Exposicion artistas modernos grupo

Jacques-Louis David

Francisco de Goya Vincent van Gogh Paul CĂŠzanne

moderno

artistas del espĂ­ritu

Tutora: Slenka Leandra Botello ARTES VISUALES Escuela de Ciencias Sociales, Artes y Humanidades (ECSAH)

Elaborado por:

Grupo: 408004_1 Curso: El arte y la modernidad

Jose Daniel Gutierez Javier Oswaldo Lopez Oscar Javier Morris Lina SofĂ­a Salamanca M.

Jacques-Louis David 30 de ago. 1748- 29 de dic. 1825

¿Qué hace Moderno al artista elegido?

Si retomamos la representación de los cuerpos desnudos bajo la ropa, se puede ver allí la formación neoclásica del pintor, así como una cierta mejora de los personajes en la antigüedad, sim embargo, la obra se alimentó de nuevos elementos técnicos y sociales, que permitieron nuevas formas de sensibilización ajustadas a la realidad del momento.

El artista ejecuta una nueva pintura representativa de una nueva Francia revolucionaria donde impone nuevas técnicas de representación, el ajuste que hace del movimiento de los cuerpos en esta tabla, por los juegos de los personajes que presentan una línea de fuerza que la unión de los franceses contra las órdenes favorecidas.

El pintor más influyente del arte francés del siglo XIX, especialmente en las pinturas académicas.

Así, también las nuevas temáticas que suponían una nueva forma de pensamiento, donde se involucraron en las obras a quienes hacían parte de la cotidianidad, como la representación de la igualdad de derechos, como el interés colectivo que anula el interés personal de una minoría del pueblo, haciendo del pueblo un representante más en la ilustración.

LA MUERTE DE MARAT (1793) Óleo sobre lienzo 165 cm × 128 cm Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica

La postura de Marat con la de la figura de Cristo en la Piedad de Miguel Ángel , sin embargo, Prevalece la austeridad, y se elimina todo lo artilugio, la emoción es el impulso mismo de obra, la representación del último instante del héroe, sobrio y sereno, aquí se puede ver la fuerza de la emoción por encima de los parámetros clasicistas.

También en la obra se experimenta gran variedad de opciones en sus El 13 de julio de 1793, Marie-Anne Charlotte representaciones, por un lado, utilizo Corday asesinó a Jean-Paul Marat , figura la simetría, la falta de profundidad, y emblemática de la Revolución Francesa . sin dejar de lado utilización del claro Su muerte fue inmediatamente aprovechada, oscuro para resaltar la sensibilidad y nació el primer gran mártir de la causa de la escena o del personaje mismo. revolucionaria. Para apoyar este nuevo estatus, se propuso a Jacques Louis David , amigo y compañero de lucha de la víctima, representar "el asesinato injusto".

Otro elemento de grandeza en la obra, en que lo situó dentro de los parámetros de la modernidad, en la experimentación de la técnica que utiliza el artista en la composición de la pintura, desde la fuente de luz hasta las líneas de fuerza, a través de una paleta de colores dudosa, sin embargo, es una obra sorprendente que será copiada por artista posteriores.

El hecho desnudo de la muerte domina la obra.

El artista se apoya en la teatralidad para abordar su pintura, por el impulso extremo del neoclasicismo en la representación magisterial de la muerte por la causa revolucionaria, nuevas formas de componer la realidad propio de la modernidad.

La dignidad del mensaje se refleja en la sobriedad del tratamiento; gestos contenidos, no hay violencia, colores apagados.

La temática, igualmente, está basada en acontecimiento histórico que supuso una nueva de forma de pensamiento, como lo fue la revolución francesa, y el autor no fue ajeno a esta realidad.

Jacques-Louis David 30 de ago. 1748- 29 de dic. 1825

La utilización de nuevas técnicas en la elaboración, como los tonos grises, pardos y verde petróleo aplicados en planos lisos son igualmente sencillos; su austeridad y su calculada posición. Y es precisamente mediante estos valores delicadísimos y con moderados contrastes de luz y sombra, como se consigue una impresión pictórica y llena de color, a pesar de la ejecución contenida.

El artista empezó a instalarse por encima de las formas y cánones instituidos.

En esta pintura, el artista se aleja del ornamento innecesario y el deseo de simplicidad, claridad y gravedad. La definición del lugar, tan precisa en primer plano, va perdiendo su precisión a medida que se va más allá: más de la mitad del cuadro está vacía, es un fondo abstracto.

Los hechos sociales, permitió al artista nuevas formas de sensibilización, el arte en representación de la cotidianidad, en esta ocasión el lienzo de "mártir" retrata la tragedia del patriota revolucionario. El artista creó una figura puramente ideal empleando solamente el material que le permitía realizar su idea. En esta, particularmente, la fuerza de la emoción está por encima de los parámetros clasicistas, es el impulso mismo de la pintura.

“El juramento del Juego de Pelota” LE SERMENT DU JEU DE PAUME (esbozos de 1791), Museo nacional del castillo de Versalles.

La pintura recrea un acontecimiento significativo en el periodo de la revolución francesa, en los primeros indicios de institucionalidad que pretendían concluir la etapa absolutista de la monarquía.

El comienzo de los Estados Generales había liberado un altercado de procedimiento, donde finalmente, se declaró la Asamblea Nacional. Ante la resistencia de Louis XVI, quien cerró la sala de reuniones de los diputados, se tomó la decisión de reunirse en la habitación de Jeu de Paume, y el 20 de junio de 1789, prometieron nunca separarse hasta haber redactado una constitución.

Los procesos creativos y expresivos se enfocan hacia nuevas temáticas que reflejan la realidad, JacquesLouis halla en su pintura la imagen intenta mostrar la nueva Francia revolucionaria.

Las formas de representación de la realidad, en la pintura los diputados se agrupan más allá de una línea ficticia que en el escenario de un teatro, dejando al público con la ilusión de pertenecer a la otra mitad (invisible) de los espectadores de la escena.

Esta teatralidad de los gestos de los diputados que hacen el juramento, abandona los temas de héroes gloriosos, mitológicos y ahora la pintura tienen que ver con la realidad misma

Esta obra en particular enaltece el hecho histórico a la categoría de acto universal.

La desnudez que se puede ver en esta pintura ilustra la idealización de la escena según Jacques - Louis David , que no estuvo presente durante este momento simbólico

Las formas de representación de la realidad, en la pintura los diputados se agrupan más allá de una línea ficticia que en el escenario de un teatro, dejando al público con la ilusión de pertenecer a la otra mitad (invisible) de los espectadores de la escena.

“El juramento del Juego de Pelota” LE SERMENT DU JEU DE PAUME (esbozos de 1791), Museo nacional del castillo de Versalles.

Aunque el autor no se deslinda totalmente de los clásicos, sin embargo, la temática se refleja desde otra óptica, la magnitud de la composición solo por la respiración que la anima, por su despojo teatral, por su pureza inspirada en lo antiguo, solo por el orden y la claridad que preside la distribución de los personajes y el rigor de la acción.

Goya fue uno de los más grandes artistas de la historia. Siempre innovador, consiguió adelantarse a todos y cada uno de los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo.

Francisco de Goya 30 mar. 1746 - 16 abr. 1828

La modernidad de Goya no radica sólo en las influencias estilísticas, evidentes, sobre el expresionismo, el decadentismo «fin de siglo», o el surrealismo, también y sobre todo en la creación de «mundos» que son característicos del mundo moderno: la sátira propia de los Caprichos, la subjetividad individual en los retratos y el autorretrato, la crueldad de la violencia tal como la percibimos en las pinturas sobre motivos de la Guerra de la Independencia y en las estampas de los Desastres de la guerra o en los dibujos que aluden al primer período absolutista de Fernando VII, la cerrazón de lo grotesco que aparecía ya en los Caprichos y alcanza todo su protagonismo en los Disparates y las Pinturas negras, así como en muchos de los dibujos de Burdeos.

Francisco de Goya fue un artista muy concienciado con la época histórica que le tocó vivir: La influencia de la Ilustración, la vida de la corte, la lucha entre el Absolutismo y el nacimiento del Liberalismo, La Guerra de la Independencia.

Este planteamiento obliga a revisar los tópicos historiográficos al uso, pues Goya inaugura territorios que, más allá de las obvias influencias estilísticas, transitarán otros artistas y constituyen marca de la cultura contemporánea, no solo de la pintura.

Goya lo pintaba todo, que nada escapaba a su mirada, eso es cierto y es algo que lo diferencia de otros artistas del momento y, desde luego, de artistas anteriores a él.

Su pintura va más allá de la estricta representación mimética: Goya interpretó todo, reflexionó en sus pinturas, dibujos y grabados sobre lo pintado, dibujado y grabado.

Trató temas que abrían mundos a nuestra sensibilidad: el de la temporalidad cotidiana y la vida de todos los días, en la que debe incluirse el deseo de ser retratado y de autorretratarse, el de verse como se es (se cree o se pretende que se es) o como nos ven; el de lo cómico y lo grotesco, que deforma para ver mejor y para ver verdad allí donde hay mistificación; el de la violencia en todas sus formas e intensidad; el mundo del grito.

Su pintura refleja su trayectoria vital, sus obsesiones, sus pasiones, sus miedos. Gran observador, sabe plasmar los rasgos psicológicos con gran maestría. Realizó también sorprendentes e innovadores cuadros sobre los momentos históricos que estaba viviendo.

Este gran artista se liberó de las limitaciones que imponía la tradición y, ya fuese en los encargos, ya por gusto, reflexionó visualmente sobre todo lo que estaba a su alcance.

Aborda una amplia Temática: Pinturas religiosas, escenas costumbristas en los cartones, retratos, históricos, bodegones, tauromaquia, mitológicos, oníricos…Con estas pinturas sentó un precedente tanto estético como temático para el género no sólo limitándose a retratar sucesos históricos, sino alcanzando también un mensaje universal.

En cuanto a su carácter, es muy conocido el mal humor del pintor, tan típico de los sordos.

La sordera que le agrió el carácter fue provocada por el saturnismo, una intoxicación por derivados del plomo (el color blanco se hacía con este metal). Cada vez más sordo, Goya se encerró en sí mismo, se volvió huraño y solitario, pero a cambio pintó lo mejor de su producción, con nuevas y arriesgadas obras, como las geniales Pinturas Negras, que preludian el expresionismo o el surrealismo casi 100 años antes de que este naciera.

Ejerció una fuerte influencia en artistas posteriores y en las vanguardias: En los Impresionistas con la pincelada suelta.

En los Expresionistas por su forma de interpretar la pintura, rompe con la composición tradicional, con el dibujo.

En los Surrealistas por el tratamiento del mundo onírico.

SATURNO DEVORANDO A UN HIJO (1820 - 1823) Pintura mural pasada a lienzo. 1,46 x 0,83 Museo del Prado, Madrid.

La técnica utilizada por Goya es óleo a secco, es decir óleo sobre la pared, traspasada posteriormente a lienzo para su exposición en el Museo del Prado.

Es una de las pinturas al óleo sobre revoco, que formó parte de la decoración de los muros de la casa que Goya adquirió en 1819, llamada la Quinta del Sordo.

La obra pertenece a la serie de Pinturas Negras.

Aplica una gama de blancos y negros, con manchas de color gruesas, solo rotas, por el ocre de las carnaciones y por el blanco y rojo de la carne viva del hijo.

Representa al dios Cronos, devorando a uno de sus hijos. La figura es una alegoría del paso del tiempo, Cronos comía a los hijos recién nacidos de Rea, por miedo a ser destronado por uno de ellos.

Goya en estas Obras se muestra como un pintor revolucionario, que prescinde del dibujo que es sustituido por grandes manchas de pintura. Las formas mostruosas de brujas y monstruos, como el de la Obra que estamos comentamos, muestra la visión más oscura del Ser Humano. Visión que se acentúa en Goya con el paso de los años, fruto de su sordera que lo aisla del mundo y de su experiencia durante la Guerra de la Independencia contra los franceses.

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO (1814 ) Lienzo. 2,66 x 3,45 Museo del Prado, Madrid.

"Los Fusilamientos del 3 de Mayo en la Montaña del Príncipe Pío de Madrid", es uno de los mayores logros de la pintura española y posiblemente un hito de la pintura universal.

Es uno de los cuadros de temática histórica más dramáticos de la historia del arte.

Goya plasma en el lienzo toda la fuerza y el dramatismo del hecho histórico, con un lenguaje plástico, no visto hasta ese momento y que se anticipa al expresionismo moderno.

Los rostros de los fusilados expresan el horror del momento en contraposición de los soldados que aparecen como autómatas sin rostro.

Vincent van Gogh 30 mar. 1853 - 29 jul. 1890 Lo que hace a Van Gogh pasar a lo moderno es la nueva paleta viva, el uso de estos nuevos estilos no solo cambió para sí mismo, si no también toda de la historia del arte.

Sus pinturas están vívidas con el color y la exageración; La luz y la preferencia por los colores vivos por la que es conocido surgieron posteriormente, cuando se trasladó al sur de Francia, consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arlés en 1888.

Las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de los tonos, donde el artista consiguió ir añadiendo nuevos colores más ricos y luminosos a su paleta.

Lo que hace novedoso o moderno a este artista, son los cambios radicales en los colores, las texturas, su forma de ver y percibir al mundo.

LOS GIRASOLES (1888) Óleo sobre lienzo 93 cm × 72 cm Neue Pinakothek (Múnich, Alemania) Van Gogh empezó a pintar a finales de verano de 1888 y continuó durante el año siguiente. El motivo inicial de los girasoles era meramente decorativo; Su casa en Arles tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, le inspiraron para elaborar esta serie. Uno de los cuadros fue a decorar la habitación de su amigo Paul Gauguin. Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan.

Las pinturas de los girasoles por Van Gogh han cambiado la perspectiva de humanidad de arte y vida. Estas pinturas cautivan la mente y dejan estupefacto a alguien en su belleza simplista.

Los tallos fluidos y ajados y el arrebato de amarillo bonito captan la audiencia alrededor de la pintura, sin interrumpir la balanza de la pieza.

Los colores son vibrantes y expresan emociones que son asociadas con la vida de los girasoles cómo son conectadas todas las cosas vivientes y en donde además de que le permitía plasmar su color preferido, el amarillo.

Las pinturas fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh emplea en una gama cromática conjunta con naranjas, marrones, beige, etc.

El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles.

Para resaltar el amarillo y el naranja, emplea verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.

La noche estrellada por Vincent van Gogh ha obtenido el máximo de éxitos artísticos. La noche estrellada es una de las imágenes más conocidas en la cultura moderna, además de ser uno de los grabados más reproducidos y deseados.

LA NOCHE ESTRELLADA (1889) Óleo sobre lienzo 73,7 cm × 92,2 cm Museo de Arte Moderno de Nueva York

Los rasgos dentro de la pintura son responsables de su popularidad. Hay muchos aspectos fundamentales que intrigan a las personas que miran a esta imagen, y cada rasgo afecta a cada individuo de una manera diferente.

Se puede apreciar el universo de Van Gogh, con estrellas que estallan y proporcionan una gran sensación de movimiento. Se aprecia aquí lo místico y lo sobrenatural que da cuenta de una experiencia más allá de los sentidos, en que el artista va poniendo en la tela la visión que tiene ante sus ojos, y lo ejecuta situando trabajadas y gruesas pinceladas.

Vicent Van Gogh quiso pintar la Noche Estrellada como un ejemplo del extraordinario trabajo de su imaginación.

Uno de los aspectos más reconocidos de las pinturas de Van Gogh era el uso atrevido de color. Empezó a utilizar un trazo grueso y vigoroso, añadió a sus pinceladas puntos, rayas y pequeños cuadros y sobre todo, adoptó los colores puros.

Aunque los rasgos son exagerados, hace que la mayoría de individuos se sientan cómodos. El cielo mantiene el movimiento en los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a punto con las estrellas.

Una visión íntima y un paisaje. en donde las nubes tienen movimientos giratorios y rápidos, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente brillante. Este movimiento capta la audiencia de una manera sorprendente.

Paul Cézanne

19 ene. 1839 - 22 oct. 1906

Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se fue a París para hacerse pintor.

En la capital francesa estudió en la Académie Suisse, realizó numerosas copias en el Louvre y se hizo amigo de Camille Pissarro, con quien comenzó a pintar al aire libre.

Cézanne consideraba inseparables forma y color. Su lenguaje pictórico se caracteriza por la utilización de áreas de color planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que van configurando la superficie del cuadro.

Sus obras, apreciadas de forma póstuma, exhiben formas y colores impensables para su tiempo. Cézanne se concentró en unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y autorretratos), paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje).

Paul Cézanne es el padre de la pintura moderna, puente entre el siglo XIX y las nuevas propuestas del XX. El pintor era extremadamente pobre y muy poco sociable. Frecuentaba los bares de los impresionistas.

Trató de conseguir una comunión armoniosa entre naturalismo, la expresión personal y el orden pictórico. Rechazó las idealizaciones en los temas y chorradas en su estilo.

Representaba el mundo de la forma más exacta desde el punto de vista pictórico ordenando todo estructuralmente en formas simples y planos de color.

Revolucionario fue la observación de los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a su representación desde perspectivas diferentes al mismo tiempo.

Inspiración después por los cubistas.

LOS JUGADORES DE CARTAS (1890-1892) óleo sobre lienzo 47 x 57 cm Los colores predominantes son Museo d´orsay cálidos destacando la amplia Pintura de género o costumbrista del postimpresionismo

Cezanne hizo una serie con este tema empezando con cinco jugadores hasta quedar reducido a estos dos.

El gran objetivo el estudio y recuperación de las formas. Por la luz artificial que incide sobre la botella y la oscuridad insinuada detrás de la ventana, la partida se desarrollaría a última hora de la tarde Composición equilibrada pero algo asímétrica : la botella con reflejo blanco ( indicio de luz artificial) parece ocupar el centro pero un poco desplazada hacia la izquierda , detrás se intuye el paisaje.

En el cuadro se observa la recuperación de la forma mediante la GEOMETRIZACIÓN, Cuerpo del jugador mayor cilíndrico acabado en ojiva en el cuello, el brazo también cilindro , la botella cilindro, el sombrero jugador joven tronco de cono .

gama de marrones, desde los claros tonos arena hasta los sepias pasando por los marrones rojizos y anaranjados.

Aqui el contraste de colores, intensifica la idea de confrontación: jugador con pipa chaqueta con marrones y malvas, pantalón amarillo, a la inversa que su contrincante: chaqueta amarilla pantalón marrón y malva, sombras violáceas. Usa pinceladas sueltas y yuxtapuestas.

Pertenece a la época de madurez de Cezanne (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida.

A principios de 2012 uno de los cuadros de la serie se convirtió en la obra de arte vendida por más dinero de la historia

Pertenece al género del bodegón.

Este lienzo a menudo destaca por su perspectiva dislocada. Por ejemplo, el lado derecho del sobre de la mesa no está en el mismo plano que el lado izquierdo, como si la imagen reflejara al simultáneamente dos puntos de vista.

Cuadros como este ayudaron a tender un puente entre el Impresionismo y el Cubismo

El cálido cromatismo de sus naranjas y manzanas, cuyos redondeados perfiles nos asaltan una y otra vez en cada composición. Se nota la cuidada disposición de los elementos, que el maestro estudiaba meticulosamente antes de empezar cada lienzo.

En los objetos cotidianos ve la simplificación a las formas básicas, como el cono, el cilindro o la esfera y les dota de vida, sin importarle su condición de inertes.

CESTO DE MANZANAS ( 1893 ) óleo sobre lienzo 65 cm × 80 cm Instituto de Arte, Chicago, Estados Unidos

Cezanne reivindica en sus bodegones la forma y la línea, dota a los elementos de un volumen y geometría que muchas veces se perdían en las impresiones de luces de muchos autores contemporáneos.

A pesar de que se ha dicho que hay cierta simbología oculta en el tratamiento de los objetos, sobretodo de los frutos, para mí la búsqueda de Cezanne con sus bodegones era una búsqueda de la pureza de la forma y de los contrastes cromáticos, cuidadísimos, que de por sí resultan un placer para la vista.