Manifest | Diseño y Cultura Visual (Revista digital, nº1: FEÍSMO)

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Valencia Capital Mundial del Diseño 2022 El feísmo es tendencia Soy diseñadora y me visto de colores A hundred summers, a hundred winters La persuasión en el diseño: imagen y palabra LOCAL Jose A. Roda

WORLDWIDE Stefan Sagmeister ENERO 2021 ESPAÑA | 18€

La persuasión en el diseño: imagen y palabra

manifest Diseño & cultura visual

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Reflexión | Heidi Berlín

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EDITORIAL | nº 1 F

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Con este número, la revista busca consolidar un proyecto que surge dentro del ámbito del diseño, pero que siempre ha tenido un deseo explícito de trascender esas fronteras para acercarse a cualquier lector interesado en la cultura visual. Ser un foro de discusión de tendencias gráficas, un encuentro de discursos que aproximan disciplinas y también, cómo no, un lugar para la difusión de temas de investigación. Éste será nuestro objetivo: promover la reflexión y articular planteamientos entre diferentes profesionales de la cultura, el diseño y la comunicación visual.

Un proyecto que opta una vez más por la edición impresa en papel, pues defiende las calidades táctiles de un objeto físico entre las manos, y señala también una tendencia que coexiste con el auge de contenidos editoriales en plataformas digitales.

Un hecho que indica los cambios que se están roduciendo en el entorno editorial y que pueden suponer una nueva oportunidad de crecimiento para el medio gráfico, el diseño, la ilustración, la fotografía, etc.

Ante esta realidad, las páginas que siguen muestran ideas y proyectos de personas que quieren aportar creatividad y talento al

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ámbito de la cultura.

Un trabajo de agitación gráfica que propone reivindicar la fuerza —frente al pesimismo—, el talento que emerge por doquier — frente a la mediocridad— y la esperanza de tantos jóvenes y no tan jóvenes —frente a la resignación—. Así surgen los contenidos de este nº 1, referidos al auge de la ilustración editorial y sus metáforas, los procesos creativos y sus bloqueos, la innovación en el diseño, la experimentación tipográfica o la fotografía contemporánea de la mano de talentos emergentes.

Con este bloque de contenidos, el equipo de redacción hace visible su mayor deseo: seguir apostando por la creatividad y las ideas, disfrutando de un proyecto que seguirá creciendo en cada número, pues a pesar de lo desapacible que es todo cuanto nos rodea, seguimos esperando que pronto llegue un clima más propicio y cálido..., como en todo ciclo vital. Y ése, podemos —y debemos— empezar a diseñarlo nosotros mismos.

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Reflexión | Heidi Berlín

I R A M SU LA HORA DEL TÉ

WELCOME

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Actualidad Valencia Capital Mundial del Diseño

Agenda Enero 2021

En el nº de hoy Feísmo

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WORLDWIDE | Beauty, una reivindicación de la belleza Entrevista a Stefan Sagmeister

LOCAL | Cuestión de esencia Entrevista a Jose A. Roda

La persuasión en el diseño: imagen y palabra

IO ESA ES TU OPINIÓN

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GALERÍA

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El feísmo es tendencia Elena Serrallé

Cómo pasar de una imagen sublime a una dramáticamente trendy Víctor Palau

Soy diseñadora y me visto de colores Rocío Egio

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A hundred summers, a hundred winters Bartien Van Manen

AL RINCÓN DE PENSAR

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Actualidad

VALÈNCIA, CAPITAL MUNDIAL DEL DISEÑO EN 2022 6

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DISTINCIÓN QUE RECONOCE SU TRABAJO POR IMPULSAR LA CREATIVIDAD EN TODAS SUS FORMAS.

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València, Capital Mundial del Diseño 2022

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Fuente: https://www.wdcvalencia2022.com/es/ | Fotografías: WDCV & Mª Carmen Roselló

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Actualidad

WORLD DESIGN ORGANIZATION (WDO) World Design Organization (WDO) ® es una organización no gubernamental internacional que promueve la profesión del diseño industrial y su capacidad para generar mejores productos y sistemas, negocios e industria más competitivos y, en última instancia, un mejor medio ambiente y sociedad. Como la voz internacional del diseño industrial, WDO aboga, promueve y comparte el conocimiento de la innovación impulsada por el diseño industrial que tiene el poder de crear un mundo mejor.

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La World Design Capital® (WDC), designada cada dos años, reconoce a las ciudades por su uso efectivo del diseño para estimular el desarrollo económico, social, cultural y ambiental. Los WDC anteriores incluyen Turín (Italia) en 2008, Seúl (Corea del Sur) en 2010, Helsinki (Finlandia) en 2012, Ciudad del Cabo (Sudáfrica) en 2014, Taipei (Taiwán, Taipei Chino) en 2016 y Ciudad de México (México) en 2018. Lille (Francia) ostenta el título para 2020 y Valencia (España) será la capital en 2022.

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¿POR QUÉ VALÈNCIA? La persuasión en el diseño: imagen y palabra

* LA CIUDAD DE VALÈNCIA Y POR EXTENSIÓN LA COMUNITAT VALENCIANA ES TIERRA DE CREATIVIDAD.

* EL TRABAJO DE PROFESIONALES DEL DISEÑO, LA ARQUITECTURA, INTERIORISMO O LA ILUSTRACIÓN A LO LARGO DE LOS ÚLTIMOS CIEN AÑOS DEMUESTRA UNA CULTURA DEL DISEÑO QUE SE EXTIENDE POR TODO EL TERRITORIO.

* LA CANDIDATURA VALÈNCIA CAPITAL MUNDIAL DEL DISEÑO 2022 HA SIDO PROMOVIDA POR LA ASSOCIACIÓ VALÈNCIA CAPITAL DEL DISSENY.

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Actualidad

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València, Capital Mundial del Diseño 2022

OBJETIVOS València Capital Mundial del Diseño 2022 pretende promover su actividad y poner en valor la calidad de este sector creativo, convirtiéndolo en agente principal de cambio social e innovación urbana. Se trata de generar toda una serie de iniciativas que proyecten el diseño más allá de 2022, generando un legado capaz de trascender y asentarse como un valor clave del tejido social local y nacional.

DIDÁCTICA DEL DISEÑO * TRANSFORMACIÓN SOCIAL * INTERNACIONALIZACIÓN * BIENESTAR * RELATO Y VERTEBRACIÓN TERRITORIAL * REFUERZO DE LA RED PROFESIONAL * LEGADO 11

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C U A L T D N

DISEÑO

FOTOGRAFÍA

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CORONACRISIS Y CULTURA: Propuestas de creadores valencianos Ambicioso proyecto expositivo para visibilizar la crisis que ha provocado la pandemia del coronavirus.

La Nau. Hasta el 14-02-21

PARADÍS, Festival del diseño y la creatividad Nueve charlas, grabadas previamente y en un formato exprés, que irán seguidas de un encuentro virtual con cada uno de los ponentes.

Online 16-01-21/18-01-21

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Diseño valenciano (2009-2019). Productos para un mundo global.

Un recorrido por el diseño de producto valenciano desde 2009 hasta hoy.

IVAM Hasta el 18-04-21

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DE MEMÒRIA Exposición de mano de los alumnos de Bellas Artes de la UPV a través de la técnica de cianotipia.

CMC La Mercé.Borriana 22-01-21/14-02-21

CONVOCATORIA WORKSHOP MIRADAS ALHAMBRA con ANNA DEVÍS Y DANIEL RUEDA ¿Eres fotógrafo/a? ¡Forma parte del próximo MIRADAS ALHAMBRA! Presenta tu candidatura hasta el 31-01-21 La Rambleta PRÓXIMAMENTE

TUR AL * E N E

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ILUSTRACIÓN

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VALÈNCIA SE ILUSTRA EN CASA Un encuentro para (re) descubir nuestra ciudad de la mano de seis ilustradores/as. Ell@s mismos nos mostrarán aquellos lugares de València que más les emocionan. Espacios que nos invitan a conocer, visitar y recorrer a través de sus ilustraciones. #MomentosAlhambra Online 13-01-21

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DINAMARCA La obra transcurre durante los años de la ocupación nazi de Dinamarca. Seis personajes van entretejiendo una apasionante telaraña de relaciones y conflictos que basculan de la esfera más íntima y familiar a la lucha entre la Resistencia y los grupos paramilitares pronazis, del universo sentimental a la ambición profesional y de los deseos sexuales más escondidos a la crisis de la fe religiosa.

Teatre Rialto 15-01-21/31-01-21

EL ARTE SE TOCA (EN CASA) Para melómanos. Desgranamos el vinilo que consagró a Amy Winehouse, “Back to Black”. #MomentosAlhambra Online.

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Beauty, una reivindicación de la belleza

STEFAN SAGMEISTER DISEÑADOR GRÁFICO.

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Es uno de los grandes. Genio y figura. Premios y prestigio. Stefan Sagmeister es un diseñador gráfico, tipógrafo y director de arte. A lo largo de su carrera ha trabajado con artistas del mundo de la música como David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones, OK GO y Jay Z. Actualmente sigue haciendo increíbles trabajos y acaba de inaugurar la exposición

LA HORA DEL TÉ ¿Por qué toca ahora hablar de belleza?

¿Por qué tiene tan mala fama?

Después de cien años de belleza básicamente excluida como un objetivo en arte, diseño y arquitectura, estamos hambrientos de ello. Es el momento de aparcar todas las otras estrategias –desde el disgusto hasta el shock y la fealdad deliberada– y recuperar la belleza nuevamente.

A lo largo de la mayor parte del siglo XX y XXI, la belleza se ha ganado mala reputación. Muchos diseñadores respetables dicen no estar interesados en ella, el mundo del arte contemporáneo la ha abandonado casi por completo y uno puede hojear pilas de libros de arquitectura sin ver el término mencionado ni una sola vez.

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¿Se la vincula con todo lo banal y superficial?

Sí. Después de la Primera Guerra Mundial los artistas quedaron decepcionados con los valores de la civilización y, como reacción, decidieron ir en contra de todo lo que había sucedido hasta entonces. Y lo estético y la belleza fueron una de las víctimas, ya que eran grandes protagonistas del arte del XIX. Y de allí viene esa asociación con todo lo superficial y banal. ¿En esta época nace el famoso “la forma sigue a la función”?

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La funcionalidad es necesaria pero el auténtico reto es conseguir que además sea placentera y bella. Y eso, es muy difícil. El problem-solving se ha convertido en algo mucho más importante que crear algo maravilloso. Pero el reto es conseguir las dos cosas. Crear una taza de café funcional es fácil, pero si tenemos que hacerla placentera para el usuario, la cosa se complica. ¿Qué es la belleza para ti?

Yo diría que es una combinación de cualidades estéticas como color, forma, materiales, estructura, composición que juntos intentan apelar a los sentidos estéticos,

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Beauty, una reivindicación de la belleza

sobretodo los ojos pero también las orejas.

Creo que esa es una definición muy completa. ¿Por qué es tan importante?

La belleza no es una mera estrategia superficial, sino una parte central de lo que significa ser humano. Es intrínseca al ser humano. La belleza nos atrae a nivel psicológico y nos puede ayudar a sentirnos mejor. Puede rebajar el caos que sentimos y es una puerta a la esperanza. El impacto positivo que tiene es relevante. ¿Puede influir la manera como nos sentimos o actuamos?

Sí, mucho. Le daré un ejemplo: en Nueva York hay dos estaciones de tren, Penn Station, construida en los setenta, y Grand Central Station, con un edificio precioso hecho entre los siglos XIX y XX. Tienen la misma función y el mismo público. Hicieron un estudio y descubrieron que los ánimos de las personas de Penn Station eran mucho más bajos que los de Gran Central ya que instintivamente el público no disfrutaba del lugar. ¿Nos puede hacer feliz?

Sí. En todos los sentidos. Es como el diseño. El 50% de la gente del planeta vive en ciudades, y todo lo que le rodea es diseño: tierra, edificios, calles, parque, ciudad.

Todo es diseño y éste puede ser bello o no. La influencia del diseño en alguien que

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Ballbè, B. (2018) | La Vanguardia https://www.lavanguardia.com/cultura/20181227/453777326843/stefan-sagmeister-entrevista-diseno-grafico-arte-exposicion.html | Fotografías: sagmeister.com/work/beauty

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vive en un área urbana es exactamente la misma que tiene la naturaleza en alguien que vive en el campo.

tud es y, en consecuencia, el tono y acti sólo estoy mucho más positivo. Por eso yo en Instagram.

¿Qué peligro tiene no tener la belleza presente?

que la ¿Vamos a ver un movimiento en el ? nte belleza sea más importa

La belleza ha sido esencial durante más de dos mil años. La filosofía se ha hecho cargo de la importancia de la belleza en el arte, la música, la literatura, la arquitectura y en el día a día. La belleza no es una cosa subjetiva, es una necesidad universal. Si renunciamos a esta necesidad, nos encontraremos en un desierto espiritual. Es a través de la búsqueda de la belleza que damos forma a nuestros propios hogares.

de hecho, Totalmente. Estoy convencido. Y bio en el ya se ha empezado a notar el cam h Line de mundo de la arquitectura. El Hig que conecNueva York, un parque elevado de buen ta la ciudad, es capaz de ponerte es un humor; es funcional pero además ulturas. O lugar precioso lleno de arte y esc y belleza la Ópera de Sidney, cuyo diseño símbolo es tal que se ha convertido en un de que el de la ciudad y del continente, pue Por ello, más grande después del canguro. destacala belleza va a tener un papel muy en diseño do en el futuro, en arquitectura, s. Por la y en la planificación de las ciudade , mejora simple razón que es más estética , sincerala experiencia humana y además mente, queda mucho mejor.

¿Cómo ve el efecto de la belleza en las redes sociales?

Es muy evidente: en Twitter no hay imagen ni diseño, por lo que la gente se comporta de una manera más agresiva que en Instagram. En la segunda, las imágenes bellas tienen mucho más protagonismo

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...DE LO QUE SIGN IFICA

HUMANO.”21 21 SE R

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Cuestión de esencia

JOSE A. RODA ILUSTRADOR

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Para crecer no basta con reinventarse, es necesario ser auténtico y hacer de guía de tu propio sendero. Este año Reebok Classic nos vuelve a sorprender con el relanzamiento de las clásicas Reebok Classic Club C, un modelo nacido en 1985 en las pistas de tenis americanas que ha evolucionado hasta convertirse en icono de street style.

Las Club C son símbolo de historia, originalidad, esfuerzo y dedicación – y José A. Roda además de dominar los pinceles y la geometría, sabe algo sobre eso.

LA HORA DEL TÉ ¿Cuáles son tus orígenes, naciste para dibujar?

Creo que sí. Desde luego no sé si nací para ello, pero es lo que se me da mejor – expresarme, comunicar, contar cosas. Me licencié en comunicación audiovisual y luego estudié un posgrado de diseño gráfico, lo del dibujo ha sido algo instintivo. El dibujo es una cosa muy bonita y me siento muy

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afortunado de poder dibujar. He dibujado siempre, pero nunca pensé que podría hacerlo de manera profesional. Que haya gente a la que le guste mi trabajo, y que eso me permita vivir y seguir trabajando – y por lo tanto aprendiendo y mejorando – es una pasada. Colores primarios, formas geométricas… ¿Partes siempre de la pureza de los elemen-

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tos para desarrollar tus creaciones?

Son un buen punto de partida en mis trabajos. Es verdad que a la hora de dibujar tengo muy presente las formas, los colores, el peso de los distintos elementos, el juego entre negativo y positivo… En mi época de estudiante hacía buenos esquemas y resúmenes, y mi dibujo también es un poco así, no soy muy de detallitos. ¿Cuál ha sido el mayor reto a afrontar para convertirte en quien eres hoy en día?

Conocerme de verdad y aceptarme. Asumir tanto las virtudes como los puntos flacos, no avergonzarme y creer en mí y en mi capacidad de trabajo 100%. Esto es un curro que nunca termina.

El lema del último brand film de Reebok es ‘Find your court’, algo así como ‘Encuentra lo que se te da bien y hazlo tuyo’, ¿cuándo supiste que querías ser ilustrador y diseñador gráfico? ¿Ha sido difícil llegar hasta dónde estás ahora?

Ha sido todo un proceso. Yo sabía que quería crear, porque desde siempre he hecho trabajos creativos – fotografía, vídeo, dibujo –, hace cuatro años empecé a dedicarme al dibujo un poco más en serio y vi que había un camino. La ventaja del dibujo frente a otras artes u oficios creativos es que no necesitas trabajar con un equipo de gente, ni tampoco con grandes medios.

El poder desarrollarlo tú solo en tu propia habitación creo que ha sido definitivo para que sea ese el camino elegido. Luego

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todo es un proceso, asumir puntos fuertes y limitaciones, ser fiel a lo que quieres hacer, lidiar con las opiniones externas y con las internas, entender que el trabajo es cambiante, que la evolución es positiva, en definitiva, creer en uno mismo. Son muchas cosas las que tienes que aprender y que tener en cuenta, no sólo sobre el dibujo, también sobre la vida, la gente, los trabajos… Es un camino duro y bonito. ¿Cuál crees que es la función del artista en una sociedad en crisis?

No lo sé, no me gusta pensar en términos de artista. El arte es algo muy extenso como para darle una sola función, cada uno que haga lo que quiera. Habrá artistas que en tiempos de crisis hagan un arte crítico o de reflexión con la intención de concienciar y habrá quien busque con su trabajo entretener y embellecer. ¿Es una mejor que la otra? Cada uno que haga lo

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“TOD O APRENDIZAJE.” UN PROCESO

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que quiera y que sea honesto con el trabajo que hace. Yo creo que la función del artista es ser honesto, independientemente de si hay o no crisis.

Tienes un estilo muy personal que trasladas a distintas técnicas y plataformas como el papercut, la cerámica o la madera. ¿Qué importancia tiene para ti que un creativo sepa reinventarse sin perder su esencia?

A mí me parece básico, me parece supervivencia. Yo no podría hacer siempre lo mismo, me sentiría como si estuviese estafando a los demás y por otra parte muy descontento conmigo mismo. Nada nuevo obtienes si haces siempre las mismas cosas y de igual manera. Aunque tampoco creo que sea cuestión de reinventarse, se trata de caminar, de dar pasos, de seguir trabajando en muchas otras direcciones y de no hacerlo siempre en la misma.

Para ti, ¿qué es el triunfo?

El triunfo para mí es poder vivir haciendo lo que me gusta y tener la suerte de compartirlo con los míos. Estar vivo, tomar decisiones, aprender, equivocarse y cenar

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pizza mínimo una vez a la semana. ¿Te marcas metas a corto o largo plazo? ¿En qué andas ahora y dónde te gustaría estar dentro de unos años?

Más de corto que de largo. Paso a paso, proyecto a proyecto. Ahora mismo y hasta final de mes estoy con una exposición, A color herstory exhibition by Roda, de mis últimas pinturas-trabajo en Ó! Galeria, en Oporto. Son una serie de dibujos de mujeres hechos a partir de manchas de color con formas geométricas bastante simples.

Muy probablemente cuando termine la expo en Oporto se las lleven a la Ó! Galería de Lisboa. Ahora ya puedo decir que es un objetivo secreto cumplido y que me hace toda la ilusión del mundo que mi trabajo esté en un lugar como ese. Dentro de unos años me gustaría estar podrido de dinero y con una casa en la playa. Tendré que dejar de dibujar y meterme en política o alguna movida similar si quiero conseguirlo.

En realidad me gustaría seguir pintando y haciendo cosas que en este momento ni me imagino.

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Pascual, M., n.d. José A. Roda | Metal Magazine. Metalmagazine.eu.

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Bertien van Manen empezó como fotógrafa de moda, pero después, decidió apostar por un enfoque más documental. [...] A partir de ese momento, viajó con regularidad por toda Europa del Este y Asia. Sus numerosos viajes y su contacto intensivo con la gente resultó en un libro titulado ‘A Hundred Summers, a Hundred Winters’ publicado en 1994.

30 Ryszard Kapuscinski

‘...A través de sus excelentes fotografías y su temperamento humanístico e inquieto, y con una muy potente expresión artística, Bertien van Manen muestra algo por lo que historiadores, escritores, sociólogos y expertos en ciencias políticas discuten, que existen por lo menos dos Rusias. Hay una Rusia oficial, imperial y externa, conocida por todos por los titulares de los periódicos, y otra, la oculta y pobre Rusia de la gente anónima y ordinaria y cuya conmovedora y reveladora existencia retrata el álbum de Bertien van Manen.’

GALERÍA

A HUNDRED SUMMERS, A HUNDRED WINTERS(1994)

BERTIEN VAN MANEN Reflexión | Heidi Berlín

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Unión Soviética.

Bartien usa una económica cámara instantánea para tomar fotos de la gente que conoce, con ellas siente que las personas fotografiadas en cuestión la consideran como “una turista o una amiga, a la que le gusta tomar fotos”. Ha fotografiado extensivamente en China, en los Montes Apalaches (EEUU) y en la antigua

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El trabajo de Bertien van Manen ha sido expuesto en numerosas exposiciones individuales y grupales incluyendo el Museo de Arte Moderno (Nueva York), The Photographers Gallery (Londres) y el Fotomuseo Winterthur.

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Van Manen, B. A Hundred Summers, A Hundred Winters (1994) | https://www.bertienvanmanen.nl/

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LA PERSUA EN EL DIS IMAG Reflexión | Heidi Berlín

“EL DISEÑO GRÁFICO ES EL PUNTO DE INTERSECCIÓN ENTRE EL ARTE Y LA COMUNICACIÓN.” PHILIP APELOIG

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HEIDI BERLÍN

AL RINCÓN DE PENSAR...

En 1923 el tipógrafo e impresor Francis Meynell escribió una obra, a la que puso por título Con 26 soldados de plomo he conquistado el mundo, en la que apuntaba una idea acerca del poder de la tipografía y por extensión, del diseño gráfico. El título que Meynell dio a su obra resultaba una vehemente declaración de principios acerca del potencial del diseño, al mostrar que la forma de adentrarse en los mayores misterios del lenguaje y de la escritura, es precisamente a través de las palabras que siguen un camino en el papel o en la página de un libro. Esa forma visible de las palabras, ese cuerpo físico cuya forma o tamaño determinará su relación con las imágenes o con el resto de elementos de una página, se consigue gracias al simbólico cuerpo de un “soldado”, una de las letras del abecedario, o uno más de los signos y elementos visuales con los que cuenta un diseñador gráfico.

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Se trata de una significativa vinculación entre la imagen y la palabra, entre la forma y su significado, que más allá de criterios compositivos y tipográficos, más allá de sus antecedentes históricos, apela al poder evocador del diseño como una expresión transformadora de la realidad que nos circunda o de la información que nos afecta y que, desde siempre, ha persistido en su empeño de “hacer visible y comprensible” todo cuanto nos importa en el ámbito de la comunicación de ideas.

Ha sido así desde sus más tempranas expresiones, tan cercanas al propio desarrollo del arte visual, del arte pictórico —y en definitiva, imbricadas con la representación y comunicación de imágenes— como a la transmisión y enseñanza de ideas de la escritura. Dos lenguajes, el visual y el escrito, que el ser humano tiene a su alcance y cuyo funcionamiento y complejidad requiere de su implicación, tanto cuando resulta ser el creador de formas y conceptos, como cuando se convierte en espectador o receptor de todos ellos. Una implicación rigurosa que exige aprendizaje, conocimiento, intuición, análisis, reflexión y una renovación constante.

Quizás por ello en estas líneas acabarán

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por señalarse ciertos puntos de inflexión que cualitativamente han impulsado nuevas visiones para el lenguaje del diseño gráfico, permitiendo su conformación como el medio con sus formas de persuasión que hoy conocemos. Aspectos todos ellos muy significativos en su desarrollo histórico y, como no, imprescindibles en la enseñanza de los procesos del arte y del diseño; bien por tratarse de avances técnicos, o bien por señalar particularidades culturales y artísticas fruto del momento histórico que las rodean. Ejemplos, pues, que remarcan los dos elementos más significativos en el devenir del diseño y su crecimiento: la imagen fotográfica, junto a la palabra impresa, pues ambas han contribuido a la configuración de los mecanismos de interpretación que operan en la percepción y comprensión actual de los mensajes de los medios: campañas de publicidad, spots, vídeos o formatos experimentales; pues todos ellos

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en sus diferentes contextos apuntan a una misma condición: informar y asombrar con ciertos indicios, deleitar para finalmente persuadir, en definitiva todo aquello que llamamos comunicación.

La impresión de letras La presencia de Meynell en el comienzo del siglo XX, permite señalar las consecuencias que ciertos procesos de impresión supusieron para la difusión de ideas.

Empezando, desde luego, con la expansión de la impresión por tipos móviles de metal a partir de Gutenberg allá por 1450-55 y la influencia de su Biblia de 42 líneas, la invención técnica más influyente para el ámbito gráfico (seguida después por la fotografía, la tecnología digital del primer ordenador y, como no, más recientemente la aparición de internet). Pero, sobre todo, sus palabras describen con claridad la implicación de los impresores y creadores de nuevas tipografías (entre el siglo XV y XX) para el continuo flujo de formas con los que la escritura se ha ido mostrando década tras década en diferentes libros y publicaciones.

Las letras, signos visuales explícitamente gráficos son representaciones visuales de palabras y sonidos. Éstas pueden llegar a modularse como un color, en múltiples matices y variaciones, donde el añadido de una porción de ‘rojo’ puede enturbiar o engrandecer un color. Su forma, su tamaño,

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la más ligera variación puede mod ificar espacial y visualmente una compos ición. Por eso sus contornos e inclinacione s permiten transformaciones con cada nueva creación en un terreno ilimitado, aunque siempre existan líneas trazadas por la “ob jetividad” de tipos clásicos que aún hoy resu lten tan familiares a la gente de a pie com o la letra Garamond, o quizás la Bembo, cuy a identidad de rasgo o serif acepta con normalidad cualquier lector en un libro de bol sillo con una maqueta a semejanza todavía de las páginas de los antiguos códices miniados, aunque no repare en ello. No es de extrañar, pues, la aceptación de ciertos elementos gráficos constitutivos tam bién de la escritura occidental y ciertas con venciones reproducidas en cualquier proces ador de textos o las pautas marcadas que seguimos a la hora de redactar una carta com ercial.

Algunas de esas pautas son ado ptadas por la sociedad cuando medios de com uni-

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1 La presencia de grandes iniciales capitulares en los textos generaba un problema gráfico de integración de tamaños resuelto con el principio grafico llamado diminuendo, consistente en la disminución progresiva de la escala de la información gráfica: las primeras letras de la palabra INITIUM crean un gran monograma, a la doble gran inicial le sigue en tamaño decreciente otra inicial, las últimas cuatro letras de la primera palabra, las siguientes dos palabras y, por último el texto.

2 Pautas desarrolladas con gran belleza durante el Renacimiento por impresores y artistas como Aldus Manutius, Alberto Durero, Anton Koberger, Robert Estienne o Geoffroy Tory entre otros.

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cación mayoritarios las proclaman en sus ediciones, y las determinan con rigor en sus libros de estilo, pues el espectador es instruido en la lectura y comprensión de los mensajes. De ahí su enorme importancia (o su enorme perjuicio en caso contrario) y la necesaria corrección lingüística que en todos ellos debería guardarse por ser intermediarios de la información. Algo extensivo a los diseñadores gráficos cuya influencia a la hora de modelar y comunicar conceptos culturales se vincula a su trabajo, por su habilidad para visualizar ideas, activar espacios, intuir proporciones; y todo ello fruto de una meticulosa atención por el detalle. Algo semejante a la capacidad resolutiva mostrada bastantes siglos atrás por los copistas de manuscritos al concebir y aplicar el llamado “diminuendo” en la cabecera de algunos textos y que instruía también en la lectura utilizando los esquemas de página con pautas ciertamente visuales1.

El establecimiento de criterios visuales

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ha ido entrelazado en cada época con las circunstancias históricas y con las premisas culturales impuestas en el contexto. Así la reproducción del modelo de página tradicional de los códices medievales tomado por Gutenberg y otros impresores2 instauró una estructura simétrica basada en la construcción de márgenes y el equilibrio estático para la edición impresa, remarcando un diseño puesto al servicio del lenguaje y su lectura. Una configuración sólo renovada de forma contundente al introducirse en ella un nuevo elemento visual, con mayores posibilidades que los ornamentos o pequeñas ilustraciones: la fotografía y sus opciones de reproducción.

El lenguaje fotográfico La adopción de la técnica fotográfica, en sustitución de las ilustraciones de autor, por parte de la gran mayoría de periódicos y publicaciones de los años 20 da buena cuenta de la amplia acogida que tuvo una técnica que ofrecía versatilidad y veracidad para sus noticias. No sólo el público obtenía mayor realismo en la descripción o narración de los textos, sino que muy pronto los editores y diseñadores percibieron el potencial evocador de la imagen al servicio diario de la comunicación de ideas. Así desde las primeras instantáneas de Mathew Brady (1862) en los campos de batalla de la guerra civil americana (ante-

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cedentes claros del fotoperiodismo, con un novedoso nivel de autenticidad como documento visual)3, hasta la composición estratégica de las fotografías de gran tamaño del ejercito rojo en SSSR Na Stroik3 (con dinámicas composiciones y un uso más que subjetivo del fotomontaje), resulta inevitable la evolución progresiva del lenguaje fotográfico de esos años hacia la persuasión y la sugestión, inherente a las imágenes, según el uso o la orientación de lo publicado. El mismo director de la revista Actualidad ilustrada obrera de 1934, más conocida como AIZ, alentaba su publicación de orientación comunista como freno a las masivas publicaciones burguesas en Alemania y a su visión capitalista donde no tenían cabida imágenes del proletariado.

Como Willi Muenzenberg destacaba: “Un director hábil puede falsificar cada foto y convertirla en su opuesta y puede influir en el lector políticamente ingenuo de la forma que él quiera4”. Y eso puede hacerse basándose en algo muy sencillo que su homónimo en la dirección de la revista Life, icono de las publicaciones capitalistas, también supo destacar, la máxima de que “el lector modelo tiene el deseo no sólo de ver y ser sorprendido sino también de ver y ser instruido5”.

El papel político de SSRS Na Stroike, e ideológico de AIZ, no hace sino resaltar la convulsa situación política que vivía Europa en esas primeras décadas del siglo y la gran influencia que tienen esas circunstancias históricas sobre las manifestaciones artísticas que alumbran (pintura, escultura,

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3 Brady recorría los campos con un salvoconducto personal prendido en su solapa: una nota que decía Paso a Brady. Lincoln. La iglesia de Dunker y los muertos, de 1862, fue tomada tras la sangrienta batalla de Antietam. El énfasis del subtítulo para documentar la ferocidad de la contienda resulta claro: “el maíz verde parecía como si hubiera sido golpeado por una tormenta de granizo ensangrentado”.

4 Entre 1930 y 1941, la revista fue publicada en cuatro ediciones (soviética, francesa, alemana e inglesa) con el nombre de USSR In construction, como plataforma editorial internacional para la difusión de los logros sociales y económicos del pueblo soviético. Diseñadores como Rodchenko o El Lissitzky fueron algunos de sus artífices. Cerró sus puertas a causa de la segunda Guerra Mundial y retornó —ya con menor éxito— bajo el nombre de Soviet Unión en 1949.

5 William Owen (Diseño de revistas, Barcelona, Gustavo Gili, 1991, pág.

36) recoge estas declaraciones de sus fuentes originales respectivas; W. Muenzenberg: Der Arbeiter-Fotograf, 1931 y el programa de Life (escrito por Henry Luce) reproducido en L. Wainwright: Life, The Great American Magazine, New York, 1986.

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arquitectura, diseño…). Sin embargo, de un periodo de conflictos y de una posguerra que promueve el traslado al continente americano de buena parte del talento europeo surge una interesante interrelación de estilos. Los recortes fotográficos y la organización racional de la ilustración y la maqueta, ampliamente difundidos por las publicaciones europeas más modernas, son retomados magistralmente por una figura incipiente, la del director de arte, en publicaciones americanas, hasta el punto de profesionalizar y hacer rentable la edición periódica de revistas en Estados Unidos, que nunca antes habían llegado a ser proyectos tan sofisticados.

M. F. Agha fue un claro innovador a la hora de captar la sinergia entre el diseño y la redacción de textos (entre lo visual y lo escrito). Una sensación de proyecto editorial lograda gracias a introducir cambios en la maquetación interna de la página, como simplificar y sistematizar la tipogra-

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fía en Vanity Fair a comienzos de los años 30, utilizando una variante del tipo Futura de Paul Renner para encabezamientos, titulares y contenidos; pero sobre todo por su visión de aprovechar el paisajismo de la doble página, donde sus imágenes sangradas (una novedad en Estados Unidos) traspasaban el margen central. Un uso innovador de la fotografía, en estos años comercial y publicitaria, desarrollado magistralmente en las décadas siguientes por otros directores de arte en revistas paradigmáticas del diseño norteamericano, como Harper’s Bazaar, Fortune, Vogue o Esquire.

En las portadas de ésta última, es donde el diseñador George Lois ejerció su talento para persuadir a la gente a participar en fotografías cuyo resultado, además de contundente, era siempre audaz e irreverente.

Una marca identificativa de la casa donde la fotografía, a modo de cartel, persuadía al lector con lecturas de doble plano;

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como ver a Muhammad Alí en el número de abril de 1968 asaetado por flechas como un mártir religioso (San Sebastián) tras haber sido despojado de su título mundial al rechazar su reclutamiento militar por razones de conciencia. Un uso de la imagen y de sus significados asociados que exige de la participación del espectador en desentrañar el juego visual: analizar lo que se ve, para entender lo que no se ve; un símil visual adecuado en este caso a las estrategias de comunicación de mensajes o reclamos publicitarios.

tros argumentos (en este caso, argu mentos gráficos): la llamada elocutio.

Sin embargo, a pesar de la abruma dora presencia del elemento fotográfico en la publicidad o el diseño actual, exis te de forma análoga una fuerte estructu ración del lenguaje gráfico, procedente de la tradición del racionalismo europe o, que se La tipografía como imagen constituye a partir de uno de sus preciados paradigmas: “la forma revela el conteniEsta utilización de recursos visuales y do”. De la asimilación de este con cepto, verbales con el pertinente nivel elocutivo, observado en la actualidad más que como se enmarca dentro de la función persuasiva norma, como condición o punto de partidel diseño y la publicidad. Los medios de da, fluye una línea gráfica que obs erva los masas han hecho que la función comuniaspectos más formalistas del leng uaje y la cativa y persuasiva de la antigua retórica visibilidad de la tipografía conver tida en clásica se verifique actualmente no sólo imagen. Uno de los muchos cartele s que en en el lenguaje escrito, sino que además se la década de 1930 fueron pionero s en estas desarrolle extraordinariamente en el ámdirectrices de organización visual (y que bito de la comunicación visual, resaltando desarrollaría el estilo tipográfico internaesa posibilidad concreta que ofrece para cional en los años 50), es el crea do por el escoger las palabras o los recursos más suizo Max Bill con motivo de la exp osición convenientes para la expresión de nuesde arte africano (Negerkunst) cele brada en Munich en 1932. En él, la con strucción jerárquica de elementos geomét ricos organizados con un orden absoluto, la división espacial y el uso del tipo, como ordenación del esquema compositivo basado en la síntesis y el equilibrio, resultan fam iliares y perceptibles como precedentes históricos clave de la línea gráfica que en las últimas

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dos décadas ha desarrollado profusamente el concepto de “letra como imagen”.

Como, por ejemplo, la publicación de los años 90 Fuse, cuyas portadas sirven de incentivo de lo que sus especiales monográficos contienen: una tipografía testada y experimentada por algún diseñador que da lugar a un ejercicio de autor eminentemente plástico que juega con las formas más visuales de la palabra y de los signos. En el especial titulado Superstición, la promoción y la experimentación de un determinado tipo de reciente creación sirve al diseñador invitado para mostrar la

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co ha variado a además, y eso tampo ro Pe mo có tra es mas, y mu , el creador gráfico versatilidad de sus for la luz de estos ejemplos la es , ca ráfi og fot en el (el de la signial prescindir de la imag bién opera en otro niv tam rilia cu pe as as mism canismos de capletra quien ostenta es ficación), al utilizar me la a , go lue e sd de s, as persuasivos y dades visuales; gracia ión de la atención, lem tac l ita dig ía log la tecno as que le permiten inestimable ayuda de otros muchos esquem tas en mi rra he n co del modo y su potencial creativo nicar ideas y conceptos mu co ica án org n formació rtante, lo que no que favorecen la trans más efectivo. Lo impo a un no o a se , no sig de disponer cada de cualquier forma o mbia, es la necesidad ca . ico íst gü cado lin en, una especie de palabra con un signifi elemento según un ord los ran pa se e qu os ique mediante la A pesar de los 70 añ pa clarificador que ind ma en ar br lum vis de es fácil la escala o la textura dos últimos ejemplos ja imagen, el color, ba tra ien qu e de ier to qu en diseñador ellos el interés y el tal textos aquello que el los is tes sín la y ficación renda. De esa forpara hallar en la simpli que el espectador comp ssu e qu el bre so o tiv deleitar a quien un elemento significa , el diseño, además de ma ue niq mu co e fico qu o así la llamada tentar un armazón grá lo observa, promoviend ía dr po í As s. do ca tética (implícita eficazmente sus signifi periencia o emoción es ex en s nto r los pu ión artística), activa concluirse tras analiza a cualquier manifestac s de ído tra ex , los mp eje e hace siglos: la de común de todos los máxima función desd su en y ho e qu o l diseñ le el mundo de las la historia del arte y de hacer más comprensib ca ráfi og fot ia nc se pre día la elección de la ideas… sa o la resolución junto a la palabra impre basados exclusivade elementos gráficos ón tipográfica, forma mente en la composici decisiones que un diparte del conjunto de para adecuar ciertos señador gráfico toma contenido que preaspectos formales al cisamente en ellas tende transmitir; es pre nfigura su propio donde discurre y se co discurso plástico.

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