FUZZ - PARA DISEÑADORES

PARA DISEÑADORES

TEN DEN CIAS

2024

FUZZ

PRIMERA EDICIÓN

DISEÑO TRADICIONAL

FOTOGRAFÍA

ILUSTRACIÓN

BÁSICOS DEL DISEÑO GRÁFICO ENTREVISTA A Santiago Pol

EL DISEÑO

EN REPÚBLICA DOMINICANA

Índic 06 PROGRAMAS 08 INTELIGENCIA ARTIFICIAL 11 COLORES 13 LA ILUSTRACIÓN 14 TIPOGRAFÍA

DE LA MANO DEL DISEÑO

TOP PARA DISEÑADORES

¿EL FUTURO O EL FINAL DE LOS DISEÑADORES?

TRANSMISORES DE EMOCIONES

MEZCLA ENTRE ARTE Y COMUNICACIÓN

18 BRANDI 20 DISEÑO 22 LA FOTO 28 EL DISE 35

DISEÑO

ESCRITURA,

“LA MARCA”

SUS TIPOS

ARTE DE CO

EN REPÚBLI

O DE EMPAQUE

OGRAFÍA

ONGELAR MOMENTOS

EÑO GRÁFICO

ICA DOMINICANA

DEL 2024

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32

ENTRE

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PARA DISEÑADORES

, COLLAGE, PINTURA

CONTENIDO

O TRADICIONAL

TENDENCIAS

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FUZZ

PARA DISEÑADORES

Maquetación Linel Flores Alanny Sánchez

Retoque Fotográfico Alanny Sánchez

Dirección Creativa Linel Flores

Fotografía Linel Flores Alanny Sánchez Mell Ozuna

Asistencia Fotográfica Stephanie Arias Liz Felix

Carta de las Editoras En este fascinante viaje, nos embarcamos en la exploración de nuevas tendencias y conceptos básicos de diseño. Aquí encontrarán un compendio de artículos que explican temas básicos de las artes gráficas, reflejando el amor y la pasión que tenemos por estas. Desde cuestiones tipográficas y de colores, hasta branding, diseño en República Dominicana y una entrevista sorpresa que te ayudará a ver el diseño gráfico desde los ojos de un profesional en el área. Asimismo, nuestro objetivo es inspirar y transmitir nuestra emoción por este arte a cada lector.

Alanny Sánchez

Linel Flores 5

Tipografía DE LA MANO DEL DISEÑO

L

a tipografía desempeña un papel fundamental en el diseño gráfico. Se refiere al arte y técnica de organizar y presentar el texto de manera visualmente efectiva. La elección adecuada de la tipografía puede influir en la legibilidad, el tono, la estética y la eficacia global de un diseño.

LEGIBILIDAD Y CLARIDAD

PERSONALIDAD Y TONO

CONSISTENCIA Y COHERENCIA

JERARQUÍA VISUAL

Tamaño: El tamaño de la fuente es crítico. Debe ser lo suficientemente grande para ser legible, especialmente en formatos impresos pequeños o en pantallas digitales.

Espaciado: El espaciado entre letras (kerning) y entre líneas (leading) afecta la legibilidad. Un espaciado adecuado mejora la claridad.

Elección de la Familia: Seleccionar y mantener una familia de fuentes coherente (por ejemplo, Arial y Times New Roman) contribuye a la cohesión visual en un diseño.

Limitar la Variedad: Demasiada variedad de fuentes puede ser abrumadora y afectar negativamente la consistencia.

Tipografía Serif vs. Sans Serif: Las fuentes serif (con remates) a menudo se asocian con formalidad y tradición, mientras que las sans-serif (sin remates) pueden parecer más modernas y limpias.

Estilo Decorativo o Display: Para un toque único y llamativo, las fuentes decorativas se utilizan en títulos y elementos de diseño, pero deben usarse con moderación.

Peso y Estilo: La variación en el peso (ligero, regular, negrita) y el estilo (itálica, subrayado) puede utilizarse para crear jerarquía visual y destacar información importante.

Tamaño Relativo: El uso de diferentes tamaños de fuente ayuda a destacar títulos, subtítulos y texto principal.

“Cada tipografía es un tono de voz distinto”. -MarcoCreativo

6

Aa Aa 120pt

Times New Roman

80pt

Tamaño Se mide en puntos (pt). El punto es una medida tradicional de la tipografía, utilizado principalmente en impresión. Un punto equivale a 1/72 de pulgada. Su origen se remonta a la época de las máquinas de escribir y la impresión mecánica.

Abcde A b c d e Abcde fghijk

Espaciado

Aa Aa Aa Aa

Personalidad y Tono

Kerning

Tracking

Leading o Interlineado

Serif

Sans Serif

Decorativa

Script o Caligráfica

Kerning Ajuste del espacio entre pares específicos de letras para lograr una apariencia visualmente equilibrada.

Tracking Controla el espacio uniforme entre todas las letras en una palabra o bloque de texto.

Leading Espacio vertical entre líneas de texto.

Serif Poseen serifas (remates en las letras), aportan una sensación de elegancia y autoridad. Su personalidad es formal, tradicional, clásica.

Sans Serif No tienen serifas, crean un aspecto más contemporáneo y minimalista. Es moderna, limpia y directa.

Decorativa Se caracterizan por tener diseños distintivos y a menudo estar cargadas de detalles. Es creativa, única, expresiva.

Script Imitan la escritura a mano y pueden variar desde elegante hasta juguetona. Evoca elegancia, fluidez, a menudo informalidad.

Tipografías Populares 1. Arial: Sans serif. Limpia, simple, fácil de leer.

6. Garamond: Serif. Clásica, refinada, elegante.

2. Helvetica: Sans serif. Moderna, neutral, legible.

7. Roboto: Sans serif. Moderna, amigable, versátil.

3. Times New Roman: Serif. Tradicional, formal, clásica.

8. Courier New: Monoespaciada. Formal.

4. Verdana: Sans serif. Espaciada, legible.

9. Bebas Neue: Sans serif. Moderna, audaz.

5. Georgia: Serif. Elegante, legible, amigable.

10. Futura: Sans serif. Geométrica, moderna, limpia.

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PROGRAMAS

Top PARA DISEÑADORES PHOTOSHOP ILLUSTRATOR INDESIGN PREMIER AFTER EFFECTS

VV PHOTOSHOP

ILLUSTRATOR INDESIGN PREMIER AFTER EFFECTS

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A

dobe es una empresa líder en software de diseño y creatividad, y sus aplicaciones son ampliamente utilizadas por diseñadores de todo el mundo.

Aquí hay algunas de las principales aplicaciones de Adobe y por qué son tan populares entre los diseñadores: ADOBE PHOTOSHOP:

Uso Principal: Ampliamente utilizado para la edición de imágenes y fotografías, así como para la creación de diseños gráficos.

Razones de Popularidad: Su robusto conjunto de herramientas permite a los diseñadores realizar una amplia gama de manipulaciones de imágenes, desde retoques básicos hasta composiciones complejas. La capacidad de trabajar con capas y efectos también contribuye a su popularidad.

ADOBE ILLUSTRATOR:

Uso Principal: Diseño vectorial, creación de ilustraciones y logotipos.

Razones de Popularidad: La capacidad de trabajar con gráficos vectoriales

escalables hace que Illustrator sea indispensable para diseñadores que necesitan crear logotipos, ilustraciones y gráficos de alta calidad.

Sus herramientas precisas y la capacidad de manejar tipografías de manera avanzada son aspectos destacados.

ADOBE INDESIGN:

Uso Principal: Diseño editorial y maquetación de documentos.

Razones de Popularidad: InDesign es la elección predilecta para la creación de materiales impresos como libros, revistas y folletos. Sus funciones avanzadas de maquetación, gestión de texto y herramientas tipográficas hacen que sea una opción esencial para diseñadores de publicaciones.

ADOBE PREMIERE PRO:

Uso Principal: Edición de video profesional.

Razones de Popularidad: Con funciones avanzadas de edición, efectos visuales y corrección de color, Premiere Pro es una herramienta clave para profesionales del cine, la televisión y creadores de contenido en línea. La integración con otras aplicaciones de Adobe facilita el flujo de trabajo.

ADOBE AFTER EFFECTS:

Uso Principal: Creación de efectos visuales y animaciones.

Razones de Popularidad: After Effects es esencial para la postproducción de video, permitiendo a los diseñadores agregar efectos visuales, gráficos en movimiento y animaciones a sus producciones. Su integración con otras aplicaciones de Adobe facilita la creación de proyectos multimedia complejos.

La popularidad general de estas aplicaciones se debe a la continua evolución de las herramientas para satisfacer las demandas cambiantes de la industria creativa. La integración y compatibilidad entre las aplicaciones permiten a los diseñadores trabajar de manera eficiente en proyectos multidisciplinarios, lo que contribuye a su amplio uso y preferencia en la comunidad creativa. la continua evolución, integración, compatibilidad y eficiencia en proyectos multidisciplinarios son factores clave que contribuyen a la amplia popularidad y preferencia de las aplicaciones de diseño.

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Inteligencia Artificial:

¿EL FUTURO O EL FINAL DE LOS DISEÑADORES?

La inteligencia artificial (IA) ha revolucionado el campo del diseño gráfico en múltiples formas. Permíteme presentar cómo la IA se integra en este ámbito y por qué representa una valiosa ayuda para los diseñadores.

En primer lugar, la automatización creativa es una de las áreas más impactantes. La IA puede generar diseños automáticamente, liberando a los diseñadores de tareas repetitivas y permitiéndoles concentrarse en aspectos más estratégicos y creativos. Herramientas como Designs.ai y Uizard utilizan algoritmos para crear logotipos, ilustraciones y otros elementos visuales de manera eficiente.

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Otra ventaja clave es la generación de paletas de colores.

La IA puede analizar imágenes y extraer combinaciones de colores armoniosas. Esto facilita la elección de esquemas visuales atractivos y coherentes Ejemplos notables incluyen Khroma y Adobe Sensei.

Además, la IA contribuye a la mejora de imágenes. Puede retocar y optimizar fotografías automáticamente, ajustando el brillo, contraste y nitidez. Herramientas como Deep Art Effects y Let’s Enhance son ejemplos de esta funcionalidad.

La detección de tendencias es otra área en la que la IA brilla. Al analizar grandes cantidades de datos, puede identificar patrones emergentes en el diseño. Esto permite a los diseñadores mantenerse al día con las preferencias cambiantes del público y adaptar sus creaciones en consecuencia.

Asimismo, la IA reduce la carga de trabajo manual. Herramientas de diseño gráfico con IA automatizan tareas como eliminar fondos o crear mockups, liberando tiempo para la creatividad y la estrategia.

Por último, la IA permite una exploración rápida de ideas. Las redes neuronales y generadores de diseño permiten a los diseñadores experimentar con múltiples conceptos en poco tiempo. La IA no reemplaza la creatividad humana, sino que la amplifica.

En resumen, la IA en el diseño gráfico es una aliada poderosa. Facilita el proceso creativo, optimiza flujos de trabajo y permite a los diseñadores enfocarse en lo que realmente importa: crear contenido visual impactante. No es un riesgo, sino una herramienta valiosa para la industria del diseño.

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Colores Los colores son elementos fundamentales en el diseño gráfico, ya que tienen un impacto significativo en la percepción, la emoción y la legibilidad de una pieza.

“El color es un medio para influir directamente en el alma”.

- Wassily Kandinsky

Cada color tiene asociaciones culturales y psicológicas que influyen en la percepción y la emoción. La elección de una paleta de colores debe considerar cuidadosamente la armonía y el contraste para lograr un impacto visual efectivo. Además, es crucial garantizar la legibilidad del texto mediante un adecuado contraste entre el texto y el fondo, considerando la accesibilidad para personas con discapacidades visuales.

En el contexto del branding, los colores pueden convertirse en elementos distintivos que contribuyen a la identidad de la marca. La consistencia en el uso de colores refuerza el reconocimiento de la marca y crea una conexión visual con el público.

“El color no añade una cualidad agradable al diseño, lo refuerza”.

Es esencial adaptar el uso de colores a diferentes contextos, ya sea en impresiones, di-

- Pierre Bonnard

seño web o dispositivos móviles, para garantizar la coherencia y la efectividad en diversas plataformas.

La experimentación con combinaciones de colores y la exploración de tendencias pueden ser valiosas para mantener un diseño actualizado y atractivo. Sin embargo, es fundamental tener en cuenta las consideraciones culturales, ya que la percepción de los colores puede variar en diferentes culturas. La tecnología también juega un papel crucial, y los diseñadores deben considerar cómo se verán los colores en diferentes dispositivos y pantallas.

El diseño gráfico no se trata solo de colores y formas; sino de transmitir sensaciones y emociones.

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La Ilustración

LA MEZCLA ENTRE EL ARTE Y LA COMUNICACIÓN EL ESTILO ANIME Se inspira en la cultura y la estética japonesa, así como en otros elementos de la historia, la mitología y la ciencia ficción.

Este estilo se adapta a diferentes géneros y tonos, desde la comedia y el romance hasta la acción y el drama. Los personajes de anime suelen tener proporciones humanas, pero con rasgos exagerados o estilizados, como el cabello, los ojos y la ropa. El estilo anime también se caracteriza por el uso de efectos visuales, como líneas de movimiento, brillos, sombras y destellos, para crear una sensación de dinamismo y emoción.

El estilo anime tiene una larga historia y una gran influencia en el mundo

del arte y el entretenimiento.

El anime se originó en Japón a principios del siglo XX, como una forma de expresión artística y cultural. El anime se popularizó en Occidente a partir de los años 80 y 90, con series como Dragon Ball, Sailor Moon y Pokémon. El anime ha evolucionado y diversificado a lo largo de los años, dando lugar a subgéneros como el mecha, el shōjo, el shōnen y el isekai. El estilo anime también tiene un gran impacto cultural y social, ya que refleja y critica aspectos de la sociedad, la política, la religión y la filosofía. El anime puede

abordar temas complejos y controvertidos, como la guerra, la violencia, el sexo, el amor, la identidad y la moral. El anime también puede generar un sentido de pertenencia y comunidad entre sus fans, que comparten sus gustos, opiniones y experiencias. El anime es una forma de arte que trasciende.

EL ESTILO INFANTIL

El estilo infantil busca crear una atmósfera de diversión, ternura y fantasía, que atraiga y estimule la imaginación de los niños.

Este estilo se basa en el uso de formas simples, colores primarios y secundarios, y patrones repetitivos.

Las ilustraciones infantiles también suelen incorporar elementos lúdicos, como letras, números, formas y sonidos, para favorecer el aprendizaje y la interacción. Los personajes de este estilo suelen ser simpáticos, inocentes y curiosos, y a menudo se enfrentan a

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situaciones o aventuras que les enseñan valores o lecciones.

El estilo infantil tiene como objetivo principal entretener y educar a los niños, así como fomentar su creatividad y desarrollo. El estilo infantil se aplica a una variedad de medios y productos, como libros, revistas, juegos, películas, dibujos animados, juguetes, ropa y decoración.

El estilo infantil también puede tener un componente emocional y sentimental, ya que puede evocar recuerdos y sentimientos de la infancia.

Algunos ejemplos de ilustradores infantiles famosos son Dr. Seuss, Beatrix Potter y Eric Carle. El estilo infantil también tiene un gran valor pedagógico y psicológico, ya que ayuda a los niños a desarrollar sus habilidades cognitivas, lingüísticas, emocionales. ociales. El estilo infantil estimula la curiosidad, la

imaginación, la memoria, el razonamiento y la creatividad de los niños, así como su capacidad de expresarse y comunicarse.

EL ESTILO FICTICIO Permite a los artistas crear mundos y p e r son ajes que no existen en la realidad, pero que tienen su propia lógica, reglas y estética.

Este estilo se nutre de la imaginación, la creatividad y la innovación, puede combinar elementos de diferentes culturas, épocas y disciplinas. Las ilustraciones ficticias también suelen tener un propósito narrativo, es decir, contar una historia o transmitir un mensaje. Los personajes de este estilo pueden ser humanos, animales, alienígenas, monstruos o cualquier otra cosa que el artista imagine, y suelen tener personalidades, habilidades y conflictos propios.

El estilo ficticio ofrece una gran libertad y diversidad a los artistas, que pueden explorar te-

mas y conceptos que no están limitados por la realidad. El estilo ficticio también puede generar un gran impacto y admiración en el público, que puede sentirse atraído y fascinado por los mundos y personajes creados.

El estilo ficticio se puede encontrar en una variedad de medios y géneros, como libros, cómics, películas, videojuegos, arte conceptual y fan art. Algunos ejemplos de ilustradores ficticios famosos son J.R.R. Tolkien,cH.R. Giger y Hayao Miyazaki. El estilo ficticio también tiene un gran potencial artístico y comercial, ya que puede atraer y satisfacer a una amplia audiencia y a un variado mercado.

El estilo ficticio puede generar ingresos y beneficios para los artistas y las empresas que lo producen y distribuyen.

Este estilo abarca una amplia gama de géneros ficticios.

cia y el comportamiento de la realidad, utilizando técnicas avanzadas de dibujo, pintura y fotografía. Este estilo requiere de una gran observación, atención al detalle y conocimiento de las propiedades de la luz, el color, la forma y la textura. Las ilustraciones realistas también suelen tener un propósito documental, es decir, mostrar o informar sobre algo que existe o ha existido en la realidad. Los personajes de este estilo suelen ser humanos o animales, y se representan con un alto grado de realismo y naturalidad.

El estilo realista tiene como objetivo principal mostrar la realidad tal como es, sin alterarla ni embellecerla. El estilo realista también puede tener un valor artístico y estético, ya que puede resaltar la belleza y la complejidad de la naturaleza y la vida. El estilo realista

se puede aplicar a una variedad de medios y temas, como libros, revistas, carteles, retratos, paisajes, naturaleza muerta y arte histórico. Algunos ejemplos de ilustradores realistas famosos son Leonardo da Vinci, Vincent van Gogh y Norman Rockwell. El estilo realista también tiene un gran desafío técnico y artístico, ya que requiere de una gran habilidad, dedicación y paciencia por parte de los artistas.

El estilo realista exige un dominio de las herramientas y los materiales que se utilizan, así como un conocimiento de las técnicas y los principios que se aplican. El estilo realista también implica una búsqueda constante de la perfección y la superación, así como una sensibilidad y una pasión por el arte.

EL ESTILO REALISTA Busca imitar la aparien-

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L

a ilustración en la publicidad es una forma de comunicar visualmente un mensaje o una idea mediante el uso de dibujos, gráficos o imágenes. La ilustración puede tener diferentes funciones en la publicidad, como llamar la atención, crear una identidad de marca, diferenciar un producto, contar una historia o persuadir al consumidor. La ilustración también puede adaptarse a diferentes medios, estilos y géneros, según el objetivo y el público de la campaña publicitaria.

La ilustración publicitaria tiene una larga historia que se remonta al siglo XIX, cuando los anuncios impresos empezaron a incorporar imágenes para atraer a los lectores. Con el desarrollo de nuevas técnicas de impresión y de medios como la televisión, el cine y el internet, la ilustración publicitaria ha evolucionado y diversificado, dando lugar a obras creativas e innovadoras que reflejan la cultura y la sociedad de cada época.

Algunos ejemplos de ilustración publicitaria son: El cartel de Uncle Sam que decía “I want you for U.S. Army” y que se usó para reclutar soldados durante la Primera y la Segunda Guerra Mundial.

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La Ilustración EN LA PUBLICIDAD

La campaña de Absolut Vodka que mostraba botellas de vodka con diferentes formas y diseños, inspirados en lugares, personajes o conceptos.

La serie de anuncios de Apple que presentaban siluetas de personas bailando con sus iPods, con un fondo de colores vivos y el eslogan “Think different”.

La campaña de Dove que mostraba a mujeres reales de diferentes edades, tamaños y razas, con el lema “Real beauty”.

La campaña de WWF que utilizaba ilustraciones minimalistas de animales en peligro de extinción, con el mensaje “Save them”.

La ilustración es una forma de arte que puede expresar ideas, emociones y personalidad de una manera única y original. La ilustración también puede adaptarse a diferentes medios, estilos y géneros, según el objetivo y el público de la campaña publicitaria.

La ilustración puede diferenciar una marca o un producto de la competencia y crear una identidad

propia creativa y original.

La ilustración es un arte visual que consiste en crear imágenes para complementar, explicar, decorar o narrar una idea, concepto o historia. Aunque históricamente se ha asociado principalmente con libros y publicaciones, la ilustración se ha expandido a una variedad de medios y campos, incluyendo la publicidad, el diseño editorial, el diseño de personajes, el

cine, los videojuegos y la animación, entre otros.

En conclusión, la ilustración es una forma de arte visual versátil y poderosa que se utiliza en una variedad de contextos y aplicaciones. Desde contar historias hasta embellecer productos, las ilustraciones desempeñan un papel importante en la comunicación y la expresión creativa en nuestra sociedad.

Diseño

Tradicional ESCRITURA, COLLAGE, PINTURA

E

l diseño gráfico tradicional, antes de la prevalencia de las herramientas digitales, era un proceso completamente manual. En este enfoque, los diseñadores dependían de instrumentos básicos como lápices, plumas y pinceles para esbozar y crear ilustraciones. El papel y la cartulina eran las superficies primordiales para realizar bocetos y componer tipografías.

La composición de elementos gráficos se llevaba a cabo de manera física, implicando el corte y pegado de diferentes componentes, desde fotografías hasta texto impreso, para construir el diseño final. Las reglas y plantillas eran esenciales para asegurar una alineación precisa y consistencia en el diseño.

La fotocomposición y el uso de Letraset, hojas adhesivas con letras preimpresas, eran técnicas comunes antes de la llegada de la composición digital de texto. La ilustración era un proceso manual que involucraba técnicas artísticas como acuarelas, lápices de colores y tintas.

La tipografía, antes de las fuentes digitales, a menudo involucraba la creación a mano de letras o la

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disposición manual de caracteres móviles para la impresión. La reproducción gráfica se realizaba mediante métodos como la impresión litográfica, la serigrafía y la xilografía, todos los cuales requerían un enfoque artesanal.

El diseño gráfico tradicional también implicaba la manipulación analógica de fotografías, ya que la fotografía digital aún no era una realidad. La atención a los detalles era crucial, ya que realizar correcciones era un proceso delicado y que requería habilidad.

Este enfoque manual del diseño gráfico proporcionaba una experiencia táctil única. La textura de los materiales, la calidad del papel y otros elementos táctiles eran consideraciones importantes. Cada pieza diseñada era única, y la reproducción exacta era difícil, lo que confería un valor especial a cada obra.

Aunque el diseño gráfico digital ha ganado predominio, la autenticidad y el proceso artesanal del diseño tradicional siguen siendo apreciados. La fusión de estas prácticas con herramientas digitales ha dado for-

ma a un panorama diverso y emocionante en el diseño contemporáneo.

Materiales

DIBUJO Y ESCRITURA

Lápices, Marcadores, Bolígrafos y Pinceles.

SOPORTES

Papel, Cartulina y Blocs de Dibujo.

PAPELERÍA

Plantillas Geométricas y Reglas.

RECORTE Y PEGADO

Tijeras, Cúter, Tablero de Corte y Pegamento.

Branding “LA MARCA”

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COHERENCIA EN LA COMUNICACIÓN La coherencia es esencial. Desde los materiales impresos hasta las plataformas digitales, todos los elementos visuales deben comunicar un mensaje consistente. Esto incluye la paleta de colores, la tipografía, los gráficos y el tono general del diseño.

REPUTACIÓN Y CONFIANZA Un diseño gráfico efectivo en el branding contribuye a construir la reputación de una marca y establecer la confianza del consumidor. Los consumidores confían en marcas consistentes y reconocibles.

El diseño gráfico en el branding es un proceso estratégico que va más allá de la estética superficial.

Es la creación y gestión de una identidad visual que no solo atrae la atención, sino que también comunica valores, crea conexiones emocionales y construye lealtad a lo largo del tiempo.

IDENTIDADES DURADERAS

El branding en el diseño gráfico no se trata solo de crear logotipos atractivos; es una disciplina estratégica que busca construir y gestionar la identidad de una marca de manera coherente y memorable.

LOGOTIPO E IDENTIDAD VISUAL El logotipo es la piedra angular de la identidad visual de una marca. Debe ser distintivo, simple y representar los valores y la personalidad de la empresa. La elección de colores, tipografía y formas en el logotipo establece la base para toda la identidad visual de la marca.

Dise

Empa

D

E

l diseño de empaque abarca una amplia variedad de estilos y enfoques, cada uno adaptado a diferentes necesidades y audiencias.

Aquí se presentan algunos tipos comunes de diseño de empaque:

EMPAQUE FUNCIONAL:

Características: Diseño centrado en la practicidad y funcionalidad. A menudo utilizado para productos cotidianos.

Ejemplo: Envases de alimentos básicos como arroz o pasta.

EMPAQUE DE LUJO:

Características: Materiales de alta calidad y diseño estético. Enfoque en la exclusividad y la presentación sofisticada.

Ejemplo: Perfumes de alta gama, joyería.

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EMPAQUE ECOLÓGICO:

Características: Materiales sostenibles y amigables con el medio ambiente. Diseño que comunica la conciencia ambiental.

Ejemplo: Empaques biodegradables, reciclables.

EMPAQUE MINIMALISTA:

Características: Enfoque en la simplicidad y la reducción de elementos.

Uso de colores y tipografía limpios.

Ejemplo: Productos de belleza, electrónicos.

EMPAQUE RETRO O VINTAGE:

Características: Diseño inspirado en épocas pasadas. Uso de colores y gráficos que evocan nostalgia.

Ejemplo: Envases de bebidas, productos gourmet.

EMPAQUE LÚDICO O DIVERTIDO:

Características: Diseño que busca entretener y captar la atención. Uso de ilustraciones y colores vibrantes.

eño

aque

DE

Ejemplo: Juguetes, productos para niños.

EMPAQUE INFORMATIVO:

Características: Enfocado en proporcionar información detallada sobre el producto. Uso de gráficos y textos explicativos.

Ejemplo: Suplementos nutricionales, productos técnicos.

EMPAQUE DE EDICIÓN LIMITADA:

Características: Diseño exclusivo para productos de tiempo limitado. Puede incluir elementos coleccionables.

Ejemplo: Ediciones especiales de alimentos, productos estacionales.

EMPAQUE TRANSPARENTE:

Características: Uso de materiales transparentes para

mostrar el producto. Enfocado en la exhibición visual del contenido.

Ejemplo: Envases de alimentos frescos, productos de belleza.

EMPAQUE INTERACTIVO:

Características: Incluye elementos que el consumidor puede manipular. Uso de tecnología como códigos QR o realidad aumentada.

Ejemplo: Envases con juegos integrados, interactividad digital.

Estos tipos de diseño de empaque representan solo una fracción de las posibilidades creativas. La elección del tipo de diseño depende del producto, el público objetivo y los objetivos específicos de la marca.

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?

4 2 0 2 l e d s a i c n e d n e ¿T VEAMOS INTEGRACIÓN DE LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL

L

a presencia de la Inteligencia Artificial en el diseño gráfico se está fortaleciendo. Los generadores de texto e imagen con IA están generando contenidos visuales sorprendentes, lo que promete un crecimiento notable en el uso de IA integrada al flujo de trabajo de diseño durante el 2024.

ARTE GENERATIVO La inteligencia artificial y el diseño generativo estarán en el centro del proceso creativo. Los diseñadores utilizarán algoritmos para crear arte único y sorprendente. Ejemplos incluyen ilustraciones generadas por IA para portadas de libros o imágenes únicas para campañas publicitarias.

Algunos ejemplos de cómo se utiliza la inteligencia artificial en el diseño gráfico incluyen:

Generación automática de diseños: Los algoritmos de inteligencia artificial pueden analizar grandes cantidades de diseños existentes y crear de forma automática nuevos diseños basados en patrones y tendencias identificados en esos conjuntos de datos.

Creación de imágenes realistas: Los algoritmos de inteligencia artificial pueden generar imágenes hiperrealistas a partir de instrucciones dadas. Por ejemplo, se puede solicitar a un programa de IA que genere el diseño de un automóvil futurista basado en ciertos parámetros, y se generará automáticamente una imagen realista del automóvil solicitado.

Asistentes de diseño: Algunas herramientas de diseño gráfico han incorporado algoritmos de inteligencia artificial para actuar como asistentes virtuales. Estos asistentes pueden ayudar a los diseñadores a tomar decisiones y sugerir opciones basadas en análisis de datos y patrones identificados previamente.

REALIDAD AUMENTADA La realidad aumentada se perfila como una de las grandes tendencias para el 2024. En un mundo en constante cambio, la realidad aumentada está trans-

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formando la manera en que percibimos el diseño gráfico. Tendremos la posibilidad de hacer que imágenes sin movimiento puedan interactuar con los usuarios.

DISEÑOS EN 3D El diseño en 3D ha dejado de ser una novedad para convertirse en un protagonista esencial. Los personajes tridimensionales se están apoderando de las pantallas, creando experiencias visuales más inmersivas y cercanas.

El renderizado 3D lleva años siendo tendencia en diseño gráfico, evolucionando y mejorando la manera de presentar productos o realizar personajes para marcas. Los avances tecnológicos permiten que cada vez más la generación de estas imágenes sean más realistas e inmersivas. El crecimiento del 3D dentro del diseño gráfico es muy notable ya que tiene grandes beneficios a la hora de mostrar productos, presentar proyectos, generar entornos específicos, etc.

HOLO ABSTRACT 3D SHAPES

Esta tendencia se basa en la creación de composiciones tridimensionales que incorporan elementos holográficos o iridiscentes. Este estilo utiliza formas geométricas y objetos abstractos que parecen tener una profundidad visual y, a menudo, se superponen para crear una sensación de movimiento y dinamismo.

3D EFFECT (ILLUSTRATOR)

El nuevo efecto 3D logrado con Adobe Illustrator, se caracteriza por la creación de ilusiones tridimensionales que añaden profundidad y realismo a los elementos visuales. Este efecto utiliza sombras, luces y perspectivas para simular la profundidad, creando una apariencia tridimensional en objetos que, en realidad, son bidimensionales.

3D GLOW

Implica el uso de efectos tridimensionales, a menudo combinados con resplandores (glows) y efectos de iluminación que añaden una sensación de profundidad y luminosidad a las imágenes o diseños. Llega a involucrar colores vibrantes y contornos definidos, creando un aspecto llamativo y futurista.

DISEÑO SOSTENIBLE La conciencia social sobre el medioambiente es cada día más importante y está influyendo en el diseño gráfico. Las grandes organizaciones hace años que están trabajando por el cambio y la realización de productos y materiales «más verdes». Es algo que hemos ido viendo primero en los rebranding de grandes marcas, el rediseño de packaging para darle nuevos usos, el uso de materiales sostenibles, etc. Seguiremos viendo aplicaciones más sostenibles, uso de menos tintas para reducir la huella medioambiental y mensajes que inspiren acciones a favor del medio ambiente.

En 2024, se espera que los diseños ecológicos y sostenibles sean tendencias de diseño web, transmitiendo mensajes sobre la importancia de la naturaleza y la conservación del medio ambiente. Los diseñadores buscarán formas de minimizar el impacto ambiental, utilizando colores y elementos inspirados en la naturaleza. Ejemplos incluyen paletas de colores terrosos y el uso de ilustraciones que resalten la biodiversidad.

Esto implica considerar el uso de materiales sostenibles, como papel reciclado, tintas vegetales y opciones de impresión ecológicas. También implica diseñar de manera eficiente, minimizando el uso de recursos y evitando el desperdicio.

El diseño sostenible y la eco-conciencia en el diseño gráfico buscan minimizar el impacto negativo en el medio ambiente y promover una forma de diseño responsable y consciente.

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ICAS TIPOGRAFÍAS ÚN DINAMISMO DISTORSIONADA Y CON COLORES VIBRANTES

Una combinación del uso de tipografías distorsionadas y colores vibrantes se espera que sea una de las tendencias más resonantes para el 2024 en diseño gráfico. Según SIFTA (2021), un artículo de “MEDIUM” podemos entender que la tipografía es muy importante para reflejar todos los cambios que ocurren durante el paso del tiempo, tomando como referencia al artículo “La tipografía de nuestro tiempo: caótica y ecléctica” este tipo de tipografía se basa mucho en la falta de estructura y distorsión de la misma. Esto la vuelve peculiar gracias a su versatilidad y originalidad.

GRANDE Y ATREVIDA

Hoy en día la tipografías son cada vez más grandes y atrevidas. El maximalismo tipográfico será parte de las tendencias para este 2024.

Las fuentes en negrita captan la atención y jerarquizan los elementos de diseño. La mayoría de los directores de diseño de las marcas de productos web y aplicaciones la utilizan generosamente.

FUENTES RETORCIDAS

Letras torcidas, versiones raras de fuentes con gracias, fuentes manuscritas y mucho más…

Esta tendencia tipográfica experimental aplica desviaciones tipográficas de lo normal, como el Antidesign. Por ejemplo, una de las populares series de televisión de 2022 la utiliza bastante bien, Squid Games. Son grandes captadores de atención para hacer que los usuarios/espectadores lean lo que quieres decir.

FUENTES 3D LÍQUIDAS

Las letras y caracteres de las fuentes se diseñan de manera que sugieran la fluidez y la dinámica de un líquido, como el agua, la tinta o el aceite.

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Captar la atención es la clave El foco del diseño gráfico sigue siendo la combinación de funcionalidad y atractivo visual. Un atractivo que además capte la atención del usuario y lo mantenga atrapado en nuestro contenido. Por eso lleva años imponiéndose el vídeo sobre la imagen estática. El uso de movimiento e interactividad es cada vez más tangible. Esta tendencia incorpora desde animaciones a minivídeos, texturas o elementos interactivos que ayudan a generar una experiencia dinámica y atractiva.

NEO GRUNGE Una tendencia de diseño que combina lo rebelde y lo racional. El Neo Grunge es un estilo que combina elementos del grunge y el postmodernismo, creando una estética ruda, oscura y crítica. Se inspira en las obras de artistas como David Carson. Así como en las manifestaciones culturales, sociales y políticas de la sociedad actual, como la crisis sanitaria, el cambio climático, la desigualdad, la violencia, etc. Se caracteriza por el uso de formas distorsionadas, colores apagados, contrastes débiles, texturas sucias, tipografías rotas, imágenes borrosas, mensajes ambiguos, etc.

El Neo Grunge se inspira en las tendencias clásicas que han marcado la historia y la evolución del diseño, como el grunge y el postmodernismo.

Estas tendencias tienen en común el hecho de haber sido innovadoras, disruptivas y revolucionarias en su momento, así como de haber reflejado y cuestionado la cultura y la sociedad de su época mencionado por Strachan (2018) en cómo inspiran a las tendencias emergentes de hoy en día con la distorción, colores brillantes y otras mezclas de tendencias revolucionarias que inspiran los movimientos actua-

les, que buscan la inspiración en lo puro de estos movimientos, sacando a relucir lo más púlido de cada uno de estos. El Neo Grunge expresa el contexto cultural actual, que es un escenario complejo, diverso y cambiante, que presenta grandes desafíos y oportunidades para el diseño.

El Neo Grunge es una forma de arte y de comunicación, que busca generar impacto, debate y cambio.

DISEÑO HOLOGRÁFI CO El diseño holográfico llega para cautivar con sus visuales casi transparentes, jaspeados y colores de neón. Esta tendencia invita a romper con lo convencional y obtener combinaciones únicas con colores vibrantes.

Esta difracción de luz es muy atractiva y ha escalado para rivalizar con las principales tendencias en diseño gráfico. Recientemente todos pudimos encontrar la tendencia holográfica en papelería, diseño de productos, diseño de moda (especialmente bolsos y zapatos), etc. Sin embargo, esta tendencia es tan atractiva que no sorprende que también haya llegado al diseño web y de animación. Por no hablar de las aplicaciones y los logotipos.

Esta tendencia ha sido planteada recientemente por artistas que querían darle a sus obras un toque fascinante y glamoroso. Mediante el uso de la luz como elemento adicional, puedes llevar tus obras al estado de una verdadera obra maestra, con la ayuda de algunos efectos brillantes muy interesantes.

“UN MUNDO MÁS ALLÁ DE LA SIMPLE VISTA HUMANA, DÓNDE TODO ES POSIBLE, SOLO HACE FALTA VERLO.” 28

La Fotografía

L

a fotografía es un arte y una técnica que consiste en capturar imágenes mediante la acción de la luz sobre un material sensible, como una película fotográfica o un sensor electrónico en el caso de las cámaras digitales.

Es una forma poderosa de expresión visual que puede utilizarse con diversos propósitos, desde documentar momentos cotidianos hasta crear obras de arte conceptuales.

La primera fotografía En términos gefue tomada por Joseph nerales, la fotoNicéphore Niépce en grafía se puede 1826, capturando la dividir en varias vista desde su ventana categorías:

utilizando una placa recubierta de betún.

Fotografía documental: Se centra en capturar la realidad tal como es, sin intervención ni alteración. Suele utilizarse en periodismo, reportajes y documentales para documentar acontecimientos históricos, culturales o sociales.

Fotografía de retrato: Consiste en capturar la esencia de una persona, mostrando su personalidad, emociones y rasgos distintivos. Puede ser tanto formal como informal, y se utiliza comúnmente en retratos individuales, familiares o profesionales.

Fotografía de paisaje: Se enfoca en capturar la belleza de los paisajes naturales, como montañas, playas, bosques y cielos. Esta categoría suele destacar la composición, la iluminación y los colores

para transmitir una sensación de serenidad y admiración por la naturaleza.

Fotografía de moda: Se utiliza principalmente en la industria de la moda para destacar prendas, accesorios y estilos de moda. Suele realizarse en entornos cuidadosamente seleccionados y con modelos profesio nales, y se caracteriza por su enfoque en la estética y la e x p r e s ió n creativa.

Fotografía a r t í s t ic a: Esta categoría engloba una a m pl i a gama de estilos y técnicas que se utilizan para expresar ideas, emociones y conceptos abstractos. Puede incluir desde fotografía conceptual y surrealista hasta fotografía experimental y de autor.

Además de estas categorías principales, la fotografía se utiliza en una variedad de campos y aplicaciones, incluyendo: Publicidad: La fotografía se utiliza en anuncios impresos, comerciales de televisión y campañas en línea para p r o m o c i o n a r La Kodak No. 1, lanzaproductos y ser- da en 1888, fue la privicios de manera mera cámara con rollo atractiva y per- de película, haciendo suasiva. la fotografía más acceLa fotografía es una forma versá- sible al público. til y poderosa de expresión visual que se utiliza en una amplia gama de campos y aplicaciones.

Uno de los primeros usos documentados de la palabra fue en 1839 en un artículo alemán titulado “Photographie” que examinaba varias reivindicaciones de prioridad en relación con la invención de la fotografía.

Hércules Florence, un pintor e inventor francés que vivió en Campinas, Brasil, utilizó la forma francesa de la palabra, “fotografía”, en notas privadas que se cree que fueron escritas en 1834. Aunque esta afirmación está ampliamente difundida, todavía no se re“The Great Picture”, la conoce en gran fotografía más grande medida a nivel impresa, mide 31 metros internacional. de alto por 111 metros de John largo y fue tomada en Herschel, un as2006 en California. trónomo, también se atribuye el haber acuñado la palabra en 1839. Sin embargo, Henry Fox Talbot, uno de los pioneros de la fotografía, no conocía el griego lo suficiente para entender que “fotografía” significa más bien “escritura aparente” y no “escribir con luz”. De hecho, Talbot se refirió a su procedimiento como “calotipo”.

Proceso Fotográfico: La fotografía implica capturar imágenes mediante la acción de la luz. Esto se logra proyectando una imagen La cámara obscura captada por un pequede Ibn al-Haytham, ño agujero sobre una del siglo XI, es la superficie, de modo más antigua cono- que el tamaño de la cida, estableciendo imagen queda redulos fundamentos cido. Para capturar y guardar esta imagen, para la fotografía. las cámaras fotográficas utilizan película sensible en la fotografía química, mientras que en la fotografía digital se emplean sensores electrónicos que graban las imágenes en memorias digitales.

Todas las cámaras fotográficas tienen una cámara oscura, que es una caja rectangular con un orificio por el que entra la luz. La luz proyecta la imagen en la superficie sensible, creando así una fotografía. La fotografía es La primera cámara un medio poderoso digital fue inventada para capturar moen 1975 por Steven mentos, expresar Sasson de Kodak, emociones y contar historias a través marcando el inicio de de imágenes fijas y la era digital en la fo- duraderas.

tografía.

“LA FOTOGRAFÍA ES EL ARTE DE CONGELAR MOMENTOS EN EL TIEMPO, CAPTURANDO LA LUZ Y LAS EMOCIONES PARA LA ETERNIDAD.”

La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debido a la acción de la luz. Es un proceso que implica proyectar imágenes, capturarlas y plasmarlas, ya sea mediante el fijado en un campo sensible a la luz o la conversión en señales electrónicas.

Definición y Origen: El término “fotografía” proviene del griego “phōs” (raíz “φωτ-”, que significa “luz”) y “grafo” (raíz “γράφ-”, que significa “rayar, dibujar, escribir”). Juntos, significan “escribir/grabar con la luz”.

Varias personas pueden haber acuñado este término a partir de estas raíces de forma independiente.

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— ¿Cuáles son las principales coordenadas de su trabajo como grafista? ¿Cuál es su búsqueda?

— “La terre est bleu comme une orange.

Paul Eluard.”

Durante estos cincuenta años de experiencia con el diseño gráfico me he desempeñado fundamentalmente en el cartel.

También he diseñado sellos postales, portadas de discos y libros, murales y gigantografías, el plano del Metro de Caracas de 1982 y algunas marcas de carácter nacional. Comparto la actividad profesional con la docencia y las conferencias públicas, lo que me permite complementar y actualizar permanentemente mis búsquedas gráficas.

Comencé a diseñar dibujando a mano alzada, luego realicé collages, más tarde esculturas que una vez fotografiadas transformaba en diseños planos; después de esa etapa regresé por una corta temporada al collage para volver al dibujo para la digitalización, donde llevo más de 15 años.

Mi búsqueda visual es comunicar con imágenes, textos y colores argumentos que inviten a pensar. Siento que texto e imagen no pueden ser redundantes, sino complementarios. Por ejemplo, si muestro una flor y digo que es una flor, creo que maltrato y subestimo al público. Recurro al famoso “esto no es una pipa” de René Magritte para jugar con la contradicción.

Así provoco reflexión y creo en la mentalidad del público una suerte de historia breve que hace inolvidable la imagen. Me resisto entonces a ilustrar un concepto o a dibujar un perfil exacto de un slogan; aprovecho que manejo dos lenguajes contundentes, imagen y letra, para transmitir ideas que liberan al espectador, que le permiten hacer sus propias interpretaciones a partir de elementos comunes y cotidianos.

— El cartelismo está entre sus formas

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de expresión más conocidas. Para usted, ¿qué es un cartel?

— Para mí un cartel es un golpe en el ojo cuyo hematoma queda en la memoria del transeúnte. Es la manera de captar la inteligencia de la gente, detener al público en su andar dejándole una imagen en la que pensar. El cartel es efímero como una flor, tal como lo definió Kazumasa Nagai, aunque hay ejemplares que con el paso del tiempo cobran un valor agregado, gracias evidentemente a su poder de comunicar y a sus valores estéticos.

En lo particular me tomo el cartel como una cátedra silenciosa y estática que informa y evidencia varias lecturas. A veces me planteo dar una clase de color, o de tipografía, o semiología. Para mí no es un cartel un rostro sin historia, algo que ya esperas, algo obvio y redundante. Cuando un cartel es borroso es porque su idea es borrosa.

Un cartel es el ladrón que nos roba sin avisarnos. Un cartel es una ensalada en la cual combinas armoniosamente texto e imagen, y el espectador decodifica los elementos y

“

UNO DE LOS GRANDES DEL CARTELISMO MUNDIAL

“

Para conocer en profundidad hay que dudar en profundidad.

elabora sus propias conclusiones.

Después de casi 500 carteles diseñados, con la exposición antológica en la Sala Mendoza de Caracas que titulé Polifonía Gráfica. Medio Siglo de Carteles, constaté que muchas piezas mantienen su fuerza y poder de convocatoria para el diálogo; no han envejecido, no se han borrado, siguen siendo gritos en las paredes que vienen de eco en eco sin pararle a los años. Estoy convencido que esta es otra importante característica del cartel: su posibilidad de eterna juventud.

— ¿Qué proceso creativo sigue en un cartel?

— Dentro de los parámetros previamente acordados con el cliente, hay que empezar por dialogar con él para que sea sincero y claro en su petición. Diseñar un cartel no es un asunto de inspiración, es un proceso creativo con etapas diferentes, que según mi experiencia pueden definirse así: 1. Información: oído.

2. Investigación: lupa.

3. Ideas: libertad.

4. Concreción: fin.

5. Aprobación.

Entiendo al diseñador de hoy como un creador esencialmente integral, pues tiene que convertirse en periodista, investigador, trabajador metódico, creador apasionado, técnico con dominio de la plataforma digital, tipógrafo, conocedor de la industria gráfica, docente, escultor, director de arte.

A veces, he recurrido al teatro para hacer la presentación de algún trabajo.

Hablar de cartelismo es hablar de originalidad, y la originalidad requiere tiempo. El proceso es lento y laborioso pues comienza por desechar de plano la primera idea y ponerla en el banquillo de los acusados. Allí aparece una larga hilera de mini-bocetos de 3x2 cm que con borrones rápidos voy tratando de afinar la puntería. He llegado a realizar miles y miles de mini-bocetos. Reconozco que este es mi vicio perfeccionista, que se alarga siempre pero el ensayo y el error, el miedo y la audacia me impulsan a seguir y entablo un diálogo con mis bocetos a viva voz como si se tratara de un ser humano. A veces escribo sobre ellos mi desazón o mi rabia por no dar con la idea, no tengo piedad ni misericordia con lo que va fluyendo. Son varias sesiones, varios días, varios estados de ánimo que aprovecho para crear. Puedo jurar que el proceso creativo es una medicina contra la depresión.

En los días difíciles acá en Venezuela, me he volcado con todo a la creación. No me cansa trabajar, todo lo contrario: me educa, me enseña. Soy de los que piensa que si creas con amor, con dudas, con sueños, con preguntas, con respuestas y con constancia siempre atrapas el interés del público.

El factor clave para diseñar un cartel está en la comunicación intensa con el cliente.

Rechazo los concursos de diseño y en particular los que tienen que ver con afiches y logos. El diseñar no es reunir una cantidad aleatoria de variables, diseñar a mi juicio es compenetrarse profundamente con el producto y exprimir su esencia para transformarla en un puente de comunicación visual. Los diseñadores tenemos que ocuparnos de la educación visual de nuestros clientes. Convencerlos de ser audaces, atrevidos, iconoclastas, anti-académicos. En

pocas palabras, conseguir que se distingan de la competencia, que se posicionen con calidad, originalidad y arrojo. El diseño está hecho por diseñadores pero es la imagen del cliente y sus productos, a la final lo que se ve es un diseño que representa en primer lugar al cliente.

En mi contexto, Venezuela, si nos dejáramos llevar por las exigencias de nuestros clientes, cualquier imagen, no importa lo que tuviera que promocionar, sería un “culo”. La publicidad lo resuelve todo a nalgazos.

— ¿Qué espacio puede tener actualmente el cartel, ante la profusión de impactos visuales?

— Al cartel se le ha diagnosticado la muerte en varias etapas de la historia de la industria gráfica y siempre ha salido airoso y con nuevos bríos.

Hoy, a la luz de las nuevas tecnologías de altísima resolución, ha encontrado nuevas y contundentes maneras de llegar a la vía pública, inmensos plotters o gigantografias que nos atrapan la vista a la distancia, o modelos 3D que hasta se mueven en el tráfico cotidiano, o carteles impresos sobre superficies irrompibles o pantallas gigantes-

cas de alta resolución, rayos láser que dibujan formas y letras sobre cualquier superficie a gran escala... El cartel ha sido el camaleón de los medios de expresión visuales, pues le ha sacado partido a los avances técnicos de la industria de las artes gráficas.

— ¿Cuáles son sus trabajos más queridos? ¿Y cuál diría que es su principal aportación?

— Esta pregunta me deja mal, yo le he puesto tanto a cada trabajo y esto de seleccionar en verdad me es muy difícil. El diseño de carteles y por extensión todo el diseño gráfico es una apasionante aventura, para conocer algo hay que amarlo, darle tiempo, verlo desde diferentes ángulos. Para conocer en profundidad hay que dudar en profundidad.

Cada diseño nuevo es una aventura nueva, es una pasión nueva, por estas razones no tengo unos trabajos más queridos que otros. A todos les he puesto la misma leche creadora...

I A A IN MI C I O M L D O B D A OM C A D I IC BL CA NA I Ú A L P C B E I M R PÚ IN O D E M R DO CA A I C L A I B C L D I Ú B A P Ú E P IC

I EICA N I M A N A A ICA AN C N I I A M MIN AN N A C O C I I D IN IN M M O O D D A C EN REP. DOMINICANA

EL DISEÑO

GRÁFICO

l diseño gráfico en la República Dominicana tiene sus raíces en la convergencia de diversas influencias culturales y educativas a lo largo del tiempo.

Aunque es un campo relativamente joven en comparación con países con una larga tradición en diseño, como Estados Unidos o Europa, ha experimentado un crecimiento significativo en las últimas décadas.

Evolución:

Orígenes:

Los inicios del diseño gráfico en la República Dominicana se remontan al siglo XX, cuando la influencia del diseño gráfico internacional comenzó a llegar al país a través de revistas, libros y películas.

En las décadas de 1960 y 1970, el diseño gráfico empezó a adquirir más relevancia con la fundación de agencias de publicidad y la llegada de diseñadores extranjeros que introdujeron nuevas técnicas y estilos.

Durante la década de 1980, el diseño gráfico dominicano comenzó a consolidarse como una disciplina reconocida, con la creación de programas académicos especializados y la formación de asociaciones profesionales.

En la década de 1990, con el avance de la tecnología y la globalización, el diseño gráfico experimentó un auge en el país. Se establecieron estudios de diseño independientes y agencias especializadas en áreas como branding, diseño editorial, diseño web y publicidad.

En los últimos años, el diseño gráfico en la República Dominicana ha seguido evolucionando con la incorporación de nuevas herramientas digitales, la adopción de tendencias internacionales y un enfoque creciente en la responsabilidad social y la sostenibilidad.

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LICA DOMINICANA YA!

“Esta revista es un medio que sirve para adentrar al lector al mundo de la pasión y el amor por el diseño y el arte.”

Alanny Sánchez

Linel Flores

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