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katalizad r O5 EDICIÓN ESPECIAL


katalizad r O5 Dirección General Rodrigo Viera Cruz Edición y Diseño Gráfico Ernesto Proaño Vinueza

CONTENIDO

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Pintura y soportes bidimensionales

Comunicación Christian Vicente

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Fotografía y soportes fotográficos

Corrección: Katalizador

18

Instalación

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Arte objeto

25

Video arte

26

Performance y arte acción

28

Arte sonoro

30

Net.art

31

Directorio de artistas

Portada y Contraportada ECUA-uio/01 Colaboraron en esta edición Rocío Carpio Katy Muñoz Alex Schlenker Ulises Unda Pablo Yang Fotografía Fausto Villalba Christian Vicente Rodrigo Viera Video Edison Cáceres Coro Patricio Dalgo Christian Vicente Rodrigo Viera Fausto Villalba Edición de video Christian Vicente Avi Studio. Antoni Losada La revista Katalizador no se responsabiliza por los comentarios vertidos en los artículos. Todos los textos se pueden usar citando la fuente. Los textos que llevan las iniciales (K) han sido elaborados por Katalizador. Tiraje: 1500 ejemplares revistarteactual@yahoo.com (593 2) 3123 064 Quito-Ecuador

33 El arte contemporáneo, esa caldera hirviente Relatos del Festival ECUA-uio/01 Pablo Yang 41

Crónica de un desnudo anunciado (Reflexiones sobre el discurso de las identidades) Rocío Carpio

45

Desobediencia artística: apuntes para una geopolítica-otra del arte Alex Schlenker

55

¿Cuál noise? Ulises Unda

57

Visiones entrecortadas de ECUA-uio/01 Notas para una relatoría fragmentaria Katy Muñoz


En la foto Rodrigo Viera, Ernesto Proaño, Patricio Dalgo y Fausto Villalba en el montaje de Fotografía. Edison Cáceres observa mientras Christian Vicente registra el momento.

Katalizador, para su quinta edición, ha trascendido su característica de revista a catálogo-revista, y lo ha hecho con la colaboración de 123 creadores y más de 200 obras que conformaron el Festival ECUA-uio/01 de Arte Visual Contemporáneo. Esfuerzo combinado del Colectivo Kespues y la coproducción de La Multinacional (Espacio de Experimentación Interdisciplinaria), apenas 6 artistas lo suficientemente locos para crear un evento con ocho categorías en apenas un mes y medio, con exiguos recursos pero todas las ganas de plantear un diálogo y un muestreo de lo que se está realizando. Fue una verdadera fiesta donde se vieron propuestas de todo tipo, y faltaron muchos, sí, que por diversas circunstancias no pudieron o no quisieron sumarse. Deliberadamente no hubo la figura de un curador, porque se trató de un evento gestionado por artistas para artistas, sin mediadores ni complicadas teorías y poses académicas. Esta revista-catálogo-memoria pretende mostrar esa experiencia, no en su totalidad, pues eso sería imposible, pero sí a través de las obras, las descripciones enviadas por los propios autores, el DVD —que contiene video arte, arte sonoro, y registros de performance y arte acción—, y los textos elaborados por aquellos que denominamos «relatores» quienes, como su nombre lo indica, hicieron un relato de lo que fue el evento; sus puntos de vista han enriquecido a ECUA-uio y dejan abierto el debate sobre una inmensa cantidad de temas (por razones de fuerza mayor esta número no incluye el texto de Abdón Ubidia, que se publicará en Katalizador 6). Por lo tanto, esta edición especial de nuestra revista, es con seguridad un documento único, un paréntesis para reflexionar y saber lo que se está haciendo en el arte actual, sus pretensiones, sus errores, sus aciertos, demuestra que estamos en un momento complejo, lleno de propuestas y contradicciones, de procesos que llegan a buen puerto y otros que quedan truncos Sabemos que, por las limitaciones de espacio de Katalizador, las obras han sido consignadas a pequeños formatos o a fragmentos, (pero hemos creado una catálogo digital con todas las obras disponible en issuu). Probablemente nos habremos equivocado en muchas cosas, pero lo más lo importante es que hemos logrado el Festival y todos hemos ganado con ECUA-uio/01. Rodrigo Viera Cruz


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PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES

Semina Nº 2 (de la serie «Brotes»), mixta/MDF, 60.5 x 60.5 cm., 2011.

Franziska Aguirre Los brotes son mágicos llenos de sencillez y perfección. Con un trazo los puedo plasmar. No llevan peso simplemente son y van a la luz.

Mi sangre corre, acrílico/lienzo, 226 x 200 cm., 2012.

Marcelo Aguirre Me inquieta el juego que puedo establecer entre la imagen y la palabra. En este caso, paisaje y texto. […] Paradojas y ambigüedades tensionan la obra.

Placeres, mixta, 100 X 70 cm., 2011.

Luis Alvear Centro Cultural PONTIFICIA universidad Católica de quito 26 de marzo a 28 de abril de 2012

La obra es producto de un movimiento hacia adentro, intrínseco, nacido de la necesidad de sentir el placer, de pintar placeres.


Toma un descanso, acrílico/tela, tríptico, 2011.

Pablo X. Almeida Las obras de Almeida trascienden la bidimensión e impactan en la psiquis del espectador desmantelando y desacralizando cualquier precepto preconcebido. (K)

Cristian León, Sto. Domingo de los Colorados, 1978. A gusto, a gusto como debería estar, no, me siento muy normal. A veces me acerco al espejo y digo: ¡Hostias!, que feo soy!, ¡te juro, eso me pasa siempre tío! (Madrid, 2001), óleo/tela, 160 x 115 cm., 2002.

Diego Bravo Obras de gran impacto, que nos sorprenden por su realismo. El autor, cuidadoso de la narración, interpela al observador con su fuerza pictórica. (K) Retrato de otro cuadro (el cuarto está en otra parte), óleo con incrustaciones, 2012.

Diana Armas Recreación bidimensional y autónoma de la urna de La Negra y su Bebas. Reivindicación del espacio de la pintura como apertura y horizonte, como posibilidad de abarcar el mundo y sus bellezas.

Ejercicios pictóricos de performance No. 1, óleo/lienzo, 60 x 100 cm., 2012. Purgatorius, acrílico/lienzo, 150 x 100 cm., 2011.

David Celi Demasiado ruido como para decir algo más.

Edison Cáceres Coro Ejercicio pictórico, resultado de un registro de performance, que cuestiona el mecanismo de poder encuadrado en una sola persona.

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PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES


Animal político, pintura sobre foto, tríptico, 2011.

César Benítez Interrelaciona técnicas como fotografía y pintura, resalta el rojo y el negro, una metáfora que contempla un ser cualquiera saturado, dividido, crucificado por dos tensiones gráficas, ¿en verdad la política ha cambiado para bien la vida de las personas?

Fenómeno Nacional, porque la comida y las doctrinas entran por los ojos, óleo/lona, 60 x 40 cm., 2012.

Patricio Dalgo Esta imagen pretende ser un comentario acerca del manejo de medios y el uso de los símbolos patrios como recurso fácil de usar para transmitir un dogma.

Irreversible I-II, carbón, tinta, pigmentos sobre tela, papel y seda, díptico, 2012.

Pilar Colás Hay una escena de supervivencia en dos espacios. Proyecta con humor la resistencia ante lo irreversible. No se deja eliminar, no se rinde nunca, es mutante dentro y fuera de la escena. La vulnerabilidad del soporte en el que están realizadas las pinturas, una en papel y la otra en seda, se relaciona con la delicadeza del existir.

36, acrílico/cartón, 100 x 75 cm., 2011.

Pancho Dueñas Mi trabajo trata la tematica sexual valiéndose de imágenes icónicas de la cultura popular. Estas imágenes toman un sentido diferente dependiendo del contexto en el que se desarrollen.

PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES

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Burros de colores, mixta, dimensiones variables, 2012. (fragmento)

Colectivo K23 Respuesta al arte en serie, la obra incorpora producciones del colectivo y autores invitados, para demostrar que la creación no puede estar supeditada a los lineamientos de las instituciones.

Hogar dulce hogar (de la serie Puntada familiar), bordado, 2011.

Karina Cortez La obra revela como se representa y proyecta el cuerpo en los objetos de recuerdo que son desplazados en espacios de la casa […] Repensar desde el bordado como un ejercicio intuitivo de reordenar los recuerdos a través de minuciosas puntadas e incisiones para tramar la familia ideal y la fotografía del recuerdo, que más que una imagen estética intuyen fracciones y conflictos de la vida cotidiana que conviven en la territorialización de lo afectivo y lo canónico.

S/T, óleo/tela, 140 x 140 cm., 2011.

Nixon Córdova Espiritualidad virtual en un espacio real.

Vampiro, acrílico/tela, 130 x 130 cm., 2010.

Roberto Jaramillo

S/T, mixta/tela, 120 x 120 cm., 2012.

Yamine El Rhorba Las obras del autor parecen rasgos caligráficos de gran expresionismo que parecen indicarnos un estado personal del creador. (K)

Lo «maternal»: por antonomasia, la mágica autoridad de lo femenino; la sabiduría y la altura espiritual más allá del intelecto; lo bondadoso, protector, sustentador, lo que da crecimiento, fertilidad y alimento; el lugar de la transformación mágica, del renacer; el instinto o impulso que ayuda; lo secreto, escondido, lo tenebroso, el abismo, el mundo de los muertos, lo que devora, seduce y envenena, lo angustioso e inevitable. C. G. Jung (Los arquetipos y lo inconsciente colectivo)

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PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES


Motor, Rotor (parte de la obra Procesión), tinta y témpera sobre papel, 354 X 92 cm., 2006.

Ana Fernández Personajes que responden a una investigación poética sobre las fuerzas y espíritus que pueblan nuestra psique.

Jamón, acrílico/lienzo, 150 x 240 cm., 2011.

Washington Guayasamín La obra investiga lo social y sus formas de representación, toma como punto de partida la ciudad como una sola masa de materia prima para ser industrializada. La cromática evidencia el doble rol de consumidor y consumido.

Homo Diversus, pincel de aguja sobre plástico, 65 x 44 cm. 2011.

Daniel Pico Teúrgia del fin de la religión. El hombre como resultado de la diversidad que llega a él y sobre la cual no tiene control.

Armonía esparcida completa, acrílico/lienzo, tríptico, 2012.

Alexandra Miller Discierno entre el espacio creado por elementos adyacentes desprovistos de toda memoria de lugar.

Carne vs. luz, vitrofusión y papel reciclado, medidas variables, 2012.

Isabel Intriago Díptico de fussing con materiales reciclados (vidrios y óxidos de colores) con poesía y complementario con origami (con material reciclado también) con tema de fusión con Pachamama. Lo erótico desde una energía propia hacia la energía cósmica. Tema: fusión.

PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES

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Autorretrato, carboncillo/papel, 450 x 450 cm. (aprox.), 2010.

Diego Ledesma Dibujo-instalación de gran formato ejecutado en más de 17 piezas de papel kraft, la obra se acerca al cómic y al grafiti. (K) De, mixta/MDF, 70 x 240 cm., 2011.

Deborah Morillo La obra reflexiona sobre la pertenencia de la autora a varias generaciones de migrantes, a sus movimientos y asentamientos, lo que se mantiene de los antepasados y lo que queda por escribirse.

Cierre de campaña, afiches pintados, 250 x 230 cm., 2010.

Patricio Ponce Muñequitos, mixta/lienzo, 120 x 80 cm., 2011.

Xavier León Borja Toma como base fotos históricas altamente socializadas, como íconos en el imaginario social del siglo XX, se construye la obra como una interrogante a los abusos del poder.

La clase política y los medios masivos de comunicación juegan con la verdad y la mente de las personas, en ese sentido esta obra es un acto de resistencia ante formas de Poder que dominan la conciencia colectiva. La imagen del Poder o el poder de la imagen, esa es la cuestión.

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PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES


El pájaro de fuego, acrílico/madera, 100 x 120 cm., 2011.

Ernesto Proaño La obra busca con su textura y riqueza cromática emplazar el mundo mitológico personal del autor para dilucidar sus connotaciones psíquicas y, en un proceso catártico, remover sus recuerdos ocultos.

30 minutos pug, mixta, 150 x 130 cm., 2011.

Daniel Torres La verdad es quizás la verdad tamizada por nuestros cuerpos, quienes somos no nos mantiene inertes sino en movimiento ante la verdad, ¡Janeth no puedes ser veraz y objetiva con tanta huevada adentro!

Imprimación sedentaria, acrílico/lienzo, 81 x 60 cm., 2012.

Guillermo Puente Manejo la imagen del erotismo auto-sustentado, el que se refiere al yo omnipresente sin destinatario.

Der Staat Bin Ich, óleo sobre lienzo, 150 x 120 cm., 2012.

Vinicio Vallejos Se deja a libre interpretación del público dada la fuerte carga denotativa y connotativa que simboliza esta conjunción entre el título del políptico y la representación de una representación precolombina.

PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES

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Furor, 3500 S.N.M., óleo sobre lino, políptico, 80 x 280 cm., 2011.

David Santillán El furor como estado de revelación del cuerpo en su origen más básico e instintivo, sin temor a su autodestrucción, siendo para sí mismo su interpelante y verdugo, la fuerza del interior que puede dirigir una vida.

Ventanas flotantes 3.0, mixta, 190 x 75 cm., 2011.

Santiago Santillán Ventanas flotantes 2.0 y 3.0 maneja un lenguaje web de códigos simplicados que se encuentran mezclados con huella y archivo que está direccionado en la «identidad digital».

Roots Bloody Roots, instalación, 200 x 200 cm., 2012. (fragmento)

Danilo Vallejo Sobre mouse pads el autor ha creado piezas precolombinas, titulándo la obra como la canción de Sepultura que, traducida, significa Raíces sangrientas raíces. (K)

Entre dientes 2, acrílico/lienzo, 120 x 150 cm., 2010.

Rodrigo Viera Cruz Imagen producto de un performance, resignifica carne como cuerpo y el cuerpo con pasión dentro de un entorno de muerte.

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PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES


S/T, óleo/tela, 140 x 140 cm., 2011.

Doina Vieru Esta obra hace parte de una serie llamada «Eu» (yo) que trata de expresar de alguna manera mi yo. Considero mis pinturas no necesitan títulos y sobre todo explicaciones porque son otro lenguaje, y el silencio que tienen es tan importante como las palabras.

H.U.M.A., óleo/lienzo, 140 x 170 cm., 2012.

Fausto Villalba Retrato de un frenético diablo huma encarnado. Parte de la serie que adopta personajes míticos del Ecuador y los hace partícipes de historias ficticias creadas por el autor. Caudillo, óleo sobre lienzo en tabla, 40 x 50 cm., 2011.

Eduardo Villacís El caudillo con sus grandes visiones conduce a las masas al lugar donde la vista es magnífica: el precipicio.

Tríptico informal, afiche, 2011.

Galo Yépez Propone una serie de tres obras reflexivas: Hogaño de luna, Senectud de luna, Señales y presentimientos, en si es el hoy, el futuro y el presentimiento de buscar otro espacio que no sea el convencional.

PINTURA Y SOPORTES BIDIMENSIONALES

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Ø2

fotografía Y SOPORTES fotográficos

Yo y mis panas, fotografía digital intervenida, 2012.

Pablo X. Almeida El autor desacraliza y juega con las obras de Christo y Joseph Beuys. (K)

Mi reino / No. 7 (Serie «dixit»), fotografía, serie en proceso.

María Inés Armesto La autora propone una relectura de citas célebres a través de la fotografía. Las frases se encuentran añadidas con cinta adhesiva, en este caso se trata de una cita bíblica: «mi reino no es de este mundo» (Juan, 18:36).

Drag vs. Clown, fotografía digital, 2012.

Centro Cultural Itchimbía 27 de marzo a 16 de abril de 2012

Omar Arregui Una lectura íntima del ensamble teatral, de la luz, el drag y el clown, donde lo under se drena por el arte.

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fotografía Y SOPORTES fotográficos


Agwa Correria 1, Coreógrafo: Mourad Merzouki, 9 de septiembre del 2011, Teatro Nacional Sucre. Fotografía digital, 2012.

Ricardo Centeno El coreógrafo Merzouki trabajó con once jóvenes bailarines y sus historias personales de las favelas de Río de Janeiro.

Octavio, fotografía digital, 2012.

Lorena Cordero Imágenes de sorprendente dramatismo, profundas expresiones, contrastes intensos, la obra de Cordero nos hipnotiza. (K)

Ciclo P, photoshop, 2012.

Patricio Jijón Esta ilustración esta basada en Polifemo, hijo de Poseidón, el dios del mar griego, y Lord of Metal Ciclo P rock band UIO.

S/T, fotografía digital, 2012.

Viviana Croce Personajes y lugares solitarios, claroscuros multicolores, la obra de Croce perfila una narración intensamente urbana. (K) S/T, fotografía digital, 2012.

Javier Escudero Registro documental de un acto performático, el autor ha sabido plasmar la escencia de la irreverente obra. (K) fotografía Y SOPORTES fotográficos

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Ironía del cine III, fotografía digital, 2012.

Patricio Gallo Parodia del cine y sus iconos, el efecto de simular una fotografía tridimensional es parte de la propuesta irónica del autor. (K)

Precepto de un acto inmoral, fotografía-registro de acción, digital, 2012.

María Belén Granda Una simple acción dirige nuestra mirada a otro lugar, lejos de esa línea recta establecida.

Algún día seré célebre… entonces volveré y haré millones, fotografía-performance 2012.

Carnaval Amaguaña1, fotografía digital, 2012.

Patricio Dalgo

Martín Jaramillo

Los héroes son construcciones de las que se valen las hegemonías para direccionar la historia y sus discursos, y posteriormente favorecerse de sus resultados.

El carnaval, fiesta que en nuestro país se celebra mojándonos los unos a los otros, es retratado aquí con toda su multiplicidad de colores. (K)

Salasaka 1, fotografía digital, 2012.

S/T, fotografía digital, 2012.

Patricio Estévez La obra descubre al humano agobiado por la vacua soledad de la ciudad (majestuosa, pulcra) que no llena sus ansias elementales.

Francisco Jarrín Las fotos pertenecen la serie documental de la celebración en las fiestas de los caporales en la comunidad Salasaka, provincia de Tungurahua.

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fotografía Y SOPORTES fotográficos


S/T, fotografía digital, 2012.

Edizon León Obra de gran calidez cromática que contrasta con la imagen solitaria, oscura y enigmática. (K)

11 de la mañana, Sagrada Familia/Bcn España, (de la serie Retratosdiversos), fotografía digital, 2011.

Soledad Mora Hacer retratos fotográficos mientras viajas, es una de las mejores maneras de conocer una ciudad, con sus gestos me cuentan historias, con sus miradas sus sueños, con sus espaldas sus pensamientos…

Minotauro rojo, fotografía digital, 2012.

Jamel Maldonado …recorriendo los surcos del laberinto del cuerpo y la memoria atemporal…

Art in America, fotografía digital, 2012.

Patricio Ponce Estas falsas portadas de reconocidas revistas de Arte, son una ironía ante la invisibilidad que tenemos los artistas ecuatorianos en el exterior, debido a la falta de políticas culturales coherentes. S/T, fotografía digital, 2012.

Mauricio Noboa Desnudo fotográfico realizado en estudio, modelo desnuda envuelta en plastico.

fotografía Y SOPORTES fotográficos

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Máquina 233z, fotografía digital, 2011. Parte de la muestra expuesta por el autor en su casa, sobre el refrigerador, de 2010 a 2012.

Ernesto Proaño Maquinarias apiladas, oxidadas, olvidadas, se confabulan con el ojo del autor para generar una serie de obras orgánicas.

Par seis: Las Américas, fotografía digital, 2011.

Alejandro Reinoso Pares, es una serie de fotografías que presenta imágenes de dos en dos, bajo un concepto que denota continuidad o separación, generando una tarea interpretativa para el lector que se fundamenta en su pensamiento crítico sobre cada par.

Planeta, fotografía con edición y pintura digital, 2011.

Alex Rovayo Instantes abstractos fundamentados en sensaciones que expresan un soplo de realismo fantástico colmado de luz y color.

Rio, fotografía digital, 2012.

Alex Schlenker La obra, parte de una serie fotográfica realizada durante una breve estancia en Río de Janeiro, se apropia del tiempo desde el lugar del voyeur, el fisgón. Las imágenes surgieron pensadas como fotogramas de una película inexistente, pero no por eso imposible o improbable.

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fotografía Y SOPORTES fotográficos


¿Dónde estarán?, fotografía digital de escultopintura (Mache de periódico, madera, lienzo, metal), 2011.

Mauro Sbarbaro Forma parte de una serie de escultopinturas en las cuales el tema central es la contaminación y sobresaturación informativa a nivel mundial.

Alegorías fantasmagóricas, fotografía digital, 2012.

Natalia Robelly Obra sicodélica de intensa cromática que nos recuerdan la geometría fractal que abunda en la naturaleza. (K)

Viviré en sus corazones, fotografía C-Print, 2011. Surfer, Padre Ah!, Danzensamble Compañía,Teatro México, 2008, fotografía digital, 2012.

Sofía Soto Un navegante en la oscuridad, un hombre enfrentado a los elementos, el mar oscuro lo circunda y nos recuerda la eterna búsqueda.

Carlos Torres Machado Cuando estoy sentada en la puerta de una taberna, / yo, Ishtar, la diosa, / soy prostituta, madre, esposa, divinidad. / Soy lo que llaman Vida, / aunque ustedes los llamen Muerte. / Soy lo que llaman Ley, / Aunque ustedes lo llamen Marginal. / Soy lo que ustedes buscan / y aquello que consiguieron. / Soy aquello que ustedes esparcieron / y ahora recogen mis pedazos. (SR)

Interior mental, fotografía digital y caja de luz, 2012. I Love You, fotografía digital, 2012.

Carlos Vaca Indaga en un momento existencial atrapado en un espacio fisico. Sin entrada ni salida con acciones cotidianas infinitas.

fotografía Y SOPORTES fotográficos

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Danilo Vallejo El autor ha hecho un exhaustivo trabajo de documentación del rock ecuatoriano, esta obra es sólo una muestra de su extenso archivo. (K)


Plaza Murillo (de la serie Agrupados), fotografía digital, 2012.

Geovanny Verdesoto San Juan-San Roque, fotografía análoga, película de 120 mm., 2011.

Gonzalo Vargas

La célebre Plaza Murillo de Bolivia, centro político de ese país, es captada por el lente de Verdesoto. (K)

Retrato de un sector de Quito, el autor ha difuminado los bordes enfrentándonos a una sutil pero turbadora metáfora. (K)

Sustancia orgánica, fotografía digital, 2012. Dn Cuco, fotografía digital, 2012.

Christian Vicente Confrontación de lo frío y lo cálido, de lo natural de unas alas-hojas y lo artificial de un lomo-hormigón.

Rodrigo Viera Cruz Escena captada en la ciudad de Macas, preparación de materia prima para modelar arcilla.

Diálogos radioactivos, fotografía digital, 2012.

Fausto Villaba Noboa Parte de la serie denominada «Diálogos radioactivos» que increpa sobre los efectos de las fugas radioactivas y los alcances que puede tener la energía nuclear.

Serie ‘lux-equivalencias’, iPhonografía, 2010-2011.

Gato Villegas Sánchez Estas fotografías no son documentos, son divertimentos. Son, si se quiere, ‘imágenes-kleenex: usar y tirar’ (según J. Fontcuberta, 2010).

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fotografía Y SOPORTES fotográficos


Ø3

instalación

Mamá corazón de detergente, instalación, 2012.

Pablo X. Almeida El autor juega con sus sentimientos, su pasado, las representaciones de una cultura donde la mujer está permanentemente asociada con las labores domésticas. (K)

El cuarto de la Negra y sus Bebas, instalación, 2012.

Diana Armas Espacio virtual creado analógicamente: recreación de la memoria, de alguna memoria posible, sobre la amistad femenina y sus crueles refinamientos. Una vida-urna de vidrio visible por todas partes.

Aoh!, instalación, 2012.

Grace García Centro Cultural metropolitano 28 de marzo de 2012

Esferas blancas y negras reposan sobre un saco de yute, una vela encendida, la instalación espera, paciente, Aoh! (K)


El florero, instalación, 2012.

Mario García La obra es un manifiesto opuesto al arte decorativo o aparentemente apolítico, siguiendo la línea del autor de enmarcarse dentro de una teoría del arte «biológico-social».

S/T, instalación, 2012.

Yamine El Rhorba Respuesta a la fugacidad, búsqueda de lo eterno, lo cual siempre ha existido desde tiempos prehistóricos, la esencia del hombre.

Prohibido olvidar, instalación con figura en cera y óleo, perros en resina, minicaballetes en balsa y miniretratos en lápiz sobre papel, 2012.

Patricio Ponce Una frase utilizada reiteradamente por el Presidente de turno deviene en forma de instalación en la cual el personaje, un desocupado, devuelve la consigna al equipo de gobierno.

Artnografía de un edificio quiteño, instalación, 2012.

Colectivo La Emancipada Inspirada en una planta carnívora la obra juega con el concepto de institución, en este caso el Centro Cultural Metropolitano, y sus diversas transformaciones, rehabilitaciones y ocupaciones. Pollitos mecánicos Sobre y Bajo el estandarte patrio (De la serie «El país bajo cuerda»), instalación, 2012.

Ernesto Proaño El autor juega con ironía con el concepto de los símbolos patrios, el poder, y aquellos que lo detentan y abusan de él.

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instalación


Héroes verdaderos, instalación, 2012.

Rodrigo Viera Cruz La metáfora irónica de revivir héroes ficticios y reales, inmortales, diversos, locales y universales, utilizados para evadir momentáneamente la cruda realidad.

Des-Irable, instalación plástica de 180 x 60 cm., 2012.

Cristina Riofrío Instalación interactiva cuya intencionalidad es crear un espacio íntimo para el público, dentro del contexto de la galería, en el cual se establece un lugar neutro, materializado en una cabina de cartón, donde el/la interactor/a puede descargar tensiones de ira a través del apuñalamiento de las paredes con un cuchillo que acompaña a la obra.

Día x día, instalación, 2012.

Christian Viteri En medio de una cama de hojas secas tatuadas con la palabra «inclemente», una plancha de concreto es iluminada teatralmente. (K)

Disfruta el paisaje, instalación, 2012.

Christian Vicente/Fausto Villalba Atrapa algo dulce y delicado, ponlo como carnada, los depredadores por sí solos llegarán y los sádicos se sentarán a contemplar la acción. Héchele caliche al zambo, instalación, 2012.

Danilo Zamora He ensamblado sobre un zambo una pantalla de plasma con fotografías de otros frutos nativos para crear una paradoja visual. Lo virtual se confronta con lo real, intento expresar la disensión inicial entre el mundo y la tierra. instalación

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Ø4

Franziska Aguirre La pieza denota movimiento, casi urgencia, de un personaje que nos recuerda vagamente a los «cucuruchos» de Semana Santa. (K)

arte objeto

¿Con quién voy?, arte objeto/cerámica, cuero, semilla, 2012.

Diana Armas Juego visual-espacial con el título del cuento de Pablo Palacio. En la pieza, culo y tetas son lo mismo, piernas son brazos, la alegría y la tristeza se completan en un juguete esquizofrénico. La doble y única mujer. Dualidad, arte objeto/muñeca de porcelana fría, 2012.

Edison Cáceres Coro Objeto efímero, metáfora de imaginarios caducos que promueven la idea de la grannn Paaatria.

Eternamente perdurable, arte objeto/algodón, alfileres, óleo, papel, frutilla, 2012.

Patricio Dalgo Juego respecto a los símbolos y los valores económicos. Teniendo en cuenta las tendencias a la alza.

la naranjilla mecánica 29 de marzo a 15 de mayo de 2012

Salta, salta que se te quema el culo, arte objeto/moneda de un centavo gringo, oscilador, 2012.

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arte objeto


Javier Escudero

María Belén Granda

El Homo Sacer, en la antigua Roma, era aquel que por haber cometido un delito podía ser asesinado por cualquiera, su vida carecía de valor, y se convertía en un paria sin derecho alguno. (K)

Con una intervención sutil pero a la vez altamente violenta busco graficar las agresiones casi imperceptibles que se dan en el seno familiar.

Homo Sasser, arte objeto con sello y piel humana, 2012.

Xavier León Borja La idea principal es otorgar sentido a algo que no tenga sentido lógico, ni en su acto del hacer ni como objeto de valor.

Sapo, arte objeto/plástico, 2012.

Autonomía de las lesiones, arte objeto/chupón y cinta, 2012.

Isabel Llaguno Retratos de criminales en cuchillos, en la parte posterior se podía leer su acción delictiva. (K)

Fuera de la ley, arte objeto/dibujo con tinta sobre cuchillos, 2012.

M.F.G.H.

M.F.G.H. Ilustración en tres colores que representa tres momentos, tres estados, tres problemas, tres soluciones, tres posibilidades, siempre tres.

Juego entre espacios abiertos, cerrados y entreabiertos, que contienen armas de fuego usadas y sin usar de color blanco, que manteniendo su principio se transforman en…

Secretitos, arte objeto/dibujo y collage (cartulina blanca, tinta negra, pintura roja y cartón de ilustración), 2012.

Gabriela Monteros Araujo Este objeto artístico es una pulsera confeccionada con un empaque de pastillas transparente y usado, grapas, sobre 17 cápsulas de gel blancas y vacías.

Arma blanca, arte objeto/escultura (cajas de fósforos, fósforos usados y sin usar, hilo rojo, pintura blanca), 2012.

Patricio Ponce Es la máscara de Vendetta utilizada por el grupo de hackers Anonymous, ente mediático que lucha por la dignidad. Mediante sabotajes informáticos pone en jaque a grupos de poder político y económico.

Compromisos médicos, objeto reciclado/ empaque de pastillas, grapas, cápsulas de gel vacías 2012. Anonymous, arte objeto/mixta, 2012.

arte objeto

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Ernesto Proaño El pollo mecánico está siendo asfixiado por el símbolo patrio, uncido a la vez por elementos religiosos y una moneda de un dólar, la obra es una metáfora de la alienación política que vivimos.

Retrato de Janeth Hinostroza como cabeza cuadrada, arte objeto/ resina de marihuana sobre madera, 2012.

Christian Proaño Enigmática creación donde tanto el título como los materiales (marihuana) proveen a la obra de otros sentidos y lecturas. (K)

El país bajo cuerda (De la serie El país bajo cuerda), arte objeto/mixta, 2012.

Omar Puebla

Omar Puebla Compilación de imágenes paradigmáticas de la historia del arte, recreadas tridimensionalmente y dialogando en un mismo espacio. Ensayo irónico sobre el consumo cultural.

Canasta básica, arte objeto/plastilina, 2012.

Hay muchas cosas que yo adoro de tí (pareja), arte objeto/terceros molares y alpaca, 2012.

Como lo bonito puede ser feo y lo feo puede ser bonito, todo depende de qué queremos guardar/ mostrar. Tomo lo que normalmente ocultamos y lo convierto en una joya, un juguete, algo «lindo».

David Santillán

Alex Schlenker

Evocación de los últimos sucesos de narcotráfico usando canales oficiales, como si se tratara de «El discreto encanto de la burguesía» de Buñuel, en donde todos los personajes caen en una espiral de corrupción y cinismo. (K)

Buena parte de mi trabajo visual aborda la idea del tiempo/de los tiempos. Me interesa de manera intensa las formas en las que se manifiesta su paso.

Narcovalija diplomática, arte objeto/mixta, 2012.

Time machine, arte objeto/mixta, 2012.

Christian Vicente Una solución sutil a un problema de moda.

Metán, arte objeto/rana aplastada, 2012.

Unidad Pelota Cuadrada Metán es la rana que sale de los sueños de los niños y atormenta el cielo de los adultos, cayó de una tormenta nacida en el mar. Pelota Cuadrada es la unidad que atormenta su propia conciencia, nació en el 2007 y no le teme a la muerte.

Bala ecológica, arte objeto/marcador sobre balas, 2012.

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arte objeto


Rodrigo Viera Cruz

Doina Vieru

Reutilizar objetos del cajón de la tía abuela quien, a manera de juego, entrega sus utensillos de labores para crear su retrato.

Pieza abstracta donde la autora, al darle un título, le da un concepto personal al objetopintura. (K)

Trompatitas, arte objeto/mixta, 2012.

Cabeza sin nombre, arte objeto/óleo sobre madera, 2012.

Doina Vieru

Fausto Villalba

La cromática juega un papel fundamental en esta metáfora de la autora. (K)

No es nada más que una representación metafórica, irónica y literal.

Casa sin nombre, arte objeto/óleo sobre madera, 2012.

arte objeto

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Una mano para mi ciudad, arte objeto/cerámica y plastilina, 2012.


Ø5

video arte parques de la flacso 30 de marzo de 2012

Selección en DVD adjunto Por razones de espacio hemos incluído en el disco una sola obra por autor (marcadas con *), a excepción del video de Manuel Kingman el cual fue realizado en vivo y no hay registro, y el de Larissa Marangoni que, por su tamaño, está disponible sólo en: http://vimeo.com/39014348

Pablo X. Almeida: Caes porque caes* Diego Baca Diebac: Espacio blanco* Edison Cáceres Coro: Este ecuador amazónico desde siempre y hasta siempre, viva la Patria* Karina Cortez: Vórtice* Patricio Dalgo: Un paseo por las nubes* Yamine El Rhorba: (2 de 40)* La Métamorphose David Fodel + Paco Proano: Nimitta* María Belén Granda: Exigir desde la irreflexión, la intervención divina* Juan Francisco Jijón: Vértigo no. 4* Manuel Kingman: Bienvenidos Daniel León/Palaminga: Dual* Larissa Marangoni: Y… cuando pase el temblor Patricio Ponce: Transacción* Wilmer Pozo: T.A.T.* Ernesto Proaño Vinueza: Amarillo* Adrián Preciado: Coreografía tecno-social*

MIVA: Violeta video-danza 01

Violeta video-danza 02* Verde video-danza Permutar La otra cara Fredy Ayala, Jaime Florez, Gabriela Romero: Cadáver exquisito* Gabriela Santander: Desmaterializar* Santiago Santillán: Esto no es tecnología es actitud* Actitud 1 Actitud 2 Alex Schlenker: (In) Between* Kléver Vásquez: Evolución* Galo Yépez: Estudio de autorretrato* Rodrigo Viera Cruz: Destructor compulsivo* Papelopus Fausto Villalba Noboa/Marco Pareja: Citey* Fausto Villalba: Una mano para mi ciudad* Tercer acto


Ø6

performance y arte acción Centro histórico parque itchimbía casa de la multinacional 31 de marzo de 2012 1 de abril de 2012

Registro editado en DVD adjunto

Zoomorfos, arte acción y cuerpo pintado, Itchimbía, 2012.

S/T, performance, Plaza de San Francisco, 2012.

Eva Anangonó/Fabo

Yamine El Rhorba

Obra performática realizada por la evolución corporal, la transgresión del cuerpo despues de someterse a una cirugía de cambio total, elementos imaginarios que evolucionan y cambian…

Lavar el cuerpo y la mente me hace sentir la existencia del niño que hay en mí. El espacio privado, íntimo, del cuerpo, es sólo un puente para sentir al otro.

Es-cencias, performance, Plaza de San Francisco, 2012.

Cargo, arrastro, empujo impulso, arte acción, Plaza de San Francisco-Plaza de la Independencia, 2012.

Noemí Laines La necesidad del reencuentro con uno mismo dentro de una sociedad pluricultural modernacontemporánea nos hace pensar ¿qué fuimos, qué somos, qué soy? Los atuendos, los lugares y las ideologías ¿para qué sirven? performance y arte acción

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Daniel León/Colectivo Palaminga Daniel León arrastró pesadas cabezas de cemento, la reacción de los transeúntes fue diversa, a veces violenta, a veces solidaria. (K)


Acciones Simples para Humanizar Ciudades, arte acción, Plaza de la Independencia y alrededores, 2012.

Juan Montelpare Desde el performance como disciplina y la composición urbana como metodología de acción, abordar los signos violentos de la ciudad resignificándolos a través de construcciones poéticas, tomando el arte como un generador de sentidos y el performance como estética de encuentro.

El Pambilar, acción procesual, Plaza de la Independencia-Calle Chile, 2012.

Juan Fernando Ortega (en colaboración con María José Flores) En el año 2010 dos campesinos fallecieron en un conflicto con una poderosa empresa maderera (Bosques Tropicales S.A.) en la zona de «El Pambilar» (Quinindé, Esmeraldas). En esta acción el autor repartió «recuerdos» con detalles del acontecimiento (pequeñas banderas grabadas con los nombres, fecha y condiciones de defunción de las víctimas), al mismo tiempo consultó a los transeúntes si estaban enterados del hecho, registró sus respuestas, y proporcionó una «nota de entrega» con una reseña del conflicto.

La violencia empieza desde aquí, performance, Plaza de San Francisco, 2012.

Colectivo Palaminga

(Sonia Ferro, Daniela de la Cerda, Sarah de la Cerda, Laly Lula) Parodia de nuestra educación, la imposición de lo que consideramos «verdades» se transmite sin discusión en la familia y la escuela. (K)

Escuadrón de búsqueda de las raíces de la democracia (De la serie El país bajo cuerda), performance, Plaza de la Independencia-Boulevar de la 24 de Mayo, 2012. En bici-arte, performance, Casa de la Multinacional-Plaza de la Independencia, 2012.

Rodrigo Viera Cruz (en colaboración con Biciacción) Acciones y ordenamientos realizadas con elementos móviles, en el Centro Histórico.

Ernesto Proaño Crítica mordaz de las creencias nacionales en torno a la democracia, su concepto es una ficción de la cual usufructúan y abusan los grupos de poder.

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performance y arte acción


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arte sonoro carpa del circo social parque itchimbĂ­a 1 de abril de 2012


Patricio Dalgo

Ernesto Proaño Vinueza

Canción de cuna II, performance sonoro, olpc, osciladores, 2012.

Accidente nocturno para cuatro voces, arte sonoro grabado, masterizado y producido por Mauricio Proaño, 1999.

Ruido como vehículo para la negación social y el absurdo público, sonido basado a partir de cualidades límites y errores provocados tanto en medios digitales como analógicos. Un sarcasmo alrededor de los arrullos infantiles.

Poema leído por cuatro ejecutantes que interpretan el texto como una partitura incorporando sonidos que enfatizan el carácter trágico de la obra.

Javier Escudero

Mauricio Proaño Vinueza

Homo Sasser, arte sonoro, 2012.

Fantasía del abismo, arte sonoro, 2010.

Obra de intensa coloratura, que mantiene una ejecución sistemática de modulaciones alrededor de lo que parecen instrumentos de vidrio. (K)

Obra hecha con medios electroacústicos. Los sonidos de voces, de ciudad y del metro (trenes), se combinan en esta obra libre sobre el abismo.

Kukuruchux Klan

Rodrigo Viera Cruz

S/T, arte sonoro en vivo, 2012.

Improvisación sonora, arte sonoro en vivo, 2012.

Nuestro performance consiste en la manipulacion de una walkman, el cual a sido alterado para producir una señal constante de ruido, esta señal es enviada a pedales de distorsión y otros efectos. De igual forma manipulamos la voz, distorsionando su señal, beats de baterías y diferentes sonidos y texturas que, al fusionarse, dan vida a una gama de ruidos y psicodelia.

Fusión de acciones, objetos y sonidos dentro de un costal con micrófonos, permiten componer un cúmulo de reacciones a los sentidos.

Fausto Villalba Noboa Comida para dos, arte sonoro, 2012. Narración sonora de todo el proceso que conlleva una comida para dos.

Daniel Pico

Intangible, arte sonoro, 2012.

Juegos de voz, acción en vivo, 2012.

Narración sonora que nos plantea la confrontación entre selva y ciudad.

Juegos vocales; glosolalia, glows, falsettos, pulsos fónicos, onomatopeyas, xenoglosias y jerigonzas.

Christian Proaño, Alexo Costales El arrastre, arte sonoro en vivo, 2012. Obra de gran intensidad que convina el performance con la creación sonora. Alexo y Christian, usando diversos elementos reciclados y una grabadora que parece descompuesta, generan una propuesta visual y auditiva que termina con las autores perdiéndose en el paisaje urbano. (K)

CoMPiLaCiÓn en dVd adjunto


Ø8

net.art

ecua-uio01.blogspot.com

Curators Oldies, net.art/video arte, 2012. ¿Será coincidencia que curator rime con terminator?, net.art/programación html, 2012.

Patricio Dalgo El autor arremete sin miramientos contra la dictadura de los curadores jugando con el parecido entre curator y terminator.

Encuentros cercanos (de la serie «Ufo») net.art/video arte, 1’12”, 2006

Patricio Ponce

Ernesto Proaño Vinueza Sátira sobre los curadores y artistas, sus relaciones de poder y el abuso de las etiquetas y conceptos. El autor ha repartido calcomanías sobre el tema desde el 2009.

Invasor, net.art/video arte, 6’16”

Santiago Santillán

MÚSICA Y DJ

El Rey Camarón, cierre de «Arte sonoro» Ricardo Chávez, DJ en cierre de «Performance y arte acción» Juan Zabala, DJ en inauguración de «Video arte» Fabián Alejandro, DJ en inauguración de «Pintura» y «Fotografía» 6&7, inauguración de «Arte objeto» (con videos de Jamel Maldonado) (trío de jazz argentino), inauguración de «Instalación»

MALABARES

Jonny Albán, Kléver Albán, Claudia Ávila, Mario Sánchez ECUA-uio

subirá proximamente en su blog portafolios de los participantes y de otros artistas.


directorio de artistas Francisca Aguirre: 4francisca@gmail.com Marcelo Aguirre: www.marceloaguirre.ec maraguirre@flacso.org.ec Pablo X. Almeida: psicoticosboys@gmail.com 099843141 Luis Alvear: kilimamanjiro@hotmail.com Eva Anangonó: breadolly84@hotmail.com Diana Armas: facebook.com/diana.armas1 María Inés Armesto: armestomi@hotmail.com Omar Arregui: 099591415 Diego Baca Diebac: diebac666@hotmail.com César Benitez: cesarbenitezs@hotmail.com www.cesar-benitez.artelista.com 095139724 / 02 2823815 Diego Bravo: diegogrrr@hotmail.com 098107224 Edison Cáceres: eecaceres@hotmail.com 098901345 Rocío Carpio: rociocarpio78@gmail.com David Celi: dvdcli.o1@gmail.com / 091057747 Ricardo Centeno: ricardocenteno@hotmail.com Ricardo Chávez: dj_ddonn@msn.com facebook.com/ricardo.chavez.ddonn Pilar Colás: piliuxs@hotmail.com Colectivo K23: jaen_jorge@hotmail.com cot_sita@live.com / 080143586 Colectivo Kespues: 098215339 / 02 3133064 Colectivo La Emancipada: ibega84@hotmail.com melabailacontigo@hotmail.com / 098027689 Colectivo MIVA: alteregovisual@hotmail.com miva-videoarte.blogspot.com aemaudiovisual.blogspot.com Colectivo Palaminga: palaminga@gmail.com palaminga.blogspot.com palaminga.wordpress. com/author/palaminga Lorena Cordero: lorena@lorenacordero.com www.lorenacordero.com lorenacordero.com/blog Nixon Córdova: 02 2663349 Karina Cortez: lakaris31@yahoo.com laurakarinacr.blogspot.com / 092932198 arteurbanosur.blogspot.com / 02 2660258 s1-90casacultural.blogspot.com Viviana Croce: nocasillas@hotmail.com Patricio Dalgo: patodalgo@gmail.com / 098341086 / patriciodalgo.blogspot.com electrolata.blogspot.com Dj Fabian Alejandro XFM: 093651298 Pancho Dueñas: panchodekito@yahoo.com El Rey Camarón: www.vendomarihuana.com facebook.com/rey.camaron Yamine El Rhorba: elrhorbayamine@gmail.com 089970508 / eyamine.jimdo.com Javier Escudero: otroarte30@hotmail.com Patricio Estévez: patricioestevez1@gmail.com 099588144 Ana Fernández (Miranda Texidor): 084996721 texidormiranda@gmail.com mirandatexidor.com mirandatexidor.blogspot.com David Fodel: www.davidfodel.com Patricio Gallo: galloarte@yahoo.com Grace García: ga_garciat@hotmail.com

Mario García: mariofgm@yahoo.es María Belén Granda: belengranda@yahoo.es 085240819 Washington Guayasamín: 087116202 washoo1@hotmail.com Isabel Intriago: isa.intriago@gmail.com Martín Jaramillo: 092668470 Roberto Jaramillo: robertojaramago@yahoo.es Francisco Jarrín: pancheiro13@gmail.com / franciscofjfoto.blogspot.com / 084858217 Juan Francisco Jijón: 092599478 Patricio Jijón: patriciojijon@yahoo.com www.patriciojijon.com / www.ciclop.info Manuel Kingman: manuelka12@gmail.com Kukuruchux Klan: kkrchk@hotmail.com 092773615 La Multinacional: multi.nacional@hotmail.com 098901345 / 098341086 / 095805692 www.lamultinacional1.wordpress.com Noemí Laines: noyeslain@yahoo.es partículateatral.blogspot.com 069033987 / 02 2541725 Diego Ledesma: chicchan_13@hotmail.com 02 2956668 / 087463489 Xavier León Borja: xalebo@hotmail.com Daniel León: palaminga@gmail.com Edizon León: 093251006 Llaguno Isabel: isa_33_ll@hotmail.com arte-isabel.blogspot.com Maldonado Jamel: jamelfds@gmail.com M.F.G.H.: papelitonomases@gmail.com www.papelitonomases.blogspot.com 087611684 Larissa Marangoni: lmarangoni@aprofe.org.ec Alexandra Miller: chiryacu@hotmail.com Juan Montelpare: juanmontelpare@hotmail.com 087990551 Gabriela Monteros: gams120@hotmail.com 02 2253635 / 088865574 Soledad Mora: morasoledad@hotmail.com Deborah Morillo: debimorillo@hotmail.com Katy Muñoz: lakatymunoz@gmail.com Mauricio Noboa: mauronoboafoto@gmail.com mauronoboafoto@facebook.com facebook.com/mauronoboafoto / 093227060 dirección: Carlos Tobar E6-138 y Eloy Alfaro Juan Fernando Ortega: warman0011@yahoo.es Daniel Pico: art.danielpico@gmail.com artdanielpico.blogspot.com daniel-bitacora.blogspot.com facebook.com/Art.DanielPico Patricio Ponce: poncegaraicoa@yahoo.com 095317692 Wilmer Pozo: oniricosis@hotmail.com oniricosis.blogspot.com Paco Proano: objectandthought@gmail.com www.pacoproano.com Christian Proaño: 088819058 christianproao@yahoo.com.mx Ernesto Proaño: cadabrae@gmail.com tarjeterio.blogspot.com / 084474453

Mauricio Proaño: proanomauricio@gmail.com 084484294 / www.microtono.com facebook.com/pages/Domingo-Cantinas/149543105106728

Omar Puebla: 082042333 info@eldeposito.org / www.eldeposito.org Guillermo Puente: masanta@hotmail.com Alejandro Reinoso: 099022626 Cristina Riofrío: bruma5ec@yahoo.com Nathaly Robelli: fitoclos7@hotmail.com Gabriela Romero: 087355949 gabyromerovelasquez@hotmail.com Alex Rovayo: alexrov@trimagofoto.com 084897269 / www.trimagofoto.com Gabriela Santander: gloriandersan@gmail.com 099494087 David Santillán: davidsantillanc@gmail.com www.davidsantillan.com / 2954014 / 084967818 Santiago Santillán: santidavisan@hotmail.com 087516733 Mauro Sbarbaro: essere@maurosbarbaro.com www.maurosbarbaro.com Alex Schlenker: hasga@gmx.de / 098312366 Sofía Soto: sofiasoto.uio@gmail.com Daniel Torres: danito_mu@hotmail.com Carlos Torres Machado: 098707500 carlos@torresmachado.com www.torresmachado.com Abdón Ubidia: aubidia@gmail.com Ulises Unda: uunda@hotmail.com Unidad Pelota Cuadrada: karen_aip@yahoo.es escuelitauio@hotmail.com / 097174402 Carlos Vaca: carloshvaca@yahoo.com Danilo Vallejo: danilovallejo@yahoo.com 02 2608163 / 098753353 Vinicio Vallejos: viniciovallejos@yahoo.com Gonzalo Vargas: gonzalomiguelv@gmail.com Kléver Vásquez: 085574871 Geovanny Verdesoto: geokundalini@yahoo.es geovannyverdezoto.blogspot.com Christian Vicente: c3-c3-c3@hotmail.com 02 2673227 / 082892002 Rodrigo Viera Cruz: 098215339 / 02 3133064 Kespues_artecontemporaneo@yahoo.com Doina Vieru: doinadoina2000@yahoo.com 095608916 Eduardo Villacís: www.eduardovillacis.com Fausto Villalba: peandaluz@yahoo.com 095805692 / www.faustovillalba.wordpress.com Gato Villegas: geovil@gmx.net / 099660046 www.vsfoto.net / skype: geovil / fb: gato.villegas Christian Viteri: c_vitery@hispavista.com Pablo Yang: pablitousyayay@gmail.com 092342667 Galo Yépez: danzig006@hotmail.com 098922152 / www.galoyepez.blogspot.com Juan Zabala: flukehead@yahoo.com Danilo Zamora: lapiedraarte@hotmail.com 098241535 Viajarte (Jonny Albán, malabares): 081150641 6&7: seisysiete@gmail.com / 087655500 092599478 / 6and7music.bandcamp.com facebook.com/pages/67/216985068362641 soundcloud.com/6and7


La violencia empieza desde aquĂ­, performance del Colectivo Palaminga en la Plaza de San Francisco. Foto Rodrigo Viera.


El arte contemporáneo, esa caldera hirviente Relatos del Festival ECUA-uio/01 Por Pablo Yang Comunicador

He asumido el reto de «narrar la evolución de un festival de arte visual contemporáneo», labor que considero está llena de conflictos ya que de por sí es imposible una aproximación objetiva, adoptaré pues mi papel de mero observador ajeno a los meandros de su organización, a la evolución de sus actores, los artistas participantes, que suman más de cien, lo cual hace más difícil la tarea de aprehender todas las obras, mi apreciación, por lo tanto, no va a ser completa ni tampoco profundamente técnica, será, evidentemente, un conjunto de sensaciones —incompletas, parciales—, emparentadas con mi gusto personal. Es un desafío que no puedo rechazar, no es frecuente se planteen inciativas paralelas al ejercicio curatorial, y por ello la idea de los organizadores de un «relator», un narrador del evento, me parece acertada, visiones distintas de Alex Schlenker, Katy Muñoz, Abdón Ubidia, Ulises Unda y Rocío Carpio. Los organizadores han propuesto ocho categorías, todas interesantes, algunas complicadas de entender, pero yo propongo que son nueve (las categorías), la novena es «Arte Político», el conjunto del Festival, gestionado, organizado, convocado y realizado por artistas visuales multidisciplinarios, todo su accionar confronta la gestión que hacen curadores y administradores de los grandes centros culturales del país, critica eventos como la Bienal de Cuenca o los Salones, y demuestra es importante otro tipo de lecturas del arte, porque ECUA-uio ha evidenciado que no es

necesario gastarse miles de dólares para que confluyan propuestas y que, la visión académica amparada en pomposos y crípticos discursos, nos conduce sólo a callejones sin salida. Incluso han tenido la audacia de transparentar sus gastos en el blog, gesto ético que dice mucho del Festival. En este contexto los artistas de ECUA-uio han hecho lo que nunca podrá hacer un «curador independiente», un interesante sondeo no sólo de la obra, sino del ambiente del arte. Porque lo que usualmente vemos son conjuntos de creaciones seleccionadas por un «experto», que llevan su impronta e ideología, sin dar espacio a la pluralidad de manifestaciones, y sin visibilizar siquiera al creador. Proyectos donde prima un discurso innaccesible para la mayoría y mentalizado desde una óptica «educativa» como es el caso de muchas propuestas del novísimo CAC, o la ya célebre Bienal de Cuenca por su retórica excluyente, ¿dónde entra el arte en esa fórmula?, evidentemente quienes mentalizan y dirigen estos espacios les iría mejor en el campo de la antropología social. No es casual que en este Festival se hayan mostrado numerosas obras que tienen una naturaleza crítica del poder, de todo poder, incluido el de quienes dirigen las instituciones culturales, obras que buscan la reflexión y confrontación con el espectador, pero que también evidencian discursos sólidos en torno a su creación. Paso a relatar el evento como tal.

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ECUA-uio ha evidenciado que no es

necesario gastarse miles de dólares para que confluyan propuestas

lunes, 20h43, cc de lA Puce, desde el tercer piso llega la algarabía de la gente reunida en torno a cuadros y dibujos, subo por las escaleras —el ascensor está abarrotado—, caracolean los burros de colores del colectivo K23, propuesta política y crítica de la prepotencia del arte seriado del cual ya hemos visto abundantes y desastrosos ejemplos, los quindes, los toros, los caballos, las pancartas de la autopista al Valle de los Chillos, todo enmarcado en proyectos de miles de dólares que más tienen de feria de baratijas que de arte. Llego al tercer piso, el autorretrato de Diego Ledesma me recibe, es un conjunto de papeles kraft que más se acercan a la instalación que al dibujo, bajo su mirada tutelar se esconde la intervención en afiches de Galo Yepez, leo un lenguaje cifrado, aparece illuminati, parpadea la obra cuando un mesero me ofrece un vino. Las galerías del moderno Centro Cultural de la Universidad Católica lucen abarrotadas de gente, prácticamente son dos pisos con más de cincuenta obras y la gran mayoría de gran formato. Jamón, reza el díptico de Washington Guayasamín, me sorprende su fuerza expresiva (no lo conocía), desde el otro lado, casi en el abismo de la sala Roberto Jaramillo a colocado un lienzo titulado Vampiro en la columna central. En el pasillo una enorme pintura de Marcelo Aguirre junto a una instalación de mouse pads de Danilo Vallejo, ambos parecen desaparecer en las alturas, en la esquina un retrato irónico de Edison Cáceres se mofa de nuestra sagrada banda presidencial, junto a él las obras de Fausto Villalba y Luis Alvear evocan un monstruismo metafísico, quizá como el que soñara Lovecraft. Se suceden en el piso superior de la muestra Pablo Almeida, con quien congenio al leer «las cosas que me matarán un día»; César Benítez

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con un hombre de espaldas casi crucificado titulado Animal político; Ernesto Proaño con un díptico en metal donde me llama la atención el texto esbozado bajo los trazos; Guillermo Puente con dos obras que parecen bocetos de facultad; Franziska Aguirre presentá dos ejercicios cromáticos y de textura de notable factura; y David Celi expone dos telas que me sobrecojen, Déjenlas cacarear y Purgatorius, la multitud de gallinas apiñadas, evidentemente, aguardan la muerte como en un campo de concentración. Otro camarero me ha provisto de un vino rojo, parece se ha compadecido de este hombre alto y solitario que prefiere ver las obras a saludar con los artistas. Por suerte para mí he llegado tarde y no tengo que soportar las palabras inaugurales, voces amplificadas que nunca contribuyen en nada, alaban la muestra, agradecen, se vanaglorian, discursean (a veces hasta arrancar bostezos a los asistentes) sin cosiderar lo ridículo y arcaico del ritual. Bajo hacia otra sala, en el camino dos tortuosos lienzos de Rodrigo Viera me recuerdan que no hay escapatoria de la muerte; una iglesia sobre el plano de una ciudad desvastada, de Nixón Córdoba, me produce desasosiego. Cuatro mujeres en un proceso de rasgarse el vientre, Furor a 3500 sobre el nivel del mar, de David Santillán, hace que aflore algún recuerdo oculto y que intuyo desagradable, me agrada; al lado dos obras de Diego Bravo, son igual de impactantes, como si la imaginería de la escuela quiteña se hubiera transmutado a estos jóvenes artistas para narrar ya no eventos religiosos sino mundanos, pero con el mismo efecto sobrecogedor que usaba Miguel de Santiago. Fenómeno nacional: porque la comida y las doctrinas entran por los ojos, enuncia el autorretrato Patricio Dalgo, y digo sí, la política es siempre un caleidoscopio con los mismos cristales enmohecidos, por eso siempre apago el televisor a la hora de comer. La obra de Patricio Ponce, una intervención de afiches políticos, parece estar en el mismo tono, la política y sus actores no son más que payasos sin futuro.


Homo Diversus, de Daniel Pico, una caja de luz donde se esboza una efigie cristina, contrasta fuertemente con la propuesta de Santiago Santillán, donde en la saturada cromática encontramos una suerte de tzantzas con signos que parecen bajados directamente del celular. Eduardo Villacís, imaginativo dibujante, ha expuesto dos obras de su universo personal, Caudillo, y la enigmática Ancestros, que contiene una figura precolombina. Daniel Torres,Vinicio Vallejos y Ernesto Proaño, presentan obras caústicas donde los colores tienden a los tierras, cada uno reflexionando desde su universo personal, Torres, con un reconocido personaje de la farándula rodeada de pequeños perros,Vallejos con un icono precolombino rodeado de retratos de niños, y Proaño con una oscura figura que denomina El pájaro de fuego. Ante ellos contrastan los superhéroes fálicos y onanistas de Pancho Dueñas, en colores que remiten al poster.

las metáforas que encierra son múltiples, ambivalentes. A su lado Pilar Colás expone con fuerza un díptico que juega con el observador y lo arrastra a una poética propia. He narrado las obras desde mi punto de vista, muy lejos de ser un crítico, más bien un simple observador, soy comunicador no historiador del arte, por eso no profundizo más y me vuelco al verdadero espectáculo: los artistas, el público, los curiosos, todos en una amalgama de conversaciones donde fluyen de un cardúmen a otro, como peces, algunos deambulan solitarios (como yo), otros solo miran, voyeuristas sociales, la concurrencia que gana entusiasmo. Me deslizo hacia el ascensor, por fin sin tanto tráfico, y salgo al frío nocturno de Quito.

Anclada bajo lo que parece un vidrio antibalas está lo que Diana Armas denomina óleo con incrustaciones, creación sugerente y perturbadora.

mArtes, itchimbíA, 20h22, el viento azota la loma y agradezco la exposición no sea en la parte superior del mercado de cristal que diseñó Eiffel hace más de un siglo. En las profundidades cálidas otra vez esa fauna errática que fluye, se disgrega, vuelve a juntarse. Esta vez hay 54 obras de 35 creadores, no he traído mi libreta así que esta narración la consigno a la memoria, lo cual me da más libertad para moverme sin la presión de anotar, ese vicio de los que hacemos perdiodismo. Al principio tengo la impresión de que todas las fotografías se parecen, falso, es una muestra tan variada que lo único que la unifica es un tamaño aproximado y la calidad de la impresión —pigmento sobre papel de microcerámica hecha por Felipe Freid, me dice mucho después Ernesto—, algunos autores no son en realidad fotógrafos, les importa poco la luz y la composición, son gestos conceptuales usando como técnica una cámara de fotos, tal es el caso de Javier Escudero quien documenta un performance; Patricio Dalgo se burla de

Más allá encuentro a Deborah Morillo con un políptico intitulado y la extraña «De», perfección narrativa y formal. La siguen Isabel Intriago con lo que la autora denomina vitrofusión y papel reciclado, pero que más allá de la técnica no parece decir mucho. Karina Cortez con Hogar dulce hogar, de la serie Puntada familiar, se arriesga y experimenta,

La visión académica amparada en pomposos y crípticos discursos nos conduce sólo a callejones sin salida

Un gran dibujo bicolor sobre papel blanco de Ana Fernández refresca la sala, me recuerda, inevitablemente, los pergaminos del Popol Vhu. Junto a ella Doina Vieru y Yamine El Rhorba realizan ejercicios que se acercan a lo caligráfico. Xavier León Borja me sorprende especialmente con su obra Muñequitos, que me evoca un videoclip, los personajes están al borde de la tela, casi desprendiéndose, como en el final de una melodía en clave de rock-pop. Alexandra Miller no me emociona en lo absoluto.

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nuestros «sagrados iconos patrios» (otra vez); Patricio Ponce juega con los totems del arte, la comercialización y se mofa de sí mismo; Alejandro Reinoso metaforiza la geografía de América; Rodrigo Viera alude a su quehacer performático; Pablo Almeida juega con Christo y Joseph Beuys (para mi deleite); Mauro Sbarbaro ha fotografíado sus relieves de scultopintura. Para muchos puristas quizá estas obras no pertenezcan al campo de la fotografía más por eso la muestra advierte se trata de «Fotografía y soportes fotográficos». Otros han construido elaboradas escenografías para narrar una idea, tal es el caso de las complejas obras de Carlos Torres Machado, donde la composición casi se puede leer como un breve cuento; Patricio Gallo y su Ironía del cine, un tanto ingenua para mi gusto. Patricio Jijón con una depurada manipulación digital de gran empatía, especialmente con su Ciclo P; Jamel Maldonado que perfila los bordes dentados de la película y nos deja entrever una suerte de instalación; el sutil sadismo de Fausto Villalba, donde de nuevo se delinea Lovecraft; Alex Rovayo con su efectista Planeta; Nathaly Robelli y sus abstracciones cromáticas; la secuencia elaborada como cartel de Alex Schlenker titulada Rio. Hay quienes son fotógrafos puros —si existe este término—, como Patricio Estévez y sus sobrias tomas urbanas, Geovanny Verdesoto y el barroquismo de sus palomas, Sofía Soto y la poesía de su Surfer, Mauricio Noboa y la sensualidad de sus mujeres en claroscuro, Soledad Mora y sus personajes que dándonos la espalda materializan su escencia humana, Edizon León y la desolación en penumbra de su plaza, Francisco Jarrín y sus expresivos salasakas, Lorena Cordero y sus tortuosos personajes, Ricardo Centeno y la belleza de una obra de danza, Omar Arregui y el teatro drag. Todos equilibrados, dueños de la técnica. Sigue un grupo inclasificable, María Belén Granda parece mostrarnos una pieza normal más el título, Precepto de un acto inmoral, me deja perplejo, hay un truco, algo que se me escapa. Lo mismo sucede con María Inés Armesto, las tazas de café con una leyenda sujeta con

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He narrado las obras desde mi punto de vista, muy lejos de ser un crítico, como un simple observador

adhesivo, y dos pilotos mujeres tomadas con una cámara común, la obra cae en la instalación. Gonzalo Vargas, con San Juan-San Roque, fotografía aprentemente paisajística con los bordes difusos, algo esconde el autor. Ernesto Proaño y su Máquina 233Z, trucaje digital, sí, pero me consterna. Igual Viviana Croce con sus saturaciones cromáticas. Danilo Vallejo, con amplia experiencia en fotografiar a los rockeros, desconcentra mi atención con Dreams y I love you, hay un vacío en su composición que oculta algo.Y Christian Vicente nos presenta un grillo al más puro estilo de una revista de fauna, más una ligera parte está en blanco y negro, ¿qué intenta el autor? El paisaje iPhonográfico (o sea utilizando un iPhone) de Gato Villegas, es una ciudad oscura, viciada, casi irreal. Para el final me reservo la fina obra de Carlos Vaca, Interior mental, autorretrato con la marca de Escher, caja iluminada ubicada en el piso, pozo de luz y sombras. He narrado esta segunda muestra, quisiera quedarme en estas bóvedas blancas y no volver al ventoso mercado de cristal, pero la ciudad me espera. miércoles, 19h56, centro culturAl metroPolitAno, me recibe el estandarte patrio con una plaga de pollos mecánicos amarillos, de la serie El país bajo cuerda de Ernesto Proaño, de fondo toca un grupo de jazz, luego pasarán la gorra, son artistas callejeros. Un zambo ha sido cavado para albergar una pequeña pantalla, en ella se reflejan frutos, es la microinstalación de Danilo Zamora quien afortunadamente se ha sumado a última hora al Festival. Tres interesantes mujeres, del colectivo La Emancipada —como la novela de Miguel Riofrío—, han dibujado un diseño en hierba casi fluorescente, lucen orgullosas con sus guantes morados y reparten diminutos


«Fotografía y soportes fotográficos». Foto Fausto Villalba.


Los artistas de ECUA-uio han hecho lo que nunca podrá hacer un curador, un interesante sondeo no sólo de obras, sino del ambiente del arte

sobres que en primera instancia creo contienen alguna sustancia ilegal, más son souvenirs de hierba… A su lado hay unos cuencos que me recuerdan los que deja el barro en la orilla de los ríos, una vela los ampara, Aoh!, dice la cédula de Grace García. Como si se tratara de un cementerio abandonado, Christian Viteri nos ha dejado un lápida que dice Inclemente en medio de hojas secas marcadas con la misma palabra, un reflector la ilumina y resalta su teatralidad. Llego a las inmediaciones de la aromática obra de Yamine El Rhorba, una vasija destila un líquido oloroso, me parece hay gato encerrado en la propuesta. Muy cerca está una caja de Diana Armas, barroquismo puro, me dan ganas de abrir la puerta y jugar con sus sádicos juguetes. Héroes verdaderos se llama la obra de Rodrigo Viera, y es evidente su intención desacralizadora de personajes que idolatramos. Más allá está la extraña telaraña de Fausto Villalba y Christian Vicente, los monstruos «formolizados» de Villalba se han mezclado con esta composición de cobre llena de flores de azúcar, sin que lo noten he desprendido un dulce y me lo llevo (de trofeo). Pablo Almeida ha colocado una foto de una anciana lavandera y delante la ropa tendida, «mamá corazón de detergente» dice con ternura el autor. Más allá Mario García me sorprende con un ramo de flores sobre una base blanca, la cédula sólo indica lo evidente: El florero, es notorio que se burla de nosotros. Una miniatura de El hombre de la calle 14, rodeada de perros, observa los retratos, también en miniatura, de los actuales jerarcas del estado ecuatoriano, la metáfora es ambigua, corrosiva. Una caja negra, con un cuchillo de cocina en su puerta, invita a pasar y desahogar nuestra ira, no me atrevo, soy un

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hombre pacífico. Prefiero cazar un vino que una chica guapa ofrece, supongo es parte de los organizadores quienes hacen turnos para salir y entrar con bandejas de vino, me encanta su hospitalidad y sencillez. Me encuentro con alguien, comentamos las obras, la noche y el frío se olvidan al calor del jugo fermentado de uva. jueVes, 19h00, lA nArAnjillA mecánicA, jóvenes de todo tipo entran y salen de la casa de mediados del siglo veinte convertida en bar, aún no se puede subir al piso superior, pero me acomodo en la barra y pido un mojito. Otra vez me deleito con los grupos que se aglomeran y se dispersan, vuelve a mi mente la metáfora de los peces. Hoy he traído una cámara digital para no olvidar las imágenes, finalmente es un festival de arte visual, y todos los que lo miramos también somos mirados, y conformamos el mural que se pinta con cada inauguración. Por fin veo que la gente comienza a subir, me deslizo, soy sinuoso a pesar de mi tamaño, la gente entra con respeto para admirar esas campanas de vidrio que contienen diminutas metáforas, dos breves filas de elementos diversos. Llama mi atención la representación de Anonymous, el grupo ciberterrorista, la ejecución de Patricio Ponce es impecable. Flotan a su lado unos amasijos de madera y óleo de Doina Vieru; una estilizada cerámica de Franziska Aguirre, que semeja un cucurucho caminante; las balas ecológicas de Christian Vicente son una práctica solución, me digo, falta el director de la trasnacional y el gobernante de turno que permite los abusos con el medio ambiente; paso a la sutil obra de M.F.G.H., Arma blanca, con sus cajones entreabiertos; mi mirada se desvía hacia la muñeca colgante de Diana Armas, que evocando el cuento de Pablo Palacio, La doble y única mujer, nos enfrenta a su interpretación privada de la dualidad; junto a esta hay tres cuchillos grabados con rostros de criminales, Isabel Llaguno es su creadora; un pollo mecánico envuelto en la bandera nacional, evidentemente de Proaño y evidentemente parte de su serie El país bajo cuerda. Pastillas y una pulsera hecha con los contenedores de las mismas, de Gabriela Monteros, me indican una historia velada, o esa


es la intención, elucubrar con esos restos. En la otra habitación me recibe la rana momificada de la Unidad Pelota Cuadrada —Karen Solórzano y Ana Carrillo han hecho una buena dupleta artística—. Omar Puebla con una obra hecha con alpaca y muelas humanas, y otra en plastilina, las dos minuciosas. Otra vez M.F.G.H. con un diminuto libro en papel artesanal y sin urna con el nombre de Secretitos. Le sigue la bola de plástico de Xavier León Borja, que el autor titula Sapo. El maquiavélico chupón de María Belén Granda, Autonomía de las lesiones, que para corona lleva un lazo conmemorativo. David Santillán a manufacturado una valija diplomática, en concordancia con los escándalos recientes. La ambivalente Time Machine de Alex Schlenker llena de artilugios. La dedociudad de Fausto Villaba, parte de su imaginario. Edison Cáceres presenta una frutilla con una bandera del Ecuador clavada en ella, con seguridad destinada a podrirse, no la bandera sino la fruta, y para resaltar la metáfora la llama Eternamente perdurable. Rodrigo Viera nos hace un guiño con un lúdico art toy apodado Trompatitas. Finalmente Christian Proaño con un título largo: Retrato de Janeth Hinostroza como cabeza cuadrada, la obra está elaborada en resina de marihuana sobre madera.

microhistorias, experimentos visuales, tal vez el cine tuvo en sus orígenes —cuando los hermanos Lumiere viajaban con su cinematógrafo como un espectáculo de circo—, el mismo concepto. Me embarga una sensación de calma, lentamente fluyen hacia mí Vórtice de Karina Cortez, Espacio blanco de Diego Baca, Caes porque caes de Pablo Almeida, Nimitta de Paco Proano y David Fodel, Evolución de Kléver Vásquez, entre otros. Alguien inaugura la muestra, alguien agradece, yo miro las estrellas.

Hay tanta gente que debo salir, en la pared que divide los dos cuartos aguarda solitaria Salta, salta que se te quema el culo, de Patricio Dalgo, aprieto un botón rojo y algo rebota sobre lo que el autor denomina oscilador. Bajo, pido otro mojito, La Naranjilla parece una caldera hirviente, gente diversa sigue entrando y saliendo como si fuera una estación de autobuses. Viernes, 19h11, PArque de lA flAcso, cuatro pantallas bajo un cielo estrellado iluminado por una luna perfecta, nos envuelve el sonido que mezcla Juan Zabala, la gente se aglomera en la oscuridad, puedo sentarme en un banco y mirar una y otra vez estas piezas extrañas que a veces no tienen sentido, es como hacer un viaje de introspección, no estoy viendo cine arte, ni video clips, tampoco son fragmentos de películas, es algo distinto, son sensaciones,

La novena categoría del Festival es «Arte Político», el conjunto del evento gestionado, organizado, convocado y realizado por artistas visuales multidisciplinarios, y demuestra es importante otro tipo de lecturas del arte 39 katalizad r


NomeĂ­ Laines, durante su performance Es-cencias. Foto Fausto Villalba.


Crónica de un desnudo anunciado (Reflexiones sobre el discurso de las identidades) Rocío Carpio Comunicadora

Es una tarde que amenaza con lluvia. En la plaza de San Francisco se arma una tarima para un concierto esa noche. Se acaba marzo, ya llega abril, hay un aire masoquista en el ambiente. A la gente le gusta sufrir. No hay duda, la «heroificación» del dolor —cuasi dogma judeocristiano— no ha sido superada. No ha sido cuestionada siquiera. La plaza empedrada duele por muchos motivos: todos ellos muestran un tejido cicatrizal de antiguos rencores. Un espacio en el que puede convivir un mendigo dueño del portal de la iglesia, una iglesia franciscana con turistas que desentienden contextos históricos velados, lustrabotas, ladrones, turistas nacionales de media tarde autoexotizando los espacios, y un grupo de artistas contemporáneos buscando irrumpir en la cotidianidad, no puede ser sino un lugar lleno de superposiciones sociales y culturales. Pues es así como se ha ido construyendo lo que resulta hoy en día haberse sedimentado como identidad: un cúmulo de pisos geológicos yuxtapuestos uno encima de otro, sin mayor lógica que los procesos de colonización y violencia epistémica. En esa superposición de tejidos sociales y procesos truncos, cabe, por supuesto, el travestimento social y la puesta en escena. «La eterna puesta en escena del barroco», como diría el filósofo ecuatoriano Bolívar Echeverría.Y la puesta en escena del mestizaje, le añado yo. En esa eterna puesta en escena de disfraces y posturas, de tratar de

ser otro, hemos hecho uso de la vestimenta para formar parte de un catálogo estético autoimpuesto (aunque validado por el discurso dominante). Y es en ese escenario de media tarde, de identidades travestidas, que camina Noemí Laines, morena, telúrica. Noemí camina entre la gente, como una más, vestida de indígena otavaleña. Nadie nota nada extraño, ella sigue caminando, mirando hacia el frente, mientras se va desprendiendo, uno por uno, de los accesorios que forman parte de ese traje. En pocos minutos —o segundos quizás— se convierte en otra. Ahora es mestiza, viste falda y blusa, como una oficinista cualquiera. Mientras más se acerca a la plaza, más se hace evidente su desnudez a los ojos de los otros. Llega al punto, un pequeño cajón con arcilla, que unta en su cuerpo, ya casi desnudo, los pechos expuestos, los ojos de todos apuntándole. ¿Quiénes somos? ¡Quienes somos! Repite. Despojada de su ropa, ¿ahora qué es? Desde el acondicionamiento de la mirada educada para ver de cierta forma las cosas, todos quizás podríamos tener la respuesta. Pero la pregunta ciertamente busca ir más allá de lo evidente: intenta cuestionar el cómo nos vemos a través de anular metafóricamente las construcciones sociales. Cosa severamente imposible desde una lógica secular, pero no desde el arte.

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¿Quiénes somos? La simple pregunta revela una de las más grandes inquietudes del arte contemporáneo ecuatoriano

La simple pregunta desde el desnudo, cliché quizás en su forma, revela una de las más grandes inquietudes del arte contemporáneo ecuatoriano, y que he podido notar en el recorrido —no completo— de las obras que se presentaron en el ECUA-uio/01. Harto difícil es catalogar y tratar de normar todo lo presentado en el Festival, pero sí tal vez intentar trazar un derrotero semántico entre algunas de las obras, cuatro por honor al espacio. Imposible no hablar de la obra pictórica de Patricio Ponce «Cierre de campaña», que desde la clave de la ironía propone un juego estético de superposiciones desde un soporte físico-ideológico, que cumple doble función: lienzo y apropiación. Los afiches de campaña con políticos transformados en superhéroes, villanos —más villanos que superhéroes—, payasos, personajes del cine de terror gore, y hasta héroes del imaginario popular (como el Ché Guevara), logran que la burla del poder no se quede en el simple anecdotario: Ponce traduce en imágenes el proceso a la inversa de la construcción simbólica de la demagogia, en un diálogo con la cultura de masas que recuerda el frágil discurso seudo-nacionalista de la política local. Guardando las distancias, la instalación de Rodrigo Viera «Héroes verdaderos», utiliza referentes similares en papel: superhéroes, héroes de la patria y el mundo, y mártires en general, cobijados todos bajo el mismo manto de una gran escultura de fibra de vidrio que sostiene una sábana a modo de estandarte, la cual recuerda de lejos al mito del héroe niño Abdón Calderón.Y precisamente la obra es una especie de bitácora visual de la construcción de superhombres desde la historia y la cultura popular, como pretextos simbólicos de una

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necesidad épica, que, nuevamente, heroifica al dolor. Es una clara reflexión de cómo parte el ensamblaje de identidades desde la magnificación de las figuras emblemáticas de la cultura local y global, además de ese necesario punto de fuga que se adjunta desde la ficción (el cómic). Por el contrario, a la obra de Danilo Vallejo (Roots Bloody Roots), la encuentro como decidida a anular la preocupación del «quiénes somos y de dónde venimos», por simple repetición: 72 figuras precolombinas encerradas en círculos, formando hileras, denotan un interés casi puramente estético que podría jugar en dos frentes: una ironización de los procesos museográficos que derivaron en años de exhibiciones arqueológicas vacías, o por el contrario, el juicio de regreso: las piezas son lo que son y no dicen mucho más de nuestro pasado que lo que de él ya conocemos. En todo caso, la reflexión sobre un pasado muerto y desenterrado como intento de cimentar identidad cultural, es algo que podría calzar en esta obra. En otro sentido, la serie del colectivo K23 «Burros de colores», hace un cuestionamiento a los procesos artísticos y la construcción de la identidad misma de las obras: moldes de burros en papel y en esténcil hacen referencia al arte en serie, y a la moda mundial de vacas y animales pintados por encargo. Una clara afrenta al arte del main stream o incluso una burla fina que de paso, fagocita y se apropia de un proceso hueco al que consigue darle la vuelta. Esta es una pequeña muestra de la que escogí hablar, que alude a esa «sedimentación de identidades» de la que hablé antes, y que en cierta forma, desnuda discursos dominantes y cuestiona ciertas relaciones de poder presentes tanto en el arte, en la alta cultura, en la cultura de masas y quizás en menor medida, en la cultura popular. La evidencia del proceso es lo que devela las relaciones intersticiales en las sociedades. Esas relaciones, despojadas del disfraz de «la cultura», clavan la incógnita que nadie aún puede responder: ¿Qué somos?…


43 katalizad r H茅roes verdaderos, instalaci贸n de Rodrigo Viera Cruz, C.C. Metropolitano. Foto Christian Vicente.


La violencia empieza desde aquĂ­, performance del Colectivo Palaminga en la Plaza de San Francisco. Foto Fausto Villalba.


Desobediencia artística: apuntes para una geopolítica-otra del arte Alex Schlenker Artista visual

Hay que revalorar el pequeño lugar y el poco tiempo en que vivimos Ernesto Sábato (La resistencia)

Diario De una ProVocación: cuanDo irrumPe el momento

Mientras borro uno a uno los cientos de correos electrónicos que a diario inundan mi ordenador1, descubro la invitación para exponer algunas de mis piezas2 en el Festival de Arte Visual Contemporáneo ECUA-uio/01, organizado por la revista Katalizador y el Colectivo Kespues de arte visual contemporáneo (el evento contó además con la co-producción de la Multinacional, Espacio de Experimentación Interdisciplinaria). La sorpresa ante tal invitación no se limita al hecho mismo que se me invite (no viene al caso el que siempre dude de la importancia que pudiera desprenderse de lo que yo hago), la curiosidad que me invade se adhiere con inusitado interés al contorno del concepto mismo del evento. ¿Quién puede organizar en un mes un evento tan ambicioso y con qué presupuesto? ¿Por qué usar el término festival cuando lo canónico en este tiempo son las bienales, trienales y demás anales de arte? ¿Por qué ampliar una convocatoria a ocho categorías cuando eventos «más grandes» hacen malabares por

consolidar apenas una? ¿Qué reflexión hicieron los organizadores para permitir la participación de un artista en varias o todas las categorías (incluso ellos se auto-impusieron la consigna de participar en todas, una transversalidad de lenguajes estéticos que la mayoría cumplió)? ¿Si no hay curadores, quién convoca a quién y por qué? ¿Por qué desobedecerán las reglas del arte actual? Las preguntas y dudas se acumulan. La única forma de desentrañarlas es participando y repitiendo como un mantra en voz alta y sin inflexión alguna todas mis preguntas en cada una de las inauguraciones que visitaré. En el mismo instante en que decido enviar tres piezas (una para cada una de las categorías de fotografía, arte objeto y video arte) mi curiosidad recibe aval oficial del festival: Ernesto Proaño y Rodrigo Viera, dos de los organizadores del evento, me proponen que asuma una de las relatorías del festival y me ofrecen una cena a cambio.Yo pido que sea un bíblico plato de lentejas. Ellos aceptan. Transcribo aquí entonces mis respectivas impresiones del Festival ECUA-uio.

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Me QuieRe, no Me QuieRe: DeSHojanDo laS margaritaS De un arte coloniZaDo o ¿cómo Hacer uSo De la teoría De conjuntoS Para entenDer el arte Y SuS relacioneS De PoDer?

lo Que eS Y lo Que no eS arte ¿Es posible saber lo que es arte y lo que no lo es? Al repetir este mantra sucesivamente en el Festival surge una voz que responde lo obvio: el arte es aquello que hacen los artistas. De una u otra forma todos los participantes del ECUA-uio/01 se asumen como artistas3 Sustituyo entonces este mantra por el siguiente ¿quién es artista y quién es no-artista? Sin proponérmelo se me escapa un tercer mantra ¿quién sería una voz autorizada para responder a esta pregunta? El campo del arte es complejo, por lo tanto —como todo ente complejo— requiere de una representación que facilite su adsorción.4 Las políticas del nombrar —y por ende las de clasificar— parten de dos principios fundamentales. Por un lado se establece qué propiedades debe tener un determinado objeto para ser parte de un conjunto (el elemento de pertenencia) y por el otro lado se diferencian las características del conjunto frente a otros conjuntos menos diferenciados/jerarquizados (el elemento discriminador). Así, a partir de la pertenencia de conjunto que emana del concepto «mueble», una silla podrá entrar al conjunto de los muebles en general, pero no al subconjunto de los muebles para dormir o al de aquellos muebles que sirven para colocar o guardar objetos. Lo mismo sucederá con determinadas prácticas artísticas, las cuales entrarán al conjunto de lo artístico en su sentido más amplio, pero no a otros subconjuntos (arte contemporáneo, arte actual, buen arte, arte nacional, arte internacional, arte joven, arte político, arte público, arte relacional, arte efímero…)5 El Festival ECUA-uio prescindió de esta clasificación y jerarquización en conjuntos y subconjuntos. El arte fue entendido en el Festival como una respuesta a la necesidad de crear que tiene el artista, antes que a la obligación de elaborar un enunciado6 que alguien más traducirá al espectador.

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Mientras asisto a los distintos eventos del Festival (durante una semana hay una inauguración distinta en un lugar diferente cada día) me surge otra pregunta. Si el arte es un campo, ¿qué elementos son parte del mismo? ¿Qué relaciones de poder regulan su pertenencia y qué matriz de poder determina su exterioridad relativa?7 La teoría de conjuntos, aquella maravillosa rama de las matemáticas, que permite clasificar y ordenar el mundo a partir de determinadas variables (i)lógicas de pertinencia y exclusión, puede llegar a operar como una suerte de poética mortal del número y el lenguaje que da cuenta del modelo a partir del cual pensamos y sentimos el mundo en el que vivimos. Las siguientes líneas incluyen unas breves instrucciones para su posible aplicación al ámbito del arte y de un posible arte-otro.8 Sea entonces el conjunto «A» aquel que agrupa lo relacionado con el arte. Sea además tal conjunto el correspondiente a la esfera de lo artístico en un espacio «Z»9 [sea Z igual o mayor [ ≥ ] a la nación, la región, la provincia, la ciudad, el barrio, la cuadra, la casa, la alcoba, el rincón y, finalmente, a aquella grieta en la que insertaste una mosca muerta a la que le pintaste las alas de celeste]. En tal virtud, el conjunto A de lo artístico en el espacio Z será AZ, el cual contendrá los elementos «aZ» que conforman la esfera del arte: creadores, receptores, coleccionistas, curadores, críticos, reporteros culturales, gestores culturales, galeristas, museógrafos, administradores de centros culturales, etc. Cabe preguntarse entonces ¿cuál de estos elementos contiene, y por lo tanto administra y controla, a los demás elementos? ¿Por qué se han normalizado en el campo del arte las prácticas curatoriales excluyentes que, a partir de la colonización del lenguaje a través de una jerga discriminatoria, establece lo que Frantz Fanon llamaba la zona del ser y la zona del no-ser10?


Modelo Curadorcéntrico (Kutatorium): Heike Thiessman, 2011.

Para efectos de la presente reflexión no me interesa centrarme en qué tipo de clasificaciones del arte han surgido en las últimas décadas, sino concentrarme en el hecho que tales dinámicas de clasificación obedecen a políticas específicas del ámbito cultural administradas por sujetos específicos con agendas específicas. Aunque existe una tendencia cada vez más marcada a pensar al arte como un campo desprendido de las relaciones sociales de producción, me resulta fundamental entender al arte como una práctica simbólica atravesada de condicionamientos políticos, de clase, de género, de pertinencia específica (étnica, grupal, gremial, académica, etc.) que alguien regula —en mayor o menor medida— desde determinadas estructuras de poder. En ese sentido se evidencia una creciente colonización del arte por parte de un paradigma moderno que entiende a la

racionalidad como la única y la más elevada forma de entendimiento de la realidad. Así, el arte deja de ser un experiencia que detona sensaciones en los sentidos, para pasar a ser materia de análisis de la razón como instrumento supremo del hombre moderno.11 El arte se vuelve entonces el capital simbólico de determinadas figuras, entre las que habría que destacar al artista de artistas, ausente en el Festival ECUA-uio, el curador. Su ausencia del Festival, lejos de ser una venganza del artista otrora no incluido en tal o cual evento, obedece a las posibilidades que pueden surgir cuando el artista asume la gestión de su obra y la respectiva exhibición por su propia cuenta. Un modelo que no necesita imponerse como el correcto o ideal, sino como un modo otro de asumir el acto artístico y sus posibilidades de diálogo.

Red de artes (Kunstnetzwerk): Heike Thiessman, 2011.

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Grupo 6&7, inauguración de «Arte objeto» en La Naranjilla Mecánica. Foto Fausto Villalba.


Lo atrevido, lo indomable Imagina que llama el curador y nadie le contesta Erich Schönhöfler (El arte de la desobediencia)

Al atravesar los distintos espacios que albergaron las muestras del Festival me vi avocado a pensar en Laura Matanil, el personaje principal del cuento «Laura, alma mía» publicado por Ivo Gardlensky12 en la década del ’60. Se trata de una joven «poco agraciada» de escasos veinte años que, cansada de esperar en las fiestas a que algún muchacho la saque a bailar, decide desobedecer las reglas que adscriben la iniciativa al varón y asumir la iniciativa desde y para ella. Laura no espera a ser escogida, ella escoge. A partir de esta determinación, y ya entrada en gastos insalvables, Laura re-inventa los movimientos del baile. Así surge un cuerpo que rompe con los pasos canónicos mientras descubre otros movimientos posibles para sus pies, sus piernas, sus caderas y el resto del cuerpo. Las reacciones de su entorno se dividen en dos: para las demás chicas Laura es «fea y atrevida», para los muchachos en cambio «esa Laura baila más que nadie». Su acto de transgresión encuentra el aval en su modo de bailar, de moverse, de insinuar y provocar. Un desafío para los jóvenes que no logran seguirle el paso a ese otro movimiento. Surgen así lo que llamo «las políticas del cuerpo indomable», una forma de resistencia/re-existencia que reclaman el derecho a mirarse a sí mismo desde la propia experiencia vital. Este Festival «feo y atrevido» desobedeció el modo convencional de gestionar el arte y convocó a su manera esa voz de lo indomable. Artistas cansados de esperar a que los «saquen a bailar» organizaron —al ritmo de otros compases— su propia fiesta. «Artistas gestionando artistas» parece haber sido la premisa. El Festival no solo desafió las formas habituales y normalizadas de entender lo artístico, sino que además interpeló las políticas convencionales para convocar tal

¿Si no hay curadores, quién convoca a quién y por qué? ¿Por qué desobedecerán las reglas del arte actual?

experiencia al ámbito de lo público. No hizo falta la bendición que presupone el aval de la institucionalidad pública o privada encargada de ordenar y clasificar el devenir de lo artístico en el contexto local/regional/nacional. El evento omitió desde el inicio la búsqueda de grandes presupuestos para su ejecución. Cada artista aportó a través de su inscripción con el pago de diez dólares para el presupuesto general. A esos casi $800 se sumaron otros dos aportes que le permitieron al comité organizador contar con alrededor de $2549,99 destinados a la impresión de las obras de la categoría fotografía13, el material impreso, la logística, la promoción y otros detalles que apuntalaron el desarrollo del Festival. Al bajo presupuesto (no como excusa, sino como herramienta política) se sumó una logística espontánea que, anclada en la idea del arte como fiesta y encuentro (se potencia así el concepto de festival en el sentido de lo festivo proveniente del vocablo indogermánico festen, celebración/ lo celebratorio: una experiencia vital), logró articular para el proyecto «espacios mayores»14 y de difícil acceso administrativo como los Centros Culturales Metropolitano, del Itchimbía y de la Pontificia Universidad Católica, con «espacios menores»14 como la Naranjilla Mecánica, la sede de La Multinacional o el parque central de FLACSO. No hay arte sin diálogo. No hay artista silencioso. Intuyo que, de una u otra forma los artistas producimos en diálogo con/contra otros artistas15. Esa experiencia de proximidad y distancia con los procesos y las obras de otros creadores va generando una red de relaciones cognitivas-estéticas-políticas entre artistas. Aún así, y como si los artistas no contáramos con las

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¿Es posible saber lo que es arte y lo que no lo es? El arte es aquello que hacen los artistas

destrezas cognitivas y del lenguaje necesarias para una socialización significativa, buena parte de estas relaciones artista-artista y artistapúblico ha sido colonizada por la mediación no discutida que en la actualidad ejercen gestores, curadores, críticos, administradores culturales, comunicadores, etc.16 Asumiendo la fealdad que caracteriza a buena parte de nuestro arte, ECUA-uio convocó aquello que existía al interior de sus «redes»; así el festival desafió las reglas de legitimación inscritas en las canónicas formas de ordenar y clasificar para las cuales, siguiendo la crítica que hace Rodolfo Kusch, la «belleza» habitará únicamente en el arte, el cual será aquello que producen artistas; artistas serán aquellos a quienes curadores y críticos clasifiquen como tal, el resto será el territorio de lo abominable.17 Este desafío hacia la ontología convencional del arte se extendió al desafío por pensar una ética distinta frente al evento artístico, de tal forma que el Festival se concibió como espacio de exhibición del arte en el campo expandido. Producto de ello es que las distintas categorías del evento (pintura y soportes bidimensionales, fotografía y soportes fotográficos, instalación, arte objeto, video-arte, performance y arte acción, arte sonoro, net. art) no operaron como marcos de poder que delimitan y clasifican, sino como enunciados provocadores que, a partir de una necesaria e impostergable irreverencia a la pregunta ¿qué es arte y qué no los es?, devuelven a cada artista la pregunta en torno a ¿cómo crees que es tu arte? El resultado son obras que irrumpen

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desobedeciendo la supuesta delimitación de las distintas categorías. De esta forma aparecen en la muestra de lo bidimensional expresiones fronterizas en forma de pintura-objeto, pinturainstalación, objeto-pintado, dibujo-intervenido; o que en la muestra fotográfica haya objetosfotográficos, cajas de proyección fotográfica, o intervenciones digitales sobre lo fotográfico que desplazaban el purismo realista inscrito en la imagen fotográfica por décadas. El qué da pasó al cómo; así la obra y su proceso pasan a un segundo término frente a las potencialidades de los «modos específicos de hacer [sentir y pensar] del artista». Esta provocación derivó en una hipótesis: si el acto estético es, en el sentido en el que sugiere Walter Mignolo, una experiencia de la aiestesis (de lo sensible / de los sentidos), el lenguaje/soporte es apenas un canal expresivo de la experiencia y no la experiencia estética en sí. En tal virtud, los organizadores permitieron la participación de los artistas en varias o todas las categorías, una transversalidad de lenguajes estéticos que generó nuevos diálogos; impensables en formatos rígidos que conciben la experimentación únicamente como opción en la producción, pero no en la exhibición (circulación). Esta apertura se constituyó incluso en norma para los mismos artistas-organizadores que convocaban, autoimponiéndose así la consigna de participar en todas las categorías, algo que la mayoría cumplió.

El Festival permitió pensar y vivir lo festivo del arte desde una perspectiva-otra que fue sugiriendo formas-otras de pensar las geografías y las políticas del arte


Christian Proaño durante la ejecución de su obra El arrastre, arte sonoro en vivo. Foto Fausto Villalba.

Hacia una geoPoLÍtiCa-otRa Del arte, a moDo De concluSión La noción general que una sociedad tiene de sus artistas pasa por el concepto de lo irreverente. Al artista se le tolera todo aquello que al sujeto común no se le permitiría. A esa irreverencia hay que agregarle una suerte de desobediencia que el artista debería asumir para evitar ser subsumido por un sistemamundo que intenta convertirlo, al igual que a su obra, en mercancía. En ese sentido el artista también es objeto de acumulación de valor. Estas relaciones de producción —y obviamente las correspondientes normas para la circulación y el consumo— pueden y deben ser desafiadas por la mirada sensible del artista. El Festival ECUA-uio es apenas una muestra de aquello que se puede concebir y ejecutar para hacer circular el arte en nuestra sociedad. Sus estrategias no deben ser modelo para otras experiencias, sino detonar reflexiones que nos obliguen a replicar la pregunta ¿existen formas otras de exhibir lo que hacemos los artistas?

El arte de la actualidad pasa por una serie de instancias de poder en las que «la asimetría de sus actores […]»18 debe ser tomada en cuenta. El Festival permitió pensar y vivir lo festivo del arte desde una perspectiva-otra que fue sugiriendo formas-otras de pensar las geografías y las políticas del arte. Para fortalecer esta postura política del artista-ser (vs. el artistamercancía) es importante resistir frente a las formas ya normalizadas para concebir la gestión y la exhibición del arte. En palabras de Dussel, «para resistir es necesario madurar [para] reconstruir ese mundo desde una perspectiva ‘exterior’». Tal maduración no pasa únicamente por la desobediencia, sino que implica además la re-afirmación que cada artista deberá hacer de su lugar específico de la experiencia vital. Si el Festival ECUA-uio devino en un acto celebratorio del arte, cuando pase la resaca deberemos preguntarnos ¿qué hacer para evitar que este evento conste el próximo año en la agenda de las distintas instituciones culturales locales, «curado» además por los curadores de turno?

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Bibliografía Bhabha, Homi, «El mimetismo y el hombre: Ambivalencia del discurso colonial» en: El lugar de la cultura, Manantial, Buenos Aires, 2002. Castro-Gómez, Santiago; Grosfoguel, Ramón; (compiladores), El giro decolonial: reflexiones para una diversidad epistémica más allá del capitalismo global, Siglo del Hombre Editores; Universidad Central, Instituto de Estudios Sociales Contemporáneos y Pontificia Universidad Javeriana, Instituto Pensar, Bogotá, 2007. Dussel, Enrique, Transmodernidad e interculturalidad (Interpretación desde la Filosofía de la Liberación), (UAM-Iz., México City, 2005), en: www.afyl.org/ transmodernidadeinterculturalidad.pdf Eze, Emmanuel Chukwudi. «El color de la razón. Las ideas de «raza» en la antropología de Kant», en W. Mignolo (comp.). Capitalismo y geopolítica del conocimiento, Buenos Aires: Ediciones del signo, 2001. Gardlensky, Ivo, Laura, alma mía, Ediciones Mandinga, San Juan, 1968. Kusch, Rodolfo, «Anotaciones para una estética de lo americano», en Kenos: revista digital, No. 1, Buenos Aires, 2003. __________, Estar: planteo de un arte americano. en Obras Completas (Vol. IV). Fundación Ross, Santa Fe, 2000. Mignolo, Walter, La opción descolonial, Revista Letral #1, 2008. Sábato, Ernesto, La Resistencia, Seix Barral, Barcelona, 2011. Schlenker, Alex, (compilador), Fronteras y bordes: los desafíos transdisciplinares del arte contemporáneo, documento digital en Edición, PUCE-FADA-CAV, Quito, 2012. Schönhöfler, Erich, El arte de la desobediencia, Wallacher Verlag, Rüschlikon, 1997.

Notas: Por culpa de esa falsa máxima que proclama que «hay que estar actualizado», al igual que mucha gente estoy suscrito a los boletines electrónicos de docenas de páginas de arte y de cine, de museos en países que no visitaré, de plataformas de proyectos que surgen y desaparecen a la velocidad de la luz, de colectivos que tienen mucha actividad, pero que pocos visitan, de instituciones públicas que socializarán tal o cual proyecto de ley, etc. 1

Personalmente concibo al arte como una forma de indagar en lo vital; en palabras de Adolfo Albán de «generar una re-existencia» que, más allá de elaborar productos terminados a ser contemplados, comparte los bocetos de sus formas senti-pensantes de vivir y hacer conciencia. En tal virtud me gusta pensar mis objetos como «piezas» en eterno proceso de diálogos en desarrollo.

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En la actualidad gestiono un proyecto que busca indagar en las posibles estrategias para desarrollar formas de «auto nombrar(nos)», a partir de la distinción entre cómo nos ven/ cómo nos vemos. En las primeras reuniones con los distintos talleristas/experimentadores del proyecto surgió una noción muy difundida e interiorizada por determinados artistas: el artista no se asume a sí mismo como artista, sino hasta que alguna instancia externa (academia, medios, instituciones, críticos, curadores, etc.) lo denomine como tal. Parte de las estrategias de este proyecto es restituir y fortalecer el reconocimiento del lugar específico de cada artista, asumido como tal desde su propia experiencia/existencia.

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Contrario a la absorción, en la que la sustancia externa (en este caso el modelo sugerido) ingresa al sistema (el lector interesado en el arte), en el proceso de adsorción lo adsorbido no ingresa al sistema, sino que se adhiere sobre su superficie. Se trata de una receptividad que, a partir de una cercanía física, no excluye la absorción (incorporación al sistema mismo), pero tampoco la niega o excluye.

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Buena parte del debate teórico actual en torno al arte y sus implicaciones pasa por las disputas simbólicas que implica ponerle el apellido al arte: nacional, joven, efímero, contemporáneo, actual, relacional,… Tales prácticas nominales encierran un elemento paradigmático de la modernidad occidental: «el arte no es, sino que debe devenir en…». En ese sentido, el ethos moderno impondría la sentencia según la cual no se es, sino que se debe llegar a ser. En palabras de Homi Bhabha, «llegaremos a ser, pero no lo suficiente».Ver: Bhabha Homi, «El mimetismo y el hombre: Ambivalencia del discurso colonial» en: El lugar de la cultura, Manantial, Buenos Aires, 2002.

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La diferencia entre generar sensaciones y elaborar un enunciado que comunica un mensaje se ve apoyada por el hecho biológico que establece que crear y comunicar son dos operaciones cognitivas de distinta naturaleza, ubicados en hemisferios cerebrales distintos.

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Para Dussel, la modernidad-capitalista clasifica al sujeto a partir de una norma específica y la correspondiente exterioridad relativa, configurada por ese mundo cargado de elementos despreciados por el dominador. Quienes no cumplen con las características de la norma (etnia, clase, género, edad, filiación, etc.) habitan como anormalidad la exterioridad relativa a tal matriz civilizatoria. El desafío de quienes han sido excluidos a tal exterioridad es lograr una transformación (blanqueamiento) para ser aceptados por la matriz como un igual.Ver: Enrique Dussel, Transmodernidad e interculturalidad (Interpretación desde la Filosofía de la Liberación), (UAMIz., México City, 2005), disponible en: www.afyl.org/ transmodernidadeinterculturalidad.pdf 7


La extensión «–otra» surge al interior de los debates que el Grupo Modernidad-Colonialidad-Decolonialidad viene impulsando desde hace más de dos décadas. Para algunos de estos autores lo «otro», más que un modelo más, implica un modo distinto —desde otra matriz y otra lógica epistémica— de abordar determinadas prácticas. Para Mignolo por ejemplo se trata de pensar y accionar un desenganche como una opción que opere desde lógicas distintas a las que la modernidad-capitalista ha ido desarrollando.Ver: Walter Mignolo, La opción descolonial, Revista Letral #1, 2008.

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Si le exigimos al arte una relación significativa y potencial con lo real, entendido como la forma dialéctica que emana del acto de (re)interpretar lo aprehendido de las experiencias concretas de la vida, el arte debería acusar siempre la especificidad del tiempoespacio (timespace en el sentido en que lo entienden Immanuel Wallerstein y posteriormente Ramón Grosfoguel) en el que tal vivencia transcurre. Así Grosfoguel aborda las tensiones en torno al tiempo criticando el «universalismo basado en un conocimiento con pretensiones de eternidad espacio-temporal, de enunciados que se «abstraen» de toda espacialidad y temporalidad [y el de un] universalismo abstracto, en el sentido epistémico del sujeto de enunciación sin rostro ni localización espaciotemporal, el de la ego-política del conocimiento».Ver: Ramón Grosfoguel, «Descolonizando los universalismos occidentales: el pluri-versalismo transmoderno decolonial desde Aimé Césaire hasta los zapatistas», en El giro decolonial: reflexiones para una diversidad epistémica más allá del capitalismo global / compiladores Santiago CastroGómez y Ramón Grosfoguel. Bogotá: Siglo del Hombre Editores; Universidad Central, Instituto de Estudios Sociales Contemporáneos y Pontificia Universidad Javeriana, Instituto Pensar, 2007, p. 65.

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La mayoría de las retóricas curatoriales contemporáneas establecen estas zonas a partir de la delimitación de quien tiene los elementos conceptuales (el curador) y quien no dispone de los mismos (el artista) para poner la obra en perspectiva y asignarle su valor real. 10

11 Me parece muy acertada la aclaración que hace Dussel cuando advierte que la tan discutida «postmodernidad» es un momento aún inherente de la misma modernidad, pues opera en la misma matriz de pensamiento moderno.Ver: Enrique Dussel, Op.Cit. 12 Ivo Gardlensky (1940) es un escritor norteamericano de origen polaco, criado desde temprana edad por su madrastra puertorriqueña en los barrios hispanoparlantes de Nueva York. Entre 1963 y 1969 publicó varios libros de cuentos, entre ellos «Laura, alma mía», en el que consta el cuento del mismo nombre al que me refiero aquí.

14 Me interesa proponer esta división entre «grandes» y «menores» espacios como una provocación para (re)pensar las estrategias de jerarquización que las distintas retóricas de la modernidad-capitalista han ido desarrollando y normalizando en el ámbito artístico. ¿Es acaso el arte exhibido por los «grandes espacios» más relevante que aquel que circula por los «espacios menores»? ¿Es la monumentalidad espacial/institucional lo que diferencia a los Centros Culturales de instituciones públicas de propuestas/proyectos autónomos como aquellos que han surgido en la última década en Quito (No-Lugar; La Naranjilla Mecánica, La Multinacional, El Conteiner, etc.)?

Sin duda alguna, el principal público de los eventos artísticos de la ciudad de Quito está conformado por artistas que miran y critican la obra de otros artistas. Esta mirada —lejos de reclamar para sí la exclusividad sobre las posibilidades interpretativas— se articula desde la experiencia misma del acto artístico. No me interesa posicionar esta mirada por encima de la mirada que surge desde otros lugares (curadores, críticos, gestores, etc.), sino cuestionar su (auto)silenciamiento paulatino y progresivo a lo largo de las últimas décadas. 15

A partir de la idea kantiana de Unmündigkeit (inmadurez) abordada por Eze («El color de la razón. Las ideas de «raza» en la antropología de Kant»), me he aproximado en reiteradas ocasiones al fenómeno de las curadurías que en la actualidad se desarrollan en distintos proyectos/ espacios expositivos. Me surge así la pregunta en torno a la necesidad de descolonizar las relaciones de poder que han ido consolidándose como formas canónicas de articulación del arte/artista con los espectadores.Ver: Alex Schlenker, «De la curaduría a las Xuradurías: (re) existencias simbólicas en perspectiva decolonial en el campo del arte», en Alex Schlenker (compilador), Fronteras y bordes: los desafíos transdisciplinares del arte contemporáneo, documento en edición, PUCE-FADA-CAV, Quito, 2012.

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17 Para Rodolfo Kusch, la experiencia artística pensada desde la especificidad latinoamericana implica pensar el arte como un acto artístico de lo americano como experiencia específica y concreta frente a unas políticas de encubrimiento. Un arte que se articule desde lo tenebroso, desde el espacio-cosa/hombre-espacio, desde lo amorfo, desde lo indígena, desde la historia como estética frente al «gran arte» de occidente y su «estética fallida».Ver: Rodolfo Kusch, «Anotaciones para una estética de lo americano», en Kenos: revista digital, No. 1, Buenos Aires, 2003, p. 1-5 y Rodolfo Kusch, «Estar: planteo de un arte americano» en Obras Completas (Vol. IV). Fundación Ross, Santa Fe, 2000. 18

Enrique Dussel, Transmodernidad e interculturalidad, p. 2.

La preocupación por una textura uniforme en la calidad técnica del soporte le dio a esta categoría un aire de equivalencia cualitativa que liberaba la apreciación de las distintas obras de su condicionamiento material. Así, desde una cierta unicidad que emanó desde la materialidad misma, fotografías tomadas con celulares lograban un diálogo potencial con aquellas imágenes producidas por aparatos más sofisticados. 13

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Daniel Pico, durante la ejecuci贸n de su obra sonora Juegos de voz. Foto Rodrigo Viera.


¿Cuál noise? Ulises Unda

Artista visual

El interés que tengo por el trabajo artístico que se desarrolla en el ámbito de los llamados Nuevos Medios, me ha llevado a aceptar la invitación realizada por los organizadores para comentar sobre una de las secciones que conformaron el Festival ECUA-uio/01, la de Arte Sonoro. La aproximación a este evento, en el cual fue posible apreciar propuestas de algunos de los artistas que vienen contribuyendo al desarrollo de la escena local de las artes sónicas y artes visuales, resultó sumamente grato debido principalmente a la consistencia demostrada en la exploración de lenguajes derivados de la manipulación y organización del sonido. Dar cuenta de aquella consistencia investigativa requeriría, obviamente, asumir un espacio de reflexión distinto al que se esboza en estas pocas líneas, e implicaría diferenciar en principio dos tipos dominantes de orientaciones entre los trabajos presentados: aquellos de estirpe experimental donde importa la naturaleza material del sonido y de sus formas expresivas en relación con herramientas y medios tecnológicos (Kukuruchux Klan, Patricio Dalgo, Mauricio Proaño); y, aquellos que emplazan el sonido en pliegues narrativos y que evocan el fuerte calado cultural de medios como la radio y el cine (Fausto Villalba, Ernesto Proaño, Xavier Escudero). Entre ambas orientaciones, las mismas que podrían resultar correspondientes con las actividades de artistas sonoros y artistas visuales, la presencia de estilos procedentes del performance y del arte conceptual se

manifestaron como un puente de doble vía (Christian Proaño, Rodrigo Viera, Daniel Pico). Otro aspecto que hizo disfrutable la sección sonora del ECUA-uio/01 fue el acierto de la organización, en intercalar la reproducción de piezas sonoras con intervenciones en vivo o performances. Aparte de la renovada atención que provocó en el público este equilibrado cambio de escenarios aurales, se podría hablar de una cierta función didáctica que promovió el reconocimiento de distintas formas de escucha, y puso de manifiesto la naturaleza reflexiva que se impone entre cuerpo y sonoridad. Contra el pronóstico de una mañana oscura de terrible tempestad como resultado del crudo invierno que se ha ensañado en este año 2012, la presentación de Arte Sonoro transcurrió en una mañana radiante de domingo. Al interior de la carpa social del parque Itchimbía, espacio circense que favorece la adecuada propagación del sonido al preciarse de una controlable modularidad, las propuestas presentadas integraron las intensas ondas de calor con el refrescante presagio de potentes ideas sónicas.

El apreciar las propuestas fue grato debido a la consistencia en la exploración de lenguajes derivados de la manipulación y organización del sonido 55 katalizad r


«Arte objeto», La Naranjilla Mecánica. Foto Fausto Villalba.


VISIONES ENTRECORTADAS DE ECUA-uio/01

Notas para una relatoría fragmentaria Katy Muñoz

Curadora y Artista visual

i. clanDeStina Me he aproximado al Festival ECUA-uio/01 de Arte Visual Contemporáneo desde la clandestinidad, esto supone un ejercicio de mi parte, obviar el contacto con los creadores y organizadores, lo cual es un tanto esquivo más tiene una razón, no contaminarme con sus comentarios y así lograr una visión plenamente personal del evento, y para el caso, el mío, mi condición de curadora y artista visual, en un movimiento anticuratorial ha sido un asunto un tanto comprometido, sin embargo entiendo las razones por las cuales los artistas que han creado ECUA-uio/01 han prescindido de nosotros, quienes «dictamos las fórmulas del arte», eso no significa que todos seamos iguales, algunos hacemos un trabajo honesto de investigación y curaduría. Como en todo gremio hay aquellos que se imponen dictatorialmente y lucran del poder, pero no es mi caso, los curadores también hemos logrado una visibilización del arte contemporáneo como nunca antes, nos hemos involucrado en campos interdisciplinarios y multiculturales desarrollando proyectos donde trabajamos horizontalmente con los creadores y el público, generando propuestas interesantes y con un alto impacto en la población, desacralizando el elitismo de las vanguardias e introduciendo conceptos que vienen de las ciencias sociales y enriquecen enormemente todo el espectro de las técnicas visuales. Me he dejado llevar, en esta relatoría, por el discurso aparentemente anárquico de ECUA-uio/01, aparentemente digo porque

como toda estructura social se organiza a sí misma y comienza a funcionar como un organismo, y es en este flujo de ideas, comentarios, sonidos, pero sobretodo obras visuales, donde he encontrado la riqueza del movimiento, porque sí, se ha generado un movimiento, y he sido testigo de su génesis. ii. el boSQue Puedo ver en mi retina, como un recuerdo vivo, cuatro pantallas en medio de un bosque, sobre cada una se presenta video-arte, un objeto visual que en ocasiones se constituye una obra maestra pero en la mayoría son sólo gestos fieles a las pesadillas de Artaud. Pero no estoy en medio de un bosque, es una ficción, es un parque con bancas, la gente se mueve en la oscuridad y observa, puedo sentir el hedor del asombro pero también el del cinismo, los artistas son en su gran mayoría cínicos, y eso los protege de gente como yo, aunque sé, que si me acerco a uno de ellos y me identifico, me oirá con atención, como si de mi boca brotarán analectas, o tal vez de la voz de alarma y entonces deba huir. Por eso conservo mi incógnito, uno de ellos se aproxima para brindarme un licor fuerte que sacude mis pensamientos, gracias. iii. PaíS De locoS Ahora los miro de lejos en la plaza de San Francisco, un joven alto arrastra unas bolas de cemento, su esfuerzo físico me anima a seguirlo, ¿qué sentido tiene en un país de locos hacer una locura más?, pero ahí va, alguien lo insulta, la policía lo ignora, alguien lo ayuda y

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Los curadores también hemos logrado una visibilización del arte contemporáneo como nunca antes

él sonríe. Hay un joven barbado repartiendo unos certificados donde se cuenta un asesinato en Esmeraldas por defender el bosque, una bandera del Ecuador es entregada a quienes lo escuchan. iV. la Punta De un bloQue De granito Estuve en la inauguración pero he decidido venir otra vez a la exposición de «Pintura y soportes bidimensionales», me acompañan mis dos hijos, doy varias vueltas mientras ellos juegan, podría ser académica y decir «hum, sí, esto ya lo he visto», pero ¿lo he visto?, ¿qué he visto realmente?, sólo la punta de un bloque de granito que permanece oculto bajo la tierra, coincidencias, poligénesis, emulaciones de otros, por ejemplo sé quién es Marcelo Aguirre, he visto su obra, su evolución, lo mismo me sucede con Ana Fernández, pero quiés es este extraño Xavier León Borja, o David Celi, o Galo Yépez, por qué me quedo mirando la obra de Pablo Almeida, me siento una de las infantes que circunda el homínido de Vinicio Vallejos, y por qué ha pintado Proaño esta burlona bruja, mi retina está anegada por los sepias de Diego Ledesma, el rosado de Washington Guayasamín, jamón jamón como Almodóvar, me repito. V. eSfuerZo De SínteSiS Estoy en La Naranjilla Mecánica, una chica canta en inglés, tiene sus fans que la aclaman, eso es bueno porque en el segundo piso no hay nadie. Subo, me reciben 24 obras flotando en el vacío de dos cuartos que pueden ser los de cualquier casa, cuelgan del techo cubiertas por un vaso, sí, un vaso común y corriente, cada una es un esfuerzo de síntesis, algunos lo logran, otros no, tengo la sensación de que estoy en una muestra médica, la rana de la Unidad Pelota Cuadrada me reafirma la sensación, hay una «valija diplomática», un pollo envuelto en una

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bandera, una pata de cangrejo, unos cuchillos labrados, unas muelas, una frutilla, unas pastillas, un chupón, y otros bultos que no entiendo qué son exactamente, un ladrillo negro huele a hachís, ¿pero qué es esto?, tengo que sonreír, me han tomado el pelo, y eso me gusta. Vi. terminator Ahora estoy en la categoría net.art, no tengo que ir a ninguna parte, abro el blog de ECUAuio/01 y ahí están dos obras que se burlan de mí, de mí como curadora, es el colmo me digo, pero quién se han creído, si yo soy la terminator, la todopoderosa… Vii. lugar De entrada hay unas flores, ¿serán para mí?, entro en un cuarto y desahogo mi ira con un cuchillo en la mano, les doy cuerda a los pollitos mecánicos que saltan bajo la bandera, una banda toca jazz, creo que no me gusta el jazz ¿qué hacen estas instalaciones en el patio del centro cultural metropolitano?, ¿por qué no están en un mejor lugar?, son buenas obras me digo, esas hojas de Christian Viteri las pondría en mi galería personal, qué significa esta telaraña de Vicente y Villalba, esos juguetes rotos, y de donde salió ese Yamine El Rhorba que parece evidenciarse en todas las categorías. Colectivo La Emancipada, unas chicas con guantes fucsias, como la hierba que han pintado, hojas de hierba fucsia diría Whitman, porque la vaca que pasta, con la cabeza gacha, supera todas las estatuas. ¿Y esa sandía de Zamora, será que ya no pinta? Abdón Calderón, el dios tutelar del chauvinismo patrio, me mira burlón desde su esquina. Viii. iniciaDoS No estuve en la categoría arte sonoro, pero para una próxima cita les propongo sea en un lugar sin nombre, mejor a medianoche, que la regla sea todos vayan enmascarados como en una secta, así los pocos que acudan tendrán esa aura de iniciados, como debe haber pasado en la carpa del Itchimbía.


59 katalizad r ÂŤPintura y soportes bidimensionalesÂť, C.C. PUCE. Foto Fausto Villalba.


Cuando el acto artístico, se vuelve completamente comprensible deja de ser arte iX. eXHuberancia, ProDigaliDaD Y eXceSo Hay una característica interesante de ECUA-uio/01, todos los artistas podían, con sólo pagar diez dólares, sólo 10, participar en todas las categorías, eso es exhuberancia, prodigalidad y exceso. Los seis artistas organizadores se comprometieron ellos mismos a hacerlo, a la par de producir ECUA-uio/01, eso es locura. Reviso las listas que me han dado: Pablo Almeida experimenta con 4 técnicas, Yamine El Rhorba con 4, Patricio Ponce con 5, Patricio Dalgo (organizador) con 6, Fausto Villalba (organizador) con 6, Rodrigo Viera (organizador) con 7, Ernesto Proaño (organizador) con 8, muchos otros participan en 2 o 3, y no es mi intención contabilizar sus incursiones multitécnicas sino evidenciar un vigor expresivo, que más allá de puntuar si es bueno o malo, evidencia la coherencia que los impulsa a generar algo tan grande y diverso. X. incomoDiDaD final Esta es la parte donde hago conclusiones, la pantalla de mi laptop se apaga sola, yo también siento esa languidez en mi cuerpo. No tengo que lidiar con complicadas teorías sobre el arte, no tengo que leer cincuenta volúmenes de autores de varias disciplinas, sólo evocar lo que he visto, sólo ser una más de aquellos que pudimos ver, eso queda en mí, no ser parte, pero a la vez haber sido, la ambigüedad del arte me deja una sensación difícil de narrar, pero esa incomodidad es su escencia, y cuando el objeto, el acto artístico, se vuelve completamente comprensible deja de ser arte, para existir tiene que conservar esa irreverencia y misterio que nos molesta y al mismo tiempo nos fascina al resto. Xi. PreguntaS Y reSPueStaS Para redondear mi relatoría he preguntado a los artistas organizadores de ECUA-uio/01 sobre ciertos temas donde vale más su voz que la mía:

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¿Cómo ha sido la recepción de ECUA-uio/01 por parte de artistas y público? Fausto Villaba: sin duda la recepción fue buena. Por la naturaleza de algunas obras y de los espacios de exhibición varias propuestas funcionaron en mayor medida que otras como fuentes generadoras de público al enfrentar al común espectador con obras dentro de sus mismos lugares de tránsito. Christian Vicente: me atrevo a decir que se logró uno de nuestros principales objetivos, que era el de crear un nuevo público para el arte visual contemporáneo dentro de nuestra ciudad. Por ejemplo muchos de mis compañeros de facultad, amigos de barrio y familiares asistieron a las muestras, y son personas que no están apegadas al quehacer artístico, pero desde su sentir apreciaron mucho los trabajos, tanto al verlos en los lugares de exposición como en nuestro perfil de facebook. ¿Cuáles han sido las mayores dificultades de ECUA-uio/01? Fausto Villaba: yo considero que uno de los problemas que enfrentó el ECUA-uio/01 fue el prejuicio, me refiero específicamente a la gente que no creyó en el proyecto, puesto que estamos acostumbrados a que este tipo de propuestas sean hechas con grandes presupuestos y sean simples pretextos para sacar alguna ventaja económica. El prejuicio de algunos dio lugar a comentarios antojadizos que revelaban el desconocimiento total de la naturaleza del festival. ECUA-uio/01 fue un proyecto con el fin de mostrar lo que está sucediendo en el país dentro de la producción artística contemporánea, con más ganas que con plata. Edison Cáceres: pienso que el festival, en la forma en la que manejamos, no tuvo mayor dificultad en organización, montajes, inauguraciones, etc., a pesar del presupuesto reducido se manejó dentro de lo que esperábamos los organizadores y lo convenido con los artistas… Christian Vicente: las mayores dificultades del festival fueron la difusión del mismo en los medios de prensa y el poco presupuesto, pero gracias a los artistas se pudo conseguir un fondo, demostramos que con esfuerzo y ganas de hacer bien las cosas se pueden lograr muy buenos resultados, ya que nosotros no conseguimos ningún beneficio económico como muchos piensan al ver la cantidad de logos que tuvimos en nuestros materiales de publicidad impresa, la mayoría de logotipos están allí por la apertura de espacios para las muestras, mas no por que nos auspiciaron económicamente.


¿Por qué abrir tantas categorías, por qué no centrarse en una sola?

¿Existe alguna ideología o movimiento aglutinante en torno a ECUA-uio/01?

Rodrigo Viera Cruz: porque los artistas ya no somos sólo pintores, grabadores, o escultores, los curadores quieren encajonarnos en pequeños reductos. Hoy en día los artistas somos multidisciplinarios, interdisciplinarios y transdisciplinarios. Con un concepto se puede hacer fotografía, video, pintura, sonidos, escultura, ir a un barrio e investigar y sacar productos artísticos.

Rodrigo Viera: la del respeto por el arte, la de romper los paradigmas de ser solo pintor, grabador, escultor, la de darle al creador contemporáneo el sitio que se merece.

Ernesto Proaño: los seres humanos tendemos a simplificar y encasillar, lo que denominamos artes: fotografía, pintura, escultura, video arte, instalación, incluso el cine, no son sino técnicas de expresión, lo importante es nuestra capacidad narrativa, la idea que queremos expresar. Por ello abrir tantas categorías es forzarnos a nosotros mismos a experimentar y liberarnos de las etiquetas. ¿Por qué organizar ECUA-uio/01 cuando ya existen otros eventos como la Bienal de Cuenca? Rodrigo Viera: en Quito no existe ningún evento en el que se de cabida a las múltiples manifestaciones artísticas contemporáneas. Todos han fracasado. La diferencia está en que ECUA-uio/01 es generado por artistas y no por entidades públicas y curadores politizados que seleccionan extrañamente. Este Festival tiene la característica de ser una fiesta, muchos son los invitados y todos pueden participar. Ernesto Proaño: siempre he sostenido que un creador no puede vivir en función de ganarse un premio en una bienal o un salón, los artistas estamos produciendo constantemente y lo que hacemos debe mostrarse cada cierto tiempo, tenemos la necesidad de confrontarlo con los demás, si la obra es bien recibida o no es completamente secundario. Los eventos como la Bienal de Cuenca, el Mariano Aguilera, o cualquier feria similar en el mundo, son escaparates ideológicos donde se muestran textos de curadores y críticos, y las obras de arte deben enmarcarse en estos megadiscursos, los artistas escogidos y premiados deben adecuarse a la dictadura conceptual de quienes detentan el poder. ECUA-uio/01 prescindió de discursos jerarquizantes, es un espacio donde se pretendió mostrar lo que sucede, y por lo tanto generar una reflexión desde todos y para todos, es un evento horizontal donde no existen favoritismos y nadie detenta el poder.

Patricio Dalgo: la idea de hacer las cosas orgánicamente y mostrar la producción actual, así, sin mediadores, respondiendo a concepciones y preferencias individuales, respetando a cada productor desde sus propuestas personales. ¿Por qué obviar la figura del curador en un Festival tan grande? Rodrigo Viera: el curador o los curadores son aquellos que ponen su estilo, sus artistas, y crean mercado para vender obras de arte según sus clientes y necesidades, sus temas globales son casi inentendibles para los comunes mortales, y lo más grave es que ellos son los que legitiman a un artista dando su aprobación, siendo a la inversa, señalándole como bueno o malo, sin darse el trabajo de mirar el proceso de vida y producción de los mismos, tampoco van a los talleres o investigan. Por eso este Festival es abierto, es un escáner de lo que pasa en el medio artístico. Patricio Dalgo: el curador es más bien un culto, determina quién es apto y quién no, quién debe estar en qué y junto a…, desde esta idea considero que la figura del curador es imprescindible para la institución y la academia, algo así como un aval que necesitan las «grandes obras de arte». El proceder del festival al respecto es bastante ácrata, se piensa en la figura del curador como un elemento sospechoso, también prescindible, sobretodo porque los artistas no somos la mano de obra de estos personajes. Basta analizar quiénes se llevan todos los aplausos y con ello los beneficios económicos. Pero te formulo otra pregunta, ¿por qué dar tanta importancia a la figura del curador? no sólo por qué sino ¿para qué?, podemos hacer las cosas sin la veña de un sumo pontífice (sumo-artífice).

¿Por qué dar tanta importancia a la figura del curador? no solo por qué sino ¿para qué? 61 katalizad r 61 katalizad r


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ECUA-uio/01 Colectivo Kespues Rodrigo Viera Christian Vicente Ernesto Proaño

La Multinacional (Espacio de Experimentación Interdisciplinaria) Edison Cáceres Coro Patricio Dalgo Fausto Villalba

AgrAdecimientos: Gaby Costa,Yolanda Vaca, y el personal de montaje del C.C. de la PUCE. Miguel Mora. María Fernanda Dulbecco, Daniela, y el personal del C.C. Itchimbía. Alicia Loayza, Francisco Morales y C.C. Metropolitano. La Naranjilla Mecánica, Karen Solórzano, Flacso, Arte Actual, Marcelo Aguirre, Gonzalo, Mano Negra, Nelson Ullauri, María Clara, Mónica Albán, Cristina Ordoñez, Gabriela Miranda, Nancy Acosta, Sofía Soto, nixie, Jamel Maldonado, www.maa.la, Damián de la Torre, MIVA, Tranvía Cero, Ananké Pizzería, La Estación, Gregory Salazar, Felipe Fried, Ana María Armijos, Juan Zabala, Ricardo Chávez, Fabián Alejandro, 6&7, El Rey Camarón, Nelson Tito, Javier Portilla, los panas músicos que venían de Argentina. Los malabaristas Jonny Albán, Kléver Albán, Claudia Ávila y Mario Sánchez. A Rocío Carpio, Katy Muñoz, Alex Schlenker, Abdón Ubidia, Ulises Unda y Pablo Yang, relatores del evento. A todos los artistas participantes, sin los cuales este Festival hubiera sido imposible. A todos aquellos que nos ayudaron a sacar adelante este proyecto. Por la cantidad de obras y artistas nos disculpamos por cualquier error involuntario en este número. Patricio Dalgo y Edison Cáceres solucionan problemas técnicos durante un montaje. Foto Fausto Villalba.


Secretaría de

Cultura MDMQ

MANO NEGRA

red cultural del ur

VICEPRESIDENCIA REPÚBLICA DEL ECUADOR

Fundación

Patronato Municipal

San José


proceso de aterrizaje aleatorio de un katalizador-uio pensamiento frontal X Y

X

X

sistema conceptual turbulencia curatorial

Z imagen 01 propulsión posterior

Los katalizadores-uio sobrevuelan a grandes alturas evitando los cúmulos de aire demasiado cargados conceptualmente pero buscando tormentas independientes, a las cuales son atraídos para electrificarse. En ocasiones aterrizan en lugares densamente poblados y la electroestática producida por sus sistemas de propulsión causan interesantes reacciones en las comunidades artísticas.

Para este número se han usado caracteres Bauhaus, diseñados por Herbert Bayer (1900-1985), Gill Sans de Eric Gill (1882-1940).


Katalizador 5  

Revista de arte visual contemporáneo

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