Rembrandt. impresiones de un genio

Corporaci贸n Cultural de Las Condes Avenida Apoquindo 6570 Espacio Arteabierto de Fundaci贸n Ita煤 Avenida Apoquindo 3457

Rembrandt en Las Condes Rembrandt: Impresiones de un Genio Rembrandt grabador Temas religiosos GĂŠneros y Temas libres Retratos

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Rembrandt en Las Condes Desde hace algún tiempo, nuestro país –y particularmente nuestra comuna- ha logrado insertarse en el circuito internacional. Su infraestructura y gestión le ha permitido tomar contacto con importantes centros mundiales y llegar a acuerdos para el intercambio de manifestaciones de diversa índole.

En el ámbito cultural, la construcción de un teatro de estándares internacionales y la implementación de salas de exhibición según las exigencias de la museografía contemporánea, ha posibilitado que obras de trascendencia intercontinental se divulguen desde Las Condes hacia la comunidad, la ciudad y el país. Esto, más allá de la importancia inherente que representa, es un aporte concreto para el desarrollo cultural de Chile y la creación de nuevas audiencias.

Particularmente, la muestra Rembrandt. Impresiones de un genio que se exhibe en forma paralela en las salas de la Corporación Cutural de de las Condes y en espacio Arteabierto de Fundación Itaú, constituye una excepción en el medio local, puesto que esta es la primera vez que una exposición completa de un autor de esta magnitud llega a nuestro país. Rembrandt es considerado uno de los máximos exponentes del barroco europeo y a su conocida labor de caballete, se suma una basta creación impresa, trabajada a través de diferentes técnicas de grabado. Esta exposición –gestionada y producida- por la Corporación Cultural de Las Condes, revisa las diferentes técnicas y géneros por los que atravesó la obra gráfica del genio holandés y permite al público apreciar por qué el autor del siglo XVII es un maestro universal, cuyo tratamiento de la luz y las sombras ha trascendido a toda la historia del arte occidental.

La iniciativa se concretó con la participación de la Fundación Itaú, entidad comprometida con el quehacer cultural, que siempre se ha mostrado dispuesta a colaborarnos en los diferentes proyectos emprendidos en esta área por la Municipalidad y su corporación cultural.

Francisco de la Maza Chadwick Alcalde Municipalidad de las Condes

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Rembrandt: impresiones de un genio Es un orgullo estrenar en Chile la muestra “Rembrandt: Impresiones de un genio”, compuesta por un total de 68 grabados de este gran artista holandés, en conjunto con la Corporación Cultural de Las Condes.

Esta iniciativa se enmarca en los esfuerzos que Fundación Itaú ha realizado por presentar en nuestro país exposiciones inéditas con trabajos de destacados creadores como Pablo Picasso, Andy Warhol y Francis Bacon, brindando al público chileno la posibilidad de ver y apreciar obras originales de algunos de los más destacados artistas del mundo.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, artista holandés del Barroco, es considerado uno de los máximos representantes de la historia del arte occidental, y posiblemente no exista pintor que haya igualado a Rembrandt en su utilización de los efectos del claroscuro, la incorporación de fuertes contrastes entre luz y sombra. Fue un intérprete excepcional de la naturaleza humana y un maestro de la técnica, no sólo pictórica sino también del dibujo y el grabado. Su obra produjo un gran impacto en sus contemporáneos e influyó en el estilo de muchos artistas posteriores.

La mayoría de sus obras son barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante, característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. De los numerosos géneros que cultivó, el retrato / autorretrato fue uno donde más brilló su talento de maestro barroco. Otra temática importante de su obra fue el arte sacro, especialmente las escenas bíblicas, en las que muchas veces los contrastes lumínicos juegan un papel fundamental. En este contexto, realizó magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos habituales en su tiempo. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus principales creaciones de este género unas obras llenas de vida y de genio. Ambas secciones temáticas están representadas en este catálogo, junto a una tercera, compuesta de estudios y desnudos.

Respecto a su técnica como grabador, Rembrandt trabajaba directamente sobre el barniz que cubría las planchas con una punta de grabar, a menudo sin boceto previo y, una vez que con la mordida del aguafuerte había conseguido crear la imagen, la retocaba y completaba con la punta seca y el buril. También estampaba pruebas con tintas y papeles diferentes, hasta lograr asombrosos efectos lumínicos, espaciales y compositivos y, de esta manera, profundizar en su significado simbólico. A diferencia de las pinturas, los grabados se caracterizan por la mayor importancia que se da al claroscuro, y por un tamaño más reducido.

Esperamos que disfruten esta oportunidad de conocer más acerca de uno de los mayores maestros del Barroco y gran experto en la técnica del grabado.

Boris Buvinic G. Presidente Fundación Itaú Chile

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REMBRANDT GRABADOR Rembrandt van Rijn, nace en la ciudad holandesa de Leyden el 15 de julio de 1606. Su obra atraviesa cuatro etapas de evolución, la de juventud en su villa natal, de 1625 a 1631, el primer periodo de Amsterdam, de 1632 a 1639; el segundo periodo de Amsterdam o etapa intermedia, entre 1640-1647; y el último periodo hasta su muerte el 4 de octubre de 1669.

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La producción de Rembrandt no puede someterse a clasificaciones estilísticas rígidas, pues está en permanente evolución y transformación, aunque podemos establecer algunas características propias del autor que se mantendrán como elemento determinante en su obra. Una portentosa técnica que deriva de su honda penetración en la condición humana, sobre todo a la hora de mostrar los rasgos del carácter y el interior de los individuos y, la importancia del claroscuro como expresión técnica favorita.

Su tendencia por lo natural, le lleva a penetrar en imágenes de tintes románticos y gusto por lo pintoresco, que le aleja del ideal clásico, pero que, al mismo tiempo, le aproxima hacia un interés psicológico por el mundo de los sentimientos humanos, y más tarde, por una profunda religiosidad.

Su constante evolución se percibe desde sus inicios. Durante la primera etapa, asimila y supera con rapidez las lecciones aprendidas de su maestro Pieter Lastman. Comienza a advertirse ya su técnica única y prodigiosa, con texturas de empastes que arañan la pintura y su investigación con la luz, de tal modo que logra una perfecta integración de la figura en el espacio que la rodea. Su vida en Ámsterdam le proporciona un mayor conocimiento de la pintura barroca europea, y aprende la composición en grupo, la caracterización de los individuos, la potencia del claroscuro en combinación con la sutileza atmosférica y la unión dramática entre tensión pictórica y psicológica.

Durante el periodo intermedio, Rembrandt, realiza obras que oscilan entre las tendencias barrocas flamencas, próximas a Rubens y el clasicismo de la escuela romana. Su habilidad le lleva a reinterpretar ambas, pero a partir de 1648, según Jacob Rosemberg, especialista en la obra del autor, el clasicismo se impone y adquiere prioridad. No en la medida del más puro clasicismo barroco, sino en su aplicación de un claroscuro cada vez más intenso y en una técnica pictórica cada vez más fluida. Rembrandt, madura desde la tensión emocional y dramática del periodo anterior, hacia la serenidad y la calma.

Este cambio viene propiciado por las circunstancias personales que rodean al artista, un cambio de gusto en la pintura, desde 1640 y una pérdida de clientela. Sin embargo es el periodo en el que culmina todo el arte de Rembrandt, convirtiéndolo en uno de los artistas más extraordinarios y profundos del arte europeo de todos los tiempos.

Todas estas características son mostradas por el autor, no solo en la pintura y el dibujo, sino también en la obra gráfica.

Rembrandt realizó grabados durante buena parte de su carrera, con técnicas y temáticas diversas. Poseyó una magnífica colección de grabados de Mantegna, Hercules Segers, Giovanni Benedetto Castiglione, Tiziano, Rafael y Rubens, quienes pudieron ejercer cierta influencia sobre su obra impresa. También coleccionó, obras de arte, objetos curiosos y estampas de Schongauer, Durero, Cranach, Van Dyck, Mantegna, Carracci, Reni, y Ribera.

Su importancia dentro del mundo del grabado es bien temprana, fueron sus aguafuertes los responsables de la reputación internacional que disfrutó durante su vida y cuyos comentarios como el de 1660 del gran pintor italiano Guercino, lo tachaban de “gran virtuoso”. En los mismos años, también el inglés John Evelyn alude en 1662, en su Historia del grabado, al “incomparable Rembrandt, cuyos aguafuertes y grabados al buril dan prueba de un ingenio absolutamente singular”.El teórico Baldinucci Filippo escribió, en 1686, Progresso dell’arte e Cominciamento dell’intagliare un rame, una de las primeras historias generales de grabado.

En su libro sobre la “vida” de los grabadores más importantes italianos, franceses, alemanes, neerlandeses y flamencos, nombra a Rembrandt. El trabajo de Baldinucci incluye una vida del artista basada principalmente en la información proporcionada por sus coetáneos y critica su obra por su fuerte naturalismo frente a los ideales clásicos.

Aún así, para los europeos de los tiempos de Rembrandt, una impresión o un grabado era la manera en la que se satisfacía la curiosidad por lugares distantes, se difundía el conocimiento y se aprendía en temas y técnicas nuevas de arte. El artista combinó la forma de comunicación y difusión más importante del siglo XVII, con el disfrute estético. Para ello utilizó la ilustración de libros y hojas sueltas.

Sus primeras impresiones se conocen desde 1626, hasta el momento en que, por dificultades económicas, vendió su taller de estampación y cesa su producción en 1665. Tan sólo durante año el 1649 no produjo obra alguna. De su primera época, quedan escasos grabados, destaca el Descanso en la huida a Egipto, realizado con veinte años, que presenta tanto su inexperiencia, como su interés por el medio. Con anterioridad a Rembrandt, la técnica del grabado no fue usada por los artistas pintores, eran los grabadores, tratados como artesanos, quienes lo realizaban. Rembrandt dignifica el trabajo y la labor del grabado, enfocándolo en un concepto

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pictórico. No solo por la libertad técnica con que lo utiliza, sino porque también realizaba todo el proceso de estampación. Se sabe que estampó personalmente, al menos, los primeros estados de cada plancha. En sus inicios, la técnica de grabado se apoyaba en el dibujo, pero pronto comenzó a desarrollar una estética más próxima a la de su pintura, combinando masas de líneas y mordidas de ácido sucesivas para alcanzar distintos niveles de profundidad. Antes de 1640 reaccionó contra este estilo y recuperó una técnica más sencilla y con menos mordidas.

El grabado se convirtió en el instrumento flexible de su arte y era frecuente que experimentara sobre las placas, ya trabajadas. Supo descubrir y explotar las posibilidades de la estampa que, a partir de la plancha de cobre original, de la matriz, admite modificaciones sucesivas en la imagen: los estados.

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Rembrandt utilizó el proceso tradicional, del aguafuerte trabajando directamente sobre una placa de metal, generalmente de cobre, para crear su diseño, cubierta de resina. Practica cortes en las líneas de su superficie, realizados con una fina varilla de acero en diagonal afilada, llamado buril. El exceso de metal tirado al lado del surco por el buril se raspa cuidadosamente antes de que la placa se entinte y se imprima. En el grabado, la placa se cubre con una capa protectora de resina. El artista rasca el diseño a través de la resina con una aguja y la placa se sumerge en un baño de ácido, que “muerde” el metal donde la resina se ha eliminado. La acción del ácido produce líneas un poco irregulares. Rembrandt no considera esto como un inconveniente, sino un reto. Utiliza el buril y la punta seca, el primero para dar más vigor a sus aguafuertes y la segunda para acentuar las sombras, basándose en los negros intensos y aterciopelados.

En el grabado o grabado la imagen se invierte, la derecha, en la placa, se convierte en la izquierda en la hoja impresa de la misma. La mayoría de grabadores tenían muy en cuenta esto, mediante la inversión de sus diseños en el momento de la transferencia de sus dibujos preparatorios a la plancha. A Rembrandt, no le preocupaba, le interesa más la calidad que la precisión de su trabajo. Así, en algunos de sus autorretratos grabados le muestran trabajando con la mano izquierda, al igual que las firmas que aparecen inversas.

A partir 1630, y ya en su madurez, Rembrandt improvisa sobre la plancha, experimenta con efectos de impresión y utiliza diferentes tipos de papeles, como el papel japonés, o el papel vitela .En ocasiones, utiliza otros papeles (china, pergamino o papel europeo ) para crear diferentes resultados a las imágenes impresas. También experimenta la técnica de punta seca

con mayor habilidad, para conseguir mayores posibilidades estéticas. Por encima de todo, el gran don de Rembrandt como grabador consistía en un sentido de la espontaneidad, mientras que escrupulosamente atendía el detalle. En su última etapa, entre 1650 y 1661, evolucionó hacia un estilo más sintético, concentrándose en representar la esencia del objeto y eliminando lo superfluo para representar exclusivamente la simplicidad de formas y el rigor de la composición.

En el curso de su carrera Rembrandt llegó a realizar cientos de impresiones, se considera que aproximadamente, doscientas noventa placas. El autor editaba sus propias estampas liberándose de los patrocinadores y mecenas. A través de su obra gráfica conjuga sus expresiones emotivas con las interpretaciones del natural, importándole más la sensación y el movimiento que la perfección formal. En ocasiones, incluso, más que la terminación de la misma obra. Los grabados de Rembrandt alcanzaron gran celebridad durante su vida. Llevó la técnica del grabado hasta sus últimas consecuencias y utilizó todos los medios a su alcance para lograr líneas de una expresividad extraordinaria.

Comisaria exposición Rosa Perales

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temas religiosos Un tercio de sus grabados tratan temas religiosos, con múltiples variantes sobre temas bíblicos y la vida de Cristo, en su infancia y en la Pasión. El tratamiento técnico oscila entre lo simple hasta lo monumental.

Si inicialmente predomina el dibujo sobre la emoción, con el tiempo su obra tiende a una profunda religiosidad y serenidad artísticas. Como en casi toda ella, Rembrandt se acercó a este tema con gran calidez, mostrando la Sagrada Familia, no en la forma tradicional de icono, sino como una familia cotidiana, María, alimentando al hijo y José, a menudo relegado a un segundo plano, protagonizando escenas cotidianas.

Entre 1648 y 1650 realiza su grabado más famoso, el Sermón de la Montaña, llamada popularmente La estampa de los cien florines, porque un coleccionista estaba dispuesto a pagar esa cantidad por él y lo considerada una “obra crítica en mitad de su carrera”. Es modelo de unidad compositiva y atmosférica, basada en los contrastes de luz y sombra con tonos intermedios, y una profunda religiosidad que lo impregna todo. Se pone de manifiesto en esta obra su capacidad como dibujante, tanto por la rapidez y penetración aguda de la visión, como por la capacidad de síntesis y por la unión de economía de medios y expresividad.

Otras de las obras cumbres de Rembrandt es La resurrección de Lázaro, estampada en 1632. Es una de las estampas del artista de mayor tamaño, y muy teatral. La composición de Jesús y la escena, intensamente barroca, no eran frecuentes en su obra. Es probable la influencia de las pinturas barrocas de Rubens que afectaba también a sus coetáneos, como su gran rival Jan Lievens en idénticas composiciones. Este tipo de escenografía se aleja de sus composiciones íntimas y de tratamiento individual y se aproxima más a una puesta en escena teatral que a una emoción religiosa.

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LA CIRCUNCISIÓN {1630 c.} 88 x 64 mm Aguafuerte y puntaseca

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LA DISPUTA DE CRISTO CON LOS DOCTORES {1630} 89 x 68 mm Aguafuerte

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RESURRECCIÓN DE LÁZARO {1632} 366 x 258 mm Aguafuerte y buril

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LA DEPOSICIÓN DE LA CRUZ {1633} 530 x 410 mm Aguafuerte y buril

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EL MANTO DE JOSÉ ENTREGADO A JACOB {1633} 107 x 80 mm Aguafuerte y puntaseca

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LA HUﾃ好A A EGIPTO {1633} 89 x 92 mm Aguafuerte

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JOSÉ Y LA MUJER DE PUTIFARO {1634} 90 x 115 mm Aguafuerte

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CRISTO Y LA MUJER DE SAMARIA ENTRE LAS RUINAS {1634} 123 x 106 mm Aguafuerte

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EL TRIBUTO EN DINERO {1635} 73 x 103 mm Aguafuerte

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CRISTO CONTRA LOS USURPADORES DEL TEMPLPO {1635} 136 x 169 mm Aguafuerte

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LA CRUCIFIXIÓN {1635} 95 x 67 mm Aguafuerte

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LAPIDACIÓN DE SAN ESTEBAN {1635} 95 x 85 mm Aguafuerte

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EL RETORNO DEL HIJO PRÓDIGO {1636} 156 x 136 mm Aguafuerte

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PRESENTACIÓN EN EL TEMPLO {1636} 213 x 290 mm Aguafuerte y puntaseca

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ABRAHÁN ACARICIA A ISAAC {1637} 116 x 89 mm Aguafuerte

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JOSÉ CUENTA SU SUEÑO {1638} 110 x 83 mm Aguafuerte

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LA MUERTE DE LA VIRGEN {1639} 409 x 315 mm Aguafuerte y puntaseca

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LA DECAPITACIÓN DE SAN JUAN BAUTISTA {1640} 129 x 103 mm Aguafuerte y puntaseca

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COMUNICADO DEL ÁNGEL A LA FAMILIA DE TOBIAS {1641} 103 x 154 mm Aguafuerte y puntaseca

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CRISTO CRUCIFICADO JUNTO A DOS LADRONES {1641} 136 x 100 mm Aguafuerte y puntaseca

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EL BAUTISMO DEL EUNUCO {1641} 178 x 213 mm Aguafuerte

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SAN JERÓNIMO EN LA HABITACIÓN OSCURA {1642} 151 x 173 mm Aguafuerte

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RESURRECIÓN DE LÁZARO {1642} 150 x 114 mm Aguafuerte

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ABRAHÁN E ISAAC {1645} 157 x 130 mm Aguafuerte y buril

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ESTAMPA DE LOS CIEN FLORINES (detalle principal) {1649} 144 x 76 mm

Aguafuerte, puntaseca y buril

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REPOSO DURANTE LA FUGA EN EGIPTO: NOCTURNO {1651} 92 x 59 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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LA HUIDA A EGIPTO (nocturno) {1651} 127 x 110 mm Aguafuerte y buril

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LA ESTRELLA DEL REY MAGO {1651 c.} 94 x 143 mm Aguafuerte y puntaseca

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LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES, nocturno {1652 c.} 148 x 198 mm Aguafuerte, buril y puntaseca

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LA DEPOSICIÓN DE LA CRUZ CON LUZ DE ANTORCHA {1654} 210 x 168 mm Aguafuerte, buril y puntaseca

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CRISTO Y LOS DOCTORES {1654} 95 x 144 mm Aguafuerte

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LA HUIDA A EGIPTO {1654} 93 x 144 mm Aguafuerte y puntaseca

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CIRCUNCISIÓN EN EL ESTABLO {1654} 94 x 144 mm Aguafuerte

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LA ADORACIÓN DE LOS ASTORES CON CANDIL {1654 c.} 105 x 129 mm Aguafuerte

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LA VIRGEN Y EL NIﾃ前 CON GATO Y SERPIENTE {1654} 95 x 145 mm Aguafuerte

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AGONÍA EN EL JARDÍN {1657} 111 x 84 mm Aguafuerte y puntaseca

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CRISTO Y LA MUJER DE SANTAMARÍA {1658} 125 x 160 mm Aguafuerte y puntaseca

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JOSÉ Y PEDRO CURAN A UN MENDIGO EN LA PUERTA DEL TEMPLO {1659} 180 x 215 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

géneros y temas libres Rembrandt mostró siempre, a lo largo de su vida, un interés especial por los tipos humanos, sus situaciones y el entorno psicológico en el que se movían. En la temática de género, destaca su gran sentido de la humanidad, evidente en la representación, de manera un tanto satírica, de un grupo de pequeños y marginados muchachos, realizados en la década de 1620. En estos grabados estaba influido, considerablemente, por las obras del gran grabador francés contemporáneo, Jacques Callot.

Callot, que había vivido la Guerra de los Treinta Años, había realizado una serie de grabados sobre mutilados y mendigos, para mostrar los horrores del conflicto. Estas obras despiertan en Rembrandt un sentimiento de ira por la difícil situación del hombre, y es evidente que él se identificó con ello. En una hojas de grabado de estudios, en torno a 1630, aparecen las cabezas de un anciano y una mujer, una pareja de mendigos cojeando con muletas… En cuanto a su técnica en este campo utiliza los procedimientos variados, porque supo adaptarse fácilmente al lenguaje gráfico, y aunque dominaba el buril y era un experimentado grabador, el valor fundamental de su obra calcográfica es la libertad técnica.

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VIEJA MENDIGANDO {1630} 103 x 46 mm Aguafuerte

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MENDIGO CON PIERNA DE PALO {1630 c.} 112 x 66 mm Aguafuerte

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LOS MÚSICOS AMBULANTES {1635} 138 x 115 mm Aguafuerte

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TRES ROSTROS DE MUJER, UNA DURMIENDO {1637} 143 x 97 mm Aguafuerte

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EL ARTISTA RETRATA A LA MODELO {1639 c.} 232 x 184 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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HOMBRE QUE RETRATA UNA MODELO {1641 c.} 94 x 64 mm Aguafuerte

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MUJER SOBRE EL UMBRAL QUE HABLA CON HOMBRE Y UNOS NIﾃ前S (maestro de escuela) {1641} 93 x 61 mm Aguafuerte

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HOMBRE DESNUDO SENTADO Y OTRO DE PIE {1646 c.} 194 x 128 mm Aguafuerte

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DESNUDO MASCULINO SENTADO EN TIERRA CON PIERNA RECOGIDA {1646 c.} 97 x 168 mm Aguafuerte

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PAISAJE CON VACAS {1650 c.} 103 x 130 mm Aguafuerte y puntaseca

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EL BAﾃ選STA {1651} 107 x 135 mm Aguafuerte

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EL JUGADOR DE GOLF {1654} 95 x 143 mm Aguafuerte

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EL ORFEBRE {1655} 77 x 56 mm Aguafuerte y puntaseca

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LA NEGRA TUMBADA {1658} 81 x 158 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

retratos El tema de sus grabados es similar al de la pintura, aunque tiene predilección por sus autorretratos, de los cuales se conservan veintisiete, y por los retratos y paisajes de pequeño tamaño. Se le atribuyen cuarenta y siete y van a ser el modelo de definir, en tratamiento gráfico, un tema tan novedoso como el paisaje. Capta los efectos atmosféricos y su repercusión en la naturaleza circundante, con exquisito sentido de la luz y la espontaneidad. También destacan temas mitológicos y alegóricos, temas de género libre y de desnudos, entre los que se encuentran algunos de carácter erótico, que no aparecen en su pintura. Rembrandt representa los desnudos de forma directa, real, sin idealismo ni estilización al modo clásico, teniendo como referente la forma natural. El grabado que representa el desnudo titulado: “Negra Acostada”, tiene su origen en el oscurecimiento de la plancha por parte del autor. En el catálogo de la colección de A. de Burgy de 1755, el desnudo se titula Mujer durmiendo desnuda, con las nalgas al aire. No se trata de una mujer negra; la confusión se debe al modelado, creado a partir de la sombra y no de la luz y las formas plasmadas sin contornos, a base de volúmenes animados por una claridad difusa.

A los dos años de sus inicios en el grabado, Rembrandt dominaba ya la técnica y realiza una serie de retratos, entre los que destaca el de su madre, con fecha de 1628. Es un estudio de carácter penetrante, ejecutado en una red de líneas muy finas que la captura con juegos de luz, sombra y aire, de habilidad muy superior a la de su admirado Callot o de cualquier grabador neerlandés. En el total de la producción de Rembrandt durante sus años de Leiden, se aprecia un amplio muestrario de género y como característica común destaca la delicadeza del gesto, al lado de la audacia en la composición,

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LA NEGRA BLANCA {1630} 98 x 77 mm Aguafuerte

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LA MADRE DEL ARTISTA CON MANO SOBRE LEPECHO {1631} 94 x 66 mm Aguafuerte

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HOMBRE QUE GRITA {1631} 39 x 34 mm Aguafuerte

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MADRE DEL ARTISTA CON TOCADO ORIENTAL {1631} 145 x 129 mm Aguafuerte

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EL PERSIANO {1632} 108 x 79 mm Aguafuerte

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EL VIEJO CON BARBA, GORRO DE PIEL Y OJOS CERRADOS {1635} 112 x 101 mm Aguafuerte

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JAN UYTENBOGAERT, EL PREDICADOR {1635} 224 x 187 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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VIEJO QUE SE CUBRE DEL SOL CON LA MANO {1639 c.} 138 x 115 mm Aguafuerte y puntaseca

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JAN UYTENBOGAERT, EL PENSADOR DE ORO {1639} 250 x 204 mm Aguafuerte y puntaseca

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HOMBRE EN LA ESCRIBANÍA CON CRUZ {1641} 154 x 102 mm Aguafuerte y puntaseca

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EL JUGADOR DE CARTAS {1641} 88 x 82 mm Aguafuerte

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ESTUDIANTE EN LA MESA CON LUZ DE CANDELA {1642} 147 x 133 mm Aguafuerte

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JACOB HAARINGH (EL JOVEN) {1655} 195 x 146 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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JAN ANTONIDES VAN DER LINDEN {1665} 172 x 105 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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LIEVEN WILLEMSZ, VAN CÓPENLO, MAESTRO ESCRIBANO {1658} 340 x 290 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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ABRAHAM FRANCEN, FARMACÉUTICO {1657 c.} 158 x 208 mm Aguafuerte, puntaseca y buril

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