencia con Internet: hoy es mucho más fácil encontrar online las fotos de las colecciones”. Y el interés no afloja: Casavant revela que vive, en parte, gracias al alquiler de piezas de su colección para eventos privados, rodajes de cine o simplemente para ser usadas en la vida real… tal como las imaginó Helmut Lang. n De arriba hacia abajo y de izquierda a derecha. Colecciones primavera-verano 2021: Bottega Veneta, Hermès, Jil Sander, Paco Rabanne y Prada.

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Traducción: Irene Amuchástegui. Fotos: Filippo Fior, derechos reservados.

te. La primera colección del estadounidense Matthew Williams para Givenchy es el reflejo perfecto. Si a primera vista la apariencia es decididamente sobria –impecables trajes beige, vestiditos ceñidos o vestidos de espalda desnuda con escote fatal–, la irreverencia reside en las pesadas cadenas enroscadas al cuello y a las manijas de las carteras, en los tops de tul transparente combinados con short negro remangado, en las piezas de cuero craquelé, en las sofisticadas zapatillas de básquet y los zapatos con tachas… Un repertorio que no deja de recordar a Helmut Lang, el diseñador austríaco que fue faro de los años ochenta y noventa, retirado de las pasarelas en 2005. Un visionario que a lo largo de toda su carrera anticipó en sus colecciones las grandes tendencias sociales: la preponderancia de la androginia, el alza de las prendas de inspiración deportiva, el boom de los textiles técnicos y la mezcla de materiales. Hoy volcado al arte, cultiva el bajo perfil, pero firmó una colaboración con la maison Saint Laurent para una serie de esculturas en noviembre pasado. Para Eric Briones, autor del libro Luxe et résiliences: les clés pour rebondir face aux crises [Lujo y resiliencia: claves para resurgir de las crisis], este nuevo interés por la estética de los años noventa no es ninguna sorpresa: “Podría decirse que estaba escrito. En épocas de crisis económica, sanitaria o política, como la que atravesamos hoy, se registra un regreso muy marcado a la austeridad. Como respuesta mesurada a la locura del mundo. La crisis de 1929 vio el trabajo de Coco Chanel inclinarse hacia el negro, la libertad de movimiento, la vestimenta aligerada… El reencuentro actual con el diseño de la década de 1990 se inscribe perfectamente en un rechazo a la opulencia, un deseo de volver a lo esencial, a lo importante”. Así, los colores se vuelven más discretos, los cortes más prácticos y utilitarios, las prendas más atemporales. Opinión que comparte Serge Carreira, profesor en Ciencias Políticas y especialista en estudios de la moda y el lujo: “Las crisis engendran búsquedas esencialistas y deseos de sobriedad. También en la vestimenta, que privilegia la comodidad de géneros y cortes, por ejemplo. El minimalismo responde perfectamente al momento de incertidumbre que vivimos”. Y encontrar en las colecciones actuales referencias a las raves clandestinas no es un dato menor: “Eso expresa de un modo radicalizado la búsqueda de alternativas frente a la abundancia. Indirectamente, evoca un rechazo a la superficialidad. Además, los ravers tienen un vínculo particular con el cuerpo a través de la danza. De modo que la vestimenta puede facilitar una reapropiación del cuerpo”, agrega el experto. La reciente


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Loli MOLINA

Tamara TENENBAUM La cantautora y la escritora comparten la sensibilidad que nutre sus oficios. “Somos chicas de esta época”, dicen.

Fotos GERMAN ROMANI Estilismo JORGE LEON

Tamara: blusa, DE ARRIETA. Jeans, ETIQUETA NEGRA. Ballerinas, MISHKA. Pendiente, JULIO TOLEDO. Loli: blusa, ZECHEZ. Jardinero, LULU MARTINS . Pechera, JULIO TOLEDO.

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“SU VOZ de duende NO SE PARECE A NADA. Admiro mucho A LA GENTE QUE COMO LOLI ARMA una obra, obra, QUE TIENE un respeto POR LO QUE ESTA construyendo:: construyendo UNA POETICA, un universo DISTINTO”. — Tamara Tenenbaum

Loli: blusa, MILA KARTEI. Falda, LULU MARTINS. Pendiente, JULIO TOLEDO. Medias, MORA. Escarpines, MISHKA.

Por JOSE HEINZ Loli Molina y Tamara Tenenbaum tienen una anécdota para contar por el resto de sus vidas. Si en algún momento esto de los barbijos y la distancia social se transforma en un recuerdo, ellas podrán decir que lo último que hicieron antes de la llegada de la pandemia fue compartir un almuerzo. Fue un mediodía de mediados de marzo de 2020, en un restaurant de Palermo y con sus smartphones enviándoles notificaciones muy desalentadoras: sus fechas –shows, charlas o reuniones– empezaban a ser canceladas a raíz de la cuarentena. Aquel día, Loli pidió lasagna de polenta y Tamara probó por última vez un plato que le encantaba, el Gracias Paraguay, que entre sus varios ingredientes lleva arroz yamaní, porotos aduki, chipá guazú y pico de gallo con palta. Meses después, cuando las cosas empezaron a flexibilizarse un poco, ya no formaba parte del menú del local. “Eso es algo muy porteño, ¿no? Quejarte porque te sacan tu plato preferido”, dice Tenenbaum, como restándole importancia, una observación sutil que mezcla la lectura social con el humor de una sitcom. Aunque en ese momento ya eran buenas amigas, se habían conocido unos pocos meses antes, una noche en la que ambas participaban de una lectura. “Contale cómo nos conocimos en Venecia”, bromea ahora Loli, para dar cuenta de que en aquel encuentro hubo una especie de flechazo inmediato. Y entonces sí, cuentan que se conocieron en el Club Cultural Matienzo, en noviembre de 2019, en una fecha en la que Loli tocaba y Tamara leía. La artista multidisciplinaria y gestora cultural Maia Tarcic las presentó. “Nos sugirió que nos sentáramos juntas, así que comimos pizzas y tuvimos una conexión instantánea. Yo conocía a Tam por sus libros, también la seguía en Twitter”, dice Molina. Tamara redondea: “Para mí eso es algo muy lindo. Yo reconocía su música, pero nos cruzamos en ese evento y a partir de ahí empezamos a chatear. Hacía años que no me pasaba eso, conocer a alguien en la vida real antes que en Internet”. Cuando se les pregunta qué es lo que más le gusta a una de la otra –digamos, qué le gusta a Tamara de la música de Loli y qué le gusta a Loli de la escritura de Tamara–, ninguna de las dos ahorra elogios. “Lo primero que escuché de ella, hace varios años, fueron sus covers. Y ahí ya me impactó su maestría en la guitarra, porque no es algo tan común, tiene un gran dominio del instrumento”, comienza Tenenbaum. 107


Después agrega: “Su voz de duende no se parece a nada. Admiro mucho a la gente que como Loli arma una obra, que tiene un respeto por lo que está construyendo: una poética, un universo distinto. Todo eso está en su música y en sus letras. No sé si es una cuestión generacional, pero a mí me gusta escuchar discos enteros. No armo listas random…escuchar es otra cosa, ni uso auriculares porque para mí la música es como leer un libro: una actividad exclusiva”. Y finaliza con otra observación precisa de la música de Loli: “Ella trabaja con un concepto, sobre todo en su último álbum. Son canciones ambiciosas, en las que nunca te encontrás con algo obvio. Eso me seduce, son texturas poéticas que no necesariamente escuchás cuando prendés la radio. Admiro y valoro a las mujeres ambiciosas”. Cuando le llega su turno, Loli se explaya: “A mí me encanta el hecho de que hay muchas ‘Tams’. Está la de Twitter, que es valiente y aguda, es una persona que dice cosas, y a mí me gusta mucho esa faceta. Después está la de los cuentos, inteligente y poética. Y está la ‘modo ensayo’, que me encanta, porque es ensayo con mucho de ella, y eso me parece supervaliente. Hay muchas personas con recursos al momento de escribir, pero eso no implica volcarse con valentía. Tam lo consigue, tiene una manera muy contundente de decir las cosas”. En el año en que se conocieron, 2019, ambas publicaron trabajos importantes para sus carreras, obras consagratorias cuyos títulos se parecen a nombres de canciones de Joni Mitchell: Lo azul sobre mí, un álbum de profunda delicadeza grabado con guitarra española y un cuarteto de cuerdas, y El fin del amor, un ensayo feminista que plantea una nueva manera de pensar las relaciones. Cada uno siembra una declaración de la forma en que Molina y Tenenbaum comprenden los sentimientos de estos tiempos. Y a su manera, tienen varios puntos en común, como si el libro pudiera consumirse como un disco y el disco, como un libro. “Puede ser, se consumen así”, dice Tamara. “En mi libro hay pasajes más hiteros, me doy cuenta porque las chicas los subrayan y los comparten en sus stories”. Después añade: “Como si formaras una comunidad. En la música se toca en vivo y hay algo que necesitás del amor que está del otro lado. Fue lo que más sufrieron en pandemia mis amigos músicos, más allá de lo económico: el cuerpo vivo frente a vos. Lo entiendo, la gente sigue tu obra”. “Es una cuestión de resonancia o de inconsciente colectivo”, agrega Loli. “Hay muchas mujeres creadoras haciendo cosas muy personales, poniéndonos en el mundo de una manera muy franca, muy de esta época. Y nosotras somos chicas de esta época, tenemos la misma edad, somos de la misma ciudad, y de alguna manera eso habla de lo que hacemos”. n 108

“HAY MUCHAS PERSONAS con recursos AL MOMENTO DE escribir,, PERO escribir ESO no implica VOLCARSE CON valentía.. TAM valentía LO CONSIGUE, TIENE UNA MANERA muy contundente DE DECIR LAS COSAS”. — Loli Molina

Tamara: blusa y pantalones de cuero, EVANGELINA BOMPAROLA. Pendiente, JULIO TOLEDO. Solari. PEINADO: Igna Mora para Estudio Olivera con productos Schwarzkopf Professional. MAQUILLAJE: Bárbara para Estudio Oivera. POSPRODUCCION: Reto Studio. Agradecemos al personal de Grupo Mass por su colaboración en esta nota.

ESTILISTA JUNIOR: Luchi


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grafismos

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Fotos IVAN RESNIK Estilismo DELFINA TULLI

denim, RAPSODIA. Jeans oversize, COMPLOT. de sol, VULK. Canguro, COMPLOT. Trench, JAZMIN CHEBAR.

PAGINA OPUESTA: chaqueta ESTA PAGINA: gafas

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Campera, FURZAI. Kimono, RAPSODIA. Zapatillas “Stan Smith”, ADIDAS ORIGINALS.

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Crop top con cierre y vestido de seda, JAZMIN CHEBAR. Zapatillas “Stan Smith”, ADIDAS ORIGINALS. Pendientes, FAHOMA.

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PAGINA OPUESTA: carré

de seda, SCARF ME. Abrigo, LACOSTE. Jeans oversize, COMPLOT. Botas, LORENA PAFUNDI Pendientes, FAHOMA. ESTA PAGINA: anillos, FAHOMA Zapatilla “Stan Smith”, ADIDAS ORIGINALS.

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PAGINA OPUESTA: blusa, FURZAI. Chaqueta

denim, COMPLOT. Pantalones, TRAMANDO. Zapatillas “Stan Smith”, ADIDAS ORIGINALS. Pulseras, FAHOMA. ESTA PAGINA: camiseta, ADIDAS. Pendiente, CELINE.

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PAGINA OPUESTA: buzo

canguro, COMPLOT. Trench, JAZMIN CHEBAR. Pantalones cigarette, MISHKA. Botas, LORENA PAFUNDI. Gafas de sol, VULK. ESTA PAGINA: vestido, GUSTAVO CADILE. Suéter, LACOSTE Medias, MORA. Zapatos, MISHKA.

MAQUILLAJE Y PEINADO: Maia ASISTENTE DE FOTOGRAFIA: Demian

Rohrer con productos Chanel. MANICURA: Jennifer Franco Paz con Productos OPI @arteenuniasjenfranco Scalona. ASISTENTE DE ESTILISMO: Belén Fernández Rincón. MODELO: Agostina Martínez para Sof Models. POSPRODUCCION: Federico Miquel.

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CREAR EN

Tecnicolor

Hizo un arcoíris de la fusión entre Oriente y Occidente. La diseñadora India Mahdavi siembra su talento a través del mundo y, con él, un modo de entender la felicidad.

Por MAUD GABRIELSON Fotos FLORE CHENAUX 122


India Mahdavi en su Project Room, en el 29 de la calle de Bellechasse, en el marco de la Paris Design Week.

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Sobre fondo “Hoja de Otoño”, cortina “Pendeloques” creada y realizada por la dupla de diseñadores textiles Les Crafties; mesa creada en colaboración con el artista ceramista Maximilien Pellet y sillones de mimbre “Nalgona” del diseñador estadounidense Chris Wolston. “Suspension Clover” en cristal de Murano soplado, firmado por India Mahdavi y producido por Wonderglass. Piezas únicas o de edición limitada.

Por MAUD GABRIELSON

Directora de orquesta. De algún modo, es así como India Mahdavi vivió la cuarentena en 2020. “Hay que decir que fue un período muy extraño. La oficina se vació de golpe y comenzamos a comunicarnos, como todo el mundo, a través de pantallas. Algunos proyectos quedaron en suspenso, pero otros pudieron seguir a pesar de la ansiedad ambiente, y me pareció interesante poder condensar el trabajo de todo el estudio en un pequeño número de proyectos. La creación nos ayudó a llenar el vacío y afrontar la incertidumbre”. Arquitecta, ambientadora, editora de mobiliario, escenógrafa… India Mahdavi tiene múltiples roles y los cumple todos con el aplomo y el virtuosismo de una directora de orquesta cuyas melodías musicalizan el mundo del diseño desde hace cerca de veinte años. Formada en arquitectura en París, partió luego a Nueva York para estudiar diseño industrial en la Cooper Union. En paralelo, ingresó a la célebre Parsons School of Design de New York para aprender diseño de mobiliario. Colaboró con el ambientador parisino Christian Liaigre a comienzos de la década de 1990, antes de establecer su propio estudio de diseño en 2000, en el corazón del séptimo distrito parisino. De chica quería ser directora de cine. “De algún modo lo soy, un poco. A través de cada proyecto cuento una historia, pongo en escena un universo”, dice. Cuando imagina lugares públicos –el hotel Le Cloître en Arles o el Townhouse de Miami, los espacios Ladurée de Tokio y Los Angeles, o las tiendas Red Valentino o Tod’s de Londres– tanto como cuando diseña casas particulares, India Mahdavi se concentra en quienes van a transitarlos. Para ella, las residencias privadas son retratos de sus habitantes. ¿Su sello? El gusto asumido por los colores puros y vivos, que no duda en contrastar. “No le temo al color”, dice. Nacida en Irán a comienzos de los años sesenta, de padre iraní y madre egipcia, partió con sus padres, hermanos y hermanas a los Estados Unidos, donde su padre, académico, se doctoró en Harvard. Así, la familia se estableció algunos años en Cambridge, Massachusetts, antes de mudarse a Heidelberg, Alemania, por un año, y finalmente instalarse en el Sur de Francia, en Vence. Mudanzas sucesivas que la obligaron a adaptarse rápidamente. “No era frecuente viajar tanto en esa época, venir de afuera. Yo era siempre la chica diferente, la que hablaba otros idiomas. Creo que eso desarrolló mi capacidad de adaptación. Soy camaleónica”. Los viajes la abrieron al mundo y su diversidad. “Creo que mi atracción por el color viene de ahí. Mis recuerdos de los Estados Unidos son en tecnicolor, mientras que de Alemania me quedó el blanco y negro, algo muy estructurado. Pero también hay gran parte de memoria inconsciente, de aquello que pudieron haberme contado o imágenes que vi en libros. Mi padre me hablaba mucho de Irán, de su país, y cuando fui, años más tarde, sentí una especie de familiaridad con el lugar. Vuelvo a ver 124

Mesa “Mi amigo Bugs”, de la serie Los héroes de mi infancia, en marquetería de paja, realizada por Ateliers Lison de Caunes.

las mezquitas con todas esas cerámicas de motivos geométricos, esos colores sublimes. Creo que involuntariamente integré todo eso y está reescrito en mi trabajo”. El uso del color se convirtió en una expresión cabal. El ejemplo más elocuente, sin duda, es el restaurante The Gallery at Sketch, en Londres, que reinventó en 2014 como una explosión de rosa. “Llegué a un espacio cúbico, monumental. El rosa se impuso de inmediato porque quería un contraste con ese


Showroon de la calle Las Cases 3. Canapé “Œdipe” en lino azafrán; sillones “Charlotte” en terciopelo; mesa “Flower” en laca; taburete “Bishop” en ratán; alfombra “Jardín del Edén” producida por Golran y empapelado “Chez Nina” para Gournay. Conjunto creado y producido por India Mahdavi.

Traducción Irene AmuchAstegui.

“YO ERA SIEMPRE LA CHICA diferente, LA QUE HABLABA OTROS IDIOMAS. CREO QUE ESO DESARROLLO MI capacidad DE ADAPTACION. SOY CAMALEONICA”. volumen monumental y con las obras provocadoras de David Shrigley. En ese restaurante moderno estábamos, de paso, resignificando el rosa: lo actualizamos, le dimos fuerza. De pronto, se convirtió en un color por derecho propio, todo el mundo lo utiliza desde entonces, tanto en la moda como en la ambientación”. India Mahdavi también lanzó su propia línea de colores el año pasado, en alianza con el taller de diseño de pinturas y empapelados Mériguet-Carrère. “Cuando co-

mencé en el oficio, los colores se trabajaban con los pintores, que llegaban a la obra con sus tonos, y fabricábamos nuestras propias mezclas. Hoy el sector se desarrolló mucho, pero imaginar esta línea de colores, vivos e intensos, me encantó. Hay cincuenta y dos diferentes, como en un mazo de cartas. Para mí son una nueva herramienta de trabajo”. Se def ine como políglota y polícroma, pero conf iesa cierta inclinación por la estética francesa. “Simetría, orden, narración: hay una grandeza en los franceses que aprendí al lado de Christian Liaigre (que acaba de morir y a quien rindo homenaje porque de él aprendí todo). También hay en Francia un verdadero amor por los materiales y por el oficio”. India Mahdavi lo celebra trabajando en estrecha colaboración con numerosos artistas y artesanos franceses. “Es una riqueza increíble. Hace poco empecé a trabajar con los esmaltes de Longwy, por ejemplo, una colaboración que se plasmó en la unión de mi icónico taburete “Bishop” con sus motivos históricos. De ese encuentro nacieron ediciones limitadas que adquieren una dimensión totalmente distinta, a la vez moderna y de una autenticidad poco frecuente”. No le escapa a ninguna experiencia, no le teme a ninguna audacia, se prestó recientemente al juego del prêt-à-porter, imaginando una línea para la cadena Monoprix: “Siempre me gustó trabajar textiles, y esta fue una nueva manera de abordarlos. Además, fue una tarea conjunta con un taller de confección solidario en India, destinado a mejorar la vida cotidiana de las mujeres”. Y siguiendo con los proyectos, a principios de 2020 inauguró su Project Room, nuevo espacio de exposición parisino: “un lugar de libre expresión que presentará instalaciones, piezas únicas, conferencias o performances al capricho de los encuentros. Es mi carta blanca”. Un espacio de libertad que vivirá sin duda al ritmo de los colores. n 125


Traje de lana fría, ZITO. Suéter cuello Perkins, CALANDRA. Anillos, PAOGI.

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Monocromías Fotos MILOS NASIO Estilismo MATIAS CARBONE

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Trench y tul, CARZOGLIO. Polera punto inglés, JAZMIN CHEBAR.

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Suéter morley, ETIQUETA NEGRA. Pantalones sastre, CARZOGLIO. Pendientes y brazalete, FAHOMA. Anillos, PAOGI.

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ESTA PAGINA: spolverino, ZITO. Piluso PAGINA OPUESTA: chaleco

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de algodón encerado, AYNIÉ. y pantalones, CARBONE. Mocasines, ELIO IANTORNO.


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ESTA PAGINA: camisa

y pantalones de tweed, CARZOGLIO. Tapado 3/4 de lana, FURZAI. Mocasines, ELIO IANTORNO. PAGINA OPUESTA: sobretodo de cachemira y suéter de lana grafito, ZITO. ASISTENTE DE ESTILISMO: Delfina Tulli. MAQUILLAJE Y PEINADO: Sofi Rubinstein.

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Innovadores

Tapas de revistas famosas, colaboraciones con fotógrafos visionarios, backstages de desfiles que hicieron historia; complicidad con supermodelos, divas del cine e íconos contemporáneos. El estilo, la imaginación y la capacidad que demostraron para proyectarse hacia el futuro los llevaron a trabajar en las grandes marcas de la cosmética. Nicolas Degennes inventó los códigos del maquillaje Givenchy, trayendo a nuestros días los valores del fundador. Peter Philips es el catalizador de los proyectos innovadores de Dior, como la línea Backstage y Terry Barber continúa desarrollando la idea libertaria y antibelleza de MAC. Texto FABIA DI DRUSCO Ilustraciones BLAIRZ 136


Terry Barber Director de Makeup Artistry de MAC para el Reino Unido y Europa, cree en una belleza emocional, expresión de las subculturas jóvenes, versus la aburrida perfección de las redes sociales.

Electrizante, jovencísimo, MAC lo descubrió en el espacio de Henri Bendel en Nueva York –anómalo con respecto a los mostradores de otras marcas de cosméticos: en lugar de elegantes vendedores había chicos tatuados, con corte mohicano”–. Terry Barber empieza a trabajar para la marca canadiense cuando en 1993 abre en lo de Harvey Nichols, en Londres. “Era como estar en el Studio 54: los protagonistas del mundo de las discotecas pedían cita con nosotros para experimentar los looks más extravagantes”. Con una filosofía “all ages, all races, all genders”, la marca, fundada en 1984 por Frank Toskan y Frank Angelo, introduce en la cosmética valores que solo se han impuesto en la moda de manera reciente: no gender e inclusividad. Inicia un trayectoria provocadora e irreverente, valorizando al máximo la idea de la belleza de la imperfección y del maquillaje como expresión creativa de la propia individualidad. Asume, además, una posición bien definida, como Viva Glam, la campaña de recaudación de fondos para ayudar a las comunidades más afectadas por el sida, cuando la enfermedad todavía pesaba como un estigma. “MAC no buscaba provocar un shock, sino proponer una nueva idea de normalidad, poniendo en escena la determinación de ser libres de quienes pertenecían a las subculturas. No es casual que haya sido la primera en contratar a una drag queen como RuPaul para ser la imagen de la marca y en ampliar casi sin límites la paleta de colores. Las otras etiquetas vendían lujo, MAC proponía la moda de la calle y la cultura pop”. Al mismo tiempo, presentaba formulaciones innovadoras de los productos pensados para satisfacer las exigencias de los artistas profesionales del maquillaje y de los sets fotográficos, como el favorito de Barber, la “Face and Body Foundation”. Hoy director de Makeup Artistry para el Reino Unido y Europa, Barber funda su estética en su fascinación adolescente por David Bowie en los años 70 y en la idea de la belleza emocional de los 90. “Me gustaban los maquilladores como Pat McGrath y Topolino pero, sobre todo, Dick Page: su trabajo para Helmut Lang y Calvin Klein era increíblemente elegante”. Entre los momentos más emocionantes de su carrera cita la tapa para la revista V con Grace Jones

fotografiada por Jean-Paul Goude, la primera tapa que hizo para i-D y también su trabajo en el backstage con Val Garland en los desfiles de Alexander McQueen, “todo lo que amo concentrado en un mismo show sobre la idea de la aristocracia en una nave que se hunde (se refiere al film inicial de la presentación de la colección Irere, primavera-verano 2003). Si un maquillaje tiene un aspecto demasiado estructurado me deja indiferente, lo encuentro frío. Sigo prefiriendo una imperfección intencional a la línea perfecta”. En su cuenta de Instagram propone juntar texturas o detalles de maquillaje con objetos no asociados a la idea convencional de belleza, incluido el vello púbico. “Me interesa crear imágenes e historias extrañas, proponer una suerte de antibelleza que provoque una respuesta emotiva. No utilizaría Instagram si tuviese que mostrar la perfección porque sería un gesto competitivo y no creo ser particularmente brillante desde el punto de vista técnico”. Entre sus marcas registradas está el uso exagerado del rubor rojo o rosa encendido. ¿Previsiones para el futuro? “Es un momento interesante, la pandemia va a crear una revolución. Basta de consumismo, perfección o la idea de inaccesibilidad; basta con la atención obsesiva a la propia imagen. En la última década ha dominado una aburrida perfección en las redes sociales, ahora espero que las subculturas juveniles propongan una visión más emocional”.

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Nicolas Degennes Su visión edgy chic es la base del maquillaje Givenchy. Nicolas Degennes se formó entre Francia y Estados Unidos. Estudió teatro, música, arte, fotografía, maquillaje cinematográfico y teatral. En 1999, cuando era director artístico de Canal+, Givenchy lo convoca para desarrollar una línea de maquillaje que fue lanzada al mercado en 2004. Su primer gran éxito fue “Prisme Libre”: “El polvo tradicional era demasiado pesado. ‘Prisme Libre’ fue una reelaboración radical. Reunía cuatro colores de polvos libres ultrafinos, entre ellos el verde, propuesto por primera vez como corrector. El primer ‘Prisme Libre’ contenía madreperla, fragmentada al máximo, para tener el justo equilibro entre luminosidad y opacidad hasta llegar a un producto perfecto para las mujeres que no usan base. Deja la piel absolutamente natural pero mucho más linda”. La intuición de Degennes volvió a manifestarse en la creación de la línea Mister, lanzada antes que la gender fluidity fuera tendencia: “En mi cabeza el maquillaje y las texturas que yo creo son, por definición, no gender porque son invisibles”. Degennes vivió todos los cambios que se produjeron en la cima del sector moda de la marca, desde Alexander McQueen pasando por Julien Macdonald, Riccar-

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do Tisci y Claire Waight Keller hasta la llegada de Matthew Williams. “El trabajo directo con el diseñador comienza tres semanas antes del desfile, pero la cosmética empieza a trabajar en una colección de temporada dos años antes. La moda influye más directamente sobre el embalaje. La coherencia profunda de mi trabajo está con los códigos atemporales de Hubert de Givenchy, bajo el signo de la elegancia y el profundo respeto por la persona”. El concepto de respeto incluye el relacionado con el planeta ya que, al igual que otras marcas, Givenchy está maximizando en sus fórmulas la presencia de ingredientes de origen natural. Constituyen, por ejemplo, el 97 % de la fórmula de la nueva “Prisme Libre Skin Caring Glow Foundation”: “La luminosidad y el efecto difumado están asegurados por un mix de pigmentos correctivos y aceite de coco; el 90 % de la fórmula es skincare y el 70 % es agua. Soy consciente de que cuando explota la demanda de un producto natural como el aceite de coco, se produce un efecto boomerang sobre el planeta. El camino justo es hacer las cosas con cuidado, sin la destrucción que puede causar el consumo individual. Y esto es, justamente, lo que intentamos hacer”. ¿La última innovación? “Un rubor de polvos libres, sin la consistencia de los materiales ‘pesados’ que contienen los tradicionales, con la medida justa de color que necesitamos, porque sin color no hay vida”. ¿Un objetivo que aún no haya alcanzado? “Eliminar la pesadez del maquillaje al final del día porque, cuando creemos que tenemos la cara cansada, es en realidad porque el maquillaje se fue degradando”.


Peter Philips

El director creativo de maquillaje de Dior cuenta el origen de los big eyes en los desfiles y su producto soñado: un labial 100% inalterable.

cómo el pintor aplicó el color. Además, aunque suene como un cliché, me influencia la realidad y cómo un nuevo tono de labial puede cambiar la percepción de tu personalidad”. En el 2016 la dirección artística de la moda de Dior pasó a manos de Maria Grazia Chiuri. “Raf tenía un enfoque muy conceptual del maquillaje, podía bastarle un toque de delineador metálico; María Grazia usa el maquillaje con una visión muy distinta. Por ejemplo, nunca usa labial y en sus desfiles toda su atención está centrada en los big eyes. Entre nosotros hay una confianza absoluta, pero yo siempre respeto sus recomendaciones”. ¿Su desfile preferido? “La Alta Costura de la primavera 2018, donde al maquillaje se le sumaban las máscaras de Stephen Jones. Yo dibujé con delineador unas fantásticas cejas emplumadas”. Para Philips la identidad de Dior, su característica distintiva, es el compromiso de mantener sus promesas: “La honestidad con respecto a lo que se afirma es la clave del éxito de Dior y lo que guía mi trabajo.” ¿El producto más icónico? “A nivel de imagen seguramente el ‘Rouge Dior’”. Creado en 1953 y propuesto en enero de este año en una versión renovada recargable, con una fórmula enriquecida por nuevos ingredientes extraídos de flores, y con cuatro terminaciones: opaco, sedoso, metálico y aterciopelado. “También hay productos icónicos ‘discretos’, como ‘Diorshow Maximizer’ y ‘Lip Maximizer’”. Entre sus éxitos está la línea Backstage “nacida tres años atrás para atraer a los consumidores más jóvenes. Al comienzo, el marketing lo consideraba un proyecto paralelo, pero, con el tiempo, creció muchísimo”. ¿Su producto favorito? “El corrector ‘Dior Forever’, por su cobertura impecable pero transparente y su larga duración: luminoso y nunca brilloso. Tanto es así que muchas mujeres lo usan como base”. ¿El producto con el que sueña y aún no realizó? “Un labial que sea realmente inalterable. ´Rouge Dior Velvet´ es transfer resistant, pero no al 100 %”.

Director creativo y de imagen de maquillaje de Dior desde el 2014, Peter Philips llega a la maison en la época en que la dirección artística estaba en manos de Raf Simons. Philips, formado como Simons en la Royal Academy of Fine Arts Antwerp, venía precedido por su reputación, luego de cinco años en la dirección creativa de maquillaje de Chanel. “Había estudiado diseño de moda y empecé a interesarme activamente en el maquillaje a los 26 o 27 años. Aprendí observando a las mujeres y la luz de los fotógrafos. Soy un fan incondicional del trabajo de Avedon, Irving Penn, Inez & Vinoodh, Willy Vanderperre. Adoro las películas en blanco y negro y a las divas de la época de oro de Hollywood. Me fascina estudiar los detalles en un cuadro y ver 139


ESPACIO ESTEE L AUDER

La elegida La actriz Ana de Armas es la nueva embajadora global de Estée Lauder. Estrena su título con el lanzamiento del nuevo perfume “Beautiful Magnolia”.

Texto: Catalina del Pino.

No hay dudas de que el 2021 es su año. Será la Chica Bond e interpretará a Marilyn Monroe. Nominada a los Globos de Oro y elegida por la revista Time como una de las cien personas más influyentes del mundo (Time 100 Next), Ana de Armas también acaba de estrenar su rol como embajadora global de Estée Lauder. La actriz compartió la noticia a través de sus redes sociales, escribió en Instagram que está muy emocionada de formar parte de la familia de Estée Lauder e incluyó sus primeras imágenes para la campaña de la nueva fragancia “Beautiful Magnolia”. “Es un honor para mí representar una marca tan icónica”, dijo la actriz, quien además reiteró en varias oportunidades su admiración por la creadora de la marca. “Por haber crecido en Cuba, me conecto con la historia de la señora Lauder. Ella entendió que hay que trabajar duro para hacer realidad tus sueños. Todo lo que hizo fue inspirador y lo sigue siendo hoy. Estoy orgullosa de formar parte de ese legado y compartir su historia”. Ana debutó frente a las cámaras en su país al protagonizar Una Rosa de Francia (2006). A los dieciocho años se mudó a Madrid, donde su fama cobró impulso con su participación en el drama adolescente El internado (2007-2010). Luego viajó a Los Angeles y allí consolidó su carrera hasta conseguir la nominación al Globo de Oro a la Mejor actriz en una película - musical o comedia por su interpretación de la enfermera Marta Cabrera en la película de misterio Knives Out (2019). Desde Estée Lauder afirman que están encantados con la incorporación de su nueva embajadora. “Su historia de superar barreras para lograr sus sueños y convertirse en una actriz consumada es inspiradora para las mujeres de todo el mundo, y su talento, calidez y belleza traerán una nueva energía a la marca”, expresaron. La primera campaña publicitaria de Ana es como musa de “Beautiful Magnolia”, la nueva fragancia femenina floral en la que se destacan los pétalos de magnolia, y notas de flor de loto, yerba mate, gardenia, rosa turca, cedro y sándalo. Un perfume fresco y sensual como su embajadora. n

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Naturaleza & TECNOLOGIA

H24 de Hermès es la nueva fragancia masculina que fusiona salvia, palisandro y absoluto de narciso con esclareno, la innovadora molécula sintética de sensual aroma metálico. Un perfil vivo y luminoso. Por LOLA MONTEIRO

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“Para crear este nuevo emblema de la perfumería de Hermès he tenido que recurrir a vías menos previsibles y alejarme de las notas amaderadas convencionales. Me gusta apostar por materias primas naturales y trabajarlas utilizando tecnologías que logran otras texturas”, explica Christine Nagel, perfumista de la maison. El amor por la fluidez, las proporciones exactas y la nobleza de los materiales son los principios que comparte con Véronique Nichanian, directora artística del universo masculino de Hermès. “Cuando asisto a un desfile de Véronique, siempre me impresiona poder sentir las texturas, e incluso la trama del tejido, a través de los ojos”, menciona, y hace hincapié en cómo la ropa masculina de la firma dio soporte a H24, la nueva fragancia. Las claves de su identidad:

SINGULARIDAD

La salvia esclarea (Salvia sclarea) es la nota aromática con matices de heno que constituyen la columna vertebral del perfume. “Esta variedad de salvia resulta muy envolvente y sensual”. Luego, el absoluto de narciso es el elegido por su perfil vegetal, pero también porque aporta cierta reminiscencia del tabaco. La tercera pieza: esencia de palisandro extraída de un árbol silvestre. “La he seleccionado por su frescor vegetal simple y natural. Hemos tenido la suerte de encontrarla en Perú, de la mano de los productores que la maison acompaña en su iniciativa ecorresponsable, consistente en explotar y replantar la especie de forma sostenible y respetuosa del medioambiente”, agrega la perfumista.

IMAGINARIO

La molécula futurista de la fórmula se encuentra en el esclareno, una nota que en principio se presenta terrosa para luego ganar sensualidad y una vibración metálica. Su composición establece el vínculo con el mundo del prêt-à-porter masculino de Hermès al evocar el aroma de sus talleres. Es un elemento de vanguardia, una madera que no huele como tal. Se presenta en un frasco de líneas aerodinámicas diseñado por Philippe Mouquet y en un estuche de papel reciclado. n H24 EDT ya se encuentra disponible en la boutique Hermès.

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Retratos de

Madame d’Ora

A medida que L’Officiel se acerca a su centésimo aniversario, celebramos los nombres más influyentes de la historia de la revista y del mundo de la moda. Comenzamos con esta fotógrafa revolucionaria, que trajo una mirada femenina sin concesiones a un campo dominado por hombres. Por PIPER Mc McDONALD Y TORI NERGAARD

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Madame de Pinajeff, fotografiada para L’OFFICIEL en 1938.

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Aunque la revista de moda es hoy un medio visual, no estuvo siempre vinculada estrechamente con la fotografía. Los días tempranos de L’Officiel estuvieron marcados en su mayor parte por palabras: una prosa florida describía las colecciones acompañadas por bocetos técnicos; extensas oraciones llenas de jerga legal debatían eventos y novedades de la industria. Pasaron varios años desde su creación hasta que la publicación desarrolló un lenguaje visual propio, en parte gracias a Dora Kallmus, más conocida como Madame d’Ora. Así como la revista de moda comenzó como algo técnico, la fotografía de moda evolucionó de manera similar. La fotografía temprana era rígida, sobria; solo se esperaba que capturase la imagen a retratar, sin espacio para la creatividad. No obstante, a medida que la escena artística iba floreciendo a comienzos del 1900, creadores como d’Ora produjeron nuevos enfoques de la práctica fotográfica que invitaban a la estética a incorporarse a las páginas de la revista. Los bocetos fueron útiles para una publicación centrada en la industria, pero la icónica directora de fotografía ayudó a transformar L’Officiel en una revista visual para un público masivo, ávido de la fantasía que podía proporcionar la alta costura. Nacida en Viena en 1881 en el seno de una familia adinerada, Kallmus adoptó el seudónimo profesional de d’Ora para los cincuenta años de su carrera. Su interés en la fotografía se 146

despertó cuando trabajaba como asistente del hijo del pintor austríaco Hans Makart. Con el tiempo, se hizo evidente que tenía un talento excepcional detrás de la cámara y en 1905 fue la primera mujer en ser aceptada en la Sociedad Fotográfica de Viena. Luego de una breve pasantía en Berlín, regresó a Viena en1907 y, con el apoyo financiero de la familia, abrió su primer estudio, Atelier d’Ora. Como en ese momento las mujeres no tenían acceso a la capacitación técnica, su asistente y colaborador Arthur Benda se hacía cargo de los aspectos técnicos, mientras que d’Ora se concentraba en la búsqueda de clientes y en definir su estilo visual propio. Por haber crecido en una familia acaudalada, d’Ora sabía manejarse con miembros de la aristocracia y del próspero mundo artístico de las décadas de 1920 y 1930. Tenía un estilo informal y una personalidad encantadora que le permitían capturar las personalidades de sus retratados. Poco después de abrir su estudio comercial en París en 1925, d’Ora inició un contrato a largo plazo con L’Officiel y no tardó en convertirse en la principal fotógrafa de moda y de los productos de Chanel, Balenciaga, Schiaparelli, Jean Patou, Jeanne Lanvin, entre otros. Sus amigos incluían a numerosos diseñadores y artistas. En los primeros años de su carrera se hizo amiga de la sombrerera y escultora Madame Agnès, cuyos sombreros fueron muy populares desde fines de los años veinte hasta entrados los cuarenta. Fue una amistad significativa para la trayectoria de la carrera de d’Ora , porque los sombreros eran el accesorio más importante para las mujeres de la época. Además de las fotografías que creaba para la revista, también capturó a muchos de los íconos artísticos y culturales de esa era, incluyendo a Colette, Gustav Klimt, Josephine Baker, Coco Chanel y muchos otros, a quienes a menudo fotografiaba vistiendo alta costura. En colaboración con d’Ora, L’Officiel comenzó a emplear un lenguaje visual poderoso y a crear formas que reflejaban el arte moderno de esos tiempos. A partir de este trabajo conjunto, L’Officiel pasó de ser una publicación de la industria a la revista de moda, arte y estilos de vida que influyó en la cultura femenina.

Madame Agnès, fotografiada para L’Officiel en 1932. DERECHA: modelo fotografiada para L’Officiel en 1937. ARRIBA:


Traducción: Silvia Villegas.

convertido al catolicismo en 1919, pero por su ascendencia judía escapó a una pequeña ciudad en Vichy, donde permaneció oculta en un claustro hasta que terminó la guerra. Nunca volvió a la fotografía de moda. A su regreso a París comenzó un proyecto para las Naciones Unidas fotografiando a sobrevivientes de los campos de concentración y a mujeres alemanas desplazadas de sus hogares. Su proyecto final fue una serie de fotografías tomadas en diversos mataderos de París. En esos últimos años, sus imágenes se volcaron a un tono sombrío, que reflejaba una vida dañada por la pérdida de casi toda su familia, incluyendo a su hermana Anna, durante el Holocausto. Murió en 1963 en la casa familiar de Frohnleiten, Austria. Durante una carrera notable que se extendió por cinco décadas, d’Ora produjo aproximadamente 200 000 fotos. Hoy, todas las revistas de moda están en deuda con ella por su crónica brillante y audaz, tanto del lado atractivo y glamoroso de la cultura como de su oscuridad. n

Cuando d’Ora se unió a L’Officiel, los hombres eran mayoría entre el personal de edición y los colaboradores. Si bien la publicación –por estar centrada en la moda– se orientaba a una audiencia formada casi por completo por mujeres, L’Officiel carecía de voces y perspectivas claramente femeninas. A través de su lente, d’Ora introdujo una sensibilidad que capturó a las parisinas. Presentaba a sus modelos como sujetos activos, que interactuaban con la cámara, y se aseguraba de que las imágenes reflejaran sus personalidades. Con su trabajo en L’Officiel, d’Ora les dio a las mujeres la posibilidad de verse en las páginas de la revista como partícipes en una historia, más que como objetos pasivos cuyo único propósito era estar elegantes para complacer la mirada masculina. A fines de los años treinta, el nombre de d’Ora comenzó a desaparecer de L’Officiel. Cuando Europa estaba al borde de la guerra, vendió su estudio y en 1940 huyó de París. Se había

ARRIBA, DESDE LA IZQUIERDA: Tapa

de L’Officiel, mayo de 1936, Tapa de L’Officiel, agosto de 1929; Princesa Leila Béderkhan, fotografiada para L’Officiel en 1936.

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Te abrazo

Se conocieron filmando la película El futuro que viene (2017) de Constanza Novick, donde interpretaban a dos amigas a lo largo de los años. “Nada más divertido que trabajar de hacerte amiga de alguien que te cae bien. Y realmente nos hicimos muy amigas”, dicen. Para cerrar esta edición, sus textuales: “Yo no concibo el mundo si no es entre mujeres, para trabajar, para reír… La complicidad que se genera con amigas. La vida tiene más sentido”. Pilar Gamboa. “Hay algo entre las mujeres, una apertura y una intimidad que se comparte y no se juzga. Las amigas son lo más grande que hay, el vínculo más importante, dura para siempre y nos va a sostener cuando todo pase”. Dolores Fonzi 148

Texto: Catalina del Pino. Foto: Alejandra López.

Dolores Fonzi y Pilar Gamboa: de actuar de amigas a hacerse amigas.