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PALABRAS DE LA
Directora General En Musa le tes del arte trar amplias maravilloso
brindamos a todos aquellos amanun espacio donde van a enconinformaciones valiosas a cerca del mundo del arte contemporáneo.
Todo el equipo de la revista Musa ha estado trabajando arduamente para brindarle a sus lectores toda una experiencia llena de colores, obras de arte, increíbles artistas y sobretodo un contenido de valor que les ayude a ampliar su cultura general. Xiomayry Bonilla
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CONSEJO EDITORIAL DIRECTOR GENERAL:
Xiomayry Bonilla EDITOR:
Wilkin Martinez ARTICULISTA:
Lisbeth D’Oleo
DIAGRAMACIÓN:
Xiomayry Bonilla ESTILO:
Wilkin Martinez REVISIÓN DE TEXTO:
Lisbeth D’Oleo
FOTOGRAFIA:
Xaviela Medina
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INDICE Arte contemporaneo....................................................................7 Cubismo, Pablo Picasso...............................................................8 Expresionismo Aleman...............................................................10 Frida Khalo....................................................................................11 Arte Pop, Andy Warhol................................................................12 Surrealismo, Dali...........................................................................13 Quisqueya Hernadez.....................................................................14
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ARTE CONTEMPORÁNEO
Por: Xiomayry Bonilla
ALGUNAS OBRAS DEL ARTE CONTEMPORANEO
Busto de mujer con sombrero con flores - Picasso En blanco ii, Kandisky
Las Dos Fridas, Frida Khalo
Cristo de San Juan de la Cruz, Dali
El arte contemporáneo se originó a finales del siglo XIX. Se formó a raíz del arrastre de técnicas diferentes que provenían de dicho siglo, y se considera que el impresionismo y el postimpresionismo fueron los conceptos que impulsaron su creación. Se fundamentó desde sus inicios en diferentes movimientos de vanguardia como el cubismo, expresionismo, surrealismo, futurismo y dadaísmo. Estas corrientes tenían como aspecto común la innovación y el darle al arte un espacio diferente al que tenía en épocas antiguas. Ya en el siglo XX, el arte contemporáneo llega a romper esquemas tradicionales e impone nuevas características en la forma de hacer arte. El arte contemporáneo es importante porque nos da la idea de que el arte no está separado de la vida o del mundo en el que vivimos. La práctica del arte contemporáneo se ha convertido en un intercambio entre el artista y el espectador más que una imagen u objeto que esperamos admirar. El arte contemporáneo ha venido a convertirse en una prolongación de la vida que busca preguntas, orden y coherencia. Promueve las interrogantes sobre nuestra vida y además trae consigo diversión.
7 Shot marilyns andy warhol
Por:Lisbeth D’Oleo
CUBISMO PABLO PICASSO
El cubismo es un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, creado por Pablo Picasso y Georges Braque. Otros artistas que destacaron en el cubismo fueron Jean Metzinger, María Blanchard, Juan Gris o Robert Delaunay. Este movimiento artístico fue el que rompió definitivamente con la pintura tradicional y dio paso al resto de vanguardias del siglo XX. Debido a su importancia en la historia del arte, en este artículo queremos que conozcas 6 obras de este periodo que creemos imprescindibles. El movimiento cubista establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza, lo que supuso entonces un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores. El cubismo se caracteriza principalmente por sus formas geométricas, su nula perspectiva o profundidad y la supresión de los detalles. Además, se dejan de utilizar los colores sugerentes y se da protagonismo a colores planos de tonos apagados. A continuación, analizamos algunas obras importantes de tres de los pintores cubistas más importantes: Picasso, Braque y Gris. A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia propiamente dicho. El cubismo da un paso más allá al distanciarse, incluso, de la idea de representar la naturaleza según los modos de “percepción” de la vista o la emoción, en decir, en los efectos o los afectos.
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PABLO PICASSO
Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga, España; 25 de octubre de 1881. Falleció en Mougins, Francia; 8 de abril de 1973, conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Posteriormente en el año 1907 hace aparición un nuevo movimiento de Picasso juntamente con Georges Braque denominado el cubismo. Pinturas compuestas por pequeños cubos y figuras geométricas. Esta tendencia fue continuada por Jean Metzinger, Albert Gleizes y otros creando obras importantes para el arte en el siglo XX. Para Picasso fue una época transcendental con la creación de “Las señoritas de Aviñón” que lo dio a conocer internacionalmente.
OBRAS DEL CUBISMO LAS SEÑORITAS DE AVIGNON (1907)
PAISAJE EN L’ESTAQUE (1908) En Paisaje en L’Estaque de Georges Braque se aprecia la geometría de todos los elementos: a pesar de ser un paisaje, todo está representado mediante bloques, principalmente. La obra parece desordenada y caótica, pero esto se debe a la mezcla de las formas geométricas utilizadas con la representación de los árboles. Éstos están pintados en colores más oscuros, como verdes y marrones, a diferencia de las construcciones, que son, de nuevo, de color ocre.
El cuadro Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso, también conocido como Las damiselas de Avignon o Las damiselas de (la calle) Avinyó, es considerado el despertar del movimiento cubista en el siglo XX. El cuadro está dividido en tres secciones delimitadas por una cortina. Las figuras están localizadas en un marco irreal donde no hay sombras ni luces, sin embargo, en contraste con la luz, es destacable la gran variedad de colores que abundan en la obra, desde ocres y blancos, hasta rojos y azules.
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Por:Lisbeth D’Oleo
EXPRESIONISMO ALEMAN El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, arquitectura, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas «vanguardias históricas». Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista la “expresión” frente a la plasmación de la realidad la “impresión”.
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El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” en minúsculas como término genérico y “Expresionismo” en mayúsculas para el movimiento alemán. Obra de fondo: El Grito, de Edvard Munch
LA IGLESIA DE AUVERS SUR OISE (1890) El lienzo de La iglesia de Auvers sur Oise es una de las obras más destacadas del artista postimpresionista Vincent Van Gogh. El artista encontraba a menudo inspiración en las formas que le rodeaban, los campos sembrados, la flores o incluso su propia habitación han pasado a ser elementos artísticos en la obra de este artista que supo encontrar la belleza en las pequeñas cosas que le rodeaban plasmándolas eso sí, con grandes dosis de imaginación a través de sus pinceles y sus lienzos.
OBRAS DEL
EXPRESIONISMO ALEMAN
LA CRUCIFIXIÓN (1512-1516) La Crucifixión es la escena representada en los dos paneles centrales del Retablo de Isenheim cuando está cerrado, obra maestra del pintor alemán Matthias Grünewald. El retablo elaborado entre los años 1512 y 1516. Esta tabla central es la imagen más conocida de dicho retablo, y mide 269 cm de alto, y 307 cm. de ancho. Está pintado al temple y óleo sobre panel de madera de tilo. Se encuentra en el Museo de Unterlinden en Colmar (Francia).
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Por:Xaviela Medina
ABSTRACCIÓN KANDINSKY Y MONDRIAN
El arte abstracto es la pintura, escultura o arte gráfico en el que la representación de cosas del mundo visible juega poco o ningún papel. Todo arte se compone principalmente de elementos que pueden llamarse abstractos: elementos de forma, color, línea, tono y textura. Antes del siglo XX, los artistas empleaban estos elementos abstractos para describir, ilustrar o reproducir el mundo de la naturaleza y la civilización humana, y la exposición dominaba la función expresiva. El arte abstracto en su sentido más estricto tiene su origen en el siglo XIX. El período caracterizado por un cuerpo tan vasto de arte elaboradamente representativo producido con el fin de ilustrar anécdotas también produjo una serie de pintores que examinaron el mecanismo de la luz y la percepción visual. El período del romanticismo había presentado ideas sobre el arte que negaban el énfasis del clasicismo en la imitación y la idealización y, en cambio, había enfatizado el papel de la imaginación y del inconsciente como factores creativos esenciales.
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Poco a poco, muchos pintores de este período comenzaron a aceptar la nueva libertad y las nuevas responsabilidades que implicaba la coalescencia de estas actitudes. La declaración de Maurice Denis de 1890, “Debe recordarse que una imagen, antes de ser un caballo de guerra, un desnudo o una anécdota de algún tipo, es esencialmente una superficie plana cubierta con colores ensamblados en un cierto orden”, resume el sentimiento entre los artistas simbolistas y postimpresionistas de su tiempo. Todos los movimientos principales de las dos primeras décadas del siglo XX, incluidos el fauvismo , el expresionismo , el cubismo y el futurismo , enfatizaron de alguna manera la brecha entre el arte y las apariencias naturales.
Wassily Kandinsky fue un pintor y grabador ruso en el siglo XX. Es uno de los artistas que ayudó a las personas a cambiar su forma de ver el arte y empezar a apreciar las obras abstractas. Sus primeras pinturas eran paisajes fuertemente influenciados por artistas impresionistas, así como por el puntillismo y el fauvismo. La más famosa de sus primeras obras es El jinete azul, que pintó en 1903. Hacia 1909, Kandinsky comenzó a pensar que la pintura no necesitaba un tema en particular, sino que las formas y los colores por sí solos podían ser arte. Durante los siguientes años, comenzaría a pintar lo que se conocería como Arte Abstracto.
W a s s i l y K a n d i n s k y
Sintió que podía expresar sentimientos y música a través de colores y formas en sus pinturas. Por ejemplo, pensó que el amarillo tenía el sonido nítido de una trompeta de metal y que ciertos colores colocados juntos podían armonizar como los acordes de un piano. Las formas que más le interesaban eran el círculo, el triángulo y el cuadrado. Pensaba que el triángulo causaría sentimientos agresivos, el cuadrado sentimientos de calma y el círculo sentimientos espirituales.
OBRAS DE KANDINSKY
Amarillo, Rojo, Azul (1925)
Esta obra de dos metros de ancho fue creada por Wassily KanEsta obra de dos metros de ancho fue creada por Wassily Kandinsky en 1925. Consta de varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro; una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y las principales masas coloreadas presentes en el lienzo es solo un primer acercamiento a la realidad interna de la obra, cuya apreciación requiere una observación más profunda, no sólo de las formas y colores involucrados en la pintura, sino de su relación, su absoluto. y posiciones relativas en el lienzo y su armonía.
Estudio de color con cuadros (1913) Estudio de color con cuadros, también conocido como Farbstudie quadrate fue producido por Wassily Kandinsky en 1913. Este, aplicó lavados de acuarela en anillos concéntricos permitiéndoles fluir entre sí en sus bordes, realizados como ejercicios prácticos para explorar más profundamente la relación entre color y forma. Según el artista, todos los colores pueden ejercer un doble efecto. El primero es un simple impacto físico en los ojos del espectador similar a las sensaciones agradables; el segundo efecto es mucho más profundo, espiritual: esto es lo que Kandinsky llamó “vibración del alma”.
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Piet Mondrian fue un pintor que fue un importante líder en el desarrollo del arte abstracto moderno y un principal exponente del movimiento de arte abstracto holandés conocido como De Stijl (“El estilo”). En sus pinturas maduras, Mondrian utilizó las combinaciones más simples de líneas rectas, ángulos rectos, colores primarios y negro, blanco y gris. Las obras resultantes poseen una pureza formal extrema que encarna la creencia espiritual del artista en un cosmos armonioso.
MONDRIAN
Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y a finales de siglo en Amsterdam se empezó a relacionar con los innovadores grupos artísticos del momento. Ahí pinta sus primeras obras, a años luz de lo que vendría después: paisajes serenos, grises, tierras, tonos oscuros… Pero en 1912 se traslada a París, donde conoció a gente como Leger o Braque que le descubren el nuevo y loco arte del siglo XX. Al principio se hizo cubista como ellos, pero poco a poco se fue interesando más por la abstracción.
NEW YORK CITY I (1942) New York City I , o más bien la serie de obras reunidas posteriormente bajo el título New York City, marca el inicio de una nueva etapa en la obra de Mondrian. Las líneas negras han desaparecido junto con los rectángulos de color primario, que desde la Composición: Planos de color con contornos grises de 1918 habían formado una totalidad plana sólida con las líneas y el blanco que anteriormente había sido el fondo. En cambio, las líneas en los colores primarios, amarillo, pero también rojo y azul, atraviesan el lienzo cuadrado, entrelazándose entre sí.
COMPOSICIÓN II EN ROJO, AZUL Y AMARILLO (1929) Hacia 1930 el arte de Mondrian alcanzó un punto álgido de pureza y sobriedad, para lo cual se habían preparado las bases en las pinturas de los años anteriores, la composición de 1929 , por ejemplo. En realidad, la Composición II en rojo, azul y amarillo, 1930 es una variación de la imagen del año anterior, al menos en lo que respecta al marco lineal. Pero precisamente por eso, las sutiles diferencias en la obra, como la subdivisión de la franja izquierda del cuadro en tres rectángulos desiguales, uno de los cuales es el cuadrado azul, son aún más notables. Muestran que en Mondrian nunca se puede cuestionar un patrón preconcebido para una composición, sino que cada obra surge de una asociación cuidadosa y minuciosa con los elementos de la pintura, que deben resolverse de nuevo en cada obra.
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Por: Wilkin Martinez
FRIDA KHALO Frida Kahlo, pintora mexicana que es considerada una de las principales representantes del arte del siglo XX. Se destacó por su originalidad, empleos de elementos simbólicos y cultura popular mexicana. Pero más que todo, se destacó por el carácter profundamente íntimo que impregnaba en sus obras más la generosidad y la sencillez en el que le mostró al mundo sus heridas tanto físicas como espirituales. Su vida tormentosa y sus sufrimientos físicos y emocionales caracterizaron su obra y la diferenciaron de sus contemporáneos. En sus casi 200 obras –mayormente autorretratos y naturaleza muerta– expresaba el folclore mexicano. Se piensa o se encasilla en que la corriente artística de Frida era surrealista o del expresionismo, pero no lo fue, puede ser que se incline ligeramente pero no, Frida Khalo tenía su propio estilo artístico y eso la hace única. -Pensaron que yo era surrealista, pero no lo fui. Nunca pinté mis sueños, sólo pinté mi propia realidad. 16
OBRAS DE FRIDA
KHALO
DIEGO Y YO (1931) Obra elaborada en Óleo sobre lienzo y con un estilo del Neo-Impresionismo. Está conformada por cálidos, creando una variedad y con una intensidad brillante completamente. El espacio en la pintura es bidimensional y tiene un balance simétrico con equilibrio entre ambos personajes. Así mismo, solo aparece Diego Rivera con una paleta y pinceles en la mano, como un símbolo de su maestría artística, mientras Frida se retrata con el traje típico de la mujer mexicana y a la manera tradicional de los retratos de matrimonios en México. El colorido vivo del manto contrasta con las tonalidades oscuras del vestido y el traje de Rivera, resultando una obra primitiva e ingenuista. Ambos están mirando hacia el espectador, sin sonreír.
LA COLUMNA ROTA (1944) Un Autorretrato surrealista enmarcado por el simbolismo ya que es la manera en donde la artista expresa su dolor y muestra al público la fragilidad y el sufrimiento que encierra su cuerpo. Es una obra trabajada en óleo sobre tela, con una composición simétrica donde la autora se ubica en el centro, girando su rostro hacia un lado, pero con la mirada hacia el espectador, con un fondo desierto, pero con fisuras representando esto el dolor tanto físico como emocional que tiene que soportar sola. La artista utiliza una iluminación irreal que no proviene desde ningún punto, también utiliza unos colores no tan coloridos con tonalidades cálidas en comparación con la época, además de la temática y el mensaje que deseaba transmitir, y no utiliza las pinceladas sueltas sino unas más suaves y controladas
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ARTE POP ANDY WARHOL Por:Xaviela Medina
El arte pop es un movimiento artístico emocionante, colorido y vibrante que surgió en el Reino Unido y los Estados Unidos durante la década de 1950. Cuando el arte pop surgió por primera vez como estilo, fue radical e impactante, un marcado contraste con el estilo expresionista abstracto que lo precedió. Y, sin embargo, incluso 70 años después, sigue siendo increíblemente popular y uno de los movimientos de arte moderno más influyentes del siglo XX. Los artistas pop cambiaron la percepción de lo que es el arte. Rompieron las barreras entre el llamado “arte superior” y el arte comercial o “arte bajo”, visto en la cultura popular. Se inspiraron en el cine, los cómics, la publicidad, el empaque de productos y otros diseños com Parte de lo que hace que el arte pop sea único es que rechaza la noción de unicidad. En lugar de intentar ser únicos, los artistas pop adoptaron la producción en masa y elementos de la cultura popular.
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OBRAS DE
WARHOL
LATAS DE SOPA CAMPBELL (1962)
ANDY WARHOL
Más de veinte años después de su muerte, Andy Warhol sigue siendo una de las figuras más influyentes del arte y la cultura contemporánea. La vida y el trabajo de Warhol inspiran a pensadores creativos de todo el mundo gracias a sus imágenes perdurables, su celebridad artísticamente cultivada y la investigación en curso de académicos dedicados. Su impacto como artista es mucho más profundo y mayor que su única observación profética de que “todo el mundo será mundialmente famoso durante quince minutos”. Su curiosidad omnívora dio como resultado un enorme cuerpo de trabajo que abarcó todos los medios disponibles y, lo más importante, contribuyó al colapso de las fronteras entre la alta y la baja cultura. Warhol, un experto en redes sociales (analógicas), aprovechó su fama, una conexión a la vez, para el estado de una marca reconocida mundialmente. Décadas antes de la dependencia generalizada de los dispositivos de medios portátiles, documentó sus actividades diarias e interacciones en su grabadora de audio de viaje y su querida cámara Minox 35EL.
Andy Warhol se apropió de imágenes familiares de la cultura de consumo y los medios de comunicación, entre ellas fotografías de noticias de celebridades y tabloides, tiras cómicas y, en este trabajo, la sopa enlatada de consumo generalizado hecha por Campbell’s Soup Company. Cuando exhibió por primera vez las latas de sopa Campbell’s en 1962, los lienzos se exhibían juntos en los estantes, como productos en un pasillo de comestibles. En ese momento, Campbell’s vendió 32 variedades de sopa; cada uno de los 32 lienzos de Warhol corresponde a un sabor diferente.
DÍPTICO DE MARILYN (1962)
Marilyn Monroe murió en agosto de 1962. En los siguientes cuatro meses, Warhol hizo más de 20 pinturas en serigrafía de ella, todas basadas en la misma fotografía publicitaria de la película de 1953 ‘Niagara’. Warhol encontró en Monroe una fusión de dos de sus temas consistentes: la muerte y el culto a la celebridad. Al repetir la imagen, evoca su omnipresente presencia en los medios. El contraste de colores vivos con blanco y negro y el efecto de desvanecimiento en el panel derecho sugieren la mortalidad de la estrella. Esta pieza fue uno de los grandes aciertos de Warhol, que encontró en la serigrafía fotográfica la técnica con la que sería reconocido en el mundo. Además, este estilo tenía características que agradaban al neoyorquino: era sencilla, rápida y le permitía realizar leves modificaciones a una misma foto una y otra vez, además de poder ser producida en serie, lo que le permitía poder vender este tipo de obras en más de una oportunidad.
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Por: Xiomayry Bonilla
SURREALISMO SALVADOR DALÍ
Salvador Dalí nació el 11 de mayo de 1904 en Figueres, España. Fue el segundo hijo de una familia adinerada, así que siempre fue muy consentido y mimado y sus padres le conseguían todos sus caprichos. Descubrió la pintura cuando aún era muy joven y pintó algunos cuadros y pinturas al óleo que impresionaron a quienes los vieron, aconsejándole que estudiara pintura. Así, Dalí se apuntó a unos cursos de dibujo y aprendió muchas técnicas, así como a utilizar muchos tipos de pintura para sus dibujos y sus cuadros.
CARACTERISTICAS DE SU OBRA
Salvador Dalí era muy conocido por sus pinturas extrañas y surrealistas, las más famosas son: “La persistencia de la memoria” o “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar”. Además de sus pinturas y sus dibujos, estaba aficionado a hacer grabados en tinta sobre papel. También le gustaban las manualidades y hacía escenas con objetos y dibujos de papel, colocándolos en un espacio también hecho de papel, como si fuera un teatro. Colaboró en varias obras de teatro y en películas de cine diseñando el decorado de las escenas.
EL ARTE SURREALISTA El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal, que todos podemos entender. Hasta los niños pueden captar si algo es surrealista o no. Con el movimiento ya establecido en los años 30, y con los más extraordinarios artistas apoyándolo, Breton se convirtió en una especie de papa. Tan celoso era de la pureza de su teoría que realizaría purgas a todo aquel que cuestionara sus postulados. Serían expulsados del movimiento figuras tan brillantes como Dalí o Artaud.
EL NACIMIENTO DE UNA DIVINIDAD, DALI
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OBRAS DE DALÍ LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA Este cuadro fue pintado en 1931, realizado mediante la técnica del óleo sobre lienz, la composición se observa el esquema horizontal de la playa y la rama del árbol que se equilibran con la vertical del tronco. Estas línea estáticas se compensan con esquemas y líneas dinámicas como las diagonales de la mesa y sobre todo las curvas de los relojes y de la cabeza. La gama cromática juega con el contraste de colores fríos como los azules, grises con cálidos como marrones, amarillos , anaranjados . La luz divide el cuadro en dos partes el primer plano tiene poca luz , una luz suave que procede de la derecha e incide en las figuras; la zona del fondo está fuertemente iluminada con una luz blanca e irreal que contribuye al efecto profundidad. El efecto profundidad clásico presenta una una perspectiva geométrica y los colores fríos del cielo y del mar que también contribuyen a la creación de espacio.
LA METAMORFOSIS DE NARCISO En La metamorfosis de Narciso hay repetición de una configuración formal que no solamente relaciona dos imágenes, sino que transforma una en la otra. La colocación de las dos figuras principales divide la pintura en dos mitades que separan horizontalmente el cuadro y a la vez encontramos dos planos diferentes, según la distancia de lo representado respecto del observador, según la profundidad. A la izquierda del óleo aparece un Narciso cuyos contornos se reflejan en el agua, con la cabeza sobre sus rodillas doblándose. Predominan los colores cálidos (amarillo, naranja, rojo, marrón). La figura principal es amarilla, los contornos son difusos.
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Por: Wilkin Martinez
QUISQUEYA HERNANDEZ
ARTISTA DOMINICANA
Es una artista cubana avecindada en República Dominicana. Su obra comprende técnicas como el collage, la instalación, el video y el arte sonoro. Estudió en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (UASD) y en el Instituto Superior de arte (ISA) de La Habana de 1987 a 1992. Henríquez toma inspiraciones del arte y la cultura de República Dominicana y Cuba, y reflexiona sobre las vinculaciones con el arte global, además de involucrar en ciertas piezas artísticas a las personas que las observan. Su obra está incluida en museos de Cuba, República Dominicana y los Estados Unidos.
Puede ver más allá sobre objetos obsoletos e irse más allá de las fronteras, no tanto como proceso de creación sino en la transmisión de mensaje hacia la sociedad Le gusta desarrollar diferentes formas de obras de manera simultánea en donde los procedimientos conceptuales tales como la aprobación de sus obras, de las imágenes de arte o de obras de un consumo masivos, puedan otorgar nuevas formas de circulación en las plataformas de tecnología digital.
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OBRAS DE QUISQUEYA HERNANDEZ HELADO DE AGUA DEL MAR CARIBE Es un helado elaborado con agua de mar Caribe como ingrediente fundamental. El proceso de producción de la pieza comprendió la colección de la materia prima principal –agua de mar y algas– por parte de la artista, y la elaboración del helado bajo la asesoría de ingenieros químicos y fabricantes especializados. Su fábrica elaboró las primeras pruebas.
PESAS PESADAS Creado con Cemento, pigmentos y hierro La artista por su talento y habilidad ha captado la atención para poder captar lo cotidiano bajo los reflectores. Se puede ver como la escultura obtiene propiedades de luz, color, geometría, sombras y peso a la misma vez. También el uso de materiales naturales para crear objetos en el que no tiene que ver con su aspecto.
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