2007 _ 4º Trimestre / Progrma

ANTZERKIA DANTZA

2007 iraila urria azaroa abendua

PREMIO MAX 2006 de las Nuevas Tendencias PRECIO ERCILLA 2006 a la Mejor Labor Teatral

S20.Hiroaki Umeda

UDAZKENA 2007 ANTZERKIA DANTZA Dirección / Dirección Laura Etxeberria Programación / Programación Luque Tagua Prensa y difusión / Prensa y difusión Marian Etxebarria Administración / Administración José Luis Núñez Jefe de sala / Jefe de sala Jaime Espeso Diseño gráfico / Diseño gráfico Ytantos

ENTRADA 10

SARRERA 10

20% descuento con carnet Estudiante / Parado / Jubilado Reservas y venta de entradas: En cajeros multiservicio BBK, Tel 944 310 310, Internet o en taquilla el día del espectáculos.

Karnetarekin %20ko beherapena Ikaslea / Langabetua / Jubilatua Erreserbak eta sarreren salmenta: BBK-ko orotako kutxazainetan, Tel 944 310 310, Internet edota lehihatilan bertan emanaldi bakoitzaren egunean.

Todo los actos comienzan a las 20:30h, excepto aquellos en que se indique lo contrario. Reservas hasta las 20:00h. No se permitirá la entrada una vez comenzada la representación.

Ekitaldi guztiak 20:30etan hasiko dira, kontrakoa esaten denean izan ezik. Erreserbak 20:00rak arte.

Behin funtzioa hasi eta gero, sartzea debekatua dago.

IRAILAK 29 / 30 SEPTIEMBRE / 20:30 h. / TEATRO Residencia de Luz en La FuNdicIOn

LUCAS CRANACH **

EL TEMBLOR DE LA CARNE MADRID Carlos Marquerie

URRIAK 6 / 7 OCTUBRE / 20:30 h. / DANZA

ERTZA- ASIER ZABALETA

EL AGUJERO DEL AVESTRUZ DONOSTIA Asier Zabaleta

URRIAK 19 / 20 / 21 OCTUBRE / 20:30 h. / DANZA Residencia en La FuNdicIOn

MAGPIE MUSIC DANCE-KATIE DUCK * MAGPIE MELT PROJECT AT LA FuNdicIOn AMSTERDAN Katie Duck

URRIAK 27 / 28 OCTUBRE / 20:30 h. / DANZA Festival B.A.D S20 - HIROAKI UMEDA - WHILE GOING TO A CONDITION TOKYO IX Edición DUO Hiroaki Umeda AZAROAK 2 / 3 NOVIEMBRE / 20:30 h. / DANZA Festival B.A.D CIE GREFFE-CINDY VAN ACKER ** IX Edición FRACTIE (5 ESTUDIOS) GINEBRA Cindy Van Acker AZAROAK 24 / 25 NOVIEMBRE / 20:30 h.

CONCIERTO-PERFORMANCE

GICHI-GICHI DO *** PROGENITURA MADRID

Oscar G. Villegas y Luciana Pereyra Agoff CIRCUITO RED DE SALAS ALTERNATIVAS

CIRCUITO RED DE SALAS ALTERNATIVAS

CIRCUITO RED DE SALAS ALTERNATIVAS

ABENDUAK 1 / 2 DICIEMBRE / 20:30 h. / DANZA

AE-LAPSUS DANZA ***

VITRINAS. FASE 1 BARCELONA Alexis Eupierre

ABENDUAK 8 / 9 DICIEMBRE / 20:30 h. / TEATRO

AMARANTO***

FOUR movEments FOR SURVIVAL BARCELONA Angeles Císcar - David Franch Lidia González Zoilo - Martí Sales

ABENDUAK 15 / 16 DICIEMBRE / 20:30 h. / TEATRO

Compañía Teatral EL PONT FLOTANT *** COMO PIEDRAS VALENCIA

Jesús Muñoz Joan Collado Pau Pons

* Presentación en Euskadi ** Estreno en el Estado *** Estreno en Euskadi

PREMIO MAX 2006 de las Nuevas Tendencias PRECIO ERCILLA 2006 a la Mejor Labor Teatral

IRAILAK 29 / 30 SEPTIEMBRE / 20:30 h. / TEATRO Residencia de Luz en La FuNdicIOn

LUCAS CRANACH

EL TEMBLOR DE LA CARNE MADRID * Estreno en el Estado

Intérpretes / Interpreteak: Andrés Hernández, Lola Jiménez y Getsemaní de San Marcos Texto, espacio escénico, iluminación y dirección / Textua, eszena-eremua, argiak eta zuzendaritza: Carlos Marquerie Fotografía de escena, vídeo y documentación / Eszena argazkia, bideoa eta dokumentazioa: Javier Marquerie Thomas y Federico Strate Colaboración en el proyecto / Proiektuan lankidetza: Elena Córdoba Agradecimientos / Eskerronak: Antonio Fernández Lera, Juan Muñoz Co-producción de la Compañía Lucas Cranach y CITEMOR, 29º Festival de Montemor-O-Velho, subvencionada por la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.

¿Cómo podemos explicar algo en el marasmo de información en el que vivimos?

Cada vez que con mi equipo estoy terminando una obra, surge como una pesadilla la demanda de escribir sobre ella. Esto es escribir sobre lo que se desconoce. Hacer una obra es entrar en aquello que desconocemos. Qué sentido tendría hacer algo que existe, es decir algo que conoces. Ni mucho menos quiero decir que hacer una obra es buscar la novedad, es entender lo que no se entiende, y pienso en cosas sencillas, tan sencillas como ver un halo de luz en la oscuridad, en cómo surge la palabra del cuerpo, en cómo se relacionan entre si las personas y la materia escénica que producen, y sobre todo cómo se relaciona toda esta materia poética con la sociedad.

Tengo que escribir sobre El temblor de la carne y no tengo ganas, pues sería inútil, reductor, frustrante y engañoso, y sobre todo porque la obra estará en escena y ese es su fin, no ser explicada.

El teatro y todo el arte es una acción política, en el sentido que relaciona a los hombres. Los relaciona desde lo esencial del ser humano. Este temblor de la carne es quizá la obra más política que he hecho en mi vida. De antemano diré que creo que es la obra que vierte menos opinión y menos convicciones que he hecho en mi vida, es más bien una gran duda. La duda del hombre en su existir, y esta duda es la que produce el movimiento de los seres humanos.

Paseaba hace unos días por el Ágora vieja de Atenas (Ágora del griego: reunir.

Lugar de reunión) y entre esas piedras, restos de nuestra cultura, olivos, pinos, cipreses y algarrobos, envidiaba el sentido del debate de las ideas de las viejas polis griegas, y pensaba en la carencia de pensamiento con la que vivimos en la sociedad actual. Las ideas se trasforman en arquetipos para el enfrentamiento y la definición, en vez del camino para conocer aquello que no conocemos, para entender dónde vivimos y cómo nos relacionamos. Me gusta pensar que el arte, a pesar de sus usos decorativos, impactantes, espectaculares y útiles para el entretenimiento, puede conservar una esencia de esa primera idea de la política de los griegos, esa posibilidad de relacionar a los seres humanos desde su esencia como seres sociales.

Y aquí me veo sin escribir sobre El temblor de la carne y reflexionando sobre su sentido y sobre lo que considero el papel de los artistas en la sociedad actual. ¿Qué sentido tiene el narrar si las obras no responden a una ética del narrador?

Carlos Marquerie

Bizi dugun informazio-nahaspila horretan, nola azal dezakegu zerbait?

Lan bat taldearekin amaitzear nagoen bakoitzean, lan horri buruz beste bat idazteko eskaria sortzen da amesgaizto bat legez. Lan bat egitea, ezagutzen ez dugun leku batean sartzea da. Zer zentzu izango luke jadanik egina dagoen, hau da, ezagutzen duzun zerbait egiteak. Ez dut esan gura, ez gutxiagorik ere, lan bat egitea berritasuna bilatzea denik, ulertzen ez dena ulertzea denik, eta gauza xumeetan pentsatzen ari naiz, hurrengo hauek bezalako xumeetan, hots, argi-izpi bat iluntasunean ikustea, hitza gorputzetik nola sortzen den, jendeak elkarren artean nolako harremanak dituen eta nolako gai eszenikoa ekoizten duten eta, batez ere, gai poetiko horrek guztiak eta gizarteak nolako harremana duten elkarren artean.

Haragiaren dardarari buruz idatzi behar dut eta ez daukat gogorik, alferrekoa, murriztailea, frustrantea eta engainagarria izango litzatekeelako, eta batez ere lana eszenan egongo delako eta horixe da bere helburua, ez esplikatua izatea.

Antzerkia, eta arte-mota guztiak, ekintza politikoa dira, gizakiak elkarren artean harremanetan jartzen dituen heinean.

Gizakiaren funtsetik jartzen ditu harremanean. Haragiaren dardara hori da agian neure bizitza osoan egin dudan lanik politikoena. Aldez aurretik esango dut neure bizitzan egin ditudan lan guztien artean horixe dela iritzirik gutxien eta uste gutxien isurtzen dituena, beste ezer baino gehiago zalantza bat delako.

Gizakiak bere izatean duen zalantza, gizakietan mugimendua eragiten duena zalantza horixe baita.

Duela egun batzuk Atenaseko Agora zaharretik paseatzen ari nintzela, (grekozko Agora = bildu, beraz biltokia), gure kulturaren hondarrak ziren harri, olibondo, pinu, nekosta eta algarrobo haien artean, inbidia nien poli greko zaharren ideien eztabaida-zentzuari eta gaurko gizartean bizi dugun pentsamendu-gabezian pentsatzen zuen. Ideiak aurkaketarako eta definiziorako arketipo bilakatzen dira, ezagutzen ez duguna ezagutzeko, non bizi garen eta nolako harremanak ditugun ulertzeko bide bilakatu beharrean.

Gustatzen zait pentsatzea arteak, denbora-pasarako erabilera apaingarri, txundigarri, ikusgarri eta baliagarriak izateaz gain, grekoen politikaren lehen ideia haren esentzia agian kontserba dezakeela, hau da, gizakiak, gizarte-izaki diren esentziatik erlazionatzeko daukan ahalbide hori behar bada kontserbatzen duela.

Eta hemen nago ni Haragiaren dardarari buruz ezer idatzi gabe eta bere zentzuari buruz eta artistek gaurko gizartean, nire ustez, jokatu behar duten rolari buruz gogoeta egiten.

Carlos Marquerie

URRIAK 6 / 7 OCTUBRE / 20:30 h. / DANZA

ERTZA - ASIER ZABALETA

EL AGUJERO DEL AVESTRUZ DONOSTIA

Dirección/intérprete / Zuzendari/dantzaria: Asier Zabaleta.

Asistente / Laguntzailea: Arantza Balentziaga.

Música original / Jatorrizko musika: Borja Ramos.

Músicos / Musikariak: Borja Ramos (electrónica/piano), Josetxo Silguero (saxofones).

Video / Bideo: Kepa Ugarte, Iker Urteaga, Carlos Sarasola.

Iluminación / Argiztapena: Antoni Angel Alcaide.

Fotos/maquetación / Argazkiak/maketazioa: Iker Urteaga.

Escenografía/vestuario / Eszenografia/jantziak: Asier Zabaleta.

Coreografía (musical) / Musikalaren Koreografia: Larraitz Ugartemendia.

Profesora voz / Hatos irakaslea: Bettina Aragón.

Texto / Textua: Asier Zabaleta (con citas de: José Antonio Marina, Franz Kafka, Epicteto, Rilke, Marx, Biblia) Producción / Ekoizpena: Ertza.

Distribución / Banaketa: Arantza Balentziaga (), Larrua Producciones (info@larrua.net) Agradecimientos / Eskerrak: Arriola Kultur Aretoa, Lara Intxausti, Iratí Laboa, Izaskun Laboa, Sorkunde, Zabaleta, Unai Landaberea, Mikel Serrano, Merche Prado, Kizkitza, Lula, Victor González, Iratxe Bilbao, Gotzon Zabaleta, Txema Lázaro.

Por miedo se deja de lado lo que verdaderamente se quiere hacer, para sustituirlo y conformarse con premios de consolación que rondan alrededor de lo deseado; y a veces ni eso .

Beldurragatik, benetan egin nahi duguna alde batetara uzten dugu, eta honen inguruan dabiltzan kontsolazio sariekin konformatzen gara, nahi genukeen hori ordezkatuz.

Quiero retar al miedo. Al que nunca desaparece de mi vida y siempre reaparece con nuevos motivos y con fuerzas renovadas, hasta hacerme sentir como si fuera un superhéroe que acaba de perder todos sus poderes. Al que marca los límites de mi permisividad, acotando y reduciendo considerablemente mi campo de actuación en la vida. Quiero retarlo y decirle que no me da miedo. ¡Qué ironía!

Beldurrari desafioa bota nahi nioke.

Nire bizitzatik inoiz alde egiten ez duen horri. Beti indarberriturik berragertzen zaidan horri, eta bere botere guztiak galdu dituen superheroi baten antzera sentiarazten nauen horri. Nire bizitzako jolas eremua kezkagarriki zedarrituz, permisibitatearen mugak zehazten dizkidan horri. Desafioa bota, eta ez nauela beldurtzen esan nahi nioke.

Hau ironia!

Quiero rascar sobre ese parásito del ser humano; rascar hasta que sangre, aunque sepa que nunca me lo voy a arrancar de mi piel, y aunque sepa también, que de lo único que sirva sea para alimentarlo más y más.

Quiero coger esa arma utilizada tanto por nosotros mismos como por los demás para manipular, incidir en decisiones ajenas y lograr objetivos personales y colectivos, para empuñarla hacia mí.

Gizakiaren parasito den horren gainean hazka egin nahi nuke. Odola egiteraino hazka. Nire azaletik inoiz kenduko ez dudala jakinda, eta bere sabel asegaitza betetzeko soilik balioko duela baldin badakit ere. Bai gugandik, nahiz besteengandik, helburu pertsonal edo kolektiboen alde egiteko, eta lagun hurkoaren erabakiak manipulatzeko erabilia den arma hori, nire kontra jarri nahi dut.

URRIAK 19 / 20 / 21 OCTUBRE / 20:30 h. / DANZA

MAGPIE MUSIC DANCE - KATIE DUCK MAGPIE MELT PROJECT AT LA FuNdicIOn AMSTERDAN

* Presentaci贸n en Euskadi

Bailarines / Dantzariak: Katie Duck, Martin Sonderkamp, Eileen Standley, Vincent Cacialono, Justin Morrison M煤sico / Musikoak: Mary Oliver Iluminaci贸n / Argiak: Ellen Knops

En su propuesta para La Fundición, MAGPIE plantea tres días de presentación.

La Fundiciónerako bere proposamenean hiru eguneko aurkezpena planteatzen du.

En el primero, la compañía, de larga y conocida trayectoria como especialista en sesiones de improvisación en escena, realizará su propuesta a equipo cerrado mientras que los dos siguientes abre el escenario a los coreógrafos profesionales de la CAV, así como a una selección de los participantes del Workshop de Improvisación que Katie Duck impartirá, junto con Mary Oliver, en el espacio L´Mono, de Bilbao.

Lehenengoan, konpainiak, eszenan bat-bateko ekitaldietan espezialista legez ibilbide luzea eta ezaguna baitauka, bere proposamena talde itxiari egingo dio eta hurrengo bi egunetan Katie Duckek Mary Oliverekin eszenategia irekiko die Bilboko L Mono gunean Eusko Autonomia Erkidegoko koreografo profesionalei eta Inprobisazio Workshopeko partaideen selekzio bati.

De esta forma se desarrolla el objetivo de implicar a los artistas locales en un trabajo colectivo de colaboración escénica a nivel de improvisación, como lenguaje creativo en el que también tienen experiencia.

MAGPIE es un nombre-paraguas que reúne proyectos relacionados con el campo de la improvisación, entendida como una especialidad muy concreta, de música y danza, y que engloba multitud de formas de relación profesional y con el público.

Es el nombre de la compañía que, trabajando con músicos y bailarines, se creó en Amsterdam en 1995. Y que hasta el 2007 ha puesto en marcha espectáculos de improvisación en escena, proyectos de investigación, sesiones de improvisación abiertas a otros intérpretes, cursos, videocreaciones, exposiciones fotográficas, experimentación tecnológica, herramientas informáticas, colaboraciones para la creación y giras nacionales e internacionales. El colectivo de artistas que engloba incluye a los miembros fundadores y a nuevos artistas que se han ido incorporando y que han aportado proyectos y savia nueva al impulso inicial.

Horrela, bat-bateko mailako eszenalankidetzako talde-lanean tokiko artistak inplikatzeko helburua garatuko da, hauek ere badaukatelako esperientzia sorketa-hizkuntza horretan.

MAGPIE aterki-izen bat da eta musika eta dantzaren bat-bateko jardunarekin, espezialitate guztiz zehatz legez ulertuta eta era askotako harreman profesionalak eta publikoarekikoak biltzen dituenarekin, zerikusi duten proiektuak biltzen ditu.

Musikariekin eta dantzariekin lanean ari zirela Amsterdamen 1995ean sortu zen konpainia baten izena da. Eta 2007raino zer hauek ipini ditu martxan: bat-bateko ikuskizunak eszenan, ikerketa-proiektuak, beste interprete batzuengana irekitako batbateko ekitaldiak, ikastaroak, bideosorketak, argazki-erakusketak, esperimentazio teknologikoa, tresna informatikoak, sorketarako lankidetzak eta nazio barneko eta nazioarteko jirak. Bere baitan hartzen dituen artista-taldean kide fundatzaileak eta gerora elkartu diren eta hasierako bultzadari proiektu eta bizigarri berriak ekarri dituzten artista berriak daude.

URRIAK 27 / 28 OCTUBRE / 20:30 h. / DANZA

S20 - HIROAKI UMEDA

Festival B.A.D IX Edici贸n

DUO - WHILE GOING TO A CONDITION TOKYO

Coreograf铆a / Koreografia: Hiroaki Umeda Int茅rprete / Interpretea: Hiroaki Umeda Sonido / Soinua: S20 Creaci贸n visual / Ikusizko Sorketa: S20

DUO Duración: 20min

DUO Iraupena: 20 min

Creo que la danza en imagen es algo muy sugerente y con diferente efecto. Una vez que la danza ha sido grabada en video, pasa a ser algo muy distinto.

Uste dut irudian dantza guztiz iradokigarria dela eta efektu ezberdinak izaten dituela. Dantza bideoan grabatzen denean erabat ezberdina bihurtzen da.

Quiero investigar las posibilidades y límites de la danza bailando con un bailarín como yo en esta pieza .

Dantzaren ahalbideak eta mugak ikertu nahi ditut ni bezalako dantzari batek pieza honetan dantza eginda.

WHILE GOING TO A CONDITION Duración: 23:45 min

WHILE GOING TO A CONDITION Iraupena: 23,45 min

Para crear una pieza empiezo con un espacio vacío, a partir del cual se desarrolla una imagen. La danza va tomando cuerpo, junto con el sonido y la imagen , dice Hiroaki Umeda.

Pieza bat sortzeko, une huts batekin hasten naiz, eta hortik abiatuta irudi bat garatzen da. Dantza gorputza hartuz doa, soinuarekin eta irudiarekin batera dio Hiraoki Umedak.

Más creador visual que coreógrafo, más performer que bailarín, el artista japonés ha desarrollado una investigación que se basa tanto en las artes visuales como en las artes escénicas. Sus piezas coreográficas, mayoritariamente solos , se pueden observar como auténticas instalaciones, tanto visuales como de sonido, para las que el artista crea un universo, un mundo de movimiento muy personal.

Koreografoa baino gehiago ikusizko sortzailea, dantzaria baino gehiago performera, artista japoniarrak hala ikusizko arteetan nola eszena-arteetan oinarritzen den ikerketa garatu du.

Bere pieza koreografikoak, gehienak bakarrak , benetako instalazio hala ikusizko nola soinuzko bezala beha daitezke, artistak unibertso oso bat, mugimendu-mundu guztiz pertsonala, sortu baitu beraientzat.

En While going to a condition, el tiempo, puntuado en silencios, se dilata y juega con un sentido de desorientación. El artista quiere llevar al espectador a una experiencia del tiempo de la pieza de una manera muy particular: los movimientos, rápidos y lentos, dan ritmo a una lenta transformación sobre la escena, como un pasaje de un estado a otro.

Utilizado como una fuente de luz, el video crea una especie de fuerza magnética que la audiencia percibe como una experiencia sensorial.

While going to a conditionen, denbora luzatu egiten da isiluneetan puntuatua eta nahaste-zentzu batekin jokatzen du. Artistak era erabat partikularrean eraman nahi du ikuslea piezako denboraren esperientziara: mugimenduek, azkarrak eta mantsoak, erritmoa ematen diote eszenan gertatzen den eraldakuntza mantso bati, egoera batetik beste batera doan iragaite bat balitz lez.

Argi-iturri bat bezala erabilita, bideoak indar magnetiko moduko bat sortzen du, ikusleek zentzu-esperientzia legez hautematen duena.

Más que un espectáculo, es ésta idea de experiencia real, percibida en ese momento, lo que Hiroaki quiere presentar al espectador. Lejos de toda narrativa, el deseo del artista es transmitir sensaciones más que mensajes. Vacía de contenidos mentales, esta performance es más para ser sentida que para ser comprendida. ...

Hiroakik ikusleari aurkeztu gura diona ikuskizun bat baino gehiago, une hartan hautematen den esperientzia errealaren ideia bat da. Ipuingintza guztietatik urruti, mezuak baino gehiago sentsazioak transmititzea da artistaren desioa. Buru-edukirik barik, performance hau ulertua izateko baino gehiago sentitua izateko da...

Dominique Laulanné

Dominique Laulanné

AZAROAK 2 / 3 NOVIEMBRE / 20:30 h. / DANZA

CIE GREFFE-CINDY VAN ACKER

Festival B.A.D IX Edición

FRACTIE (5 ESTUDIOS) GINEBRA

Coreografía / Koreografia: Cindy Van Acker Interpretación / Interpretazioa: Cindy Van Acker Composición sonora / Soinu konposaketa: Frederique Franke, Philip May, David Stampli, Andrea Valvini, Basile Zimmerman Administración / Administrazioa: Sandra Piretti Manager / Managerra: Richard Alfonso Producción / Produkzioa: Cie. Greffe Con el apoyo de / Hurrengo hauen laguntza du: Ville de Genève, DIP, Pro Helvetia Fondation suisse por la culture, ACD (Association pour la Danse Contemporaine, Genève)

FRACTIE está compuesta por 5 estudios que abordan la relación entre sonido, movimiento y ritmo. El modo en que se estimulan nuestros sentidos difiere mucho según se utilicen estos elementos. Podemos observar cómo un movimiento se modifica según la escucha y cómo a la vez el movimiento influencia la recepción del sonido.

FRACTIE soinuaren, mugimenduaren eta erritmoaren arteko harremana aztertzen duten 5 ikerketek osatzen dute. Gure zentzumenak eragiteko modua asko aldatzen da elementu horiek erabiltzeko eraren arabera. Ikus dezakegu mugimendu bat nola aldatzen den entzutearen arabera eta era berean mugimenduak nolako eragina daukan soinuaren harreran.

Estudiarlo, como un estado de observación del flujo orgánico entre estos elementos elegidos, es el objetivo.

Helburua, hautatutako elementu horiek beren artean duten fluxu organikoaren behaketa-egoeran ikertzea da.

Cada estudio parte de una situación corporal propia, de una banda de sonido compuesta por un compositor específico, de una duración y un lugar concreto.

Ikerketa bakoitza abiatzen da norbere gorputz-egoeratik, musikari espezifiko batek osatutako soinubanda batetik, iraupen eta leku konkretu batetik.

La propuesta de poner estos estudios en escena nace del deseo de llevar cada uno hasta el final. Así, la modificación del estado objetivo de análisis hacia un objeto escénico, a través de un pasaje, forma parte del parte del riesgo asumido.

Ikerketa horiek eszenan ipintzeko proposamena, bakoitza azkeneraino eramateko asmotik sortu zen. Horrela, analisi-egoera objektiboa objektu eszenikora paisaia baten bidez aldatzea geureganatutako arriskupartearen parte da.

Fractie pone en valor los estudios como punto de partida y como punto de llegada.

Fractiek ikerketak abiapuntu legez helmuga-puntu legez jartzen ditu balioan.

El cuerpo es a la vez el sujeto y el lugar de la investigación de la coreógrafa y bailarina flamenca Cindy Van Acker. Su solo Corps 00:00 se concibió como una exploración sistemática de los juegos de influencia ente lo mental y lo físico.

Cindy Van Acker koreografo eta dantzari flandestarraren ikerketasubjektua eta lekua, gorputza da. Bere Corps 00:00 bakarra buruaren eta fisikoaren arteko eragin-jolasen ikerketa sistematiko legez asmatu zen.

En su otro solo , Balk 00:49, incluye los movimientos causados en el cuerpo por impulsos eléctricos.

Balk 00:49 bere beste bakarrean gorputzean bultzada elektrikoek eragindako mugimenduak ere sartzen ditu.

AZAROAK 24 / 25 NOVIEMBRE / 20:30 h. / CONCIERTO-PERFORMANCE

GICHI-GICHI DO

PROGENITURA MADRID

Gichi-Gichi Do son / Gichi-Gichi Do son: Óscar G. Villegas (Sr. Curí) y Luciana Pereyra Agoff (Niña Jonás) Dramaturgia y dirección / Dramaturgia eta zuzendaritza: Sr. Curí y Niña Jonás Espacio escénico y sonoro / Eszena eta soinu eremua: Sr. Curí Performers / Performerak: Sr. Curí y Niña Jonás Tatuador / Tatuaje-egilea: Pelayo Progenitores en vídeo / Gurasoak bideoan: Valeriano y Rosa María Fotografía / Argazkiak: Ramiro e y Rafa Gavalle Colaboran / Lankideak: La Casa Encendida y Aula de Danza Estrella Casero Agradecimientos / Eskerronak: Susana Gil, Ignacio, Möko, Rosa Casado y María Fernández de Alba

Progenitura es un conciertoperformance en el que cuento lo que he sido y lo que soy. No todo lo que cuento es cierto, de hecho hay incluso ideas y argumentos con los que estoy en completo desacuerdo.

Deseos que no son los míos. En Progenitura no hablo yo, sino el Sr. Curí. Él tiene un pasado más sucio y jugoso que el mío y un presente menos incierto.

Progenitura es un solo. A pesar de ello, en el espacio hay dos personas más.

La Primera Persona es Niña Jonás.

La Segunda Persona es un tatuador.

Progenitura kontzertu performance bat da; bertan izan naizena eta naizena kontatzen dut. Kontatzen dudan guztia ez da egia; zeren egia esan behar badut ez nator bat ere bat bertako ideia eta argudio batzuekin. Nireak ez diren asmoak agertzen dira. Progenituran ez dut nik hitz egiten, Curí jaunak baino.

Eta horrek nirea baino lehenaldi lohiagoa eta mamitsuagoa dauka eta orainaldi gutxiago zalantzagarria.

Progenitura solo bat da. Hori gorabehera eremuan bi lagun gehiago daude.

Lehenengo Pertsona Jonás Neskatila da.

Bigarren Pertsona tatuaje-egile bat.

En Progenitura se habla de política, de tecnología, de música, de la familia, de las falsas creencias y de los deseos.

Progenituran politikaz, teknologiaz, musikaz, familiaz, uste okerrez eta asmoez hitz egiten da.

Esta performance es un acto de homenaje e insulto a mis familiares.

Los que han muerto y los que aún siguen vivos.

Performance hau neure familiakoei egindako omenaldi eta irain ekitaldi bat da. Hilda daudenei eta oraindik bizi direnei egina.

Óscar G. Villegas

Óscar G. Villegas

ABENDUAK 1 / 2 DICIEMBRE / 20:30 h. / DANZA

LAPSUS

CIRCUITO RED DE SALAS ALTERNATIVAS

VITRINAS. FASE 1 BARCELONA * Estreno en Euskadi

Dirección artística / Zuzendaritza artistikoa: Alexis Eupierre Interpretación / Interpretazioa: Gema Díaz y Emili Gutiérrez Música / Musika: Krishoo Monthieux Vestuario / Jantziak: Fátima Campos Escenografía / Eszenografia: Antigua y Barbuda Producción / Produkzioa: Teresa Renedo Ayudante de producción / Produkzio laguntzailea: Blanca Vilageliu Espacio de creación / Sorketa-esparrua: La Caldera

Una vitrina es un lugar de exposición.

En ella encontramos una serie de imágenes expuestas. ¿Cómo componer una vitrina donde exponernos a nosotros mismos? La identidad está hecha de capas superpuestas que tejen una red que nos configura como aquello que somos. Nuestros cuerpos se desarrollan a través de los objetos, que son en cierto modo una extensión de nosotros mismos, y el objeto se convierte en adjetivo, en comentario, adquiere un significado en relación al cuerpo. El escenario es también una especie de vitrina, un lugar de exposición y exhibición. ¿Cómo exponerse ante los otros? ¿Cómo constituirse en imagen? ¿Cómo transgredir los estandartes e iconos? ¿Cómo desplegar la identidad a través de una secuencia de vitrinas que compongan un paisaje humano en el que me sienta identificado?

VITRINAS nace con la idea de crear dos retratos que a su vez constituyen una sola imagen en la que confluyen ambos personajes. En este espacio cohabitan lo femenino y lo masculino; lo grande y lo pequeño; la quietud y el movimiento; el pensamiento y la acción; la realidad y la ficción; el tiempo y el espacio; la luz y la oscuridad; el ruido y el silencio.

Construir a través de estas polaridades presentes en cada uno de nosotros como un solo ente, un solo organismo ¿Cómo hacer de dos uno?

Bitrina bat erakusketa-leku bat da.

Bertan erakusketan jarritako irudimordo bat aurkitzen dugu. Baina nola osatu geure buruak erakutsiko ditugun bitrina bat? Nortasuna, sare bat ehuntzen duten eta bata bestearen gainean jarrita gu garena itxuratzen duten geruzek osaturik dago. Gure gorputzak gure luzapena diren objektuen bidez garatzen dira neurri batean eta objektua adjektibo, iruzkin bihurtzen da eta esanahi bat erdiesten du gorputzarekin zerikusian.

Eszenategia ere bitrina moduko bat da, erakusketa eta agerraldi toki bat.

Nola agertu gainerakoen aurrean?

Nola eratu irudi? Nola hautsi zutoihalak eta ikonoak? Nola erakutsi nortasuna, identifikaturik sentitzen naizen giza paisaia bat osatzen duten bitrina-sekuentzia baten bidez?

BITRINAK bi argazki sortzeko ideiarekin jaio zen, baina bi argazki horiek euren aldetik pertsonaia bata eta bestea elkartzen dituen irudi bakar bat osatzeko asmoarekin. Esparru horretan elkarrekin bizi dira femeninoa eta maskulinoa, handia eta txikia, lasaitasuna eta mugimendua, errealitatea eta fikzioa, unea eta gunea, argia eta iluntasuna, zarata eta isiltasuna. Gutariko bakoitzean ditugun polaritate horien bidez izaki bat, organismo bat eraikitzea... Nola egin birekin bat?

ABENDUAK 8 / 9 DICIEMBRE / 20:30 h. / TEATRO

AMARANTO

CIRCUITO RED DE SALAS ALTERNATIVAS

FOUR movEments FOR SURVIVAL BARCELONA * Estreno en Euskadi

Intérpretes y creadores / Interpreteak eta sortzaileak: Ángeles Císcar, David Franch, Lidia González Zoilo, Martí Sales Música / Musika: Roger Puig i Ramon Pujol Realización y montaje de Vídeo / Bideo-errealizazioa eta muntaketa: Gorka Bilbao, Mari Luz Vidal Iluminación / Argiak: Ana Rovira Vestuario / Jantziak: Marta Pelegrina Comunicación / Komunikazioa: Ana Sánchez Fotografías / Argazkiak: Olga Planas y Pere Thomás Agradecimientos / Eskerronak: Gregori Ferré, Aleix Puig, Albert Bordonada, Laia Oliveras, Oleguer Aymamí y Albert Casanovas. *Previa el 10 de marzo de 2007 en el Festival de de Vigo, Alt 07. *Estreno 26 de Abril de 2007 en el Teatre Lliure de Barcelona. * Aurretikoa, 2007ko martxoaren 10ean Alt 07, Vigoko jaialdian. * Estreinaldia, 2007ko apirilaren 26an Bartzelonako Teatre Lliuren

(Tercera entrega de la trilogía del sofáLa Muerte)

(Sofá-La Muerte trilogiaren hirugarren entrega)

For moviments four survival, es un proyecto autocrítico que pretende cuestionar el valor del arte en la actualidad. Teniendo en cuenta que el arte está subdividido en espacios de ocio y que el espectador sabe perfectamente a dónde acudir para encontrar el producto que desea consumir, debemos hacernos la pregunta: ¿Qué utilidad tiene representar un teatro social comprometido en un espacio teatral con una programación estable donde el público sabe exactamente que va a ver?.

For moviments four survival, arteak gaur egun daukan balioa zalantzan jarri nahi duen proiektu autokritiko bat da. Kontuan izanik artea astiuneetan banaturik dagoela eta ikusleak ondo baino hobeto dakiela nora jo behar duen kontsumitu behar duen produktua aurkitzeko, geure buruei itaundu behar diegu: Zein balio dauka, programazio egonkor bat daukan eta, beraz, ikusleak zer ikusiko duen zehatz-mehatz dakien antzoki batean antzerki sozial konprometitu bat antzezteak?

La creciente estetización del imaginario social hace que el arte necesite de unos espacios reservados donde su actividad sea reconocible e identificable a salvo de incómodas interferencias que confundan a sus consumidores.

Lo paradójico es que, aunque sigue basándose en una idea del compromiso político heredada de la modernidad, la trasgresión en el arte contemporáneo es, ante todo, formal y está plenamente domesticada.

Irudikari sozialaren estetika-egite hazkorrak arteak gune erreserbatuak behar izatea ekarri du bere jarduera onargarria eta identifikagarria izan dadin kontsumitzaileak nahastatuko dituen interferentzia ezerosorik barik.

Paradoxikoa dena da ezen, modernotasunetik hartutako konpromiso politikoaren ideian oinarrituta jarraitzen duen arren, arte garaikidean etena batez ere formala dela eta erabat hezita dagoela.

En consonancia con el conjunto de manifestaciones de la contracultura de los años sesenta, la finalidad del arte es, por lo tanto, bien clara: someter al espectador, en el marco de un dispositivo concreto, a una experiencia teatralizada. La interactividad mínima y carente de propósito, ha contribuido en gran medida a la trivialización, convirtiéndole en mero entretenimiento.

Hirurogeiko hamarkadako kontrakulturaren agerkizun multzoarekin bat etorriz, artearen helburua, bada, guztiz argia da: antzerki forma eman zaion esperientzia baten aurrean ikuslea jartzea dispositibo konkretu baten markoan. Elkarreragin praktikan hutsak eta asmorik gabeak arrunkeriara eraman du neurri handi batean eta jolasgarri huts bihurtu du.

Es por lo tanto, que creemos necesario llevar a escena la realidad. Insistir en crear un teatro que ofrezca al espectador una experiencia que no este al margen de la vida cotidiana, sino que esta sea una prolongación de la misma.

Horregatik, bada, uste dugu eszenara errealitatea eraman behar dugula.

Ahalegindu behar garela eguneroko bizitzatik kanpo ez dagoen esperientzia bat ikusleari eskaintzen dion eta eguneroko bizitza horren luzapen bat den antzerki bat sortzen.

Por ello hemos intentado construir un espacio de reflexión sobre nuestra realidad de creadores. Cuestionamos nuestra propia comodidad y concepto de supervivencia, de individuos incapaces de comprometerse sinceramente con su presente.

Hori kontuan izanik, gure sortzaileerrealitatean gogoeta-gune bat eraikitzen saiatu gara. Zalantzan jartzen ditugu gure geure erosotasuna eta bere orainaldiarekin benetan konprometitzeko gai ez den gizarte baten biziraupen-kontzeptua.

ABENDUAK 15 / 16 DICIEMBRE / 20:30 h. / TEATRO

CIRCUITO RED DE SALAS ALTERNATIVAS

Compañía Teatral EL PONT FLOTANT COMO PIEDRAS VALENCIA

* Estreno en Euskadi

Nominada a los Premios Max 2007 Espectáculo Revelación.

Premio Max Aub al Mejor Texto en los XVII Premios de la Generalitat Valenciana 2007.

Premios Abril 2007 al Mejor Espectáculo de Sala, Mejor Dirección y Mejor Actriz.

Dirección e interpretación / Zuzendaritza eta interpretazioa: Joan Collado, Pau Pons, Jesús Muñoz Autor / Autorea: Jesús Muñoz Colaboración especial / Lankidetza berezia: Maribel Saiz, Pilar Sánchez de las Matas, Juan Collado Ortiz Iluminación y producción ejecutiva / Argiak eta produkzio betearazlea: Àlex Cantó Audiovisuales / Ikus-entzunezkoak: Fermín Jiménez Fotografía / Argazkiak: José Ignacio de Juan Diseño gráfico / Diseinu grafikoa: Joan Collado Vídeo / Bideoa: Salva Muñoz Producción / Produkzioa: El Pont Flotant Técnicos en gira / Joan-etorriko teknikariak: Santi Monzón, Marc Gonzalo Agradecimientos / Eskerronak: A Santi, a Same y a Amalgama, a Silvia, Carlos y a nuestros padres, más que nunca

Como piedras es una reflexión sobre el paso del tiempo y la memoria que mezcla realidad y ficción y que juega con el tiempo real, el tiempo de la memoria y el de la propia representación.

Como piedras denboraren iragaiteari eta oroitzapenari buruzko gogoeta bat da; bertan errealitatea eta fikzioa nahasten ditu eta denbora errealarekin, oroimenaren deborarekin eta emanaldikoarekin berarekin jolasten du.

Tres actores comparten su particular álbum de fotografías donde el espectador se ve reflejado. La evocación del pasado y un espacio acogedor que recoge estéticas de los últimos treinta años son el hábitat íntimo y lúdico de estos tres personajes. Para ello utilizan audiovisuales, la teatralización de su pasado, la incursión de personas reales dentro de la escena -los propios padres de los actores-, con el objetivo de construir un personaje a partir de sí mismos y de su relación con el tiempo.

Hiru aktorek bakoitzaren argazki-album partikularra konpartitzen dute eta ikusleak ere bertan ikusten du bere burua. Hiru pertsonaia horien habitat min eta jolasgarria, lehenaldiaren gomuta eta azken hogeita hamar urteetako estetikak biltzen dituen gune abegikor bat da. Horretarako zer hauek erabiltzen dituzte, hots, ikusentzunezkoak, euren lehenaldia antzerki bihurtuta, eszena barruan pertsonaia errealak sartuta -aktoreen euren gurasoak-, eurengandik eta denborarekin duten harremanetik abiatuta pertsonaia eraikitzeko xedeaz.

Como piedras es una creación de Pau Pons, Joan Collado y Jesús Muñoz que indaga en el mundo de la infancia, una mirada a nuestro pasado y también un viaje al futuro, con un especial sentido del humor que provoca el reír y la emoción, mostrando a tres personas- las que hay detrás de los actores- con las que el espectador se siente identificado.

Como piedras Pau Pons, Joan Collado eta Jesús Muñozen sorketa bat da eta haurtzaroko munduan gure lehenaldiari begirada bat eta etorkizunerako bidaia bat bilatzen ditu, ikuslea identifikatuta sentitzen den hiru pertsonaia -aktoreen atzean daudenak- erakutsita barrea eta emozioa eragiten dituen umore-zentzu bereziarekin.

NON DAGOEN DÓNDE ESTÁ

PREMIO MAX 2006 de las Nuevas Tendencias PRECIO ERCILLA 2006 a la Mejor Labor Teatral

subvenciona dirulanguntza

colabora laguntza

Embajada Real de los Paises Bajos

asociada a parte hartzen du