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True Living of Art & Design


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© Jörg Bräuer


BRUSSELS DESIGN SEPTEMBER 2014

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Polish Design / Edgar Bąk

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Polish Design / Agnieszka Bar

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Polish Factory / Ćmielów Porcelain Factory

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Polish Design / Marek Cecula & Ćmielów Design Studio

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Polish Design / Stanisław Czarnocki

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Polish Design / ENDE

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Polish Design / Paweł Grobelny

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Polish Design / Maria Jeglinska

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Polish Design / Ola Mirecka

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Polish History / Architectural Icons

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Polish History / Museum of Modern Art Warsaw

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Polish History / National Museum Warsaw

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Polish History / Neoplastic Art to Open Form

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Polish History / Oskar Hansen House

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Polish School / New School of Form & Academy of Fine Arts and Design Wrocław

Colophon

Sommaire / Contents TLmag Polska est publié par Pro Materia et TLmag, Paris-Bruxelles dans le cadre de / TLmag Polska is published by Pro Materia and TLmag, ParisBrussels, in the framework of Paris Design Week / La Rotonde, Stalingrad 6-13.9.2014, www.parisdesignweek.com & Design September

Brussels / L’Ancienne Nonciature, Grand Sablon 19.9-2.10.2014, www.designseptember.be Éditeur responsable, rédactrice en chef édition spéciale TLmag / Editor-in-chief: Lise Coirier Coordinateur d’édition et journaliste / Editorial coordinator and journalist: Adrian Madlener Avec la contribution de / With contributions by: Alekstandra Kędziorek, Museum of Modern Art Warsaw Traduction / Translation FR-EN: Amélie Courau Photographe / Photographer: Bartek Bobkowski Graphiste / Graphic designer: Alizée Semet Imprimé chez / Printed by: Dereume, Drogenbos, Belgique

Remerciements / Special thanks to : Monika Brzywczy, Philippe Chomat, Anne Derasse, Natalia Dyjak-Urbanik, Pierre Gendrot, Zoé Guibert, Czesława Frejlich, Igor Hansen, Monika Iwan, Agnieska Jacobson-Cielecka, Alekstandra Kędziorek, Patrick Komorovski, Krzysztof Kozanowski, Barbara Krzeska, Olga Milczyńska, Malgorzata Łatkiewicz-Pawlak, Alexandra. LingeriGardon, Anna Maga, Marzena Moskal, Natalia Mosor, Gunia Nowik, Nitzan Reisner, Cecilia Russo, Studio Rygalik, Tomek & Gunia Rygalik, Marc Sautereau, Jola Starzak, Delphine Vercauteren, Alicja Wacowska-Gaweł, Zieta Prozessdesign for the 3+ concept and production, Oskar Zięta / Maja Zięta / Paweł Rosner Aucune partie de cette publication ne peut être reproduite ou publiée par impression, photocopie, microfilm ou de quelque manière que ce soit, sans accord préalable de l’éditeur. Le magazine est protégé par droits d’auteur. Le magazine décline toute responsabilité pour tous les manuscrits et les photos qui lui sont envoyés. Les articles et photos publiés dans l’édition spéciale TLmag Polska par Pro Materia n’engagent que leurs auteurs. Tous droits de reproduction réservés. / No part of this publication may be reproduced, or transmitted in any form or by any means, including photocopy, recording or any information and storage and retrieval system, without prior written permission from the editor. The magazine disclaims all liability for any manuscripts and photos that it receives. All articles and accompanying materials published in this special edition TLmag Polska by Pro Materia, unless otherwise indicated, are licensed by the respective authors of such articles. All rights reserved.

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Promoting Polish Design / Culture.pl

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Polish Design / Bartek Mejor

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Polish Design / Krzysztof J. Lukasik

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Polish Design / Jan Lutyk

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Polish Design / Monika Patuszyńska

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Polish Design /Chmara Rosinke

www.promateria.be / www.tlmagazine.com

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Polish Design / Studio Rygalik

Commissariat et organisation /

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Polish Design / Bashko Trybek

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Polish Design / To Do Studio

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Polish Design / Mateusz Wiewiórowski

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Polish Design / Oskar Zięta

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Polish Design / Velt

© Pro Materia / TLmag, 9/2014 En couverture / On the cover : lettres en métal gonflé par Zieta / Inflated metal letters by Zięta © Photo Zięta Prozessdesign

Curated and organized by : Avec le soutien de / With the support of :

True Living of Art & Design


Edito L a Forme O uverte du design polonais contemporain

Avec Nasza Polska (traduit en français comme ‘Ma Pologne’), Pro Materia et TLmag placent le design polonais sous le feu des projecteurs. Suite à un voyage exploratoire à Varsovie, Ćmielów, Łódź, Poznań, Wrocław, Cracovie et Szumin, cette exposition itinérante dont le nom signifie « notre Pologne » rassemble de jeunes talents, des créateurs et des studios de design renommés, basés en Pologne ou ailleurs. Une sélection de leurs réalisations récentes sont divulguées lors de Paris Design Week à La Rotonde Stalingrad et Design September Bruxelles à L’Ancienne Nonciature, Grand Sablon : Edgar Bąk, Agnieszka Bar, Marek Cecula (Modus Design et Ćmielów Design Studio), Stanislaw Czarnocki, la marque de céramique ENDE (Natalia Gruszecka et Jakub Kwarciński), Paweł Grobelny, Maria Jeglinska, Ola Mirecka, Krzysztof Lukasik, Jan Lutyk, Bartek Mejor, Monika Patuszyńska, Chmara Rosinke, Studio Rygalik (Tomek et Gosia Rygalik), Bashko Trybek, To Do Studio (Kasia Jakubowska et Tomasz Orzechowski), Mateusz Wiewiórowski, la galerie VELT, Oskar Zięta, avec un accent particulier sur les créations de la New School of Form de Poznán et du département verre de l’Académie des Beaux-Arts et de Design de Wrocław.

B a s e d o n e v e r y d e s i g n e r ’ s f a v o u r i t e P o l is h d i s h , U S TA m a g a z i n e e d it o r - i n - c h i e f Mon i k a B r z y w c z y a n d W h i t e p l a t e ’ s E l i z a Mór a w s k a h a v e c u r a t e d a u n i q u e m e n u Kapunsniak (Cabbage soup w i t h b ac on ) – 3 0 da g p ork rib s, 1 20g smoked bacon, 4 a vera ge- s iz ed p ota toes , 2 ca rrots, 1 parsley, half a c el ery s tic k, 1 on ion , 1 big t om a to, 2 bay leaves, 5 gra in s of a l l s p ic e, h a l f a tea spoon of ground car away, s a l t a n d p ep p er Zu rek – Leaven: 1 0 spoon f ul s of rye wh ol emea l f l our,

Sur une scénographie co-produite par Pro Materia et Zieta Designprozess autour de la collection 3+ inspirée du principe du Mecchano, Nasza Polska offre un florilège sensible et prêt à l’emploi des créations contemporaines polonaises, une « plateforme ouverte » aux échanges entre la France, le Benelux et l’Europe centrale. T he O p en For m of C ontemp or ary Po l ish Desig n

With Nasza Polska (translating as ‘our Poland’), Pro Materia and TLmag brings contemporary Polish design into the spotlight. After an extensive tour in Warsaw, Ćmielów, Łódź, Poznań, Wrocław, Kraków and Szumin, this touring exhibition gathers up-and-coming talents, established studios and legendary masters – working in Poland and abroad.

2 garlic cloves, 5 grains of a l l s p ic e, 2 ba y l ea ves , 1.5 glass (3 75 ml) water – Soup : 5 dried mus h rooms , 1 vegetable stock, 2-3 lite rs of wa ter, 1 ba y l ea f , 3 grains of pepper, 3 grain s of a l l s p ic e, ma rjora m, s a l t a n d pepper Pi erogi Ruskie or Varenyky ( D u m pli n gs s t u f fed w i t h potatoes and cottage ch eese) – D o u gh: 3 00g f l our, 2 00ml of w arm boiled war, pour in to th e ba tter gra dua l l y – Stu ffing: 450g cooked pat a toes , 150g c urd c h ees e, 1 average-sized onion, cho p p ed f in el y a n d s tra n gl ed on a few spoonfuls of vegetabl e oil , s a l t a n f p ep p er

A curated selection of their most recent creations are revealed during Paris Design Week – La Rotonde Stalingrad and Design September Brussels – L’Ancienne Nonciature, Grand Sablon: Edgar Bąk, Agnieszka Bar, Marek Cecula (Modus Design and Ćmielów Design Studio), Stanislaw Czarnocki, ENDE (Natalia Gruszecka and Jakub Kwarciński), Paweł Grobelny, Maria Jeglinska, Ola Mirecka, Krzysztof Lukasik, Jan Lutyk, Bartek Mejor, Monika Patuszyńska, Chmara Rosinke, Studio Rygalik (Tomek and Gosia Rygalik), Bashko Trybek, To Do Studio (Kasia Jakubowska and Tomasz Orzechowski), Mateusz Wiewiórowski, VELT, Oskar Zięta, a selection from the New School of Form in Poznań and the Academy of Fine Arts and Design Wrocław / glass department.

Pol i sh Steak Tatar – 250-3 00g bea f f il l et, 1 s h a l l ot, 2 pickled cucumber s, 1 sp oon f ul of oil , 4 egg yol ks , s a l t a n d peper Pol i sh Ch eesecake – 1 00g of s p on ge c a ke, 1 s p oon f ul of fla t butter , 500g fatty c urd c h ees e, 2 00ml of 2 2 % crea m, 4 small or 3 big eggs , 3 to 4 f l a t s p oon f ul s of

Thanks to a special scenography conceived with the ground-breaking Mecchano-inspired 3+ system– developed by celebrated design studio Zieta Prozessdesign, Nasza Polska reveals a sensitively selected palet of ready-to-use contemporary Polish designs, an ‘open-platform’ for exchange between France, the Benelux and Central Europe.

pota t o flour, 1 00g icing su ga r, c urs t wip ed of f h a l f lem on

Lise Coirier, Pro Materia curatrice / chief curator - rédactrice en chef / editor-in-chief TLmag dans la maison d’été d’Oskar, de Zofia et d’Igor Hansen, à Szumin / at Oskar, Zofia and Igor Hansen’s summer house in Szumin


Po l i s h D e s i g n / Ed ga r B ąk

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Edgar Bąk

TL # POLSKA DESIGN

www.edgarbak.info


Po l i s h D e s i g n / Ed ga r Bąk

1 — Le designer graphique dans le studio qu’il partage avec d’autres artistes, à Varsovie /  The graphic designer in his Warsaw co-working space studio 2 — Edgar Bąk est connu pour ses formes géométriques et ludiques /  Edgar Bąk is known for his playful geometry 3 — Sélection des derniers projets d’Edgar Bąk /  A selection of Bąk’s latest projects

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U n espr it non- conformiste à la d écouverte de nouveaux langages

Industry Maver ick Ex p lores Many Lang uages

Connu pour le rythme, les couleurs, l’audace et le caractère parfois rétro de ses créations visuelles, Edgar Bąk recule rarement devant les défis ; avec ses clients, par exemple, ce designer graphique basé à Varsovie adopte une approche personnalisée. « Je suis en quête permanente de nouveaux langages », explique-t-il. Alors qu’il n’avait que quatorze ans, bien avant l’apparition d’Internet, le jeune Edgar voulut enregistrer une émission de heavy metal diffusée tard dans la nuit, mais son magnétoscope en décida autrement. C’est ainsi qu’il découvrit l’électro. La musique entre souvent en jeu lorsqu’il élabore de nouveaux concepts. Selon lui, « il faut quinze mauvaises esquisses avant d’accoucher d’une bonne idée. » Il a récemment illustré deux livres inspirés de l’école polonaise de l’affiche, l’un sensibilisant les enfants au patriotisme polonais et l’autre aux droits de l’enfant. « J’étais curieux de savoir ce que les enfants verraient dans les formes que j’avais dessinées : des corps, ou de simples taches ? C’était une initiative très expérimentale, le genre de risque que j’aime prendre. »

C e l e br ate d f o r h i g h l y r hy t h mi c , colorful, bold and sometimes retro visual statements, Warsaw-based Edgar Bąk rarely shies-away from a challenge – client briefs, the graphic designer, takes-on with a custom approach. “I’m always on the look-out for new languages,” he explains. Long before the Internet, 14 year-old Bąk recorded a late-night Heavy Metal TV program, only to discover that his VCR had malfunctioned. Instead, he was introduced to Electro. Music often comes into play as Bąk drafts new concepts. “You need to put fifteen bad ideas on paper in order to make room for one good solution,” Bąk describes. Most recently, he illustrated two Polish School of Posters-inspired books. One introducing children to Polish patriotism and the other, to International Children Rights. “I was curious to know if kids would respond to the shapes I drew, as bodies or just as 2. big blobs? It was a big experiment and the type of risk I like to take.”


Po l i s h D e s i g n / Ag ni e s z ka Bar

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Agnieszka Bar Q uand une art i ste verr i è re et professeur fa i t voler en éclats les front i è res de l’art et du design

Gl ass Prof essor and Pr act itioner T r anscends Art and Design

Partisane de la fonctionnalité des constructions artistiques en verre, Agnieszka Bar a adopté une approche relevant à la fois de la pédagogie et du design. Cette créatrice basée à Wrocław réinvente des objets traditionnels, recycle des matériaux de récupération et met au point de nouvelles solutions. Elle tire son inspiration des éléments qui manquent à son quotidien : les plantes et les fleurs. « J’ai toujours été proche de la nature, explique-t-elle, j’ai grandi dans une petite ville, près de la montagne. » L’ambition d’Agnieszka Bar, professeur associée au département de verre de l’Académie des Beaux-arts et du Design de Wrocław, est de faire émerger une nouvelle conception de l’utilité.

Vying to make artistic glass construction functional, Agnieszka Bar employs the same contemporary approach as both an educator and designer in her own right. Reinventing traditional objects, recycling discarded materials and developing new solutions, The Wrocław-based craftswoman draws inspiration from what’s missing in her everyday life, plants and flowers. “I’ve always been close to nature,” she explains. “I grew up in a small town near the mountains.” As an associate professor at the Academy of Fine Arts and Design, Wrocław’s glass department, Bar looks to inspire an innovative sense of utility.

www.agnieszkabar.pl

TL # POLSKA DESIGN

Dans le cadre de Wzorowo, une initiative menée sur trois années (2009-2012) avec deux autres designers, Agnieszka Bar explore son propre héritage polonais en réinterprétant des objets de son enfance. Kristal, une assiette en céramique modelée à partir de l’un des bols en cristal de sa grand-mère, est l’une des principales pièces à laquelle cette collaboration a donné naissance. Cette pièce met en évidence les similarités de ces deux objets profondément ancrés dans l’artisanat polonais, bien

As part of Wzorowo - a three-year-long initiative (2009-2012) endeavored with two other designers – Bar explored her own Polish heritage through reinterpreted childhood objects. Most notable from this collaboration is Kristal, a ceramic plate cast from one of her grandmother’s crystal bowls – an example of how both deeply craft-based media share similarities, even if she disagrees. “They require two entirely different processes, Bar explains. “With glass, you have a short time and need to make quick decisions while with ceramics, you can work slowly and develop ideas over time.” Today, the designer works almost exclusively with glass.


Po l i s h D e s i g n / Ag nie s zka Bar

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qu’Agnieszka ne voit pas les choses du même œil : « Leurs processus de fabrication sont diamétralement opposés. Avec le verre, on doit faire vite et se décider rapidement ; avec la céramique, on peut au contraire prendre son temps et laisser ses idées prendre corps au fil du façonnage. » Aujourd’hui, la designer travaille presque exclusivement avec le verre. Ses projets récents, comme Group Vase, Sweet Feet et Reneval, donnent naissance à des formes sculpturales imprégnées de l’usage auquel elles sont destinées. Le premier, Group Vase, se compose de structures modulaires constituées par des tubes à essai aux courbes uniques maintenus entre eux par des élastiques colorés. Tandis que Sweet Feet peut servir de plateau à plusieurs niveaux, Reneval pourrait presque faire office de chapeau, dans la mesure où il s’agit d’un dôme constitué d’un réseau de tubes en verre filé au chalumeau servant à arroser les plantes ; pour Agnieszka Bar, « on pourrait presque prendre les tubes de verre pour des racines végétales. »

3 — L’aspect sur mesure des pièces de Sweet Feet est obtenu grâce à la technique du travail au chalumeau /  Sweet Feet employs fireworking techniques to achieve a bespoke look 4 — Maintenus ensemble par des élastiques, les modules de Group Vase peuvent être agencés selon différentes configurations /  Tied together with elastic bands, Group Vase can be arranged in different configurations

Recent projects – including Group Vase, Sweet Feet and Reneval – are all sculptural forms infused with intended use. Tied together with colourful elastic bands, Group Vase brings uniquely curved test-tubes into modular arrangements. Sweet feet acts as a multi-level serving tray, Reneval – a dome built from a network of glass tubes created with flame work, delivering water to plants – can almost be worn as a hat while, “the thin glass tubes are almost like plant roots,” Bar explains.

1 — L’artiste-verrière et professeur fait la démonstration de la double fonction de Reneval /  The glass designer and professor demonstrates Reneval’s double function 2 — Agnieszka Bar à l’Académie des Beaux-Arts et de Design de Wrocław /  Agnieszka Bar at the Academy of Fine Arts and Design, Wrocław


Po l i s h Fac to r y / Ćmi e l ów Po rc elain Facto r y

TL # POLSKA DESIGN

Ćmielów Factory

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Po l i s h Fac tor y / Ćmi el ów Po rc el ain Facto r y

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U ne manufacture h i stor i que tourn é e vers l’avenir

Her itage Manufact ur er Meets the Futur e

La manufacture de porcelaine de Ćmielów est l’une des plus anciennes institutions industrielles de Pologne encore en activité. En tant que telle, elle occupe une place centrale dans la riche histoire du design polonais mais aussi dans la tradition culturelle du pays. Si cette manufacture historique qui fêtera ses 225 ans en 2015 produit aujourd’hui encore des pièces et des motifs emblématiques séculaires, elle a également enrichi sa production en y ajoutant des gammes de produits contemporains au fil des années. Aujourd’hui, l’activité du studio de design Ćmielów, dirigé par Marek Cecula, créateur de Modus Design, englobe de la recherche menée en interne et un laboratoire de développement. As one of Poland’s oldest industrial institutions still in

operation, Ćmielów Porcelain Factory holds an important place in this country’s rich design history and in turn, cultural tradition. Celebrating its 225th anniversary in 2015, the historical manufacturer continues to produce age-old designs and iconic motifs but has also introduced contemporary product lines over the years. Today this consists of in-house research and development laboratory – Ćmielów Design Studio, headed by Modus Design Studio principal Marek Cecula.

www.porcelana-cmielow.pl Certaines des pièces de cette manufacture sont désormais des classiques de la moitié du XXe siècle. Fidèles à de nombreux principes m o d e r n i s t e s d e l ’é p o q u e , u n e géométrie simple, des lignes aiguisées et des combinaisons de couleurs audacieuses, ces symboles font désormais partie du décor de la plupart des foyers polonais. Dans la mesure où la tendance est à la rétrospective, ce qui était jadis considéré comme des artefacts démodés associés à des maisons de personnes âgées est aujourd’hui très prisé. Des noms tels que la Fille arabe ou la Bombe sexuelle parlent d’eux-mêmes. Combinant des nouvelles technologies avec des techniques artisanales reconnues, la manufacture du sud de la Pologne continue aujourd’hui de produire, comme elle l’a fait au cours des deux siècles passés. Making a strong impressions are now classic mid-20th century figurines. In-line with many of the modernist principles of the time – simple geometry, sharp lines and bold colour combinations – these symbols became main stays in most Polish households. As trends go into retrospective, what were once outdated decorations found in the homes of elderly relatively are now highly sought-after artifacts. With names like Arab Girl or Sex Bomb, the referential implications are clear. Employing a mix of new technology and established handmade techniques, Ćmielów Porcelain Factory continues to produce – as it has down for over two centuries – in Lower Poland.

1 — Toute l’héraldique successive de la manufacture de porcelaine de Ćmielów représentée au mur sur des assiettes emblématiques /  Ćmielów Porcelain Factory every changing logo represented on iconic plate designs 2 - 3 — La production de masse confiée à des artisanes qualifiées /  Skilled craftswomen produce in mass 4 — Des sculptures exposées à l’extérieur de la manufacture de porcelaine de Ćmielów /  Sculptures out the Ćmielów Porcelain Factory


Po l i s h D e s i g n / Ma re k C e c u l a & Ćmiel ów D e s ign Stu dio

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Ćmielów Design Studio

TL # POLSKA DESIGN

www.ceculamarek.com

www.modusdesign.com

cmielowdesignstudio.wordpress.com


Po l i s h D e s i g n / Ma re k C e cu l a & Ć miel ów D e s ign Stu dio

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1 — Le travail du designer mixé à des projets d’étudiants en Master /  The designer’s work mixed in with master student projects 2 — Marek Cecula à l’œuvre à Cmielów /  Marek Cecula at work in Ćmielów

Q uand un ma î tre contempora i n redonne v i e à une manufacture sécula ire

Outre les trente années qu’il a passé à New York à la tête du département de céramique de la Parsons School, Marek Cecula a également vécu en Israël et au Brésil. De retour en Pologne après tant d’années à l’étranger, le maître céramiste dirige aujourd’hui le studio de design de Ćmielów, aménagé dans l’enceinte même de la manufacture historique. L’idée du designer et de son équipe, celle du Modus Design Studio, est d’étendre la vaste gamme du fabriquant en y ajoutant des pièces contemporaines. La véritable ambition de Marek Cecula est de faire de ce projet une plateforme culturelle et de proposer des programmes éducatifs tels que Link to the industry ou Art Food. « Nous invitons les étudiants créatifs et prometteurs à développer leurs projets dans notre atelier, explique Marek Cecula. Notre but est de créer de nouveaux produits pour une nouvelle génération fascinée par le design, en Pologne et dans le monde entier. » Au travers de collections telles que le New Atelier ou des services à thé Ergo, le designer interprète l’esthétique moderne tout en jouant avec l’antithèse opposant la production de masse d’un côté et, de l’autre, l’édition limitée rendue possible par une création artisanale sur mesure. C o n t e m p o r a ry M ast er R ev i ta l i z es Ag e- o l d Factory

Returning to Poland after decades abroard – living in New York – directing Parsons School of Design’s ceramic department for over 30 years - Israel and Brazil – legendary ceramist Marek Cecula heads the new Ćmielów Design Studio – within the historical factory’s walls. Bringing in his own Modus Design Studio team to create contemporary additions to the manufacturer’s extensive gamut, the designer’s true passion is to foster this new venture as a cultural platform and offer educational programmes such as Art Food or Link to the industry. “We invite talented creatives and promising students to develop projects at our atelier,” Cecula describes. “We’re here to create new products for a new generation of people fascinated by design in Poland and the world.” Developing collections such as the New Atelier or Ergo tea sets, Cecula reinterprets modernists aesthetics but also plays with the nature of mass production versus limited edition, bespoke craft.

3 — Le designer dans son espace de création /  The designer sitting in front of his desk and display shelve 4 — Ce céramiste axé sur le design artisanal emploie de nombreux outils / The craft-oriented ceramist employs many tools


Po l i s h D e s i g n / S t ani s l aw Czar n o cki

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Stanislaw Czarnocki

TL # POLSKA DESIGN


Po l i s h D e s i g n / S t an i sl aw Czar n o cki

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U n jeune talent plus désireux d’apprendre à soustra ire qu’à ajouter

Hostile à l’obsession de l’industrie du design pour la nouveauté, Stanislaw Czarnocki, étudiant en Master à l’ECAL – École cantonale d’Art de Lausanne, croit en la véritable valeur des objets du quotidien et en leurs formes claires et fonctionnelles. Ce jeune designer de mobilier natif de Varsovie estime que « le monde déborde d’objets superficiels dont l’utilité est faible voire inexistante, conçus pour répondre à des besoins à court terme et stimuler notre désir de possession. » Stanislaw Czarnocki se concentre au contraire sur la recherche constante de solutions simples et cherche à aller à contre-courant de cette excessivité. Ses travaux, au reflet de sa quête du moindre détail, suivent un processus transparent. Son dernier projet en date, A Chair, est l’aboutissement d’une recherche approfondie visant à mettre au point des lignes et un dossier les plus droits et confortables possibles. Grâce à des pièces pliables, faciles à emballer à plat et à empiler, ce manifeste de chaise s’assemble facilement. « La normalité est de fait la réponse universelle. »

Yo u n g Ta l e n ts L e a r n s h ow to Su bt r act, r ather than Add

Adverse to the design industry’s obsession with novelty, Warsaw-native and ECAL - École cantonale d’Art de Lausanne Masters student, Stanislaw Czarnocki believes in the true value of normal objects – clear and functional forms. “The world is filled with too many products,” the young furniture designer defends, “superficial attractions of little to no use, designed with short-term goals, to stimulate our desire for possession.” Instead, he constantly looks for simple solutions and the reduction of excess. Paying close attention to every detail, Czarnocki’s designs follow a transparent process. His latest project, A Chair, results from an extensive research into the most comfortable and formally straightforward backrests and connections. Foldable, flat-packed and stackable attributes allow this manifesto of a chair to be easily assembled. “The term normal is an answer for all products.”

1 — Le jeune créateur de meubles chez lui, à Varsovie /  The young furniture designer at home in Warsaw 2 — Stanisław Czarnocki croit en la valeur des objets normaux / Stanisław Czarnocki believes in the value of normal objects Photo © Philippe Fragniere 3 — A Chair témoigne de la quête de simplicité de Stanisław Czarnocki / A Chair is Czarnocki’s testament to simplicity Photo © Philippe Fragniere


Po l i s h D e s i g n / E N DE

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ENDE

TL # POLSKA DESIGN

www.endesign.pl


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Po l i s h D e s i g n / E N DE

U n duo spécial isé dans l’interpr étation d’éléments class iques en céram ique

Les tasses de thé moulées sur des poupées datant d’avant la Seconde guerre mondiale sont représentatives de l’approche du duo Ende, et notamment de China, une édition limitée réalisée sur mesure et intégrant des éléments classiques en leur ajoutant une touche contemporaine. Natalia Gruszecka et Jakub Kwarciński ont respectivement étudié la céramique et la verrerie à l’Académie des Beaux-Arts et du Design de Wrocław ; c’est là qu’ils se sont connus et que tout a commencé. « C’est la visite de la manufacture de porcelaine de Ćmielów qui m’a le plus bouleversée, explique Natalia. Je suis tombée amoureuse de ce matériau et, depuis lors, je n’en ai pas utilisé d’autre. » Grâce aux plateformes de e-commerce, le processus de création peut être intégralement fait main et chez soi, depuis les mélanges bruts et les moules, jusqu’à la peinture à la main et l’expédition. Selon Natalia, « c’est le matériau qui dicte son comportement à la forme. » Duo Adapts C l assic El ements

1 — Différentes collections sont moulées dans l’atelier des deux créateurs /  Different editions are cast in-house 2 — Le couple et le duo de design Natalia Gruszecka et Jakub Kwarciński /  Couple and design duo Natalia Gruszecka and Jakub Kwarciński 3 — Les figurines et les tasses figuratives sont peintes à la main /  Figurines and figurative tea cups are handpainted

Tea cups cast from pre-World War II doll moulds highlight Ende’s approach – bespoke limited edition China incorporating classic elements with a contemporary twist. Couple Natalia Gruszecka and Jakub Kwarciński’s venture was born out of the Academy of Fine Arts and Design Wrocław, where both studied ceramics and glass respectively. “The big moment was when I visited the Ćmielów Porcelain Factory,” Gruszecka explains. “I fell in love with the material and haven’t used anything else since.” Employing e-commerce platforms allows for an entirely in-house and handmade process – from raw mixtures and casting master moulds to hand-painting and shipping. “The material tells the shape how to behave,” Gruszecka describes.


Po l i s h D e s i g n / Pawe l G ro b elny

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Pawel Grobelny

TL # POLSKA DESIGN

www.pawelgrobelny.com


Po l i s h D e s i g n / Pawel Gro b elny

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U n minimal iste urba in qui joue avec la percept ion

Basé à Poznań, Paweł Grobelny recherche un compromis entre la monumentalité sculpturale et l’attribution d’une utilité adaptée en appliquant la même clarté contextuelle à l’aménagement de l’espace public qu’à la création de meubles. « Je préfère l’échelle urbaine, nous confie-t-il, même si elle est bien plus problématique, dans la mesure où elle impose des contraintes en matière d e r é g l e m e n t a t i o n e t d ’a r c h i t e c t u r e . L’environnement urbain offre en effet une plus grande marge de liberté pour penser l’interactivité. » Pour Paweł Grobelny, les objets domestiques sont avant tout tangibles; son projet Sur le Fil, des unités de table qui jouent sur l’instabilité visuelle, a remporté le prix Rado Design de la Paris Design Week 2013. Les prototypes de meubles sont plus faciles d’accès que les projets publics, qui mettent des années à se concrétiser. Auteur de plusieurs interventions en Belgique, en France et en Chine, le designer suit un processus stratégique : « Si je commence par le dessin pour ensuite passer au modelage, c’est plutôt par souci de compréhension formelle que de présentation, explique-t-il. Je réalise ensuite un support visuel pour communiquer mon idée. » Après avoir conçu une salle de cinéma à la fois abritée et en plein air pour une galerie bruxelloise, après avoir installé dans les jardins de l’Albertine de la capitale belge des bancs Monolith constitués de planches disposées en strates et après avoir aménagé un réseau entier de bancs équipés de sonars à l’occasion de l’Exposition universelle de Shanghai de 2010, Paweł Grobelny développe actuellement Le Cercle, un mobilier urbain, pour la ville française de Mont de Marsan. Sa structure sphérique et modulaire a deux fonctions : faciliter les conversations rapprochées et permettre d’avoir un vaste panorama du paysage vallonné. U r ba n M i n i m a l i st T ests P erc ept i o n

Applying the same contextual clarity to public space and furniture design, Poznań-based Paweł Grobelny balances sculptural monumentality with adapted function. “I prefer the urban scale,” the designer confesses. “Though it poses much more challenges – regulations and architectural constraints – there is more room to inspire interactivity.” Having won Paris Design Week’s 2013 Rado Design prize for his Sur le Fil project – table units that play-on visual instability – Grobelny sees domestic products as tangible. Furniture prototypes are more readably available while public projects take years to realize. Instigating multiple interventions in Belgium, France and China, the designer follows a strategic process. “I start by drawing and then move to modeling – less for presentation but more for getting a formal understanding,” he describes, “I then create visuals to communicate.” After designing an outdoor indoor cinema bench for a Brussels gallery, integrating panel-layered Monolith benches in the Belgian capital’s Albertine garden and installing an entire network of sonar CH Benches during Shanghai’s Expo 2010, Grobelny is currently developing Le Cercle urban furniture in Mont de Marsan, France. The spherical and modular system serves two functions – facilitating close conversation and a wide view over the hilly landscape.

1 — Le designer dans son studio de Poznań /  The designer in his Poznań-based studio 2 — Paweł Grobleny entouré de plusieurs de ses mobiliers, d’influence néoplastique /  Paweł Grobleny with different furniture designs of neoplastic influence 3 — Échantillons de maquettes et de matériaux essentiels au travail du designer / Maquettes and material samples that are essential to the designer’s practice


Po l i s h D e s i g n / Ma r i a J e g l i n s ka

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Maria Jeglinska 1 — La designer dans son studio à Varsovie /  The designer in her Warsaw studio

3 — Des essais graphiques, des échantillons et des projets antérieurs / Graphic tests, samples and past projects

www.mariajeglinska.com

TL # POLSKA DESIGN

2 — Maria Jeglinska avec sa table Circle Collection, développée pour Ligne Roset /  Maria Jeglinska with her Circle Collection Table developed for Ligne Roset


Po l i s h D e s i g n / Ma r ia Jegli n s ka

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U ne br illante designer avide de retrouver ses rac ines

La démarche versatile de Maria Jeglinska, qui se plaît à laisser libre cours à son crayon, à son intuition et à l’expérimentation graphique, lui permet d’aborder aussi bien l’organisation de manifestations artistiques, la scénographie, le mobilier ou la conception d’accessoires. « Je suis mue par la curiosité, nous confie-t-elle. C’est le contexte qui m’intéresse ; le support ne vient qu’après. » Basée à Varsovie, elle a étudié à l’ESAD (Reims) et à l’ECAL (Lausanne) pour ensuite poursuivre sa formation auprès de Konstantin Grcic, la galerie Kreo à Paris et Alexander Taylor ; cette solide base internationale lui a permis de fonder en 2010 son propre

bureau de design et de recherche (Office of Design and Research). Après avoir grandi en France (son père ayant dirigé la librairie polonaise à Paris), Maria Jeglinska a retrouvé il y a deux ans la Varsovie de ses ancêtres pour explorer le potentiel de cette ville et plus largement du pays tout entier. « En Pologne, il n’existe pas vraiment de scène du design, explique-t-elle. La population est encore plongée dans la découverte d’une culture fondée sur les objets. Ce qui est extraordinaire, c’est qu’on y perçoit une véritable énergie, un besoin de se mettre à la page et de recréer une certaine continuité. »

D e xt e ro u s D es ig n er R e t u r n s to h e r Roots

Letting pen, intuitive flow and graphic experimentation lead the way – Warsaw-based Maria Jeglinska’s versatile approach allows her to tackle a large spectrum of activities from curation, scenography to furniture and accessory design. “My main motor is curiosity,” she reveals. “I’m interested in context, the medium is consequential.” With studies at ESAD in Reims and Lausanne-based ECAL, Jeglinska’s training continued with Konstantin Grcic, Paris-based Galerie Kreo and Alexander Taylor. A strong international base that allowed her to found her own practice Office of Design and Research in 2010. Having grown up in France - where her father ran a Polish bookstore – Jeglinska returned to her ancestral Warsaw two years ago to explore this city and country’s potential. “There isn’t much of a design scene yet,” she explains, “people are still discovering an objectbased culture. What’s great is that there is a strong energy, a need to catch up and recreate a certain continuity with modern design.”


Po l i s h D e s i g n / O l a M i re c ka

Ola Mirecka

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TL # POLSKA DESIGN


Po l i s h D e s i g n / O l a M ire cka

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L’introduct ion du play back dans notre quot idien

En mettant l’interaction au service de l’exploration du design, Ola Mirecka relie le créateur et l’utilisateur. Elle explique que « les expositions présentent souvent le design comme une discipline artistique mais en révèlent rarement la véritable utilité. » Cette conceptrice de produits a développé sa propre méthodologie en puisant dans son riche parcours : l’Académie des Beaux-Arts, l’université de design de Varsovie, le programme PG13 de Tomek Rygalik, le Royal College of Art, du théâtre d’improvisation et des stages réalisés dans des agences de publicité basées à Varsovie. Elle travaille actuellement chez Lego, au Danemark. « Je joue avec les formes dans l’espace réel, en trois dimensions ; j’assemble des objets pour inventer de nouvelles formes, explique-t-elle. J’essaye de créer quelque chose que je n’aie jamais vu auparavant. »

Yo u n g Ta l e n t B r i n gs P l ay Bac k i n to Da i ly L ife

L’approche de cette jeune designer ne se limite pas aux compositions élaborées en direct ; les œuvres d’Ola Mirecka sont également ancrées dans le besoin d’aider les autres et d’expérimenter des matériaux. Elle estime qu’« avec les bonnes machines, on peut jouer avec tout support, une fois que l’on commence à le maîtriser et à y être familier. » Si Ola Mirecka est actuellement chargée de développer des produits Lego pour filles, elle poursuit néanmoins son projet S-t-o-n-k-i, des illustrations en trois dimensions tracées dans l’espace au moyen de matériaux solides. Elle utilise des tubes en aluminium qu’elle connecte facilement et rapidement au moyen de joints en thermoplastique biodégradable. Cette technique a donné naissance à des lampes, des tabourets, des horloges et, dernière en liste, une étagère à chaussures. « En traçant mes esquisses d’abord dans l’espace puis sur le papier, je joins l’acte à la pensée », explique-t-elle.

Exploring design through interaction, Ola Mirecka’s work closes the gab between creator and user. “Exhibitions often present design like art but rarely reveal true use,” she explains. Tapping into a diverse range of experiences – studies at the Academy of Fine Arts, Warsaw Design Faculty – as part of Tomek Rygalik’s PG13 programme – the Royal College of Art, High School improv groups, illustration traineeships at Warsawbased advertising agencies and a current position at Lego in Denmark – the product designer has developed a methodology all her own. “I play with shape in real 3D space, putting objects together to find new forms,” Mirecka describes. “I try to create something I’ve never seen before.” The young designer’s approach isn’t limited to live composition but is also rooted in the need to help others and experiment with material. “Every medium allows you to play with it, once you get a certain know-how and flexibility, employing the right machines,” she confesses. Though currently tasked with Lego girl-oriented products, Mirecka continues to develop S-t-on-k-i – 3D illustrations drawn in space using solid material. Aluminum tubes are quickly and instantaneously connected with biodegradable thermoplastic joints. The technique has resulted in pendant lamps, stools, standing clocks and now, a shoe rack. “Sketching in space and then on paper, I add action to thinking,” she explains. 1 — Les lampes suspendues, les tabourets et les horloges S-t-o-n-k-i figurent parmi les dernières créations d’Ola Mirecka /  S-t-o-n-k-i pendant lamps, stools and standing clocks are some of Ola Mirecka’s latest designs / @ Photo by Kate Green 2 — Ola Mirecka à Londres /  Ola Mirecka in London / @ Photo by Kate Green 3 — S-t-o-n-k-i marie les tubes en aluminium aux joints en thermoplastique /  S-t-o-n-k-i combines aluminum tube with thermoplastic joints / Photo @ by Kate Green

www.olamirecka.pl


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / Arch ite ctu ral Ic o n s

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Polish Design History C onte xte h i stor i que de la cré ati on contemporaine polonaise

Bien que sa vitalité la fasse rayonner au-delà de ses frontières, la scène du design polonais n’en a pas pour autant oublié ses racines. Les exceptionnelles archives du Centre de design moderne, fondées en 1978 par Wanda Telakowska qui en fit plus tard don au Musée national de Varsovie, contiennent plus de 25.000 pièces témoignant de l’influence que put avoir l’art et le design modernes sur la création contemporaine.

Aux faïences de Włocławek peintes à la main succédèrent des céramiques sérigraphiées ainsi que de la verrerie destinée à l’usage quotidien, conçus à l’Académie des Beaux-Arts et de Design de Wrocław et fabriqués dans des manufactures de Silésie. Entre 1957 et 1964, les céramiques polonaises furent dominées par les figurines de porcelaines, inspirées des sculptures organiques d’Henry Moore qui eut une large influence sur les beaux-arts polonais.

Cette collection atteste du dynamisme du design polonais moderne des années 1920 et 1930, avec la coopérative Ład notamment, connue pour ses meubles en pin brûlé, ses kilims, ses imprimés Jacquard et ses poteries. Ces archives contiennent également des pièces signées Meko, une marque de mobilier moderniste influencé par De Stijl et le Bauhaus, celles des architectes modernistes de Varsovie et les secrets cachés de l’Académie des Beaux-Arts et de Design de Wrocław.

Aujourd’hui encore, ces œuvres inspirent les designers qui continuent d’exercer à Ćmielów. Avec le regain de popularité du label « conçu et produit en Pologne », les designers et studios polonais commencent à réinterpréter des pièces emblématiques de leur culture grâce à une plateforme telles que Nasz, soutenue par Culture.pl, sous la curatelle de Tomas et Gosia Rygalik.

L’âge d’or du design polonais concerne essentiellement la période 1956-1965 et renvoie au style qualifié de « contemporain », impulsé par l’Institut de design industriel et par l’émergence d’une nouvelle génération de designers, parmi lesquels figurent Teresa Kruszewska et Andrzej Nehring. Les années 1950 constituent une décennie particulièrement fertile qui a vu la sérigraphie sur tissus (pratiquée par des artistes populaires mais aussi par des designers) côtoyer le développement des industries du verre et de la céramique, pendant les années 1940 et le début des années 1950.

Certains d’entre eux explorent l’héritage artistique du néoplasticisme au moyen de nouveaux matériaux et d’idées novatrices pour aménager l’espace domestique et s’approprier l’espace public. Avec la liberté d’expression dont elle jouit aujourd’hui et qui lui confère une place stratégique dans le contexte de l’Europe centrale, la scène du design polonais est plus innovante que jamais. Il convient de rendre un hommage particulier à Oskar Hansen et à ses disciples, qui sont parvenus à développer les qualités et la vision véhiculées par le mouvement de la « forme ouverte » ; ils constituent aujourd’hui une source de créativité, dans la mesure où ils ont su gommer et redéfinir les frontières entre les beaux-arts et les arts visuels.

TL # POLSKA DESIGN

1 - 2 — Le Palais de la Culture et des Sciences de Varsovie, 1952-1955, avant et après 2005 /  The Palace of Culture and Science of Warsaw, 1952-1955, before and after 2005


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / A rch ite ctu ral Ic o n s

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G i v i n g C o n t e m p o r a ry C r e at i o n H i stor i ca l C ontext À lire / To read - Anna Maga, Anna Demska, Anna Frąckiewicz, We want to be modern, Polish Design 1955-1968 from the Collection of the National Museum in Warsaw, 4.2-17.4.2011 ed. National Museum Warsaw, www.mnw.art.pl - Czesława Frejlich, Dominik Lisik, Polish Design : Uncut, ed. Culture.pl/Adam Mieckiewicz Institute, 2013. - Dir. Czesława Frejlich, introduction David Crowley, Out of the Ordinary, Polish designers of the 20th century, ed. Culture.pl /Adam Mieckiewicz Institute. - Dir. Alekstandra Kędziorek, Łukasz Ronduda, Oskar Hansen Opening Modernism, An Open Form Architecture, Art and Didactics, ed. Museum of Modern Art Book Series, Warsaw, 2014. - Filip Springer, Alekstandra Kędziorek, photo Jan Smaga, The house as open form, the Hansens’ summer residence in Szumin, ed. Museum of Modern Art, Cracow - Warsaw / Mówi Museum, 2014.

Pushing beyond national borders, today’s fiercely energetic Polish design scene hasn’t forgotten its heritage. Emblematic of how history can influence contemporary design to foster new narratives, The Centre of Modern Design’s one-ofa-kind archive – founded in 1978 by Wanda Telakowska – which she later donated to the National Museum in Warsaw – comprises more than 25 thousand objects. Such a collection testifies to the dynamism of modern Polish design, between 1920 and 1930 – with such examples as the Ład Cooperative, known for their burnt-pine furniture, kilims, Jacquard textiles and pottery. The archive also reveals Meko modern colourinfused furniture, influenced by De Stijl and the Bauhaus, modernist Warsaw-based architects and hidden secrets from Academy of Fine Arts and Design, Wrocław. The Golden age of Polish design, so-called ‘contemporary’ style, was especially important from 1956 to 1965, under the directive of the Industrial Design Institute and a new generation of designers including Teresa Kruszewska and Andrzej Nehring. The 1950’s were a highly creative period, where screenprinted textiles designed by folk artists and designers were joined by the advent of new glass and ceramics industries

emerging from the 1940‘s to early 1950‘s. Włocławek handpainted faience was followed by printed earthenware everyday-use glass manufactured in Silesian factories and designed at the Academy of Fine Arts and Design, Wrocław. Porcelain figurines defined Polish ceramics between 1957 and 1964, taking inspiration from Henry Moore’s organic sculptures. Such oeuvres continue to inspire contemporary designers and are still produced by Ćmielów. Now that the ‘designed and produced in Poland’ motto is on a comeback, Polish designers and studios are reinterpreting icons, thanks to brand-, product- and designer-based platforms such as Nasz. Some are exploring the artistic heritage of Neoplasticism, with new materials and innovative ideas for domestic and reclaimed public space. With today’s freedom of speech, the Polish design scene is more then ever, innovative – accounting for a strategic position within Central Europe. A special tribute goes to Oskar Hansen and his followers, who have continuously advanced the ‘open form’ theory – as a source of humane creativity, merging and redefining the boundaries between fine and visual arts.

3 — La Tour de la Foire internationale de Poznań près de la New School of Form / The Tower of the International Fair of Poznań near the New School of Form, 1929 4 — Arch. Maks Berg, La Halle Populaire ou Halle de Cent Ans en béton de Wrocław, l’un des 13 monuments polonais inscrits sur le Liste de Patrimoine Mondial de l’UNESCO, 1906 / The Popular Hall or the Hundred Years Hall in concrete, Wrocław, one of 13 Polish monuments on the UNESCO World Heritage List, 1906


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / M o der n A r t M u s eu m Wars aw

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Museum of Modern Art Warsaw

3 — Détail de la façade / Detail of the facade

TL # POLSKA DESIGN

1 - 2 — Slavs and Tartars


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / M o der n A r t M u s eu m Wars aw

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5 — La peinture sur verre de Paulina Ołowska recouvre la façade du Musée d’art moderne de Varsovie / Paulina Ołowska’s glass painting covers the Museum of Modern Art Warsaw’s facade

4 — Posters de Jerzy Kolecki reinterprétés par Paulina Ołowska / Posters of Jerzy Kolecki reappropriated by Paulina Ołowska

6 — Zadyma de / by Ewa Axelrad

7 — Untitled de / by Katarzyna Przezwanska


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / M o der n D e si gn - Nati o n al M u s eu m Warsaw

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Modern Design Archive / National Museum Warsaw

1 — Anna Maga, collection curator, musée national de Varsovie / National Museum, Warsaw

TL # POLSKA DESIGN

3 - 4 — Details sur textiles / Details of textiles

2 — Textiles / Textiles


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / M o der n D e si gn - Nati o n al M u s eum Wa rsaw

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4 - 5 - 6 — Wladyslaw Wołkowski, surnommé ‘le Michel Ange du rotin’ (médaille d’or à l’Exposition internationale de Paris, 1937 ; commande de la cour royale de Belgique, 1957), sélection de pièces de design moderne en rotin allant du mobilier aux plateaux, corbeilles, avec un rythme et des motifs au design unique, années 50-70. Le musée d’Olkusz dispose d’une collection permanente de l’œuvre de Wołkowski / Wladyslaw Wołkowski, named the ‘Michel Angelo of wicker,’ honoured with the golden medal during the international exhibition in Paris, 1937, commissioned by the royal Belgian court, 1957, selection of wicker furniture – from trays to baskets, unique rythmic patterns designed in 1950’s, 60’s and 70’s. The Olkusz museum owns an extensive Wołkowski wicker collection

9 - 10 - 11 — La collection des figurines et croquis de la manufacture de céramique de Ćmielów, fin des années 50 /Late 1950’s ceramic figurines and sketches from the Ćmielów Porcelain factory

7 - 8 — Pièces uniques en verre soufflé des années 1960 et 1970 créées à l’Académie des Beaux-Arts et du Design de Wrocław / Unique 1960’s and 1970’s glass designed at the Academy of Fine Arts and Design Wrocław


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / From Ne o plas tic A r t to O p en Fo r m

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From Neoplastic Art to the Open Form

1 — La Chambre Néoplastique, composition ouverte de Wladyslaw Strzeminski datant de 1948, musée d’Art, Łódź / The Neoplastic Room, open composition by Wladyslaw Strzeminski in 1948, Museum of Art, Łódź 2 — A Better Tomorrow de / by Jarosław Fliciński 3 — Prototype Structures de / by Liam Gillick

TL # POLSKA DESIGN


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / Fro m Ne o plas tic A r t to O p en Fo rm

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2— Scénographie de Marlena Kudlicka, a ‘divided dot’ pour l’exposition Changing the Field of View, Modern Printing and AvantGarde, 2014, musée d’art de Łódź / Marlena Kudlicka’s ‘divided dot’ set design for the Changing the Field of View, Modern Printing and Avant-Garde exhibition 2014, Museum of Art, Łódź

3 — Teresa Gierzynska, Lithographie, pièce unique, 1969, collection privée, Belgique / Litography, unique piece 1969, private collection, Belgium 4 — Exposition Touch, photographies de Teresa Gierzynska (1947) à la galerie d’art Pola Magnetyczne, Varsovie, animée par Gunia Nowik et Patrick Komorovski / Touch exhibition, photographs by Teresa Gierzynska (1947) at Pola Magnetyczne gallery in Warsaw, with both gallery owners Gunia Nowik and Patrick Komorovski www.polamagnetyczne.com


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / O skar Han s en Ho u s e

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Oskar Hansen House TL # POLSKA DESIGN


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / O skar Han s en Ho u s e

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M an i feste de la Forme O uverte L a ma i son d’O skar et Zof i a Hansen à Szum i n

Entre 1969 et 1970, l’architecte, artiste et théoricien Oskar Hansen construisit sa datcha d’été à Szumin, près d’un lac d’oxbow pittoresque et la rivière Bug, en Pologne centrale. Après 45 ans, cette maison discrète – conçue et construite ensemble avec sa femme Zofia et son fils Igor, ont rejoint le réseau Iconic Houses comme la première propriété moderniste polonaise. Oskar Hansen ne pensa jamais à cette maison de vacances en terme de future icône. En temps que membre de la Team X, un groupe formé de jeunes architectes rejetant le concept architectural de ‘machine à vivre’ du CIAM, il considère sa tâche propre comme étant celle de créer des cadres architecturaux occupés par les événements quotidiens de leurs usagers. La Forme Ouverte, d’abord présentée au congrès du CIAM d’Otterlo en 1959, est en opposition aux bâtiments parfaitement finis qui s’érigeaient en monument à leurs concepteurs. Elle se concentre plutôt sur la garantie de l’expression individuelle de l’usager, même dans le cas d’un habitat préfabriqué en série. Dans le but d’accomplir leurs ambitions dans le cadre de l’état socialiste, les Hansen réalisèrent une enquête sur les futurs habitants de leurs lotissements, bien que la majorité de leurs efforts furent gachés par la mauvaise distribution des appartements et les lacunes dans la construction des bâtiments socialistes. Bien que la majorité de leurs projets n’existent que sur le papier, visiter la maison des Hansen à Szumin peut vous donner une idée de ce à quoi le monde aurait ressemblé s’il avait été organisé en accord avec la théorie de la Forme Ouverte. Contrairement à la plupart des maisons iconiques, où c’est l’architecture qui joue le rôle du premier violon, la maison de Szumin devient vivante uniquement dans l’interaction avec les personnes. Commençant avec le banc qui invite les passants à s’asseoir un moment et à

rencontrer les habitants, permettant aux résidents de ne pas oublier leur contexte de vie, la maison offre aux visiteurs de multiples stimuli afin de développer une attitude active face à leur environnement. Engageant tous leurs sens – d’abord et avant tout la vue, l’ouïe et le toucher – et jouant avec leurs habitudes en floutant les limites entre l’intérieur et l’exterieur, la maison encourage une réception plus consciente de l’espace. Les fenêtres-cadres, qui offrent différentes vues en fonction de la position du spectateur, indiquent l’importance de la présence du corps dans l’architecture, tandis que les ouvertures exposant les activités des autres habitants renforcent son caractère social. Dans le même temps, des outils tels qu’une table longitudinale au plan coloré qui peut être utilisée individuellement et des instruments à panneaux amovibles – comme ceux employés par Oskar Hansen dans ses cours à l’Académie des beaux-arts de Varsovie, au travers desquels un individu peut sélectionner sa propre composition – ouvrent l’architecture à l’expression individuelle et à une prise de décision subjective. Élaborée en stricte connexion avec le paysage et le climat, la maison attire l’attention des visiteurs sur la nature. La surface grise et régulière du toit et les planches colorées situées dans le jardin aux alentours forment un arrièreplan mettant en valeur la nature en floraison et les arbres du verger. Une structure d’acier conçue pour la Biennale de Venise de 1977 sert de support à une vigne et de base à un colombier en bois que Zofia Hansen considérait comme la meilleure œuvre architecturale de son mari. Chaque détail de cette maison, conçue avec soin et en respectant la nature, permet à chacun de bénéficier de la richesse du monde environnant.

1 — Vue depuis la route /  View from the road 2 — Modèles conceptualisant le marché conçu par Oskar et Zofia Hansen pour Juliusz Słowacki Housing Estate à Lublin / Conceptual models of the market designed by Oskar and Zofia Hansen for Juliusz Słowacki Housing Estate in Lublin 3 — Intérieur de la maison /  Interior of the house


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / O skar Han s en Ho u s e

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TL # POLSKA DESIGN

1 — Tableau mobile didactique similaire à celui que Hansen employait dans son atelier de l’Académie des beaux-arts de Varsovie pour jouer avec la composition /  A didactic apparatus similar to those which Hansen used in his teaching at Warsaw Academy of Fine Arts encourages to play with composition 2 — Vue de la maison /  View of the house 3 — Igor & Alvar Hansen, jeu d’échecs /  Chess figures


Po l i s h D e s i g n H i s to r y / O skar Han s en Ho u s e

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Manifesto of O p en For m House of O skar and Zof ia Hansen in Szumin

Between 1969 and 1970, architect, artist and theorist Oskar Hansen built his wooden-clad summer home in Szumin – on the picturesque oxbow lake and Bug river, in central Poland. After 45 years, the unobtrusive house – designed and constructed together with his wife Zofia and son Igor, joined the Iconic Houses Network, as its first Polish property. Oskar Hansen never thought that the work he and his wife designed could ever become future icons. As a member of Team 10 – a group formed by young architects rejecting CIAM’s concept of architecture, defined as a «machine for living», Oskar saw his own task as the creation of architectural frames, which could accommodate everyday activites. The ‘open form’ theory, first presented at the 1959 CIAM congress in Otterlo, stood in opposition to the perfectly finished buildings which only served as monuments to their designers. Instead, it focused on guaranteeing the user’s individual expression, even in prefabricated mass housing. However, much of the Hansens’ efforts to revolutionise the building industry – introducing the ‘open form assumptions’ were wasted because of the shortages of socialist building industries. Although most of their projects only exist on paper, a visit to the Hansens’ house in Szumin offers an idea of how the world might have looked when organized according to their ‘open form’ theory. Contrary to most iconic houses, where architecture plays the first fiddle, the house in Szumin serves

its function, only when animated by the interaction of people. Starting from a bench that invites passers-by to sit down for a while and meet the inhabitants, the house’s wall reminds dwellers of its context. The property provides users with multiple stimuli, inspiring an active attitude toward their surroundings. Engaging all the senses - sight, hearing, touch – and blurring the boundaries between inside and outside, the house encourages a more conscious reception of space. Windows offer different persepectives, depending on the viewer’s position, indicating the importance of the body’s presence in architecture. The openings expose the inhabitant’s activities, enhance the house’s social character. At the same time, tools – like a longitudinal table with a two-colour top, which can be modified individually, and didactical apparatuses used by Oskar Hansen in his teaching at Warsaw Academy of Fine Arts – introduce element of play in the architecture, open to individual expression and subjective composition. Designed in strict accordance with the landscape and climate, the house draws the users’ attention to nature. The grey and even roof surface and colourful boards – located in the surrounding gardens – form a dramatic backdrop, revealing blossoming flowers and trees in the orchard. A steel structure, from the 1977 Venice Art Biennale, serves as a support for a grapevine and as the base of a wooden dovecote – what Zofia Hansen, party joking, described as her husband’s best architectural piece. Every detail in this house, designed with care and respect for nature, helps the users benefit from the rich surroundings. Since May 2014, when the Museum of Modern Art in Warsaw became its custodian, the house has been open to the general public during organized visits, its richness can now be experienced by everyone. www.iconichouses.org, www.artmuseum.pl

Exposition / Exhibition Oskar Hansen, Macba Barcelona > 06.01.2015, Museu de Arte Contemporanea de Serralves, Oporto, 2015 1 - 2 — Pause déjeuner / Lunch 3 — Le grenier /  The attic


Po l i s h S c ho ol / N ew S c ho ol o f Fo r m

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New School of Form

L a N ew S c h ool of Form

La New School of Form façonne les designers de demain en leur insufflant une orientation pragmatique. Basée à Poznań, cet établissement met un point d’honneur à fournir des bases artisanales solides à ses étudiants tout en leur dispensant des cours de sciences humaines et sociales. Cette institution fondée il y a trois ans est divisée en quatre département holistiques et à participation libre : architecture d’intérieur, mode, design industriel et communication. Sa vocation est de couvrir toutes les questions importantes auxquelles se trouve confrontée la société actuelle. Les étudiants peuvent y expérimenter tous les aspects du design tout en bénéficiant des conseils d’un groupe de techniciens internationaux et de professionnels de renom prévus à cet effet. Les jeunes talents ont accès à des ateliers en perpétuelle croissance ; ils sont amenés à participer à des exercices de formation pour ensuite pouvoir développer leurs propres concepts en toute liberté. La New School of Form bénéficie d’apports extérieurs critiques en la personne de Lidewij Edelkoort, l’une des fondatrices de l’école et véritable gourou de la mode, mais aussi de la collaboration de plateformes industrielles et culturelles. T he New Sc hool of For m

3 — Les étudiants sont chargés d’organiser leurs propres événements ainsi que les expositions de fin d’année / Students organize their own events and end of the year exhibitions

www.sof.edu.pl

TL # POLSKA DESIGN

1 - 2 — Les étudiants en première année expérimentent les formes, les couleurs et les fonctions au travers d’une série d’expériences formelles / First year students experiment with shape, colour and function through a series of formal tests

Shaping tomorrow’s designers with a real word-orientation, Poznań-based New School of Form makes a strong argument for hands-on education, balanced with a human and social science foundation. Divided into four holistic and openatelier style departments – Domestic, Fashion, Industrial and Communication – the three-year-old institution looks to cover all relevant issues facing society today. Students are able to experiment with all aspects of design while receiving guidance from an international group of dedicated technicians and established professionals. Equipped with ever growing workshops, young talents are put through a series of formative exercises before being given free rain to develop their own concepts. Outside critiques by trend guru Lidewij Edelkoort – one of the school’s initiators – are joined by collaboration with industrial and local cultural platforms.


Po l i s h S c ho ol / Ac ad emy o f Fi n e A r ts an d D e s ign Wro cl aw

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Academy of Fine Arts and Design L’Acad é m i e des B eaux-A rts et du D esi gn de W rocław, d é partement verre

Academy of Fine Arts and Desig n Wrocław, Glass Department

Équipé d’installations dernier cri, des ateliers flambant neufs de travail à chaud, à froid et à la flamme, le département verre de l’Académie des Beaux-Arts et de Design de Wrocław introduit la valeur de la fonctionnalité dans un domaine traditionnellement associé aux beauxarts. « Je donne aux étudiants des tâches spécifiques à accomplir, explique Agnieszka Bar, professeur associée. Nous cherchons souvent à résoudre des problèmes sociaux réels. » Des étudiants de Master comme Justyna Turek, Ewa Ludko et Edyta Sarba explorent des thèmes variés allant du nomadisme urbain au bien-être sur le lieu de travail en passant par l’accessibilité de l’art, le tout dans le cadre d’une riche tradition de création de verreries contemporaines d’une remarquable qualité.

Endowed with state-of-the-art facilities – brand-new hot-, cold- and flame-working ateliers – the Academy of Fine Arts and Design, Wrocław’s glass department introduces the value of function into a domain, normally associated with fine art. “I give students special tasks to solve,” associated professor Agnieszka Bar explains, “we often look to address real social problems.” Representing their department, master postgraduates – like Justyna Turek, Ewa Ludko and Edyta Sarba – explore themes as varied as urban nomadism, to workplace well-being and the accessibility of art. All follow in a rich tradition of wellconceived contemporary glassware.

1 — GreeIN d’Edyta Skorba fait entrer la vie végétale dans l’espace professionnel / GreeIN by Edyta Skorba brings plant life into the office 2 — Blanche Fleur Noire Fleur de Justyna Turek représente le sentiment de surprise éveillé par la mode au travers d’une collection de flacons de parfum pour elle et pour lui /  Blanche Fleur Noire Fleur by Justyna Turek emulates the element of surprise found in fashion through a collection of his and her perfume bottles 3 — La collection Elemates d’Ewa Ludko se compose de contenants multi-usages conçus pour des jeunes citadins /  Elemates by Ewa Ludko are multi-use vessels destined for young urban-dwellers

www.asp.wroc.pl


www.culture.pl

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Promoting Polish Design Worldwide TL # POLSKA DESIGN

Culture.pl

Pro m o ting Po l i s h D e s i g n / Cu l tu re. pl


Promo t i ng Po l i s h D e si gn / Cu ltu re. pl

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P romouvoir le design polona is dans le monde

Culture.pl, la marque emblématique de l’Institut Adam Mieckiewicz, fait la promotion de la Pologne et de la culture polonaise à l’échelle mondiale. En mettant sur pied des initiatives de haute qualité, des événements dans les domaines de l’art et du design, cette plateforme ambitionne d’introduire la culture contemporaine polonaise à une audience internationale. En explorant des thématiques allant de l’artisanat traditionnel, du design culinaire au design contemporain pour tous publics, enfants et adultes, Culture.pl place le design au cœur de son réseau de promotion afin de communiquer et de disséminer la créativité polonaise. Grâce à Culture.pl, le design polonais a été présenté sur les plus importants événements à l’international : ICFF et la design week à New York, le Design Weekend à São Paulo, Paris Design Week, Istanbul Design Week, Inno Design Tech Expo à Hong Kong. Hormis l’organisation d’expositions, d’événements et de workshops, Culture.pl édite aussi de nombreuses publications sur le design polonais contemporain, dont Out of the Ordinary et Polish Design: Uncut. Le design polonais est en train de s’épanouir et Culture.pl met tout en œuvre pour le faire connaître.

P ro m oti n g p o l i s h d es i g n wo r l dw i d e

Culture.pl, the flagship brand of the Warsaw-based Adam Mickiewicz Institute, promotes Poland and Polish culture worldwide. Through the presentation of high-quality initiatives and events in fields such as art and design, it aspires to introduce an international audience to contemporary Poland. Exploring themes ranging from traditional crafts, food design, to modern design for children and adults, Culture.pl uses design as a platform for presenting and promoting Polish creativity. Thanks to Culture.pl, Polish design has been showcased at some of the biggest events around the globe: from New York’s ICFF and design week! São Paulo Design Weekend, through Paris Design Week, Istanbul Design Week, to the Inno Design Tech Expo in Hong Kong. Apart from organizing exhibitions, events, and workshops, Culture.pl has also put out numerous publications about contemporary Polish design, such as «Out of the Ordinary» and «Polish Design: Uncut». Polish design is booming and Culture.pl will make sure you know about it.

1 — Lancement du livre Polish Design: Uncut / Polish Design: Uncut book launch, Łódź Design Festival 2013 2 — Illustration, Agata Królak, exposition «Designing Polska - Design in Poland» exhibition, London Design Festival 2014 3 — Chaises Diago / Diago chairs, design: Tabanda 4 — Young Creative Poland: 4 Years On exhibition, London Design Festival 2013


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Po l i s h D e s i g n / B a r te k M e jo r

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Bartek Mejor TL # POLSKA DESIGN

www.bartekmejor.com


Po l i s h D e s i g n / B a r tek M ej o r

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un c é ram iste qui donne un souffle nouveau à la porcelaine

De retour depuis peu dans sa Varsovie natale, Bartek Mejor est réputé pour ses explorations formelles et ses méthodes d’avant-garde. Ce designer en céramique a bénéficié de la tutelle de Daniel Reynolds, un créateur basé à Londres ; il a par ailleurs étudié au Royal College of Art avec le chef d’atelier et céramiste Martin Smith et réalisé un séjour prolongé à la manufacture de porcelaine Vista Alegre, à Porto. Au fil de ces expériences, Bartek a acquis une grande maîtrise de la céramique, mais il n’a pas voulu en rester là. « J’ai développé un grand intérêt pour la fonte à la cire perdue et pour la dimension organique de ce processus, qui permet de générer des formes sans passer par un ordinateur, mais en employant des outils différents, en prélevant des textures de la nature et en leur donnant corps dans un espace en trois dimensions. » La dernière création de Bartek Mejor, intitulée Cyclone, suit cette même ligne tout en s’éloignant des structures géométriques développées par le passé. « Mon idée était de stimuler ou de presque cristalliser le mouvement de la porcelaine liquide, l’état dans lequel on la travaille », explique-t-il. En perpétuelle exploration de nouvelles formes et applications, Bartek aimerait puiser dans la capacité industrielle de son pays pour créer sa propre marque « faite en Pologne ». « Je ne pourrai plus jamais abandonner la céramique, maintenant que j’ai acquis une telle maîtrise de sa texture et du procédé de la satisfaction  », nous confie-t-il. C e r a m i st R ej u v e n at es Porc el a i n

Recently back in his native Warsaw, ceramic designer Bartek Mejor is known for his formal explorations and cutting-edge methods. Under the tutelage of London-based craftsmen Daniel Reynolds, over the course of his studies at the Royal College of Art with ceramist Martin Smith and during an extensive residency at Porto-based porcelain factory Vista Alegre, Mejor grasped the craft but didn’t stop there. “I became very interested in the organic process of melting wax, generating shape away for the computer and using different tools,” he explains, “finding textures from nature and bringing them into 3D form.” Demonstrating these characteristics but moving away from geometric structures developed in the past, Cyclone is Mejor’s latest creation. “The idea is to stimulate or almost freeze the movement of liquid porcelain – the state in which we work with it,” he describes. Continuously exploring new forms and applications, Mejor would like to establish his own ‘Made in Poland’ brand - tapping into his country’s industrial force. “I could never let go of ceramics, having mastered the tactility and satisfaction I can attain,” he reveals.

1 — La lampe Magma est un exemple des récentes explorations de formes organiques menées par le designer / Magma lamp exemplifies the designers recent exploration of organic form 2 — Bartek Mejor à Varsovie / Bartek Mejor in Warsaw 3 — Vases Quartz, créés pour la manufacture Vista Alegre, basée à Porto / Quartz vases, developed for Porto-based porcelain factory Vista Alegre, Photo © Wawrzyniec Skoczylas 4 — Le vase Polypeest inspiré de créatures de l’océan / Polyp vase is inspired by ocean creatures, Rendering courtesy of the designer


Po l i s h D e s i g n / K r ys z tof J. Lu kas ik

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Krysztof J. Lukasik TL # POLSKA DESIGN

www.kryzstoflukasik.com


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D es artefacts contemporains dérivés de la litt érature et de la mode

Imprégné de références historiques, le travail de Krzysztof J. Lukasik explore la valeur fonctionnelle de la beauté. « J’ai toujours été fasciné par les objets, raconte-t-il. Mais je ne suis pas un designer industriel ni un inventeur. » Baigné de littérature moderne française dès son plus jeune âge, ce natif de Varsovie s’est rendu en France pour y suivre une formation de professeur de langue ; au bout de quelques années toutefois, il décida de passer à un tout autre registre. Diplômé de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Lyon, ce jeune créateur basé à Paris s’est rapidement découvert une affinité pour la conception de produits. C’est à la suite de stages réalisés chez des créateurs de mode (Chloé, Maison Martin Margiela et Natalia Brilli) que le jeune talent s’est lancé dans le design d’accessoires. Ce nouvel élan l’a amené à l’ECAL (Lausanne), où il a suivi un cursus novateur en design du luxe (intitulé Advanced Studies, Design for Luxury and Craftsmanship). « J’ai choisi cette école dans le souci de développer mon sens de l’organisation », explique-t-il. Aujourd’hui, Kryzstof J. Lukasik travaille pour des marques telles que Loewe, du groupe LVMH, dont il cherche à élargir la gamme de produits ; il participe en outre à l’un des ateliers de savoir-faire d’Hermès. Puisant dans ses expériences et dans une éducation intellectuelle empreinte d’esthétique et de mode, il ressuscite le procédé de la pétrification. Celui-ci se fonde sur des techniques d’assemblage de roches datant de la Venise du XVIIe siècle pour créer des extrusions triangulaires. Les objets nés de ce procédé à partir d’un spectre de marbre de serpentine, de calcaire de Ruoms et de roche volcanique, constituent des alternatives rigides au marque-page traditionnel.

C o n t e m p o r a ry A rt i facts D er i v e f ro m L i t er atur e and Fashion

Rooted in rich historical reference, Paris-based Krzysztof J. Lukasik’s designs explore the functional value of beauty. “I’ve always been a fan of things,” he describes, “but I’m not an industrial designer, creating inventions.” With a childhood and early education immersed in modern French literature, the Warsaw-native came to France to train as a language teacher but after a few years, Lukasik decided to pursue an entirely different vocabulary. Enrolled at the Academy of Fine Arts in Lyon, the young creative quickly found an affinity for product design. Internships with fashion houses Chloé, Maison Martin Margiela, and Natalia Brilli, threw the young talent into accessory design. A boost that brought him to Lausanne-based ECAL – eventually graduating from the groundbreaking Advanced Studies, Design for Luxury and Craftsmanship programme. “I choose this school to gain a sense of organization,” he explains. Today, Lukasik continues to work for brands like LVMH’s Loewe – looking to introduce a wider range of products – and partakes in one of Hermès’ Atelier du Savoir-faire. Easily the sum of his experience – pulling from an intellectual upbringing, historical aesthetics and fashion rearing – Pétrification brings in 17th-century Venetian stone-adhesion techniques to create triangular extrusions. Built from a spectrum of Serpentine marble, Ruoms limestone and volcanic rock, these objects serve as solid alternatives to the traditional bookmark.

1 — Le designer dans son studio de Paris /  The designer in his Paris-based studio 2 — Krzysztof J. Lukasik croit dans le potentiel fonctionnel de la beauté /  Krzysztof J. Lukasik believes in the functional power of beauty 3 — Pétrification conjugue l’utilisation de techniques et de matériaux anciens à des fins absolument contemporaines /  Pétrification brings in ancient materials and techniques for an entirely contemporary purpose, Photo © Wojtek Spychalski


Po l i s h D e s i g n / Jan Lu t y k

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Jan Lutyk

TL # POLSKA DESIGN

www.lutyk.pl


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Q uand les matériaux et l’Histoire inspirent le design

Influencé par l’anthropologie, Jan Lutyk invente des meubles fonctionnels tout en laissant des matériaux naturels orienter son processus créatif. « Je préfère les objets qui échappent à l’emprise du temps aux concepts qui se contentent de suivre les tendances et deviennent obsolètes au bout de cinq ou dix ans », nous confie-t-il. Basé à Varsovie, Jan Lutyk a récemment été diplômé du département de design de l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie, où il a participé au programme PG13 de Tomek Rygalik. Comme beaucoup de ses camarades de classe qui ont suivi ce même cours spécialisé, il a adopté une démarche fondée sur l’honnêteté et le pragmatisme et se livre à une exploration perpétuelle de la valeur de l’utilité pour la création esthétique. La pièce la plus reconnue de Jan Lutyk, le Ribbon stool, témoigne de cet engagement. En menant des expériences sur de fines bandes de contreplaqué et en suivant son intuition, le designer cherche à voir comment se comporte le matériau et quelle forme il pourrait prendre dans un espace en trois dimensions. De cette recherche est né un tabouret composé de bandes qui se superposent et se rejoignent pour en former les trois pieds, eux-mêmes renforcés par des couches supplémentaires. La forme organique ainsi obtenue suit son propre mouvement, simple et géométrique. Réceptif à l’histoire polonaise, son propre héritage, Jan Lutyk s’est par ailleurs inspiré d’un ancien archétype pour développer son échelle pliante, Folding Ladder. Influencé par sa structure originale à trois branches, cette adaptation contemporaine en aluminium s’articule autour d’un mécanisme simple. « Si j’ai développé l’idée d’un tronc unique sur lequel viennent se greffer des marches qui se plient comme des branches, c’est parce que les échelles constituées de plusieurs éléments sont trop compliquées », explique-t-il. Lutyk a récemment démarré sa collaboration avec sa femme, elle aussi designer, Agata Matlak Lutyk qui lui a ouvert les portes de l’atelier bois de son arrière grand-père datant de l’époque communiste. M ater ial and History Dr ive Desig n

Taking his cues from anthropology, Warsaw-based Jan Lutyk invents functional furniture while allowing natural materials to direct his process. “I like objects that are timeless,” the young talent confesses, “not designs that follow trends and fall out of fashion after five to ten years.” Lutyk recently graduated from the Academy of Fine Arts Warsaw, design faculty, where he took part in Tomek Rygalik’s PG13 programme. Like many of his classmates – who attended the same specialized course – he adheres to an honest, no-nonsense approach and continuously explores the value of utility over aesthetic configuration. The Ribbon stool, Lutyk’s most recognized work, testifies to this commitment. Experimenting with thin strips of veneer, the designer intuitively explored how the material behaves, how it could translate into 3D form. The result is a jointed leg component – reinforced by additional sheets – combined into an overlapped three-prong stool. The organic form follows its own simple geometry. 1 — Le designer dans son atelier en bois avec son fameux Ribbon stool /  The designer in his wood workshop with his well known Ribbon stool 2 — Il a également commencé à travailler la céramique /  He has also begun to experiment with ceramics 3 — Jan Lutyk tire son inspiration de l’anthropologie et du comportement des matériaux /  Jan Lutyk draws inspiration from anthropology and material behavior 4 — Ribbon stool de / by Jan Lutyk

In touch with Polish history – his own heritage – Lutyk developed Folding Ladder based on an ancient archetype. Inspired by its original tree branch-composed structure, this present-day aluminum adaptation employs a simple easy-to-use mechanism. “I took the idea of a single form with foldable steps like branches as ladders that compact down into multiple elements are two complicated,” he explains. Mostly recently, Lutyk has begun collaborating with his wife and fellow designer Agata Matlak Lutyk – working in her great-grandfather’s communist-era wood workshop.


Po l i s h D e s i g n / M o ni ka Patu szy ń ska

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Monika Patuszyńska TL # POLSKA DESIGN

www.patuszynska.art.pl


Po l i s h D e s i g n / M o n ika Patu s zy ń s ka

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U ne porcela ine à la fo is abstraite et figurative

Monika Patuszyńska a passé plus de vingt ans à explorer et à perfectionner la porcelaine et son destin est lié aux qualités intimes, tactiles, délicates et expressives de son support de prédilection. Ancienne présidente du Symposium international de céramique, Porcelain Another Way, et actuelle directrice artistique de l’Institut de design de Kielce, sa voix fait autorité dans le monde de la céramique. Cette céramiste de grand talent basée à Varsovie consacre sa pratique aux procédés plutôt qu’à leurs résultats, qui n’en sont à ses yeux qu’un « effet secondaire ». « J’apprivoise les accidents, je joue avec la nature des erreurs, même si ce processus se mue rapidement en une technique, explique-t-elle. Conquérir le matériau ne m’intéresse pas, je préfère le traiter comme un partenaire. » Ces dernières années, elle a développé deux projets distincts. Le premier, intitulé NonForms, explore la possibilité de couler de la porcelaine sans utiliser de moule en plâtre, dans la mesure où le vide est une dimension inhérente aux contenants. Le second, intitulé TransForms, se compose d’une série de pièces confectionnées à partir de moules ébréchés et cassés récupérés dans des manufactures de céramique et revisite des motifs et procédés traditionnels. Le premier projet a donné naissance à des bols sphériques évoquant la surface de la lune que Peter Marino vient d’intégrer à la boutique historique de Guerlain à Paris, tandis que le deuxième a fait surgir des structures rappelant des totems. Po rc e l a i n M a d e A b st r act a n d R ep r es e n tational

Tied to the intimate, tactile, challenging and expressive qualities of her chosen medium, Warsaw-based Monika Patuszyńska has spent more then 20 years exploring and perfecting porcelain. As the former president of the International Ceramics Symposium, Porcelain Another Way and current Artistic Director of the Institute of Design in Kielce, she is a strong voice in the ceramics scene. Constantly reevaluating constraints, the master ceramist dedicates her own practice to the process rather than results – what she deems a ‘side effect.’ “I’m an accident tamer, playing with the nature of mistakes, however this quickly becomes a technique,” she explains. “I’m not interested in conquering nature or the material but rather treating it as a partner.” In recent years, Patuszyńska has developed two distinct approaches; NonForms – investigating the possibility of casting porcelain without paster moulds, considering the role of the void as inherent to vessels – and TransForms – a series conceived from broken and crippled moulds, collected in ceramic factories, borrowing details and traditional processes. The former results in spherical bowls, resembling the moon’s surface – that Peter Marino has just integrated into his historical Geurlain boutique in Paris, while the latter creates totemlike structures.

1 — La designer dans son atelier de céramique, à Varsovie, entourée d’œuvres récentes et plus anciennes /  The designer in her Warsaw ceramic atelier, next to recent and older works 2 & 4 — TransForms enduit de vernis de couleurs différentes / TransForms glazed in different colours 3 — Monika Patuszyńska est une référence dans sur la scène internationale de la céramique /  Monika Patuszyńska is a major voice in the international ceramics scene


Po l i s h D e s i g n / C hmara Ro si n ke

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Chmara Rosinke

TL # POLSKA DESIGN

www.chmararosinke.com


Po l i s h D e s i g n / C hmara Ro si n ke

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U n duo qu i plonge dans les profondeurs de l’ h omme et de l’ espace

Duo Delves into Human and Spatial Scal es

Chmara Rosinke, un duo constitué de Maciej Chmara et d’Ania Rosinke, explore la dimension interactive du design au travers d’une psychologie axée sur la forme. Basé à Vienne, ce duo développe des concepts novateurs repensant la manière dont nous consommons ou partageons les repas. « Pour avoir beaucoup voyagé, nous sommes convaincus de l’importance de la réduction », nous confie Rosinke. Après des études à Gdańsk, tous deux sont partis en Érasmus dans la ville autrichienne de Linz, en immersion dans un programme spécialisé en stratégies d’espace et du design. Une exposition consacrée à l’architecture polonaise du XXe siècle les a amenés à collaborer et à se rendre compte de leurs préoccupations communes. C’est cette expérience qui les a décidés à s’installer à Vienne et à travailler ensemble. « Les objets influencent la société en commençant à petite échelle, par les milieux urbains, explique Chmara. C’est l’influence que peuvent avoir ces objets qui nous intéresse. Notre langage formel ne se soucie pas de la mode ; il est atemporel et jaillit spontanément du matériau. » Ils ont développé 2,5 x 3 (un module d’habitation minimal) et Mobile Hospitality (une cuisine transportable assortie d’un coin dîner). Largement acclamés par le public, leurs derniers projets ont été élaborés en vue du prix Émile Hermès 2014. A Space to Think, un récamier de bois, explore les effets de l’isolement et du confort.

Investigating interactive modes of design through formoriented psychology, Vienna-based Chmara Rosinke – Maciej Chmara and Ania Rosinke – develop cutting-edge concepts that change the way we consume or share meals. “Having traveled a lot, we believe that it’s important to minimize,” Rosinke confesses. After studying in Gdańsk, both designers went on Erasmus exchange in Linz, Austria – where they were immersed in a space and design strategies programme. Setting up their practice in Vienna came as they collaborated on an exhibition highlighting 20th- centur y Polish architecture. Discovering their shared perspective, they began working together. “Objects influence society and in a small sense, urban environments down to interior,” Chmara explains. “We’re interested in what they can influence. Our formal language is not trendy but rather something timeless or that comes naturally out of material.” Having developed 2,5 3 – a minimal living cube – and Mobile Hospitality – a participatory cum transportable kitchen and dining unit – to wide acclaim, the duo’s latest projects were created for the 2014 Émile Hermès prize. Timber Daybed explores the effect of seclusion and comfort.

1 — Timber Daybed, conçu pour le prix Émile Hermès 2014 /  Timber Daybed designed for the 2014 Émile Hermès prize 2 — Le duo de designers dans leur studio de Vienne /  The designer duo in their Vienna-based studio, Photo © Markus Zahradnik


Po l i s h D e s i g n / S t u d i o R ygal i k

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Studio Rygalik

TL # POLSKA DESIGN

www.studiorygalik.com


Po l i s h D e s i g n / S t u d i o R ygali k

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U n duo qui met sa philosophie en avant

Si le travail de Gosia et Tomek Rygalik se définit par sa longévité, son ingéniosité et l’utilisation de matériaux résistants, ces valeurs ne limitent pas pour autant l’étendue de leurs projets, qui vont du mobilier à l’aménagement de l’espace, en passant par la gastronomie. Ces dernières années, ce duo basé à Varsovie et connu pour avoir collaboré avec de grandes marques internationales comme Moroso et Vitra s’est efforcé à donner un souffle nouveau à des industries polonaises délaissées en inspirant des marques de design (Comforty, Paged, Noto, ...). Gosia et Tomek ont récemment monté pour Culture.pl l’exposition Nasz, « une collection exclusive de design contemporain rassemblant des pièces conçues et fabriquées en Pologne. » Studio Rygalik est l’un des moteurs de l’émergence de la scène du design polonais. Tomek Rygalik dirige en outre le programme PG13 de l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie, au sein duquel figurent quelques-uns des jeunes talents les plus prometteurs. Fidèle à la philosophie du designer, ce programme radical insuffle aux étudiants des principes essentiels, de solides techniques artisanales et des méthodes de recherche active. Tout comme ses étudiants, Tomek Rygalik croit davantage en la valeur de l’élaboration de prototypes qu’à celle de processus créatifs interminables. Il tire son inspiration des découvertes uniques que lui et Gosia ont faites au cours de leurs voyages. « Nous ne sommes pas des rêveurs, mais des êtres rationnels ; nos travaux doivent être fondés sur un raisonnement solide, explique Gosia. Acheter du vin en France nous prend par exemple beaucoup de temps, car nous sommes très pointilleux. » « Notre esprit critique est de plus en plus exigeant », ajoute Tomek. Du o b r i n gs t h ei r P h i lo s o p h y Fo r wa r d

Longevity, resourcefulness and quality materials define Gosia and Tomek Rygalik’s practice but are values that don’t limit the scope of projects they take on – from furniture, food and spatial design. Wellknown for their collaboration with major international brands like Moroso and Vitra, the Warsaw-based duo have spent the past few years reinvigorating out-of-touch Polish industries by infusing design brands (Comforty, Paged, Noto). They recently curated Nasz for Culture.pl in New York, “an exclusive collection of contemporary design that consists of items designed and manufactured in Poland.” Studio Rygalik is one the driving forces behind this country’s emerging design scene. Tomek Rygalik heads Academy of Fine Arts Warsaw’s PG13 programme – producing some of the brightest up-andcoming talents. In tune with his philosophy, the radical course instills essentialist principles, strong hand-working skills and active research methods. Like his students, he believes in actual prototyping rather than elongated processes and draws inspiration from unique solutions discovered during the couple’s travels. “We’re rationalists, not dreamers, our designs need to have good reasoning,” Gosia describes. “Buying wine in France takes a long time as we’re very selective.” “Our critical filter is getting tighter and tighter,” Tomek adds.

1 — Le duo de designers devant leur studio de Varsovie / The designer duo in front of their Warsaw studio 2 — La synergie entre Tomek et Gosia Rygalik émane de leur savoir-faire / Tomek and Gosia Rygalik find synergy between their expertise 3 — Les Rygalik, assis sur quelques-unes de leurs récentes créations / The Rygaliks sit with a few of their latest designs


Po l i s h D e s i g n / B a s hko Tr yb ek

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Bashko Trybek

TL # POLSKA DESIGN

www.depotbasel.ch www.lachance.fr


Pol i s h D e s i g n / B a s hko Tr y b ek

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U n designer pu isant dans l’architecture et l’art graphique

Bashko Trybek revisite des formes originales et archétypales en y incorporant de l’humour, des couleurs vives et des formes pointues ; c’est là sa signature. « Je cherche de nouvelles solutions, explique-t-il. Je me demande comment donner une expression iconographique à des objets qui ont déjà été fabriqués des centaines de fois. » Lorsqu’il dessine des meubles, ce jeune talent à la fois, dans le passé, directeur d’un magazine d’art et architecte y imprime le même style audacieux. « Lorsque j’étais designer graphique, il me manquait la dimension spatiale », confie-t-il. La chaise anti-stress, sa création la plus emblématique, est une sorte de compromis entre ces deux tendances. Pour sa création, cent vingt-huit balles servant ordinairement d’anti-stress ont été enfilées sur une structure de chaise métallique à l’aspect moderniste. Depuis sa sortie il y a trois ans et son accueil mitigé, ce modèle a été décliné dans différentes tonalités. Représentative des influences graphiques de Bashko Trybek, la Diamond Table renvoie quant à elle à la quadrichromie, c’est-à-dire aux quatre couleurs servant de base à l’impression. Les pieds de cette table en forme de diamants à la structure ajourée, sont une allusion directe à la valeur des spectres prismatiques. Conscient de son héritage, le designer a développé pour Depot Basel des vases et des bases de lampe Made of Coal (« faits en charbon ») confectionnés à partir de composite graphite, un dérivé du charbon extrait en Silésie, une région du sud de la Pologne connue pour son potentiel industriel. Les formes de ces deux objets sont à l’image des paysages en terrasse façonnés par cette activité. Bashko Trybek a travaillé avec de nombreuses marques internationales comme La Chance, avec qui il a développé les étagères Climb. Il projette toutefois de fonder sa propre marque et d’ouvrir une boutique dans la proche campagne. D es i g n e r P u l ls f ro m A rc h i t ectu r e a n d G r ap hic s

Incorporating humour, vivid colours and sharp lines into re-worked archetypes and original forms, Warsaw-based Gdansknative Bashko Trybek has made his mark. “I think about new solutions,” he explains. “How to treat objects that have been done 1000 times with an iconographic expression.” Channeling a background that spans magazine art direction and architecture, the up-and-coming talent applies the same bold style to furniture design. “In my graphic design practice, I was missing a spatial aspect,” he explains. Anti Stress Chair – his most iconic design – depicts a kind of middle ground between the two. 128 balls – normally used for hand exercise – are inserted into a modernist-like metal mess chair structure. Since being released three years ago, to critical acclaim, Anti Stress Chair has been developed into multiple colour-coordinated iterations. Emblematic of Trybek’s graphic influences, Diamond Table depicts CMYK – the four primary print colours. The actual open structure diamond shaped legs directly reference the value of prismatic spectrums. Aware of his heritage, the designer developed Made of Coal vases and lamp-bases for Depot Basel out of composite graphite – a byproduct of coal extraction in Silesia – a southern Polish region known for its industrial strength. The shape of both reflects the terraced landscape left behind. Though Trybek has worked with many international brand – developing Climb shelving system with La Chance, his next step is to develop his own brand and set up shop in the nearby countryside.

1 — Le designer assis sur le toit de son studio de Varsovie et entouré d’une série de ses œuvres les plus récentes /  The designer sitting on the roof of his Warsaw studio with a range of his most recent works 2 — Bashko Trybek avec une des premières maquettes de sa chaise anti-stress /  Bashko Trybek with a early maquette of his Anti Stress Chair Courtesy of the Gunia Nowik & Patrick Komorovski Collection, Warsaw


Po l i s h D e s i g n / To D o S t u d i o

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To Do Studio TL # POLSKA DESIGN

www.to-do.com.pl


Po l i s h D e s i g n / To D o Stu di o

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L a cré ativité au serv ice d’une industrie durable

B a s é à C r a c o v i e , To D o S t u d i o expérimente le potentiel et l’intelligence des matériaux séculaires. L’architecte Kasia Jakubowska et le designer Tomasz Orzechowksi insufflent une nouvelle vie à la céramique et au béton. « Notre but est de développer des projets pour l’industrie, explique Kasia Jakubowska. À l’heure qu’il est, l’industrie polonaise a besoin d’investir dans le design. » Travaillant en étroite collaboration avec des spécialistes en technologie et des fabricants installés à côté de leur showroom, ce duo aspire à résoudre des problématiques actuelles telles que la pollution.

C r e at i v es Fo st er Su sta i n a b l e I n d u st ry

Experimenting with the potential and intelligence of age-old materials, Krakow-based To Do Studio – comprised of architect Kasia Jakubowska and industrial designer Tomasz Orzechowksi – breathes new life into ceramics and concrete. “Our aim is to develop projects for industry,” Jakubowska explains, “At the moment, Polish industry needs design.” Working closely with technologists and producers in and around the same complex as their prototyping showroom, the duo looks to solve larger issues like pollution. Responding to Krakow’s pour air quality – induced by coal burning – To Do Studio designed Caldo tiles, employing an electrically

charge ceramic composite that maintains heat . Different size and colour variations all feature the same motif, reminiscent of old tile factories in the nearby Tatra mountains, but that are conducive to holding warmth. Jakubowskaand Orzechowksi are now experimenting with light concrete compounds to achieve the same characteristics. 1 — Le showroom où le duo de designers expose ses prototypes est aménagé dans une ancienne usine cosmétique /  The designer duo’s prototyping showroom in a former cosmetics factory 2 — To Do Studio produit ses travaux de design pour des industries polonaises renaissantes /  To Do Studio design for resurgent Polish industries 3 — Les carreaux Caldo déclinés en quatre coloris /  Caldo tiles in four colour variants

L’air de Cracovie est en effet pollué à cause de la combustion du charbon. Face à ce constat, To Do Studio a développé l e s c a r re a u x C a l d o à p a r t i r d ’u n composite de céramique électriquement chargé capable de conserver la chaleur. Ceux-ci sont disponibles en plusieurs formats et coloris, tous ornés d’un même motif qui rappelle les anciennes fabriques de faïence de la région des montagnes Tatras. Kasia et Tomasz essayent désormais d’atteindre le même résultat sur des composites de béton léger.


Po l i s h D e s i g n / Mate u s z W i ewi贸 rowski

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www.mateuszwiewiorowski.com

TL # POLSKA DESIGN

Mateusz Wiewi贸rowski


Po l i s h D e s i g n / Mateu sz W i ewió rowski

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U n créateur de meubles qui exalte l’analyse visuelle

Inspiré par différentes contraintes spatiales, comme les fjords norvégiens, Mateusz Wiewiórowski dessine des meubles imprégnés de concepts destinés à faciliter le mouvement humain. « Les espaces devraient refléter le flux naturel, explique-t-il. Entre quatre murs, les choses flottent et les gens ont des fonctions différentes. » Basé à Stavanger, Mateusz Wiewiórowski a étudié à la Design Academy Eindhoven et au Chelsea College of Art and Design de Londres. Ses fines observations de la culture visuelle se traduisent en compositions matérielles. Le designer expérimente de nouveaux matériaux et travaille aussi bien sur support numérique qu’à partir de croquis traditionnels. « Je compose de la poésie visuelle avec mes mains, explique-t-il. Je crée un point de vue totalement neuf, mon projet tout entier suit un fil conducteur plus dilaté. » Né de parents polonais, Mateusz Wiewiórowski trouve sa plus fertile source d’inspiration à Wrocław, où il retourne souvent pour développer de nouveaux projets, se ressourçant auprès de la culture artisanale de la « main dorée » des régions environnantes. « Ici, il est plus facile de repousser les frontières, affirmet-il. En design, la Scandinavie a une forte identité qu’il est difficile de remettre en question, contrairement à la Pologne, qui n’a pas encore reçu d’étiquette. J’aime retrouver mes racines. » Tout comme la philosophie de l’espace, la texture joue un rôle central dans le travail de Mateusz Wiewiórowski. Plier du papier ou créer des feuilles de métal sous l’effet de la chaleur lui permet de transformer les surfaces et de créer un effet d’hypnose visuelle. Sa dernière création, Stone Project, est une réponse à son environnement immédiat et cherche à déterminer comment des plans fonctionnels, des tables et des chaises, peuvent s’intégrer dans des falaises rocheuses.

Fu r n i t u r e D es i gn e r A n i m at es V i sua l A n a lys is

Inspired by different spatial constraints – such as Norway’s fjordic landscape – Stavanger-based Mateusz Wiewiórowski designs conceptually-infused furniture that facilitates human movement. “Spaces should reflect natural flow,” he explains. “Things float, people have different functions within four walls.” Having studied at the Design Academy Eindhoven and Chelsea College of Art and Design in London, Wiewiórowski’s keen observations of visual culture translate into material compositions. Working from digital collage to formal sketching, the designer experiments with new materials. “I’m visually poetic with my hands,” he explains. “It’s a whole point of view, all of my project follows a longer story line.” With Polish parents, Wiewiórowski finds his strongest motivation in Wrocław, where he often returns to develop new projects – taking advantage of the active ‘golden hand’ craft culture found in nearby regions. “There’s more possibility to push boundaries here,” the designer defends. “Scandinavia already has a strong design identity that’s hard to break, Poland hasn’t been categorized yet, I love going back to my roots.” In-line with Wiewiórowski’s spatial philosophy, texture plays an important role – folding paper or forming metal sheets with heat allows him to achieve visually hypnotic adaptation of surface. His latest endeavor, Stone Project responds to his immediate surroundings and looks at how functional planes – tables and seats – can integrate into rocky cliffs.

1 — Mateusz Wiewiórowski dans son studio de Stavanger, en Norvège /  Mateusz Wiewiórowski in his Stavanger Norway Studio, Photo © Alf Georg Tobiassen 2 — Mateusz Wiewiórowski tire son inspiration de la culture visuelle /  Mateusz Wiewiórowski takes inspiration from visual culture, Photo © Alf Georg Tobiassen 3 — Re-façonner la réalité face aux fjords de Norvège /  Reshaping Reality set in-front of Norway’s fjordic landscape, Photo © Alf Georg Tobiassen 4 — La texture des surfaces joue un rôle central dans son travail /  Textured surface play an important role in his work, Photo © Alf Georg Tobiassen


Po l i s h D e s i g n / O s kar Z i ę t a

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Oskar Zięta

TL # POLSKA DESIGN

www.zieta.pl


Po l i s h D e s i g n / O s kar Zięta

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Q uand le Cosm ic Cowboy fait éclore une nouvelle industrie

Avec les nouveaux procédés qu’il a inventés pour répondre aux besoins à venir, Oskar Zięta a conquis le monde du design. Cet architecte hyper rationaliste basé à Wrocław a convaincu les designers de la valeur du minimalisme. Depuis l’invention de la technologie FiDU consistant à gonfler puis à stabiliser du métal, Oskar Zięta a exploré un vaste éventail d’applications allant d’installations artistiques et de meubles légers à des constructions à grande échelle. « Ce qui compte, c’est de contrôler la perte de contrôle », explique-t-il. Cet infatigable innovateur a redonné vie à une fabrique de métal familiale de Basse Silésie ; il y a fondé Zięta Prozessdesign, un studio développant de nouvelles gammes et ciblant le marché du meuble sans se conformer à l’approche standard. « Le design n’est pas si intéressant, il ne s’agit que d’une pièce du puzzle, nous confie-t-il. Le design n’est qu’un outil. » Pour lui, c’est le processus qui détermine la forme. Caractérisée par une intarissable soif de recherche et d’amélioration de la production, la marque ajoute à l’emblématique tabouret Plopp, symbole de la technique du FiDU, la technologie 3+ inspirée par le Meccano : il s’agit d’une chaise modulable et de systèmes de rangement développés grâce à une technique unique de fusion consistant à percer ensemble deux feuilles de métal. L’architecte continue par ailleurs à développer des projets plus anciens, avec Steel in Rotation notamment, pour lequel il applique la même technique de gonflement du métal, mais en utilisant dans ce cas plusieurs chambres à air. C o s m i c C ow b oy G en e r at es N ew I n d u st ry

Taking the design world by storm, modern day industrialist Oskar Zięta invents new processes – set to meet future needs. A hyper rationalist, the Wrocław-based architect turned designer gives new meaning to the term ‘less is more.’ Having introduced FiDU technology – stabilized inflated metal – in 2007, Zięta has since explored a wide range of applications, from art installations and lightweight furniture to large scale construction. “Its all about controlled loss of control,” he explains. Revitalizing a family-owned and run metal manufacturing plant – based in Silesia – the energetic innovator has introduced Zięta Prozessdesign – a studio creating new product lines, targeting the furniture market but without following the standard approach. “Design is not that interesting, its only one part of the larger picture,” Zięta reveals. “Design is only a tool.” For him, process determines shape. Characterized by a never ending appetite for research and production improvements, the brand’s iconic Plopp stool – symbolizing the FiDU method – is joined by the Meccano-inspired 3+ system – a modular chair, shelving and surface range developed from a unique fusing technique, piercing two sheets of metal together. Zięta continues to expand on early discoveries with Steel in Rotation – applying the same inflated metal technology but through multiple chambers.

1 — Le designer et sa collection Steel in Rotation devant la colonne de Wrocław érigée en l’honneur de l’Exposition de 1948 sur les territoires récupérés / The designer sits with his Steel in Rotation collection in front of Wrocław’s Spire erected for the Exhibition of the Regained Territories in 1948 2 — Oskar Zięta met au point de nouveaux procédés de production / Oskar Zięta invents new production processes 3 — Le pense-bête du designer révèle des projets passés et ses sources d’inspiration / The designer’s pin-board reveals past projects and inspiration


Po l i s h D e s i g n / VE LT

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VELT

Q uand le des i gn de lum i è re rencontre le verre souffl é

Installée à Varsovie, dans l’historique rue Ulica Próżna, la Galeria Velt est un concept unique en son genre : à la fois studio et boutique de design en éclairage, cette galerie est également rattachée au café voisin. Velt est le résultat du savoir-faire et de la créativité de Maria Nagrabecki et de son fils Jeremi. Repoussant toujours plus loin les possibilités expérimentales du verre à Krosno, tous deux croient dans les propriétés uniques de ce matériau : la différence d’épaisseur, la diffusion de la couleur et les bulles qui y sont emprisonnées. Des vases, des tasses et des bols côtoient des lampes contemporaines telles que le modèle Leda, une création lauréate qui reçut la mention d’honneur du Red Dot Design Award en 2012, mêlant les dernières technologies en matière de LED à des monolithes façonnés à l’image de cygnes et de mains. Cette marque compte également des créations plus ludiques, intelligentes et élégantes telles que les lampes Yu et Laga. L i g h t i n g D es i g n H a r m o n i z es w i t h B low n G l as s

Set along Warsaw’s historical Ulica Próżna, Galeria Velt is a one-of-a-kind lighting design studio and boutique, coupled with an adjacent café. Velt brings together the skill and creativity of mother son duo Maria and Jeremi Nagrabecki. Championing the experimental possibilities of glass in Krosno, both believe in the importance of bespoke attributes – differences in thickness, colour diffusion and submerged bubbles. Vases, cups and bowls are joined by lamp designs like Leda – 2012 Red Dot Design award honourable mention – combining the latest LED technology with swan-like and hand-shaped monoliths. The brand also introduces more playful, clever and elegant creations, such as Yu and Laga lamps.

2 — Jeremi Nagrabecki et la lampe suspendue Laga / Jeremi Nagrabecki with the Laga hanging lamp

www.velt.pl

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1 — La vitrine de la Galeria Velt / Galeria Velt’s window display


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