lamono #103 SILENCE

COVER:

VIVIAN MAIER

© VIVIAN MAIER/MALOOF COLLECTION, COURTESY HOWARD GREENBERG GALLERY, NY / BERNAL ESPACIO GALERÍA, MADRID.

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Š2015 Vans Inc.

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photo by : ElEmEnt advocatE frEnch frEd

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RHYTHM ×TOTAL× LOOK WWW.RHYTHMLIVIN.COM PHOTO: SARA GUIX - WWW.SARA-GUIX.COM MODEL: ANA AYUSO

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T: ALEJANDRO CINQUE F: GREGORY POULOS / GREGORYPOULOSPHOTOGRAPHY.COM

SILENCIO DE LA NECESIDADDEL RUIDO PARA NO ESCUCHAR NUESTROS CORAZONES

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Hay muchos motivos por los que callar. Uno de ellos es la necesidad de permitir que el silencio tenga cabida; para darle un espacio en un mundo que está sometido a un constante ruido. Ruido a bar en el que las interlocuciones profundas no tienen lugar. Como cuando sobran las palabras y un simple “lo de siempre” arrastra una vida entera de conversaciones, encuentros y cafés con leche edulcorados con miel de flores. Porque el silencio no siempre significa no decir nada, sino que puede tener que ver con decir lo mínimo asumiendo la confianza rutinaria del gesto de desayunar todas las mañanas en el mismo bar, rodeado de la misma gente.

Si comer es una de las acciones que te llena la boca, hay muchas otras que también nos llevan al silencio. Como por ejemplo el beso. Aunque bien podría entenderse éste como una extensión del comer, el beso sustituye a la palabra en el acto de comunicación basándose en el intercambio del flujo como mensaje. Saliva que viaja de lengua a lengua en un diálogo de retorcimientos labiales con intención de beber el oxígeno del otro. Un amor parecido al canibalismo. Como darnos un beso sabor a éxtasis semidesnudos en medio de una fiesta de bolleras.

Está todo dicho.

Pero no solo se llega al silencio llenando la boca, sino que también se puede lograr llenando los ojos. Como sucede en el cine durante la proyección de una película y eres asombrosamente consciente de la presencia de la persona que tienes sentada a tu lado. Momento en el que la tensión del afecto accidenta los movimientos con tendencia al roce entre piernas con el fin último de estrecharnos las manos en el silencio de la sala a oscuras con el suelo pegajoso de soda derramada y popcorns rebosadas y sin que nadie nos vea. Cuando el diálogo se hace tacto y con un código parecido al morse te envío declaraciones de amor pulsando tu palma con mi dedo: toque, toque, pausa, toque, pausa, toque, toque, pausa. Y te agarro bien fuerte la mano como chillando desde un cuerpo extasiadamente enamorado. Está todo diciéndose.

There are multiple reasons to remain silent. One of them is the necessity to allow silence to exist, giving it room in a world that’s constantly bounded to noise, bar noise, where deep conversations have no space. Like when words become unnecessary and a simple “as usual” can carry a lifetime full of conversations, meetings and coffees with milk and sweet honey. Though silence not always means to be quiet, it could be related with saying the least, assuming a conventional trust within the gesture of every day having breakfast in the same bar, surrounded by the same people.

If eating is one of those actions that fills up our mouths, there are many others that lead us to silence. Like kissing, for example. Though it could be understood as an extension of eating, kisses replace words when in the process of communication an exchangeable flux is the main message. Saliva that travels from tongue to tongue in a dialogue replete of lip-full encounters procured by the intention of morphing into each other’s breaths. Love with tints of cannibalism. Like kissing each other with ecstasy flavored half-naked bodies in a party of lesbians. Everything’s said.

But silence is not only achieved by filling our mouths, it can be also be accomplished by stuffing our eyes. As it happens in the theatre, through the projection of a movie, where we’re amazingly aware of who’s next to us. Moment in which, a tension secured by affection makes clumsy our moves and leads them to meet, first with our knees, aiming at last, to make our hands tie in the silent dark room, standing upon sticky moist floors and fallen popcorns, as we grow invisible to anyone else. Our dialogue becomes touch and with a code that seems Morse’s, I send you a message of love touching your hand with my thumb: touch, touch, pause, touch, pause, touch, touch, pause. And I hold you so tight, it feels like I’m screaming out loud from a body delighted by love. It’s all being said.

Tenemos claro a lo que suena un ruido: suena incómodo, suena opaco, suena a sucedáneo. Pero ¿y el silencio? ¿A qué suena el silencio? El silencio suena a vísceras, a genitales y a líquidos glandulares. Un eco de nuestros órganos sólo perceptible cuando nos tapamos los oídos. Una música semejante al vibrar del tocadiscos cuando el vinilo ha reproducido su última pista o en su respirar entre un track y el siguiente. Porque si un disco tiene 12 canciones, también tiene sus respectivos silencios igual de acompasados. El silencio suena a vértigo puesto que el dejar de escuchar el bombeo sanguíneo del corazón inserto en nuestro pecho nos recuerda que existe la muerte. Y la muerte es la madre de la afonía. Por ello que los sordomudos son seres superiores, ya que guardan el secreto del porqué, cuándo y cómo. El resto buscamos las respuestas pidiendo un minuto de silencio. Pero no nos sirve de nada, puesto que pedir un minuto de silencio es quedarnos callados eternamente. Está todo por decir.

La existencia del ruido puede tener que ver con la existencia de un otro. Deben ser causa y efecto. Una -el ruido- nace de la necesidad de comunicación con un cuerpo ajeno para crear un sistema que genere respuesta a estímulos y satisfacción de necesidades.

Necesidad del que está al lado. Pero, ¿fue primero el otro o el ruido construido para interpelar a ese otro? Y antes del ruido, ¿había silencio? ¿Y con quién se compartía el silencio? Me atrevo a afirmar que antes del ruido solo había escritura y que cuando nació el otro, nació el ruido, y con el ruido nació el amor. Porque el amor puede tener que ver con la medición del espacio. El amor es acortar distancias por la necesidad de volver a estar completos en un solo cuerpo y así recuperar ese silencio con todo el vértigo que nos provoca. Un silencio que nos aproxima a una hiperrealidad aterradora. Porque los silencios son incómodos, porque entre los silencios pasan ángeles y porque la gente las mata callando.

We all have quite clear how noise can sound like: uncomfortable, petty, opaque. But silence? What does silence sounds like? It sounds like our guts, genitals and glandular fluids, an echo of organs perceptible only when we cover our ears. Music alike the vibration produced by the turntable right after the vinyl has played its last song, or the pause that follows and precedes one track and the next. Because if an album can fit twelve full songs, it can also contain the same number of rhythmical silences. Silences that sound like vertigo, since the lack of the sound of our heart pumping blood reminds us that fate is coming with death. And death is the mother of muteness. That’s why deaf people are superior beings, since they know the secret of why, when and how, while the rest of us keep on looking for the answers in the midst of our crave for a moment of silence. But it’s worthless, since asking for a moment of silence is to remain silent forever. It’s all left to be said.

The existence of noise might be related with the existence of another.

They must be cause and effect. One – noise – arises from the necessity of communicating with an exterior being, the necessity to create an interaction that evokes a response to stimuli and the satisfaction of needs. Needs that come from the other. But, which one came first? The other or noise? Perhaps noise was built to challenge the other? And before noise, was there silence at all? And with whom was that silence quietly shared? I might just affirm, that before noise was born, there was just writing, and when the other was born, noise was born too, and it was through noise that love was conceived. Because love has to do with managing space. Love is the quest of shortening distance with the intent to be complete once again; two in one body and like this recover the silence we aim and the vertigo it brings. A silence that brings us closer to a terrifying hyperreality. Because silences are awkward and in-between them angels pass by and people kill them when they decide to shut up.

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26 © VIVIAN MAIER/MALOOF COLLECTION, COURTESY HOWARD GREENBERG GALLERY, NY / BERNAL ESPACIO GALERÍA, MADRID.

W W W.V I V IA NMA IER.COM

VIVIAN

MAIER S I L E N C I O

Estas páginas son un sentido homenaje a una de nuestras fotógrafas fetiche, que en un absoluto silencio dejó un enorme legado a la historia de la fotografía. Nacida en Nueva York, pasó 40 años de su vida trabajando como niñera en Chicago, al tiempo que desarrollaba su pasión por la fotografía. Pero sus imágenes, retratos de la vida en las calles de América, no salieron a la luz hasta después de su muerte. El historiador John Maloof adquirió en una subasta anónima hasta 30.000 negativos (la situación económica de Vivian nunca le permitió revelar los rollos de película), auténticas joyas que él se encargó de recuperar y sacar a la luz, destapando así a uno de los talentos más grandes de la fotografía del siglo pasado. El próximo mes de septiembre se inaugura en Madrid una muestra que reunirá 30 fotografías representativas de los secretos de esta enigmática fotógrafa, así como un vídeo que recoge tomas en 8 mm realizadas por la artista de transeúntes en la ciudad de Chicago.

We want these pages to be a tribute to one of our fetish photographers, someone whom in absolute silence left an enormous legacy to the history of photography. Born in New York, she spent 40 years of her life working as a babysitter in Chicago, while she practiced her passion for photography.

Unfortunately, her work, which consisted on portraits depicting life on the streets of America, did not see the light until after her death. Historian Joh Maloof acquired at an anonymous auction up to 30.000 film negatives (Vivian’s economic situation prevented her from developing them herself), true relics that he managed to restore and exhibit, showcasing one of the biggest talents within last century’s photographic scene. Next September there will be an opening in Madrid with a body of work that gathers 30 depictive photographs about the secrets of this enigmatic photographer alongside a video that gathers takes on 8mm film, images that were recorded by the artist, where the subject is the people from the streets of Chicago.

Opening ‘Portrait (self) portrait: Vivian Maier’. Wednesday 9th september. Bernal Espacio Galería. Libertad 22. Madrid.

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© VIVIAN MAIER/MALOOF COLLECTION, COURTESY HOWARD GREENBERG GALLERY, NY / BERNAL ESPACIO GALERÍA, MADRID.

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PORTRAIT (SELF) PORTRAIT DE VIVIAN MAIER SE INAUGURA EL 9 DE SEPTIEMBRE EN BERNAL ESPACIO GALERÍA - LIBERTAD 22 - MADRID

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© VIVIAN MAIER/MALOOF COLLECTION, COURTESY HOWARD GREENBERG GALLERY, NY / BERNAL ESPACIO GALERÍA, MADRID. 30

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T: TEO CAMINO

Juan Diego

VALERA Huyendo de la soledad Todo comenzó en un cuarto oscuro de un piso de estudiantes de Córdoba, Argentina. Juan se independizó a los 17 años, y cuando entró en el laboratorio que había montado su compañero en casa y vio salir las imágenes, pensó: ¡Qué manera de perder el tiempo con la pintura! Juan vive el momento, es vehemente y pasional, y así son sus fotos. Desde entonces no ha parado de disparar “a lo loco”, y de forma autodidacta ha ido puliendo su estilo sin perderlo del todo. Trabaja en analógico, tanto en Blanco y Negro como en color y sus imágenes desprenden sensualidad y una cierta confusión en parajes aparentemente comunes. Su último trabajo, el libro Diente de chucho, realizado durante una estancia de 28 días en ciudad de Guatemala y editado por Ca l’Isidret Edicions, ha ganado el premio Art Libris 2015. Ahora, Juan deambula por una montaña catalana, disparando sin cesar, buscando el silencio en compañía de la contemplación.

It all started in a dark room located in some student dorms in Cordoba, Argentina. Juan was living by himself when he was seventeen years old, and when he visited the laboratory a friend of his had built in his home and saw the images come out, he thought: “What a waste of time!” Juan lives in the moment; he is vehement and passionate, just like his photographs. Since then, he hasn’t stopped shooting, a self-taught photographer that has been perfecting his craft without losing his originality. He works with analog photography in both, black and white and color, and his images evoke sensuality and an ever-present confusion in seemingly common places. His last work, a book entitled ‘Diente de caucho’ (Rubber tooth) was conceived during a 28-day sojourn in Guatemala; published by Ca l’Isidret Edicions, it won the 2015 Art Libris prize.

Now, Juan wanders through a Catalan mountain, shooting non-stop, looking for silence; contemplation is his mistress.

www.juandiegovalera.com 33

¿Cómo entiendes la fotografía? Como una herramienta de vida. Tanto a nivel expresivo como psicológico me ayuda a entender mi existencia. Es un motor que me aporta pautas para no distraerme, ya que soy una persona muy dispersa. La fotografía me cambió la vida y soy mejor persona gracias a ella. ¿Qué significado tiene el diálogo entre el blanco y negro y el color en tus fotografías? Por mi manera de ver e interpretar los colores, soy daltónico, me siento cómodo yendo y viniendo entre el color tal y como lo veo y el blanco y negro que me remite a algo que no es natural en mí y que genera un mayor contraste en el diálogo entre imágenes. ¿Es la tuya una obra de contrastes? Mis imágenes están llenas de vida y la vida está llena de contrastes. ¿Cómo logras esa complicidad con los personajes que fotografías? En ocasiones la soledad se me hace difícil de soportar e intento huir de ella relacionándome con gente dispar, profundizando en esas relaciones y compartiendo ratos, estados de ánimo y situaciones diversas. Todo esto me estimula a documentar ciertos momentos vividos. ¿Cómo fue tu estancia en Ciudad de Guatemala?

Extremadamente intensa. Lo viví todo comprimido en 28 días en los que, por momentos, la realidad que se mostraba ante mí desnuda y sin tapujos me superaba. Fue un desafío y me dediqué a documentarlo, fotografiaba masivamente todo lo que me rodeaba. La

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mayoría del tiempo no era consciente de lo que vivía, estaba obsesionado con hacer fotos y quería poseerlo todo. Esto me ayudó a meterme en lugares y situaciones incontroladas que potenciaron un estado de desorientación. ¿Qué proceso sigues cuando estás trabajando?

Suelo guiarme por la intuición, no tengo muchas coordenadas fijas ni un guión previo. Hay una parte de mí en cada fotografía que dejo salir sin reprimirme, sin prejuicios. Trabajo con libertad para hacer lo que quiero, como quiero y sin límites. Me muevo por reflejo y disparo. Cuando hago fotos la parte cognitiva está en un segundo plano y lo que predomina es la emoción. ¿Qué explican tus imágenes? Hablan de un tipo de belleza, de desorientación, de caos y hacen un especial énfasis en instantes que yo considero extraordinarios.

Violencia, religión, sexo, arquitectura, amor, heridas, soledad, fiestas, ¿existe algún tema que todavía no hayas tratado y te gustaría documentar? Ahora estoy trabajando en otros grados de intimidad que requieren un registro estético diferente. El silencio, la contemplación y el presente son temáticas que interpretan nuevos territorios de intensidad. ¿En qué punto está este proyecto? Llevo año y medio caminando, deambulando y haciendo fotos en una montaña, y todavía no tengo claro hacia dónde irá el proyecto, ya veremos.

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EL SILENCIO, LA CONTEMPLACIÓN Y EL PRESENTE SON TEMÁTICAS QUE INTERPRETAN NUEVOS TERRITORIOS DE INTENSIDAD

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What’s photography for you? Photography for me is a tool for life. Both, as a means of expression and a psychological aid that helps me understand my existence.

It is the drive that gives me guidelines to keep myself focused, since I get easily distracted. Photography changed my life and has taken me to be a better person.

What meaning lies behind the dialogue you develop between black and white and color in your photographs? Because of the way I see and interpret colors - I’m colorblind -, I feel at ease when I’m moving back and forth in-between colors, as I see them, and black and white, which evokes in me something that is not natural and generates a bigger contrast in the dialogue happening in my images.

Is your work based upon contrasts? My images are filled with life and life is filled with contrasts.

How do you achieve such involvement with the subjects you photograph? Sometimes loneliness becomes hard to compel, so I try to avoid it relating myself with random people, delving in those relationships and spending time together, sharing states of mind and diverse situations. All these stimulate me to document lived experiences.

Tell us about your stay in Guatemala. It was extremely intense. I lived it all compressed in 28 days, during which, at times, reality presented itself naked and uncovered, overwhelming me. It was a challenge and I strived to document it, I was photograph-

ing intensely everything that surrounded me. Most of the time I was not aware of what I was living, I was obsessed shooting pictures and wanted to posses everything. This helped me get into places and situations out of my control that enhanced a state of disorientation.

Is there a process you follow when working?

Usually I let intuition guide me; I don’t have many fixed coordinates or a previous script. There’s a part of me in each photograph I capture when I’m not repressing myself, free of prejudices. I work freely in order to do what I want, how I want, without limits.

I move by reflex and shoot. When I’m shooting, my cognitive part is left in the background while my emotions take the lead.

What are your images explaining? They talk about a certain type of beauty, disorientation and chaos, and are emphatic on moments I consider extraordinary.

Violence, religion, sex, architecture, love, wounds, solitude, parties, is there any topic you still have not explored and you would like to document?

Right now I’m working on another level of intimacy that requires a different aesthetic approach. Silence, contemplation and the present moment are themes that explore new grounds of intensity.

How far along are you on this project? I’ve been walking, wandering and taking pictures of a mountain for a year and a half, and still, I’m not sure where this project is heading to, we’ll see.

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SILENCE, CONTEMPLATION AND THE PRESENT MOMENT ARE THEMES THAT EXPLORE NEW GROUNDS OF INTENSITY

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T: ÁNGEL NICOLÁS

RAFAEL GONZÁLEZ

CAPTURANDO EL SILENCIO Es muy difícil deshacerse del ruido en nuestras vidas. Siempre hace acto de presencia a nuestro alrededor y a menudo nos distrae de lo importante. Es un martilleo constante de vehículos, gente hablando, música, niños chillando, perros ladrando. Y cuando conseguimos aislarnos, ahí están nuestros pensamientos. Siempre presentes, en nuestra mente, hablándonos, rompiendo nuestra calma desde el interior. Entonces, ¿acaso el silencio es una ilusión? La respuesta es no. Ahora bien, no lo busquéis en conventos, ni en el campo, ni en una cámara acorazada. Buscadlo en el arte. En este caso en la fotografía. Capaz de congelar un instante y, por una vez, dejar completamente de lado el ruido que lo envolvía. Ni viento, ni respiración, ni el roce de las ruedas del skate con el asfalto. Como en las fotografías de Rafael González. Gracias a su habilidad como skater, es capaz de dar un aire nuevo a las fotografías de este tipo.

Se escapan de lo convencional y la tabla cobra una nueva dimensión. Viajero por naturaleza y armado habitualmente con una Leica M6, recurre al blanco y negro en sus fotografías para centrarse mejor en la composición de las mismas. Una manera de expresarse desde otra perspectiva que a nosotros nos ha cautivado y por ello hemos querido conocerle más. Porque estas serán unas imágenes por siempre bellas; por siempre silenciosas.

Getting rid of the noise that permeates our reality is a complicated task. It’s always present, surrounding us and often distracting us from what’s important. A constant hammering of running cars, crying babies, barking dogs, people talking and music everywhere. And when we manage to isolate, our thoughts come running, there they are, always latent, ubiquitous in our minds, talking to us, tearing our calmness from within. So, is perhaps silence an illusion? The answer is no. But to find it you cannot look for it inside convents, or in the countryside, much less in a vault. Look for it in the arts, more precisely, in photography, which is able to capture a moment, freezing it in time, and for once, separating it from all the noise that surrounds it. No wind, no breathes, not even the shredding sound of the wheels running through the pavement. Just like the photographs Rafael Gonzalez shoots. Thanks to his ability as a skater, this guy gives a new sense to this type of photography. They stand out from all conventionalisms; images where the board acquires a new dimension. A wonderer by nature armed with his Leica M6, he turns to black and white photography to focus further in composition.

A way of expressing thyself from a different viewpoint that has captivated us, reason why we have decided to know him a bit further, because these images will be forever beautiful; forever silent.

www.fieldsights.com

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HAY MOMENTOS DURANTE EL DÍA EN EL QUE SON NECESARIOS EN CIERTA FORMA TANTO EL SILENCIO COMO EL RUIDO, CADA QUIÉN LLEVA CONSIGO SU PROPIO RITMO.

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¿Qué te empujó a empezar en el mundo de la fotografía? Me inicié con la fotografía gracias al skateboarding y mis viajes personales. Opté por este medio como una manera de expresión y documentación de lo que vivía a diario patinando en las calles, visitando y conociendo nuevos sitios. Desde que revelé mi primer carrete y vi las fotos expuestas contra la luz supe en definitiva que era algo que tenía que seguir desarrollando y experimentando día tras día. ¿Tienes algunos referentes especialmente significativos para ti por su trabajo? Son muchos fotógrafos los cuales admiro por su trabajo y dedicación, entre algunos de ellos destaco a Fred Mortagne, Christopher Thomas, Joseph Hoflehner, Brian Gaberman, Vladimir Ríos; la lista es bastante extensa.

Hemos podido disfrutar de muchas fotografías tuyas relacionadas con el skate pero que se apartan de las típicas que solemos ver. ¿Qué buscas transmitir con tu trabajo? No sé cual es la percepción de mi trabajo por parte de la gente, sin embargo trato de expresar los diversos escenarios que vemos a diario enfocados desde otra perspectiva, haciendo saber que hay muchas formas y puntos de vista para expresar estas situaciones que muchas veces pasamos por alto debido a la velocidad con la que vivimos hoy en día.

Arquitectura-skate, skate-arquitectura. Tu obra gira un poco alrededor de estos dos mundos que irremediablemente se dan la mano. ¿Qué es lo que te atrae tanto de ellos? El hecho de ser skater y poder capturar esos momentos claves y precisos a través de la fotografía es una de las razones por la que mi obra se mueve en ese entorno. Por otra parte mediante la arquitectura, puedo experimentar infinidades de posibilidades, perspectivas y composiciones ya sean simétricas, abstractas, etc.

La mayoría de tu obra está en b/n. ¿Qué te hace sentir que no tenga el color? Me gusta trabajar en blanco y negro por el aspecto atemporal que consigo a través de este medio, además de lograr producir una imagen con menos distracciones haciendo énfasis en las composiciones, fragmentos, texturas, luces y sombras. ¿Con qué cámaras sueles disparar? Trabajo con diversas cámaras dependiendo de lo que vaya a fotografiar, aunque me gusta mucho el formato cuadrado de la Hasselblad y el panorámico de la Xpan. Últimamente suelo llevar una Leica M6 ya que es ligera y compacta, y la puedo transportar sin mayor complicación a todas partes. ¿Sueles preparar tus instantáneas o simplemente dejas que el momento decida por ti? Por lo general el momento de sacar una foto me gusta que suceda de forma espontánea y natural, sin muchos preparativos ni parámetros. Sin embargo hay veces en que, por condiciones adversas, debes proceder con metodologías para poder conseguir el resultado que deseas.

¿Qué ha sido lo más difícil a la hora de abrirte paso en el mundo de la fotografía? No lo sé, supongo que como ahora en cierto modo todas las personas son fotógrafos, se da una situación de competitividad y saturación de imágenes. También el hecho de haber aprendido de forma autodidacta implica desde luego mucha paciencia, motivación y dedicación, ensayo y miles de errores. ¿Y lo más gratificante? Lo más gratificante es disfrutar de cada instante haciendo algo que te gusta, y poder conseguir los resultados que buscas para tu obra tal y como lo habías pensado. También que el trabajo sea reconocido y apreciado por los demás es algo que motiva mucho. ¿Tus fotografías son muy cinematográficas, te atrae el mundo del cine? Desde luego me gusta el buen cine sin embargo no soy el mayor conocedor de la materia.

Me gusta fijarme mucho en los diferentes encuadres utilizados y ver si de alguna manera u otra puedo aplicarlos o tomar alguna iniciativa sobre estos, enfocados en mi trabajo.

En esta edición de la revista, el monotema es el silencio. ¿Necesitas de él para crear? De hecho no tengo ningún inconveniente con un poco de ruido a mi alrededor pero trabajar en paz siempre viene bien y creo que obtengo mejores resultados.

Entonces, ¿dónde sueles concentrarte mejor? Creo que en el laboratorio/cuarto oscuro. Allí hay que estar concentrado sí o sí, de lo contrario terminarías arruinando todo el material. ¿Qué sientes en ese segundo de silencio tras apretar el disparador y oír el click? Por lo general estoy bastante concentrado mirando a través del visor que pocas veces me percato sobre esto (risas), pero puedo mencionar que en ocasiones suele ser tensión relacionada con el momento clave de disparar, teniendo pocas exposiciones o película disponible. ¿Cuándo es importante el ruido y cuándo lo es el silencio? Creo que un balance entre ambos es la mejor recomendación. Hay momentos durante el día en el que estos elementos son necesarios de cierta forma y cada quien lleva consigo su propio ritmo. ¿Qué nuevos proyectos tuyos podremos disfrutar próximamente? Para el mes julio tengo una exposición en Barcelona en la tienda FTC, he estado metido en el cuarto oscuro todos estos días haciendo copias para la misma y, claro, estáis cordialmente invitados.

Luego en Panamá estoy trabajando con unos amigos para hacer una exhibición en el Museo de Arte Contemporáneo en el mes de septiembre. Es un proyecto bastante importante para mí y espero que dé genere a muchos más.

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What pushed you to get started with photography?

I got into photography thanks to skateboarding and personal travels. I chose it as a means of expression, as a way to document what I was living on a daily basis, skating down the streets, visiting and discovering new places. From the moment I developed my first film and saw the pictures, I definitely knew it was something I would have to keep on pursuing and practicing day after day.

Do you have any special referents because of their work? There are so many photographers I admire because of their work and dedication. Just to name some: Fred Mortagne, Christopher Thomas, Joseph Hoflehner, Brian Gaberman, Vladimir Ríos; the list could go on and on.

We’ve been able to admire many of your photographs related to skateboarding, which are not the usual, what do you seek to convey through your work? I don’t know which is the perception people have towards my work, regardless, I try to express the different scenarios we see on a daily basis from a different perspective, showing there are many viewpoints to express these situations we sometimes ignore due to the high velocity we are living nowadays.

Architecture-skateboarding, skateboarding-architecture. Your works tend to revolve around these two worlds that are indisputably tied together.

What captivates you so much about them? The fact that I’m a skaterboarder, able to capture these precise moments through photography is one of the reasons why my works revolve around this environment. On the other hand, architecture gives me the opportunity to experiment with infinite possibilities, perspectives and compositions, either if they are symmetric, abstract, etc.

Most of your work is in black and white. What does it gives you that color doesn’t? I like to work in black and white because of the timeless appearance it gives, besides, the result offers an image with much less distractions, focusing on composition, fragments, textures, lights and shadows.

With which cameras do you usually work? I work with different cameras, depending on what my subject is, though I really like the squared format the Hasselbad offers and the panoramic the Xpan has.

Lately I tend to carry a Leica M6, since it’s pretty light and compact, and I can take it everywhere without much trouble.

Do you usually prepare your work or do you let yourself go within the moment? Usually, when I’m shooting I try for it to be spontaneous and natural, without much preparation or parameters. Nevertheless,

there are times, due to adverse conditions, where you have to proceed with defined methodologies in order to achieve the result you’re seeking for.

What has been the hardest part of opening your path in the world of photography? I don’t know, I guess that, since nowadays everyone is a photographer, it’s a very competitive area, saturated with images.

As well, the fact of being self-taught implies a lot of patience, motivation and dedication, a thousand trials and errors.

And the most fulfilling? What’s most fulfilling is being able to enjoy each moment doing something you love and achieving the results you were looking for in a piece, just as you had imagined it. As well, having your work recognized and appreciated by people is a big motivation.

Your photographs are very cinematographic, are you interested in the world of films? Off course, I like good movies, though I’m not an expert in the subject. I like to pay attention to the different field sizes employed, to see if I can use them or apply them or have an initiative with them in some way on my work.

This issue’s theme is SILENCE; is it necessary for you in order to create? As a matter of fact, I don’t have any inconvenience with a little bit of noise surrounding me, though working in peace is always good and I believe it brings out better results.

So, usually where do you manage to concentrate more? I think maybe in the lab/dark room. There you have to be focused, no excuses, otherwise you can ruin all the material you have.

What do you feel in that precise moment of silence that comes after pressing the shutter and hearing the ‘click’? Usually, I’m so focused looking through the viewfinder that I’m oblivious to this (laughs), but I can say that sometimes it tends to be tension related, due to the precise moment of shooting.

When are silence and noise important? I think a balance between both is the best recommendation for our every day life. There are moments throughout the day when these elements are necessary in a certain way, and each person has its own way of managing them.

Are there any new projects coming soon for us to enjoy? In July I’m having an exhibition in Barcelona at the FTC store. I’ve been inside the dark room all these days developing copies for it and, off course, you’re all more than invited. Then, in Panama, I’m working with some friends to carry out an exhibition in the Museum of Contemporary Art during September. It’s a very important project for me and I hope it leads to many more.

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MATY: JACKET ELEMENT EDEN 52 FLOR: DRESS CARHARTT WIP

AND THIS FEELING, UNAFFECTED, WILL CONTINUE TOWARDS A REMOTE LOCATION THAT HAS NO END UNTIL IT DISAPPEARS.

BY LUIZA LACAVA WWW.LUIZALACAVA.COM

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MATY: 55 DRESS VOLCOM FLORENCIA: DRESS SCOTCH & SODA

MATY: DRESS ELEMENT 56 EDEN | JACKET VOLCOM | HAT BRIXTON FLOR: SHIRT VOLCOM | JACKET SCOTCH & SODA | PANTS: VOLCOM | HAT: BRIXTON

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MATY: DRESS VOLCOM FLORENCIA: DRESS SCOTCH & SODA

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DRESS 59 CARHARTT WIP

MATY: DRESS VOLCOM FLORENCIA: DRESS SCOTCH & SODA

MATY: DRESS RHYTHYM | BOOTS VOLCOM FLOR: DRESS CARHARTT WIP

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MATY: DENIM OVERALLS CARHARTT WIP | T-SHIRT VANS | JACKET 61 ELEMENT EDEN FLOR: JERSEY CARHARTT WIP

BOTH JACKETS: ELEMENT EDEN

SWIMSUIT RHYTHM

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T: FELIPE DUARTE

CHRIS COLE UN TIPO COHERENTE

Chris Cole lleva quince años como pro skater y, a día de hoy, sigue siendo uno de los principales exponentes de este deporte. Aunque su apariencia podría identificarse como la de un tipo duro, su mentalidad es todo menos conflictiva; Chris Cole respira amor, tanto por el skate, como por sus hijos y su mujer. Recientemente incorporado al equipo de Plan B y ya desde hace tiempo embajador de Stance, estuvo en Barcelona participando en el Street League Skateboarding, donde expuso la tenacidad de su carácter en una lucha personal que lo llevó a ganarse el respeto de todos los asistentes It’s been fifteen years since Chris Cole turned pro and, still today, he remains as one of the leading exponents in skateboarding.

Although, in appearance he might look like a tough guy, his mind is anything but contentious; Chris Cobra breathes love, for skateboarding, his children and his wife. He recently joined Plan B’s team and has been an ambassador for Stance since. Present in Barcelona to participate in the Street League Skateboarding, where we all witnessed the tenacity of his character depicted in a personal battle that led him to earn the respect of the audience, this legend demonstrated us he is more than an incredible skater: and amazing human being.

chriscobracole.com ¿Podrías explicarnos el credo “live rad and die proud” (vive radical y muere orgulloso)? En realidad, se me pidió que escribiera unas ‘palabras como filosofía de vida’ y pensé en aquello en un minuto.

Simplemente resume de qué se trata todo – la vida claro está -. No se trata de “vivir rápido y morir joven” o cualquier cosa que la gente piensa que es ‘cool’ o de ‘tipo duro’. Vivir con sentido y preocuparse por los demás, por ti mismo y por las situaciones es mucho más duro y cool.

Tras tu salida de Zero Skateboards, hace casi un año, hiciste tu propia tabla. Cuéntanos sobre ‘The Blackout’ (nombre de la tabla).

Hice ‘The Blackout’ para los skaters y las tiendas que querían mis tablas cuando no tenía nada en el mercado. No quería empezar una marca; sólo quería hacer una tabla guay. Fue divertido poder tener todo el control. Aún así, representa muchísimo trabajo y me gusta la idea de patinar para un equipo, no ser un trotamundos solitario.

Sabemos que hiciste un número específico de esas tablas, 666, ¿por qué este número? Simplemente es algo que se ajusta a mi imagen y me pareció divertido. Una tabla edición limitada completamente negra. ¿Por qué no 666?

los videos salían cada seis meses, los veías una y otra vez hasta que se rompía la cinta. Tenías una sentimiento de pertenencia sobre el vídeo y la marca. La conocías y respaldabas. Ahora parece como si nada fuese lo suficientemente bueno y todo lo que hacemos es barrido hacia un lado en busca del siguiente post. ¿Qué valores personales te han llevado hasta donde estás hoy?

Perseguir mi sueño en lugar de conformarme con tomar el camino fácil. Preocuparme por los demás. Ser amable con la gente, no por lo que ellos puedan hacer por mí, sino porque ser bueno con los demás ES la recompensa.

Con respecto al dinero, ¿qué consejos le darías a un chico que acaba de conseguir su primer patrocinador? ¡Piensa! Ve a la escuela y aprende a manejar tu dinero. No caigas presa de aquello que te hará parecer más rico, porque nada de eso importa. No te compres el auto más lujoso. El dinero en el banco está mucho mejor que en el parking. Invierte de vuelta tu dinero en las compañías de skate.

Patina para ellos, ayúdalos a crecer y así serás parte activa en tu recompensa.

Acabas de firmar con Plan B, ¿cómo te sientes? ¡Estoy muy contento! Sólo he recibido apoyo y felicidad de parte de todo el mundo al tenerme allí. Tener a los chicos patinando con mi tabla es sin duda lo más destacado.

¿Qué hace que un spot sea bueno para ti? ¿O todo se trata de la creatividad? Se trata de lo que me mueve a mí. Si hoy quiero volar, entonces salto. No quiero ser el ‘artista’ que contempla un spot durante dos días intentando descifrar ‘cómo ser diferente’. Eso resulta obvio.

¿Cuáles son los aspectos negativos y positivos que han traído los medios digitales y las redes sociales al skate? El nivel de atención de los seguidores ha disminuido hasta ser casi nulo. Antes, cuando

Viendo el video sin editar de tu 360 flip en Wallenberg, ¿después de cuántos intentos querías destrozar tu skate contra una pared?

Lo que quería era destrozarme a mí mismo contra una pared.

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TO LIVE WITH MEANING AND TO CARE ABOUT OTHERS, YOURSELF AND SITUATIONS IS SO MUCH TOUGHER AND COOLER

Tras ese truco hay una historia de amor, ¿cuál fue? Mi novia del momento (esposa ahora) y yo vivíamos en Filadelfia por ese entonces, y yo no tenía mucho dinero, por lo que iba a ser imposible traerla a California para la première del video. Jaime Thomas, quien estaba filmando y era el dueño de la compañía (Zero Skateboards), me dijo: ‘si planchas este truco hoy, traeré a Red (mi chica) para la première’. Así que lo intenté hasta que lo logré. Ambas, lograr el truco y trabajar duro por mi mujer, eran cosas importantes para mí. ¿Qué debe ofrecerte una marca para hacerte sentir como en casa?

Escuchar mis sugerencias y valorar mis contribuciones a la marca.

También tener un team manager con el cual yo pueda trabajar. Ellos son la conexión entre los riders y la compañía.

Could you explain to us the “live rad and die proud” credo?

Actually, I was asked to write down a “words to live by” and I just thought of that within a minute. It just sums up what it’s all about - life that is -. It’s not “live fast, die young” or anything that people think is “cool” or “badass”. To live with meaning and to care about others, yourself and situations is so much tougher and cooler.

Since your departure from Zero, almost a year ago, you had your own board made. Could you describe “The Blackout” board for us? The Blackout board was made to offer something to the skaters and skate shops that wanted my boards but had nothing currently on the market. I didn’t want to start a brand; I just wanted to make a board that I thought looked cool. It was fun to be able to control it 100%. All in all though, it is a lot of work and I like the idea of skating for a team and not just being some lone wanderer.

We heard you made a specific amount of those boards, 666; why that number? It just fits my image and it was funny to do. All black board in limited numbers. Why not make 666?

You just signed with Plan B, how do you feel about it? I am thrilled! I’ve been shown nothing but support and happiness from everyone there about being on. All the guys riding my board is hands down the highlight.

What are the positive and negative aspects brought by digital and social media to skateboarding? The attention span of the fans has gone down to almost nothing. When videos only came out once every six months you would watch them till the tape broke. You had a feeling of ownership in the video and brand. You knew it and stood behind it. Now it feels like nothing is good enough, and everything we do is swept aside for the next post.

Which personal values have taken you to where you are today?

Chasing my dream rather than settling into an easy path. Caring about others. Be good to people, not for what they might be able to do for you, but because being good to others IS the payback!

Money-wise, what advice would you give to a kid that just got his first sponsor? Think! Go to school, and learn how to manage your money. Don’t get caught up in what will make you look really rich,

Estamos haciendo esta entrevista poco después de tu experiencia en el Street League que se llevó a cabo en Barcelona, ¿cómo te sientes con respecto al evento? ¿Te gustó la ciudad? ¡Me pareció genial! El skatepark es muy bueno y estoy muy feliz por todos ustedes que pueden disfrutarlo. El Street League es muy divertido, nosotros nos referimos a él como ‘el campamento’, ya que todos nos reunimos durante el verano para pasarlo bien y nos quedamos con grandes recuerdos. Es como un campamento de verano.

Eres uno de los riders de Stance, ¿qué es lo que más te gusta de la marca? Ellos son increíbles. Han hecho de algo en lo que todos pensábamos más bien poco (los calcetines), una parte esencial de la vestimenta diaria. Son lo máximo, tienen el impulso y el compromiso de hacer las mejores cosas en el mundo.

cause none of it matters. Don’t buy a fancy car. Money in the bank feels way better than money in the driveway. Invest your money back into skate companies. You can ride for them, help them grow, and directly affect your payback.

What makes a spot gnarly for you? Or it’s all about creativity?

It’s about what moves me. If today I wanna fly, I’ll jump. I don’t wanna be the “artist” who stares at a spot for two days to figure out “how to be different”. That looks obvious.

Seeing the uncut video of the 360 flip down Wallenberg, after how many tries you just wanted to take the board and smash it against a wall? I wanted to smash myself against a wall That trick has a love story behind it, what was it about? My girlfriend at the time (wife now) and I lived back in Philadelphia and I didn’t have a lot of money, and flying my lady out to California for the video premiere was not gonna be able to happen. Jamie Thomas, who was filming and owned the company, said “ if you land this today I’ll fly Red (my girl) out for the premiere”. So I stayed till it went down. Both, getting the trick and working hard for my lady was important to me.

What must a brand provide to make you feel like home? They have to listen to my suggestions. Value my contributions to the brand.

Also have a team manager that I can work well with. They are the connection to the company for the riders We are doing this interview after the Street League in Barcelona, how do you feel about this event? Do you like Barcelona?

I thought it was great! The park is so good and I am really happy for you all who get to skate it. Street League is fun and we refer to it as “camp”. Since we all get together in the summer and hang out a ton and make great memories, it feels like summer camp.

You are one of the riders for Stance, what de you like the most about the brand? The brand is incredible. They’ve made something we all thought very little of (socks), into an essential part of our everyday outfit. The best part of the company though, are those behind it. They rule, and they have a drive and commitment to making the best stuff in the world.

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Jean

LABOURDETTE De cuando los sueños gritan demasiado T: MANUELA ALCATRAZ

Jean se quedó atrapado en el pasillo de una catedral Victoriana, justo antes de pasar a la antesala de la conciencia. En ese camino impreciso que nadie sabe explicar, él disfruta creando personajes con un detalle casi obsesivo, utilizando simbología que se mueve entre el más allá y el más acá. El equilibrio que logra, con personajes reales que son caricaturas grotescas cargadas de sabiduría, provoca en el espectador un segundo de silencio que se dedica por completo a cambiar el tiempo mental, para viajar al pasado desde el futuro incierto.

Jean got himself trapped inside the corridor of a Victorian cathedral, just before the threshold of consciousness. Along that vague route that no one seems to explain, he spends his time creating characters with obsessive detail, employing symbology from this life and the next. He achieves balance with realistic characters that are grotesque cartoons full of wisdom, provoking in the audience a moment of silence that manages to completely change our mental time, traveling to the past from a future that’s unclear.

jeanlabourdette.com

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Algunos temas recurrente en mi obra son la fragilidad de la vida como la conocemos, el gran interrogante que yace tras ella y la noción del alma.

Empezaste con el graffiti a finales de los 80, ¿qué te aportó ese momento de tu vida y qué cosas de las que aprendiste pintando en la calle se mantienen a día de hoy en tu obra? El graffiti fue un gran punto de inflexión en mi vida. Me enganchó mucho cuando era adolescente y pasé largo tiempo pintando y mejorando mis habilidades. Fue una gran experiencia educativa para mí. Hoy en día todavía utilizo las mismas técnicas que empecé a desarrollar en ese entonces. Han evolucionado mucho, pero su base es la misma. El graffiti también me proporcionó un sentido de juego con lo soportes sobre que pinto. La idea de crear una pieza de acuerdo al entorno es prácticamente la misma tanto en las paredes como en las superficies de muchas antigüedades y objetos perdidos que utilizo. ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar? ¿Fue tu familia quién te inculcó el amor por el arte? Mi padre era artista, así que crecí en ese ambiente. Mis padres me leían muchos libros desde que era pequeño.

También tuve una gran afición por los comics, la cual compartía con mi papá e influenció mucho mi pintura.

Tu obra muestra una clara obsesión por el detalle, ¿es parte de tu personalidad este cuidado perfeccionismo que aplicas a tus piezas?

Probablemente lo es, de lo contrario no me pondría en tan difícil y tedioso proceso. Le presto atención a los detalles, y lo que me importa lo hago bien. Dicho eso, soy muy desordenado, en definitiva, hay otros aspectos de mi vida en donde ese perfeccionismo no se aplica ¡para nada!

Tu imaginario artístico se nutre de una fascinación por la época victoriana, por los comics, por Paris de principios del s. XX, los tatuajes, los personajes grotescos, ¿qué se esconde en tu subconsciente que te hace viajar por esos pasajes? No lo sé, ¡es mi subconsciente! ¡Pregúntale a un psicológo! (Risas) Dejando el chiste, siempre me ha fascinado el pasado y los personajes marginados. ¿Por qué?

No tengo idea. Intento no sobre-analizar mi trabajo, tan sólo crearlo, como un soñador sólo sueña. Le dejo el análisis a los analistas.

Usas modelos de personas reales en tu obra, a los que colocas en cajas de madera antiguas y objetos de anticuario que pertenecieron a iglesias, ¿qué dicen esos personajes cuando se ven reflejados en tu obra? Muchos de los modelos con los que trabajo son amigos míos, y, por suerte, les gusta mi trabajo, así que no me causan mucho problema. Seguimos siendo amigos, creo que eso es una buena señal (risas).

Dotas de vida a tus personajes con tu obra en 3D a la vez que realizas una reflexión sobre la muerte en tu pintura, ¿es una forma de mostrar tu visión del más allá? ¡Seguro, entre otras cosas! Me gusta verme más como un taxidermista que como un pintor. Busco esa ilusión de vida en mi trabajo. Pero sí, algunos de mis temas recurrentes son la noción de la vida y la muerte y la exploración de sus límites.

La fragilidad de la vida como la conocemos, el gran interrogante que yace tras ella, la noción del alma, etc. ¿Qué simbolizan para ti las palomas, los monos o los perros? ¿A qué símbolos recurres para plasmar una parte de tus emociones y de tu alma? Me gusta dejar que los simbolismos surjan desde mi subconsciente por sí solos. ¡En nuestro interior viven tantos arquetipos! Nuestro subconsciente es mucho más valioso de lo que creemos.

Mi trabajo definitivamente está cargado de simbolismos. Pero no los utilizo a propósito por lo que puedan significar. Si pinto un mono es

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porque me siento inspirado a hacerlo. Si tengo una imagen mental para pintar a un mono, lo hago sin analizar el porqué. Entonces, una vez la obra está terminada, busco los simbolismos principales que se encuentran en ella y es sorprendente cómo se relacionan con lo que ha estado pasando en mi vida, es ahí donde todo adquiere sentido.

Repito, intento que mi subconsciente se exprese tan libremente como sea posible a través de mis pinturas, así que no intento usar mi intelecto mucho durante el proceso creativo.

Tus modelos aparecen en tus obras como actores o actrices, ¿es una especie de profesión frustrada para ti la de film director?

Sí, ¡definitivamente! Utilizo a mis modelos como un director de cine lo hace con los actores, para crear personajes. Co-dirigí un documental de larga duración con mi esposa hace como diez años y he estado trabajando en un proyecto para televisión también por un par de años, así que tampoco soy un director completamente frustrado. Aún así, algún día espero tener la oportunidad de hacerlo con más dedicación.

Si tuvieras que escribir una historia para una película, ¿cuál sería la base del guión? La que escribí para Pathetic Theatre (El Patético Teatro), mi proyecto para televisión, es una mezcla entre los Muppets, Monty Python: El Sentido de la Vida, El Gran Guiñol, un poco de Pet Sematary y otro poco de Ron Jeremy que le he tirado ahí.

Nuestro próximo monotema es Silencio y tus personajes parecen conocer bastante bien el silencio y la soledad, ¿es así? Así es.

Eres de Paris pero vives en Montreal, ¿echas de menos tu ciudad natal? Claro. La extraño a menudo. Pero tengo una relación de odioamor con París. No podría soportar vivir allí todo el tiempo. Me gusta ir de visita una semana o dos, pero eso es todo. ¿Cómo es tu día a día? ¿Vives actualmente únicamente de tu arte?

Sí. Solía hacer comics e ilustraciones para vivir cuando lo hacía en Francia, a mediados de los noventa, principios del 2000. Pero ahora vivo solamente de mi trabajo como pintor, hace diez años ya. Es estresante a veces, ¡pero la libertad no tiene precio! ¿A qué artista, vivo o muerto, te gustaría conocer y mantener una conversación sobre su obra para saber qué siente o sintió? ¡Rembrandt!

Acabas de tener un hijo, ¿te inspira él con su imaginación para seguir soñando? ¡Absolutamente! Me está haciendo redescubrir la vida a través de sus ojos. Los niños te recuerdan la magia que existe en la vida. Un magia que nosotros los adultos tendemos a olvidar y dejar de ver. Está ahí pero no la vemos. Los niños sí. ¿Crees que estamos en una época en la que hay poco espacio para la intriga y el misterio en comparación con esa época victoriana o del siglo pasado que tú reproduces? Sí. Y pienso que por eso es tan importante para un artista participar en hacer contra-balanza con eso. El misterio viene de la imaginación, como la creación. Si se nos acaba la imaginación, morimos como especie. ¿Cuáles son tu próximos proyectos para el futuro próximo? Sería genial tener tu arte en Barcelona. Tengo un par de shows este año, incluido uno en septiembre en la galería Yves Laroche en Montreal, donde expondré junto a mis amigos Shawn Barber y Mike Davis.

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Some of my reoccurring themes are The fragility of life as we know it, the big question mark that is beyond it and the notion of soul.

You started doing graffiti towards the end of the 80’s; what did this moment of your life offered to you and what things from the ones you learned painting on the streets still remain in your work? Graffiti was definitely a huge turning point in my life. I got into it as a teen and was spending a lot of time painting and improving my skills. It really was a huge learning experience for me. Today, I still use the same techniques I started developing back then. They have evolved a lot, but the core is the same. Graffiti also gave me a sense of playfulness with the supports I paint on. From painting on walls and using the specificities of each of them to using a lot of antiques and found objects, the idea of creating a piece according to the environment is pretty much the same.

When and why did you start to paint? Was it your family who instilled your love for the arts? My father was an artist himself, so I grew up in that kind of environment. My parents read a lot of books with me since a very early age. I also had a strong comic books culture that I shared with my dad, which influenced me a lot in my painting.

In your works we can see a clear obsession for detail, is that perfectionist care applied in your pieces part of your personality?

It probably is, otherwise I wouldn’t put myself through such a difficult and tedious process. I do pay attention to details, and what I care about, I do well. That being said, I’m very messy, and there are definitely a few other aspects of my life to which that perfectionism doesn’t apply at all!

Your artistic imagination is nourished by a fascination for the Victorian era, comic books, Paris in the beginning of the XX Century, tattoos, grotesque characters; what lies hidden in your subconscious that makes you want to travel through these regions?

I don’t know, it is my subconscious! Ask a shrink! (Laughs) Kidding aside, I always had a fascination for both, the past and marginals.

Why? I have no idea. I try not to overanalyze my work but just to create it, as a dreamer simply dreams. I leave the analysis to analysts.

You use real life characters in your works, placing them in old wooden boxes and antique objects that belonged to churches, what do they say when they see themselves reflected in your pieces? A lot of the models I use are friends, and, luckily, they like my work, so they don’t give me too much trouble. We re still friends so I guess that s a good sign (laughs).

You manage to give life to your characters through your 3D works, while at the same time developing a reflection upon death, is this your way of depicting your vision about the afterlife? Sure!

Amongst other things. I like to see myself like a taxidermist rather than a painter. I look for that illusion of life in my work. But yes, some of my reoccurring themes are the notion of life and death and the exploration of their boundaries. The fragility of life as we know it, the big question mark that is beyond it, the notion of soul, etc.

What does the pigeons, monkeys and dogs symbolize for you?

To which other symbols do you recur in order to capture your emotions and your soul within your work? I like to let symbols surface from my subconscious on their own. So many archetypes live inside of us. Our subconscious mind is way richer than we know.

My work is definitely loaded with symbols. But I don’t use them on purpose for what they are supposed to mean. I’ll paint a monkey only if I feel inspired to do so. If I have a mental image for a painting of a

monkey, then I’ll paint it without analyzing it. Then, once the painting is finished I will sometimes look up the main symbols in it and it’s amazing how they relate to what I go through in my life and make perfect sense. Again, I try to let my subconscious express itself as freely as possible through my paintings, so I try not to use my intellect too much during the creation process.

The models depicted in your works resemble characters from a movie; was it being a film director some kind of frustrated profession for you? Yes, definitely! I use my models as a movie director would use actors, to create characters. I co-directed a feature length documentary with my wife about ten years ago, and have been working on a TV show project for a couple of years too, so I am not a TOTALLY frustrated director. But I still hope one day I will have a chance to get more seriously into it.

If you had to write a screenplay, what would the main story be about? The one I wrote for Pathetic Theater, my TV show project, is a cross between the Muppets, Monty Pythons’ Meaning of Life, le Grand Guignol, with a little Pet Semetary and a little Ron Jeremy thrown in there.

Our next issue’s theme is SILENCE and the characters within your works seem to understand silence and solitude very well, is that correct? They do.

You are from Paris but you live in Montreal, do you miss your hometown? Sure. I miss it often. But I have a love-hate relationship with Paris. I couldn’t stand living there full time anymore. I like to go and visit for a week or 2, but that s about it.

Tell us about your day-to-day life. Are you living solely out of your art right now? I do. I used to do comics and illustrations for a living back in France, in the mid nineties, early 2000s. But I have been now living solely off my work as a painter for about 10 years now. It is definitely stressful at times, but the freedom is priceless!

Which artist, dead or alive, would you like to meet and have a conversation with to know about his works and what he felt?

Rembrandt!

You just had a kid; with his imagination does he inspire you to keep on dreaming? Absolutely! He is making me re-discover life through him. Kids remind you of the magic in life. A magic we adults tend to forget and not see anymore. It s there but we don’t see it. Children do.

Do you think that we belong to an era where there’s not enough space for mystery and intrigue in comparison to that Victorian era you depict in your work? Yes. And I think that’s why it is important as an artist to contribute counterbalancing that. Mystery comes from imagination, as does creation. If we run out of imagination, our species is dead.

Which are your next projects for the near future? It would be great to have your works in Barcelona. I have a couple of shows this year, including a 3three-person show in September with my friends Shawn Barber and Mike Davis at Yves Laroche gallery, in Montreal.

Barcelona would be great! I’ve never had a chance to visit, and I’ve been wanting to check it out for years!

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T: IBO IZA F: LUIZA LACAVA

Kai Neville El equilibrio de la creación

Kai Neville nos tiene acostumbrados a generar expectativas.

Desde el rotundo éxito de Modern Collective (2009), los films de este tío siempre han marcado nuevos límites. Algunos consideran su estética cruda; muchos cortes, imágenes estereotípicas del estilo de vida surfista: cigarrillos, botellas de cerveza, gestos obscenos y flores, y música que jamás hemos escuchado. A todo esto debemos sumarle algo que nunca va faltar en una cinta de este australiano: surf de primer nivel, el que nos deja soñando con los ojos abiertos, añorando el contacto con el agua. Este año lanzó su nuevo film Cluster, el cual tuvimos la oportunidad de ver en Barcelona durante el Surfcity Festival, y una vez más, Kai Neville, no decepcionó.

Kai Neville has got us used to build up expectations. Since the overwhelming success Modern Collective (2009) had, this guy’s films are always pushing the limits. Many describe his aesthetics as raw: plenty of cuts, stereotypical images of the surf culture - cigarettes, bottles of beer, obscene gestures and flowers - and music we’ve never heard. Added to all of this, something we’ll never miss in the films of this Australian: high performance surfing, the one that leaves you daydreaming, missing water’s gentle touch. This year he released his most recent film, Cluster, which we were lucky enough to see at its premiere in Barcelona during the Surfcity Ferstival, and once again, Kai Neville didn’t let us down.

www.kaineville.com

Algunos te describen como el Guy Ritchie del surf, ¿le prestas atención a estos comentarios o no tienen importancia para ti? No he escuchado muchos comentarios como ese, pero me llena de humildad saberlo, Guy Ritchie está en otro nivel. Yo sólo hago films de surf, espero algún día poder hacer películas que cambien las reglas del juego como Guy.

¿Cómo fue tu participación en Surfcity Festival?¿Veremos algún lanzamiento nuevo en las próximas ediciones? Va a pasar un tiempo antes de que trabaje en otro gran proyecto. Cuando lo haga definitivamente volveré a España; son de las mejores personas con las cuales he compartido tiempo. Brendon, uno de los protagonistas de Cluster, y yo, hicimos muchos amigos y probamos todo lo que España nos ofreció.

¿Qué hace que tus películas sean diferentes de otros films de surf?

Invierto la misma cantidad de tiempo tanto en dirección de arte como en musicalización, cinematografía, edición y en buscar surf de alto nivel. Me gusta que cada film tenga su propio sello y no puede faltar ninguno de los elementos que lo componen.

¿Cómo fue la grabación de Cluster? Se puede apreciar bastante divertida, ¿pero hubo momentos de tensión? Filmar Cluster fue intenso, grabamos probablemente un 70% más de material que en mis cintas anteriores, ya que Cluster ponía énfasis en partes. Dear Suburbia, Modern Collective, etc., se basaron más en la localización.

Buscábamos localizaciones oscuras para crear escenas alrededor de ellas. Cluster se centró más en el surf de alto nivel, cada escena se enfocaba en un tío, como en el skate y el snowboarding y los films de la generación de Taylor Steele. Hubo presión sobre mí como realizador y sobre los surfers para montar un buen show, digno de un largometraje. Aún así, cada viaje fue increíble, aunque no consiguiésemos buenas olas. El equipo de Cluster es genial.

Has traído Cluster a Barcelona y a San Sebastián, pero antes fue presentado en Sydney y en los Estados Unidos, ¿qué diferencia sentiste en cuanto al público asistente en cada ciudad? ¿Dónde crees que tus películas son mejor recibidas? En Australia me sentí más en casa. En los Estados Unidos pueden ser un poco más conservadores y a veces siento que debo ser algo más recatado con mi enfoque. En Australia esperan ser cautivados. ¿Cuál es tu impresión del Surfcity Festival y su propuesta de mezclar surf, arte y ciudad? Me encanta. Amo las ciudades grandes. Si hubiesen mejores olas seguro que viviría en una de ellas. Me gusta la sensación de salir e inspirarme con los alrededores y las personas que las grandes urbes atraen. Pero amo demasiado el océano y necesito ese balance. El Surfcity fue un gran evento, mezclando lo cosmopolita con el surf. Es bueno para el surf, el arte y dispone a la gente hacia lo que es posible en el lado creativo del surf.

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¿Cómo empezó el proyecto? ¿Cómo conociste a los chicos? He trabajado con algunos de ellos como Dane Reynolds, Dion Agius y Mitch Coleborn durante casi diez años. Tras varios viajes y después de pasar tiempo grabando, la generación más joven naturalmente se abrió paso y llegó a formar parte de nuestro equipo. Trabajar con Noa Deane, Creed McTaggart y Brendon Gibben aportó originalidad y actualidad.

En tus vídeos te vemos pasar de lo romántico a lo agresivo de forma bastante fácil. ¿Tiene eso algún significado? ¿Depende de tus personajes o de tu propio estado emocional? Me gusta el con-

I love the contrast between the beautiful and ugly side of society. The ocean being the beautiful and humanity, at times, the ugly.

traste entre el lado hermoso y horrible de la sociedad. El océano es hermoso y la humanidad, a veces, horrible. Es un contraste bastante obvio y un hilo conductor en mis películas. La vida puede hacer de distracción constante para las realidades. Intento mantenerme en movimiento antes de que mi ambiente pase a ser real, un realizador quiere que sus alrededores sean de fantasía, no normales. El surf es una buena distracción.

Trabajar con Taylor Steele debió haber sido genial, ¿qué te aportó como realizador? Fue increíble. Empecé a trabajar con los mejores surfers del mundo. Mis ídolos. También se me proporcionó mucha libertad creativa y Taylor tiene la habilidad de lograr grandes cosas de las personas de una manera muy calmada. Es un buen director y conecta a las personas correctas, para lo cual se necesita cierto ojo.

Some people describe you as the Guy Ritchie of surf. Do you pay attention to this type of comments or they have no meaning for you?

I haven’t heard too many comments like that, but it’s humbling to hear, Guy Ritchie is on another level. I just make surf films; hopefully one day I can create some game changing films like Guy. What makes your films different from other surf movies? I invest as much time into art direction, music, cinematography and editing as I do chasing high performance surfing. I like each film to have its own trademark and you can’t miss a beat on the elements involved.

You have brought Cluster to Barcelona and San Sebastian, but previously it was presented in Sidney and the United States. What difference did you feel from the assisting public in each city?

Where do you think that productions like yours are better received? In Australia I felt more at home. The United States can be a little conservative and at times I feel like I need to tone my approach down. In Australia they want to be wowed.

What are your impressions about the Surfcity Festival and their proposal to mix surf, city and art? I love it. I love big cities. If there were better waves in big cities I would live in one. I just love the feeling of walking out the door and being inspired by the surroundings and people cities attract. But I love the ocean too much and need that balance. Surfcity was a great event, mixing the cosmopolitan with surf. Its good for surfing, arts and it opens people up to what is possible on the creative side of surf.

How did the shooting for ‘Cluster’ go? You can tell it was lots of fun, but were there any tense moments? Shooting ‘Cluster’ was intense; we filmed probably 70% more material than for my previous films, being that ‘Cluster’ had an emphasis on parts. ‘Dear Suburbia’, ‘Modern Collective’, etc., were location based. We would chase obscure locations and create scenes around them. ‘Cluster’ was more about high performance surfing, focusing on one guy in each scene, like skate and snow and the Taylor Steele generation of films. There was pressure for me as a filmmaker and the surfers to put on a good show, worthy of a full length film. Every trip was incredible though, even if we didn’t score good waves. The crew in ‘Cluster’ is tight.

¿Podríamos decir que eres su sucesor? Simplemente tuve la suerte de pertenecer a una generación que tiene grandes surfers, igual que le ocurrió a Taylor, los dos tenemos éticas de trabajo fuertes y él logró cambiar a una generación. Fue muy influyente. No creo que yo haya llegado a hacer lo que él hizo en su tiempo. ¿Cuánta inspiración consigues al vivir en Indonesia? Es muy tranquilo, pero me gustan las localizaciones remotas cuando tengo que trabajar. Busco inspiración en lugares un poco más movidos y locos. Indonesia inspira mi lado calmado, mantenerme saludable y crear.

Debido a tu carrera viajas bastante, ¿cuál es tu lugar favorito? Tras este viaje, España.

How did the project start? How did you meet the guys? I’ve been working with some of the guys for almost 10 years, Dane Reynolds, Dion Agius, Mitch Coleborn, etc. Through trips and just hanging out shooting, the younger crew naturally gravitated into our crew. Noa Deane, Creed McTaggart and Brendon Gibben felt original and current to work with.

In your videos we see you pass from a romantic state to an aggressive one pretty easily. Does this have a meaning? Does it depend on your characters or on your own emotional state? I guess I love the contrast between the beautiful and ugly side of society. The ocean being the beautiful and humanity, at times, the ugly. It’s a very obvious contrast and a thread in my films. Life can be a constant distraction from the realities. I stay on the move before it becomes real; a filmmaker wants its surroundings to be fantasy-like, not normal.

Surfing is a nice distraction.

Working with Taylor Steele must have been a blast. What has this brought to you as a filmmaker? It was incredible. I started working with the best surfers in the world. My idols. I was also given a lot of creative freedom and Taylor has a way of getting great things out of people in a very calm fashion. He’s a good director and always connects the right people, something that takes a certain eye.

Could it be said you are his successor? I was just lucky to grow up with a generation of great surfers the same way Taylor did, we both have hard working ethics and he managed to change a generation, being very influential. I don’t think I’ve scratched the surface compared to what he did during that era.

How much inspiration you draw form living in Indonesia? Its very tranquil, I like being in remote locations when I need to get work done. I like being in a little more madness when I want to be inspired. Indonesia inspires the calm side of me, to be healthy and creative.

You get around pretty much with your career, which is your favorite spot? Spain after this trip.

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La pasión atrae, más allá del tema sexual, cautiva ver a una persona evolucionar y realizarse a través del amor y su expresión. El amor como un estado natural, no como sentimiento. Afortunadamente, conocer a una persona así es siempre una experiencia enriquecedora; hablan con la voz cargada de claridad y confianza, afirmando la concepción de un camino dorado que yace bajo la verdadera auto-realización. Anthony Friedkin es un verdadero fotógrafo, la manera en la cual concibe, practica y desarrolla el arte es admirable, creando para sí mismo un “silencioso mundo lleno de posibles fotogramas”. Imágenes que varían en sujeto y belleza, momentos privados de ruido, instantáneas silenciosas cuya voz hace eco en la conciencia de la multitud.

Passion is an attractive characteristic, beyond sexuality, is captivating how a person can evolve and achieve based on love and its expression. Love as a general state, not a feeling. Luckily, discovering someone like this is always an enriching experience; they speak with a voice charged with clarity and confidence, reassuring the conception of a golden path that lies within true self-realization.

Anthony Friedkin is a true photographer; the way he conceives, practices and develops the art is admirable, creating for himself “a silent world full of potential stills”. Images that range in subject and beauty, moments deprived of noise, silent snaps that echo their voice through the minds of the crowd.

www.anthonyfriedkinphotography.com 76

T: FELIPE DUARTE

ANTHONY

FRIEDKIN UNA VIDA ATADA A LA FOTOGRAFÍA 77

Tus trabajos cubren varios temas, como la cultura del surf, el cine y la comunidad homosexual, por nombrar algunos, ¿qué pensamientos yacen tras la selección de cada uno de ellos? Intento hacer de mi cámara un medio para el descubrimiento personal. Mis fotografías documentan estos descubrimientos de la manera más artística que puedo lograr. Ya sean imágenes de una pareja homosexual, el set de una película en Hollywood, una magnífica ola rompiendo mientras el sol se refleja en ella o el retrato de convictos peligrosos, siempre intento revelar una verdad más profunda de la que veo, como esfuerzo para preservarla e inmortalizarla en una fotografía. Exploré estas ideas en mi monografía TIMEKEEPER, publicada en el 2003, y aún continúo haciéndolo. Trabajo bajo la tradición del ensayo fotográfico, manteniendo un mismo tema o idea por un largo periodo de tiempo.

Realizo muchas imágenes, me acerco cada vez más, esperando sacar más fotografías extraordinarias debido a esa intimidad. Mi curiosidad sobre la vida va de la mano con mi trabajo fotográfico, lo que me ha llevado y me lleva a todo tipo de paisajes fascinantes, tanto interna como externamente.

En ocasiones Los Ángeles es vista como una ciudad donde los aspectos superficiales de la vida con superlativos, como un local, ¿qué opinas de esto? No sé cómo o dónde empezó este rumor, que Los Ángeles es un basurero cultural. Me parece irónico, ya que no puede estar más alejado de la verdad. Cualquier persona que haya investigado te dirá que las personas creativas siempre han querido vivir y trabajar aquí, hace ya muchas décadas, desde principios del siglo veinte. Sólo en la fotografía, tanto Edgard Weston y Man Ray vivieron en L.A. “La Fábrica de Sueños”, como algunos la conocen, ha producido música extraordinaria, películas, teatro, danza, artes visuales, gran literatura, y la lista continúa. Trabajar como fotógrafo en Los Ángeles trae muchos beneficios; la luz del sol aquí es especial para mí, sus sombras tan afiladas como cuchillos. La ciudad y el condado de L.A. son enormes y tienen una arquitectura diferente y extraordinaria, algunas veces única e innovadora, como el Disney Hall por ejemplo. Tenemos tantos estilos de vida, diferentes culturas, personas de todo el mundo viven aquí, y por supuesto Hollywood nos da una identidad que no tiene ningún otro lugar en la tierra. Todo el concepto de lo que es real y lo que no, no puede ser más explícito que aquí. Desde un punto de vista visual, esto es muy emocionante para mí, y seguramente ha afectado a mi manera de ver las cosas. Además tenemos el Océano Pacífico y toda su grandeza, el lugar de nacimiento del arte de cabalgar olas pequeñas. Podría seguir, pero creo que ya te haces una idea. También tenemos algunos de los mejores museos del mundo, como el J. Paul Getty Museum, que cuenta con una de las mejores colecciones de fotografía a nivel mundial. Cualquiera que subestime a Los Ángeles y a los muchos artistas dedicados que viven aquí está muy desinformado. No existe otra ciudad en Los Estados Unidos, o en el mundo en este caso, comparable a L.A. ¿En una fotografía qué es más importante, el valor narrativo o el atractivo estético? Los dos aspectos son importantes para mí. Algunas veces comparo los grandes trabajos en fotografía con grandes trabajos musicales. Una canción debe tener una hermosa melodía acompañada por unas letras fabulosas. En una fotografía, la melodía es la estética, cómo está compuesta la imagen; cómo están organizados los elementos dentro de la foto. La letra en una canción, o su sustancia, se equipararía al tema de estudio dentro de la imagen, la narrativa y

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la historia en la fotografía. Lo estético y lo narrativo deben complementarse y cuando se realiza con imaginación, el resultado puede ser memorable.

Empezaste tomando fotos siendo un niño y entraste al cuarto oscuro a los once, ¿qué te motivó a tomar este camino a tan temprana edad? Tuve mucha suerte de recibir como regalo una cámara cuando cumplí los ocho años. Inmediatamente empecé a tomar fotos de todo lo que me rodeaba. Mi gato pariendo una camada, mi hermano mayor jugando a “los caballeros de la mesa redonda” con sus amigos, olas rompiendo en un muelle. No podía esperar a tener mis fotos de vuelta de la drugstore y ver qué había conseguido.

Desde el principio me sedujo todo el proceso. Al trabajar en un cuarto oscuro a los once años podía ver mis fotografías inmediatamente, podía revelarlas yo mismo, y entonces no sólo estaba capturando imágenes, también procesándolas y haciendo ampliaciones. A los niños les encanta la magia, y revelar e imprimir mis fotografías era como magia para mí. ¿Recuerdas cuál fue la emoción principal que llenó tu corazón como niño cada vez que estabas disparando aquella cámara Kodak Brownie? ¿Esa emoción se mantiene hoy en día o las cosas han cambiado? Hasta el día de hoy sigo alzando y usando la cámara prácticamente de la misma manera que como lo hacía de niño. Todavía miro a través del visor con la misma expectativa y emoción y respondo a la aventura de aquello que capturo con pasión. Sospecho que aún experimento las mismas emociones de aquel entonces, la maravilla de fotografiar. Esto no ha cambiado. Sin embargo eso fue hace mucho tiempo y un tiempo muy diferente en cuanto a la fotografía en general.

En ese entonces todas las fotografías existían como impresiones, no vivían en iPhones, discos duros de ordenadores y tablets, de manera pixelada. Lo que ha cambiado es que ahora soy mucho más sofisticado en el proceso de crear fotografías, un veterano. Mis instintos se han agudizado, soy más consciente del peligro, soy más rápido y estoy mejor preparado. Tengo un conocimiento más profundo del material y de sus capacidades. Debo acunar la fotografía digital, un universo paralelo a la fotografía analógica, del cual cada día aprendo más. ¿Tuviste algún mentor que fuese fundamental en tu vida y obra?

La notable historia de la fotografía ha sido mi mentora. Desde las primeras fotografías que fueron tomadas a principios del sigo diecinueve hasta el presente, han existido muchos fotógrafos cuya obra he estudiado. Su visión individual me ha iluminado y motivado. Muchos de ellos trabajaron y sobrevivieron bajo condiciones increíblemente difíciles, con materiales y cámaras que hoy en día serían catalogadas como arcaicas. Grandes fotógrafos como Louis Daguerre, Eugene Atget, Carleton Watkins, Mathew Brady, Brassai, E. J. Bellock, Alfred Steiglitz, Imogen Cunningham, Edward Steichen, Edward Weston, Andre Kertez, Cartier Bresson, Weegee, Diane Arbus, Robert Frank, Man Ray, August Sander, Danny Lyon… Y podría continuar, todos me han inspirado. Hay fotógrafos como Josef Koudelka que considero especialmente significativos, ya que ha cambiado la manera en cómo vemos la fotografía y de su capacidad como medio artístico. Lo ha logrado con su extraordinaria visión, cambiando el concepto de lo que es una fotografía y cómo se puede ver. Koudelka es un fotógrafo contemporáneo y alguien a quien admiro mucho, su dedicación y ojo son fenomenales.

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Como artista, ¿qué es lo que más te enorgullece de tu trabajo? Es una pregunta difícil de responder… una caja de Pandora… hay tantas formas de verlo… pero lo primero que me viene a la cabeza es haber sobrevivido como fotógrafo, algo que los fotógrafos que están leyendo esto saben que no es fácil. Estoy orgulloso de ello. Llevo haciendo fotografías más de cincuenta años. Dedicar tu vida a una forma de arte es enorme, y poder vivir de ello, lo que llevo haciendo desde que empecé, un reto. Me enorgullece decir que sigo tomando fotos, produciendo trabajos nuevos y explorando esta increíble forma de arte. ¿Qué ves a través del lente que te es imperceptible a los ojos? La fotografía es única, como ninguna otra de las artes visuales. Es como un hijo único, sin hermanos o hermanas. No es como una pintura, un dibujo, una litografía o cualquier otro tipo de técnica mixta. Lo que la fotografía hace, y cómo lo hace, esconde cualidades místicas para mí. Al mirar a través del visor de la cámara y capturar ese preciso momento en el espacio y el tiempo (y lo digo literalmente e incluyo el retrato en esta ecuación), la fotografía profundiza en su mensaje universal. En mi corazón, creo que nada se le compara, estoy obsesionado con ella. Siento que la fotografía nació perfecta y soy un purista en ese sentido. Utilizo la cámara de la manera que fue diseñada para

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hacerlo, realizo todo mi trabajo de cuarto oscuro y todavía capturo mucho en analógico (junto a digital). La experiencia de hacer fotografías es un viaje, uno que decidí emprender hace muchos años.

Todavía voy en ese tren, que va más rápido de lo que jamás ha ido, he visitado lugares que nunca imaginé. Mis instintos acerca de lo que hace una fotografía artística son complejos, en el sentido de que el poder en el medio es complejo y aún persigo esa emoción intentando definirla mejor y haciéndola más personal. ¿Por qué la predilección por la fotografía en blanco y negro? El blanco y el negro abstrae la realidad. Psicológicamente se viaja a un lugar diferente que con el color. Es otra experiencia por completo. No es que no respete la fotografía a color o piense menos de ella en términos artísticos, porque no es así. Simplemente, para mí, por mi personalidad y la manera en la cual escojo expresarme, hay algo acerca del blanco y negro con lo que estoy conectado emocionalmente.

También aprecio la increíble belleza que tiene una foto impresa en blanco y negro. Su riqueza, tonalidad, presencia… hay algo sagrado en ello. He trabajado en el cuarto oscuro desde que soy un niño y realizo mis impresiones cuando voy a exponer. El blanco y el negro ofrece un amplio rango de expresiones. Para mí es atemporal.

LO QUE LA FOTOGRAFÍA HACE, Y CÓMO LO HACE, CONTIENE CUALIDADES MÍSTICAS PARA MÍ.

AL MIRAR A TRAVÉS DEL VISOR DE LA CÁMARA Y CAPTURANDO ESE PRECISO MOMENTO EN EL ESPACIO Y EL TIEMPO, LA FOTOGRAFÍA PROFUNDIZA EN SU MENSAJE UNIVERSAL.

¿Cómo describirías tu trabajo? Creo que lo mejor es dejar que mis fotografías hablen por sí solas, o que otros las describan. De muchas maneras mi trabajo es tradicional, creo que la gran fortaleza de la fotografías está en su pureza, así que ser tradicional está bien para mí.

Una de tus imágenes de la serie Gay Essay muestra a un cura en una iglesia destruida, ¿puedes contarnos la historia tras esta imagen? Pertenece a una serie de fotografías que hice de la comunidad homosexual a principios de la década de los setenta. Así como el movimiento de los derechos civiles para los afroamericanos, el movimiento gay por la igualdad de derechos y un respeto fundamental ha ganado fuerza a través de los años, aunque el progreso se queda bastante corto en mi opinión. Una de las cosas que más importa en la fotografía es que se puede emplear en pro de causas sociales, para crear conciencia en las personas, educarlas. El hombre que está de pie en la iglesia destruida (se cree que por un incendio provocado), es el reverendo Troy Perry. Él tenía una congregación abierta para homosexuales, de pensamientos avanzados y muy polémica. Solía

predicar que Jesucristo amaba a los homosexuales y que Dios los acogía, así como acogía a todos los demás cristianos. Oficializaba matrimonios de homosexuales en su iglesia. Desgraciadamente estas actividades causaron su incendio. Por la mañana tras la tragedia un bombero nos dijo que no entráramos entre los escombros, que era muy peligroso, pero aún así lo hicimos para tomar esa foto.

Las fotografías, a diferencia del cine o la música, es un arte mudo, ¿crees que en el silencio reside algún poder? Es curioso que lo preguntes porque cuando era un adolescente, solía salir a tomar fotos al azar, dejando que la imagen sucediera espontáneamente. Solía taparme los oídos con tapones para callar el ruido y los distractores sonidos del entorno. Vivía en este silencioso mundo lleno de posibles fotogramas, donde la imagen existía en un vacío, esperando a que yo la descubriera y registrara el precioso momento. Así que la respuesta a tu pregunta es “SI”. De hecho hay algo sagrado en el silencio, pero eso no previene que la fotografía tenga su propia voz expresiva, que sea escuchada visualmente y experimentada por completo. Ese es un gran placer en la fotografía.

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Your works gather rather diverse topics, such as the surf culture, cinema, and the gay community, to name a few; what thoughts lie behind the selection of each of these? I try to use my camera as a means of personal discovery. My photographs represent markers of these discoveries in the most artistic way I can achieve them.

Whether the images are of a gay couple, a Hollywood movie set, a magnificent breaking wave reflecting sunlight, or a portrait of dangerous convicts, I always try to reveal a deeper truth about what I see, in an effort to preserve it, to immortalize it in the photograph.

I explored these ideas in my monograph TIMEKEEPER, published in 2003, and I’m still exploring them. I work in the tradition of the photo essay, which involves staying with one theme or idea for a long period of time. I create many images within that theme… I get closer and closer to it, hoping to make more extraordinary photographs through that intimacy. My curiosity about life goes hand in hand with my photographic work. Together they have taken me into all kinds of fascinating landscapes, both internally and externally, and continue to do so.

Los Angeles is sometimes regarded as a city were the superficial aspects of life become superlative, as a native Angeleno, what do you think about this? I don’t know how or where this rumor got started, that Los Angeles is a cultural wasteland. It’s really ironic because nothing could be further from the truth. Anyone who has done research on the history of L.A. will tell you that creative people have wanted to live and work in Los Angeles going back numerous decades, deep into the early twentieth century. In photography alone, both Edward Weston and Man Ray lived in L.A., two giants in the medium of fine art photography. The “Dream Factory” as some people refer to it, has produced extraordinary music, cinema, theatre, dance, visual art, great literature and the list goes on and on. Working as a photographer in Los Angeles has many benefits; the sunlight that comes into L.A. is special for me, with shadows as sharp as a knife.

The city, and the county of L.A. are enormous and are filled with different and extraordinary architecture, some totally unique and groundbreaking, like the Disney Hall for example. We have so many different lifestyles here, different cultures of people from all over the world live here, and of course Hollywood-tinsel town gives us an identity like no other place on earth. The whole idea of what’s real and what isn’t could not be more pronounced then in L.A. From a visual standpoint this is very exciting for me and I’m sure it has affected my eye. Plus we have the Pacific Ocean in all its grandeur, the birthplace of small wave riding as an art form. I could go on, but I think you get the idea. We also have some of the finest museums in the whole world here, like the J. Paul Getty Museum, which has one of the finest collections of photographs on earth. Anyone who underestimates Los Angeles and the many dedicated artists that live here would be seriously misinformed. There is no other city in the United States, or other countries for that matter that’s comparable to LA.

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In a photograph what is more important, the narrative value or the aesthetic appeal? Both are equally important for me. I often will compare a great photograph to that of a great song. The song must have a wonderful melody and be accompanied by fabulous lyrics. In a photograph, the melody for me is the aesthetic, how the image is framed; how the elements within the photograph are assembled. The lyrics in a song, or its substance, are analogous to the subject matter within the picture or the photographs narrative, the story to the image. The aesthetic and the narrative must support one another in a fine photograph, and when done with imagination the result can be memorable.

You started taking pictures as a kid, and got into the darkroom by age eleven, what drive you towards this path at such a tender age? I was very lucky to have been given a camera for a birthday present when I was 8 years old. I immediately started taking pictures of everything that surrounded me. My cat giving birth to kittens, my older brother playing ‘knights of the round table’ with his friends, waves breaking on a jetty by the beach. I couldn’t wait to get my photos back from the drug store and see what I got, to actually hold and look through the negatives and view the prints. From the beginning I was seduced by the whole process. By working in the darkroom at 11 years old I was able to see my photos right away, I could develop them myself, and then I was not just taking the pictures but also processing them and making enlargements. Kids love magic, and developing and printing my own photographs was like magic to me.

Do you remember which was the main feeling that filled your heart as a kid every time you were shooting with that Kodak Brownie camera? Does that feeling still remains or things have changed? Today I continue to hold and use the camera in much the same way I did countless years ago as a child. I’m still looking through the viewfinder with the same anticipation and excitement.

I’m still responding to the adventure of what I’m photographing in a passionate way. I suspect that I’m experiencing the same feelings I did back then, the wonder of photographing. That hasn’t changed.

However it was a long time ago and a very different time for photography in general. All photographs existed as real prints then, they didn’t live on iPhones, computer hard drives and tablets, in some pixel form. What has changed presently is that I’m much more sophisticated in the process of creating photographs. I’m a veteran now. My instincts are sharper, I can sense danger better, and I’m faster and more prepared. I have a deeper understanding of the materials and their capabilities. I needed to embrace digital photography, a parallel universe to film photography, which I’m still learning more about everyday.

Did you have any mentor who was pivotal in your life and work?

The remarkable history of photography has functioned as my mentor.

WHAT PHOTOGRAPHY DOES, AND HOW IT DOES IT, HOLDS MYSTICAL QUALITIES FOR ME.

BY LOOKING THROUGH THE VIEWFINDER OF THE CAMERA AND CAPTURING A PRECISE MOMENT IN SPACE AND TIME, THE PHOTOGRAPH BECOMES PROFOUND IN ITS UNIVERSAL LANGUAGE

From the very first photographs that were accomplished in the early 1800s and up to the present, there have been many great photogra phers whose works I’ve studied. Their individual vision

has enlightened and motivated me. Many of them worked and survived under incredibly difficult conditions, with materials and cameras that by today’s standards would be considered archaic.

The great photographers Louis Daguerre, Eugene Atget, Carleton Watkins, Mathew Brady, Brassai, E. J. Bellock, Alfred Steiglitz, Imogen Cunningham, Edward Steichen, Edward Weston, Andre Kertez, Cartier Bresson, Weegee, Diane Arbus, Robert Frank, Man Ray, August Sander, Danny Lyon… I could keep on going and going, they have all inspired me. There are a few photographers like Josef Koudelka that I consider especially significant. Ones who have changed the way we see photography and what it’s capable of as an art form. They did this with their extraordinary vision, and they changed the very concept of what we think a photograph can be or look like. Koudelka is a contemporary photographer and someone I admire very much, his dedication and eye are phenomenal.

As an artist what makes you most proud of your work? This is a tough question to answer… a Pandora’s box… there are so many ways to look at this… but what first comes to mind is that I’ve survived as a photographer, which all other photographers who are reading this will know isn’t easy. I’m proud of that. I’ve been making photographs for over 50 years. To dedicate your life to an art form is huge, and to make a living as a photographer, which I’ve also done my whole life, is quite challenging. I’m proud to say I’m still photographing, still producing new work and still exploring this amazing art form.

What do you see through the lens that is unperceivable to the eyes? Photography is unique. It’s not like anything else in the visual arts. It’s an only child without any brothers or sisters. It’s not a painting, a drawing, a lithograph, or any other type of mixed media.

What photography does, and how it does it, holds mystical qualities for me. By looking through the viewfinder of the camera and capturing a precise moment in space and time, (and I mean that literally and I include portraiture into this equation) the photograph becomes profound in its universal language. In my heart, I believe nothing compares to it, and I’m obsessed with it.

I feel photography was born perfect and I’m a purist in that sense.

I use the camera the way it was designed to be used, meaning I take pictures. I do all my own darkroom work, and I still shoot a lot of film (along with digital). The experience of making photographs is a journey, one I chose to take many, many years ago, when I was a child actually. I’m still riding that train and it’s going as fast as it ever has, maybe even faster, I’m visiting places I never imagined.

My instincts about what makes a photograph artistic are complex, in the sense that the power within the medium is complex and I’m

still chasing that elusive emotion by always trying to define it better and making it more personal.

Why the predilection for black & white photography? Black and white abstracts reality. Psychologically it travels to a very different place than color. It’s a whole other experience. It’s not that I don’t respect color or think less of it than black and white (in terms of art), because I don’t. It’s just for me... my personality and the way I choose to express myself in photography, there’s something about black and white that I’m emotionally connected with. I also appreciate how incredibly beautiful a black and white silver gelatin photograph looks in person. Its richness, tonality, its presence… there’s something sacred about it. I have worked in the darkroom since I was a kid and I make all my own exhibition prints. Black and white offers a full range of expression. For me it’s timeless.

How would you describe your work? I think it’s best to let my photographs speak for themselves, or let others describe them. In many ways my work is traditional, I think the great strength of photography is in its purity, so being traditional is fine with me.

One of your Gay Essay pictures depicts a priest in a shattered church, can you tell us the story behind this image? Is from a series of photographs I made on the gay community back in the early 1970s. Much like the civil rights movement for African Americans, the gay movement for equal rights and fundamental human respect has gained momentum through the years, although the progress falls sadly short in my opinion. One of the things that matters most about photography is that it can be used for social causes, to bring awareness to people, to educate them. The man standing in the burnt down church (which was suspected arson) is Reverend Troy Perry. He had an open congregation of gay people, which at the time was very forward thinking and highly controversial. He openly preached that Jesus Christ loved gays and that God embraced gays, just like he embraced all other Christians. He performed gay weddings at the church. Tragically this activity caused the burning down of his church. In the early morning hours a fireman told us to not go into the building, it was too dangerous, but we went in anyway to make the photo.

Photographs as opposed to cinema or music, are a mute art, do you believe there is any power in this silence? It’s funny you ask this question because when I was a teenager I would go out to randomly photograph, and let the picture spontaneously happen. I would stuff earplugs into my ears, to cut out all the noise and the distracting ambient sounds. I was living in this silent world of potential stills, where the image existed in a kind of void, waiting for me to discover it and record the precious moment. So the answer to your question is “YES”. In fact there is something sacred about that silence, but it doesn’t prevent the photograph from having its own expressive voice and being visually heard and fully experienced.

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Shane LAVALETTE

T: VICKY NAVARRO

Shane Lavalette conoce esa sensación que se apodera de uno cuando algo en su interior le dice que tiene que actuar, y no solamente imaginar. Es desesperante cuando por tu mente pasan miles de ideas pero no llegas a dar vida a ninguna de ellas. Y al final acaban esfumándose. Shane está metido en unos cuantos proyectos pero el más especial para él es Light Work, una organización que ayuda a fotógrafos emergentes y que él mismo dirige. Su vida es ajetreo y movimiento y por eso sabe apreciar los momentos de silencio, aquellos en los que puede dar rienda suelta a su creatividad. Aquellos en los que se da cuenta de que todo lo que hace le da sentido a su existencia.

Shane Lavalette knows the feeling that takes over when something inside says, “act!”. It’s frustrating when through your head there are thousand ideas passing by, but none of them comes to reality. At the end they just disappear. Shane is working on many projects, but the most special is Light Work, an organization that provides support to upcoming photographers, he is the director. His life is a mix of hustle and movement, that’s why he knows how to cherish the moments of silence; those where he can free his imagination, those where he notices that everything he does gives sense to his existence.

www.shanelavalette.com

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Eres muy joven y ya has lanzado una editorial propia, has creado una revista y ahora diriges una organización que apoya a artistas emergentes que trabajan en la fotografía. Mucho se preguntan, ¿cómo es posible llegar tan lejos en tan pocos años? ¿Cuál es tu secreto? Tengo la suerte de trabajar en un sector creativo, porque mis “trabajos” vienen de cosas que en realidad me importan, las cuales he desarrollado desde una intriga y pasión inicial. No tengo un secreto – tan solo se trata de seguir tus intereses y trabajar con otros para realizar cosas que no podrías hacer tú solo.

Muchas de tus fotografías transmiten un sentido de tranquilidad.

No pareces atraído por el caos de la ciudad, ¿me equivoco? Amo las ciudades y su caos. Creo que entonces estaba viviendo en una gran ciudad y tal vez me atraían los escenarios rurales. Ahora estoy en una ciudad más pequeña, y a veces extraño la sensación que produce una gran urbe.

¿Qué canción o músico te ha motivado en gran medida? Esto siempre cambia, así que es difícil de responder… recientemente encontré un artista joven, Leon Bridges, acaba de lanzar su disco en solitario, se llama Coming Home. Lo he escuchado bastante.

Cuéntanos sobre Light Work, una organización que nació con la idea de brindarle apoyo a fotógrafos emergentes. Light Work fue fundado en 1973 y es un lugar especial. Le ofrecemos apoyo a artistas a través de exhibiciones, publicaciones, residencias y un laboratorio en Nueva York. El programa de residencias para artistas ha acogido a mas de 400 participantes. Ha causado impactos importantes en las vidas y carreras de los artistas. En los últimos cuatro años ejerciendo como director, he tenido el placer de trabajar junto con 50 artistas a través del programa, y es increíble reflexionar sobre sus evoluciones, avances, fracasos y transformaciones durante su mes de residencia en Syracuse. El programa ofrece $5.000, un apartamento durante el mes y acceso veinticuatro horas, los siete días de la semana, al laboratorio, con personal de apoyo. Es una mágica combinación de tiempo, espacio y apoyo cuyo resultado es la producción de excelentes trabajos.

El laboratorio en sí es un nicho importante para artistas regionales, estudiantes y artistas que nos visitan, uniéndonos como comunidad.

Estuviste viviendo en Vrindavan, al norte de la India. ¿Qué fue lo que más te sorprendió de sus costumbres y cultura? Nunca había ido a esa parte del mundo, y me afectó profundamente su cultura. No me considero una persona religiosa, pero estaba bastante tocado por su espiritualidad, la cual forma parte de su día a día, especialmente en un lugar como Vrindavan. Fue una experiencia poderosa, y como es de esperar, las fotografías reflejan eso.

¿Cómo hace un artista para participar en el programa de residencia? Aceptamos aplicaciones cada año para seleccionar a los artistas para el año siguiente. Cada año podemos llegar a recibir 500 aplicaciones, y el proceso de elegir sólo doce es, como te puedes imaginar, bastante difícil. Es un placer que tanto trabajo de alta calidad sea compartido con nosotros, y llegar a conocer a los artistas tras ellos.

Puedes encontrar más información en la web www.lightwork.org.air

Debes haber conocido muchas personas interesantes a través de tu trabajo y viajes. Siempre. Cuando viajo intento decir “sí”. Si alguien me sugiere que visite algún lugar, o conozca a una persona en particular… sí. Esto tiende a llevarte por el camino correcto.

¿Esto te deja el tiempo suficiente para desarrollar tus proyectos personales? Encontrar un balance entre mi trabajo personal y mis otros proyectos no es fácil, pero a menudo compaginan muy bien.

Light Work es una organización dirigida por artistas, lo cual nos enorgullece. Es grandioso poder ir de mi oficina a uno de los mejores laboratorio del país a pie, y tener colegas que son los mejores en lo que hacen.

En tu web dices que tu relación con el sur americano empezó a través de la música y esto te llevó a crear la serie One Sun, One Shadow. ¿Cómo describirías la influencia de la música en tus fotografías? Creo que la música me informó para poder “imaginarme” el sur, antes de que fuese allí por el proyecto. Me empezó a interesar mucho la manera en la cual la música informa a las personas sobre nuestra relación con el paisaje, y viceversa – como el paisaje le da forma a la música.

¿Volverías a instalarte en la India? ¿Dónde te gustaría vivir? Me encantaría regresar a la India y sin lugar a dudas vivir allí. Es un país hermoso y complejo. Aunque no creo que esté escrito en las estrellas por los próximos años (risas). Tengo la suerte de encontrar oportunidades para viajar ocasionalmente, así que donde vivo depende más de las personas que me rodean que del lugar. Eso es lo que hace un hogar.

Esta vez nuestro monotema es el SILENCIO. ¿Eres una de esas personas que requiere una dosis diaria de silencio para vivir feliz o te gusta estar rodeado por el caos y el movimiento? Creo que todos necesitamos una poco de silencio. Últimamente he sentido como si ya no tuviese ese tiempo para mí mismo. Vivimos en una cultura muy acelerada, y el volumen tiende a ser alto. Creo que yo me alimento de la energía de las cosas que retumban a mi alrededor, pero también es importante encontrar tiempo para reflexionar.

¿Qué concusión obtienes tras estos años trabajando con una nueva generación de artistas? La fotografía es, y siempre ha sido, un medio que cambia con rapidez. En los últimos años he mirado más trabajos que nunca, y nunca antes se habían producido tantos. He notado que la nueva generación de artistas son rápidos y ágiles. A veces, algunos proyectos carecen de la profundidad expuesta por artistas que habían invertido años desarrollando un conjunto de trabajos, por otro lado, he visto usos muy creativos e interesantes del medio, artistas que empujan los límites, tratando temas sociales importantes y cuestionando qué es, o puede ser, una fotografía.

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CREO QUE YO ME ALIMENTO DE LA ENERGÍA DE LAS COSAS QUE RETUMBAN A MI ALREDEDOR, PERO ASÍ DE IMPORTANTE .ES ENCONTRAR UN TIEMPO PARA REFLEXIONAR

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You’re very young and you’ve already launched your own publishing house, created a magazine, and now run an organization that supports emerging artists that work in photography. Many wonder how it is possible to go so far in a few years. What is your secret? I’m lucky to work in a creative field, because my “ jobs” come from things I care a lot about, and have just pursued out of an initial passion and intrigue. There’s not a secret—it’s just about following your interests and working with others to accomplish things that you couldn’t do alone.

On your website you say that your relationship with the American South began through traditional music and this pushed you to create your series One Sun, One Shadow. How would you describe the influence music has in your photographs? I think music informed the way that I “imagined” the South, before beginning to visit for the project. I became really interested in the way that the music of the region informs our relationship to the landscape, and vice versa—how the landscape shaped the music.

Is there a song or musician that especially motivates you? This is always changing, so that’s tough to answer… I recently came upon a young artist, Leon Bridges, who just released his debut soul album called Coming Home. I’ve been playing that a lot.

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You were living in Vrindavan, northern India. What surprised you the most about their customs and culture? I had never been to that part of the world before, and was deeply affected by the culture. I’m not a religious person myself, but was really moved by the spirituality that is a part of daily life there, especially in a place like Vrindavan. It was powerful to be around, and naturally the photographs became about that.

You must have met very interesting people with your work and travels. Always. I approach traveling by simply saying “yes” to things. If someone suggests I visit a certain place, or meet a particular person… yes. This tends to lead you the right way.

Would you return to settle in India? Where would you like to live?

I’d love to visit India again, and certainly I’d love to live there. It’s a beautiful and complex country. I’m not sure that’s in the cards for the coming years though (laughs). I’m lucky to find some opportunities to travel occasionally, so where I live has been more about the people I’m around than the place. That’s really what makes a home.

This issue’s topic is SILENCE. Are you one of those who require a daily dose of silence to live happy or do you like being surrounded by movement and chaos? I think everyone requires some level of silence.

Lately I’ve felt like I don’t make that time for myself. We live in such a fast paced culture, and things are rather loud. I think I feed off of the energy of things buzzing around me, but equally important is finding some time to just reflect.

Many of your photographs convey a sense of tranquility. You don’t seem to be attracted by the chaos in the cities, am I right? I love cities, and their chaos. I think at the time I was living in a bigger city and maybe was attracted to rural environments. I’m in a smaller city now, and often miss the feeling of a larger one.

Tell us about Light Work, an organization that was born to provide support to emerging photographers. Light Work is a very special place, founded in 1973. We offer support to artists through exhibitions, publications, residencies, and a lab facility in Central New York. The Artist-in-Residence program has hosted more than 400 artists. It has made important impacts on artists’ careers and lives. In just the past four years as director, I’ve had the pleasure of working with over 50 artists through the program, and it’s amazing to reflect on the evolutions, breakthroughs, failures and transformations that happen during their month in Syracuse. The residency offers a $5,000 stipend, an apartment for the month, and 24/7 access to a lab facility with staff support. It’s really a magic combination of time, space and support that leads to the production of great new work. And the lab itself is an important hub for regional artists, students, and visiting artists to come together as a community.

How does an artist participate in the residency program?

We accept applications every year to select the artists-in-residence for the coming year. Each year we receive as many as 500 applications, and the process of selecting just 12 artists, as you can imagine, is not easy. It’s always a treat to have so much great work shared with us, and eventually to get to know the artists behind it. Info can be found online at www.lightwork.org/air Does this leave you time to carry out your personal projects?

Striking a balance between my personal work and my other roles is not always easy, but often they work so well together. Light Work is an artist-run organization, so we pride ourselves in that. It’s wonderful to have my office be walking distance from one of the best labs in the country, and to have colleagues that are the best at what they do.

What conclusions did you get after these years working with new generations of artists? Photography is, and has always been, a rapidly changing medium. In the last few years I have looked at more work than ever, and more is being made than ever. I have noticed the ways in which a new generation of artists are fast and nimble. At times, certain projects are missing the depth that they used to have from artists spending years developing a body of work, but conversely I’ve seen some of the most creative and interesting uses of the medium, artists pushing boundaries, talking about important social issues, and questioning what is, or could be, a photograph.

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I THINK I FEED OFF OF THE ENERGY OF THINGS BUZZING .

AROUND ME, BUT EQUALLY IMPORTANT IS FINDING SOME TIME TO JUST REFLECT.

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T: EVA VILLAZALA

JO FISCHER The persistence of a gaze

Cuando descubres algo que te hace bien, es de personas sabias no dejarlo escapar e investigarlo a fondo. Jo Fischer sintió que sus sentimientos alcanzaban una expresividad auténtica al manifestarse a través del visor, antes, durante y después de un click. Fue así como dejó su carrera como músico para colgarse la cámara convirtiéndola en un segundo corazón que bombea vida. Su mirada es clara, directa, sincera. Tal como él dice, busca que sus retratados miren a la cámara como si ésta fuera invisible, sólo así consigue extraer esa fuerza interior real de los mismos. Coincidimos con él en el pasado Wheels & Waves de Biarritz, cita que no se pierde desde que lo descubrió. De hecho es el artífice del libro con el mismo nombre del festival, 140 páginas de fotografías en blanco y negro que muestran mucho más que motos.

When you discover something that feels good, it’s wise not to let it slip away and dig deep in it. Jo Fischer felt his emotions rise to an authentic state when he was expressing them through the viewfinder, before, during and after the click. He left his career as a musician to make the camera his second heart, constantly pumping life. His vision is clear, direct and sincere. As he says, he looks for his sitters to look at the camera as if it was invisible; like that he manages to capture that real inner strength in them. We met him during last year’s Wheels & Waves Festival in Biarritz, an event he hasn’t missed since he first discovered it in 2012. Actually, he is the one behind a book that carries the same name as the festival; 140 pages of black and white photographs that depict way more than just motorcycles.

jofischer.com

LA BELLEZA ES ALGO MUY COMPLEJO, QUE NO SE PUEDE FIJAR EN ASPECTOS EXTERNOS.

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¿Cómo ha ido el Wheels & Waves este año? El Festival Wheels and Waves ha crecido mucho, lo que es muy positivo para la escena custom internacional.

Hay un gran potencial y tengo mucha curiosidad de ver cómo se desarrolla en el futuro.

Has hecho un libro con fotografías del festival, lo descubriste en 2012, ¿qué es lo que te motivó a no bajar la cámara en tres días? En primer lugar tengo que decir que si hubiera sabido de antemano el estrés que supondría hacer el libro además de mi trabajo como fotógrafo, no lo hubiera hecho. Fui al festival en 2012 y 2013 y estaba tan fascinado por el colorido de esta comunidad que durante seis días sólo dejé la cámara para dormir y ducharme. Soy fotógrafo porque puedo contar las historias así mejor que escritas y en Wheels and Waves pasan cada segundo docenas de historias ante la cámara, tantas que es muy difícil capturar todas. Al principio no pensé en un libro. En 2013 durante el camino de ida hacia allí no podía esperar para tomar fotos. La idea del libro me vino durante el evento de ese año. Quería mostrar mucho más que fotos de motocicletas, éstas se ven perfectamente en todas las revistas.

Dices que el blanco y negro contiene todos los colores que necesitas, que enseñan más profundidad, ¿empezaste disparando en blanco y negro? cuéntanos tus inicios en la fotografía. Mis primeros años como fotógrafo fueron de todo menos un éxito. Antes fui músico y durante casi 20 años canté en diferentes bandas. Inicialmente solo rock, más tarde rock con influencias de punk rock y todo lo que se dejaba mezclar de alguna forma. Cuando llegué a la fotografía, lo fotografiaba todo pero sin concepto. Con los años llegó la experiencia con el tratamiento de la luz y la sombra, un montón de ideas que reflejan lo que hoy hago.

El blanco y negro es un modo de expresión, en color la foto tiene un significado diferente. Sin embargo, también hago fotos en color. Cuando firmé el contrato para la galería en 2011, comencé a pensar más, a ver las cosas de manera diferente y en última instancia a cambiar mi forma de fotografiar. La galería y los coleccionistas tienen unas expectativas muy altas. Si esto es bueno para mi trabajo fotográfico, aún está por ver. En cualquier caso, no es fácil ser un artista. Hay que pensárselo bien antes, y no solo por el aspecto económico, a mí me sale humo cada día de la cabeza planteándome qué es lo que debo fotografiar y cómo hacerlo. Sería más fácil sentarse en la caja registradora de la ferretería y luego encender el televisor. Pero lo fácil lo puede hacer cualquiera, por eso soy fotógrafo.

muestra culturismo puro. Al espectador le dejo la interpretación. ¿Qué es la belleza? Eso es algo muy complejo, que no se puede fijar en aspectos externos.

Me gusta cuando las personas que retrato miran directamente a la cámara. Esto me da una visión profunda, es un momento muy íntimo . ¿Necesitas pasar mucho tiempo con la persona que vas a retratar para saber lo que destacarás de ella o es algo que te llama la atención y te atrae de forma instantánea? Hace poco fotografié a Ville Valo de HIM en Helsinki. Es un ejemplo de persona que tiene veinticinco citas al día. Pero mi condición era que necesitábamos conocernos antes de sacar mi cámara.

No puedo fotografiar a nadie impersonalmente en su intimidad. Estuvimos juntos diez horas y tomé dos fotos en la última media hora. Son dos fotografías muy personales de un muy sensible Ville Valo. Un encargo así es como visitar a un viejo amigo. Uno se toma un vino tinto y camina por la ciudad. Se cuentan cosas y en algún minuto llega el momento, pero no se puede obligar. Es un proceso.

Cuéntanos sobre el proyecto German Feierlichkeit, ¿viene del deseo de mostrar lo heterogénea y dispar que puede llegar a resultar Alemania? Como alemán no es fácil definir mis raíces culturales y como berlinés mucho menos. Distinto es con los bávaros, ellos por lo menos tienen salchichas blancas y cerveza. La celebración alemana toma su cultura de celebración del aguaardiente. Seguro que algunas fotos pueden equipararse a una fiesta de vacaciones de primavera en un Cancún de doble moral, pero en su esencia el proyecto muestra a los alemanes como son: ¡Arriba las copas!

En Psycho muestras esa parte de emociones a flor de piel del humano: euforia, locura, violencia, ¿te atraen esos sentimientos extremos, capturarlos en su máxima plenitud? Psycho es mi bebé. En ningún otro proyecto formé tanto parte de la acción como en este, de hecho para poder hacer las fotos me llevé incontables contusiones y magulladuras a casa. Pura adrenalina. Mucho sonido pshycobilly desde el escenario y el público formando lo que se espera en el pozo. Docenas de ‘psychos’ empujándose y tirándose al suelo unos a otros. La música volviéndose más rápida y el ambiente más agresivo. Y ahí estaba yo, en el medio, con mi Leica, me caí al suelo y recibí patadas en las costillas. Me puse de pie y llegó el puñetazo en la barriga, pero antes de caer pude hacer una foto. Me fui a casa destrozado con el pulso revolucionado. Eso es Psycho.

¿Cuántas cámaras tienes y cómo decides utilizar una u otra en función de lo que quieres fotografiar? Esta pregunta es muy fácil de responder. Uso dos cámaras, una de formato medio con película y una Leica M. Por lo general prefiero la Leica por su maniobrabilidad y su peso ligero. Las fotografías del libro las hice todas con la Leica.

De todos tus viajes, ¿qué país, ciudad o pueblo te ha llamado más la atención y te ha marcado para siempre? Hasta ahora el viaje más impresionante que he hecho ha sido el que hice solo en el Amazonas. Me fui en un pequeño barco con mi cámara en dirección a Manaus. Pasaba las noches en mi hamaca colgada entre unos árboles en la orilla. No hay nada mejor que despertar con el sonido de la selva.

En tu proyecto Einsen muestras a culturistas de forma muy personal, enfocándote más en sus miradas que en sus cuerpos, ¿qué aprendiste de ellos en cuanto al concepto de belleza? El proyecto Einsen

Nuestro próximo monotema es Silencio: ¿En qué situación te has quedado últimamente sin palabras?

Estando en Colombia, alguien sostuvo un revólver frente a mi cámara, me quedé sin habla.

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BEAUTY IS SOMETHING QUITE COMPLEX THAT CANNOT BE FIXED ON EXTERNAL CHARACTERISTICS.

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How was the Wheels & Waves this year? The festival has grown a lot, and that’s really positive for the international custom scene. There’s great potential and I’m really curious to see how it develops.

You had a book published with photographs from the Wheels & Waves Festival, which you discovered in 2012, what motivated you to shoot nonstop for three days? I must say, first of all, that if I had known beforehand all the stress behind making the book, besides my job as a photographer, I would not have done it. I went to the festival in 2012 and 2013 and was so mesmerized by the colorfulness of this community, that throughout six days I only left the camera aside when sleeping and showering. I’m a photographer because through images I can tell a story better than with words, and in the Wheels & Waves Festival every second there are dozens of stories in front of the lens, there are so many that it gets really tricky to capture them all. At first, I didn’t think of a book. In the 2013 edition, on my way there, I couldn’t wait to start shooting. The idea of the book came to me during that year’s event. I wanted to show much more than just pictures of motorcycles; you could easily see those in magazines.

You’ve said black and white photography provides all the colors you need, those that have more depth; did you start shooting in black and white? Tell us about your beginnings as a photographer. My first years as a photographer were everything but successful. Before that I was a musician and was singing in different bands for almost twenty years. At the beginning it was only rock, after that, rock with some punk rock and everything that could be mixed in it. When I finally got into photography, I was shooting everything, without any concept though. As the years passed by, I gained more experience regarding lights and shadows, and a lot of ideas that reflect what I do these days. Black and white photography serves as a means of expression, when the photograph is in color, the meaning is different. Nevertheless, I also shoot color.

When I signed the contract with the gallery in 2011, I started to think more, to see things differently, and eventually I changed the way I photograph. The gallery and the collectors usually have high expectations.

If this is positive for my photographic work, is still to be seen. Any way is not easy to be an artist. You have to think it thoroughly before, not just because of the economic implications; my head burns every day thinking of what I am supposed to shot and how I will do it. It would be easier to sit in the cash machine of a hardware store and then turn on the T.V. But what’s easy can be done by anyone, that’s why I’m a photographer.

How many cameras do you have and how do you choose one or the other in relation to the subject you’re shooting? That’s an easy question to answer.

I use two cameras, one that employs medium format with film and a Leica M. Usually I prefer the Leica because it’s easier to handle and light weighted. All the pictures in the book were shoot with the Leica.

In your Einsen project you show bodybuilders in a very personal manner, focusing more in their eyes than in their bodies, what did you learn from them regarding ideals of beauty? The Eisen project shows bodybuilding in its purest form. I leave the interpreta-

tion of the images to the audience. What is beauty? It’s something quite complex that cannot be fixed on external characteristics. I like when my sitters look straight into the camera. It gives me a profound vision; it’s a very intimate moment.

Do you need to spend a lot of time with the person you’re going to shoot in order to know what you want to highlight or is it more about something that catches your eye straight away and attracts you immediately? Not long ago I photographed Ville Valo from HIM in Helsinki. He is the example of a person that can have 25 appointments a day. But my condition in order to shoot him was that we needed to meet before taking out the camera. I cannot photograph anyone in an impersonal manner within their intimacy.

We were together for ten hours, and I shot two pictures in the last thirty minutes. They’re two very personal images of a very sensitive Ville Valo. A project like that resembles meeting an old friend. Drinking wine and walking through the city. Telling each other stories and in any second the moment arrives, but you cannot force it. It’s a process.

Tell us about the German Feierlichkeit project, did it arise from the desire to show how heterogeneous and diverse Germany can be? As a German, is not easy for me to define my cultural background, much less as a Berliner. It’s different with the Bavarian; at least they have white sausages and beer. The German celebration adopts its culture from the celebration of the aguardiente. Surely, some of the pictures might be compared to a double standard spring-break party in Cancun, but in its essence the project shows the Germans as they are: bottoms up!

In Psycho you show that emotional aspect latent in every human being: euphoria, madness, violence.

Are you drawn into these extreme feelings, capturing them at their maximum expression? Psycho is my baby. In no other project I have been so immersed in the action like in this one, matter of fact, in order to achieve those images I suffered innumerable contusions and bruises. Pure adrenaline. Tons of psychobilly sounds from the stage and the audience shaping what’s expected in the pit; dozens of psychos pushing and throwing each other to the floor, the music picking up its pace and the environment turning each time more aggressive. And there I was, in the middle, with my Leica. I remember falling to the ground and receiving many kicks on the ribs. I stood up and a punch in the stomach, but before falling again I managed to shoot a picture. I went home shattered and with my heart pounding. That’s Psycho.

From all your travels, which country, city or town has captivated you the most and has marked you forever? So far, the most impressive journey I’ve done was by myself to the Amazons. I went on a small boat with my camera in direction to Manaus. I use to spend the night in a hammock hanging in-between trees by the side of the river. There’s nothing better than waking up to the sound of the jungle.

This issue’s theme is SILENCE : lately which situation has rendered you speechless? Being in Colombia, some pointed a revolver at me while I was holding the camera, I was dumbstruck.

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T: ERIKA LEIVA

Le Chien Vert LO QUE NO VEMOS La fuerza del universo no está escondida en ningún lugar recóndito entre galaxias a años luz, la magia se haya en el silencio de las conexiones entre nuestro pensamiento, el esternón, la garganta, las estructuras políticas, sociales y económicas que lo estropean todo y nuestros miedos. Quizá los antiguos tuvieron una idea más sabia del equilibrio, a nosotros la cosa se nos ha ido de las manos. Fede Sánchez, el nombre tras Le Chien Vert, sabe que el arte puede cambiar el mundo, o al menos provocar un pensamiento en uno entre mil, que ya es mucho, por eso aunque su rutina diaria le absorba un tiempo precioso, ha aprendido a gestionarlo para dedicarle un lugar a sus creaciones. Sus obras son una reflexión sobre las conexiones.

The strength of the Universe is not hidden somewhere light-years away, it’s magic dwells in the silence between the connections of our thoughts, our breastbone, throat, political, social and economic structures that ruin everything, in our fears. Maybe the ancient tribes had a clearer idea regarding balance, because the shit has hit the fan in modern times. Fede Sanchez, the guy behind Le Chien Vert, knows art can change the world or, at least, provoke thoughts in one amidst a thousand, which is all it’s needed and it’s quite a lot, that’s why, though his work takes a lot of time from him, he has learned to manage it in order to concentrate deeper in his creations. His pieces represent a reflection upon connections.

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Tus personajes parecen criaturas que bien podrían haber pintado los mayas tras uno de sus viajes iniciáticos, ¿quiénes son, cómo surgieron? Mayas, aborígenes australianos, Indios de toda América, Dogones, Shadus Hindus, lamas tibetanos ¿qué diferencia hay entre ellos? Ninguna, es el gran espacio que existe desde la noche de los tiempos y que algunos han deseado profundamente explorar para traer de allí conocimiento puro. Hace ya más de treinta años que lo exploro a mi manera e intento plasmarlo y compartirlo .

Destacas varios puntos cardinales en ellos: la cabeza, el corazón y el sexo, ¿hay alguna razón para ello? Sí, son los centros energéticos de nuestro cuerpo- alma y sus conexiones con el mundo que menciono.

Tienes desde hace años un contacto directo con artistas como Shepard Fairey debido a tu vinculación con Obey, ¿ha influido esa cercanía en tu forma de entender el arte? Comparto muchos valores con Shepard al mismo tiempo que he vivido muy implicado con los iconos musicales, artísticos, políticos y medio ambientales que él aborda en su obra, de hecho trabajar con Obey ayuda a amplificar y compartir el mensaje que yo mismo comparto, me ayuda a realizarme como individuo en este planeta.

Astronomía y cuerpos celestes, ¿cuál es la fórmula que sitúa al humano en el universo? La astronomía y los cuerpos celestes nos dan una noción de lo físico, de lo cósmico, una cierta relatividad que nos ubica como seres en una ínfima parte de la inmensidad cósmica.

La fórmula que nos sitúa con respecto a ello se basa en que, aunque nos veamos físicamente muy pequeños si nos comparamos con esa macroescala, existe ese espacio que menciono desde el comienzo de la entrevista, en el cual las dimensiones no se miden de la misma manera y podemos desplazarnos con el pensamientoespíritu tan lejos como seamos capaces de imaginar. ¿Qué estamos haciendo bien y qué estamos haciendo mal? Nuestra percepción del mundo no es la correcta, el paradigma capitalista que nos hace a todos ser dependientes de lo material está conduciendo al planeta contra un muro. Sólo un despertar colectivo de una conciencia planetaria bien pensante podrá detenerlo.

Le Chien Vert, ¿puede la diferencia, el sentirte distinto al resto, hacerte más fuerte? No hay noción de fortaleza en ello, es solo una manera divertida de presentarme. ¿Por qué te llamaban El Perro Verde? Procede de la broma andaluza tan típica… hijo eres más raro que un perro verdeeee ¡y eso quedó, lo traduzco en las diferentes lenguas en las que me muevo!

Paz, amor, dinero, equilibrio, universo, ¿cuál es la simbología más importante en tu obra? El dinero representa lo material y la esclavitud a la que nos somete. Aunque mi percepción me dice que en sí no es nada malo si se tiene una mentalidad positiva y respetuosa, sería una especie de fluido que nos permitiría realizar nuestros proyectos, lógicamente el compo-

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nente egoísta no entra en este juego. Creo y quiero pensar que un equilibrio y armonía es posible, es un trabajo diario personal y colectivo en el que de manera natural se restablezca un equilibrio.

En una de tus exposiciones más recientes hiciste una clara crítica contra la especulación inmobiliaria, cuéntanos en qué consistió. Participé en un evento aquí en Francia llamado Art in House, se puede consultar con el hastag #artinhouse. Fue en el Pais Vasco francés e intervinieron artistas importantes de la escena Street art y Graffitti. El evento fue creado por un promotor inmobiliario que se inspiró en otros ejemplos. Es bien sabido que en muchos lugares del mundo, para recalificar terrenos, apartamentos o barrios, se busca la intervención de artistas que atraen la atención para que se vea con buenos ojos. El caso es que siendo yo mismo del País Vasco (el resto de artistas vino de fuera) vi que la casa se llamaba Irrintzina, que es el grito de fiesta o de lucha de los gudaris vascos (guerreros) así que me pareció una buena idea trabajar con esa noción. Durante la realización de la obra me di cuenta de que habían intereses económicos muy fuertes y que se iba a realizar un complejo con apartamentos de lujo, que el nuevo proyecto se llamaría California (vaya transición de Irrintzina a California!). Amo mi tierra, que tiene una cultura muy ancestral y me pareció que tenía que intervenir, así que mis personajes emitían gritos que se alzaban contra la especulación galopante que sufre esta región y que no permite que la gente local pueda alojarse de forma digna. Los precios en los últimos veinte años se han multiplicado por cinco o por seis. Antes una casa costaba 100.000 euros ahora 600.000. Pero los sueldos siguen igual. Lógicamente mi intervención creó una polémica virulencia. ¿Es tu arte una vía para la crítica? Es siempre relativo a una concienciación, personalmente creo que los artistas pueden y deben, mediante bellas ideas, mejorar este mundo . ¿Cuándo empezaste a pintar y qué te motivó a hacerlo? Hace 22 años ya y de manera irregular porque mi trabajo me limita mucho el tiempo.

Con tu día a día, lleno de viajes y proyectos, ¿cómo lo haces? Ha llegado el momento en el que he decidido no posponer más el plazo para crear y saco tiempo de donde puedo. Es vital para mí. Viendo el amplio y creativo panorama artístico mundial, me he dado cuenta de que puedo aportar mi pequeño grano de arena. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Trabajo en una exposición personal que presentaré en otoño del 2016.

Nuestro próximo monotema es silencio: ¿qué último acontecimiento recuerdas que te haya dejado totalmente en silencio? (ya sea por bien o por mal). Las macrotragedias me dejan sin palabras: terremotos, genocidios, guerras. Pero las mini tragedias cotidianas de la gente que me rodea también lo hacen. Todos los días dedico silencio a una actividad consciente que me proporcione bienestar personal. Eso limita las veces en las que me quedo estupefacto y obligadamente en silencio por la realidad cruel y bestial que nos infringen las guerras, injusticias e las imágenes violentas de

EXISTE ESE ESPACIO EN EL CUAL LAS DIMENSIONES NO SE MIDEN DE LA MISMA MANERA Y PODEMOS DESPLAZARNOS CON EL PENSAMIENTO-ESPÍRITU TAN LEJOS COMO SEAMOS CAPACES DE IMAGINAR

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THERE’S A SPACE IN WHICH DIMENSIONS ARE NOT MEASURED IN THE SAME WAY, HERE WE CAN TRAVEL WITH OUR THOUGHTS-SOULS AS FAR AS WE ARE CAPABLE OF IMAGINING.

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Your characters resemble creatures the Mayans could have drawn after one of their Peyote-fueled journeys, who are they and how did they emerge?

Mayas, aboriginal Australians, indigenous tribes from all America, the Dogon people, Hindi Shadus, Tibetan lamas, is there any difference between them? None. It’s the huge space that exists since the dawn of time, a place that many eagerly wish to explore to bring back from it pure knowledge. It’s been over thirty years since I’ve been exploring it, in my own way, trying to capture it and share it.

You highlight different cardinal points in the human body, such as the head, the heart and genitalia, is there a reason for this? Yes, those are the energetic centers within our body and soul, they are the ones that connect us with the world I’m talking about.

Since some years back you’ve been in direct interaction with artists such as Shepard Fairley, due to your association with Obey, has that closeness inf luenced your conception of art? Shepard and I have many similar values, as well, throughout my life, I’ve been implied with the musical, artistic, politic and environmental icons he depicts in his works, as a mater of fact, working alongside Obey has helped me widen and share the message I belief myself; it helps me achieve fulfillment as an individual in this planet.

Astronomy and celestial bodies; which formula situates the human being within the Universe? The study of astronomy and the celestial bodies give us a notion of what’s physical and what’s cosmic, a certain relativity that place us as beings in a tiny part within the cosmic immensity. Though we see ourselves physically small if we are compared at that macro-level, the formula that situates us is based upon a space in which dimensions are not measured in the same way, here we can travel with our thoughts-souls as far as we are capable of imagining.

As a specie, what are we doing correctly and what are we doing wrong? Our perception of the world is mistaken, the capitalist paradigm that makes us all dependent on what’s material is going to lead us to crash and burn. Only a collective awakening of our planetary consciousness could stop it.

Le Chien Vert: being different, feeling odd amidst others, makes you stronger? There’s no sense of strength in that, is just a fun way to present myself.

Why are were you called The Green Dog? It comes from the classic Andalusian joke… Dude you’re stranger than a green dog. And it stuck: I translate it to the different languages I find myself fluctuating in.

Peace, love, money, balance, the Universe, which is the most important symbology within your work?

Money stands for everything that’s material and the slavery it imposes upon us. Though my perception tells me it’s not wrong per se as long as you have a positive and respectful mentality, it could be seen as some kind of fluid that allows us to fulfill our projects; of course selfishness would not be a part of the equation here.

I think, and want to believe, that an equilibrium and

balance is possible, all that’s needed is daily personal and collective work and as a result a collective equilibrium can be reestablished.

In one of your most recent exhibitions you did an outspoken criticism against real state speculation, what was it about? I participated in an event here in France called Art In House, which can be found with the hashtag #artinhouse. It was in the French Basque Country and important street and graffiti artists intervened. It was a real state developer who put the event together; he got the idea from previous examples. It’s well known that in many places around the globe, in order to re-evaluate lands, apartments or neighborhoods, the intervention of artists is pursued to attract attention and social approval. So, since I’m from the Basque Country (all other artists were from abroad), I noticed the house was named Irrintzina, which is the cry of battle of the Basque gudaris (warriors). I thought it was a good idea to work around that concept. Throughout the building stage I realized that there were many strong economic interests and that a luxury apartment complex was going to be built, the new name for the project would be California (quite a transition from Irrintzina to California!). I love my homeland; it has an ancient culture very important to me, so I believed I had to intervene. That’s why the characters I did were emitting cries, cries against the soaring speculation this region is suffering and that doesn’t allow locals to live worthily. Prices over the last twenty years have multiplied five or six times. Before a house was 100.000 euros, now, 600.000. But wages remain the same. Obviously my intervention resulted in a virulent controversy.

Does your art serve as a means for criticism? It’s always relative to consciousness. On a personal level, I believe artists can, and must, by virtue of beautiful ideas, work to make the world a better place.

When did you start painting and what was the motivation behind it? I started twenty-two years ago, it’s been inconsistently since my job limits the amount of time I have.

With your daily routine filled with travels, how do you manage to find time to paint? Sometimes I decide not to postpone the creative process anymore, and I find time where there’s none. It’s crucial for me.

Looking at the vast and creative artistic scene there is worldwide, I’ve realized I can contribute in some kind of way, no matter how small it is.

What projects are you working on next? I’m working on a solo show opening in autumn 2016.

This issue’s theme is SILENCE: which was the last event you remember that rendered you speechless?

Macro-tragedies leave me speechless: earthquakes, genocides, wars. Though the small tragedies that happen every day have the same effect on me. Every day I carry out a conscious activity in silence, that offers me personal well being. It also limits the amount of times I find myself astonished and speechless due to the cruel reality imposed on us by wars, injustices and violent images of every kind, every day. Peace.

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Tranquilo, así es como se maneja este tío que nos sorprendió a todos durante el Nike SB SLS Pro Open con sus grinds, flips y, por encima de todo, aerials espectaculares y creatividad desbordada. Terminó tercero y obtuvo un lugar dentro de los SLS Pros, ganándose la oportunidad de salir de gira con algunos de los mejores riders del mundo. Sin embargo, para él la competición no es lo esencial, lo es más la diversión y esto queda claro cuando patina. Emocionado siempre, hablamos con él durante el Make It Count de Element en Mollet del Vallés, donde patinó descalzo de un lado a otro, mientras hacía de jurado. No soltó ni la tabla ni la sonrisa en todo momento. ¡Más majo!

‘Tranquilo’, such is the state of mind this guy keeps, he blew everybody’s mind at the Nike SB SLS Pro Open with his grinds, flips and, above all, amazing aerials and groundbreaking creativity. He finished third and obtained a spot in the SLS Pros, earning the chance to tour around with some of the best riders in the world. Nevertheless, this guy is not about competing but about having fun, something quite clear when he skates. Always psyched, we had a quick chat with him during Element’s Make It Count at Mollet del Vallés, where he skated barefoot from side to side while officiating as jury. He did not let go of his board and smile at all times. What a cool dude!

T: FELIPE DUARTE F: EVA VILLAZALA

Metric psyched precision

EVAN SMITH Te vimos la semana pasada en el Nike SB SLS Pro Open, ¡felicidades por tu tercer puesto! Gracias tío, buenos tiempos, tiempos locos, ¡todos los riders tienen tanto talento! ¿Cómo te sientes por haber obtenido un puesto en el SLS? Dios mío, es… ni siquiera lo sé, me parece completamente descabellado. Ahora podré patinar junto a superhéroes, ¿sabes? Gente como Paul Rodríguez, Chris Cole y Nyjah, que simplemente son muy buenos.

Es realmente divertido empujar el skate por vías diferentes en el Street League.

Ya llevas más de una semana en Barcelona. Sí, y me quedan tres más.

Qué cool, ¿y cuáles son tus spots favoritos en la ciudad? Me gustan mucho todos los spots que quedan fuera de ella, aquellos a los que no llegas sin coche, hay tantos buenos. Mi favorito en España está en Mallorca. Esa isla es hermosa.

Hoy en el concurso Make It Count de Element has hecho de jurado, ¿qué tal ha sido estar del otro lado

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evaluando trucos? Muy bien, he tenido la oportunidad de ver a gente patinando, amo el skateboarding, todo acerca de él, ver a chicos ripear y motivándose a sí mismos, planchando trucos ante un público, ese es mi sueño, no quiero hacer nada más. Si yo no puedo patinar, por favor, que todos patinen.

Tuve la oportunidad de ver tu video con Element, The Evan Smith Experience, y allí hay trucos bastante locos, ¿alguno que recuerdes? ¿De los que hice yo? (Risas) No, no pienso en eso; eso fue hace como dos años. Ahora quiero realizar partes nuevas, ¿sabes?

Hacer nuevos vídeos. En este momento estamos trabajando en tres partes diferentes, una para Thrasher, otra para Element y otra para DC Shoes. ¿Qué puedes contarnos de estos videos? ¿Dónde estáis filmando? Hemos estado viajando alrededor del mundo, el equipo de grabación es internacional, así que viajaremos mucho, lo cual es especial ya que siento que es la única vez en mi vida que podré patinar tanto como lo estoy haciendo ahora, ¡seguiré haciéndolo cuanto sea posible!

Seguro. Volviendo al tema de las competiciones, cuando participas, ¿siempre intentas ganar o se trata más de una batalla personal y de empujar tus límites? La verdad no me interesa tanto competir; lo que me gusta es ver a las personas planchar trucos, y el formato de competición es muy divertido porque te brinda un buen foco. Para mí no tiene importancia quién gane al final, eso no significa nada; sólo porque haya entrado al Street League no lo hace más cool, mola independientemente de mí, ¿sabes? (Risas).

Aunque ese día me fue bien patinando y afortunadamente ahora puedo formar parte del equipo de los Pros.

Hablando de ese día, tuvimos la oportunidad de verte hacer aerials, grinds, flips. ¿Hay algo que no puedas hacer? ¿Un punto débil? No lo sé, simplemente me gusta patinar en todas partes, así que intento sentirme igual en un half pipe o sobre el ledge, cómodo con la superficie y conmigo mismo.

Last week we saw you in the Nike SB SLS Pro Open, congratulations on your third place! Thanks man, good times, crazy times out there, everyone is so talented!

How do you feel about getting a spot in the SLS Pros? Oh my god, that is… I don’t even know, it’s crazy. Now I get to skate next to superheroes, you know? Like P-Rodriguez, Chris Cole and Nyjah, people that are just so good. It’s really fun to be able to push skating in a different way in the Street League.

You’ve been for over a week in Barcelona. Yeah, and I’ll stay for three more.

That’s cool, and which are your favorite spots in the city? I like all the spots outside the city, the ones that you have to take a van to get to; there are so many good ones. My favorite one in Spain is in Majorca, such a beautiful island.

Today, in the Make It Count contest by Element you were part of the jury, how was being on the other side, evaluating tricks? It was really, really cool because I got to watch skateboarding. I love skateboarding, everything about it, so watching kids rip and push themselves, land tricks in front of people, that’s my dream, I don’t want to do anything else. If I’m not skating, then I want everyone else to skate. If I can’t skate, everyone, please skate.

I got to see your Evan Smith Experience video by Element and there’s some gnarly stuff in there, any trick you remember? Of the tricks that I did?

(Laughs) No, I don’t think about that; that was like two years ago. Now I’m looking forward making new parts, you know? Putting out new videos. We’re working on three parts right now, one for Trasher, one for Element and the other for DC Shoes.

And what can you tell us about those videos? Where are you filming? We’ve been traveling all over the world, it’s an international filming crew, so we’ll go everywhere and it’s just special. I feel this might be

En el pasado dijiste que te gustaban los zapatos con luces y lengüetas dobles… (Risas) Cuando era más joven. ¿Ya no te gustan? No, eso fue cuando tenía como quince o dieciséis años. ¿Pero te gustaría diseñar tus propios zapatos?

Bueno, en este momento estoy usando unos zapatos que diseñé con DC. Saldrán al mercado en otoño del próximo año. Es un nuevo diseño para ellos.

Y para terminar, ¿qué planes tienes para estas tres semanas que te quedan en Barcelona? Seguiré grabando partes para los vídeos, conociendo gente, saliendo de fiesta y disfrutando del estilo de vida de la ciudad, porque es maravilloso y el clima es genial.

Básicamente me mantendré relajado y tranquilo.

Es un buen plan.

the only time in my life when I’m going to be able to skate this much, so I’m gonna keep it going as much as possible!

Sure. Now talking about contests, when you participate, do you always try to win or is it more of a competition with yourself, trying to push it further?

Honestly I don’t care that much about competing; I like seeing people land tricks, and the contest format is really fun because it gives you a nice light, an arena or something. So for me it doesn’t matter who ever wins the contest, that doesn’t mean anything; just because I got in the Street League it doesn’t make it any cooler, at all, the Street League is cool regardless of me, you know? (Laughs) Though that day I had a good day skating and luckily now I get to be a part of it.

That day we had the chance to see you do some aerials, grinds, flips. Is there anything you cannot do? A weak spot? I don’t know, I just like skating everything, so I try to feel as equal as possible either if it is on the half pipe or over the ledge, and as comfortable with the ground and myself.

I learned from a past interview you like shoes with two tongues, some lights on them… (Laughs) When I was younger.

You don’t anymore? No, that was when I was like fifteen or sixteen.

But you would be stoked to design your own signature shoes? Well, right now I’m wearing the shoes I designed with DC. They will be released on spring next year. It’s a new design for DC. Nice. And to sum it up, what are your plans for these three weeks you have left in Barcelona? I’ll just continue filming for the video parts and meeting people, partying, enjoying the lifestyle here because it’s wonderful and the weather is beautiful. So I’m just gonna keep it relaxed and ‘tranquilo’.

That’s a good plan.

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TEXTO Y FOTO: EVA VILLAZALA

CYCLE ZOMBIES El terror de las nenas.

Cuando haces de tu pasión, tu trabajo, parece que el círculo se cierra y todo cobra el sentido justo. Lo que puede dar de sí una tarde de cervezas entre amigos lo sabemos todos, pero es que a veces va más allá. Scotty y Chase Stopnik se tragaban las birras en el taller, un momento antes o después de pasarse la tarde patinando o cogiendo algunas olas. Y justo eso es lo que hacen con Cycle Zombies, sólo que ahora lo graban en vídeo, aprovechan para plasmar su carisma en una línea de ropa y montan fiestas a las que todo el mundo quiere ir porque se está a gustito. Hace muy poco viajaron con Stance al Wheels & Waves y se metieron en una pool abandonada para nuestro shooting. Es oírlos hablar, divertirse y relacionarse con el resto del mundo, y automáticamente sentir unas ganas irrefrenables de darles besos sin parar.

When your passion becomes your job, seems like a cycle is closed and everything gains the right meaning. We all know what can come out of an afternoon with friends and beers, but sometimes things might go beyond. Scotty and Chase Stopnik used to drink beers in their shop, minutes before, or after, spending an afternoon skating or riding waves. And that’s what they’ve kept on doing with Cycle Zombies; the main difference is that now they record it on video. They take advantage of their charisma, embodying it in a clothing line, and organizing parties everyone wants to attend, because we have to admit, they’re pretty cool. Not long ago they traveled with Stance to the Wheels and Waves Festival, where they got into an empty pool for our photo shoot. Just by hearing them talk, have fun and relate to others, a strong urge to kiss them relentlessly arises.

cyclezombies.com

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¿Qué es exactamente Cylcle Zombies? ¿Cuándo os habéis no-asociado bajo este nombre y formasteis esta gran familia? Primero y ante todo, Cycle Zombies es una familia. Hacemos ropa, construimos motocicletas, patinamos y surfeamos, pero su núcleo es la hermandad que compartimos. Son nuestras vidas construidas a base divertirnos y hacer aquello que amamos.

Surf, skate, construir y montar en moto, es todo parte de sentir la libertad, ¿creéis que es precisamente eso lo que hace que vuestro entorno sea creativo y esté vinculado al arte y la fotografía?

Sí, todas esas cosas le añaden creatividad a la vida. Esas actividades hacen que mires todo como oportunidades latentes. Ya sea una vieja pasarela, simple y llana, pero inevitablemente piensas: “¿cómo puedo patinar este spot?” o caminando por un mercadillo mirando cosas que le puedes añadir a tu motocicleta, sin que sean partes de motos.

Se trata de hacer algo más de cada día que pasa.

Stance os apoya de forma incondicional en todo lo que hacéis, ¿cómo es vuestra relación con la marca? ¡Stance es lo MÁXIMO! Estamos tan emocionados de formar parte de esta familia desde el primer día. No son sólo los viajes y las cosas divertidas que llegamos a hacer con ellos, sus calcetines son prácticamente lo mejor que existe.

Ellos serán los anfitriones de nuestra próxima fiesta, que tendrá lugar en su cuartel general este fin de semana, 20 de junio. Habrá comida, bebidas, música, skate, motocicletas y, por supuesto, la familia… no se necesita mucho más. En realidad intentamos cubrir todos los aspectos esta vez. El famoso tatuador a nivel mundial, Ben Grillo, estará haciendo tatuajes gratis todo el día. Si aún no conocéis su tra-

What is Cycle Zombies exactly? When did you guys (un)associated under this name and built this big family? First and foremost, CZ is a family. We make clothes, build bikes, skate and surf, but its core is the brotherhood we share. It’s our lives built on having fun and doing what we love.

Surfing, skateboarding, building and riding bikes, they’re all quintessential parts of feeling and being free, do you think that’s what makes your environment a creative one linked to art and photography? Yes. All of those things add a creative spin on life. Those activities naturally cause you to look at the things as a place of opportunity. Wether it’s a plain old walkway and you think ‘how can I skate this spot?’ or going through the swap meet and seeing something that you can add to your bike that isn’t a bike part.

It’s about making something more out of every day life Stance supports you guys unconditionally in everything you do, how is your relationship with the brand? Stance RULES! We’re so stoked to be a part of the family since day one. Its not only the travels and fun stuff we get to do with them, but the socks are pretty much the best thing ever. Stance is hosting our next party at their headquarters this weekend, June 20th. There will be food, drinks, music, skate, bikes and of course, the family… not much more needed than that. We really tried to cover all of the bases on this one. World famous tattooer Ben Grillo will be there giving free tattoos all day. If you haven’t seen his stuff you have to check

bajo, tenéis que echarle un vistazo. Es espectacular y nosotros estamos muy emocionados con el hecho de que forme parte del evento ¡Va a ser muy divertido! ¿Qué os ha parecido el Wheels & Waves? ¿Qué habéis estado haciendo por aquí y por allá? El Wheels & Waves ha estado increíble. Me ha parecido genial que el espectáculo se haya desarrollado por toda la ciudad, incorporando las salidas en moto como parte del show. Nos ha emocionado mucho formar parte del festival y ya estamos esperando al próximo año. ¿De qué moto que hayáis construido últimamente os sentís especialmente orgullosos? De la Panhead modelo 1949 de Big Scott. La acaba de terminar para el Born Free Show y definitivamente se lleva el pastel. Si no la habéis visto revisad el blog, ¡es una belleza! ¿Cómo fue la reciente gira que habéis realizado por Japón? Japón estuvo genial. Siempre nos tratan tan bien allí. Esperamos grandes cosas procedentes de la tierra del sol naciente para el futuro próximo.

Me encantan las fotos de Drew Martin, ¿trabajáis con él muy a menudo? Drew es un buen amigo al que conocemos desde hace como diez años. Es un gran tipo y un excelente fotógrafo con el cual trabajamos siempre que podemos.

Nuestro próximo monotema es Silencio, ¿cuándo apreciáis el silencio y cuando el ruido? Ruido, ruido, ruido a todas horas, todos los días hasta la hora de dormir.

it out. He’s amazing and were so stoked to have him a part of it.

It’s gonna be a fun one!

What are your thoughts about the Wheels & Waves? What were you guys doing here and there? Wheels and Waves was awesome.

I thought it was so cool that the show took place all over the city and really incorporated the actual riding of motorcycles into the show. We were stoked to be a part of it and are already looking forward to next year!

Which motorbike you built lately makes you feel especially proud? Big Scott’s 1949 Panhead he just finished up for the Born Free show takes the cake for sure. If you haven’t seen it take a look on our blog, it’s a beauty!

How did your recent tour in Japan go? Japan was great. They’re always so good to us out there. We’re looking forward to some great things in the near future in the land of the rising sun.

I love Drew Martin’s pictures; do you work with him often? Drew is a good friend of ours that we go back about 10 years with. He’s a great guy and great photographer that we work with as much as possible Our next issue’s theme is SILENCE, when do you appreciate silence and when, noise? Noise noise noise 24/7 until bed time.

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GEMMA O’BRIEN for the love of typing T: VALENTINE GRANGE F: LUIZA LACAVA

El talento es una habilidad especial. Algunas veces adquirida, es, en la mayoría de los casos, un regalo que ofrece fortalezas y valores que nos hacen individuos únicos. Para esta artista australiana, su talento radica en el arte de la escritura a mano, la tipografía y la ilustración. Un genio que no se escapó a los ojos expertos del equipo de Volcom, al cual ahora pertenece. Jugando con las formas de las letras y todas sus posibilidades, ella sabe perfectamente cómo enfocar su inspiración creativa y alinearla en armonía con la cultura de los boardsports.

Talent is a special ability. Sometimes acquired, it is, in the majority of cases, a gift that provides strengths and values that make each one of us a unique individual. For this Sydneysider artist, her talent lies in the art of hand lettering, typography and illustration. A genius that did not escape Volcom’s team of expert eyes, where she now belongs. Playing with the letters’ shapes and all their possibilities, she perfectly knows how to handle her creative inspiration and align it harmoniously with the world of the boardsports culture.

gemmaobrien.com

Eres una artista radicada en Sydney especializada en escritura a mano, tipografía e ilustración. ¿Cómo descubriste esta pasión? En la universidad empecé estudiando derecho, y tras un año me di cuenta de que debía estar haciendo algo más creativo, así que me retiré y me matriculé en la escuela de arte. Durante el primer año me interesé mucho por la tipografía y las letras y desarrollé una pasión por ello que he mantenido hasta ahora. En los últimos seis años este amor se ha desarrollado y he empezado a incorporarle ilustración, letras de comando y sí, ¡de eso se trata mi vida ahora!

Te uniste a la familia Volcom y ahora eres una de sus embajadoras. ¿Podrías contarnos acerca de vuestra relación y tu trabajo en el equipo? Llevo ya dos años formando parte del equipo de Volcom.

Todo empezó cuando Kimberly, del equipo australiano de mujeres de Volcom, vio un proyecto que hice llamado ‘The Spew Bag Challenge’ (El Desafío de Las Bolsas de Vómito). El proyecto se basaba en ilustrar las bolsas para el mareo de los aviones, cuando ella lo descubrió me contactó enseguida para saber si estaría interesada en ser embajadora de Volcom. Yo ya conocía la marca y desde entonces ha sido una gran asociación. Trabajo con las redes sociales, en los eventos y haciendo murales, piezas para las prendas, así que está bastante bien.

Creativamente puedo explorar y experimentar con lo que quiera.

También me permite viajar, estar de gira y participar en talleres, ¡lo que es perfecto!

Para este evento “Live and Alive” que ha organizado Volcom en Barcelona estás pintando un mural, ¿en qué idea te has basado?

Bueno, la primera vez que hice uno de los murales “True To This” fue en un evento en Sydney durante la proyección del film con el mismo nombre, que habla sobre la historia de Volcom desde 1991. Realicé un mural en gran formato, así que esta es una reiteración de la misma idea, aunque quería crear algo con un estilo diferente que fuese más acorde a la tienda, una pieza fluida en letra cursiva, ¡eso es lo que estaré pintando esta noche!

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¿Cómo logras integrar el arte con la cultura de los boardsports? ¿Prácticas alguno? Obviamente Volcom se centra en skate, snowboarding y surf y, aunque no practico ninguno de estos deportes, creo que en todos, la idea que yace tras ellos y su inspiración creativa es la misma, la creatividad es la gasolina. Y, ¿sabes? He conocido a todos los riders de Volcom que hacen skate y surfean, y muchos de sus ideales de vida y cosas por las que viven son las mismas que las mías, así que creo que se entrelazan. ¿Es tu primera vez en Barcelona? Sabemos que participaste en el festival OFFF, ¿qué te parece la escena artística aquí? ¡Sí, es mi primera vez en Barcelona! Me gusta. Como has dicho, estuve aquí la semana pasada para una conferencia en el OFFF el jueves y fue bastante bien; conocer a la comunidad artística para ver qué pasa.

Había muchas personas, una energía muy cool, así que Barcelona parece un lugar divertido. Como todas las ciudades europeas que he visitado, hay una energía buena y tropical tan propia de la playa, ¡además de ser un lugar muy creativo! Eso es bueno. ¿Por qué escogiste trabajar con letras y palabras? ¿Tienen algún significado especial para ti? Sí, me imagino. Algunas veces el contenido de las palabras es importantes para la pieza, cuando se trata sobre lo que dice, y en otras ocasiones me centro en explorar la forma de letras individualmente y llevarlas hacia una ilustración.

Cuando se combinan ambas situaciones es lo mejor, eso es algo que siempre intento explorar en mis propias exposiciones individuales, en shows de arte o como directora comercial. Algunas veces te imponen el texto, pero cuando puedes crearlo tú mismo, es lo mejor. ¿Cómo ves el futuro? ¿Tienes algún proyecto nuevo en mente?

Una exposición individual en Sydney en un mes y medio y luego regresar al estudio. Seguiré haciendo lo mismo, trabajar en grande y haciendo murales de un tamaño mayor cada vez, ¡ya veremos qué pasa!

You are a Sydney based artist specialized in hand lettering, typography and illustration. How did you discover this passion?

When I went to the university I was actually studying law, and after a year doing law I realized that I needed to be doing something creative, so I dropped out and went to art school. In the first year I became really interested in typography and lettering and kind of got a passion for it and I’ve been interested in it ever since. Over the last six years it has kind of developed and I started incorporating illustration, command lettering and yeah, it’s pretty much my life now!

You joined the Volcom family by becoming one of their ambassadors. Could you tell us about this relationship and your work within the team? I have been with Volcom a couple of years now. It started when Kimberly, from the Australian women’s Volcom team, saw a project that I did called ‘The Spew Bag Challenge’. The project was to illustrate the sick bags you get when you are flying on a plane, so she saw that project and contacted me to know if I would be interested in being an ambassador for Volcom. I knew about the brand and since then, it has been a great partnership, I do social media, events and murals, pieces for apparels, so it is quite good. Creatively I can have an exploration and experiment with as much different things I want to. It also allows me to get to travel, be on the road and do workshops, so that’s pretty cool!

For the event “Live & Alive”, organized by Volcom, you are painting a mural. What’s the idea behind it? Well, the first time I did one of the “True To This” murals was at an event in Sydney, at the screening of the “True To This” film, which was about the history of Volcom since 1991. There I did a large scale mural, so this was kind of a new reiteration of the same idea, but I wanted to create something in a different style that was more suitable to this particular store, more like a script flowing piece, so yeah, that’s what I’m painting tonight!

How do you manage the process of merging art and the boardsports culture? Do you practice any boardsports yourself? Obviously Volcom specializes within skating, snowboarding and surfing and, even though I don’t actually do any of those sports, I guess in all of them, the idea that lies behind and their creative inspiration are the same, creativity is the fuel. And, you know, I met all of the Volcom team who skate and surf, and a lot of their live ideals and things they live for are the same as mine, so I think they kind of interwove.

Is it your first time in Barcelona? You also took part in the OFFF festival, what do you think about the artistic scene here? Yeah it is my first time in Barcelona! I like it. As you said, I was here last week for the OFFF conference on Thursday, so that was kind of cool, to meet the creative community and see what happens. There were so many people, there were really cool vibes, so Barcelona seems like fun. I like it, like every European city I have visited: good kind of tropical hot beach vibes and it is so creative! That’s good.

Why did you choose to work with words and letters? Do they have any significance for you? Yeah, I guess. Sometimes the content of the words is important for the piece, when it is more about what it says, and then, other times it’s purely focusing on exploring the form of individual letters and making them more like an illustration. But I think that when they combine, that’s like the best, which is often something I like to explore in my own solo exhibitions or art based shows or as a commercial director. Sometimes you get given the text, but when you get to come out with it yourself, I think that’s the best.

How do you see the future? Do you have any new projects in mind? I am having a solo show back in Sydney in about a month and a half and then I’ll go back to the studio. So that’s for work, but beyond that, now I am just gonna keep on going, working larger and bigger scale murals and we’ll see what happens!

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© KARL MACKIE

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T: ANTONELLA SONZA

THE CURRENT GALLERY,

EL OCÉANO COBRA VIDA A TRAVÉS DEL ARTE Al contrario de lo que nos dicen cuando nos hacemos adultos, hay sueños que pueden hacerse realidad ante tus ojos. Sueños que solo pueden materializarse trabajando duro y cuyo motor es la pasión por el líquido elemento que cubre dos de las terceras partes del planeta Tierra. Y no hay sueño más grande para lamono, como revista de arte, que abrir una galería propia. Por eso, nos unimos a la firma 100% ecológica, TWOTHIRDS, en un proyecto que nace desde el más profundo amor por el Océano y con la ilusión con la que se afrontan los nuevos retos. Se trata de The Current Gallery, una nueva galería que pronto abrirá sus puertas en la calle Duc de la Victoria, 8 y que se dedicará por completo a un concepto nuevo en Barcelona: el océano visto a través del arte. La temática también se abordará desde diversos puntos de vista, convirtiendo a la galería en mucho más que eso: exposiciones de fotografías e ilustraciones que tengan al Gran Azul como principal protagonista, además de proyecciones de vídeo, charlas y hasta subastas cuyos beneficios irán destinados a organizaciones dedicadas al Océano. La galería contará con una selección de obras de artistas reconocidos mundialmente por tener el mar como base de su obra y que se descubrirán el mismo día de su inauguración: JEREMY KORESKI, JULIAN LORENZO, JORGE HUNT, ROMAIN JUCHUEREAU, JONI STERNBACH, CEDRIC BIHR, GEORGE BATES, KARL MACKIE y RYAN TATAR. Precisamente será RYAN TATAR el encargado de dar el pistoletazo de salida a la galería con una exposición individual, que nos llevará a través de sus fotografías por un recorrido de naturaleza nómada con California como telón de fondo y capturando instantáneas de lo más ácidas. Cielos púrpuras, océanos brillantes y mucho espíritu wanderlust para dar la bienvenida a este nuevo espacio en el que ponemos toda nuestra alma.

Current Gallery abrirá sus puertas el próximo 9 de julio y si adoras el Océano tanto como nosotros, te esperamos allí.

Inauguración The Current Gallery.

Jueves 9 de julio. Duc, 8. Barcelona.

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Despite what we are told as kids, some dreams can come true right in front of our eyes; dreams that materialize through hard work and a passion that’s driven by the aqueous substance that covers two thirds of the Earth. And there’s no bigger dream for lamono, as an art magazine, than to open its own gallery. That’s why we joined along TWOTHIRDS, a brand that’s passionate and committed with the environment, in a project born from the most pure love for the ocean and with the illusion that comes with every new challenge. Current Gallery will soon open its doors at calle Duc de la Victoria, 8, presenting a whole new concept in Barcelona: the ocean seen through art. The subject will be approached from different viewpoints, making the gallery an experience, rather than just a space for exhibitions: photographs and illustrations where the grandeur of the deep blue is the protagonist, video projections, talks and auctions, where the money collected will be given to organizations dedicated to the ocean. The gallery will have a wide selection of works by renowned artists who have chosen the sea as the foundation of their work; these will be presented during the inauguration. JEREMY KORESKI, JULIAN LORENZO, BROOKS STERLING, ROMAIN JUCHUEREAU, JONI STERNBACH, CEDRIC BIHR, GEORGE BATES, KARL MACKIE and RYAN TATAR. Precisely, it will be photographer RYAN TATAR the one in charge of shooting the starting pistol with an individual exhibition that will takes us on a journey, with the nomad nature of California as backdrop; pictures with a psychedelic approach. Purple skies, shinny waves and a strong wanderlust spirit to welcome this new space where our soul is collected. Current Gallery will open next 9th of July, and if you love the ocean as much as we do, we’ll see you there.

Opening The Current Gallery.

Thursday 9th july. Duc, 8. Barcelona.

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© JEREMY KORESKI

© JULIÁN LORENZO

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130 © ROMAIN JUCHUEREAU

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T. DAVID GONZÁLEZ

REDTHREAD Sensations that lead the way

Se llaman Ana, Nora y Víctor, pero el resultado de esta trinidad adopta el sugerente nombre de Redthread. Un nombre que hace referencia a una leyenda oriental llamada “el hilo rojo del destino”, que para ellos simboliza la relación del color, musicalmente, así como la conexión entre ellos. Entienden la música como “algo que te corre por dentro”. Lo tienen claro.

Para ellos es un medio de expresión. Su primera toma de contacto ha sido autoproducida y se llama EMANA. A través de canciones como Crimson Tree o Wary Bird han traducido aquellos sentimientos más recónditos que no podrían ser expresados de otra manera. Últimamente, los hemos visto tocar en los escenarios del Primavera Sound Als Barris o Barcelona Sounds. Y por si todo esto nos pareciera poco, su próximo disco verá la luz pronto.

Ana, Nora and Victor decided to come together and have fun, from the result of this trinity a suggestive name aroused, Redthread. A name that comes from an Oriental legend called “The red string of fate”, which symbolizes a relationship with color, music-wise, like the connection between them. For them music is something “that runs within”. That’s pretty clear for them: music is a means of expression. Their first production, which was self-released, is called EMANA. Through songs like Crimson Tree or Wary Bird they have managed to translate those profound feelings that could not be expressed any other way. Lately, we’ve seen them perform at the Primavera Sound Als Barris or at the Barcelona Sounds. And just in case that’s not enough, their next album will see the light soon.

redthread.bandcamp.com

Empecemos por vuestros orígenes, ¿cómo se formó Redthread?

Nora y Ana nos conocimos hace unos seis años, pues nacimos en Andorra. Años más tarde coincidimos los tres en Barcelona: Ana y Victor estudiamos sonido juntos y entonces se puso en común el deseo latente de hacer música. Vaya, que un día nos juntamos los tres para tocar por casualidad, sin que apenas nos conociéramos Nora y Victor, y la verdad es que desde el primer momento sentimos que íbamos a conectar, ¡e increscendo!

El nombre de vuestro grupo vendría a ser algo así como “Hilo rojo”. ¿Qué os sugería este color tan potente? El rojo es visceral, como la sangre, algo que te corre por dentro, ese es el concepto que tenemos nosotros de la música. Nos sentíamos tan unidos por esa idea que la vimos relacionada con una leyenda oriental el “hilo rojo del destino”, entraba en juego tanto la relación del color, musicalmente, como la relación entre nosotros y como nos vemos tan conectados más allá de la música. ¿Qué os ha inspirado para llevar a cabo vuestro álbum EMANA? El concepto de la eclosión del yo interior, emanar nuestros sentimientos más profundos de un modo que jamás podríamos atrevernos fuera de la música. Emana es nuestra primera toma de contacto de cómo trabajar y exteriorizar todo entre nosotros para que el resultado sea sentido y compartido. ¿Qué leitmotiv siguen vuestras canciones a la hora de buscar el sonido, las letras y la atmósfera? Sin partir de ningún punto concreto, al finalizar el EP nos dimos cuenta de que el leitmotiv de éste era la dualidad, fue algo que cobró un sentido global a posteriori.

Se ve materializado tanto en las estructuras (la armonía y posterior contraposición de dos voces de Crimson Tree) como en las letras (muy notable en Wary Bird).

Tal y como habéis especificado se trata de una demo autoproducida, ¿qué ventajas e inconvenientes os ha comportado? Creemos que la libertad de tiempo y acción que representa autoproducirse aumenta al máximo nuestra creatividad, nos hace sentir muy cómodos y el resultado es un sonido más personal y humano. Por otro lado, sufrimos de la falta de recursos y material que afecta a la calidad de las canciones. ¿Con qué grupos os influenciáis, vibráis y os identificáis? Las influencias y los referentes que tenemos son muy dispares, tanto a nivel individual como en conjunto. Vibramos con grupos como Radiohead, Warpaint, BlondeRed Head, Tame Impala, St Vincent hasta System Of A Down, Aphex Twin, The Cure, Jose Guardiola, Placebo y Tool.

Os hemos escuchado en el Converse Make Noise Takeover, en el Primavera Sound als barris y en el Barcelona Sounds, ¿cómo habéis vivido la experiencia en estos escenarios? Disfrutamos mucho el día en que tocamos en el Primavera als Barris y en Barcelona Sounds organizado por lamono, ¡todo en dos horas! En Bocanord nos sentíamos como en casa, fue muy excitante tocar en la programación del Primavera Sound e inaugurar la nueva propuesta del festival.

Tan pronto acabamos fuimos corriendo en taxi hacia el Grand Hotel Central (gracias al sr. taxista por saltarse la contínua y cambiar de sentido en plena Laietana). No sabíamos muy bien qué nos íbamos a encontrar y resultó ser uno de nuestros mejores conciertos.

Con este inicio tan enérgico, ¿Por dónde os podremos seguir la pista durante los próximos meses? La vida es una caja de bombones, ¡nunca sabes cual te va a tocar! Nos van saliendo fechas esporádicamente, aunque ahora estamos centrados en nuestro próximo disco que presentaremos pronto.

Y ahora que no nos oye nadie, ¿cuál es vuestra canción fetiche para el directo? Crimson Tree y Rêve Sans Fin.

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Let’s talk about your beginnings, how did Redthread start? Nora and Ana met like six years ago, since they’re both from Andorra.

Years later we all coincide in Barcelona: Ana and me (Victor), we study sound engineering together, so that kind of kindled in us the shared desire to make music. Well, one day the three of us got together to play, coincidentally, without Nora and me knowing each other that much, and, honestly, I felt we connected since the first moment.

The name of your band is pretty interesting, what does this color suggests you? Red is visceral, just like blood, something that runs within, and that’s the concept we have about music. That idea brought us so close as a band, that we saw it reflected in an Oriental legend called “The red string of fate”, where the relation to color, music and the relationship between us was present, seeing ourselves connected beyond music.

What has inspired you to produce EMANA? The concept behind the manifestation of the inner self, to emanate our most profound feelings in a way we could never do without music. EMANA is our first attempt learning how to work and express everything within us, seeking a result that’s true and shared.

What leitmotif does your songs follow regarding sounds, lyrics and feeling? Without having a concrete starting point, when we finished the EP we noticed that the leitmotif present was duality, it was something that acquired sense afterwards. It can be seen materialized either in the structures (harmony and two vocals opposition in Crimson Tree), as in the lyrics (very clear in Wary Bird).

Just as you have stated, it’s a self-released demo, what advantages and disadvantages were there in the process? We believe that the freedom of time and action offered in this scenario widens to the maximum our creativity, it makes us feel comfortable, developing a more personal and human sound. On the other side, we are bound to the lack of resources and material, something that affects the quality of the songs.

Which other bands have influenced you? The influences and referents we have are very diverse, both individually and as a band.

We enjoy bands like Radiohead, Warpaint, BlondeRed Head, Tame Impala, St. Vincent and even System Of A Down, Aphex, Twin, The Cure, Jose Guardiola, Placebo and Tool.

We had the chance of listening to you guys at the Converse Make Noise Takeover, during the Primavera Sound Als Barris and at the Barcelona Sounds, tell us about your experience there. We had a blast the day we performed at the Primavera Als Barris and at the Barcelona Sounds, organized by lamono, everything in two hours! At Bocanord we felt like home, it was very exiting to be part of the line-up for the Primavera Sound and to have the opportunity of inaugurating this new proposal carried out by the festival, which is the Primavera Als Barris. As soon as we were finished there, we jumped into a cab and headed to the Grand Hotel Central, (we would like to thank the taxi driver for skipping the line and making a U-turn in Laietana). We didn’t know what we were going to find there, and it turn out to be one of our best shows.

With such a powerful beginning, were can we keep track of you guys for the next few months? Life is like a box of chocolates, you never know what to expect! New dates appear sporadically, though right now we are focused on producing our next album, which will be released soon.

And now, that no body else can hear us, which is your fetish song to play live? Crimson Tree and Rêve Sans Fin.

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T: CELIA LIÉBANA

BE BRAVE BENJAMIN PILL SWEETENER

“Soy una cabra en la superficie de Marte”; así de romántico empieza Mr. Precarious, el nuevo álbum de Be Brave Benjamin.

Capitaneado por el artista galés Benjamin Palmer, este grupo acaba de presentar su segundo CD, once envolventes temas de estilo singer-songwriter que intentan plasmar los diez años vividos por Palmer en Barcelona. Guitarras alegres, armónicas melancólicas y voces graves destacan en este Señor Precario que lo cierto es que evoca los sonidos más característicos de los porches sureños de la América de los 60. Será que el mediterráneo le suena distinto a cada uno. Eso sí, de lo que no hay duda es de que sus letras representan Barcelona: “Me estoy dejando barba y barriga por ti, nena”. Entre el humor y la dulzura Be Brave Benjamin le canta a la vida, a veces triste pero siempre divertida. Las píldoras ya las traen doradas ellos.

“I’m a nanny goat on the surface of Mars”; that’s the romantic entrance to Mr. Precarious, Be Brave Benjamin’s most recent album. Led by Welsh artist, Benjamin Palmer, this band has just released their second LP: eleven engaging tracks that try to capture and convey the ten years Palmer has spent in Barcelona.

Merry guitars, melancholic harmonicas and deep vocals stand out in this production that evokes the most characteristic sounds of the front porches from the America of the sixties. It might be that the Mediterranean sounds different to every one. But what’s doubtless is that the lyrics represent Barcelona: “I’m growing this beard and belly for you, baby”. Amidst comedy and sweetness, Be Brave Benjamin sings out to life, sometimes sad but always amusing. Definitely, they can sweeten the pill.

bebravebenjamin.bandcamp.com ¿Be Brave Benjamin, un lema o un recordatorio personal? Cuando empecé a tocar mis canciones en directo era muy tímido y me costaba ponerme delante del público. De hecho, la primera vez que toqué, ¡tuve que hacerlo de espaldas a la gente para no vomitar de los nervios! Sin embargo, me encantaba componer temas y tenía ganas de compartirlos, así que decidí que tenía que ser valiente y seguir tocando y subiendo al escenario. Escogí el nombre para ayudarme a ser fuerte y hacer lo que tanto quería, así que podemos decir que sí, es un recordatorio personal. ¿Qué tenía Barcelona que te robó de tu ciudad natal? Pues al principio una chica (risas) pero luego me enamoré de la ciudad, de su cultura, energía y vitalidad. Y de su clima, no lo puedo negar. Después de un par de años aquí, había hecho grandes amigos y construido una vida que me gustaba. ¿Habéis cambiado tú o tu música una vez aquí? Antes de venir, sólo había hecho temas instrumentales, con samplers, guitarras y teclados.

Fue aquí cuando empecé a cantar. Quizás el hecho de vivir en otro país me dio la libertad de arriesgarme, a pesar de no tener una voz técnica-

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mente perfecta. O tal vez fue sentir el sol en mi cara o los pájaros que cantan al amanecer.

Mr Precarious, el single, habla de alguien que no encuentra su lugar.

Tú, tras vivir en Cardiff y después en Barcelona, te has mudado a México, ¿crees que has encontrado tu lugar o es una canción autobiográfica? A veces siento como Mr Precarious que todo en mi vida puede caer en cualquier momento; así que podemos decir que es una canción autobiográfica. Pero tampoco es que me sienta así todo el tiempo. Por lo que me dice la gente, no soy el único en sufrir de vez en cuando. Sentirse precario parece ser una sensación bastante común, especialmente en nuestros tiempos. Desde las cosas personales, como nuestras relaciones amorosas, finanzas, salud física y mental; hasta lo más global como la economía o el medioambiente, la precariedad se siente en todas partes, especialmente en personas que no tienen la seguridad y la fe aportada por la religión.

Tu música baila entre el pop, el folk, el country, ¿a ti cómo te gusta llamarla? Siempre es difícil hablar de mi música de esta manera. Las

canciones me salen de una forma bastante orgánica. No pienso el estilo en que quiero hacer una canción: sale como quiere salir. Quizás la etiqueta que más me pega es la de ‘singer-songwriter’ (aunque no es un término muy de moda ahora mismo) porque al final es lo que soy: un compositor y cantante de canciones.

El ambiente cálido que envuelve tus temas hace que parezcan animadas hasta cuando dices cosas tales como “Tírame al mar nena, es lo mejor para los dos”. ¿Se trata de quitar dramatismo a las cosas?

Podría ser. Prefiero tratar temas dramáticos con toques de dulzura y humor en mis canciones. Así puedo dorar la píldora, o ‘sweeten the pill’ como diríamos en inglés. También es una manera de evitar el cliché: meter un poco de humor o surrealismo en mis letras me ayuda a hablar de algo típico (el amor y el desamor) de una manera diferente. Por último, diría que veo el mundo desde una perspectiva agridulce. Soy capaz de distinguir alegría en las situaciones tristes, y tristeza en las situaciones alegres. Una ruptura es obviamente dolorosa, pero también puede ser que, cuando haya pasado un poco de tiempo, las dos personas sean más felices por haberse separado. Creo que la metáfora del mar funciona en esta canción porque el océano es algo a la vez prometedor y peligroso: te puede llevar a nuevos horizontes o puedes hundirte en ello. En este sentido es un poco como separarse de una pareja.

Be Brave Benjamin, is that a motto or a personal reminder?

When I started playing my songs live I was very shy, it was a big challenge for me to stand in front of the audience. In fact, the first time I played I had to do it giving my back to the public, I almost throw up due to the nervousness. Nevertheless, I love to compose songs and share them, so I decided to be brave and keep on playing on stage. I picked that name to help me be stronger and do what I wanted so much, so yes; we can call it a personal reminder.

How did Barcelona snag you away from your homeland? At the beginning it was a girl (laughs), but then I fell in love with the city, its culture, energy and vitality. And its weather, I can’t deny. After a couple of years living here, I had met amazing people and built a life I loved.

Have you or your music changed since you arrived to Barcelona?

Before coming I had only made instrumental songs, with samplers, guitars and keyboards. It was in Barcelona that I began to sing.

Maybe living in a different country gave me the freedom needed to take risks, despite not having a technically perfect voice. Or maybe it was feeling the sun on my face or hearing the birds sing in the morning.

Mr. Precarious, the single, talks about someone that can’t find its place. After living in Cardiff and Barcelona, you moved to Mexico, do you think you have found your place or is that song autobiographical? Sometimes I feel like Mr. Precarious, like if everything in my life could collapse at any time; so we could say it is autobiographical. But I don’t feel like that all the time. Talking to people I’ve noticed I’m not the only one that suffers from time to time. Feeling insecure is pretty common, especially in these times.

From our personal lives, our relationships, finances, health, physical and mental, to the global issues like the economy and environment, insecurity is felt everywhere, specially in the people that don’t have the security and faith that religion provides.

Your music rumbles between pop, folk and country, how do you like to call it? It’s always hard to talk about my music in this way.

The way I compose songs is very organic. I don’t think in which style I want to write the song: it comes out as it must. Maybe the label

Alas de mentira y de verdad, parejas que sólo se aman dormidos, leones y gacelas, dedos de madera, una salvadora con nombre de mujer... Explícanos un poco de qué y de quién habla este álbum.

Pues hay canciones del amor, como Beard and Belly o My Saving Grace, que son bastante autobiográficas y hablan de una chica muy especial en mi vida. Luego, en Real Wings, Man or Mouse, Lion and Gazelle y Wooden Fingers exploro temas filosóficos o busco respuestas a problemas que me inquietan. En general, podría decir que en este disco hablo de mis pensamientos y de ideas, imágenes o situaciones que me inspiran.

Finalmente, en la vida real, ¿dónde veremos actuar próximamente a Be Brave Benjamin? En un par de semanas presentaré el disco en mi ciudad natal de Cardiff en Gales, en la tienda de discos más antigua del mundo: Spillers Records. Luego volveré a México para grabar un EP. A finales de agosto me han invitado a tocar en un festival de Bogotá, Colombia que se llama Hermoso Ruido. En septiembre tomaré un descanso para poder trabajar en el siguiente disco. Ya he empezado a componer canciones, pero necesito dedicarles más tiempo. En realidad, componer es lo que más me gusta de todo el proceso, así que tengo ganas de estar solo con una guitarra y una libreta creando cosas nuevas.

that works for me the best is “singer-songwriter” (though is not a very fashionable term nowadays), because, at the end of the day, that’s what I am.

The warmth that encloses your songs makes them sound cheerful, even when they say things like “Push me out to sea, baby, is the best thing for us both”. Is your music about taking the drama out of the situations? It could be. I rather sing about dramatic events with comedic and sweet apices. That way I can sweeten the pill. As well, it’s a way to avoid what’s cliché: having some humor and surrealism in my lyrics helps me talk about something common (love or heartbreak) in a different way. For last, I would say I see the world from a bittersweet perspective. I’m capable of distinguishing happiness in sad situations, and sadness in happy ones. A breakup is obviously painful, but it also could be that, after some time has passed, the two will be better off separately. I believe the sea metaphor works in this song because the ocean is at the same time promising and dangerous: it can take you to new horizons or you can drown in it. In that way is like breaking up with someone.

Real and fake wings, couples that only love themselves asleep, lions and gazelles, a savior with a woman’s name… Explain to us apropos what and whom is this album about. There are love songs, like Beard and Belly or My Saving Grace, which are pretty autobiographical and talk about a special lady in my life. Then, in Real Wings, Man or Mouse, Lion and Gazelle and Wooden Fingers I explore philosophical subjects, or I seek an answer for diverse problems that concern me. In general, I could say that in this album I talk about my thoughts and ideas, images or situations that inspire me.

Finally, will we see Be Brave Benjamin performing anytime soon? In a couple of weeks I’ll be presenting the album in my hometown, Cardiff, Wales, in the oldest record shop in the world: Spillers Records. Then I’m flying back to Mexico to record an EP. By the end of August I’ve been invited to a festival in Bogotá, Colombia, called Hermoso Ruido (Beautiful Noise). On September I’m taking a break to work on a new album. I already started writing some songs, but I need more time. Songwriting is what I like the most of this whole process, so I’m really looking forward being by myself with a guitar and a notepad creating new stuff.

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REVIEW / BADALONA / SKATE AGORA / 14TH - 17TH JUNE 2015

SLS NIKE SB PRO OPEN T: FELIPE DUARTE / F: LUIZA LACAVA, SARA GUIX, GERARD RIERA Y EVA VILLAZALA

Barcelona volvió a ser la meca del skate, tanto en sus calles como en Agora Skatepark de Badalona. Y es que los pros de todo el mundo viajaron a la ciudad para participar en el Street League Skateboarding NIKE SB Pro Open. El montaje no podía ser mejor, empezando por el recién estrenado skatepark, que desde ya se ha convertido en la pista más grande en el historia de la competición, y para hacerlo aún mejor, la primera al aire libre, junto al Mediterráneo, con el sol y el viento de testigos. La competición contó con un nuevo sistema de clasificación que empezó a regir este año, en el cual sólo se tienen en cuenta las cuatro puntuaciones más altas, sin importar si se logran durante un free run o con el best trick, lo que hace que cada rider se esfuerce hasta el final y la creatividad se mantenga en su pico más alto. El último truco puede cambiarlo todo. Pero antes de dar inicio a la competición asistimos a una primera cita en familia disfrutando de una excelente barbacoa con sesión nocturna. Así calentamos motores para un fin de semana bajo el sol. Tras dos días de arduas competiciones, más fiesta e intensidad, llegó el domingo, la final, con todo menos pasividad. Nyjah Huston, el favorito según la estadística, no destacó enseguida, pero en su segundo free run empezó a mostrar que con él siempre tienes que esperar hasta el final. Por su parte, Paul Rodríguez dio clases de consistencia, al mantenerse en el liderazgo de principio a fin; la manera en la que este experimentado rider logra hacer los flips que hace entrando o saliendo de un grind es realmente hermoso. Hermosa también la sonrisa de Manny Santiago, que con su buena energía contagió al público. Si los free runs fueros increíbles, al llegar el best trick, las cosas se pusieron cada vez mejor. Nadie esperaba un final tan cerrado.

Al terminar la ronda de free runs, Paul Rodríguez lideraba, seguido por Chris Cole, Tom Asta, Chaz Ortiz, Shane O’Neill, Nyjah Huston, Evan Smith y Manny cerrando el grupo. Pero las cosas iban a cambiar, y cuánto. Los intentos de los riders terminaban y parecía ser que los veinte mil dólares irían para Paul Rodríguez, quien en su cuarto intento hizo el mejor truco del día, un nosegrind heelflip que detuvo el tiempo, la cámara lenta no tiene suficientes fotogramas para mostrarlo. De haberse acabado ahí, el elemento sorpresa habría faltado, y ese elemento lo trajo Nyjah Huston, o “Ninejah”, un hombre que crece en los momentos de presión. Cuando las piernas más pesan decidió fabricar un backside 360 kickflip slide que hizo a todos levantarse de la silla, puntuación: un 9.3 que lo llevó directo a la cima. Nyjah mantiene su corona, y sigue sorprendiéndonos, bueno, en realidad no tanto.

Barcelona became, once again, the Mecca of skateboarding, both in its streets and at the Agora Skatepark in Badalona. The top street skate Pros flew into the city from all over the world to participate in the Street League Skateboarding NIKE SB Pro Open. The scene could not have been any better, starting with the brand new skatepark, which became the biggest course in SLS’ history, and to make it even better, this was the first time the event took place outdoors, by the Mediterranean sea, with the sun and the wind as witnesses. To spice things up a little, this year a new score system started applying, where only the top four scores count, no matter if they’re achieved during a free run or in a best trick attempt, this drives each rider to strive until the end, pushing creativity to remain at the forefront. Here the last trick can change it all. But before the competition started, we assisted to a first date as one big family, where we enjoyed an amazing barbecue and a night sesh.

Just what was needed to warm up and get ready for a weekend of fun. After two days of some of the best skating everywhere, some partying and lots of intensity, Sunday came with everything but peace; the finals were shining on a course heated by the sun, while these asphalt nihilists defied all limits, gravitational and in adherence. Nyjah Huston, the man to lead according to statistics, didn’t stand out immediately, but in the second free run he reminded us you can never discard him before the end. Paul Rodriguez, on the other hand, was consistent all and throughout, leading the group from beginning to end; the way this experienced rider manages to do the flips he does finishing a grind is mind-blowing beautiful. Beautiful as well, Manny Santiago’s smile, that with his good energy kept the audience engaged. If the free runs were amazing, things got even better during the best trick attempts. No one was expecting such an end. After the free runs were done, Paul Rodriguez was first, followed by Chris Cole, Tom Asta, Chaz Ortiz, Shane O’Neill, Nyjah Huston, Evan Smith and Manny Santiago. Though things were bound to change, and quite a bit. As there were less attempts left, everything seem to lead to Paul Rodriguez’s victory, taking home the cash price of $20.000, and he confirmed this in his fourth attempt with the best trick of the day, a nosegrind heelflip that stopped time, even in slow-motion there are not enough frames to capture it thoroughly. It could all have ended right there, but we would have missed the element of surprise, which was brought in by Nyjah Huston, or “Ninejah”, a guy that builds up when there’s pressure. In his last attempt, when legs were at their heaviest, he decided to conceive a backside 360 kickflip slide that made everyone rise, score: 9.3, right up the lead.

Nyjah kept his crown, and surprised us once more, well, honestly, not that much.

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REVIEW / BARCELONA / 3TH JUNE 2015

Vault by VANS x TWOTHIRDS PH: SARA GUIX

Cualquier día puede ser una celebración. No hace falta que te lo marque un calendario. Y cuando dos marcas como Vans (en su línea premium, Vault by Vans) y TWOTHIRDS se unen, hay que salir ahí fuera y gritárselo al mundo. El fruto de esta unión son cuatro modelos de zapatillas que llevan por bandera la sostenibilidad, una de las piedras angulares de TWOTHIRDS. Por eso, las suelas son recicladas y las tintas utilizadas están hechas a base de agua. Y su propio ecosistema, la flagship store de la marca en el centro de Barcelona, fue el lugar elegido para presentarlas ante el público. Ahí, descubrimos que cada zapatilla está dedicada a un Sentilel, esas personas que con su arte y talento ayudan a luchar por preservar lo que más aman: el océano y las especies que habitan en él. Comenzamos la velada con unas Moritz fresquitas, y probando el exquisito y nuevo CodorNew Verdejo Frizz 5.5 de Codorniu, que maridaba perfectamente con las riquísimas hamburguesitas del catering. Y el colofón: la actuación de Be Brave Benjamin, que nos habían preparado un set de presentación que nos enamoró.

Y así acabamos un miércoles cualquiera, con la copa en alto, celebrando una unión. ¡Y por muchas más!

Any day is open for celebration. It doesn’t need to be checked upon the calendar. And when two brands like Vans (it’s premium line, Vault by Vans) and TWOTHIRDS collide, everyone needs to know about it. As a result of this union, four sneakers arised, four sneakers that stand up for sustainability, one of the cornerstones TWOTHIRDS has. That’s why the soles are recycled and the tints employed were made out of water.

And they decided to present them to the public within their own ecosystem, their flagship store in downtown Barcelona. There we discovered that each shoe is dedicated to a Sentilel, those that through their art and talent fight to preserve what they love: the ocean, and all species that live in it. The night started like it should, with some cold Moritz and a first time try of the new CodorNew Verdejo Frizz 5.5, brought to us by Codorniu, which came just perfect with the delicious mini-burgers from the catering. The climax arrived when the great band, Be Brave Benjamin, got on the stage, with a set prepared to engage us all till the very end. This was the awesome culmination to a Wednesday like any other, rising our glasses to celebrate union. For many more to come!

www.twothirds.com

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REVIEW / BARCELONA / 4TH JUNE 2015

Volcom live and alive with Gemma O’Brien PH: LUIZA LACAVA

El pasado jueves 4 de junio tuvo lugar una de esas veladas que tanto nos gustan. Esta vez la receta fue fácil: amigos, una banda de punk-rock, una artista haciendo un livepaiting de un mural en directo, un delicioso catering y una buena ración de Moritz frías. Volcom echó la carne en el asador en su tienda de Barcelona y nos trajo desde Australia a su embajadora Gemma O’Brien, una artista y diseñadora especializada en caligrafía, ilustración y tipografía, que nos deleitó con su arte en directo durante la fiesta inspirándose en el leit motive de la marca: #truetothis, #Live&Alive. Como en todo buen evento que se preste, cuando el ambiente empezó a caldearse, hizo falta una buena banda en directo que acabara de incendiar el lugar. Y allí se plantaron después de su gira en Nueva York, Jessica & The Fletchers, un grupo que se mueve entre el twee-pop y el punk, para acabar de rematar la jugada. Y si a esto le sumamos que todo iba bien regado de Moritz, estamos hablando de una tarde redonda. Todo un broche de oro para un final de fiesta apoteósico: estamos vivos, y de qué manera.

On Thursday 4th of June we had one of those evenings we like so much. The recipe was quite easy: friends, a punk-rock band, an artist with a livepainting performance, delicious food and more than enough cold Moritz for everyone to enjoy. Volcom decided to work their heart out at their store in Barcelona and flew in from Australia Gemma O’Brien, one of the brand’s ambassadors; an amazing artist and designer specialized in calligraphy, illustration and typography. We had the chance to be delighted with her art, while she painted throughout the party a mural inspired by the leitmotif of the brand: #truetothis, #Live&Alive. As in every good event, when everything began to heat up, the band arrived on scene to burn the whole place down. There they were, after their New York tour, Jessica & The Fletchers, a band that moves in-between twee-pop and punk, perfect for the night. If on top of that we add all the Moritz down our throats… the night could not have been any better. An excellent flourish to close a party that must be recalled as fantastic: we are all alive and we love it.

www.volcom.es

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REVIEW / BIARRITZ / 11TH - 14TH JUNE 2015

Harley-Davidson celebra la final de Battle of The Kings PH: EVA VILLAZALA

El festival Wheels & Waves de Biarritz, que crece cada año en popularidad, dando cita a los amantes de la moto custom y del surf a nivel mundial, ha sido el escenario elegido por Harley-Davidson para anunciar al ganador final de la competición europea Battle Of The Kings, de la que fuimos jurados a nivel nacional en Barcelona tras una fiesta organizada por lamono en 19:28 Tattoo Parlour hace unos meses.

Una vez más acompañamos a Harley-Davidson en un momento tan importante y nos emocionamos con ellos, tanto en la presentación de las finalistas, con el mítico Ray Drea, director de estilismo de la compañía que pintó en directo el depósito que se le entregaría al ganador mientras comíamos en un precioso restaurante en la playa de Anglet, como cuando anunciaron el ganador en pleno Art Ride Show realizado en Garage Foch, donde también se presentó la primera Harley-Davidson eléctrica. Los ganadores finales de un concurso que rinde homenaje a los 113 años del espíritu Custom de la marca fueron Odehnal (mecánico), Bohous Menzl (producción), Wotja Vavrina (project manager), Jarda Vavrina (concepto y diseño) y Olaf Pugner (pintura), del concesionario oficial de Harley-Davidson Praga, quienes desbancaron a Francia, Alemania, Noruega y Chipre, con un modelo inspirado en el Lotus C01 y en las líneas cromadas de la Softail Bell and Ross. Daba fin así a una competición que tomaba como lienzo en blanco al último modelo de la gama Dark Custom, la Street 750. Conocimos más de la historia de Harley-Davidson y su amor por el custom, vimos a amigos, conocidos y familia próxima en el Wheels & Waves y comimos moules au vin blanc, poco más se puede pedir.

The Wheels & Waves Festival in Biarritz grows each year in popularity, offering a celebration to those who love custom made bikes and high performance surf. This event was chosen by Harley-Davidson as the scenery to announce their winner to the European finals of the Battle Of The Kings, contest in which we officiated as jury for the national finals after an amazing party hosted by lamono at 19:28 Tattoo Parlour a few months ago. Once again, we joined the Harley-Davidson team, in presence and excitement, during this important event. First, during the presentation of the finalists, along the mythical Ray Drea, Harley’s Chieff Styling Officer, who live-painted the gas tank that was going to be awarded to the winners while we ate at a beautiful restaurant at Anglet’s wonderful beach, and later, when they announced the winner during the Art Ride Show happening at the Garage Foch, where the first electric Harley-Davidson was presented. The final winners of a contest that pays homage to the 113 years the brand has been loyal to its custom spirit were Odehnal (mechanic), Bohous Menzl (production), Wotja Vavrina (project manager), Jarda Vavrina (concept and design) y Olaf Pugner (paint), from the official Harley-Davidson dealership in Prague. They managed to beat the official representatives of the dealerships in France, Germany, Norway and Cyprus with a design inspired by the Lotus C01 and the chromed lines of the Softail Bell and Ross. This was the end to a competition that had as a canvas the new Street 750, from the Dark Custom collection. During the Wheels & Waves we learned more about the history behind Harley-Davidson and their love for what’s custom, we met old friends, acquaintances and family members while we ate moules au vin blanc, we couldn’t ask for anything else.

www.harley-davidson.es 144

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#103 · SILENCE · JULY / AUGUST · 2015 DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Manuela Alcatraz + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Erika Leiva + Eva Villazala Ángel Nicolás + Felipe Duarte + Vicky Navarro + Teo Camino + Antonella Sonza Celia Liébana + David González PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Sara Guix + Eva Villazala ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to felipe@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia.

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RESERVE CHINO PANT

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