LH Magazin Javieridal

www.lhmagazin.com Año XVIII - Nº 136 ejemplar gratuito

JAVIERIDAL “La perfecta fusión entre el clásico y la electrónica”

Entrevistas: BÁSICO - AUTOMATICA - LA LINEA ROJA - ELENA LEY 10 AÑOS DE GIRANDO POR SALAS... Y NUESTROS IMPRESCINDIBLES DEL 2019 lhmagazin.com 1

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Alicia López Tel.: 910 85 89 62 - 687 93 73 43 alicia@lhmagazin.com

REDACCIÓN Alicia López

COLABORADORES y CORRESPONSABLES

Jorge Vilella, Edu Salas, Justo Santos ( Extremadura), José Glez., Rafa, Mª Mar, Pilar, Rolo, Jose Luis Espinosa, Soraya Machin, Mariano Muniesa, Yolanda Perez Marin (El Club del Escenario), Amado Storni, Roberto Villandiego, Olegario Sánchez (Alcazar de San Juan), Patxi “La Caña” Valen (Plasencia), Alberto Cean (Asturias), Mar Monje Abiol, Juan Carlos Calderon, Jose Abellán, Luis Pulgar (Sevilla y Murcia)

FOTOGRAFÍA

Domingo J. Casas (Jefe), Paco Lainez, Eduardo Mendez, Mario Larrode , Bill Zygmant, Ricardo Rubio, Carlos Miiña, Liberto Peiró (Valencia), Xavier Mercadé (Barcelona), J.M. Rodríguez (Galicia), José M. Bueno (Asturias), Julio Perez Sotillo (Elche), Kiko Asunción (Murcia), Tony Ventura (Las Palmas).

AGENCIAS www.whitepress.es,KOPress

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Esta revista la hace mucha gente, el papel lo ponemos nosotros, las opiniones son de ellos.

FEBRERO 2019

CASTILLA LA MANCHA Y MADRID CASTILLA LA MANCHA

PÍCARO, TOLEDO 13/02/2020 FINO OYONARTE 14/02/2020 MOURN

ASTURIAS, EUSKADI, GALICIA Y NAVARRA

AVALON CAFÉ, ZAMORA 13/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

ASTURIAS

C.T AVALON GREEN, SORIA 07/02/2020 MISSISSIPPI QUEEN & THE WET DOGS

EUSKADI

MADRID

CLAMORES, MADRID 29/02/2020 JAVIER ALCÁNTARA

LA LATA DE ZINC, OVIEDO 28/02/2020 FÔNAL SANTANA 27, BILBAO 07/02/2020 MACHETE EN BOCA

GALICIA LA FÁBRICA DE CHOCOLATE, VIGO 25/02/2020 LORENA ÁLVAREZ

EL SOL, MADRID 20/02/2020 BRONQUIO

NAVARRA

KAFÉ ZENTRAL, PAMPLONA 08/02/2020 MACHETE EN BOCA

CATALUÑA, ARAGÓN Y COM. VALENCIANA CATALUÑA

LÓPEZ, ZARAGOZA 08/02/2020 MARUJA LIMÓN

APOLO, BARCELONA 12/02/2020 BRONQUIO SIDECAR, BARCELONA 27/02/2020 JOSÉ DOMINGO 30/02/2020 ZULU ZULU SALAMANDRA, L’HOSPITALET 21/02/2020 MACHETE ENBOCA

GENIUS, HUESCA 07/02/2020 MARUJA LIMÓN

COMUNIDAD VALENCIANA TEATRE DEL RAVAL, GANDÍA 15/02/2020 FINO OYONARTE

ARAGÓN

CREEDENCE, ZARAGOZA 28/02/2020 JOSÉ DOMINGO logo_nuevo_trazado.pdf

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Aranda de Duero(Burgos) del 7 al 11de Agosto de 2019

Un año más, el Festival Sonorama Ribera se ha convertido en la fiesta de la música.

Aunque enmarcado en el estilo ‘indie’, engloba todo tipo de tendencias, así lo asegura el director del festival, Javier Ajenjo, “tanto los organizadores como la gente que acude, sobre todo, aman la música” y allí comparten escenario grupos con una larga y reconocida trayectoria con jóvenes talentos.

Durante cinco días y sobre todo cinco noches Aranda de Duero se convierte en una ciudad de aquelarres nocturnos, jaleos y bullas diurnas y sueños confusos a la hora del desenfreno que suele coincidir con ese momento de descanso que se sitúa después de comer: ¡y que cada uno coma cuando quiera!.

La música impregna las fachadas de cada calle de Aranda y da paso hasta el recinto del Sonorama al caer la tarde con litros de vino (de Ribera del Duero…¡que va a ser sino!) cerveza, kalimotxo y otros vasos llenos de volumen, griterío y magia.

De esto saben los miles de personas que abarrotan el asfalto mojado en un Agosto raro. Un verano lleno de cambios climáticos que recorren cada escenario, Fuel Fandango, Carolina Durante, Viva Suecia y hasta los chicos del único tema The Garlic Phantoms. Y, como no, el esperado Nacho Cano que después de más de 25 años sin subirse a un escenario nos desgranó lo de siempre más IVA. Y de esto último cada uno de los presentes escribió su propia crónica, que es la buena siempre. Porque los cristales de colores y los monstruos nocturnos, a partir de las 12 de la noche, cada uno ve los suyos y administra como puede cada silbido de aviso en su memoria. Y con Nacho Cano son noches de pasión, vivencias de un pasado que casi casi ya no nos pertenece y aquello de vivimos siempre juntos… .

Bienvenido Sonorama 2020. ¡Allí estaremos!

Destacaron actuaciones como las de Love of Lesbian, Miss Caffeina o Shinova. Y nos dio tiempo a conversar con Ariel Rot y Alejo Stivel, de

Tequila, y Javier Gurruchaga, de la Orquesta Mondragón.

Tequila: “Siempre hemos ido contracorriente”. Ariel Rot, guitarrista de Tequila, no podía disimular su satisfacción tras terminar su actuación en el festival. “Ha sido un concierto distinto con un público más joven, pero para sorpresa nuestra, se conocían las canciones”, aseguraba. Para él, ser ‘indie’ es un sentimiento: “No se puede clasificar qué es ‘indie’ y que no. Nosotros hemos sido muy ‘indies’ porque hemos viajado en coches de mierda por toda España por carreteras insufribles durante muchísimas horas”, aseguraba. Por su parte, Alejo Stivel, “Los grupos que se suponen independientes llevan unos montajes más espectaculares que los otros. Es algo que ya ha perdido el sentido. Es más una cuestión de estética”.

Para Alejo, la esencia de la música sigue siendo la misma desde que empezaron hasta ahora: “Ha cambiado la industria, la manera de venderla y de generar dinero, pero cuando el artista se sube en el escenario, en el fondo es lo mismo: alguien transmitiendo un mensaje y alguien recibiéndolo.

Ha cambiado la forma no el fondo”. Según Ariel, tampoco ha cambiado lo difícil que es vivir de la música: “Siempre es complicado. En el año 77 hacer rock and roll era impensable. Nunca pensábamos en una proyección, que con eso íbamos a vivir y nos íbamos a profesionalizar. Nosotros simplemente con poder tocar, tener una banda, un local de ensayo, una guitarra, un amplificador y cuatro colegas que vinieran a vernos, ya era la gloria”.

La orquesta Mondragón: “La música es necesaria en la vida”. Para Javier Gurruchaga, cantante de La orquesta Mondragón, también era un reto tocar ante un público tan joven. “Siempre hay que estar un poco nervioso. Es tu trabajo, tu vida, tu esfuerzo... Se trata de empatizar con esta gente que quizá nunca te ha visto o no te conoce… Yo también cuando era muy joven fui a ver los Rolling Stone y a muchos otros grupos y luego, te puedes enganchar

o no, pero hay que ver y probar. Donde hay un poco de arte, hay que interesarse por ello”.

“Todos somos únicos y diferentes, nosotros siempre hemos sido muy eclécticos. No me gustan las categorías”. Tampoco se siente identificado con este ‘revival’ de los 80 que estamos viviendo: “Nosotros seguimos trabajando desde el año 76. Esta es una profesión en la que no somos funcionarios y no hay que jubilarse salvo por razones mayores, como la salud. Mick Jagger, antes de tener un susto, se ha hecho un arreglito y está de gira en Estados Unidos”. Y es que se podría decir que Gurruchaga es un disfrutón del arte: “Me gusta mucho cantar, componer, interpretar… Desde niño, empecé a cantar en el coro del cole y estudié música y saxofón…

Siempre me gustó, aunque no tuviera un duro, hacer música y emular a mis ídolos. La música es necesaria en la vida. Tiene que haber justicia social, pero lo lúdico también es importante. Yo estoy muy abierto a los mestizajes y por eso me encuentro muy a gusto en este festival que va enfocado en esta línea”.

A sus 61 años, Javier, que es pura vitalidad, habla muy ilusionado de su próximo disco, ‘Grupo salvaje’, homenaje al director de cine Sam Peckinpah, del que presentó el primer single, ‘Bla, bla, bla’, en el Sonorama Ribera. “Tengo un invierno bastante entretenido. Además, de este álbum, voy a volver al teatro con ‘Historias de un soldado’, de Stravinski, tengo un proyecto en Navidad de una versión rock de ‘Una canción de Navidad’, de Dickens, y también rodaré una película en Galicia ‘Los ojos de Europa’ con Juan Pinzas. En cuanto a la televisión, me encantaría volver. Pero a ver si cambia un poco… Ahora solo hay programas de aprende a cocinar, a ver cuándo hacen alguno de aprende a oír música”, sentenció Gurruchaga.

Texto y Fotos: Carlos Muiña /Ricardo Rubio / DJCasas

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“Diagnóstico: Básicopatía” es el nuevo disco de Básico que ha salido publicado con el sello discográfico Rock Estatal Records. Ya llevan la friolera de veinte años en la carretera, hecho que no es fácil para las bandas más underground que cuentan con poca o ninguna ayuda, por este motivo es de alabar que Básico sigan dándonos buen rock y muy buenas canciones.

“Miseria” es el tema que abre el disco, pero también Basicopatía, son dos temas que hablan precisamente de que no podéis de dejar de hacer rock & roll, que es imposible dejar este estilo de vida. ¿Qué es lo que sigue dando fuerza al grupo para seguir una y otra vez luchando por intentar llegar a un público mayoritario?

Tantas veces nos lo hemos repetido.

Cuánto más alicaído estás, más te sorprende la gente, nuestra gente, los seguidores son los que nos dan ese aliento para seguir peleando una y otra vez.

Y cómo os sentisteis cuando presentasteis el disco en la sala Live con todo lleno.

Podemos decir bien alto y con orgullo que nuestro público es muy fiel y no nos falla. Y lo mejor, que lo da todo allí abajo y eso son sensaciones que no se pueden explicar. ¿Qué es lo que busca Básico en lo musical a la hora de plantearse un nuevo trabajo después de tantos años?

No sólo en este, sino en cualquiera de nuestros trabajos anteriores, uno de los objetivos principales es superar lo que ya hemos hecho antes. Otra de las tareas pendientes era que el disco sonara con la fuerza de los directos y cómo ya logramos que J. A. Doray nos diera ese sonido del directo en “Se refleja el rock&roll” , ahora hemos querido probar en el estudio; y estamos muy contentos con el resultado, la verdad.

He podido leer en una entrevista en la que Arturo dice “A lo largo de los años hemos visto que este estilo musical no está muerto, pero sí herido de muerte” ¿Cómo pensáis que se podía salvar el rock?

Creo que debemos empezar por mirar-

nos el ombligo todos, músicos, empresarios, managers, discográficas, salas de conciertos, etc y ver que estamos haciendo mal cada uno de nosotros.

Hay más rock que nunca pero un público muy poco fiel, que prefiere otros estilos al nuestro. El rock llega porque es protesta, lucha, porque enamora… pero llegar a la gente más jóven es una tarea ardua ya que prefieren escuchar lo que está de moda y no dan oportunidad a otros estilos, no solo rock, cualquier otro estilo musical por el hecho de abrir los oídos a otros sonidos y otra manera de contar cosas.

El disco ha sido grabado en Estudios Payton (Madrid) entre el 2018 y 2019. Pienso que este es el mejor disco de Básico y que refleja muy bien el sonido del grupo. ¿Por qué decís que este disco es vuestro disco más personal?

Llevamos mucho tiempo escuchando “y porque no lo dejáis que ya no sois unos críos, estáis locos, etc”, por eso surge “Diagnóstico: Basicopatía”, porque queremos explicar que es lo que nos hace continuar en la brecha. La música los es todo, nos rodea, nos hace reír y también llorar, soñar y protestar, para nosotros es una enfermedad y su diagnóstico es basicopatía. Los temas de este disco han nacido a raíz de este título y no al revés. Hemos dejado fluir todos esos sentimientos que nos rodean encima del escenario y también debajo, en casa, en el local de ensayo…

Leyendo las reseñas del disco, de otros medios, por cierto muy buenas, siempre salen las comparativas con otros grupos como Extremoduro, AC/DC, Platero y tú… ¿Molesta o gusta?

No nos importa, es más incluso nos ala-

BÁSICO 8

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ga. No somos innovadores a nivel musical pero procuramos que nuestros directos si lo sean, no subimos a los escenarios a descargar nuestras canciones y marcharnos, vamos a divertirnos con el público, a jugar, a bailar, a emocionarnos con ellos… no entendemos un show sin esa interactuación, eso es lo que nos da nuestro toque personal.

En el disco nos encontramos con un tema de la Creedence Clearwater Revival «Have You Ever Seen The Rain» que habéis llamado “¿Has visto la lluvia caer?” que a mi personalmente me gusta el toque Básico que le habéis dado. ¿Por qué hacer esta versión de este clásico?

Esta canción nos persigue desde hace casi 20 años, casi siempre al final de nuestros conciertos. Era nuestro pequeño homenaje a un tema que formaba parte de nuestro repertorio pero no tanto de nuestra discografía. Es otra de esas cosas que te deja la música, hay temas que se van quedando por el camino y en cambio, hay otros que te acompañan de manera silenciosa, que siempre están ahí, así que había que hacerlo perdurar a nuestra manera y con la letra en castellano, que el inglés se me resiste.

Hay temas en este disco divertidos como “Rosita”, pero también los hay más comprometidas socialmente como “En el fondo de este mar”. ¿Cómo surgió la necesidad de hacer una canción que hablara de la problemática diaria de las personas que intentan cruzar el mar?

Básico siempre hemos estado comprometidos con la lucha social, es parte de nuestra identidad desde el nacimiento de la banda. Recordar a la gente que todas esas personas se juegan a diario la vida buscando la libertad al precio que sea, y que Europa mira para otro lado y nos invita de alguna manera a hacer lo mismo.

Son seres humanos como nosotros, falta mucha empatía en esta sociedad y Básico no es sordo a los gritos de la injusticia.

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Si te gustan artistas como Mike Oldfield, Jean-Michel Jarre, Danger, Enigma, Muse, Nigel Stanford, Ed Is Dead… estamos seguros que este primer disco de Automatica no te defraudara. Tras este proyecto se encuentra Francisco Javier Esteban, músico que ha pasado por bandas como Pernada, banda de rock alternativo con la que grabó dos discos con el sello discográfico Zero Records, y con el grupo Maleek, con el cual grabó un disco y participó con ellos en grandes festivales como el ViñaRock.

Durante un tiempo estuviste inactivo como músico, ¿Que sucedió para que aparcaras la música y por qué volver ahora?

Sí, Pernada fue la banda que formó buena parte de mis comienzos. Después de la disolución de ésta, ocupé una vacante en Maleek, que me llevó a una interesante, a la par que intensa, temporada.

Esta intensidad, sumada a los quince años que llevaba ya en el mundo de la música, me llevó a tomar la decisión de cogerme un descanso sin fecha de retorno.

Y pasaron seis años hasta que sentí la necesidad de volver a reenganchar. Seis años que cambiaron ciertos aspectos en mí y que me pedían una reinvención. ¿Cómo se llega del lado del rock alternativo a la música electrónica?

Por un lado, quería reinventarme con un proyecto nuevo y novedoso y, además, decido hacer algo que me permita trabajar en solitario. Por otro lado, también quería

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explorar otras músicas que también me apetecía hacer. Y, por suerte, la tecnología actual me lo ponía en bandeja. La música electrónica es un universo, si cabe, más extenso y difuso que el del rock. En mi caso, el resultado es una combinación entre lo electrónico y lo orgánico. El hecho de usar sintes, emulaciones de instrumentos reales -sin querer dejar a un lado mi querido bajo eléctrico- junto al tremendo procesamiento y experimentación, le acaba dando un carácter, digamos, más ecléctico.

Imagino que la forma de componer en banda y con este nuevo proyecto son totalmente distintos. ¿Cuáles son las ventajas o desventajas de afrontar un proyecto en solitario?

Compositivamente hablando, ya te digo que existe un abismo. Siempre he sido uno de los principales compositores con las bandas, y bastaba con que llegases al local de ensayo con la progresión de acordes, el riff o melodía principal y una mínima estructura, para que el resto de componentes hiciese lo que tocaba y, con tiempo y ensayos, se acabara de dar forma al tema.

Letras, a parte, eso sí. Ahora comienzas, de igual forma, con una serie de ideas primitivas. Pero, todo el resto de procesos, y hasta el último detalle final, también es cosa tuya. Si tenemos en cuenta que, la música de Automatica se compone de capas y detalles casi infinitos, también debemos decir que, las líneas que separan los distintos procesos de composición, producción y mezcla, son mucho más difusas. Es todo absolutamente diferente.

La principal ventaja para mí es, sin duda, el poder trabajar a mi ritmo. Sin prisa, y en los momentos que el tiempo me permite y me apetece.

Pernada era un grupo que en sus letras reivindicaba mucho el lado social. ¿Se puede ser crítico con lo que estamos viviendo con

un disco instrumental o eso pertenece al pasado?

Creo que con la música instrumental se pueden contar muchas cosas pero, sin duda, es un caso en que el oyente también juega su papel a la hora de interpretar lo que escucha. Y esto es algo de lo que yo mismo siempre disfruté también como oyente. Con la música de Automatica en concreto, no pretendo contar lo que contaba antes con mis letras, aunque sí se pueden generar ciertos escenarios, como en “1984” o “Egypt”, que te pueden llevar a sentir algo parecido.

Este disco está compuesto por doce temas.

Un disco que tiene una buena dinámica para escuchar una y otra vez sin cansarte.

Pero actualmente la forma de escuchar música es el single a single. ¿Qué opinas de esta forma de entender la música?

En principio, es una pregunta muy interesante para acabar de explicar lo anterior. Este disco pretende que sea interpretado como un viaje que nos irá mostrando distintos pasajes. Aquí el oyente no sólo decide escuchar música. El oyente debe realizar un viaje a través de la música, si realmente quiere disfrutar de este disco en su máxima expresión. Y es aquí donde más peso ha tenido la colaboración de Isaac Fàbregas, a la hora de darle a este álbum ese carácter, digamos, casi conceptual. Dicho concepto de unidad, que también hemos querido representar a través del apartado gráfico, viene de la mano del artista, fotógrafo y diseñador Fernando Cortés.

Una vez dicho esto -y que nos ayuda a entender un poco más como está construido este disco- cabe decir que, aunque no todos los tracks, algunos sí que pueden funcionar de forma aislada como single.

Sin duda vivimos unos tiempos en que todo se consume rápido, y la influencia de las redes sociales evita que podamos prestar atención y dedicar un cierto periodo de tiempo sostenido a algo en concreto.

Considero que es una pena que se pierda esa forma tradicional de escuchar un disco.

El disco lo has grabado en tu estudio en Murcia, y ha colaborado Isaac Fàbregas como co-productor, que reside en Barcelona. ¿Cómo ha sido la forma de trabajar juntos?

Además de un gustazo y un auténtico placer, en la sensación de trabajar con Isaac, no ha influido tanto la distancia como pudiera parecer.

Es increíble todo lo que nos permite hoy día la tecnología, como poder compartir archivos de peso casi en tiempo real, vídeo-streaming, etc…

Así que ha sido realmente fácil, e Isaac ha podido imprimir todo su talento sin traba alguna.

Su labor consistió -contado de una forma general y abstracta- en conseguir extraer toda mi esencia y hacérmela ver, para que yo mismo pudiese expresar en mezcla, toda la creatividad de la que soy capaz. Un verdadero y auténtico plus.

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Txema Cabria que buscabas con en este segundo disco “Out of place” respecto a tu anterior trabajo “Beyond the Unexpected”.

Desde un punto de vista musical estuve varios meses investigando en estilos más allá de la música celta, como la música hindú y oriental, y a la vez me propuse incorporar algunos elementos que normalmente no se asocian con estos estilos y que también han marcado mi carrera musical, como el soul o el funk. En lo que a la producción se refiere busqué un sonido mucho más directo, orgánico y crudo que en el anterior disco, donde la electrónica tenía un papel más relevante. Aquí he querido presumir de la pedazo de banda que tengo la suerte de tener, y aunque me ha costado trabajo mantenerme en esa línea (quieras que no, uno tiene su zona de confort y cuesta salirse), creo que desde los primeros segundos del nuevo disco “Out of Place”, se puede percibir que estamos ante una producción muy diferente y mucho más honesta. Y por último, desde un punto de vista conceptual, la intención de este disco es la de seguir haciendo música honesta sin estar encadenado a los cánones habituales de la industria, seguir apostando por la diferenciación, el mestizaje y la autenticidad por encima de todo.

De ahí el título del disco, que refleja que, deliberadamente, quiero seguir estando fuera de lugar.

En que artistas, música, sonidos… te has inspirado para hacer este nuevo trabajo.

Probablemente una de mis mayores influencias ha sido y sigue siendo Afro Celt Sound System, una banda inglesa, que empezó en el sello Real World Records de Peter Gabriel, aunque el último disco ya

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no lo han editado con ellos, y que desde el principio me ha marcado. Son asombrosamente innovadores, creativos, magníficos músicos y productores y cada vez que escucho uno de sus discos es como hacer un clinic sobre lo que debe ser el World Music en general. También creo que Peter Gabriel se deja notar en alguno de los temas, como At Least. Es probablemente el músico y productor que más admiro actualmente, y al final eso se nota por mucho que uno no lo haga conscientemente.

Somos un país de etiquetar mucho la música. En tu música y más en este disco hay melodías celtas, voces de soul, ritmos orientales, folk irlandés, funk… ¿Crees que puede ser un problema el no poner barreras a tu música para poder entrar en festivales o que la industria musical cuente con tu música?

No lo creo, estoy convencido! De hecho nos está ocurriendo, los festivales folk nacionales son un claro ejemplo de esto. Muchos nos han contestado encantados con lo que hacemos, pero con problemas para encajarlo en su programación. Yo realmente creo que hay una serie de promotores de festivales actualmente en nuestro país que no quieren arriesgar absolutamente nada, si te fijas en cualquier festival de música folk o raíz que hay actualmente, verás que en su programación básicamente solo hay lo de siempre. A muchos promotores de estos festivales sé que les salta la tapa de los sesos cuando les hablas de folk y apareces con varios sintetizadores, incorporas influencias afroamericanas, etc… Creo que hay espacio para todo, y lo que me gustaría ver es un poquito más de apertura de mentes en algunos casos. En cualquier caso, y como te decía al principio, ésta es la música que quiero hacer, la que naturalmente me sale, y con la que disfruto trabajando. Si hiciera concesiones entonces se convertiría en otra cosa, y de momento, no quiero comenzar ese camino.

También compongo bandas sonoras para TV y todo tipo de audiovisuales, y ahí sí que estoy supeditado a las indicaciones del director/productor, y es un trabajo que me encanta rea-

lizar, pero es completamente distinto. La razón de ser de NuvolutioN es completamente opuesta, quiero ser honesto con la música que hago, y poder defenderla con la conciencia tranquila.

Otra novedad que nos encontramos en este nuevo trabajo es que hay voces en algunas de tus composiciones. ¿Cómo te decidiste a dar este paso?

Sí, a esto le di varias vueltas la verdad, ya que era un cambio importante en la trayectoria de NuvolutioN, sin embargo sentí la necesidad de contar ciertas cosas a través de la música y en ciertos temas entendí que era necesario incorporar letras para poder expresarme con mayor claridad. En la mayoría de los temas me decidí a cantar yo mismo, pero también he contado con la participación de Sagrario Salamanca, Nur Elósegui y Sandip Bhattacharya. A esto se unió el hecho de que mi pareja escribió un precioso relato de amor basado en la Santa Compaña a petición mía (aunque yo solo le pedí que escribiera algo, la idea y todo lo demás surgió de ella), y decidí ponerle música y dividirlo en tres partes que se reparten al principio, mitad y final del disco. Esta historia cuenta como el amor de tu vida falleció, y cuando llega tu hora, su alma viene a buscarte para acompañarte en el nuevo camino y volver a compartir juntos la eternidad. Me pareció una historia que debía contarse de manera muy minimalista, y de ahí que estos tres temas, tengan una producción muy básica y melódica, tan solo con piano, cello, violín y flauta travesera.

“At Least” es un tema que critica el postureo que hay en redes sociales, todo es felicidad, vender en imágenes nuestras vidas, olvidándonos de ser tal como somos con nuestras tristezas y felicidad. ¿se puede hacer crítica solo con música?

Absolutamente. Las redes sociales en mi opinión son una herramienta magnífica, pero también las causantes de muchos de los problemas que tenemos hoy en día como sociedad. Me parece muy triste el postureo generalizado (y en el que yo mismo reconozco haber caído de vez en cuando), mientras las vidas “reales” de muchas personas se les escapan de las manos, viviendo más pendientes de lo que piensen los demás de su vida, que de realmente pensar cómo quieren que sean sus propias vidas.

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¿Dónde surge el gusto por la música negra?

Del amor por la música. Desde que era niña he amado la música, en todas sus formas, recuerdo que con 3 o 4 años tenía el CD de la banda sonora del Rey León rayadisimo. Fui creciendo y mis gustos musicales también, siempre me ha gustado el blues y el soul, me transmiten muchísimo, la música te da la capacidad de expresar mejor los sentimientos que las palabras.

Por otro lado, digo música a secas, y no música negra, porque cuando era pequeña no sabía de esa diferencia, para mí todo era música y ya está, y así sigue siendo.

Cuando terminaste tus estudios obligatorios de educación fuiste a la escuela de música. ¿Representa este disco esa música que escuchabas en esa época?

Este disco representa muchas cosas, para mi es una evolución, un aprendizaje, realmente he desaprendido muchas cosas que te enseñan en la escuela de música, con la ayuda de buenas y buenos maestros siempre. En cuanto a música, por mucho que algunas letras tengan muchos años, para mi los temas son muy actuales. La vida son ciclos, que muchas veces repetimos aunque vayamos aprendiendo de ellos, y al momento de musicalizar

las letras cobran vida, y toman un nuevo sentido gracias a la música.

Una parte importante del disco “Nothing Less Than Art…” también son las letras. ¿qué te gusta contar en ellas?

Mi vida, mis pensamientos, mis inquietudes, sentimientos muchas veces, algo de conciencia y percepción. La inspiración elige normalmente de lo que voy a hablar, pero obviamente tengo claras mis ideas, leo mucho e investigo en asuntos que me interesen.

Aiala está compuesto por Jara Aiala e Isaïes Albert. ¿Cómo os conocisteis?

Nos conocimos en un combo de jazz en la escuela, hace unos 5 años. ¿Cómo os distribuís la composición en Aiala?

Partiendo de mis letras, llevo ya unos acordes o una melodía y trabajamos con eso, cada tema es distinto, alguno es más orgánico, otro más electrónico, así que a cada canción se le da lo que pida. Isaïes aparte de guitarra ha metido algún bajo y algún piano, igual que yo.

De la producción se ha encargado Chalart58, batería de La Kinky Beat. ¿Qué conocéis de Charlat58, para que os decantarais por él como productor?

A Gerard le conozco hace años, y siempre le he admirado, así que cuando empecé a juntar mis letras lo primero que hice fue ponerme en contacto con él porque tenía claro que era la persona indicada para ayudarme, y no podía haber sido de otra forma.

El disco sale con el sello discográfico Kasba Music que en este año cumple quince años. El disco cuenta con colaboraciones de Clara Peya, Rubio, Celia del Barco, Matah, Sister Castro… ¿Cómo han ido surgiendo estas colaboraciones?

Clara fue mi profe de piano, Rubio de guitarra, Celia es mi actual vocal coach, y Matah y Sister Castro siempre han sido, y son, dos grandes referentes para mi en la música, las admiro muchísimo, las he visto mil veces encima del escenario. Al igual que las otras colaboraciones, me han inspirado muchísimo y seguramente han influenciado mi forma de ver la vida y la música, cosa que les agradezco. ¿Qué le pedís al 2020?

Mucha música en vivo, muchos bolos, y conciencia y amor al mundo, que le hace mucha falta.

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Os unisteis para el 40 aniversario del gran fotógrafo y amigo Domingo J Casas. ¿Como fue el reencuentro?

La causa era buena y había ganas, en cuanto surgió la idea todos estuvimos implicados al 100 por 100, el solo hecho de volver a tocar juntos tenía , por si, suficiente motivación pero el que fuera por los 40 años de profesión de Domi, en el Galileo y con un cartel de grupos y músicos de lujo no daba ninguna otra opción que juntarse, ponerse a ensayar y pasar una velada de las antológicas. Fue una noche magnifica… hay, además, que tener en cuenta que SinVergüenza surgió sobre una idea de Domingo J. Casas, que para estas cosas tiene un sexto sentido ¿cómo no íbamos a estar en su fiesta?

Cuando estabais juntos ensayando para el concierto de Galileo Galilei ¿qué imágenes venían a vuestra cabeza de todos los años que pasasteis juntos?

La conexión fue inmediata, como si hubiéramos estado grabando algo ayer y hoy preparáramos el concierto, el tiempo que había pasado dejo de existir y volvía ese nexo mágico en el que la música fluye de forma natural… teniendo en cuenta que todos hemos seguido tocando y manteniendo colaboraciones en los proyectos de unos y otros, la reunión supuso las mismas sensaciones que cuando empezamos esta aventura “Tocar por el placer de tocar” Cuál fue el mejor momento que vivisteis con SinVergüenza.

Ha habido varios, por ejemplo un concierto a pachas con Jarabe de Palo(en Ocaña), rodeados de amigos y con un

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Pau Donés espléndido, varias sesiones de grabación, algunas nuestras otras en aquel disco de colaboraciones con Coz donde desfilaron por el estudio lo más granado del rock estatal… una verdadera gozada, pero si nos dieran a elegir, creo que el día del Galileo se lleva la palma, con Domingo J. Casas en su salsa, un público entregado y la banda disfrutando.

Como fue el volver a estar juntos encima del escenario.

Subir a un escenario es siempre una fascinación, un hechizo, subir con buenos músicos y encima amigos, lo mejor que te puede pasar. En el escenario no hay mentiras, no puede haberlas, está el público y el grupo, frente a frente, con esa mezcla de responsabilidad y adrenalina que te transfigura. Estar allí arriba con los amigos ha vuelto a ser formidable.

Qué fue lo que pasó para que SinVergüenza pusiera punto y final a su trayectoria.

No hubo un “Punto y final” tal cual, hubo, sencillamente, un punto de inflexión, todos teníamos responsabilidades, proyectos individuales… Mariano Montero tenía que seguir su gira con Rosendo, Miguel tocaba con cuatro grupos a la vez, Juan Olmos (Antigua,..)y Javi Colmenarejo con sus compromisos discográficos ineludibles, Antonio tenía que atender el estudio Rusound… eran otros asuntos que no podíamos aparcar, así que, de una forma espontánea, fuimos priorizando unas cosas para atender otras… es el complicado mundo en el que nos ha tocado vivir.

En este Imprescindibles de LH Magazin Music nos encontramos con un tema

vuestro, ¿es un regreso, a corto plazo tenéis pensado el volver a juntaros?

Separados no hemos estado nunca, SinVergüenza siempre está en la cabeza de todos, lo que si cambian son las circunstancias, las discográficas, los managers, los conciertos, la prensa…. y si esto quiere funcionar SinVergüenza funcionará porque, realmente, el espíritu sigue ahí.

La canción “Y si quiero puedo” incluida en el CD Imprescindibles esta sacada de grabación del master del concierto 40 Aniversario de Domingo J. Casas, con la colaboración especial del teclista Gustavo di Nobile que por una noche se hizo SinVergüenza. Todo un lujazo. Se ha mezclado y masterizado en Rusound. ¿Ha cambiado la situación del rock desde que dejarais el grupo hasta ahora?

El mundo del Rock viene mutando desde Bill Haley o Chuck Berry pasando por Hendrix o Toto hasta nuestros días… vivimos en un mundo cambiante que, sin embargo y curiosamente, vuelve ciclicamentente a sus orígenes, ha cambiado y no ha cambiado. Conozco algunos chicos-as muy cercanos, jovencísimos que, de pronto, han descubierto a Rosendo, Aerosmith o Toto y que están como motos con ellos, incondicionales. Muchas veces cambian las formas y permanece el fondo… y el Rock, afortunadamente, tiene mucho fondo.

Que le pedís al 2020 Seguir tocando, disfrutar haciéndolo y que los amigos como vosotros lo sigáis siendo. Que nos dejen ser felices ¿se puede pedir más?

Fotos : Domingo J. Casas

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Descubre Madrid a través del Taxi

Este mes:: Manuel Gonzalez

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¿Cuándo te sacaste el Permiso Municipal de Conductor de Autotaxi?

En abril del 2015

trabajando en este sector para poder, además de ganar un sueldo, cubrir gastos que no son pocos.

¿Qué significa para ti el taxi?

Después de haber trabajado en distintos sectores, el ser taxista me daba la posibilidad de poder organizar mejor el tiempo con mi mujer e hijas, y así poder llevar una vida familiar menos estresante. Es verdad que ella es la que lleva la mayor carga familiar, lo cual le agradezco, debido sobre todo a la gran cantidad de horas que hay que estar

Tu disco favorito: “Violator”, de Depeche Mode. Fué el primer disco que me compré.

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Un libro: “Los renglones torcidos de Dios”, de Torcuato Luca de Tena. Lo leí siendo muy joven y me impactó.

Una película:

La saga de “El señor de los anillos”.

No sé las veces que la habré visto. ¿A qué dedicas tus días de libranza?

Cuando no hay que estar haciendo cosas relacionadas con mi profesión: papeleo, mantenimiento del coche,... me gusta pasar el tiempo con mi familia. Si puedo y es época, me encanta salir al monte a pasear y coger setas.

También aprovecho para hacer alguna mosca artificial que después utilizaré en mis jornadas de pesca en vacaciones.

¿Qué es lo que más te gusta de Madrid?

La gente. Yo soy de fuera de Madrid, de un pueblo de Segovia, y desde el primer día que vine a estudiar aquí, la gente me acogió como uno más, como si fuera de aquí de toda la vida.

Es de los temas que más me comentan los turistas que llevo en mi taxi. Les encanta la amabilidad y la forma de ser de los madrileños. Se establecen conversaciones con mucha facilidad y en cualquier entorno de Madrid. ¿Y lo que menos?

Los atascos y las malas praxis de ciertos conductores, sobre todos de esos que llevan unos coches negros con matrículas azules, cada día menos glamurosos. Aunque me fastidia mucho verlos dando vueltas incumpliendo las normas, tanto de tráfico como de la Comunidad de Madrid, me alegra más ver taxis al lado con clientes seguros y satisfechos.

Poco a poco, con profesionalidad, estamos demostrando que el servicio

público del Taxi, como tantos otros servicios públicos, es fundamental para los usuarios. La gente se está dando cuenta de que no es oro todo lo que reluce. La seguridad del cliente es importante. ¿Eres de parada o de trillar?

Normalmente suelo trillar, aunque a ciertas horas voy a paradas en las que sé que hay mucho movimiento. Lo importante es estar ahí, donde y cuando el cliente te necesita y, por descontado, dar un buen servicio.

Una anécdota atemporal relacionada con el Taxi que haya ayudado en el ejercicio de tu profesión.

Me acuerdo que una noche cuando era más joven, una persona con muy malas pintas me empezó a seguir por la calle. Me entró miedo y lo siguiente que hice fue parar al primer taxi que pasó por la calle. No llevaba dinero, pero después de contarle el problema, me ayudó sin más, y me sacó de la

zona.

-Esta pregunta es la del compañero anterior ¿Crees en el decreto Abalos?

No, es un decreto que parece que han hecho para que pase el tiempo y así tenernos a los taxistas despreocupados. Al final, si se aplica, habrá que ver de qué forma regulan las VTC´s, fácil que lo hagan de manera que no beneficie al sector del Taxi. Hay demasiados intereses detrás. ¿Qué le preguntarías al próximo taxista que protagonice esta sección el mes que viene?

Le preguntaría si cambiaría la forma que tenemos de librar los fines de semana, es decir, que si en vez de trabajar sábado y librar domingo, o viceversa, preferiría trabajar los dos días seguidos, para poder librar el siguiente fin de semana entero y así desconectar mejor y tener más opciones de fin de semana. El servicio al cliente se seguiría cubriendo como hasta ahora sin impacto en el mismo.

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javieridal Conocer a Javieridal ha sido de lo mejor que me ha sucedido este 2019.

Nos ha acompañado en dos salidas en la que sacamos la radio a la calle y si yo era feliz cada vez que nos visitaba en nuestro estudio por su simpatía, amabilidad y por la apuesta que hace en su música donde se dan la mano la música electrónica con la música napolitana, el público, cuando le veía en directo entraba en su show y participaba y lo mas importante se les veía felices y es que Javieridal es lo que desprende fuerza, felicidad... y ademas nos acerca la música que a él le gusta actualizándola y fusionandola para un publico mas joven.

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¿Siempre has cantado clásico o en alguna ocasión tuviste un grupo de pop, rock…?

No, no siempre he cantado clasico, lo habitual es descubrir la música y el canto a través de canciones populares y tararearlas en la juventud y de esta forma expresar mi estado de ánimo en ocasiones eufórico,amoroso y o de protesta, mi formación clásica como tenor fue muy posterior.

No, yo nunca tuve un grupo de pop o rock pero esa música estaba en mis raíces somos de la generación del rock,y cuando pensé en la fusión conocí a Marcelo que toca la guitarra y el bajo en diversos conjuntos y que sobre todo es un gran compositor y persona entre los dos logramos la fusión que es el objetivo del disco.

El canto “(la voz es un instrumento más si queréis el más importante en las obras que participa aunque en la composición musical el más mínimo sonido es importante, todo es importante. ¿Cómo descubriste la Ópera, la música napolitana?

Se lo debo a mi madre en casa tenía discos de vinilo de famosos tenores de su época, Mario Lanza,Caruso, etc, y yo los oía desde joven, napolitanas y las arias más famosas de las óperas. ¿Antes de este disco has grabado o tocado en directo con algún otro proyecto?

He cantado en la facultad de filosofía,y en casas de la cultura y en representaciones corales.

Con 45 años te quedas en el paro y comienzas a estudiar música. ¿Por qué no lo hiciste antes?

Por falta de tiempo y sobretodo por falta de formación. La educación musical es básica y fundamental para hacer aflorar los sentimientos de los niños y luego de los adultos y saber lo que se quiere y lo que se pide a la vida y luchar por ello.

Ya nos hablaste de este disco, ahora que ya está a la venta, ¿qué significa para ti este hecho?

Significa un paso más, importante sin duda y alentador por la respuesta que estamos recibiendo a través de

redes de muchas personas que nos dicen que les entusiasma y le llega y que luchemos para que se haga viral y en eso estamos.

Es un disco en el cual se fusiona la música napolitana con la música electrónica. Ya en su día Luis Cobos fusionó la música clásica con la música disco.¿qué te pareció esa fusión y es un artista que te guste?

Es un gran director y compositor y un precedente en cuanto a la fusión en este país..

Son muy interesantes sus proyectos y si, si me gusta.

Ya nos comentabas que te gustan artistas tan dispares como Elvis Presley, Alfredo Kraus, Pavarotti, Beatles, Rolling Stones, Chavela Vargas, U2, Miguel Bosé… ¿te gustaría alguna vez elegir tus canciones favoritas de estos artistas y llevarlas a tu terreno?

Yo que estoy empezando y no soy nadie aún, claro que me gustaría, de los tenores clasicos que citas mis canciones están en su repertorio y es lo que hemos hecho, de los demas seria un honor poder cantarlos a mi estilo y manera. Me viene a la cabeza Julio Iglesias cantando ”vuela amigo vuela alto…”

Sueños!

Nessun Dorma ya esta el disco a la venta. ¿Piensas que con tu propuesta musical se pueda hacer llegar a un público más joven la música clásica?

Ya nos llegan los comentarios de gente joven que nos dicen que les encanta el disco y que lo bailan al oírlo, hoy por hoy asi se empieza, que sean felices que se diviertan con el. Todo lo demas vendra despues apoyado en esos cimientos. ¿Qué piensas de las etiquetas musicales?

Que son necesarias para identificar distintos estilos de música y de canciones que después se fusionan e influyen entre sí. Esto que es natural en la música popular (pop).

Encuentra una barrera insalvable en la música y canciones llamada clásica. ¿Por qué?

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¿Por qué crees que la música clásica no gusta tanto entre los jóvenes?

Porque no se oye ni se explica debidamente en la escuela y debería hacerse, por supuesto, a la vez y junto a la música moderna.

“Nessun dorma” está compuesto por diez canciones. ¿Cómo se hizo esta relación de canciones? ¿son las que más te gustan o son las que mejor se prestan a hacer esta fusión?

Yo propuse un lista de 20 canciones y fuimos seleccionando las más conocidas.

Todas las canciones son muy diferentes y sin embargo tienen un algo en común que hace del disco una sola obra musical. Esto que os digo solo se percibe oyéndolo, por eso me gusta el disco en su conjunto me parece increíble que hayamos hecho esto.

Hay alguna en especial a la que tengas más cariño y por qué.

Me remonto al momento de enfrentarnos con cada una de la 10 canciones desconcierto inicial y cambios en su música y letra definitiva muchas pruebas hasta dar un pequeño paso y más consultas entre Marcelo y yo y avances hasta llegar a un acuerdo en todo y la enorme satisfacción de que ya tenemos una y otra y otra hasta 10, son como hijos o hijas no te puedo decir más.

Yo le he cogido mucho cariño a “La Donna E Mobile” ¿qué recuerdos te trae esta canción?

Que es un temazo por la mezcla de estilos musicales que contiene.

cuentan las letras con la música?

Desde luego. pensando un ambiente, un paisaje,un sentimiento y buscando esos sonidos.

Es un disco alegre, que invita a la felicidad, al baile… ¿Buscabas esto en “Nessun dorma”?

Sí,sin embargo Nessum dorma es en sí una canción protesta.

De la producción se ha encargado Marcelo Lucena Iglesias y tu mismo.

Ha sido grabado en los estudios 7 Rp Records en Madrid. ¿Qué ha sido lo más trabajoso a la hora de abordar este disco?

Ser conscientes de los fuertes cambios que conlleva la incorporación de nuevos instrumentos electrónicos synths,guitarras electricas etc. Y una dinámica propia de la música popular y a la vez mantener el espíritu tradicional clásico de sus canciones en su música y en sus letras..

Todo ello atreviendonos sin miedo y por supuesto con la sensibilidad y la inspiración necesaria. ¿Habrá presentaciones en directo de este disco y cómo serán?

Las habrá y estamos trabajando en ello para presentarlo en un espectáculo audiovisual de luz y sonido con instrumentos en directo.

Y una amplia participación del público que asista al concierto incorporándose a el cantando y bailando las canciones, arias por lo demás muy conocidas, verdadera representación participativa con alegria y diversión asegurada.

¿Se ha buscado una relación de lo que

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Cuando uno ya tiene tres discos en la calle, que es lo que busca en su cuarto disco “Sé que estás ahí”.

En 2017, cuando aún no habíamos terminado de mezclar “I’ll be ready”, empecé a experimentar un proceso creativo muy intenso. Me fueron asaltando nuevas canciones y no tardé mucho en darme cuenta que ese aluvión iba a producir un nuevo disco. Es como si la decisión no fuera realmente mía. Son las canciones las que se imponen y me exigen de algún modo que les dé vida. En el primer tema del disco, “Canciones”, intento explicarlo.

A la hora de componer este nuevo disco ha habido algún artista o estilo de música que hayas escuchado más y te haya influenciado.

Sinceramente no soy consciente de que haya estado especialmente influenciado por alguien. Huyo de seguir la onda de nadie, incluso la mía propia. Las protagonistas son las canciones. No quiero ningún condicionante a la hora de componer. Al menos no quiero seguir ningún patrón, aunque es obvio que somos lo que oímos y ahí, para bien o para mal, apuesto por la diversidad. Escucho tipos de música muy dispares. Desde Jorge Drexler a John Meyer, pasando por el jazz de Moisés Sánchez o el Funky de Bruno Mars. Quizá por eso en mis discos se pueden encontrar estilos musicales tan distintos. Intento encontrar el mejor vestido para cada canción en función de lo que quiera transmitir con ella.

“Sé que estás ahí” es el corte sexto del disco. ¿Por qué titular al disco con esta canción?

Desde un principio tuve claro que el disco se llamaría “Sé que estás ahí”. Me parece que la idea de conectar de nuevo con el niño que llevamos dentro, del que nos hemos ido apartando con la erosión de los años, era una idea potente que, de algún modo, subyacía en todo el disco. El hecho de que ese tema sea el sexto obedece a la recomendación de un amigo del mundo discográfico que me dijo que el tema fuerte debe estar en esa posición. No lo tengo nada claro pero a falta de una teoría

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mejor, apliqué la de mi amigo. ¿Qué te gusta contar en tus letras?

Intento transmitir emociones, a través de la descripción de situaciones experimentadas en carne propia o en la de alguien muy cercano. Son “verdades” vividas en algunos casos como espectador pero siempre desde la perspectiva del sentimiento que esas situaciones me producen. Contándolas busco la complicidad del oyente. Quiero compartir esos sentimientos. Cuando lo consigo me parece algo mágico.

Tú cuidas muchos tus textos, los arreglos en tus composiciones. ¿Qué opinión tienes de estilos como el reggaeton o el trap y sus letras?

No soy quien para criticar ningún estilo.

Lo único que puedo decir es que esos que mencionas no me gustan. No me atrae escuchar esa música porque no tiene mucho que ver conmigo. Para mí es importante que las canciones me comuniquen algo más que un ritmo bailable. Por ejemplo alguien que me parece excelente es Nach, que hace un rap con contenido y al que sí me gusta escuchar.

El año pasado participaste en el homenaje a Enrique Urquijo. ¿qué significó para ti este compositor y cuáles son tus favoritos?

No puedo hablar de Enrique Urquijo sin repetir lo que toda nuestra generación opina sobre sus canciones. Forman parte de nuestra banda sonora. Estuve como espectador en el homenaje a Enrique este año y fue impresionante ver como las personas que llenaban el WiZink Center cantaban todas sus canciones sin necesidad de leer las letras en ningún monitor.

Creo que esa debe ser la mayor satisfacción que un compositor puede tener. Me gustaría pensar que Enrique disfruta cada año de estos homenajes ya que no pudo hacerlo en vida. Que pena que casi siempre los homenajes sean póstumos. Enrique fue un excelente compositor como también lo fue Antonio Vega, mi favorito. Otros a los que admiro son Santiago Auserón, a cuyas actuaciones voy siempre que puedo, y Jorge Drexler. Podría extenderme nombrándote

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muchos más pero permíteme que cierre las menciones dando los nombres de dos genios españoles de primer nivel mundial que a mi me emociona siempre escuchar: Moisés Sánchez y Antonio Serrano. Son extraordinarios.

Para la grabación de este disco qué músicos te han acompañado.

La producción musical de “Sé que estás ahí” fue realizada por Kim Fanlo con la colaboración de su hermano Félix a la batería y David Soler al Pedal Steel. El resto de temas han estado producidos por Pablo Navarro contando con un importante número de grandes músicos: Carlos Sánchez, Paco Bastante, Alfonso Soto, Kiko Woiski, Oliver Brun, Santi Greco, José de la Peña.

Jorge Ocón, Gaspar Kovacs, Fran Alonso, José Nortes, Garret Wall y Fernanda Bellinati.

Muchas bandas están volviendo a grabar sus discos tocando todos a la vez en el estudio. Donde se ha grabado este disco y como ha sido el proceso de grabación.

Este disco se ha grabado en varios estudios. parte en Jardín Paramétrico de Madrid, parte en Hit Maker Studios de Sao Paulo, parte en Black Betty Studios (el estudio de José Nortes) y “Sé que estás ahí” en Wicked Sound, el estudio de Kim Fanlo en Barcelona. Todos los temas se han grabado pista por pista excepto “If I could make you happy” que hicimos en Black Betty Studios tocando todos juntos mientras nos grababan un vídeo que, por cierto, podéis encontrar en las redes. Fue una experiencia excelente. En el próximo disco quiero grabar más temas de ese modo. Como ves es un disco “Internacional”, puesto que a la grabación de algunos temas en Sao Paulo hay que unir la masterización realizada en Abbey Road por Simon Gibson.

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MARÍA MOES “Libre” es tu primer disco, para poder conseguir dinero para financiar el disco utilizaste el crowdfunding. ¿Se ha quedado este sistema instalado como una alternativa para poder publicar un disco?

Todavía no, pero tal y como está el panorama musical, creo que ese es el destino.

El público va conociendo el sistema, poco a poco, y aunque aún desconfía, es un modo de apoyar a sus artistas, y de hacer posible que se publiquen sus obras. Hoy día no hay muchas opciones. La industria ya no arriesga, ya no apuesta por el arte, si no que como tal, somos productos de mercado.

Empezaste con tu grupo ISIS Proyecto en 1998, has pasado por otros grupos como Moe´s Bar Band, más tarde se llamó La Moes. En el 2016 formaste parte de la compañía de teatro de altura argentino Puja. ¿Qué te ha motivado ahora a publicar tu primer disco “Libre”?

Llevaba muchos años queriendo publicar mis canciones. He disfrutado mucho estos años haciendo versiones, pero no es lo mismo que crear y defender tus propias canciones. Con Puja, eran composiciones propias también, principalmente de Gaston Iungman, un gran músico y director del proyecto. Así que tampoco era mi proyecto aunque tengo que decir que Puja es espectacular y fue increíble poder trabajar en este proyecto internacional tan grande.

Por otro lado, el propio público me lo pedía a menudo. De modo que sentía que había llegado el momento de hacerlo y a pesar de la dificultad que supone, más aún, sóla, decidí embarcarme en esta aventura, nunca mejor dicho.

El disco se ha grabado en los estudios Sacramento. ¿Por qué elegir estos estudios para la grabación de tu disco?

En 2013 tuve una muy mala experiencia

al intentar sacar el proyecto adelante con las personas erróneas. Elegí mal el equipo, el estudio, el productor. Tuve que parar el proyecto porque no me gustaba nada el resultado. Así que cuando decidí volver a arrancar me fui a por lo mejor que encontré. No quería volver a cometer el mismo error. Tuve la suerte de poder contar con Daniel Saiz, de estudios sacramento, donde encontré un alto nivel de calidad tanto profesional como humana. En el momento en que comenzamos a trabajar todo fluyó con facilidad y el resultado ha sido espectacular.

Te has rodeado de grandes músicos como el guitarrista Ovidio López (Joaquín Sabina, David Bisbal, Nena Daconte, Glenn Hughes, Ken Hensley...), coautor de parte de Libre, el bajista Moisés Cerezo, el batería Quino Giménez, Rafa Lord al Hammond, y también el guitarrista Toni Torres (Geisha,La Reserva). Este último ha formado parte de grupos como Geisha o La Reserva, con los que el pasado 12 de mayo se despidió del público en La Llotja. ¿Has dejado libertad a los músicos en tus composiciones?

Los temas los compusimos, Ovidio López, Toni Torres y yo. No obstante, cada uno de los músicos que grabaron, aportó enriqueciendo las canciones con su estilo personal y su forma de entender las mismas. Hubo mucho entendimiento por parte de todos. Cuando das con grandes músicos como estos, todo es más sencillo, todo fluye como he dicho antes, con facilidad.

Ahora vuelvo a tener suerte. Estamos preparando dos temas más que grabamos ya.

En esta ocasión bajo la batuta del director musical y productor Gustavo Di Nobile ( Rosendo, La Década Prodigiosa,…) y contamos con artistas de la talla de Mariano Montero (Rosendo) a la batería , Jesús

Arispont (Def con Dos) al bajo y alguna sorpresa más. Se grabará en RUSOUND con Antonio Pérez de Terranova como ingeniero de sonido. Por lo que el resultado va a ser brutal, y hasta ahí puedo leer.

Eres una artista que cuida todo al detalle los arreglos, tus letras… ¿Qué opinión tienes de artistas que hacen reggaeton o trap y en sus letras videos, ofenden a las mujeres?

Me parece realmente vergonzoso que en el siglo 21 se permitan este tipo de letras. No comprendo cómo hay artistas que no pueden re-editar temas de los 80 por sus letras “machistas” que no son ni la sombra de lo que se está escribiendo ahora, y sin embargo se permita publicar tales barbaridades. Pero lo que más me escandaliza es que haya mujeres bailando y restregando su trasero al son de estas canciones. ¿En serio? De este temas se puede hablar largo y tendido. Se están perdiendo muchos valores que antes se inculcaban, y no sólo el respeto a la mujer va en detrimento. Otros valores como la lealtad, el honor, el valor de la palabra, etc. Estos movimientos musicales son un reflejo de la sociedad actual, que además potencia el deterioro de la misma. Yo desde luego, no lo permitiría, porque evidentemente están ocasionando un gran impacto negativo, en nuestros más jóvenes. ¿Necesita el rock de una regeneración de grupos?

Creo que sí. Los 80 fueron maravillosos.

Adoro los 80. Pero estamos ya en 2020. Es una realidad aplastante.

Qué le pides al 2020 Paz en la mente de la gente, Respeto al planeta, Musas por doquier y un montón de Sueños.

Fotos: Domingo J. Casas

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Vuestra música es una fusión del rock con la música celta ¿Cómo surgió esta fusión?

El rock siempre ha sido una música de influencia en todos los miembros del grupo, en diferentes épocas. Pero esta fusión con la música celta viene de una época en la cual Miguel se introdujo en el folk y aprendió a tocar el violín, al mismo tiempo que se incorporaba Rosa que venía del mundo de la música tradicional. ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

Nuestras influencias musicales son un abanico que abarca desde las bandas míticas de los 70’s como Deep Purple, Rainbow, Pink Floyd, AC/DC, Jethro tull, Kansas, hasta las bandas de música celta como Gwendal, y otras nacionales como Labanda, Oskorri, Milladoiro y Celtas cortos, así como otros grupos de la movida madrileña como Asfalto, Leño y Topo.

También no podemos dejar de nombrar otras bandas más actuales como Coldplay y Mumford & sons que nos aportan frescura.

“Vale la pena vivir” es vuestro cuarto disco. ¿Qué buscabais en este nuevo trabajo, tanto en las letras, cómo en el sonido?

En esencia es un disco que revela lo que hay en el corazón de la banda. Sentimos la necesidad de decir a nuestros amigos “nunca te rindas”, de no escuchar esas voces que te susurran: -deja de luchar, no lo conseguirás, ya es tarde…Siempre encontraremos un motivo por el cual decir “Vale la pena Vivir”, de hecho, esta canción fue inspirada en una historia real de una chica que por vivir situaciones muy dolorosas perdió la esperanza y estuvo a punto de

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quitarse la vida. Esto merecía un video clip, que está en Youtube. Otro de los temas :“Por tu libertad” es un grito de guerra en contra de la esclavitud de este siglo, la trata de personas, que es un tema tristemente real en nuestro país; “Cicatrices” en acústico que te lleva a pensar que el dolor superado te hace fuerte para levantar a otros que pasaron por el mismo desierto. En cuanto al sonido del disco podemos decir que fue cocido a fuego lento, buscábamos contundencia en los ritmos, frescura al integrar algunos sonidos electrónicos y nos dejamos llevar por ese aire folk rock celta que nos caracteriza, siendo un perfecto vehículo donde pueden viajar esas palabras y melodías directas al alma.

La respuesta tanto de medios como de público está siendo excelente. ¿os ha sorprendido la buena acogida que está teniendo este nuevo disco?

Sinceramente notamos que ha tenido una buena aceptación. Ocurre que cuando preguntamos a nuestros amigos por las preferencias, nos sorprende la diversidad de gustos dentro del mismo disco. Como dato curioso detectamos que la música de Sal150 le gusta también a muchos niños, lo cual nos encanta, sobre todo “Mentiras” que fue el primer single con video clip y “Lucky” canción dedicada al perro de Miguel y Rosa que también tiene su historia.

En vuestra biografía hay un dato curioso.

Con vuestro primer disco (2009) fuisteis candidatos para representar a España en Eurovisión alcanzando el 2º puesto de la categoría pop-rock. ¿Qué supuso esto para vosotros y que opinión os merece este concurso?

Respecto al tema de Eurovisión, la verdad es que no sentimos pasión por este

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tipo de festivales, pero vimos una oportunidad de promoción, también en una época donde nos apuntábamos a todo lo que salía al encuentro. Muchos amigos nos apoyaron con sus votos, resultando ese segundo lugar de la categoría pop. Nos descalificaron porque la canción presentada “Sin razón”, ya la habíamos grabado previamente en una maqueta y entonces fuimos expulsados un poco antes de llegar a la gala. Nos dolió en el momento, pero nos quedamos con el cariño y apoyo de tantos amigos que estaban y están con nosotros.

Habéis compartido escenario con artistas como Celtas Cortos, Despistaos o Lax’n’Busto. ¿Con qué grupo os gustaría compartir escenario?

Nos encantaría compartir escenario con bandas como La M.O.D.A., Izal, Morgan, como grupos nacionales y si nos pusiéramos a soñar diríamos Mumford & Sons, y Rend Collective aunque esto lo vemos más difícil…

Ahora estáis inmersos en una gira que os está llevando por todos los rincones de la península. ¿cómo esta yendo esta gira?

Con Vale la pena vivir hemos podido recorrer varias ciudades de la geografía española, como Madrid y Barcelona donde fue presentado, Sevilla, Jaén, Cádiz, La Coruña, León, Bilbao, Valencia, Castellón, Alicante, Canarias, Mallorca, Andorra, aunque aún nos faltan muchos otros sitios por conquistar!.

Qué le pedís a la 2020 Pedimos al 2020 visitar con nuestra música todos esos lugares donde no hemos estado, poder tener más oportunidades de tocar en festivales y ganar presencia en las redes sociales. También pedimos seguir componiendo, disfrutando de la creatividad y continuar haciendo música que es lo que realmente se nos da bien y nos ayuda a transmitir lo que sentimos.

Hace poquito acabas de terminar de grabar tu nuevo Ep. ¿Dónde lo has grabado y cuando tienes pensado que vea la luz?

Lo he grabado en el estudio de una amiga argentina afincada a las afueras de Londres. Ella estaba de gira y me acogió su familia junto a PBSR para grabar el disco juntos. Seguramente Abril - Mayo, aún por decidir ya que estamos a la espera de las mezclas. ¿Qué has buscado en esta ocasión para tu nuevo trabajo?

Quería experimentar un poco sin perder demasiado la línea del Ep anterior.

Te conocimos con tu primer Ep “Gone”que vio la luz a principio de este año con el sello discográfico Hidden Track Records. ¿Estás contenta con el viaje que ha tenido el disco?

Estoy contentísima. He estado recibiendo muy buen feedback de la gente y creo que hemos formado un buen equipo junto a Hidden y pértiga (management) para seguir avanzando todas juntas con los siguientes trabajos.

Naciste en Cartagena (España) pero te

marchaste a Berlín, y después a Londres donde empezaste a estudiar en el Performance and Production en el London College of Creative Media. ¿Sigues estudiando en este centro y residiendo en Londres?

Sí, estoy haciendo el último curso en dos partes para poder viajar a España y llevar el proyecto al día, así que vivo con un pie en Londres y otro en Barcelona realmente.

Tu música bebe del folk, el pop, la electrónica..., una fusión muy especial que nos cautivó la primera vez que te escuchamos. ¿Cuáles son tus artistas referentes?

Creo que (Sandy) Alex G es unos de mis artistas favoritos del momento, supongo que los voy cambiando con el tiempo, pero siempre he bebido de Beatles, Police, The Corrs y bandas que me ponía mi madre, aunque luego fui cogiendo referencias más contemporáneas como Daughter o Mew ¿Qué es lo mas bello que te

ha pasado con “Gone”?

Que me cuenten que mi música les ha ayudado a superar momentos difíciles y que la hayan hecho suya porque les recuerda a un momento específico. ¿Qué le gusta a MAVICA contar en sus letras?

Sobre todo experiencias pasadas y cosas que no me sale contar de otra forma.

Qué le pides al 2020 Conciertos y más conciertos en el extranjero.

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MAVICA lhmagazin.com

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Últimamente no paras de trabajar de cosechar grandes noticias. Empecemos si te parece por el videoclip del tema “En tus manos está”. ¿Cómo te surge la idea de hacer una canción que nos recuerda la importancia de cuidar nuestros bosques?

La cancion de “En Tus Manos Está” surge a traves de ver noticias de actualidad y quiero mandar un mensaje claro a la humanidad , trabajar para un cambio. ¿Crees que la música aparte de divertir, puede contar los problemas sociales que atañen a los más jóvenes?

Sin duda, la música es un idioma con mensajes de todo tipo, puedes hablar lo que desees sobre ella.

Has fichado por Laboratorio Cultural & Prodinter SL ¿Qué significa esto para ti?

Un Cambio de 380 Grados con un nuevo equipo y nuevos proyectos.

Recientemente has estado en Marruecos. ¿Nos puedes contar que has hecho en Marruecos?

Marruecos ha sido una experiencia inolvidable para mi, un nuevo mundo, nuevas culturas, el propósito de este viaje se hizo para una colaboración con el gran artista famoso marroquí, One Name, con el cual grabé un Single Titulado “Fuera De Mi Vida” que viene próximamente con videoclip..

Arrancas en estos días tu gira que te va a llevar por más de treinta ciudades. ¿Cómo van a ser esos directos?

Llenos de Adrenalina y una puesta en escena que sorprenderá con un nuevo show. ¿Cómo viviste tu paso por Factor X y qué recuerdos tienes de este concurso y sus polémicas?

Fue una Experiencia Diferente para mí y agradable a la vez para superarme a mí mismo. Me llevo recuerdos de gente talentosa compartiendo el mismo sueño que yo. Sobre las polémicas: soy una persona segura de mi misma y no me dejo llevar por lo que piensen.

Eres amante de la música urbana, el reggaeton, el trap.... ¿Cuales son tus artistas referentes?

Mis Artistas Referentes son Wisin, Daddy Yankee, Ozuna, etc.

Muchas veces criticamos estos géneros por denigrar a la mujer tanto en el contenido de sus letras como en sus videos. ¿Cuál es tu opinión? ¿Se pueden hacer estos géneros sin ofender?

El Reggaeton es un mundo paralelo no solo denigra a la mujer, también la defiende según sus letras. Por Ejemplo “Hasta Cuando” de Angel Lopez y Baby Ranks. La música son mensajes de diferentes tipos, existen canciones explícitas de mayores de edad por eso hablan malo.

Y otras de otros estilos ¿Cuáles son tus proyectos más inmediatos?

2020 será un año de mucha música.

De parte de este servidor tanto en feat como letras en solitario.

Próximamente “TrapTime” mi primer álbum un disco exclusivo para mayores de 18 años. ¿Qué le pides al 2020?

Lograr conexiones que tengo en mente y seguir creciendo en números.

ERICK GALAN

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LA LINEA ROJA Para este nuevo trabajo habéis contado con Carlos Hernández Nombela (Viva Suecia, Bizarro Love Triangle ...) en la producción, grabación, mezcla y masterización.¿Qué trabajo de Carlos os hizo contactar con él para que se encargara de este disco?

Contactar con Carlos fue todo un salto al vacío por nuestra parte pues no sabíamos si alguien de ese nivel tendría tiempo para trabajar con nosotros, y tuvimos la gran suerte de que sea una de las más grandes y mejores personas de este mundillo musical, pues escuchó detenidamente nuestro trabajo y aceptó no solo grabarnos sino venir a Murcia él para evitar que nos desplazáramos nosotros. Veníamos de escuchar sus últimas grabaciones, sobretodo el último disco de Viva Suecia, y su trabajo previo con artistas de la talla de Pereza, Joaquín Sabina, Los Planetas… y fue todo un sueño y un salto de calidad a nuestro trabajo que siempre tendremos que agradecerle.

Vuestros gustos musicales pasan por bandas tan dispares como Muse, Led Zeppelin, Maldita Nerea, Neuman, Carlos Sadness, Love of lesbian, Biffy Clyro, The Doors… ¿Para la composición de este nuevo trabajo “Todo Está Bien” ha despuntado alguno más que otro?

En general cuando componemos siempre salen pequeños detalles del estilo que a cada miembro le gusta o los grupos que cada uno admiramos más, en este caso sabíamos la línea que queríamos tomar, nunca mejor dicho, y creemos haber dado con la identidad que andábamos buscando, si recuerda a cualquiera de estos grupos para nosotros siempre es y será un placer la comparativa. ¿Por qué elegir la canción “Todo Está Bien” para dar título al disco?

Nos parece que es la canción y la letra con la que puede todo el mundo verse

reflejado, ¿quién no ha vivido un desengaño en su vida y ha seguido adelante? Pues así extrapolando la historia a la música y nuestro camino, hemos tomado mil decisiones, unas buenas y otras no tan buenas, pero seguimos trabajando y disfrutando, todo está bien y queremos que siga así.

Aparte de eso es una de las favoritas de nuestro cantante Xema.

El disco sale con el sello discográfico Pikotako, vuestro anterior trabajo “Alicia en Ningún Lugar” vio la luz a través de una campaña de “crowdfunding”. ¿Qué supone para un grupo como el vuestro que detrás haya trabajando un sello discográfico?

Es un paso más en nuestra carrera y estamos muy contentos, hemos trabajado mucho y creemos que este disco tiene todo el potencial para llegar a mucha gente, y esperemos que así sea, tarde más o menos tiempo, y con ayuda como es la de Pikotako pues creemos que puede ser más sencillo.

“Thelma y Louis” es una de las canciones que más han gustado a nuestros oyentes del programa de radio y para mi una de las mejores de este año. ¿Qué nos podéis contar alrededor de esta canción?

Primero que gran parte del grupo coincide con vosotros, es de nuestras favoritas del disco. Es una historia de libertad, de tomar decisiones y llevarlas hasta el final, queríamos hacer saltar a la gente al escucharla, que cantara con nosotros y se enganchara a la parte final, que recordaran que no hay libertad sin resistir, que si te rindes ya o junto a nosotros es lo único que tienes que decidir, y que lo podáis gritar a pleno pulmón al ir a nuestros conciertos.

Otra de mis favoritas es el tema “La Guerra”. El final es apoteósico con el piano, los coros… ¿Cómo surgió la idea?

La idea base estaba ya compuesta por nuestro pianista y compositor musical

Jesús, nos parecía una maravilla de base, y en estudio y con Carlos le dimos esa fuerza que le faltaba, junto con las guitarras maravillosas de nuestro Pedro y el contundente bajo de Luis, todo supervisado por Carlos y cantado por Xema que le dio un toque a la letra de poesía contando una historia de amor y cobardía, de vergüenza y supervivencia, de sombras y recuerdos que pesan en la conciencia de quien no miró atrás cuando debía para sobrevivir, al fin al cabo, una historia de otras tantas de cualquier guerra.

Qué recuerdos tenéis del 2014 año en que ganasteis III Concurso de Talentos de San Pedro del Pinatar, por aquel entonces os llamabais Incómodos.

Pues recuerdos increíbles y divertidos, éramos más jóvenes, más inexpertos y teníamos más ganas que nadie de demostrar lo que valíamos, seguimos conservando esas ganas y aquello fue un subidón de moral y autoestima, éramos buenos y ahora somos mucho mejores.

Habéis pasado por festivales como el Sonorama Ribera en dos ocasiones, el SOS 4.8 de Estrella de Levante ¿Son los festivales un buen escaparate para dar a conocer al grupo?

Son una auténtica pasada y un honor poder entrar a formar parte de cualquier festival de ese nivel en este país, es un sueño estar rodeado de los grupos que más admiras y ser tratado como una banda más de ese nivel sin distinciones, es una experiencia que no tiene precio y de las mejores que nunca hemos vivido. No es solo un gran escaparate, es mucho más que eso. ¿Qué le pedís al 2020?

Seguir disfrutando de la música, tener oportunidades para demostrar lo que tenemos y que nuestra música pueda llegar a todos los oídos posibles.

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FACTORY

Jesús Serafín más conocido como Factory es un artista ecuatoguineano y es uno de los artistas más relevantes e influyentes de su país por realizar un estilo de música totalmente diferente en la zona. ¿Cómo surge la pasión por la música?

Mi pasión por la música surge al ver a mi madre y mi hermana pertenecer a coros de iglesia, a mí siempre me llevaban en los ensayos y le cogí el gusto, sin olvidar que en nuestra familia, tenemos la música por las venas.

Durante este verano has estado en España presentando tu single “uno, dos…” el cual te llevó a participar en el festival “Camino Duero Fest” en su primera edición. ¿Cómo lo viviste?

Sinceramente fue una experiencia única: la acogida de las personas, sobre todo niños, a mí siempre me ha hecho muy bien alegrarle la vida a los niños; la experien-

cia fue muy buena y con mucho apoyo de parte de la gente en general, eso no me lo esperaba, para ser sincero. ¿Qué recuerdos te llevas de nuestro país?

Siempre he tenido presente lo buena que es la gente y acogedora cuando se trata de recibir a un artista, ha hecho sentirme como en casa y eso es un factor muy importante para nosotros los artistas.

Te ha sorprendido la gran aceptación que ha tenido “Uno, dos…” entre los países latinos, en España y en África.

El “Uno, dos” es un ritmo que le ha gustado a todo el mundo, pero no esperaba que mi música en general guste en Europa, así que para ser sincero, la aceptación del #Ritmo de verano (uno, dos), me ha sorprendido bastante.

Has representado a tu país en varias ocasiones ¿cuál ha sido la más significativa para ti?

Representar a mi país siempre ha sido muy importante para mí, pero la ocasión más resaltada sin duda ha sido esta de mi promoción del “Uno, dos” en Europa, porque fue mi primera vez en moverme por la zona Euro y sobre todo España, porque en Guinea ecuatorial nos identificamos mucho con España. ¿Qué supone representar a tu país para ti?

Representar a mi país es una tarea bastante considerada, porque a parte de ser un artista individual, llevo también los cuatro colores de mi bandera.

También eres productor ¿como ves la situación actual del mundo de la música?

Como productor, la industria musical actual está experimentando cambios innovadores, anteriormente para tener una canción terminada totalmente, tenías que tirarte meses en el estudio, tal vez porque el guitarrista no está disponible o por al-

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gún otro motivo, ahora las cosas están más fácil y uno solo es capaz de llevar y dirigir una sesión de grabación y las guitarras que anteriormente teníamos a modo manual, actualmente se pueden tocar a modo virtual y muchos otro instrumentos, y eso ahorra bastante las cosas. ¿Qué le pides al 2020?

Antes que desear, agradezco mucho a Dios y mi equipo de trabajo por los logros del 2019, ahora bien, mi más grande deseo ha sido ser un gran artista a nivel mundial, en 2019 mi música ha sido aceptada en muchos países europeos y he alegrado mucho la vida de la gente. Para el 2020 deseo seguir haciendo feliz a los corazones y tener muchos más seguidores y poder colaborar con otros artistas que ya se mueven a otro nivel. Muchas gracias

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CALAMBRES

Cómo se te ocurre hacer un disco de “Versiones imposibles” en la cual están los Doobie Brothers, Police, Pata Negra, Michael Jackson, Queen, Serrat... dándoles un toque muy personal.

Me siento muy conectado a las influencias musicales que he escuchado durante mi infancia en casa y en mi adolescencia.

Son lo que soy. Son mis referentes Fusionar las letras de unas canciones con la música de otros artistas. ¿Salen al vuelo o es a base de probar?

Siempre encuentro un sentido, un punto entre ellas, pero ni es al vuelo ni han salido a base de probar. Hay detrás horas de pensamiento creativo.

Hubo algún tema del cual quisieras hacer una versión imposible y fue realmente imposible.

(Risas) Imposible no hay nada en este mundo. Ahora, no todo lo que me he propuesto fluía como me hubiera gustado. ¿Cómo está siendo la aceptación del público cuando escuchan las canciones?

Me resulta clave para mantener la proyección y autoestima del proyecto. El público siempre conecta con ellas. No es algo a lo que estén acostumbrados y la

dinámica también. Siempre se te queda ganas de ver cuál es la siguiente. ¿Cómo han ido surgiendo las colaboraciones del disco y que decían cuando les presentabas el proyecto?

Afortunadamente la energía calambrera ha contagiado a muchos compañeros de la música. Algunos de ellos incluso me impulsaron a grabar. No tiene precio.

El resultado está en ese pedazo de disco, Versiones Imposibles.

deben ir de la mano con la música.

Qué le pides al 2020 ¡Salud! #calambrasso y rock & roll.

¿Se quedaron muchas “Versiones Imposibles” fuera del disco? ¿Habrá una segunda parte?

Es uno de las metas de este año. Sacaremos singles de todas ellas. Sabemos que los calambreros lo necesitan y nosotros también. ¿De todas las “versiones imposibles” hay alguna que el público le haya chocado más o le guste más?

Hay versiones imposibles que conectan de una manera especial con el público.

La fusión entre heavy y copla funciona, siempre conecta. ¿Es necesaria la risa en la música?

Demasiado. La risa o el buen humor

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INDIKA ¿Estás trabajando en nuevas composiciones?

Sí. Tengo la suerte de contar con un excelente equipo con el que estoy preparando nuevos temas que iremos lanzando durante la primera mitad de 2020. ¿Tendremos en el 2020 un disco de Indika o seguirás publicando single a single?

Iremos sacando los singles a lo largo de la primera mitad del año, hasta completar con ellos mi primer álbum, al que le añadiremos algún tema no publicado previamente.

Se han ido cumpliendo sueños en este tiempo. ¿Cuál ha sido el mejor momento que has vivido en estos inicios?

Lo mejor de esta fase de mi vida profesional es ver cómo, paso a paso, cada tema musical va tomando forma hasta su grabación y lanzamiento. También es muy ilusionante ver cómo se van sumando al proyecto grandes profesionales, así como la respuesta del público, lo que me aporta mucha seguridad y confianza. ¿Cuál sería tu sueño a conseguir en la música?

Poder encontrar mi sitio en este mundo apasionante pero muy difícil, haciendo lo que más me gusta y me realiza como persona. Para mí, lo máximo sería que mi música llegara a conocerse y disfrutarse en todo el mundo.

“En la habitación” se ha colado en varias listas de Spotify ¿Te ha sorprendido la gran aceptación que ha tenido este single?

La verdad es que mucho, especialmente porque, tanto mi primer tema “Contigo” como “En la habitación”, que era el segundo, han entrado varias veces en listas de Spotify con muchos seguidores, compartiendo espacio con artistas de primer nivel mundial, y permaneciendo en estas playlists durante varias semanas.

Este verano pudimos disfrutar de tu show en el Camino Duero Festival que se celebra en Langa del Duero. ¿Qué supuso para ti participar en este festival?

Aunque ya había hecho varios directos en salas, interpretando temas de otros artistas, era el primer festival en el que participaba y además con mis propios temas. Lo disfruté especialmente porque fue una

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experiencia diferente y novedosa. ¿Qué música escucha Indika y esta tiene que ver con la música que haces?

Normalmente escucho pop y funky, pero también r&b, blues, rock, bossa nova y soul. Se podría decir que toda esta música forma parte de mi vida y ha influenciado, en mayor o menor medida, mi estilo y temas.

Hace poquito salió tu nuevo single “No Me Rendiré” ¿Cómo ves tu este single?

Es una especie de himno, un mensaje de esperanza para todas las personas que luchan por sus proyectos y sueños, a pesar que las personas de su entorno y la sociedad en general les quiera hacer creer que no lo van conseguir. Una llamada a persistir en lo que uno cree y siente.

¿Qué le pides al 2020?

Seguir avanzando poco a poco, lanzar buenos temas al mercado de los que me pueda sentir orgullosa y poner en práctica todo lo que he aprendido durante estos años de preparación musical.

Texto: Soraya Machin | Fotos: Domingo J. Casas

NICK CAVE & THE BAD SEEDS

- 25 Abril Wizink (Madrid) - 26 Abril Palau Sant Jordi(Barcelona)

YES

- 25 abril Vistalegre Club( Madrid) - 26 de abril Razzmatazz 1(Barcelona)

EXTREMODURO

- 13 y 14 Junio Ciudad de las Artes y las Ciencias(Valencia) - 17 y 18 junio Plaza de Toros(Murcia) - 20 junio Estadio José Zorrilla(Valladolid) - 25 junio A Coruña - 27 junio Estadio de la Romareda(Zaragoza) - 2 julio Estadio Municipal Guillermo Amor(Benidorm) - 4 y 5 julio Marenostrum Fuengirola - 11 y 12 julio Estadio Ramón de Carranza(Cadiz) - 17 julio Kobetamendi(Bilbao)

LYNYRD SKYNYRD

ELTON JOHN

- 1 julio Vistalegre ( Madrid)

- 2 y 3 octubre Palau Sant Jordi (Barcelona)

AEROSMITH

OZZY OSBOURNE

- 22 noviembre Wizink Center (Madrid)

TEXAS

- 27 noviembre Razzmatazz (Barcelona) - 28 noviembre Sala Vistalegre (Madrid) - 29 noviembre Auditorio Fórum Evolución (Burgos) - 01 diciembre Santana 27 (Bilbao)

- 15 y 16 mayo Auditorio Marina Sur (Valencia) - 22 y 23 mayo La Fica (Murcia) - 30 mayo La Cartuja (Sevilla) - 5 y 6 junio Auditorio Miguel RiosRivas(Madrid) - 13 junio Monte do Gozo (Santiago) - 20 junio Recinto Ferial(Caceres) - 26 y 27 junio Parc del Forum (Barcelona) - 18 julio Parque Kobetamendi (Bilbao)

GUNS & ROSES

- 23 Mayo Estadio Benito Villamarin (Sevilla)

ALEJANDRO SANZ

- 3 julio Wanda Metropolitano(Madrid)

QUEEN+ Adam Lambert - 7 y 8 julio Wizink(Madrid)

KISS

- 5 Julio Wizink(Madrid)

ROCK FEST Barcelona

- Kiss + Judas Priest + Lynyrd Skynyrd + UFO + Diamond Head + otros... 2, 3 y 4 de Julio Parc de Can Zam de Santa Coloma de Gramenet.

PAUL Mc CARTNEY

- 17 Julio Estadio Olimpico (Barcelona)

LENNY KRAVITZ - 23 julio Fuengirola - 26 julio Madrid - 25 julio Lisboa

Ya esta a la venta el nuevo trabajo de

Perro Gris “Alas Blancas”

siguelo en sus RRSS @PerroGriss ESCUCHALO EN: lhmagazin.com

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Elena Ley

Desde muy pequeña empezaste a escuchar música en casa. ¿Pero hubo algún artista en concreto que te empujara a dedicarte a este mundo de la música?

Seguramente hubo muchos artistas que me influenciaron, como por ejemplo Elvis, Dionne Warwick y Cyndi Lauper, sin embargo no hubo nadie en especial que me empujó a dedicarme a la música. Mi madre cuenta que desde muy pequeña contaba al mundo “Quiero ser cantante”, y ¡que se volvió casi en una obsesión! El pediatra le decía a mi madre que si no hubiera sido entonada de adulta, habría sufrido una psicosis (ríe).

Naciste en Italia donde empezaste a dar tus primeros pasos en la música con bandas, tenias unos quince años, esos grupos eran de corte pop-rock. Luego fuiste a estudiar a Alemania idiomas. ¿Cómo llega a ti el country?

En Alemania busqué enseguida otra banda, y entré en una de rock sureño “The Groove Box”, que me abrió las puertas a un estilo nuevo. Me enamoré enseguida de este tipo de sonido, cantaba desde Lynyrd Skynyrd hasta ZZTop, y escribimos algunas canciones propias que nunca se publicaron. Desde allí descubrí también artistas rock country y blues, como CCR, Eagles, The Band, y muchos otros.

Después fuiste a Nashville. ¿Por qué Nashville y no otra ciudad?

Pues ¡porque Nashville es la ciudad para los músicos por excelencia si quieres aprender más sobre estos estilos musicales! ¡No es por casualidad que se llama Music City USA! Allí fui a clases de canto, de guitarra y de violín. Pasaba mucho tiempo escribiendo y cantando en bares… una experiencia que dejó huellas muy grandes y muy importantes para mi profesión de músico y cantante.

Tienes dos discos “Brividi” y tu último disco “...And so on”. Tu primer disco fue cantado en italiano y era un disco más rockero. Tu segundo disco es distinto a ese primer trabajo ¿Qué buscabas en este nuevo trabajo?

“And so on…” nació desde un encuentro con un productor de Nashville, Steve Williams, que quiso comprimir mis influencias, mis tendencias y mis gustos musicales en este álbum. Este trabajo ha dado la posibilidad de encontrarme de manera más intensa como artista. ¿Qué quiero decir con esto? Creo que puedo cantar diferentes estilos, y “Brividi” fue la

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obra de la Elena italiana que quiso poner una huella en su país natal. Sin embargo “And so on…” pone juntos los estilos que me acompañaron en los últimos años y durante mi permanencia en Nashville.

Hablo inglés desde niña y seguramente es el idioma que, junto al alemán, uso más en mi vida, y el estilo de American Music (que recoge el country, el rock, el blues y el pop), es lo que me gusta escuchar en el coche y en casa. Este álbum significa poder renacer como artista, porque me gusta pensar de poder reinventarme cada vez que nace una obra mía. ¿Por que te llaman tanto la atención las historias que se cuentan en las canciones de country tradicional?

Me encantan las personas y sus vidas, los destinos de la gente. Me fascina viajar, conocer ciudades y personas nuevas y sus historias, no es una casualidad que soy psicóloga. Cada canción que cuenta una historia me da la posibilidad de imaginarme un poco más de lo que escucho, poniendo yo los detalles. Así tengo la posibilidad de soñar y de jugar con la imaginación, es mucho más que ver una película o leer una novela para mí.

Para preparar “...And so on” habías escuchado a algún artista en especial o te aislas de la música cuando estás preparando tu disco.

Escuché muchos artistas en Nashville durante este periodo, y claramente los artistas que escribieron los otros temas del álbum que no escribí yo. Sin embargo no me gusta “copiar”, doy mi toque personal cantando variaciones y eligiendo la que me gusta más. Es un continuo buscar el sonido y la interpretación mejor. No significa que me quedo con una, puede ser que después de un tiempo cambio o encuentro a otras…

Y que te gusta contar en tus letras y son autobiográficas.

Algunas son autobiográficas, es verdad, otras canciones cuentan historias de otras personas, de amigos, de algo que he leído o escuchado. Depende del tema y de las palabras que me salen en el momento que escribo. Me gusta mucho jugar con palabras y me gustan los símbolos, así que puede ser que uso historias o conceptos clave como metáforas. Una canción de ejemplo es “Lost”, que la escribí con este tipo de concepto. Me gusta mucho el simbolismo.

El disco se llama “...And so on” que es igual que un tema que aparece en el disco.

¿Por qué elegir esta canción para dar título al disco?

“And so on… “ a continuar… Este disco es solo el principio. Quiero pensar que habrán muchos más, muchas más grabaciones y proyectos. ¿Por qué grabar “...And so on” en Nashville?

Simplemente fue grabado cuando vivía allí, y el encuentro con Steve aceleró todo.

Además estoy muy feliz de haber grabado mi disco allí, el sonido es original, auténtico, muy natural.

De la producción del disco se ha encargado Steve Williams. ¿Qué conocías de este productor?

Cuando lo conocí tenía un estudio en Music Row, se ocupaba del booking de artistas, y trabajaba también como talent scout. Sus producciones eran pequeñas, sus artistas eran conocidos solo a nivel regional, sin embargo me gustaban mucho.

Conocí también a su familia, vinieron a verme a algunos bolos en la ciudad. Me invitó a la Grand Ole Opry, porque tenía entradas, me presentó a diferentes artistas famosos, como por ejemplo Brad Paisley, Billy Ray Cyrus. Y las pocas semanas ya hablamos de producción.

Hay muchos grupos que vuelven a grabar sus discos tocando todos a la vez en directo y analógico. ¿Cómo ha sido el proceso de grabación de este disco?

El álbum fue grabado en directo en analógico, yo grabé mi voz al final de todo.

Durante los días estaba en la grabación, explicaba a Steve y a los músicos mis visiones, ensayaba las canciones para después poder dar un toque personal con mi voz. ¡Una experiencia fantástica ver a los artistas tocar! ¿Cómo ha sido el proceso de selección de músicos para este disco?

Steve los conocía a todos. Me preguntó un día “¿Quieres los mejores? ¡Los tengo!”, y así fue. Bob Marinelli, Jeff King, Larry Franklin, solo para decir un par de nombres. Músicos profesionales, humildes en su actitud, simpáticos y abiertos al feedback. Aprendí mucho de ellos. ¿Cómo fue tu experiencia tocando en Nashville? ¡Única! Y muy divertida. Iba a escuela de canto, fiddle y guitarra, iba a cantar de vez en cuando por la noche en bares de Broadway con la banda de un bajista que conocía y tenía un dúo con un guitarrista en un bar que se llama “The Hall of Fame”. Conocí a mucha gente, muchos músicos, productores, cantantes, cantautores, muchos de ellos ya se fueron de Nashville y volvieron a su ciudad. Aprendí a no tener miedo del escenario, a estar atenta a lo que hacen los músicos, dado que no había ensayo. Tenía que preparar desde 10 hasta 15 temas de memoria, subir al escenario y decir a la banda en qué tono se tocaba, y ya se empezaba. El público era una mezcla de turistas, de clientes fijos de allí… Me encantó, también agotaba (ríe), las noches pasaban rápidas. La experiencia fue la más importante en mi vida desde un punto musical. Espero volver muy pronto.

¿Es más fácil poder sobrevivir en Nashville dando conciertos que en España?

(Ríe) Todo es relativo, depende, como en todas partes, de las capacidades del artista y también de a quién conoces. Muchos músicos van a Nashville para ser “descubiertos” y para aprender, y después de un periodo muchos de ellos se van porque no aguantan el estrés de la competencia, y no sobreviven solo tocando. Como en todos los sitios hoy en día, la mayor parte de los músicos profesionales necesitan otro tipo de trabajo (aunque pequeño) al lado de su música, para poder tener la libertad de poder tocar o cantar lo que le gusta con quién quiere. Lo mismo en Nashville. Ser músico profesional es un tema de actitud y no solo si te dan dinero por tu actuación, es mucho más que eso. “Si eres top, sigue luchando para que te escuchen, y verán que eres top” fue una frase de mi maestro de canto en Nashville, y de vez en cuando pienso en sus palabras. Me parece entonces que hay similitudes. En Nashville sin embargo es todo muy “compacto”, 9 personas sobre 10 tienen que ver con el mundo musical, los mejores músicos de EEUU han pasado por allí, así se cuenta. Hay otras ciudades en

música ya, y no solo de country. ¿Crees que la tecnología ha influenciado negativamente o positivamente en la música?

Tiene ventajas y desventajas. Ventajas porque una persona tiene mucha más facilidad a escuchar el estilo y los artistas que quiera, y porque se puede difundir un álbum de manera más fácil. Por otro lado conllevan muchas desventajas porque un artista en muchos casos no vende solo por su música y su actuación, también cuenta mucho más que antes su imagen, sus fotos, los mensajes que expresa...

Todos conocemos el poder de Instagram y Facebook, por ejemplo. Lo que yo quiero para mí en este tema es poder ser yo misma, auténtica, porque así es como hago mi música y cómo canto. No quiero disfrazarme o ponerme una máscara. Me gusta pensar que a través de las redes sociales, mis fans me pueden tener más cerca, más tangible, y yo puedo ser yo. ¿Límites? Claramente los hay, como para todos es sano tener límites y cada artista necesita límites para poder usar las RRSS con efectividad.

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Hacía casi veintidós años que el bueno de Adams no visitaba Murcia, fue la ciudad elegida para iniciar su tour Estatal, en la anterior gira la elegida fue Granada. Vino a presentarnos su último disco, “Shine a Light”, que le ha devuelto a la primera división del rock, lo que no había sucedido con sus anteriores y recientes discos. Con un título tan cinéfilo como la peli documental del gran Martin Scorsese sobre los Stones (2008) y su canción homónima original de 1972 tenia todas las de ganar.

Este canadiense con los 60 cumplidos parece que pasa, al igual que los Stones, por una segunda juventud. Es una gran estrella con un montón de hits y no defraudó a ninguno de los que casi abarrotaban el recinto (donde ya vimos al Cirque du Soleil) Fue un gran concierto.

Acompañado de una gran banda Mickey Curry (batera), Gary Breit (teclados), Solomon Walker (bajo), Keith Scott (guitarra) hicieron casi dos

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horas de show. Y es que con un repertorio con canciones tan exitosas, no podía ser de otra manera. Disfrutamos con “The last night on Earth”, “Somebody”, “Run to you”, “When You´re gone”…, y los recientes “Shine a light”, “I could get used to this”, por poner algún ejemplo. Pudimos disfrutar de su particular homenaje a nuestro país ejecutando una preciosa y precisa “Have you ever really loved a woman”, en la que echamos de menos la guitarra del maestro Paco de Lucía que sonaba en la grabación original.

El set list iba pasando de canción en canción hasta su himno por antonomasia “Summer of ́69” y por supuesto “It´s only love”. Ha vendido 65 millones de discos por algo y se tiene que notar.

El final con él solo sobre el escenario con su guitarra y su voz rasgada inconfundible para deleitarnos con “All for love ” como despedida. Gran tipo, gran show. Sólo un pero: “Porque algunos artistas se ponen pesados ahora con la moda de enviar las fotos que les hacemos para que las aprueben”.

Por cierto estas lo están.

Texto y Fotos: Domingo J. Casas

03-12-2019 Palacio de los Deportes (Murcia)

Bryan Adams lhmagazin.com

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Quién es? Miguel A. Bargueño 42

¿Quién eres, cómo te llamas y a qué te dedicas?

Soy Miguel Ángel Bargueño, periodista especializado en música, papá de tres niñas, forofo del Atlético de Madrid y una persona bastante tímida y reservada.

Periodista y especializado en música… cómo se lleva esto en estos tiempos Se lleva regular. Cada vez hay menos medios donde escribir, por lo que un día decidí “diversificar” y hacerlo también sobre otros temas. La verdad es que no sé si a la gente le interesa menos leer sobre música en medios o los medios actuales no consiguen conectar con el público…, o las dos cosas. ¿Cuánto tiempo llevas metido en el periodismo musical? ¿Cuáles fueron tus comienzos?

Empecé en 1990 en una revista que se llamaba Boogie, que cerró a los pocos meses (¡soy inocente!), y al año siguiente me pasé a El Gran Musical… Soy malo para los números, pero creo que desde entonces han pasado… ¿treinta años? ¿Cuántos libros has publicado?

Tres. “Enrique Urquijo. Adiós tristeza”, que salió en 2005 y se ha reeditado en 2019 con motivo del 20 aniversario de su muerte; “Las chicas son rockeras. El poder femenino en la música” y “Malú. Toda”. ¿En qué andas metido últimamente?

Escribiendo donde me dejan y coordinando un proyecto editorial de Santillana en el que participan diferentes músicos. ¿Te sientes un músico frustrado? Sabes que siempre es lo que se dice. ¿Tocas algún instrumento?

Sí. Toco rematadamente mal la guitarra, el piano, la batería, el bajo… Canto aún peor. Pero cumplo el tópico: me habría encantado ser músico. Tengo un estudio digital en casa y hago mis pinitos como hobby que, por supuesto, no dejo escuchar a nadie. ¿Qué tipo de música te gusta?

Crecí con el rock duro de principios de los ochenta…, pero enseguida descubrí que me gustaba todo tipo de música. Pop, soul, jazz, brasileña, francesa, italiana, étnica, clásica… ¿A quién te gustaría ver tocar en directo que todavía no

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hayas visto?

Me habría encantado ver a Elvis, aunque creo que verle va a estar complicado. ¿Sigues yendo a conciertos todavía en estos tiempos?

De vez en cuando, pero en garitos pequeños, y si puede ser, sentado. Uno ya no tiene edad para empujones, salpicaduras de cerveza, olor a sobaco y roces incómodos. ¿Qué fué para ti la Movida Madrileña o cómo la recuerdas ahora con el paso de los años?

En lo musical, un movimiento o una generación de grupos entre los que había buenos, regulares, malos y peores. Un reflejo de la nueva ola que años antes había irrumpido en otras partes del planeta. Ha dejado algunas buenas canciones y unos cuantos esperpentos sonoros. ¿Cómo ves internet para difundir tus ideas o promocionar tus libros, por ejemplo?

Dicen que es una buena herramienta, pero debo de ser muy torpe y no me manejo bien en redes sociales… En mi descargo debo decir que nací en 1966. ¡Abueloooo! ¿Qué ha pasado con la industria musical? Tu que has vivido su evolución de cerca en estos 30 años.

Viví los últimos coletazos de su esplendor, de los viajes a todo trapo y del tirar la casa por la ventana… Luego llegó la piratería y entró en crisis, y ahora están remontando a base de abarcar todo lo que rodea a sus artistas, desde la contratación al merchandising. Quizá por esa época de vacas flacas, hoy falta riesgo y afán de apostar por cosas nuevas. ¿Por cierto cómo te ves dentro de otros 30 años? ¡Ostras! Espero verme vivo, que no es poco. Y escuchando solo música anterior a 1900.

Twitter: @mabargueno Faceboo: https://www.facebook.com/mabargueno Web: https://mabargueno.wordpress.com Texto y fotos : Domingo J. Casas

Una noche para recordar con mucho “duende”. Rosalía es como “la rebelión del flamenco más puro Vs las fuerzas del reggaeton incipiente que gana terreno en el subconsciente colectivo de nuestros jóvenes”.

Una mezcla de anarquía rítmica, amansada con la sutil y delicada voz de un ángel de cabellos ondulados, que por momentos se convierte en demonio subiendo tono y quebrando su voz.

Con ojos que mágicamente pasan de castaño a oscuro, cuando el frenesí de los versos románticos se confunden con letanías del desamor.

A Rosalía, le bastan con sus ocho rosas danzando, un cuadro flamenquito, y su productor del alma “El Guincho”, para ser estrella revelación en el firmamento de los dioses de la música.

No importa lo largo que llegue a ser el fenómeno. No importa que algunos oídos críticos opinen que “El Mal Querer” no sea la marca que augure el mejor Karma a una artista...

Nunca un trabajo fin de carrera dio tanto rédito en tan poco tiempo. Y cada vez que Rosalía se sube a un escenario, los elementos se alían para invocar el alma de los grandes como Camarón.

Su estética entre vintage y rebelde, demuestra que nunca ciertos ecos y símbolos del pasado, y un arte tan puro como el flamenco, dejaron de estar de moda.

Es más, confirma que todavía se puede innovar y triunfar, sin perder la esencia y cultura de este país tan denostada políticamente.

Rosalía es el icono de la Cataluña que reconcilia territorios y distintas generaciones, en contra de la “mal querida” hiriente y separatista.

Pasarán los años y un día mi Facebook me recordará que “yo estuve allí como testigo directo del fenómeno”. Que a mi no me lo contaron, que lo viví en primera persona.

Sólo espero que “reconciliada la música también se recupere la buena convivencia entre territorios de este país”.

Bravo Rosalía!!!

Texto :Marcos Galván Vela(Onda Cero Alcazar de San Juan) Fotos. Ricardo Rubio/Carlos Muiña

Rosalía

“Gran cierre de Gira en Madrid coronando su gran año” We Zink Madrid 10-12-2019

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“MUNDO IDIOTA TOMO 3”

PETER BAGGE. EDICIONES LA CÚPULA La Cúpula edita el tercer y último volumen en tapa dura que recopila las historias de “Mundo idiota”, ese alucinógeno y a la vez alucinante viaje en viñetas que Phantagraphics Books editase originalmente como “Neat Stuff ” en quince números entre 1985 y 1989. Protagonizado nuevamente por algunos de los personajes más increíbles y, para que negarlo, más probablemente patéticos de la historia del cómic underground norteamericano, la verdad es que en estas últimas historias Bagge lleva a la mayoría de ellos hasta sus últimas consecuencias, rebasando los límites que hasta ahora ni siquiera creaciones semejantes habían sido capaces de superar. De entre ellos, por encima de todos, destaca Budddy Bradley en una espiral de meteduras de pata brutales que le conducirían de modo natural, ya en la década de los noventa del mundo real, a tener una serie propia de la entidad de “Odio”. Para todos los demás, el nivel de majadería y esperpento retratado por Bagge sorprende también por la maestría alcanzada a nivel gráfico, algo que nos hace disfrutar de muchas más ilustraciones a página completa e historias donde el autor a veces no necesita ni texto para hacernos reír con situaciones estrambóticas.

“BIBLIOTECA DE CÓMICS DE TERROR DE LOS AÑOS 50: ZOMBIS”

VARIOS AUTORES. DIÁBOLO EDICIONES Diábolo Ediciones sigue ofreciéndonos clásicos del cómic de terror en una serie que va ya por su tercer volumen y que, en esta ocasión, toca al monstruo más vigente en nuestros días como entonces: el zombi.

Aunque como bien se nos recuerda en la útil introducción a las historias, los zombis de los años 50 tenían mucha más personalidad que los simples devora cerebros de nuestros días.

De ahí que el paseo por las páginas de Jack Cole, Wally Wood o Bob Powell sea todo un descubrimiento que, aún a fecha de hoy, llegan a sorprendernos. Historias cruelmente perseguidas en su época original, donde incluso una decisión del Senado norteamericano llegó a condenar a la hoguera cientos de cómics, este lujoso tomo incluye además gran cantidad de las espectaculares portadas originales, entre las cuales encontramos las firmadas por grandes nombres como Frank Frazetta y Basil Wolverton. Una lectura sin edad recomendada para todo buen y sincero aficionado al género de terror más original.

“STRANGER THINGS. EL OTRO LADO”

VARIOS AUTORES. NORMA EDITORIAL Cualquier seguidor de una de las series de Netflix revelación de los últimos años, querrá saber más y más cosas de los personajes y el universo único de la serie “Stranger Things”.

Pues bien, para todos ellos, un respetable equipo de guionistas y artistas nos traen nada menos que la historia de Will Byers en la Primera Temporada de la serie, es decir: lo que le pasó al personaje cuando cayó en el mundo del revés y nunca tuvimos la oportunidad de ver.

El resultado no podía haber sido mejor para este primer acercamiento del cómic a la serie y su lectura es tan reveladora como fiel al detalle a todo lo que sí conocíamos.

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AUTOR DEL MES: MIKE MIGNOLA “HELLBOY. SEMILLA DE DESTRUCCIÓN. EDICIÓN 25º ANIVERSARIO” MIKE MIGNOLA / JOHN BYRNE / MARK CHIARELLO. NORMA EDITORIAL Merecedor Mike Mignola siempre de un rincón especial en nuestras páginas, este año uno de sus personajes más icónicos, ya que es, por méritos propios, icono del Noveno Arte, cumplió nada menos que 25 años. Resulta increíble que el personaje de Hellboy creado por Mike Mignola lleve ya en nuestro imaginario cuarto de siglo. Por ello Norma ha decidido celebrarlo reeditando el que fue el primer título de Hellboy, “Semilla de destrucción”, en una edición realmente especial a un espectacular tamaño de ¡¡28,1 x 43,3 cm.!! que escapa a cualquier estantería.

La edición, para mayor vistosidad de la técnica de Mignola es en pulcro y asombroso blanco y negro, contando además con una nueva cubierta dibujada por Mike Mignola. Esta edición verdaderamente especial sólo se ha editado en España y desde luego es una verdadera joya para todo amante del trazo minimalista de Mike Mignola y su creación más popular.

“DRACULA DE BRAM STOKER” ROY THOMAS / MIKE

MIGNOLA / JOHN NYBERG. NORMA EDITORIAL No menos espectacular es la reedición de una obra largamente descatalogada y buscada como Santo Grial por todos los aficionados al arte de Mignola. Al mismo tiempo que en 1992 se estrenaba una de las más inolvidables versiones cinematográficas del Drácula de Bram Stoker, gracias a Francis Ford Coppola, se editaba su versión en cómic a manos de dos gigantes de las viñetas como Roy Thomas y Mike Mignola. El resultado dejó tan impresionados a los aficionados de una y otra versión. Objeto de culto buscado en la red hasta la saciedad, ciertos temas legales habían impedido su reedición en los últimos 20 años, de modo que esta reedición, en formato ampliado, en blanco y negro, y con escaneos del arte original de Mike Mignola, es un tesoro que nadie debería dejar escapar.

“KOSHCHEI EL INMORTAL” MIKE MIGNOLA/BEN STENBECK/ DAVE STEWART. NORMA EDITORIAL Por último, seguimos destacando la labor del Mike Mignola de nuestros días, más prolífico como guionista que como dibujante, en un nuevo desdoblamiento y creación para el Universo de Hellboy.

Así, aprovechando al personaje de Koshchei el Inmortal, enviado por la oscura y mítica Baba Yaga a matar a Hellboy en el título “La oscuridad llama”, Mignola reencuentra a ambos personajes en una taberna del Infierno, donde nos cuenta sin prisa y con todo lujo de detalles, magníficamente ilustrados por Ben Stenbeck (también autor de “Baltimore”), el pasado trágico de un personaje verdaderamente mayúsculo, como la mayoría de sus creaciones. Acompañados guionista y dibujante por la imprescindible presencia del colorista habitual de Mignola, Dave Stewart, de verdad dale la oportunidad a una novela gráfica tan bien contada que te resultará imposible soltar hasta conocer el final.

“LONG JOHN SILVER” XAVIER DORISON / MATHIEU LAUFFRAY. NORMA EDITORIAL Quien tiene paciencia sigue viendo llegar a su librería favorita nuevas ediciones integrales a precios asequibles de obras que, si bien puede dar pereza al aficionado seguir tomo a tomo, ahora no hay excusa para no disfrutar de lecturas mayúsculas. Empezamos con una obra que, verdaderamente, es un profundo y respetuoso homenaje de sus autores, Dorison y Lauffray, a la obra del gran escritor R.L. Stevenson, y en especial a una de las almas de su legendaria “La isla del tesoro”: Long John Silver. Sinónimo de la palabra pirata como pocos, revive en este integral, originalmente editado en cuatro tomos, sus crímenes y sueños sin remordimiento alguno. De nuevo embarcado por debajo de su ambición, vivirá una nueva aventura en los confines de la Amazonia con el espíritu de la obra original de Stevenson ondeando en cada página y viñeta. Esta lujosa edición incluye un espectacular dossier de 46 páginas con arte inédito de Mathieu Lauffray e ilustraciones homenaje “SPIDER-MAN UN NUEVO UNIVERSO. de artistas ilustres como Alex Alice, Juanjo Guarnido o EL ARTE DE LA PELÍCULA” Ralph Meyer. Una obra y edición impresionantes.

RAMIN ZAHED. NORMA EDITORIAL “ISAAC EL PIRATA. EDICIÓN INTEGRAL” Esta película ha marcado un antes y un después en CHRISTOPHE BLAIN. NORMA EDITORIAL el mundo de la animación, algo que ha sido reconocido por obtener los Premios de mejor película Christophe Blain es, por méritos propios, uno de los más animada del año en los premios BAFTA, Óscar y importantes autores de lo que, hace décadas, se etiquetó Globos de Oro. Dirigida por los geniales Phil Lord como Nouvelle BD. Del cambio en la forma de hacer y Christopher Miller, las mentes creativas respontebeos de autores como Marjane Satrapi, Lewis Trondhesables de “La LEGO película”, uno de los mayores im o el propio Blain, surgieron sobre todo títulos vigentes logros de ambos ha sido dar vida en la pantalla al e imperecederos. En el caso de Blain sus obras “Gus” o trabajo que, durante años, han realizado infini“Quai d’Orsay” son claros ejemplos. Pero al mismo nivel, dad de grandes artistas venidos de rincones muy Blain logró ya en Angoulême en 2002 alzarse con el diversos del planeta. Ya lo cuenta en el prefacio un Premio a mejor álbum gracias al primer tomo de “Isaac autor del prestigio de Brian Michael Bendis, coauel pirata”. Con cinco tomos editados hasta la fecha, la tor de la propia obra, quien introduce lo que es ambientación e historia de este cómic, completamente no sólo el libro de arte de una película mayúscula, diferente a cualquier otra obra sobre piratas, te absorbe sino las ilustraciones conceptuales, los bocetos desde que llegas al siglo XVIII y acompañas al desafortuy los storyboards de muchos artistas. A todos nado pintor Isaac Sofer, quien acepta un encargo que le ellos se les reconoce un mérito único al crear una lleva a embarcarse en un navío que, sin saberlo, le llevará visión nunca antes imaginada de un personaje tan a vivir aventuras que nunca imaginó siquiera soñar. manido y con tantas caras y adaptaciones como Acción, humor, amor, drama y realismo se funden en los Spider-Man. Alberto Mielgo, el gran autor español inolvidables trazos de Blain en un integral irrepetible.

Jesús Alonso Iglesias, Patrick O’Keefe, Wendell Dalit, Yuhki Demers, Shiyoon Kim, Peter Chan...

“LA GENTE HONRADA. EDICIÓN INTEGRAL” del trabajo y reconocimiento a todos ellos surgió GIBRAT / DURIEUX. NORMA EDITORIAL un sueño cinematográfico al que, igualmente, rinde tributo este libro con un despliegue inigualable Más conocido quizás por su espectacular dibujo, Jeande todo su proceso creativo con tal cantidad de Pierre Gibrat (“Mattéo”, “El vuelo del cuervo”, “La prórromaterial que, si disfrutaste de la película, alucinaga”) ejerce en esta obra de guionista para el igualmente rás con este libro además de gran formato. ágil trazo de Christian Durieux. Del encuentro gracias a intermediarios de ambos autores surgió una brillante idea, plasmada en cuatro tomos que llevan el nombre de las estaciones del año y que, empezando duro con el “invierno”, nos presentan a Philippe, un cincuentón que pierde a su mujer, su trabajo e incluso su casa en tan poco tiempo como en los cuentos de la vida real. Sólo que de ahí, como a este lado de las páginas, la determinación y las ganas de no rendirse ante nada, nos conducen a una historia de la que, como si fuese la nuestra, queremos saber más y más.

Y eso es lo que nos dan los autores, igualmente enganchados a un personaje principal e infinidad de secundarios que nos hablan de la vida cotidiana: historias posibles y esperanzas reales. De ahí que la lectura de esta obra suponga casi vivir un poco las vidas de sus personajes.

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EL MES DE LOS GRANDES INTEGRALES Y LOS TOMOS DE LUJO

“LA BALADA DE HALO JONES” ALAN MOORE / IAN GIBSON / BARBARA NOSENZO. NORMA EDITORIAL Ahora que por milésima vez el genial Alan Moore anunció su retirada definitiva del mundo del cómic, no está de más redescubrir una de sus primeras grandes obras, “La balada de Halo Jones”. Publicada originalmente de forma serializada en la popular revista británica “2000 A.D.”, se reeditan en un solo tomo y por vez primera a color las tres etapas de la vida de la protagonista femenina a la que da nombre la obra. Editada mucho antes que otras obras mastodónticas de Moore, sorprendió en el momento de editarse pero incluso sorprende ahora la profundidad y realismo que Moore y Gibson le otorgaron a una mujer joven en un hostil mundo futuro donde hasta la mera rutina de ir a comprar puede convertirse en una pesadilla dantesca. Una vez más, Moore se adelantó a su época y, desde luego, bien merece no perderse la lectura de esta obra, que debería figurar entre los muchos clásicos a los que ha dado vida este incombustible creador inglés.

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10 AÑOS!!!

trabajo y de comprobar de primera mano la gran labor y necesaria que hace GPS. Aun recuerdo esa primera edición en la cual grupos como Muyayo Rif, Pablo Moro, Preciados, Sidecars, Dinero… que habían pasado por nuestras páginas o por nuestros micrófonos se colaban en esa primera edición y verles crecer después de terminar esa edición nos hacía feliz porque de alguna manera nosotros habíamos puesto nuestro granito de arena.

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ste 2020 que arranca nace con una importante noticia y es que Girando Por Salas celebran sus diez años apostando y apoyando a las bandas emergentes de este país.

Aun recuerdo como si fuera ayer la presentación de este bello proyecto hace diez años en la sala Galileo Galilei, un proyecto que era necesario para reactivar la música en vivo y ayudar a las bandas emergentes, un proyecto que es muy similar a LH Magazin Music, por eso, desde sus comienzos hasta hoy, el ir andando a su lado y viendo como muchos de esos grupos noveles que aparecían en nuestras páginas después eran seleccionados por Girando Por Salas y les íbamos viendo crecer, pasito a pasito, eso nos hace estar orgullosos de nuestro

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Posteriormente vendrían más ediciones y más grupos como Alamedadosulna, Calle Jaleo, Catpeople, Dr. sapo, Garaje Jack, Varry Brava, Lara, Los Zigarros, Cyan, Dry Martina, Gritando en Silencio, Track Dogs, El Rincón de los Sueños, Sonido Vegetal, Ed Is Dead, Lágrimas de Sangre, La Desbandada, Los Estanques, Los Vinagres, Mabü, Maruja Limón… y muchos más que han pasado por nuestros micrófonos, la revista....algunos han desaparecido y otros siguen en la lucha por hacerse un hueco y poder trabajar en lo que sueñan y tanto pelean.

Diez años dan para muchas anécdotas que hemos visto y hemos vivido junto a GPS. Quizás en un futuro no muy lejano se pudiera hacer un libro tipo con un título que sea “No son todos los que están ni están todos los que son”. Y es que en estos diez años han pasado muchas bandas por GPS, una gran parte de la historia de la música de este país. Cuantas horas he pasado navegando por su web descubriendo artistas que no conocía, era algo parecido, salvaguardando las distancias, el perderse una tarde en una tienda de discos, de las que tristemente cada vez quedan menos.

Pero sobre todo lo que se ha ido quedando en nuestros corazones en estos diez años

de GPS son los músicos que hemos ido conociendo en estos años que ya son amigos, pero sobre todo la familia que es Girando Por Salas y de la cual me siento partícipe.

Un sueño cuando nos ofrecieron retransmitir el final de la fiesta de GPS en la sala Galileo Galilei en directo por nuestra radio y que desde entonces no hemos faltado a la cita asistiendo a Shoko, Clamores… y esperamos este año estar de nuevo en esas fiestas de final de GPS en su décima edición y acercarla a todos los que dia a dia nos escucháis en nuestra radio.

Sólo me queda decir gracias a GPS por dejarme estar a vuestro lado.

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