El Instituto Gráfico de Chicago (IGC)
The IGC was established by a group of Pilsen-based or Pilsen-related printmakers. Some were employees of the National Museum of Mexican Art and others have exhibited there or participated in some projects they sponsored. The nine members who founded in 2010 this collective include Eric J. García, Carlos Barberena, Ricardo X. Serment, Antonio Pazaran, CHema Skandal!, José Luis Gutiérrez, Salvador Jiménez Flores, Eric Gazca, and Laura Nussbaum-Barberena. New members include Cynthia “Marris” Juárez, Vanessa Sánchez, Amanda Cortes, Marcela Andrade, and my Atlan Arceo-Witzl.
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he group’s webpage statement partially reads: “IGC is dedicated to maintaining the critical activist tradition of Latino printmakers that unites communities of struggle around the world.” The group works on promoting and fostering printmaking in the Chicagoland area through print demonstrations, exhibitions, printmaker’s talks, workshops, publishing print portfolios, and organizing the annual printers/vendors’ fair “Grabadolandia.” This fair takes place at the National Museum of Mexican Art, and it is free to the public. It involves the participation of more than thirty individual printmakers and collectives from the city, vicinity, and beyond. Every participating artist shows fairgoers how their respective prints are created involving the audience in their print process. This is done to raise the public’s awareness of print processes and to demystify those processes, by bringing varied techniques directly to the hands of participating audiences.
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he expectation is that visitors will leave with original prints at hand, develop a sense of appreciation, and add value to the resulting prints by understanding how they are created. The lineup of participants for Grabadolandia 2023 included: Alejandra Carrillo, Alex Velazquez-Brightbill (Riverside, IL), Anna Hasseltine, Carl Richardson, Chicago Printers Guild, Chicago Printmakers Collaborative, Eddy Lopez, Expressions Graphics (Oak Park, IL), Francisco Delgado (El Paso, TX), Hector Duarte (Chicago, IL), Nicole Marroquin (Ann Arbor, MI), Hoofprint (Chicago, IL), IGC members (Chicago, IL), JustSeeds, La Onda Grafica, Marco Sanchez (El Paso, TX), Marimacha Monarca Press (Chicago), Mehdi Darvishi/Metaluna Press (Chicago, IL), Miguel A. Aragon (New York, NY), Montserrat Alsina (Chicago), Printstitute (Chicago, IL), Reinaldo Gil Zambrano (Spokane, WA), Arceo Press (Chicago, IL), Roberto Ferreyra (Chicago, IL), SAIC Printmedia (Chicago, IL), Steve Walters, William Estrada, Roberto Torres Mata (Madison, WI), and Rebo (Houston, TX).
IGC has published six print portfolios with the participation of its members as well as invited international guests. The portfolios published are Immigration; Dia de Muertos; Posada Presente in 2013; Dichos y Diretes in 2014; Chicago Style Prints in 2015; and Contra / Against in 2017.
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GALIGO, Tonay: Tony Galigo’s personal archives
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C'est avec une immense fierté et une grande joie que j'écris l'introduction de ce catalogue. En tant que grand admirateur de l'estampe et critique féroce de ceux qui, dans les milieux artistiques, considèrent la gravure comme une forme d'art inférieure à la peinture, je suis extrêmement heureux de voir cette exposition qui célèbre la gravure se tenir à Paris. Le projet Pilsen Printmakers mettra en lumière la tradition de la gravure, principalement mexicaine, dans la communauté artistique historiquement importante de Pilsen, qui est une communauté majoritairement mexicaine à Chicago. Cette exposition constitue une présentation historique très importante.
Il est tout à fait approprié que cette exposition ait lieu en 2024, 101 ans après la naissance de Carlos Cortez, le légendaire graveur de Chicago Pilsen. Il était le José Guadalupe Posada de Chicago, le plus grand graveur mexicain. Comme Posada, Cortez était un artiste qui utilisait la gravure pour aborder des questions politiques et de justice sociale.
Il y a tant d'aspects de la gravure qui sont significatifs, mais l'un de mes préférés est son accessibilité. Comme les gravures sont produites en série, leur prix est beaucoup plus abordable que celui des peintures. Par conséquent, la première œuvre d'art que possèdent de nombreuses personnes est une gravure. L'accessibilité étant une préoccupation majeure dans le monde de l'art, la gravure est un moyen d'expression merveilleux qui permet de répondre à cette question.
En tant que fondateur et président émérite du Musée national d'art mexicain, le seul musée mexicain accrédité par l'American Alliance of Museums (Alliance américaine de musées), notre musée a toujours été un grand promoteur des gravures. Parmi les 21 000 œuvres d’art conservées dans les collections du Musée, plus de 4 500 sont des gravures. Il s’agit probablement là de la collection de gravures la plus importante des États-Unis.
René Arceo était la personne idéale pour réaliser ce projet. René est le "Padrino" de la gravure au sein de la communauté mexicaine de Chicago, aucun autre graveur n’ayant autant contribué à élever cette forme d'art à Chicago. En plus d’être un excellent artiste, c’est un remarquable commissaire et organisateur d'expositions de gravures.
Aline Hémond mérite également d’être félicitée. Depuis sa visite à Pilsen, il y a des années, elle est devenue une grande admiratrice de l'art créé dans ce quartier. Lors de ses nombreux voyages à Chicago, elle s'est distinguée en tant qu’éminente spécialiste et commentatrice de la scène artistique de Pilsen. Son enthousiasme pour l'art de Pilsen est incroyablement contagieux.
Il est également fondamental de remercier toutes les institutions culturelles parisiennes qui ont généreusement accueilli les différents aspects de ce remarquable projet artistique.
Carlos Tortolero
Fondateur et président émérite
Musée national d'art mexicain
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-propos
Avant
Lithographies : Orozco aux États-Unis
José Clemente Orozco (1883-1949) a vécu aux États-Unis pour la première fois entre 1917 et 1919. Pendant ce voyage, des officiers douaniers à Laredo, Texas, ont détruit près de soixante de ses aquarelles issues de la collection La Casa del Llanto en raison de leur caractère immoral. Orozco a voyagé du Texas à San Francisco, où il gagnait sa vie en tant que peintre de panneaux publicitaires et d’affiches de films. Plus tard, il s’est installé à New York. À cette époque, depuis 1916, les peintures de Diego Rivera étaient exposées à Manhattan tandis que les œuvres de Rufino Tamayo furent présentées à la galerie d’art Weyhe Gallery en 1926. Peu après la Révolution mexicaine de 1910-1920, Orozco a réalisé une longue série de toiles et de gravures à l’encre appelées Les Horreurs de la Révolution. Il a inclus des viols, des personnes blessées, des funérailles, des paysans pauvres et des personnes implorant la miséricorde. Ces œuvres sont souvent comparées à la série Désastres de la guerre de Francisco Goya. Orozco a utilisé certaines de ces idées pour ses lithographies.
Lors du second voyage d’Orozco à New York (1927-1934), il rencontra Alma Reed, une journaliste et traductrice, qui deviendra sa marchande d’art et sa première biographe. Avant le voyage d’Orozco à New York, la journaliste Anita Brenner avait contribué à lui ouvrir une voie en publiant un article sur ses œuvres en octobre 1927, intitulé « Un Mexicain rebelle ». En 1928, Orozco présenta sa première exposition personnelle de dessins à l’encre aux Galeries Marie Sterner. Il continua à exposer régulièrement à New York et dans d’autres endroits du pays, dans des expositions collectives ou individuelles.
Au cours de ces années à New York, Orozco continua à pratiquer la lithographie en créant dix-neuf gravures. Certaines ont été imprimées à l’Art Students League, tandis lors que la plupart étaient publiées par la Galerie d’art Weyhe Gallery et tirées à l’imprimerie George Miller sur la 14e rue. Parmi les lithographies réalisées en 1928, on trouve Vaudeville à Harlem, Ouvriers mexicains – Agaves et Nopals, Le Requiem, Touristes, et Le porteur de drapeau Plusieurs lithographies ont été imprimées en 1929, notamment Femmes manifestantes, Dos magueyes y dos mujeres (deux agaves et deux femmes), Figuras con Restos de Casas (Silhouettes avec des Restes de Maisons), Trois Générations (La Famille), Grossesse : La Femme du soldat, et Arrière-Garde. Cette dernière s’inspire de sa fresque à l’École nationale préparatoire de la ville de Mexico de 1926. En 1930, il peignit Paisajes mexicanos, œuvre reflétant la vision sombre d’Orozco, mettant en lumière les échecs de la Révolution mexicaine et sa méfiance envers les systèmes politiques. En 1929, Alma Reed inaugura les Studios Delphic avec une exposition de toiles de Thomas Hart Benton (1889-1975) et les lithographies d’Orozco. Malheureusement, quelques semaines plus tard, le marché boursier s ’effondra et le reste est histoire.
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Leopoldo Mendez et le Collectif TGP
« Atelier d’arts graphiques populaires » (1937-2010)
Ce fameux atelier graphique a été établi en tant que centre de production collectif s ’appuyant sur les expériences acquises à la LEAR (Ligue des Écrivains et des Artistes Révolutionnaires). Cette méthode de travail a permis aux artistes d’atteindre leur objectif qui consistait à apporter leur soutien à des organisations populaires de travailleurs, professeurs, ou de groupes autochtones, ainsi que de s’exprimer sur des sujets politiques et sociaux à l’échelle nationale et internationale. Le but de cet atelier était de transformer l’idée de l’art, de lui ôter le rôle d’un simple divertissement pour la bourgeoisie, et ce, sans but lucratif. Les membres de cet atelier ont proposé que leur travail soit toujours au service de la population et l’aide à résoudre les problèmes quotidiens. Dans le même temps, ils cherchaient à ce que les gens s’identifient à leur travail ; pour la classe ouvrière, il s’agissait de prendre conscience que l’art n’était pas étranger à eux et que certains artistes se sont sincèrement battus à leurs côtés. Par conséquent, ils ont considéré que la forme expressive la plus appropriée était le réalisme et que la technique de la linogravure, était celle permettant de réaliser de nombreuses impressions à moindre coût.
Le groupe a été formé par les graveurs Leopoldo Méndez, Pablo O’Higgins et Luis Arenal. Méndez en sera le premier directeur, poste qu’il a occupé jusqu’en 1952. Plusieurs autres artistes ont rejoint le groupe d’origine tels qu’Alberto Beltran, Alfredo Zalce, Angel Bracho, Ignacio Aguirre, Isidoro Ocampo, Jean Charlot, Mariana Yampolski et Raúl Anguiano. Plus tard, Elizabeth Catlett et Sarah Jimenez ont également rejoint le groupe.
Durant le gouvernement libéral du Président Lázaro Cárdenas (1934-1940), le TGP (Atelier d’arts graphiques populaires) a soutenu les principes de Cárdenas à travers la production de gravures et d’affiches accessibles à tous. Pour leur projet d’inauguration, le TGP a publié des affiches en l’honneur de la Confédération des travailleurs du Mexique, fraîchement fondée en 1937. Un calendrier comportant douze lithographies a été publié pour l’Universidad Obrera (l’Université Ouvrière).
La maison d’édition du TGP était La Estampa Mexicana (L’Imprimerie Mexicaine) qui publiait des livres illustrés ainsi que des éditions de portfolios avec les travaux de ses membres. L’ un de ces livres datant de 1946 a été intitulé : Incidentes melódicos del mundo irracional (Incidents mélodiques du Monde Irrationnel) avec des linogravures de Méndez et un texte de Juan de la Canada. Le livre a reçu le prix du meilleur livre illustré lors de la Foire du livre de la ville de Mexico de 1946.
Avant de quitter le TGP en 1952, L. Méndez s’est vu décerner le Prix international de la Paix du Conseil Mondial de la Paix en reconnaissance de sa production graphique anti-guerre. Méndez a demandé que le prix soit partagé avec tous les membres du collectif TGP.
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Carlos A. Cortez Koyokuikatl (1923 - 2005)
Fils d'Alfredo Cortez, organisateur syndical mexicain, et d'Augusta Ungrecht, socialiste et pacifiste germano-américaine, Carlos A. Cortez a été influencé des deux côtés de son héritage, à la fois par Kathe Kollwitz et par José Guadalupe Posada, qu'il considérait comme son mentor spirituel. Parmi les expériences de vie de Cortez qui ont influé sur son art, figurent le travail comme ouvrier du bâtiment et en usine, concierge, journaliste, vendeur de disques en porte-à-porte, commissaire d’exposition, poète et graveur. Il a participé à la publication de l'Industrial Workers of the World, à laquelle il a régulièrement contribué pendant vingt ans avec des illustrations, de la poésie, des critiques de films et d'albums de musique. En 1965, Cortez a quitté Milwaukee pour Chicago et, au cours des deux décennies suivantes, il a réussi à développer un ensemble significatif d'œuvres d'art socialement engagées.
Il utilisait ses affiches pour annoncer les expositions et les événements culturels qui se déroulaient dans les barrios (quartiers mexicains). Il cherchait à promouvoir les luttes pour les droits de l'homme, à illustrer les traditions culturelles mexicaines et à refléter son engagement en faveur des droits des travailleurs aux États-Unis. Ses affiches étaient distribuées dans les centres communautaires, les librairies, les restaurants, les bibliothèques, les magasins de disques et tout autre endroit où elles pouvaient être vues par le public. Cortez utilisait des papiers bon marché pour ses tirages, car il produisait de l'art dans un double but. D'une part, il exprimait ses préoccupations sur les questions sociales, économiques et politiques de l'époque. D'autre part, souhaitant mettre les œuvres d'art à la disposition des personnes qui n'avaient généralement pas les moyens de les acheter, il vendait ses tirages à moins de vingt-cinq dollars l'unité.
Etant l’artiste le plus ancien du barrio de Pilsen, Cortez a servi fièrement de modèle à plusieurs générations d'artistes de Chicago et plus particulièrement à ses collègues du Taller Mexicano de Grabado (Atelier mexicain de gravure).
Lorsque Tere Romo [historienne de l’art en Etudes Chicanas à l’université de Californie, Davis] a organisé l'exposition Fanning the Flame, elle a écrit au sujet de Carlos Cortez : « Il est passé maître dans l'art de produire des images très directes qui communiquent des messages puissants et universels. Reconnus internationalement, ses tirages ont été inclus dans des expositions qui ont voyagé à travers les États-Unis, le Mexique et l'Europe. Légende vivante, Cortez est un artiste prolifique, un poète, un philosophe et un militant syndical qui continue à projeter son ombre dans l'avenir avec intégrité et humour ».
TRAD. Danielle Davis Gorovich
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Nicolás de Jesús, Un artiste nahua
De Jesús est né à Amelyatepec, Guerrero, au Mexique, où la première langue qu’il a entendue est le Nahuatl. Enfant, il regardait son père peindre des motifs élaborés sur du papier amate et des pots en terre cuite faits pas sa mère. L’amate, un papier fabriqué à partir de l’écorce d’un arbre, était produit à l’époque mésoaméricaine, mais la tradition de sa fabrication a été perdue après la Conquête. La tradition de peindre sur du papier amate a été ressuscitée dans les années 60 par un groupe d’individus de la région de l’Alto Basas, auquel appartenait le père de De Jesús. De Jesús utilise toujours l’amate comme base principale pour ses gravures et peintures. Au cours de visites dans le cadre de ses études dans la ville d’Iguala et de ses aventures à Acapulco pour vendre les peintures de la famille, il s ’est retrouvé confronté à sa deuxième langue, l’espagnol. Pendant son adolescence, confronté au premier d’une série d’abus perpétrés par les autorités qui ont saisi sa marchandise de force, sa famille a déménagé à Cuernavaca. Ce changement visait à échapper à ces abus et à rechercher de meilleures opportunités pour la peinture sur amate et la vente d'articles d'art populaire.
En 1982, lors d’une visite à Mexico, il découvre l’imprimerie Artegrafias Limitadas, où il contribuera à la réalisation d’un portfolio d’estampes. Cette expérience devient un pilier dans sa formation artistique, lui fournissant un nouveau média qui captive son esprit créatif. Il détermine que les gravures et les aquatintes sont des moyens puissants de transmettre ses messages avec succès. En 1988, à la recherche de nouveaux marchés et de collectionneurs d’art, De Jesús s’installe à Chicago, après un bref séjour à San Francisco. À Chicago, il continue à affronter de nouveaux défis : conserver son identité culturelle dans une société étrangère, soutenir sa famille de cinq personnes durant des périodes économiques difficiles, et apprendre une troisième langue. Ces changements majeurs ont marqué la vie de De Jesús, passant du déménagement de sa petite ville vers des villes et des sociétés plus grandes et plus complexes. Tout au long de cette période de déracinement, il a toujours conservé le savoir et les traditions héritées de ses parents.
Au fil des années le contenu de ses œuvres a dépassé un aspect touristique pour les amates autrefois vendus à Acapulco et Cuernavaca. Le style baroque classique qui a marqué son travail encourage et met en lumière l’importance de la critique socio-politique, des interprétations poétiques ou des valeurs traditionnelles et religieuses. En plus d’avoir hérité et perpétué une tradition ancestrale avec fierté, De Jesús a osé combiner les œuvres sur papier amate avec les techniques d’impression issues des médias modernes, le propulsant ainsi sur le devant de la scène de l’art contemporain. De Jesús a clairement élevé l’art amate à un niveau supérieur tant sur le fond que sur la forme.
Extrait du texte écrit en 1992 par René Arceo à propos de l'exposition personnelle de De Jesús au Musée national d’art mexicain de Pilsen, Chicago.
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TMG – Gravure sur bois monumentale
En 1994, le Taller Mexicano de Grabado (TMG, Atelier mexicain de gravure) réalisa une gigantesque gravure sur bois mesurant 1 x 60 mètres, intitulée Migrations de Chicago. Le thème avait été sélectionné par le collectif d’artistes en raison de l’importance de Chicago et de sa longue tradition de vagues migratoires tout au long de son histoire ayant profondément façonné la personnalité de la ville.
Il s’est avéré qu’Alejandro Nava, un graveur et muraliste originaire de Zacatecas au Mexique, avait lancé l’idée de créer une vaste gravure sur bois pouvant être imprimée, dans la rue, en utilisant un rouleau compresseur. Nava s’était rendu à Chicago dans les années 1980 pour collaborer avec les muralistes locaux Héctor Duarte et Aurelio Díaz afin de repeindre et de modifier une fresque peinte des années plus tôt par Díaz. Un membre de l’atelier TMG, Héctor Duarte, connaissait Nava depuis leurs années passées ensemble au sein de l’Atelier de Peinture Murale Siqueiros à Cuernavaca au Mexique. Lorsque Nava a évoqué l’idée d’ une vaste gravure sur bois, nous l’avons tous soutenu.
Les membres du collectif ont décidé d’embrasser le projet et ont commencé à élaborer des plans pour répondre aux besoins de financements, d’outillage, de localisation, de calendrier et de participants. Le projet était considérable, car ni le TMG ni nous n’avions jamais entrepris quelque chose d’une telle envergure. Étant donné que Rene Arceo travaillait au Musée national de l’Art mexicain, il a demandé au directeur, Carlos Tortolero, si le Musée et lui-même seraient disposés à aider un groupe de graveurs de Pilsen. Carlos a immédiatement adhéré à l’idée et a proposé de faire participer le département artistique de la ville . Bien qu’Arceo ne se souvienne pas clairement si cela était/qu’elle était sa vision, le fait est que Tortolero a réussi à convaincre la première commissaire chargée des affaires culturelles de la ville, Lois Weisberg, de soutenir le projet et de prêter main forte à sa réalisation.
Weisberg était tellement solidaire qu’elle avait mis à notre disposition les tentes estivales de la Galerie 37, située sur le bloc 37 de Chicago, afin que nous puissions y tailler nos gravures sur bois. La Galerie 37 était l’emblème du programme d’été pour la jeunesse de la ville, offrant aux jeunes la possibilité de trouver un emploi artistique dans diverses disciplines des arts visuels. Par ailleurs, la ville a apporté un soutien financier pour l’achat de matériaux et d’outils.
Les membres et amis artistes du TMG, qui travaillaient initialement à l’atelier du TMG situé au 2120 rue S. Halsted, ont ultérieurement déplacé leurs activités à la Galerie du bloc 37 pour cette occasion. Le groupe a travaillé là-bas en août et septembre, jusqu’au 11 septembre. Le membre du TMG, Tony Galigo, a résolu avec assiduité tous les détails administratifs avec la bureaucratie de la ville afin d’obtenir le permis nécessaire pour fermer la rue Randolph face à la boutique Marshall Field. Cela nous a permis d’utiliser un rouleau compresseur pour l’impression de la gravure en public le samedi 3 septembre 1994. Cet après-midi-là, le défilé annuel célébrant l’Indépendance du Mexique, a permis de garantir la présence d’un public pour le projet.
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Arceo Press Chicago
Arceo Press a été créé en 2005 par René Arceo à la suite d’une collaboration transfrontalière avec douze graveurs, en partenariat avec Casa Michoacán / FEDECMI à Chicago. Depuis ses débuts, Arceo Press s’est engagé à promouvoir des projets d’impression internationaux répondant à des critères de qualité spécifiques. Tout d’abord, il s’agissait de donner aux artistes de différentes villes et pays un cadre pour collaborer autour d’un thème commun. Au cours de ses voyages, le fondateur comptant de nombreux graveurs parmi ses connaissances, les invita à collaborer. Il s’est également interrogé sur la façon dont des artistes issus de cultures, d’expériences et d’horizons différents réagiraient à un thème particulier. De quelle manière une telle collaboration pourrait-elle enrichir le thème donné ? Quelle diversité de médias et de styles pourrait naître de ce type de collaboration ? Des graveurs confirmés ont été sélectionnés, ainsi que de jeunes artistes prometteurs afin que tous puissent bénéficier de ces projets. Ce type de collaboration relie les artistes sur la scène internationale. Il arrive parfois que d’autres projets naissent directement des liens et de l’intérêt commun que les artistes participants parviennent à tisser.
Un autre avantage de l’utilisation de ces portfolios est que cela permet de saisir des occasions d’exposition à l’étranger. Envoyer une exposition de son propre travail dans un autre pays peut se révéler très coûteux. En créant des tirages, les artistes ont la possibilité de les expédier plus facilement par la poste vers de potentiels lieux d’exposition à l’étranger. Un autre avantage de ces collaborations est que chaque artiste participant s’efforce de promouvoir une exposition dans sa propre ville et son propre pays. Chaque artiste contribue en créant sa gravure et en imprimant son édition . Grâce au soutien de mécènes, Arceo Press subventionne toutes les dépenses connexes, y compris le papier, la conception et la fabrication de la couverture du portfolio, ainsi que l’expédition d’un portfolio à chaque artiste participant. Les portfolios comprennent la participation de 24 artistes provenant d’ au moins deux pays, parmi lesquels l’Espagne, la France, le Mexique, le Canada, Porto Rico, le Costa Rica, Cuba et les États-Unis. Arceo Press est particulièrement intéressé dans la promotion des thèmes qui peuvent susciter de multiples interprétations et visualisations de la part des artistes, tout en étant à la fois humanistes et culturellement significatifs. Ces thématiques visent à explorer de nouveaux niveaux de signification, destinés à tous les artistes et à tous les publics.
Portfolios imprimés : Mnemonic : To Aid the Memory, 2005 ; Bestiario & Nahuals Vol. et Vol. II, 2007 ; Día de los Muertos: Common Ground, 2008 ; Centenaire de la Révolution mexicaine, 2010 ; Santitos, 2011 ; Rostros de la Migración, 2012, en collaboration avec la FEDECMI ; Posada : 100 ans d’héritage, 2013, en collaboration avec la Chicago Society of Artists, trois portfolios de l’artiste ont été publiés : Chicago, 2015 ; Illinois, 2018 ; et Route 66 en 2022. Superstitions Vol. I, 2016 ; Superstitions Vol. II, 2017 ; Agua, 2018 ; Centenaire de Carlos Cortez, 2023. En collaboration avec l’Institut ukrainien d’art moderne, le portfolio
Chornobyl: Artists Respond a été publié en 2015.
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L'Instituto Gráfico de Chicago (IGC)
L'IGC a été créé par un groupe de graveurs basés à Pilsen ou liés à cette ville. Certains étaient des employés du Musée national d'art mexicain, d'autres y avaient exposé ou avaient participé à des projets qu'ils ont parrainés. En 2010, les neuf membres fondateurs de ce collectif étaient Eric J. García, Carlos Barberena, Ricardo X. Serment, Antonio Pazaran, CHema Skandal!, José Luis Gutiérrez, Salvador Jiménez Flores, Eric Gazca et Laura Nussbaum-Barberena. De nouveaux membres s’y sont ajoutés : Cynthia "Marris" Juárez, Vanessa Sánchez, Amanda Cortes, Marcela Andrade, et Atlan Arceo-Witzl (fils de René H. Arceo).
La déclaration de la page web du groupe se lit en partie comme suit : « L’IGC se consacre au maintien de la tradition activiste critique des graveurs latinos qui unit les communautés de lutte à travers le monde. Le groupe s'efforce de promouvoir et de développer la gravure dans la région de Chicago par le biais de présentations, d'expositions, de conférences, d'ateliers, de publication de portfolios et de l'organisation de Grabadolandia, foire annuelle des imprimeurs et des vendeurs. Ouverte à tous publics, cette foire qui a lieu au Musée national d'art mexicain est gratuite. Elle implique la participation de plus de trente graveurs individuels et de collectifs de la ville, des environs et d'ailleurs. Chaque artiste participant propose aux visiteurs des démonstrations d’impression de leur projet gravé et leur enseigne le processus de création tout en les incitant à s’y impliquer et à y participer. L'objectif est de sensibiliser le public aux procédés d'impression et de démystifier ces procédés, en mettant des techniques variées directement entre les mains des visiteurs. Ceux-ci repartent avec des tirages originaux en main avec l’idée qu'ils développeront un sentiment d'appréciation et qu'ils ajouteront une valeur aux tirages obtenus en comprenant comment ils ont été créés.
En 2023, la liste des participants à Grabadolandia comprenait Alejandra Carrillo, Alex Velazquez Brightbill (Riverside, IL), Anna Hasseltine, Carl Richardson, Chicago Printers Guild, Chicago Printmakers Collaborative, Eddy Lopez, Expressions Graphics (Oak Park, IL), Francisco Delgado (El Paso, TX), Hector Duarte (Chicago, IL), Nicole Marroquin (Ann Arbor, MI), Hoofprint (Chicago, IL), Instituto Grafico de Chicago, JustSeeds, La Onda Gráfica, Marco Sánchez (El Paso, TX), Marimacha Monarca Press (Chicago, IL), Mehdi Darvishi / Metaluna Press (Chicago, IL), Miguel A. Aragón (New York City), Montserrat Alsina (Chicago, IL), Printstitute (Chicago, IL), Reinaldo Gil Zambrano (Spokane, WA), René Arceo (Chicago, IL), Roberto Ferreyra Chicago, IL), SAIC Printmedia (Chicago, IL), Steve Walters, William Estrada, Roberto Torres Mata (Madison, WI), et Rebo (Houston, TX).
L’IGC a publié six portfolios imprimés avec la participation de ses membres et d'invités internationaux. Les portfolios publiés sont les suivants : Immigration ; Día de Muertos ; Posada Presente (2013) ; Dichos y Diretes (2014) ; Chicago Style Prints (2015) ; et Contra / Against (2017).
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ARCHIVES
ARCEO, René H.: René H. Arceo Archives personnelles 1984-2024
GALIGO, Tony: Tony Galigo Archives personnelles
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Español
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Litografías: Orozco en Estados Unidos
José Clemente Orozco (1883 - 1949), vivió en los Estados Unidos de 1917 a 1919 por primera vez. Durante este viaje, agentes de aduanas en Laredo, Texas destruyeron alrededor de sesenta de sus acuarelas de la serie “Casa del Llanto,” debido a su contenido inmoral. Orozco viajó de Texas a San Francisco donde se ganaba la vida como pintor de carteles de cine. Eventualmente, se mudó a la ciudad de Nueva York. Para esa época, las pinturas de Diego Rivera habían sido exhibidas en Manhattan desde 1916, y el trabajo de Rufino Tamayo expuesto en la galería Weyhe en 1926. Poco después de la Revolución Mexicana que duró de 1910 a 1920, Orozco hizo una larga serie de dibujos a tinta y grabados llamada “Horrores de la Revolución.” Incluyó violaciones, gente herida, funerales de campesinos pobres y gente mendigando piedad. Con frecuencia se les compara a esas obras con la serie “Desastres de la guerra” de Francisco de Goya. Orozco utilizó algunas de estas ideas en sus litografías.
Durante el segundo viaje de Orozco a la ciudad de Nueva York (1927 - 1934), conoció a Alma Reed, una periodista y traductora que se convertiría en su comerciante de arte y en su primera biógrafa. Antes de ese viaje, la periodista Anita Brenner le había ayudado a abrirse paso al publicar un artículo sobre su obra en octubre de 1927, llamado “Un mexicano rebelde.”
En 1928, Orozco tuvo su primera exposición individual de dibujos de tinta en la galería de arte Marie Sterner. Continuó exponiendo de manera regular en Nueva York y en otras partes del país, en proyectos colectivos e individuales.
Durante esos años en Nueva York, Orozco adoptó la litografía, creando diecinueve imagenes, algunas impresas en la Liga de Estudiantes de Arte, mientras que la mayoría fueron publicadas por Weyhe Gallery e impresas en el local de George Miller de la calle catorce. Algunas litografías realizadas en 1928 incluyen “Teatro de variedades en Harlem,” “Inditos-magueyes y nopales,” “El Réquiem,” “Turistas y aztecas” y “El abanderado.” Se imprimieron varias litografías en 1929 incluidas “Marcha de mujeres,” “Dos magueyes y dos mujeres,” “Figuras con restos de casas,” “La Familia,” “Embarazada: soldadera” y “Retaguardia.” Esta última se basa en el mural de 1926 que se encuentra en la Escuela Nacional Preparatoria en la Ciudad de México. En 1930 elaboró “Paisaje mexicano.” La visión de Orozco con dichas litografías fue más obscura que las demás, ya que tienden a mostrar los fracasos de la Revolución Mexicana y la desconfianza hacia los sistemas políticos. En 1929 Alma Reed abrió los Delphic Studios con una exposición de dibujos de Thomas Hart Benton (1889-1975) y litografías de Orozco. Desafortunadamente, algunas semanas después, la bolsa de valores se desplomó y el resto es historia.
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Leopoldo Méndez y el Colectivo Taller de la Gráfica Popular, TGP (1937-2010)
El Taller de la Gráfica Popular (TGP), fue fundado como un centro de trabajo colectivo, basado en las experiencias adquiridas en la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR). Esta forma de trabajo les permitió alcanzar su objetivo de proporcionar apoyo a organizaciones populares de trabajadores y maestros, grupos de comunidades indígenas, así como de manifestarse en favor de causas políticas y sociales, tanto a nivel nacional como internacional. El propósito del taller fue modificar la idea hacia un arte sin fines de lucro y no como mero entretenimiento de la burguesía. Su propuesta de trabajo siempre fue estar al servicio del pueblo y de apoyar en la solución de problemas cotidianos. Al mismo tiempo, lo que buscaban eran personas que se identificaran con su trabajo; buscaban que la clase trabajadora se diera cuenta de que el arte no le era ajeno y que algunos artistas luchaban fielmente a su lado. Por esta razón, se ha considerado que la mejor forma de expresión sería el realismo y el linóleo, técnica que permite muchas impresiones a bajo costo.
El grupo fue fundado por los grabadores Leopoldo Méndez, Pablo O´Higgings, y Luis Arenal, teniendo a Méndez como primer director, un puesto que ocupó hasta 1952. Muchos otros artistas se unieron al núcleo original, incluidos Alberto Beltrán, Alfredo Zalce, Ángel Bracho, Ignacio Aguirre, Isidoro Ocampo, Jean Charlot, Mariana Yampolski, y Raúl Anguiano. Más tarde se unieron Elizabeth Catlett y Sarah Jiménez.
Durante la presidencia de Lázaro Cárdenas y su administración progresista (1934-1940), el TGP, apoyó los principios cardenistas a través de la producción de estampas y posters hechos de forma accesible para todo el mundo. En su proyecto inaugural, el TPG, lanzó carteles en honor a la recién fundada Federación Mexicana del Trabajo en 1937. Se publicó un calendario para la Universidad Obrera (Workers’ University) que incluía doce litografías.
El brazo editorial del TGP fue La Estampa Mexicana (The Mexican Print) que publicaba libros ilustrados y portafolios de grabados con los trabajos de sus miembros. Uno de éstos fue el de 1946, “Incidentes melódicos del mundo irracional” (Melodic Incidents of the Irrational World) con linograbados de Méndez y un texto de Juan de la Cabada. El libro fue galardonado con el premio a la mejor ilustración de libro en la Feria del Libro de la Ciudad de México en 1946.
Antes de que Méndez dejara el TGP en 1952, recibió el Premio Internacional de la Paz del Consejo Mundial de la Paz, en reconocimiento al activismo de su producción y obra gráfica en favor de la paz. Méndez solicitó que el premio fuera compartido con todo el colectivo TGP.
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Carlos A. Cortez Koyokuikatl (1923 - 2005)
Cortez fue el hijo de Alfredo Cortez, sindicalista mexicano, y de Augusta Ungrecht, socialista pacifista germano-estadounidense. Cortez fue influenciado por la herencia de sus dos padres, por Kathe Kollwitz y por José Guadalupe Posada. Al último lo consideró su mentor espiritual. Las experiencias de vida que moldearon el arte de Cortez incluyen su trabajo como obrero de la construcciones, fábricas, conserje, periodista, vendedor de discos de puerta en puerta, poeta y grabador. Participó en la publicación “Industrial Worker” realizada por Industrial Workers of the World (Trabajadores Industriales del Mundo) donde contribuyó con regularidad por más de veinte años con sus reseñas de obras gráficas, poesía, cine y álbumes de música. Para 1965, Cortez se había mudado de Milwaukee a Chicago, y en las siguientes dos décadas había logrado desarrollar un corpus significativo de arte socialmente consciente.
Utilizó sus grabados tamaño cartel para anunciar exposiciones y eventos culturales que tenían lugar en los barrios. Buscaba promover la lucha por los derechos humanos, la ilustración de las tradiciones de la cultura mexicana y reflejar su compromiso con los derechos de los trabajadores en los Estados Unidos. Sus carteles fueron distribuidos en centros comunitarios, librerías, restaurantes, bibliotecas, tiendas de discos, y otros lugares donde fueran visibles para el público. Cortez usaba papel barato para sus grabados porque producía arte con dos propósitos. Por un lado, expresaba su preocupación sobre los problemas sociales, económicos y políticos de su época. Por otro, deseaba crear finas obras de arte que estuvieran disponibles para quienes por lo general no podían costearlas. Por lo tanto, vendía sus grabados por menos de veinticinco dólares cada una.
Como era el artista de mayor edad del barrio Pilsen, Cortez servía con orgullo como un modelo a seguir para las múltiples generaciones de artistas de Chicago y, en especial, para sus colegas del Taller Mexicano de Grabado.
Cuando Tere Romo curó la exhibición de Cortez intitulada “Abanicando la llama,” escribió: “es un maestro en la producción de imágenes directas que comunican mensajes poderosos y universales. Tras conseguir reconocimiento internacional, sus grabados han sido incluidos en exhibiciones que han viajado alrededor de los Estados Unidos, México y Europa. Una leyenda viviente, Cortez es un artista prolífico, poeta, filósofo y activista sindical que continúa proyectando su sombra hacia el futuro con integridad y humor.”
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Nicolás De Jesús, un artista nahua
De Jesús nació en Amelyatepec, Guerrero, México, donde escuchó su primera lengua: el náhuatl. De niño veía a su padre pintar elaborados diseños en papel amate y en vasijas de cerámica hechas por su madre. El amate, un papel hecho con la corteza de un árbol, se ha elaborado desde tiempos prehispánicos y el proceso tradicional de producción se perdió tras la Conquista. La tradición de pintar en amate fue recuperada en los años sesenta por un grupo de individuos de la región del Alto Balsas entre los que se encontraba el padre de De Jesús. Nicolás continúa usando el amate como el soporte principal de su grabado y de su pintura. Fue mientras visitó la ciudad de Iguala para estudiar, así como en las incursiones en Acapulco que realizaba para vender las pinturas de su familia, que entró en contacto con su segunda lengua, el español. En Acapulco las autoridades le confiscaron su mercancía por la fuerza, uno de los primeros abusos que sufrió. Para evitarlos, y en busca de una mejor vida pintando y vendiendo amates y otras artesanías, su familia se mudó a la ciudad de Cuernavaca en los últimos años de su adolescencia.
En 1982 viajó a la Ciudad de México donde encontró el taller de grabado Artegrafías Limitadas donde contribuyó en un portafolio. La experiencia demostró ser una piedra angular en su formación artística, brindándole una nueva herramienta que capturó su espíritu creativo. Encontró que el grabado y las aguatintas son un medio poderoso para transmitir mensajes. En 1988, en busca de nuevos mercados y coleccionistas de arte, De Jesús se mudó a Chicago tras una breve parada en San Francisco, California. En Chicago siguió encontrando nuevos retos: mantener su identidad cultural en una sociedad extraña, apoyar a los cinco miembros de su familia durante momentos económicamente difíciles y aprender una tercera lengua. Los cambios dramáticos han caracterizado la vida de Nicolás: mudarse de su pequeño pueblo a ciudades y sociedades más grandes y complejas. A lo largo del proceso de desarraigo ha logrado mantener el conocimiento y las tradiciones que heredó de sus padres.
Durante el transcurso de los años el contenido de su trabajo ha ido más allá de la visión turística de los amates que una vez vendió en Acapulco y en Cuernavaca. El estilo barroco clásico que caracteriza su trabajo resalta y arroja luz sobre el significado de la crítica sociopolítica, las interpretaciones políticas o los valores religiosos. Además de heredar y de portar con orgullo una tradición ancestral, De Jesús ha llevado claramente al arte del amate a un nivel más elevado en forma y contenido.
Extraído del texto de René Arceo de 1992 sobre la exposición individual de De Jesús en el Mexican Fine Arts Center Museum
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En 1994, el Taller Mexicano de Grabado (TMG) creó una enorme xilografía, de 1.2 x 61 metros, con el título de “Migraciones de Chicago.” El colectivo eligió el tema debido a la relevancia y a la larga tradición en Chicago de recibir olas migratorias a lo largo de su historia, moldeando el carácter de la ciudad. Era resultado de una propuesta del grabador y muralista Alejandro Nava, de Zacatecas, México, quien había imaginado la creación de una xilografía que pudiera imprimirse usando una aplanadora en la calle. Nava había visitado Chicago en la década de los ochenta para colaborar con los muralistas locales Héctor Duarte y Aurelio Díaz para repintar y modificar la composición de un mural que Díaz había pintado años atrás. Un miembro del TMG, Héctor Duarte, había conocido a Nava en sus años compartidos en el taller de pintura mural de Siqueiros en Cuernavaca, México, y cuando Nava tuvo la idea de hacer la xilografía monumental, todos la respaldamos.
Los miembros del colectivo decidieron tomar el proyecto y comenzaron a hacer planes para los requisitos financieros, herramientas, ubicación, horarios y participantes. El proyecto fue enorme; ni nosotros ni el TMG habíamos hecho algo así y de esa escala. Como René Arceo estaba trabajando en el Museo Nacional de Arte Mexicano, se acercó al director Carlos Tortolero para saber si él y el museo estarían dispuestos a ayudar a un grupo de grabadores de Pilsen. La idea le gustó de inmediato y propuso involucrar a la sección de arte y cultura del gobierno de la ciudad. Arceo no lo recuerda, quizá fue su visión el intentar encontrar un lugar en el centro. El hecho es que Tortolero convenció a la primera Comisionada de Asuntos Culturales, Lois Weisberg, de apoyar el proyecto y de darnos una mano con la implementación. Weisberg nos apoyó tanto que nos permitió trabajar en las carpas de verano en el conjunto de la Gallery 37, tallando los bloques de madera. La Gallery 37 fue la insignia del programa de verano para los jóvenes de la ciudad donde éstos trabajaron creando arte en diferentes disciplinas de artes visuales. Además, el gobierno de la ciudad apoyó para comprar materiales y herramientas.
Los miembros del TMG, así como artistas invitados, trabajaron al inicio en el taller del TMG en la calle 2120 S. Halsted y más tarde mudaron sus operaciones al conjunto de la Gallery 37. El grupo estuvo ahí en agosto y septiembre, hasta el 11 de septiembre. Tony Galigo, miembro del TMG, trabajó con diligencia en todos los detalles referentes a la burocracia de la ciudad para conseguir el permiso de cerrar la calle Randolph, frente a la tienda Marshall Field, y que nos permitieran conducir una aplanadora para la impresión pública el sábado 3 de septiembre de 1994. Esa tarde tuvo lugar el desfile anual por la Independencia de México, asegurando así un público auditor para el proyecto.
TMG – Xilografía monumental
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Arceo Press Chicago
Arceo Press es un taller que nace en 2005 fundada por René Arceo después de la experiencia de colaboración binacional con doce grabadores relacionados con Casa Michoacán /FEDECMI (Federación De Clubes de Michoacán en Illinois) en Chicago. Desde el inicio, Arceo Press estuvo interesada en promover los proyectos de grabados internacionales asegurando características específicas. Primero, tenían que abrirse posibilidades para los artistas, de diferentes ciudades y países, que colaboraran bajo una misma temática. Durante los viajes el fundador conoció a muchos artistas de grabado y los invitó a colaborar. Además, René Arceo se preguntaba cómo es que los creadores provenientes de diferentes culturas, experiencias y contextos podían responder a una temática específica. ¿Cómo podría una colaboración como ésta enriquecer una temática dada? ¿Qué diversidad de medios y estilos podrían surgir con este tipo de colaboración? Los grabadores más experimentados fueron seleccionados junto con prometedores artistas jóvenes para que así, todos se vieran beneficiados con estos proyectos. Este tipo de colaboraciones conecta artistas en el escenario internacional. En ocasiones, proyectos adicionales surgen como consecuencia directa de los vínculos y el interés común que descubren los artistas participantes tener entre sí.
Otro aspecto es el uso de estos portafolios para generar oportunidades de exhibición en otros países. Es demasiado costoso enviar y promover una muestra del propio trabajo a otro país. Al crear grabados o estampas, los artistas tienen la oportunidad de ir enviando más fácilmente sus piezas para posibles lugares de exposición en el extranjero. Otro beneficio de este tipo de colaboraciones es que cada uno de los participantes intenta promover una exposición en su ciudad o país de origen. Cada artista contribuye en crear su propia imagen y a impulsar la edición. Con el apoyo de los patrocinadores, Arceo Press subsidia todos los gastos relacionados con el papel, el diseño y la fabricación del forro del portafolio, así como con el envío de un portafolio a cada artista. El portafolio incluye la participación de los 24 artistas de por lo menos dos países incluidos España, Francia, México, Canadá, Puerto Rico, Costa Rica, Cuba y los Estados Unidos. Arceo Press está particularmente interesado en nutrir temáticas que puedan involucrar tanto más interpretaciones y visiones de artistas posibles, con un enfoque humanista y cultural; temáticas que busquen y exploren un nuevo nivel de significado, para todo tipo de artistas y audiencia.
Portafolios impresos: Mnemónico: Ayudando a la Memoria, 2005; Bestiario & Nahuales Uno, 2007; Bestiario & Nahuales Vol. Uno y Vol. Dos, 2007; Día de los Muertos: Base en Común, 2008; Centenario de la Revolución Mexicana, 2010; Santitos, 2011; Rostros de la Migración (Rostros Migrantes), 2012 en colaboración con la FEDECMI; Posada; 100 Años de Legado, 2013. En colaboración con la Sociedad de Artistas de Chicago fueron publicados tres portafolios: Chicago, 2015; Illinois, 2018; y Ruta 66, 2022. Supersticiones Vol. Uno, 2016; Supersticiones Vol. Dos, 2017; Water/Agua, 2018; Carlos Cortez Centenario, 2023. En colaboración con el Instituto Ucraniano de Arte Moderno, el portafolio Artistas de Chernóbil Reaccionan fue publicado en 2015.
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El Instituto Gráfico de Chicago (IGC)
El IGC fue fundado por un grupo basado en Pilsen o relacionado con grabadores de ese lugar. Algunos eran trabajadores del Museo de Arte Mexicano y otros habían exhibido su obra ahí o habían participado en alguno de los proyectos que ellos patrocinaron. Los nueve miembros que fundaron este colectivo en 2010 incluían a Eric J. García, Carlos Barberena, Ricardo X. Serment, Antonio Pazaran, CHema Skandal!, José Luis Gutiérrez, Salvador Jiménez Flores, Eric Gazca y Laura Nussbaum-Barberena. Los nuevos miembros incluyen: Cynthia “Marris” Juárez, Vanessa Sánchez, Amanda Cortes, Marcela Andrade y Atlan ArceoWitzl.
El comunicado de la página de internet del grupo se leía más o menos así: “El IGC se dedica a conservar la tradición de activismo y crítica de la estampa latina que reúne comunidades de lucha alrededor del mundo.” El grupo trabaja en la promoción y el fomento de la estampa en el área de Chicago a través de demostraciones de impresión, exhibiciones, charlas con los grabadores y talleres, de la publicación de portafolios de grabados además de la organización de la feria anual de impresores y vendedores de grabados Grabadolandia. Esta feria se lleva a cabo en el Museo Nacional de Arte Mexicano de forma gratuita. Está conformada por la participación de más de 30 grabadores individuales, así como diversos colectivos de la ciudad, de los alrededores y más allá. Cada artista participante muestra a los asistentes de la feria el proceso creativo de su obra haciendo demostraciones de impresión con lo que la audiencia se involucra y participa en el proceso de impresión. Esto se hace para sensibilizar al público sobre el proceso de impresión y desmitificar dichos procesos, trayendo una variedad de técnicas directo a la mano de la audiencia que participa. La expectativa es que los visitantes puedan llevarse en sus manos impresiones originales, al tiempo que desarrollen su sentido de apreciación y añaden un valor extra a las estampas que resultan, al comprender la manera en que fueron creadas.
La lista de participantes de Grabadolandia 2023 incluye a: Alejandra Carrillo, Alex Velazquez Brightbill (Riverside, IL), Anna Hasseltine, Carl Richardson, Chicago Printers Guild, Chicago Printmakers Collaborative, Eddy Lopez, Expressions Graphics (Oak Park, IL), Francisco Delgado (El Paso, TX), Héctor Duarte (Chicago, IL), Nicole Marroquin (Ann Arbor, MI), Hoofprint (Chicago, IL), Instituto Gráfico de Chicago, JustSeeds, La Onda Gráfica, Marco Sánchez (El Paso, TX), Marimacha Monarca Press (Chicago, IL), Mehdi Darvishi / Metaluna Press (Chicago,IL) Miguel A. Aragón (New York City) Montserrat Alsina (Chicago, IL) Printstitute (Chicago, IL) Reinaldo Gil Zambrano (Spokane, WA), René Arceo (Chicago, IL), Roberto Ferreyra (Chicago,IL), SAIC Printmedia (Chicago, IL), Steve Walters, William Estrada, Roberto Torres Mata (Madison, WI) y Rebo (Houston, TX).
El IGC ha publicado seis portafolios impresos con la participación de sus miembros, así como de invitados internacionales. Los portafolios publicados son: Immigration; Día de Muertos; Posada Presente en 2013; Dichos y Diretes en 2014; Chicago Style Prints en 2015 y Contra/Against en 2017.
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Archivos personales de Tony Galigo
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Referencias
Bibliográficas
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Exhibition Artworks Œuvres
D’exposition Obras de la Exposición
Les étapes de « Graver le territoire : l’art de l’exil à Pilsen (Chicago) »
Ingrid Arriaga, Aline Hémond, Fabienne de Pierrebourg
Le projet d'exposition : sa gestation
Pilsen et son art sont arrivés à l'Institut par l'intermédiaire d'Aline Hémond, qui a apporté un dossier de gravures lors de sa visite en 2022. Aline s'est installée dans la salle de réunion et nous a présenté les tirages un par un. En noir, ocre, vert et parfois bleu, un riche portail culturel s'est ouvert devant nos yeux, abordant des questions sociales cruciales, telles que la migration et la contestation civique. Les estampes avaient traversé l'Atlantique, résonnant avec la condition de migrant de leurs créateurs et la force des acteurs qui les inspirent.
Ces œuvres offrent un éventail de pas et de luttes collectives, une synthèse des histoires d'exode, mais surtout un témoignage d'une communauté multiple qui est loin d’être imaginaire. Le Mexique compte plus de 11,6 millions de ressortissants mexicains vivant aux États-Unis. A travers le temps, il y a eu plusieurs vagues de migration, dues à des raisons économiques et politiques multiples. Aujourd'hui, la population que nous appelons « Chicana » est une minorité qui pèse de manière significative en termes économiques grâce aux envois de fonds mensuels (esp. remesas) destinés aux familles restées au Mexique, mais aussi en termes politiques, artistiques et affectifs. Les acteurs du milieu culturel semblent toujours garder à l’esprit leur origine et le bien-être de leurs proches.
Après l'examen des œuvres présentées, la réalisation d'un projet d'exposition sur l’art créé dans le territoire du « grand voisin du nord » s'est imposée comme une évidence. L'histoire de Pilsen à Chicago, son effervescence artistique et politique devaient être racontées et partagées. Ces œuvres constituaient le moyen idéal pour cette mission. La gravure est le genre de la chronique visuelle par excellence. Destinée dès l'origine à annoncer des événements ou à relater des faits, sa légèreté et sa reproductibilité ne tolèrent pas l’amateurisme technique. Souvent marginalisée vis-à-vis des strates de la haute culture, au Mexique, la gravure porte en elle un lourd bagage politique et populaire qui a franchi les frontières nationales. Rebelle, conflictuelle, franche et directe, la gravure est aussi poétique et porteuse d'espoir.
Au-delà de la frontière, graver un territoire Migrer, c’est franchir la frontière, prendre le risque, peut-être, celui de perdre sa vie. C’est aussi vivre de « l’autre côté », affronter les épreuves, les obstacles, tester son endurance physique et morale pour construire un futur, toujours accompagné de son passé.
Les histoires de migrants sont multiples, et toujours particulières, mais il existe également des histoires collectives, comme celle de Pilsen, où les artistes ont su créer un lien entre les habitants, majoritairement d’origine mexicaine, par l’art du mural et la gravure, accessibles au plus grand nombre en tant que public, et en tant qu’artistes. Le travail des artistes chicanos a laissé derrière lui des écoles d’art mural, de gravure, de peinture, ainsi qu’un musée, le Musée National d’Art Mexicain (National Museum of Mexican Art). A travers les thèmes abordés, les gravures qui composent cette exposition montrent comment l’art a soudé un quartier en construisant une identité collective et territoriale reposant sur une histoire partagée, celle d’un quartier de Chicago, Pilsen.
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La gravure est l’une des expressions artistiques naturellement collectives. L’atelier de gravure est un espace de réflexion partagée, il réunit souvent plusieurs artistes qui travaillent au même temps ; nombreux échanges et discussions ont lieu, nourrissant le travail créatif de tous. Cela incite les artistes à maintenir un esprit ouvert à l’écoute de l’autre, à l’expérience, et donc à l’apprentissage. De plus, l’accident et l’incertain ont toute légitimité dans cette entreprise de création, au point que les épreuves (premières impressions) peuvent parfois être plus appréciées que les tirages stabilisés. Dans l’atelier, l’artiste collabore souvent avec un technicien. Ce dernier, expert en son domaine, contribue de manière essentielle au rendu final de l'œuvre. La qualité de l'impression dépend non seulement du dessin initial de l'artiste, mais également des choix d’encre et des nuances apportés par le technicien. D’où l’importance de disposer d'un bon technicien dans l’atelier, et de la renommée de certains ateliers. Ce caractère collectif de l'estampe dépasse les simples conditions de réalisation de l'image ; il englobe aussi la phase de conception de l’œuvre avant l’atelier. L’artiste conçoit son œuvre pour qu'elle soit reproduite et distribuée à plusieurs mains. Il ne s’agit pas d’une œuvre unique, mais au contraire, l’artiste pense à créer une œuvre qui sera produite en série et dispersée ensuite. Les enjeux de la diffusion et la réception de l’œuvre influencent la manière dont l’artiste imagine et prépare son travail créatif.
Présenter les gravures chicanas en France revient ainsi à exposer un art qui rassemble, un art qui relie. C’est également mettre en avant le visage positif de la migration, phénomène international, s’il en est. Montrer à travers l’art cette histoire en France, c’est donner une autre dimension à la migration en utilisant d’autres mots et d’autres images ; c ’est également évoquer des expériences qui dépassent largement les frontières et résonnent, quel que soit le pays d’origine ou de destination. Les frontières d’un pays peuvent être perçues comme des limites ou des séparations, mais aussi comme des périmètres partagés, des zones liminales qui donnent naissance à de nouveaux territoires, au cœur d’un réseau de relations atypiques, et qui forgent ainsi le noyau d’une culture hybride. La migration latina à Pilsen s’est mêlée à d’autres mouvements migratoires, et l’art a été un outil clé dans l’appropriation du territoire et la construction d’une communauté malgré la marginalité.
Une « marée » de gravures qui traverse les époques et se déploie sur les murs
L'ensemble des estampes choisies pour cette exposition ne représente qu'un échantillon de la « marée » d’estampes produite à Pilsen. Cette sélection incarne l’esprit rebelle, syndical et artistique de la 18ème rue (la dieciocho), cette artère centrale de Pilsen aux multiples ateliers d’artistes et de coopératives de gravure. Leurs artistes ont démontré, à travers la gravure sociale, l’étendue de leur maîtrise graphique, revisitant héritages et confluences. Ils ont puisé leur inspiration dans les réminiscences assumées des caricaturistes du XIXe siècle, explorant le style satirique emblématique de la culture populaire mexicaine à travers les œuvres saisissantes de José Guadalupe Posada, mettant en scène les iconiques Catrina et autres squelettes. Ils ont également porté des messages syndicaux et politiques en s’inspirant des œuvres du Taller de gráfica popular du Mexique des années 1930. Ils ont intégré la taille anguleuse et les reliefs contrastés caractéristiques de la xylogravure expressionniste allemande. Tout cela a fusionné dans le Taller mexicano de grabado de la Dieciocho de Chicago des années 1980 et continue de nos jours, grâce à quelques bastions de résistance graphique, tels que le Pilsen Outpost.
L’activité de la gravure y attire de nombreux jeunes adultes mexicano-américains, nés aux Etats-Unis, désireux de se réapproprier leurs racines, l’esprit des figures historiques et culturelles mexicaines, ainsi que l’histoire de leur migration familiale, à travers des projets personnels et l’apprentissage de la
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linogravure, matériau économique et proche de la gravure sur bois. Cet « art de la mémoire, des racines » se combine parfois avec le goût pour une esthétique ornementale comme les volutes du dessin psychédélique.
Ces activités d’expression graphique, très vivantes aux Etats-Unis comme au Mexique, permettent à l’estampe et à ses thèmes de demeurer populaires. Des nuances, des complexités, des réinterprétations et remémorations, des styles et goûts dans l’air du temps, permettent à cette mémoire et à cet imaginaire sans cesse reformulé, de se constituer en actualisant sans cesse ce médium. Les luttes anciennes des générations passées inspirent les nouvelles luttes présentes. Elles accueillent des relectures supplémentaires de leurs figures emblématiques, issues du dédale des imaginaires nationaux et personnels. La figure d’Emiliano Zapata se retrouve incarnée par un agriculteur migrant qu ’on pourrait décrire comme cholo (terme désignant l’identité et la sous-culture des immigrants latinoaméricain aux États-Unis ; porteur d’une connotation négative il fait référence à une personne de traits indiens portant des habits modernes, plutôt urbains). Quant à la figure de l’Adelita par exemple, image type de la femme aidant à la cuisine nomade des soldats durant la Révolution mexicaine, elle est réappropriée en tant que citoyenne féministe. Sa reprise, revisitée et détournée, symbolise aujourd’hui la force de la femme révolutionnaire sans substitut masculin.
Ces personnages emblématiques, ces héros ou ces modèles de lutte, acquièrent également une force irrévocable à travers les peintures murales du quartier. Ces figures historiques des expatriés ont migré des plaques et des papiers des estampes vers les murs, vers une autre surface ouverte au regard collectif. Les murales sont des marques d'appropriation culturelle du territoire. Ainsi, ces deux expressions – les gravures et les peintures murales –, véhiculent des récits porteurs de valeurs culturelles qui dialoguent avec les affects de la communauté représentée : la ténacité, la solidarité, la justice et le travail sont représentés avec tendresse, doute, rage, passion et foi.
Conçue comme une radiographie d’un long voyage, l’exposition « Graver le territoire : l’art de l’exil à Pilsen (Chicago) » se divise en trois grandes sections : « Le voyage », « Habiter la ville », et « Mémoire, identité, disjonction ». Le parcours commence avec le départ du voyage, en suivant les migrants sur les routes accidentées et incertaines du franchissement de la frontière. Ensuite, nous passons à l'arrivée difficile dans le nouveau territoire où l'hospitalité s'avère douce-amère. Les estampes montrent ensuite les luttes in situ, dans ce nouvel environnement que l'on souhaite s’approprier. Il s’agit d’un ensemble de luttes sociales, mais aussi des luttes psychologiques et émotionnelles, juxtaposées avec des souvenirs idéalisés du Mexique laissés derrière soi. En fin d’exposition, les œuvres offrent au spectateur un échantillon des multiples facettes de l'identité migrante, une identité en éternelle mutation qui est tantôt forte, tantôt fragile.
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TheJourney Levoyage Elviaje
Le voyage
Tout d’abord, le voyage est envisagé. Partir du territoire d’origine est une alternative à la stagnation économique, à l’impuissance et au néant. Il s’agit d’un projet nécessaire pour combattre la famine, la pauvreté ou la violence prévalant sur le territoire d’origine. Dans la première estampe, on croise le regard angoissé et attristé d’une femme, mère ou épouse, avant le départ de celui ou de ceux qu’elle aime. On aperçoit aussi des traces ensanglantées de pas, la voie ferrée, la frontière qu’ on n ’ a pas pu passer, celle qu’on a passée, et puis, le désert aride et profond. Il s'agit d'un voyage difficile, d'endurance physique et psychologique, où les menaces sont à la fois naturelles et humaines. La loi n ’est pas aux côtés du déplacement humain. La déshydratation, la maltraitance, la persécution et l'expulsion attendent le migrant. Il lui faut ainsi faire appel aux forces divines de la foi qui lui permettent d'aller plus loin, même si tout indique qu’il s’agit d’une entreprise impossible. Mais la croyance populaire dit que la foi fait bouger les montagnes, et il est vrai qu’elle met en mouvement les personnes
Au milieu de ces étapes vertigineuses et parfois fastidieuses, apparaît le motif du papillon. Le papillon est un symbole de prémonition, en noir, annonçant la mort, mais pour le migrant latino-américain, il s ’agit d’un papillon orange : le papillon monarque. Semblable à ce papillon originaire des montagnes du Michoacán au Mexique qui traverse la frontière, le migrant arrivant à Chicago se déplace à la recherche de meilleures conditions de vie. L’espèce de « La Monarca » est guidée par le mouvement du soleil et, dans son voyage, elle se reproduit et se transforme. La nature du papillon monarque acquiert ainsi une symbolique importante pour le migrant, qui voit dans cette espèce une représentation poétique de sa propre condition. « La Monarca » fonctionne dans les salles d’exposition comme un clin d’œil au mouvement du migrant et à sa constante transformation dans son parcours de vie.
Epilogue
Pendant que nous rédigeons ces lignes, la gentrification de Pilsen et l’expansion des réseaux des artistes, ont déjà conduits ces derniers vers d’autres aventures globales. Pilsen est une mémoire en marche que la gravure contribuera à disséminer à travers différents horizons, bien après l’effacement des lieux. Mais que seraient cette mémoire des lieux, des œuvres et des actions, si les êtres humains – la génération future – ne les faisaient pas vivre ? Les images demeurent lorsqu’elles sont soignées, entretenues, créées et recréées. Tout comme les récits, les images nécessitent d’être reproduites, transmises. Les peintures murales qui n'ont pas été restaurées ont disparu. Par ailleurs, il est essentiel de ne pas oublier que l'identité des migrants est semblable à l’identité frontalière. Toutes deux sont des identités mobiles. Lors de leur déplacement permanent, elles résultent d’un dialogue imposé, possédant le paradoxe d'être contraintes de se définir en opposition pour exister. Détailler sa propre singularité permet la reconnaissance.
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Etching | Gravure | Aguafuerte
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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1 | Salvador Jiménez Flores
Rastros / Trails | Traces, 2012
2 | Poli Marichal
Premonición | Prémonition | Premonition, 2012
Woodcut & linocut | Gravure sur bois et linogravure | Xilografía y linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
Collection of Fabienne de Pierrebourg
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Adios / Farewell | Adieu, 2012
Linocut | Linogravure | Linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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3 | Dolores Mercado
4 | René H Arceo
De pasos perdidos | Des pas perdus | Of lost steps, 2012
Linocut | Linogravure | Linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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5 | José Antonio Aguirre MMXIX, 2012
Linocut | Linogravure | Linografía 39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
130
7 | Arturo Barrera
Escaping Death | Echapper à la mort | Escapando la muerte, 2008
Linocut | Linogravure | Linografía
50.5 38 cm
Portfolio Día de los Muertos: Common Ground portfolio – Arceo Press
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8 | Elvia Rodríguez
De paso / In Passing | En passant, 2012
Linocut | Linogravure | Linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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9 | Héctor Duarte
Nomás iba pasando por aquí, | Je passsais juste par ici | I was just passing by here, 2012
Relief print | Impression en relief | Grabado en relieve 39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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Migrant’s Journey | Voyage des migrants | Viaje migrante, 2012
Linocut | Linogravure | Linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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10 | Oscar Moya
Linocut | Linogravure | Linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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11 | Carlos Barberena
Riding the Beast | Chevaucher la bête | Montando la bestia), 2012
Linocut | Linogravure | Linografía
38 x 28 cm
Santitos portfolio – Arceo Press
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12 | Carlos Barberena
Santo Pollero | Saint des migrants | Migrants’ Saint, 2011
Inhabit the City
Habiter la ville Habitar la ciudad
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Habiter la ville…
Le franchissement de la frontière demeure profondément gravé dans les mémoires de ceux qui ont réussi, mais ensuite il faut vivre, habiter Chicago, la ville de destination, et y travailler. L'arrivée ne se fait pas sans travail. Comme à la campagne, la vie urbaine du travailleur est une vie de labeur. Les autres étrangers ou marginaux deviennent une famille. A Pilsen, plusieurs générations se sont succédé, une solidarité s’est créée et des luttes sociales se sont organisées. Des luttes en faveur des droits des travailleurs ou des droits éducatifs, mais leur art a également été présent aux côtés des protestations antiguerre et anti-autoritarisme dans des territoires loin de Chicago et des États-Unis. La conscience communautaire des artistes de Pilsen est une conscience politique internationale qui se place du point de vue des plus vulnérables. Nous trouvons dans leurs œuvres des influences marxistes qui rappellent le caractère internationaliste des muralistes au Mexique. Depuis cette perspective, toute contestation locale trouve son sens dans un combat international des forces humanistes et progressistes face aux structures despotiques.
En effet, l'économie défaillante et la violence qui en découle sont les principales raisons de l'exode latino-américain vers le nord du continent. Une modernité discontinue expulse ceux qui en bénéficient le moins et les pousse à s'intégrer dans les coulisses d'une économie plus puissante, emblème de la modernité néolibérale : les États-Unis. Paradoxalement les migrants contribuent au succès de la logique économique qui les a poussés à quitter leur territoire d’origine. Les migrants connaissent ainsi les extrêmes, attirés par l’utopie du rêve américain, expérimentant la dystopie industrielle, la pollution urbaine et l'aveuglement de l'hyper-visibilité médiatique.
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Linocut | Linogravure | Linografía
56 x 38 cm
Bestiario y nahuales vol. 1 portfolio – Arceo Press
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13 | José Austin Andreu
Botecito soñando árbol | Petit bâteau rêvant d’un arbre | Little boat dreaming tree, 2007
La gobernadora Narizona | La gouverneure au gros nez | The big nose gubernator, 2012
Digital print | Impression numérique | Impresión digital
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
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14 | Mario E. Castillo
Untitled | Sans titre | Sin título, 1996
Linocut | Linogravure | Linografía
28 x 22 cm
Beata & René H. Arceo Collection
141
15 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
Untitled (Men working in a Texas field) | Sans titre (Hommes travaillant dans un champ au Texas) | Sin título (Hombres trabajando en un campo de Texas), 1980
Linocut | Linogravure | Linografía
50 x 89 cm
Beata & René H. Arceo Collection
142
16 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
La lucha continua | La lutte continue | The struggle continues, 1985
Woodcut | Gravure sur bois | Xilografía
44.5 x 60 cm
Beata & René H. Arceo Collection
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17 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
18 | Héctor Duarte
Al vuelo de la monarca | Sur l’envol du papillon monarque | On the flight of the monarch, 2003
Soft varnish, etching & aquatint | Vernis doux, eau-forte et aquatinte | Barníz suave, aguafuerte y aguatinta
53 x 40 cm
Bajo un mismo cielo portfolio – FEDECMI, ARVIM, Arceo Press
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Un cielo de dos soles | Un ciel avec deux soleils | A sky of two suns, 2003
Etching with roll up | Gravure avec roll up | Aguafuerte con roll up
53 x 39.5 cm
Bajo un mismo cielo portfolio – FEDECMI, ARVIM, Arceo Press
145
19 | Ruben Trejo
20 | Mizraim Cárdenas
En la Factory | À l’usine | En la fábrica, 2003
Etching | Gravure | Aguafuerte
53 x 39.5 cm
Bajo un mismo cielo portfolio – FEDECMI, ARVIM, Arceo Press
146
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God Sees Everything | Dieu voit tout | Dios ve todo, 2015
Linocut | Linogravure | Linografía
38 x 28 cm
Chicago portfolio – Arceo Press & Chicago Society of Artists
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| Carlos Barberena
38
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22 | René H. Arceo
Chicago día y noche | Chicago jour et nuit | Chicago day and night, 2015
Woodcut | Gravure sur bois | Xilografía
x 28 cm
Photo by René H. Arceo
23 | Dolores Mercado
Chicago Sky | Ciel de Chicago | Cielo de Chicago, 2015
Linocut & watercolor | Linogravure et aquarelle | Linografía y acuarela
38 x 28 cm
Chicago portfolio – Arceo Press & Chicago Society of Artists
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24 | Héctor Duarte
The heart of Chicago lies within its neighborhooods | Le coeur de Chicago se trouve dans ses quartiers
| El corazón de Chicago se encuentra dentro de sus barrios, 2015
Relief print and acrylic | Impression en relief et acrylique | Grabado en relieve y acrílico
39 x 39 cm
Chicago portfolio – Arceo Press & Chicago Society of Artists
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3rd Shift | Le trois-huit | 3er turno
Linocut | Linogravure | Linografía
28 x 22 cm
Beata & René H. Arceo Collection
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25 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
26 | Héctor Duarte
Por seguro | En toute sécurité | For safety, 2004
Linocut | Linogravure | Linografía
56.5 x 38 cm
Mnemonic: To Aid the Memory portfolio – Arceo Press
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Linocut | Linogravure | Linografía
28 x 22 cm
Beata & René H. Arceo Collection
153
27 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
Economic Equity | Équité économique | Equidad económica, 1963
Linocut | Linogravure | Linografía
28 x 22 cm
Beata & René H. Arceo Collection
154
28 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
Cárcel | Prison | Jail, 1961
28 x 22 cm
Beata
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29 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
Las 2 Esperanzas | Les deux espoirs | The two hopes, 1963
Linocut | Linogravure | Linografía
& René H. Arceo Collection
Before the disappearance | Avant la disparition | Antes de la desaparición, 1993
Woodcut | Gravure sur bois | Xilografía
58.5 x 77.5 cm
Beata & René H. Arceo Collection
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30 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
We want to live in peace | Nous voulons vivre en paix | Queremos vivir en paz, 1964
Linocut | Linogravure | Linografía
28 x 22 cm
Beata & René H. Arceo Collection
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31 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
Autorretrato | Autoportrait | Self-Portrait, 1985
Linocut | Linogravure | Linografía
78.5 x 61 cm
Beata & René H. Arceo Collection
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32 | Carlos A. Cortez (1923 – 2005)
Memory,Identity,Disjunction
Mémoire,dentité, disjonction
Memoria,identidad,disyunci n
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Mémoire, identité, disjonction…
L'identité et la mémoire sont intrinsèquement liées, c’est la mémoire qui façonne et définit notre perception de nous-mêmes et de notre place dans le monde. Pour le migrant, la mémoire est une arme à double tranchant : elle peut lui donner la force et la raison pour continuer mais, en même temps, elle peut être la source d’une nostalgie étouffante et autodestructrice. Le migrant voyage avec un bagage d’expériences et de références qui acquièrent une autre signification après son déplacement. Il est bien connu que la distance offre une perspective propice à l'examen sensible de l'état des choses passées ou vécues. Les estampes de cette section témoignent d’un réarrangement continu de la mémoire, accompagné de fractures et d’ajouts identitaires. Nous y trouvons des réinterprétations des anciennes cartes où le territoire étranger était le leur (les régions du sud des États -Unis), des récits actualisés avec des figures d’autrefois, des prolongations de l’origine, qu’elle soit indienne ou européenne.
La mémoire évoquée dans ces gravures est à la fois historique et émotionnelle. Elle témoigne que la Révolution, portée par des idéaux nobles, est également marquée par la perte absurde des êtres chers. Perte qui se répète, se mélange avec celles causées par la migration. Les luttes plus intimes se mêlent à la mémoire collective et individuelle mexicaine. Le processus d’adaptation à un nouvel entourage exige des migrants l’apprentissage de nouvelles valeurs et priorités. Le dédoublement et les ruptures avec le passé et l'origine deviennent évidentes et peuvent parfois mener à la folie. Cependant, cet état hybride semble se justifier et devenir l’identité la moins accablante pour le migrant. Résonne en cela la figure du nahual, cet alter ego mystique mésoaméricain, réitérée dans les gravures. Il est presque omniprésent lorsqu'il s'agit du domaine de l’imaginaire mexicain. Les nahuales sont des représentations de l'âme latina ; un déploiement figuratif de l’identité polyédrique caractérisant les Métis. De plus, le nahual rappelle la condition nécessaire de la mutation, où l'âme ne peut être liée à son corps en permanence.
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34 | Oscar
Tierra y libertad, Ramiro Guillén Tapia | Terre et liberté, Ramiro Guillén Tapia | Land and liberty, Ramiro Guillén Tapia, 2010
Drypoint | Pointe sèche | Punta seca
38.5 x 56.5 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
161
Moya
Serigraph | Sérigraphie | Serigrafía
38 x 56 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
162
35 | Sam Coronado
Pancho y Pershing, 2010
Duality | Dualité | Dualidad, 2010
Serigraph | Sérigraphie | Serigrafía
56 x 38.5 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
163
36 | Juan R. Fuentes
37 | Sal García
Tierra y libertad | Terre et liberté | Land and liberty, 2010
Linocut | Linogravure | Linografía
56 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
164
Linocut
38 x 56 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
165
38 | René H. Arceo
Reencuentro | Réunion | Reunion, 2010
| Linogravure | Linografía
Viva México | Vive le Mexique | Long live Mexico, 2010
Drypoint | Pointe sèche | Punta seca
55.5 x 38.5 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
166
39 | Roberto Ferreyra
Tierra y Libertad 1910-2010 | Terre et liberté 1910-2010 | Land and liberty 1910-2010, 2010
Woodcut | Gravure sur bois | Xilografía
56 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
167
40 | Ramiro Rodríguez
168
41 | Celeste de Luna Adelitas, 2010
Linocut | Linogravure | Linografía 56 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
Atando cabos sueltos | Reprendre les rênes | Tying up loose ends, 2010
Linocut, watercolor & embroidery | Linogravure, aquarelle et broderie | Linografía, acuarela, bordado
56 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
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42 | Dolores Mercado
43
Serigraph | Sérigraphie | Serigrafía
56 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
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| Amy Díaz Infante At Practice | À l’entraînement | Practicando, 2010
44 | Mariana Garibay
Sin título | Sans titre | Untitled, 2010
Serigraph | Sérigraphie | Serigrafía
56 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
171
Serigraph
56 x 39 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
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45 | Eva Soliz
Lucky Cards | Cartes porte-bonheur | Tarjetas de la suerte, 2010
| Sérigraphie | Serigrafía
46 | Nicolás de Jesús
Birratonario | Bicentenaire des rats | Rats’ Bicentennial, 2010
Etching & aquatint | Gravure et aquatinte | Aguafuerte y aguatinta
55.5 x 38 cm
Centennial of the Mexican Revolution portfolio – Arceo Press
173
47 | Juan Pablo Luna
Nuevos signos de identidad | Nouveaux signes d’identité | New signs of identity, 2003
Etching | Gravure | Aguafuerte
53 x 39.5 cm
Bajo un mismo cielo portfolio – FEDECMI, ARVIM, Arceo Press
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Polilla / Memories Feasts | Mites/ Fête des souvenirs | Moths/ Banquete de memorias, 2004
Linocut | Linogravure | Linografía
38.5 x 56.5 cm
Mnemonic: To Aid the Memory portfolio – Arceo Press
175
48 | Oscar Moya
49 | Marianne Sadowski
Si me muero lejos de ti, que digan… | Si je meurs loin de toi, laisse-les dire… | If I die far from you, let them say…, 2012
Linocut | Linogravure | Linografía
39 x 39 cm
Rostros de la migración portfolio – Arceo Press & FEDECMI
176
50 | Esperanza Gama
Memoir | Mémoire | Memoria, 2005
Etching and aquatint | Gravure et aquatinte | Aguafuerte y aguatinta
56.5 x 38 cm
Mnemonic: To aid the memory portfolio – Arceo Press
177
51 | Mizraim Cárdenas
Pescado blanco y achoques | Poisson blanc et axolotls | White fish and achioques, 2007
Etching | Gravure | Aguafuerte
38 x 56 cm
Bestiary and Nahuals vol 1 portfolio – Arceo Press
178
52
Untitled | Sans titre | Sin título, 2005
Linocut | Linogravure | Linografía
57 x 38 cm
Mnemonic: To aid the memory portfolio – Arceo Press
179
| Luis de la Torre
53 | Dolores Mercado
My nahual cat/ Mi gato nahual | Mon chat nahual, 2007
Linocut | Linogravure | Linografía
56 x 38 cm
Bestiary and Nahuals vol 1 portfolio – Arceo Press
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54 | René H. Arceo
Transforming Nahual | Nahual en transformation | Nahual en transformación, 2007
Linocut | Linogravure | Linografía
38 x 56 cm
Bestiary and Nahuals vol 1 portfolio – Arceo Press
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55 | Fulgencio Lazo
Todos Santos | Toussaint | All saints day, 2009
Woodcut | Gravure sur bois | Xilografía
38 x 50.5 cm
Día de los Muertos: Common ground portfolio – Arceo Press
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Xolos en camino al Mictlán / Xolos in route to Mictlan | Xolos en route vers Mictlan |, 2009
Linocut | Linogravure | Linografía
50.5 x 38 cm
Día de los muertos: Common Ground portfolio – Arceo Press
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56 | Dolores Mercado
57 | Nicolás de Jesús
Nahualtepec | Lieu des nahuals | Place of nahuals, 2007
Etching and aquatint | Gravure et aquatinte | Aguafuerte y aguatinta
55 x 38 cm
Bestiario y Nahuales vol. 2 portfolio – Arceo Press
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58 | Eufemio Pulido
La noche del nahual | La nuit du nahual | Night of nahual, 2007
Linocut | Linogravure | Linografía
53 x 40 cm
Bestiary and Nahuals vol 1 portfolio – Arceo Press
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Linocut
53 x 40 cm
Bajo un mismo cielo portfolio – FEDECMI, ARVIM, Arceo Press
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59 | René H. Arceo
Monarca cielo arriba | Papillon monarque, ciel au-dessus | Monarch sky above, 2003
& watercolor | Linogravure et aquarelle | Linografía y acuarela
Artists
Biographies
Biographies des artistes
Biografías de artistas
Aguirre, José Antonio (b. 1955 México City)
Is primarily a muralist working with Byzantine and Venetian glass mosaic murals. He lived in Chicago from 1978-1985 period in which he received his bachelor’s degree from the School of the Art Institute of Chicago. He painted several murals in Pilsen in 1978 including “Recycling,” and in 1981 ‘Visiones de Aztlan” at the Latino Youth Alternative High School and in 1985 “Nuestra Escencia, Nuestra Presencia” at UIC’s Rafael Cintron-Ortiz Cultural Center. He moved to California where he got his MFA from the California Institute of Art at Valencia. He has created dozens of murals throughout the Los Angeles area, along with relief prints.
Andreu, José A. (b. México City)
José Agustin Andreu was born in Mexico City of Puerto Rican parents and raised in Puerto Rico, Spain, France and the United States. He graduated from Virginia Commonwealth University in Richmond, VA with a BFA in 1982 and from the UW, Madison, WI with a MFA in 1986. He has exhibited in the USA, Mexico, Cuba, and Europe. He is a retired art professor from the School of The Art Institute of Chicago and Columbia College Chicago. Andreu’s work documents the morphology of identity. It uses structures that reflect abstract ideas about space, form, and illusion as well as color and light. www.andreu.us
Arceo, René H. (b. 1959 Cojumatlan, México)
Is a printmaker who in 2005 he founded Arceo Press to promote international printmaking exchanges. He co-founded Galería Ink Works (1984) and the Taller Mexicano de Grabado (1990). He has exhibited in Poland, México, Spain, Canada, France, Italy, Argentina, Nicaragua, and the USA. Awards include Governor’s International Exchange Program from the Illinois Arts Council to travel, lecture and exhibit in Lublin, Poland (2002) and in Paris, France (2006). Art residency to Lucerne, Switzerland by the Lucerne –Chicago Sister City (2018). He is currently a member of MidAmerica Print Council, Consejo Gráfico Nacional and the Chicago Society of Artists. www.ArceoPress.com www.etsy.com/shop/ArceoStudio
Barberena, Carlos (b. Granada, Nicaragua)
Is a contemporary printmaker known for his relief prints and the use of images from pop culture, as well as from political and cultural tragedies. Barberena has exhibited individually in Costa Rica, Estonia, France, Mexico, Nicaragua, Spain and The United States of America, his work also has been shown in Art Biennials, Museums, Galleries and Cultural Centers around the world. Currently Barberena lives and works in Chicago where he runs Bandolero Press. He is also a member of the Instituto Gráfico de Chicago. Barberena’s work is included in numerous public and private collections. www.carlosbarberena.com
Barrera, Arturo (b. 1962 Chicago, USA)
Is a printmaker and painter who received his Bachelor of Art Education from the School of the Art Institute of Chicago in 1986 and as a recipient of the R. Smith scholarship received his Master of Arts degree in painting and printmaking from Northern Illinois University in 1997. He is currently teaching art in Chicago at the Louis Pasteur Elementary. Arturo has exhibited throughout the United States and abroad. He continues to create and is a member of Expressions Graphics in Oak Park, IL.
Cérdenas, Mizraim (b. 1971 Morelia, Mexico)
Studied drawing, painting and printmaking with master artist Alfredo Zalce from 1987-1997. From 1990 -1993 he studied integral design at the CEID in Morelia and in 2012 he received his BFA from the U de G. He participated in printmaking workshops in Bilbao, Spain with the BilbaoarteFoundation in 2004 and in 2007 at “multiple international transparencies,” taught by Alicia Candían in Havana, Cuba. He
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has presented 40 solo exhibitions and participated in more than 100 group shows including Presencia Nacional de Creadores in 1999 at the CNA, México City. Bajo un mismo cielo in Chicago and Graphic Reality: Mexican Printmaking Today in New York City in 2006.
Castillo, Mario E. (b.1945 Coahuila, México)
Castillo started drawing murals in Mexico at the age of 5 in the school where his mother, Maria Enriquez de Allen, taught. He started painting murals in 1964 at Lane Tech. In 1968 he did the first Latino mural in Chicago, the first anti-Viet Nam War mural, and the first to pay homage to Native American art. In 1969 he did the first multicultural mural, The Wall of Brotherhood, an abstract mural full of symbolism. His use of students as artists became a prototype for many future murals. In the late 60’s he started to use the “floating” face (as a mask) as the only subject for the whole pictorial field. In the early 70’s he began using Aztec & Maya imagery. Then in the 80’s he introduced into his paintings the theme of the Nagual (Nahual), the Portal of Intent, & African masks, and Huichol Art in the 90’s. In his CARA print he mixed structure (geometry) with organic forms, and world art. He is always looking for new subject matter to work with and with this print in this portfolio Castillo makes use of an ancient mythological icon that takes us back to the time when humans had tails. Here, he continues to work with the “horrible beauty” he introduced into his work since the 1960’s when he painted bones with bright colors as part of his "Death is Alive" box constructions series.
Coronado, Sam (1946-2013)
Coronado first approached printmaking as a young artist with a background in painting. He was exploring his creative potential by experimenting with various media. Screen printing facilitated his artistic expression, as it allows him to better incorporate graphic imagery that compliments his inherent style. Serigraphy offers many artistic possibilities, as it can be used on various substrates and in combination with other media. He was dedicated to the serigraph printmaking technique for over twenty years, and my latest work is a combination of digital art and screen printing.
Cortez, Carlos A. (1923-2005)
He was influenced by Kathe Kollwitz and by Jose Guadalupe Posada, the latter one, he considered his spiritual mentor. Cortez life experiences that informed his art included working as a construction worker, factory worker, janitor, journalist, door-to-door salesman of records, curator, poet, and printmaker. He was involved with the Industrial Workers of the World’s publication, the Industrial Worker, where he contributed regularly his graphics, poetry, film, and music album reviews over twenty -years. He sought to promote human rights struggles, illustration of Mexican cultural traditions, and reflecting his commitment to workers’ rights in the United States. After moving to Chicago in 1965 he became involved with different organizations including Movimiento Artistico Chicano, Mi Raza Arts Consortium, and Taller Mexicano de Grabado. His posters were distributed in community centers, bookstores, restaurants, libraries, record stores, and any other places where they might be visible to the public. On one hand, he expressed his concerns about social, economic, and political issues of the day. On the other hand, he wanted to make fine artworks available to those people who cannot usually afford to buy them and thus he sold his prints for under twenty-five dollars each.
De Jesús, Nicolas (b. 1960 Amelyatepec, México)
A Nahua Indian, whose hometown is well known for the traditional painters of amate paper. Nicolas is by experience self-taught and an artist by heritage. In 1981 he traveled to Mexico City to learn printmaking at Artegrafías Limitadas printshop. In 1988 he visited Los Angeles, CA and later he moved
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to Chicago where he settled for almost a decade. He promoted his art through the Mexican Museum from that city and became a co-founder of the Taller Mexicano de Grabado in 1990. Nicolas has exhibited in France, Japan & Indonesia through the support of the L'Association pour l’Estampe et l’Art populaire. In 2015 he spent three months working in Ontario and San Francisco, CA and a visit to Chicago. He promotes printmaking, his colleagues’ artwork and their ancestral culture.
De la Torre, Luis (b. McAllen, Texas)
Luis De La Torre arrived in Chicago’s neighborhood of Bridgeport at the age of seven. He spent most of his childhood in the states of Jalisco and Nayarít, México where the memories of these early years continue to unconsciously inspire his work. While his paintings and illustrations do not appear to be overtly Mexican on the surface, many of the ancient Mexican concepts of life and symbols of faith and power continue to appear among his many layers of imagery. De La Torre’s work expresses the many dualities the artist experiences in his own life. Like the artist, who grew up Mexican in the heart of the U.S. Midwest, his paintings reveal two cultures, two histories, and two distinct worlds fused together into a single enigmatic hallucination.
De Luna, Celeste (b. Aurora, IL)
Is visual artist/teacher from lower South Texas. She has exhibited her work in various cities in the Rio Grande Valley, San Antonio, San Diego, and Chicago. She is currently working on a body of work titled “Compass” and in November 2010 will be part of a group show titled “Sacrilege: The Desecration, Destruction, and Deconstruction of the Chicano Icon” at Centro Cultural de la Raza in San Diego, CA. De Luna teaches art for Brownsville ISD, continues her studio practice, and community organizing work.
Diaz-Infante, Amy (b. Salinas, CA)
Received her BA in Art with a concentration in Printmaking from Yale University in 2003 and her MFA, with honors, from the Rhode Island School of Design in 2009. While at RISD she co-designed a printmaking course incorporating installation and performance - Prinstaformance. She has been an Artist-in-Residence at Kala in Berkeley, CA and at Djerassi in Woodside, CA. She is co-founder and 1/3 of Tres Hermanas, which was recently awarded a residency at the Luggage Store/Tenderloin National Forest in San Francisco. She lives in Oakland, CA.
Duarte, Héctor (b. 1952 Caurio, México)
He studied mural painting at the workshop of David Alfaro Siqueiros in 1977. Since moving to Chicago in 1985, Duarte has participated in the creation of more than 50 murals. He has exhibited his paintings and expressed prints in solo and collective shows at such venues as the NMMA, the School of the Art Institute, the State of Illinois Gallery and Casa Estudio Museo Diego Rivera in Mexico. Duarte’s awards include a 2008 Artist Fellowship Award from the IAC, 2005 and 2007 Artistic Production Awards from the Secretary of Culture of the state of Michoacán, a 1995 Chicago Bar Association Award for best work of public art and a 1994 NEA project grant. In 2006 he participated in the Smithsonian Folklife Festival on the National Mall in Washington, D.C., as an invited muralist. Duarte is the co- founder of the Julio Ruelas Print Workshop in Zacatecas, La Casa de la Cultura in Zamora, Mexico, and the Mexican Printmaking Workshop in Chicago.
Ferreyra, Roberto (b. 1957 Morelia, México)
Graduated from the National School of Painting, Sculpture and Printmaking "La Esmeralda” Mexico
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City. Roberto’s works have been shown in Spain, Canada (Montreal & Toronto), Cuba and United States (New York & Chicago) as well as in his own country. His works have also appeared in many art magazines from Mexico and other countries. In the last 3 years he and artist Montserrat Alsina, started an exchange program with printmaking artists in Mexico City, Tlaxcala, Michoacan and Puebla including residencies at each of those places and bringing their art to Chicago as well doing print series with Taller Punta Seca in Mexico D.F.
Fuentes, Juan R. (b.1950 Artesia, NM)
As a cultural activist/artist/printmaker, I have dedicated my work to supporting and being part of a global movement for social change. My works have addressed issues that relate to local communities of color, social justice, peace, and international struggles for liberation. My works reside in various private collections, and museums and I have exhibited both locally and internationally. My early poster art is now part of the historic Chicano Poster Movement. Currently I’m a visiting artist at the San Francisco Art Institute where I teach relief printmaking.
Gama, Esperanza (b. Guadalajara, México)
She graduated from the School of Fine Arts at the University of Guadalajara with a B.F.A. in 1984. After moving to Paris in 1988, Gama studied printmaking and drawing for two years at the École des Beaux Arts in Chaville. In 2003 Gama was awarded the Sor Juana Achievement Award for Visual Arts from the National Museum of Mexican Art in Chicago. She has received three Illinois Arts Council Partial Support Grants: an International Program Grant to help produce Stigma, a series of etchings created in 2005; a Residency Artists International Program Grant for a group of etchings entitled Los mágicos, which were completed and printed in Guadalajara in 2007; and a Residency Artists International Program Grant for her series of etchings Las monarcas, completed in 2009. Gama’s art has been exhibited throughout the United States in group and solo exhibitions. She was the first Latina to exhibit at the Union League Club Gallery in Chicago.
García, Sal (b. Pharr, Texas)
Is a fine artist, illustrator and graphic designer. From a very young age Sal became interested in drawing, painting and comic book art. He entered the commercial art curriculum at Lane Technical High School in Chicago and won awards for his work. He graduated from the Chicago Academy of Fine Art, where he studied and cultivated his art in various artistic disciplines with the intention of becoming accomplished in Commercial and Fine Art. He won awards for Packaging Design and Advertising Illustration. He participated in various group shows and contributed his art to numerous silent auctions. Sal is currently a Graphic Designer, a Design Consultant and a Fine Artist who practices in various mediums. His interests include past and present popular culture, media, film, the art and mythologies of indigenous cultures, figurative art and Mexican Iconography.
Garibay, Marianna (b. Guadalajara, México)
Is an accomplished painter, printmaker and installation artist. Through her works she transforms the threads that connect the real and the imaginary into magical environments that reference nature, regeneration, science and the otherworldly. Her work has been exhibited through the Bay Area and Mexico. Most recent exhibitions: Conceptual Landscapes, MACLA, San Jose, 2010 and Life Elsewhere, the Consulate General of Mexico in San Francisco, 2009. Garibay has taught in the Bay Area through Kala Art Institute's Artists-in-Schools program, SFMOMA, de Young Art Center, Mission Grafica and the
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Richmond Art Center. In 2005, she received an emerging artist commission from the Alameda County Arts Commission. She is currently completing her degree in painting and drawing at the California College of the Arts. She is a recipient of the CCA Faculty Honors Award and the William & Gloria Brobeck Scholarship.
Jiménez-Flores, Salvador (b. Jalisco, México)
Is an interdisciplinary artist who explores the politics of identity and the state of double consciousness. Jiménez-Flores addresses issues of colonization, migration, “the other,” and futurism by producing a mixture of socially conscious installation, public, and studio-based art. His work spans from communitybased work, drawing, ceramics, prints, and mixed media sculpture. Jiménez-Flores has presented his work at the National Museum of Mexican Art, Grand Rapids Art Museum, Urban Institute of Contemporary Art, Bemis Center for Contemporary Arts, and Museum of Art and Design amongst others. He served as Artist-In-Residence for the city of Boston, Harvard Ceramics Program, Office of the Arts at Harvard University, and Kohler Arts Industry. Jiménez-Flores is a recipient of Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grants and The New England Foundation for the Arts, Threewalls’ RaD Lab+Outside the Walls Fellowship Grant, and he is a 2021 United States Artist Fellow. He is an Assistant Professor in ceramics at the School of the Art Institute of Chicago.
Lazo, Fulgencio (b. 1967 Oaxaca, México)
Zapotec artist Fulgencio Lazo, best known for his joyful, whimsical paintings, has forged a successful international career over more than three decades from his studios in Seattle and in his hometown of Oaxaca, Mexico. He has had more than 50 solo shows and is represented by Seattle’s ArtX Contemporary and Galería CuatroSie7e in Oaxaca. In addition to his own artistic production, Lazo works tirelessly to create inclusive, diverse cultural spaces; co-founding some of Seattle’s most iconic traditions within the Latino community, including the annual celebration known as Guelaguetza, International Children’s Day, and the Day of the Dead celebrations at many venues, including the Seattle Art Museum. https://fulgenciolazoart.com/
Luna, Juan Paulo (b. 1973 Morelia, México)
Luna is self-taught. Attended many workshops: with Cuban artist Rafael Paneca (prints with PVC, 1995), José de Jesús Martínez (etching, 1999), Pablo Amor (encaustic painting, 1999), Pablo Rulfo (oil painting, 2002), Ismael Guardado (frescoe painting, 2003), Jan Hendrixs (copper intaglio 2004) and Nunik Sauret (printmaking, 2005). He received printmaking prizes and grants from the state of Michoacan from 1996-2002. Juan Pablo has presented more than a dozen solo exhibitions in several cities in Mexico and in France. He participated in many group exhibitions in the United States, France and throughout Mexico.
Marichal, Poli (b. Ponce, Puerto Rico)
Maricahl is a printmaker, painter and filmmaker based in Los Angeles. She has a BFA from the Escuela de Artes Plásticas de Puerto Rico and an MFA from Massachusetts College of Art. She is a founding member of Los de Abajo Printmaking Collective, a member of Consejo Grafico, the Los Angeles Printmaking Society and the WGA West. Marichal has been recipient of several grants from, among others, the Santa Monica Cultural Affairs Department Art Grant and the Rockefeller Media Arts Fellowship. Her works have been exhibited in the USA and abroad and are in several public and private collections. www.polimarichal.com
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Mercado, Dolores (b. Jalisco, México)
Studied art at the School of Visual Arts of the University of Guadalajara, the National Institute of Fine Arts “La Esmeralda”, and at La Academia de San Carlos in Mexico City. From 1999 to 2006 she was the host of two live talk art radio programs “Camino Tierra Adentro” and “Alquimia” at WRTE 90.5 FM.
Since 1999 she has worked for the National Museum of Mexican Art in Chicago as Sr. Arts Education Coordinator, Associate Director of Education and currently as the Associate Curator. She has exhibited in México, Spain, the United States, Nicaragua and Canada.
Moya, Oscar (b. México City)
Moya is an accomplished artist who has participated in group exhibitions, in the USA, and in Mexico. These include the National Museum of Mexican Art in Chicago, La Llorona Art Gallery, Casa de Cultura Juchitán, Oaxaca, México and El Museo Contemporáneo de Tijuana, in Baja California. Moya migrated to the USA at age 15 and labored as a migrant worker from San Antonio, Texas to settle in Chicago. He attended the School of Art Institute of Chicago and was actively involved in the Chicago mural movement. He was an arts activist at MARCH, Casa Aztlan, MIRA, Inc., El Taller Community Gallery and Casa de Cultura Calles y Sueños in Chicago. He is currently a member of La Prensa/Southwest Printmakers in Las Cruces, New Mexico. In 2005 Moya moved to El Paso, Texas.
Pulido, Eufemio (b. La Piedad, México)
He was born in La Piedad, Michoacán, from where he emigrated to the United States in 1974. He resides in Chicago where he attended the School of the Art Institute of Chicago taking classes on the study of the human figure. He was an active member of the Taller Mexicano de Grabado where he learned the linoleum cutting technique. He has exhibited in dozens of group exhibitions in the United States and Mexico. Exhibitions include Galería Arte de México, Mexican Institute of Culture and Education in Chicago, Betty Rymer Gallery, Field Museum, and Hope College in Michigan. He has presented half a dozen solo exhibitions including at Prospectus Art Gallery and Jumping Bean Café in Chicago.
Rodríguez-Ochoa, Elvia (b. México)
Rodriguez Ochoa is an interdisciplinary artist who is living and working in Chicago. They have participated in a variety of actions and exhibitions for the past 30 years in support of reminding us that the arts are vital to everyday life. Their print work has been exhibited in Canada, Mexico, Australia and Spain.
Rodríguez, Ramiro (b. 1965 USA)
He was born to Mexican emigrants and grew up in Western Michigan. In 1993 he received his Master of Fine Art Degree in painting from the University of Cincinnati in Ohio. Rodríguez currently lives in South Bend, Indiana with his wife and two sons. He is an Exhibition Coordinator at the Snite Museum of Art at the University of Notre Dame. Rodríguez’s figurative paintings and prints have been exhibited in various one-person and group shows around the country and are included in numerous private collections around the world. However, he has encountered the widest public recognition through the reproduction of his works by the multi-platinum selling musical group Tool. The group’s use of several of Ramiro’s images for promotional material has introduced his work to many music fans around the world. An online portfolio of Ramiro’s work may be seen at his website: http:// www.ramirorodriguez.com
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Sadowski, Marianne (b. 1966 Mexico City)
Is a printmaker, painter and teaching artist residing and working at present in Los Angeles, California. She has a BA in Film from the Universidad Iberoamericana and an MFA in Painting from the Academia de San Carlos. She is an active member of the LA based Printmaking Collective “Los de Abajo” and Consejo Gráfico. Her work has been shown extensively around the US and Mexico.
Solíz, Eva (b. 1965
Laredo, Texas)
Studied art at The University of Texas at Austin where she received a BFA in studio art with an emphasis in painting, ceramics and intaglio printmaking. During the summer of 1989 she attended Skowhegan School of Painting and Sculpture, an artist residency program in Skowhegan, Maine. Chicago later became her home where she attained an MFA in painting from The School of the Art Institute of Chicago. Her work has been exhibited in Texas, Chicago and Mexico. Currently, she resides in her hometown of Laredo, Texas where she has been employed by Laredo Community College as an art instructor since 1999 and continues to create and exhibit her art.
Trejo, Rubén (1937-2009)
Was born in St. Paul, Minnesota of parents who emigrated from Michoacan, Mexico. He graduated from the University of Minnesota with his associate degree, his bachelor’s degree and his Master of Fine Arts. He was primarily a sculptor and painter who served as professor at Eastern Washington University at Spokane. Trejo’s work addressed the Chicano and Latino community, but also discusses culture, race, history, and faith. His works are part of the permanent collection of the National Museum of Mexican Art in Chicago, the Smithsonian American Art Museum, and the National Hispanic Cultural Center in Albuquerque, NM.
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