Kuchu no Hako en CÓRDOBAexpone.

año 3 | número 19 | diciembre 2015 - enero 2016

Palacio de Orive

Espacio Iniciarte

‘Felicitaciones de Goval’

‘En la afueras’ de Juan López

Fiesta Solidaria del Raku 2015

(pág. 15)

(pág. 15)

(pág. 19)

E. A. Dionisio Ortiz

‘Kuchu no Hako’ en Madinat al-Zahra

(pág. 4)

Próximas citas en la Galería Carmen del Campo

‘Memorias de cine’ de Salvador Montó

Juan Serrano

“La toma de conciencia hace de tu vida una obra de arte”

(pág. 11)

‘Aguas’ de Marta Morón (pág. 14)

(pág. 6)

© Foto: Anna Freixas

Dialogando sobre arte y cotidianidad en casa de Hisae y Antonio (pág. 20)

¿Es ese joven, Rafael Botí? (pág. 2)

XVII edición de DMencia en Doña Mencía (pág. 16)

Conoce el Centro de Arte Santaella Contemporánea (pág. 18)

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OPINIÓN

Sumario OPINIÓN

Huelva muestra en Córdoba un buen retrato de Rafael Botí ...................3 CÓRDOBA EXPONE

‘Kuchu no hako’ en Madinat al-Zahra .......4 ENTREVISTA

Juan Serrano Muñoz ...............................6 EXPOSICIÓN

‘Memorias de cine’ de Salvador Montó .................................11 EXPOSICIÓN

‘Aguas’ de Marta Morón ........................14 CÓRDOBA

Goval vuelve por Navidad Juan López rastrea las afueras Más ‘Córdoba luciente’ Grabados de Pellicer en el MBACó ..........15 CÓRDOBA

La Cuba de Manuel Lama Tony Soto en el recuerdo Nueva temporada de DMencia Exitoso ‘Te-Beo en la Calle’ ..................16 GACETILLA

Noticias breves y libros .........................17 DIFUSIÓN

Santaella Contemporánea .....................18 EDUCACIÓN Y ARTE

Raku y solidaridad ..............................19 DIÁLOGOS

Hisae & Antonio ................................20 NO TE LO PIERDAS

Agenda cultural...................................22 EL ARTE Y LAS PERSONAS

Julián Molina ....................................24

DIRECCIÓN Carmen del Campo Romaguera REDACCIÓN María Blanco Ruiz Sergio R. Arjona Juan Robert Hernández Rafael Sillero Fresno FOTOGRAFÍA Pepe Díaz Tienda MAQUETACIÓN E IMPRESIÓN Lince Artes Gráficas DEPÓSITO LEGAL D.L. CO-831-2012 PUBLICIDAD cordobaexpone@galeriacarmendelcampo.com Teléfonos: 957 477 642 – 687 373 625 INFORMACIÓN www.galeriacarmendelcampo.com/cordoba-expone ISSN 2255-5013

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Huelva muestra en Córdoba un buen retrato de Rafael Botí Corría el mes de noviembre de 2010 cuando, en el transcurso de un viaje de turismo cultural con el Imserso, tuve ocasión de visitar el Museo de Huelva, que me causó una gratísima impresión, tanto por su continente como por el contenido, José Dabrio. Retrato de joven, 1921 con secciones de arqueología, etnografía y bellas artes. Especialmente me interesó la sala dedicada a los pintores onubenses del siglo XX, en la que enseguida llamó mi atención un cuadro de José Dabrio titulado Retrato de joven, fechado en 1921, porque me recordó al pintor cordobés Rafael Botí (19001995), que tenía entonces 21 años y vivía en Madrid, donde era amigo y discípulo del pintor onubense Daniel Vázquez Díaz desde 1919.

De regreso a Córdoba pregunté por escrito a la dirección del Museo si en la documentación de la obra figuraba la identidad del joven retratado, pero no recibí respuesta alguna. Mostré una reproducción fotográfica del retrato a Rafael Botí Torres, el hijo del pintor, y estimó que era su padre, quien pudo entablar contacto con Dabrio al acompañar a su maestro Vázquez Díaz en uno de sus viajes a Huelva. También enseñé el retrato a José María Palencia,

“El retrato, pintado por José Dabrio en 1921, puede verse en el Museo de Bellas Artes hasta el 10 de enero” director del Museo de Bellas Artes, quien aseguró que “no cabe duda que es Rafael Botí”, aunque añadió que el conservador del Museo de Huelva, con quien lo había consultado, tenía sus dudas. “Seguiremos indagando a ver si encontramos la prueba definitiva, aunque lo mejor que podemos hacer es darlo nosotros por Botí”, añadía José María.

Mostré igualmente el retrato a David Ledesma, autor del libro Vida y obra de Rafael Botí (2003), sin duda la mejor biografía crítica sobre el pintor, y me respondió por escrito lo siguiente: “Sinceramente al pronto no he visto en este retrato a Rafael Botí con la claridad con que tú lo viste, pero un análisis detenido lleva a pensar que en efecto lo es. No me convencen la boca ni el mentón, pero más por la impericia del artista que por el hecho de que no respondan en realidad a la fisionomía de Botí. El pelo y las cejas son exactamente las mismas con que lo retrató Pelegrín ese mismo año, por no hablar de las gafas. Y la nariz se asemeja más a la que vemos en fotografías de Botí de la época que a la que presenta en el retrato de Pelegrín. En definitiva, creo que puede ser Rafael Botí.

No lo daría por seguro –añadía Ledesma, prudente– pero sí por muy probable”.

Para situar el retrato en su contexto histórico conviene Santiago Pelegrín. Retrato de Rafael saber que el antecedente del Botí, 1921

actual Museo de Huelva, inaugurado en 1973, fue el Museo de Bellas Artes, creado en 1920 por el pintor José Fernández Alvarado, que consiguió numerosas cesiones y donaciones para nutrir los fondos, y se mantuvo abierto hasta su muerte en 1935. Este artista, especializado en marinas, nació en Málaga en 1871, fue discípulo del pintor valenciano Antonio Muñoz Degrain y en 1920 obtuvo la cátedra de Dibujo del Instituto de Segunda Enseñanza de Huelva, donde fundó el Museo de Bellas Artes como complemento pedagógico de sus clases. En internet he encontrado un trabajo del experto en pintura contemporánea onubense Jesús Velasco Nevado acerca de “Los fondos del antiguo Museo de Bellas Artes de Huelva (19201935)”, en el que figura relacionado con el número 17 del catálogo el retrato de Botí con el título “Retrato de joven leyendo”, dentro del apartado ‘Becas y donaciones de artistas onubenses’.

En cuanto al pintor José Dabrio, autor del retrato, nació en 1900, el mismo año que Botí; se formó en la Academia de Pintura de Huelva con Eugenio Hermoso y más tarde se trasladó a Sevilla donde trabajó como copista de los maestros del Museo de Bellas Artes, principalmente Murillo, y especialmente de su obra Virgen con el Niño, popularmente conocida como Virgen de la servilleta. Finalmente se estableció en Madrid, donde falleció en 1973.

A raíz de la entrega al Museo de Huelva en 2014 del dibujo de José Dabrio Miguel Báez Litri yacente (torero de la famosa dinastía de los Litri corneado y muerto por un toro en la plaza de Málaga el 11 de febrero de 1926, con veintiún años), el hijo del artista Manuel Dabrio reveló a la prensa onubense que su padre “sufrió una trepanación a los nueve años, perdiendo un oído como consecuencia de la operación y quedando afectado el otro, que perdió también con el paso del tiempo. Por eso –añadía–, aunque era un hombre abierto y liberal, no era fácil comunicarse con él”, hasta el punto que “con Foto de Rafael Botí en 1921 los años, redujo cada vez más su contacto con el mundo externo”.

Hace pocas semanas logré contactar telefónicamente con Manuel Dabrio Bañuls, doctor en Ciencias Químicas ya jubilado y residente en Madrid, quien me manifestó que conocía el supuesto retrato de Botí pero desconocía la identidad del retratado, pues nació en 1939, dieciocho años después de que su padre lo pintase, y tampoco recordaba haberle escuchado hablar de quién pudiera ser.

Ahora tenemos la oportunidad de contemplar temporalmente en el Museo de Bellas Artes de Córdoba, hasta el 10 de enero, ese Retrato de joven, que identifico con Rafael Botí por su parecido con fotografías de la misma época, aportadas por Palencia. Nos visita dentro del programa Los museos viajan: la obra invitada, y con ella el museo cordobés se ha unido a los homenajes dedicados al pintor Rafael Botí a lo largo de 2015, vigésimo aniversario de su sentido fallecimiento. Pero Botí, en el que se igualaron la excelencia artística y la calidad humana, sigue vivo a través de su obra, que estará siempre visible en el Centro de Arte que la Diputación le ha dedicado en el corazón de la Judería.

Francisco Solano Márquez Periodista

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CÓRDOBA EXPONE

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‘Kuchu no Hako’ en Madinat al-Zahra Kuchu no Hako -caja suspendida en el aire- es una intervención artística colectiva ideada por Hisae Yanase y organizada por Amigos de Medina Azahara en el Conjunto Arqueológico de Madinat al-Zahra. Un magnífico ejemplo de diálogo entre creación contemporánea y patrimonio histórico.

En el patio del Museo, a la vista del visitante, flota un cubo de 240 x 240 centímetros formado por 3.968 piezas, de las cuales 1.250 son de cerámica vidriada en verde y manganeso, técnica utilizada en el califato cordobés que ha sido traída a la contemporaneidad.

Kuchu no Hako ha sido posible gracias a una campaña de micromecenazgo en la que han colaborado 250 personas, y como recompensa se ha repartido una edición limitada de piezas cerámicas, hechas por Hisae Yanase y Antonio I. González, junto a 100 colgantes y broches conmemorativos.

La Escuela de Arte ‘Dionisio Ortiz’ se ha convertido en el laboratorio donde se ha producido Kuchu no Hako. Con la presencia de Hisae Yanase, alumnos de distintos ciclos y las profesoras Trinidad Murillo, Maruja Losa, Mónica Rivas Lee, Pepa Anguiano, Valle Sillero y Yolanda Puche han trabajado las piezas cerámicas.

Con motivo de la instalación de Kuchu no Hako se ha programado un ciclo paralelo de conferencias y mesas de debate sobre cerámica, patrimonio, arquitectura y arte contemporáneo.

Siempre me gusta mirar el interior de las cosas, soy muy curiosa. Una vez montado el cubo, me metí debajo para mirar en el interior y vi unas mariposas blancas que vuelan en busca de las nubes. Es como un deseo para el futuro, buscando no se sabe dónde, sin dirección concreta… un viaje nuevo a otra vida. Allí debajo, me dije que eso era lo que yo estaba buscando. Hemos hecho mucho esfuerzo, y el regalo ha venido cuando me he metido dentro.

Hisae Yanase Sudho dirección

Desde la presentación de la idea, hemos apoyado un proyecto muy relacionado con la propia analogía que queremos crear, desde los Amigos de Medina Azahara, entre el arte califal y el arte contemporáneo. El resultado ha sido muy bueno, estamos muy satisfechos, de todo: del proceso y de la gestión de este. La intervención tiene verdadero carácter colectivo desde el origen hasta su terminación. Creo que debemos felicitarnos todos.

Juan Serrano Muñoz artista colaborador

Ha sido sobre todo un proceso vivencial y de aprendizaje muy importante. Trabajar con profesionales de distintos campos con los que nunca lo habías hecho y ver con sorpresa como todo resultaba fluido, y cada uno asumía de manera natural sus responsabilidades. En lo colectivo, se ha conseguido establecer nuevos cauces de comunicación entre instituciones y ciudadanía a través de la cultura.

Pedro Caro González dirección

Es el resultado de un trabajo colectivo, y ha supuesto un esfuerzo para todos, sobre todo para los que normalmente trabajamos individualmente.

La característica importante del cubo es que es movible, no está adosado a un muro, algo que casi siempre se aplica a las piezas cerámicas. Es algo etéreo, frágil, sonoro, cambiante con la propia naturaleza y tiene movimiento, como algo vivo… más que una escultura, es una atmósfera que te evoca cosas diferentes.

Antonio Ignacio González Pedraza artista colaborador

Desde el principio, el proyecto Kuchu no Hako despertó en mí sentimientos distintos: la nostalgia de una cerámica que había investigado en mis primeros años en Medina Azahara, la expectativa, con cierta incredulidad, por un trabajo colectivo tan complejo. Creo que el resultado, pero sobre todo el proceso, disipan cualquier duda: Kuchu no Hako es una muestra perfecta de trabajo en equipo, de compromiso de la sociedad con Medina Azahara y de cómo determinados lenguajes artísticos de nuestro pasado pueden estar plenamente vigentes.

José Escudero Aranda dirección

Los bocetos y las pruebas de taller me hicieron querer participar en el proyecto aun sin ser parte de Amigos de Medina Azahara. Por mi oficio, tengo que coordinar equipos formados por obreros; esto era distinto, eran artistas, arqueólogos o arquitectos. Eso me ha hecho ver el grupo como algo más completo, una unidad que a ratos te hace herrero, arquitecto o artista, coordinar mientras eres coordinado. Creo que somos el ejemplo de que en Córdoba se pueden hacer cosas.

Juan Pablo Lucena Gómez coordinación

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La oportunidad de disfrutar de un proceso en el que Medina se ha pensado desde el presente; de compartir, durante los días de montaje, de la ocupación del patio del museo, convertido de repente en un taller en el que todo se ordena, se despliega y se clasifica. El centro del sitio durante esos días, hacia donde miraban los visitantes sorprendidos del despliegue de piezas y de personas haciendo; de disfrutar ahora del regalo en el patio.

Ana Zamorano Arenas ciclo de conferencias Desde los primeros momentos he tenido la conciencia de que las sucesivas discusiones que se generaban terminaban dando lugar a una solución siempre mejor y más rica, incorporando más puntos de vista, sin perder su sencillez.

Me gusta que el resultado sea imagen especular del proceso: múltiples elementos que terminan encajando para alumbrar algo nuevo.

Manuel Pedregosa Cruz consultoría técnica Ha sido una gran satisfacción participar y hacer de mediadora entre Hisae y los alumnos de nuestra Escuela de Arte ‘Dionisio Ortiz’, que visitaron su taller y vieron la maqueta que había realizado. La idea ilusionó desde el principio y despertó las ganas de colaborar, y no solo en los alumnos de Cerámica, también se han sumado de los ciclos de Vaciado, Joyería y Escultura; incluso algunas compañeras venían acompa-

ñadas de sus niños. Todos han aportado su granito de arena en un estupendo clima de trabajo. Ha sido emocionante ver como poco a poco la idea tomaba forma y conseguir entre todos algo tan bello.

Trinidad Murillo Medrano taller de cerámica E. A. Dionisio Ortiz Analizado como un gran puzzle, bajo la dirección de Hisae Yanase y Pedro Caro, hace evidente la suma de visiones, conocimiento e ilusión en el desarrollo de cada fase del proyecto colectivo Kuchu no Hako. Mi aportación desde la documentación propone una mirada a tres bandas desde la propia configuración de la escultura, las personas que la trabajan y la arquitectura del lugar. La palabra y las imágenes del conjunto arqueológico complementan de forma didáctica los objetivos de esta experiencia.

Miguel Ángel Moreno Carretero documentación audiovisual Un sí. Fue en 1966, en Inglaterra. Alguien me habló de ese gran evento, de una artista japonesa ‘avant-garde’ que llegaba desde los Estados Unidos. Estaba echando un vistazo en la galería y vi una escalera y me subí a mirar por un catalejo que estaba en la parte superior -te sentías como un tonto- y sólo decía “Sí”. En ese tiempo, todo lo ‘avant-garde’ era destrozar un piano con un martillo y romper una escultura y ser anti-, anti- anti- anti. Todo era negativo y aburrido. Y sólo ese “Sí” me hizo quedarme en esa galería llena de manzanas y clavos. (Entrevista con John Lennon y Yoko Ono. Playboy, David Sheff. Septiembre 1980).

Juan Bolaños Jurado comunicación

© Fotos: Miguel Ángel Moreno Carretero

Banco de Alimentos Medina Azahara de Córdoba

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ENTREVISTA

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“Estoy recibiendo mucho aprendizaje de jóvenes que han dejado de lado la actitud melancólica” Juan Serrano Muñoz Artista, arquitecto y agitador Juan Serrano Muñoz (Córdoba, 1929) es uno de los miembros fundadores del Equipo 57, colectivo reconocido, entre otras distinciones, con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio Pablo Ruiz Picasso o el Premio Blanco White, concedido por el Consejo Andaluz del Movimiento Europeo.

El Equipo 57 trabajó una consecuente teoría plástica, vinculada principalmente a la pintura.

Apasionado por el diseño y por el mobiliario, en su obra plástica, con un predominio de lo óptico, Juan Serrano siempre busca una participación activa del espectador. Como arquitecto municipal trabajó en la Oficina del Casco Antiguo y realizó obras urbanas como el proyecto de peatonalización del bulevar Gran Capitán. En 2012 fue distinguido con el Premio Santo Tomás de Aquino de la Universidad de Córdoba. Desde 2014 preside Amigos de Medina Azahara.

Juan engrana suavemente su mensaje, analítico y de lúcidas conclusiones; palabras que conectan con las generaciones más jóvenes de artistas y gestores culturales.

MAGDALENA MADUEÑO / RAFAEL SILLERO

© Foto: Anna Freixas

Los jóvenes tienen la suerte de poder recibir su mensaje, como sucedió en las jornadas Pause que se celebraron en Combo.

Cuando me miro, cada vez más, me veo pequeño, con incertidumbres y dudas, con menos certezas. Trato de no tener memoria, de que no me hipoteque el pasado… ni el Equipo 57, ni que fui veterinario, arquitecto o músico en mis ratos libres. No soy una persona, en mí mismo, acabada, aunque me vaya a acabar, por supuesto, porque dice alguien que la bala que viene no la puedes esquivar. Quiero leer para poder olvidar, no para contar algo que ya está dicho o escrito. Olvidar es muy importante para no repetir, para dejar sitio a nuevas realidades. Debemos decir las cosas que son necesarias, no las superfluas; en la medida que podamos, no hay que repetir lo que hemos dicho antes.

Tenemos la oportunidad de hacer cada

momento válido para seguir pensando en nuevas interrelaciones.

Estoy recibiendo mucho aprendizaje de jóvenes que han dejado de lado la actitud melancólica del artista. El movimiento moderno son ellos. No es darle a la juventud una categoría por ser jóvenes, no es solo eso El pensamiento lo construimos, y yo me siento con ellos y digo: ¡vamos a contarnos cosas! Es hora de que viejos y jóvenes tiremos para adelante. ¿Siente que se ha vuelto a conectar con la idea de colectividad en torno al arte que defendía el Equipo 57?

Pepe Duarte y yo salimos del barrio de San Pedro, donde vivíamos, y nos fuimos a París; estuvimos con Picasso, recogimos periódicos para poder subsistir y hacíamos pintura de brocha gorda. En aquel ambiente que se respiraba, entre los artistas y la política, es-

taba el fermento revolucionario. Aquel manifiesto que hicimos contra las galerías, los museos, y contra todo, era reflejo de una conciencia; aquello de “¡artistas uníos!” era lo que vivíamos allí. Después estudio arquitectura y me olvido de aquel ambiente bohemio,

“El arte está en esa situación de querer inmiscuirse en los entresijos de la sociedad, de llegar a otras facetas y hacer propuestas más diversas” que no creo que lo fuera tanto aunque se confunda lo bohemio con eso. Entro en otro mundo y no tenía intención de volver al arte. Estuve once años en el Ayuntamiento de Córdoba como arquitecto. Al jubilarme, casi sin darme cuenta, empecé a hacer las maquetas y se empeñaron en que hiciera una

exposición en Sevilla. Salgo un poco de mi ensimismamiento y, sin estar del todo metido, empiezo a implicarme.

He visto como el arte ha pasado de la pretensión de hacer obras de arte a crear situaciones para que las personas hagan de su vida una obra de arte. Ya no es el objeto, ni construir. Ya no son las galerías, ni los museos… El arte está en esa situación de querer inmiscuirse en los entresijos de la sociedad, de la vida… de llegar a otras facetas y hacer propuestas más diversas.

Aunque suene simple, podríamos decir que el Equipo 57, con su potencial teórico, tenía una combinación muy poderosa de ingenuidad e intuición para conseguir que el arte formara parte de lo social.

En muchos casos, esa ingenuidad, y humildad, tiene una conexión con el sentido de la dignidad, de la independen-

ENTREVISTA

cia… algo muy importante para decir que nadie debe involucrarse en lo que en el fondo no quiera. Esa ingenuidad, que no tiene nada que ver con ser bobo, proviene desde un trabajo de la conciencia; requiere el esfuerzo de estar vivo, escuchar atentamente y querer aprender.

El arte, en determinados momentos, puede aliarse con el sentido de la naturaleza, la vida, la idea de que somos un proceso, parte de algo, un eslabón de la cadena un sentimiento que es más obvio en el trabajo del artista enfrentado a

“Anteriormente los pintores eran simples sirvientes, pero en aquel arte puedes descubrir que ya había innovaciones” su obra. Puede ser que lo más próximo a la vida sean los intentos del arte por parecerse a ella, aunque en muchos casos el arte sea solo el escaparate de la vida.

Dar lugar o De paso, dos de sus últimos planteamientos artísticos, anteponen el nosotros al yo, ¿pero cree que ese mensaje es el que se relaciona con la idea de colectividad que se promueve en la sociedad?

Cuando hablamos de Cultura, estamos suponiendo que en la sociedad hay gente culta y gente inculta, y que para llegar a entender el arte hay que tener cierta cultura. Desde esa distinción, lo que yo intento hacer es un acto que despierte la capacidad de sentir, no el conocimiento. El primer mensaje es que el arte no está hecho para ser entendido, sino para ser sentido. Aceptar que te digan qué es una obra de arte, porque valga muchos millones o lo que sea, implica una actitud reverencial.

Cuando alguien dice me gusta o no me gusta, esas expresiones que a veces despreciamos, está tomando conciencia de su capacidad de individuo para revelarse a ser un instrumento de los mensajes que nos vienen dados para convertirnos en masa, en gente anónima.

Nos formamos en la colectividad, pero parece que para vivir colectivamente hay que pagar un precio: cuando surge una colectividad hay algunos que cogen el poder, crean súbditos en el caso de los gobiernos y fieles en el caso de la religión, y a veces se aprovechan de los más débiles. De ahí surgen doctrinas, como el nazismo, que llegan aleccionando a masas aterrorizadas incapaces de pensar individualmente.

Yo no quiero luchar contra el indivi-

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duo, quiero respetar al individuo.

Recordando las teorías de la Gestalt, un yo consciente, de sí mismo y de lo que le rodea. ¿Cómo haces de tu vida una obra de arte o influyes para que alguien haga algo así? La toma de conciencia, de tu propia conciencia, es la que hace de tu vida una obra de arte. Cuando pensamos que somos parte de la naturaleza, vienen en consonancia pequeñas cosas extraordinarias: una conversación, tomar café, compartir lo que nos enriquece a eso le llamamos vida con mayúscula, es algo que nos quita pesadumbre.

Sentir que tú eres yo y yo soy tú es una inmensidad superior a mi propio yo.

Por otro lado, no hay que renunciar a ese yo, un yo amable, que es ofrecido, aceptado y compartido. ¿Dónde ha quedado la soledad del artista?

La razón de que yo me ponga a hacer maquetas es el homo faber que todos tenemos dentro… tengo que estar haciendo cositas. Desde mi soledad también he recuperado aquel sentido de lo colectivo, y he percibido que hay personas confluyentes con lo que he vivido antes.

El arte se hace preguntas de tipo trascendente, y el artista debe estar siempre buscando, indagando, sin pensar en su arte como mercancía a su manera, encontrando respuestas a las incógnitas. El concepto de artista es algo relativamente moderno, ya que anteriormente los pintores eran simples sirvientes que hacían una función

les era aquel. Sin embargo, Fernando Carbonell, al que apoyó el Equipo 57, puso en marcha aquellas exposiciones de arte contemporáneo, trayendo artistas y escritores de Madrid. Se decidió hacer cosas y se hicieron. En el Círculo de la Amistad se empieza a gestionar el mundo de la cultura, pero de manera muy desconectada de la ciudad. El Equipo 57 tenía contacto con Carlos Castilla del Pino y Rafael de La-Hoz, dos hombres de diferente ideología.

Rafael conectaba muy bien con la sociedad cordobesa de entonces.

Y después de estos 60 años...

Yo estaba en Montmartre cuando fue lanzado el Spútnik, en octubre de 1957, y creí que todo iba a cambiar. Se sentía la aspiración general de ir mejorando después de tres guerras seguidas.

Ahora tenemos Internet y las nuevas tecnologías, que han hecho nuestro mundo más abarcable. La evolución

“Pienso que mi implicación debe ser para generar situaciones, aglutinar a gente independiente y a los artistas jóvenes” artesanal; pero en aquel arte puedes descubrir que ya había innovaciones.

Por encima de épocas y técnicas, hay un pensamiento que es terreno propio de la misma razón de ser del arte.

Hace un año se inauguraba 60 años de arte contemporáneo en Córdoba. Más allá de las propuestas y creadores que surgieron en los años 50, ¿existía una conexión real entre la cultura y la sociedad?

Los acontecimientos modernos se favorecieron desde el Círculo de la Amistad, y si había un lugar que simbolizaba la fricción entre clases socia-

© Foto: Anna Freixas

científica y tecnológica no ha ido paralela al avance en las relaciones humanas. Todavía queda pendiente una revolución desde el arte, que en ocasiones ha sido demasiado servil. Decía Oteiza: “una solución estética es una solución política”, ¿nos lo creemos?

En Córdoba tenemos un déficit de la sociedad en cuanto a la aceptación de la cultura moderna. Quizá sea porque hay un predominio de la memoria

“Jóvenes de la provincia llevan el arte contemporáneo a sus pueblos… un germen para que las cosas puedan ser de otra manera” que dificulta la acción y nos hace propensos a una actitud melancólica. El arte contemporáneo está muy aislado en el consenso general de la ciudad, está poco favorecido. Con el tema del

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ENTREVISTA

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2016, estuvimos denunciando que eligieran el proyecto de San Sebastián, pero nuestro proyecto era conservador, de patrimonio y pasado, mientras pensábamos que toda aquella movida nos iba a salvar económicamente. San Sebastián tuvo un proyecto de personas jóvenes con un planteamiento nuevo.

El colectivo de la ciudad debe ir progresando, y eso no ha pasado. En Córdoba se han hecho cosas modernas, proyectos y arreglos, pero parece que la sociedad está en una etapa de regresión en la que impera el pensamiento folclórico por encima de las nuevas formas que deberían corresponder al siglo XXI. Puede haber una convivencia de pensamientos, pero no una suplantación de los movimientos contemporá-

“Trato de no tener memoria, de que no me hipoteque el pasado… ni el Equipo 57, ni que fui veterinario, arquitecto o músico en mis ratos libres” neos. Todo parece que se tuviera que poner al servicio del turismo, como única fuente de riqueza. La productividad de la ciudad está paralizada, a estas alturas constatamos que lo que era un polígono industrial es solo un almacén y no todo hay que achacarlo a la crisis.

Estamos vendiendo mal la ciudad. ¿Estamos vendiendo un escenario?

Un escenario convertido en pastiche. No me parece bien que los ayuntamientos de izquierdas que han

ido pasando hayan apostado por eso; pero, cuando cogen el poder, todos se parecen.

Años atrás, pensábamos en lo público como un modo de protección a las iniciativas culturales. Después de la hecatombe, sin presupuesto para casi nada, ¿qué papel deben adoptar las instituciones?

Las instituciones son estructuras de conquista social, y no son carcas en sí mismas. Están ahí, representan un valor y hay que preservar su existencia. Han sido los propios dirigentes los que han contribuido al desprestigio, metiendo a esa gente chunga. En el tema de Cataluña, por ejemplo, los discursos de Mas y Rajoy se retroalimentan; han sido primos hermanos hasta ahora y de repente uno se quiere ir… Si eligieran a la mejor gente, las instituciones públicas serían buenas en sí y no surgirían algunos conflictos. Por todo esto, la institución depende de que la sociedad reclame que las cosas funcionen bien y lo más democráticamente posible.

En el Equipo 57 hablábamos de la colectividad en el arte, siendo artistas; pero ahora, desde el arte, hay personas haciendo cosas en la provincia de Córdoba, implicándose en la gestión y en mucho más.

Al hilo de esto, recuerdo cuando llamó revolucionarios a los artistas y gestores que dan forma al programa Periféricos.

Ellos promueven su propuesta

© Foto: Anna Freixas

Banco de Alimentos Medina Azahara de Córdoba

de hacer de nuestras vidas una obra de arte o el “cada hombre, un artista” de Joseph Beuys.

El arte como estrategia, como proceso de vida, es más interesante que como producto.

Antiguamente, el arte explicaba el Evangelio a las personas que no sabían leer, pero la incultura se mantenía al pueblo no había que enseñarle demasiado. Estos jóvenes de la provincia llevan el arte contemporáneo a sus pueblos. Ahí está el pensamiento libre, conectado con la realidad en la que viven ellos, alejados de lo urbano. Hay un germen para que las cosas puedan ser de otra manera frente a los aparatos establecidos. Hemos vivido en una sociedad complaciente, cómoda, demasiado estable; y esa tranquilidad es peligrosa. El arte debe ser un revulsivo para las conciencias.

Volviendo a las instituciones, su opinión ha sido requerida en más de una ocasión en relación al C4. ¿Cuál sería un proyecto de futuro acertado?

Es importante que sea regido por personas con una mentalidad abierta, que sirva como lugar para el arte y el debate, un sitio de confluencia donde surja la posibilidad de poder contar en lo que cada uno está trabajando. En este momento toca hacer visibles a todos los que están moviéndose. A través de todo esto debe fluir el pensamiento y las respuestas transformadoras.

Eso sí crearía ciudad.

Eso crearía ciudad, pero no será posible si aquello se convierte en lo que quiera un político. Debemos implicarnos en las decisiones políticas, desde el conocimiento y la cultura, pero con independencia y rigor. Los partidos políticos tienden, con mucha frecuencia, a ejercer funciones de “partido”, de donde derivan ideologías que no son nada más que la simplificación de realidades. Antiguamente nos decían que implicarse era adquirir compromiso con la izquierda, a mí me vinieron del Partido Comunista y dije que no… luego me he alegrado de no haber tomado compromiso con una ideología determinada de partido.

Recientemente ha cedido la obra De paso a la Universidad de Córdoba, ¿ve más inclinación de la UCO por la cultura contemporánea?

Algo estoy notando y por eso he cedido la obra, con la que están muy

contentos. Eulalio Fernández, decano de la Facultad de Filosofía y Letras, ha propiciado que tenga allí algunas esculturas. Estoy intentando que se lo crean, hay que apoyarlos, que vayan asumiendo el amparo al arte contemporáneo.

Dar lugar se metió en el Conservatorio Músico Ziryab con calzador.

Hubo profesores que ni bajaron. Llegó Gómez Villamandos, rector de la Universidad de Córdoba, y preguntó qué íbamos a hacer con aquello… Elena Lázaro propuso que se lo quedara la Universidad de Córdoba. Todo viene reconducido por los jóvenes, como Elena, que propician que pasen cosas. El día 11 de diciembre, en el Rectorado, habrá una performance de Antonio Gil, con danza de Irene Lázaro, sobre aspectos de la obra de John Cage.

El colectivo Amigos de Medina Azahara cada vez está más activo, ¿qué nos puede contar de estos años de recorrido?

Le he dado muchas vueltas al coco al tema de los Amigos de Medina Azahara. Empezamos a meter la idea de la contemporaneidad en la tradición, intentando que se vieran como mundos

“Me siento con ellos y digo: ¡vamos a contarnos cosas! Es hora de que viejos y jóvenes tiremos para adelante” que no están separados. Estamos en continuo proceso de transformaciones silenciosas, la vida en sí lo es llega el momento en el que te miras en el espejo y te preguntas quién es ese tío. Yo he dado un giro y pienso que mi implicación debe ser para generar situaciones, aglutinar a gente independiente y a los artistas jóvenes; que se sepa que eso está ahí y que es algo importante. ¿Qué ha pasado con Kuchu no hako, por qué han intervenido tantas personas? Ahora te dicen que no se puede hacer nada porque no hay dinero, pero allí todos se han sentido implicados y han hecho posible aquello… eso les ha dado felicidad.

El arte contemporáneo debe ir desvelando esa cultura no oficial, implicándose en la ciudad. Hay que intentar no hacer discurso político, sino desde la ciudadanía, con la posible superación de antecedentes negativos. Todo esto se puede conseguir con movimientos ciudadanos, entre los que Amigos de Medina Azahara pretende incluirse.

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EXPOSICIÓN

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Salvador Montó

El cine como evocación “Las ciudades son un conjunto de muchas cosas: memorias, deseos, signos de un lenguaje; son lugares de trueque, como explican todos los libros de historia de la economía, pero estos trueques no lo son sólo de mercancías, son también trueques de palabras, de deseos, de recuerdos.”

Italo Calvino, Las ciudades invisibles

A lo largo de muchas de sus conferencias y charlas, Italo Calvino (1923-1985), presentó su novela de ficción Las ciudades invisibles (1972) como una serie de relatos de viaje que Marco Polo hace a Kublai Kan, emperador de los mongoles, a quien el mercader veneciano le cuenta cómo eran las ciudades que encontró a lo largo de su viaje a China cuando acude como embajador de la corte mongola. Esta sucesión de relatos y descripciones de ciudades, fantásticas y atemporales todas ellas, sirven a Calvino para reflexionar en muchas ocasiones sobre la ciudad moderna, la cual como señaló el propio escritor en algunas ocasiones, “cada vez se hace más difícil vivirla como ciudad”.

Kublai Kan, consciente de su existencia dentro de un mundo que avanza a pasos cada vez más agigantados, atiende con interés a las palabras de Marco Polo, basadas en descripciones maravillosas de partes, elementos arquitectónicos, costumbres y vivencias ocurridas en cada una de las ciudades vividas. De esta manera, a modo de pequeños relatos como si de cortometrajes se tratara, el emperador mongol es testigo de una serie de narraciones puramente subjetivas que ofrecen una visión muy personal basada en los recuerdos y la memoria del narrador, pero que fascinan al Kan, puesto que estas historias eran complementadas mediante gestos, saltos, gritos y explicaciones con objetos. Eran interpretadas.

Al igual que Marco Polo en Las ciudades invisibles, el ser humano no está capacitado para recordar los lugares tal y como se nos presentan a la vista, sino que destacamos aquello que más nos ha llamado la atención, atendiendo a juicios estéticos, vivencias y sensaciones personales. Por tanto, la narración de lo vivido es una reconstrucción que hace la memoria mediante la sucesión de una serie de imágenes aglutinadas en nuestra mente por diversos motivos. Es decir, cada persona tiene una visión o recuerdo puramente subjetivo de lo que ha vivido, ya que como afirma Kant, la objetividad no tiene cavidad en los juicios estéticos, puesto que si estos se basaran en leyes objetivas, habría que inventar unos principios generales que los rijan (Crítica del juicio, 1790) y está muy claro que no es el caso.

Son muchas las fuentes literarias a lo largo de la historia en las que confluyen descripciones de un mismo lugar, el cual es distinto en todas ellas, dependiendo de quién y cómo las cuente. Incluso en otras manifestaciones ar-

Nueva York. Mamma Mía! Acrílico s. lienzo. 100x100 cm.

tísticas como la pintura o incluso la fotografía ocurre igual. Hasta la llegada de la cámara cinematográfica, el ser humano ha conocido el mundo mediante los ojos o el intelecto de otros, ya que incluso aunque la fotografía pudiera captar la realidad tal como se presenta al ojo humano, solo lo hace de una parte estática, dejando una gran cantidad de información fuera del encuadre. Sin embargo, la llegada del cine va a cambiar de forma radical la manera de entender el territorio y la ciudad, puesto que en cuestión de segundos puede aportar una gran cantidad de información sobre un determinado lugar. El propio Walter Benjamin, ya fue consciente en su día de la capacidad que podría llegar a tener la imagen cinematográfica, “capaz de expresar con medios naturales, lo mágico, lo maravilloso, lo sobrenatural” (La obra de arte en la épo-

ca de la reproductividad técnica, 1936).

Tras cinco temporadas ausente, Salvador Montó (Valencia, 1963), vuelve a la Galería Carmen del Campo con una exposición titulada Memorias de cine, para mostrar esos momentos en los que un determinado fotograma lo ha trasladado a una de las tantas ciudades en las que su pintura se ha convertido en la mejor herencia del viajero inconformista, que busca experiencias, momentos y lugares. En Memorias de cine, podemos asistir a esos instantes localizados en los que películas como Desayuno con diamantes (1961), Erase una vez en América (1984) o La gran belleza (2013) han trasladado a Salvador Montó a las calles de New York, Roma o cualquier otra ciudad. El propio autor reconoce que no todas las películas en las que ha trabajado para esta serie de obras tienen la misma importancia: “algunas son de un gran

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EXPOSICIÓN

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París. Le Ballon Rouge. Acrílico s. tabla. 25x35 cm.

valor, como ese libro que cada vez que vuelves a leer te enriquece, aunque sepas de antemano como se desarrolla el argumento. Otras, mucho más prescindibles, pueden estar cargadas de concesiones y tópicos, pero aún así, en ocasiones te sorprenden con una escena, que sin saber muy bien si es la música, el color, el lugar o todo en sí, te hace volver allí de nuevo…”.

Aunque es innegable la inspiración cinematográfica en algunos de sus anteriores trabajos, en esta ocasión, Salvador Montó, va más allá, señalando que película o que escena concreta es el origen de cada una de sus pinturas. La elección del tema pues, está plan-

Venecia. El talento de Mr. Ripley. Acrílico s. lienzo. 50x70 cm.

teando un diálogo entre artista y observador, en varios planos y de manera simultánea. A la hora de observar alguna de las obras, hay una primera lectura estética y otra emocional, ambas juntas son la expresión directa de la sensibilidad del artista. Al enseñarnos la referencia cinematográfica de la que parte, nos está mostrando al menos una gran parte del origen del

proceso creativo.

El cine actúa en esta serie de piezas como desencadenante de recuerdos y emociones, como vehículo mágico para desplazarnos una y mil veces a lugares y momentos vividos con anterioridad, o puede que vividos por anticipado como el oyente de Marco Polo, antes de tener una experiencia real. El diálogo que se plantea resulta siempre enriquecedor, ya que en muchas escenas el artista juega con conceptos y simbolismos extraídos del cine y de la propia realidad, para de una manera no tan obvia contarnos lo que nos quiere expresar.

La ciudad siempre ha supuesto un espacio idóneo para el discurso cinematográfico, estando conectada a este prácticamente desde sus inicios. Es el perfecto escenario en el que ubicar el drama social. En muchos casos la condición espacial influye notablemente en la consideración del propio espacio urbano. Esto ocurre en ciudades como París, Roma o New York en las que el cine, tomando a la arquitectura como modelo ha creado una serie de estereotipos o clichés, asociados al urbanismo y la distribución e incluso el aspecto de sus edificios.

Sobre este ámbito se desarrolla esta serie de obras de Salvador Montó en la se recogen una serie de piezas que intentan extraer una sensación personal de alguno de esos viajes que el cine devuelve al espectador en alguna de sus escenas, sin importar el nombre o la calidad de la película, a veces ocurre.

Las ciudades que se recogen en esta serie de obras, no son todas las ciudades del cine por excelencia, pero sí es verdad que son algunas de las más representadas. Inmensos e interesantes

platós de cine que ofrecen un millón de posibilidades narrativas y experimentales. Mediante una práctica figurativa más que consolidada Montó vuelve a demostrar su dominio en la representación arquitectónica caracterizada por una magnífica composición espacial y un trazo muy personal.

La presencia del vehículo en algunas obras, ya sea el coche o la motocicleta, además de hacer un guiño a algunos de los títulos sobre los que trabaja Salvador, como por ejemplo: Caro diario (1993), Manuale d´amore (2005) o Desayuno

New York. Breackfast at Tiffany´s. Acrílico s. lienzo. 40x70 cm.

con diamantes (1961) evidencia la importancia de estas “máquinas”, presentes en todo momento de nuestras vidas. En muchas ocasiones los vehículos en el cine constituyen una fuente importante de información para el espectador actuando como elementos culturales y simbólicos que nos sitúan geográficamente.

Al igual que Marco Polo, Salvador Montó se presenta en la galería como ese viajero ya experimentado que viene a dar nuevas sobre ciudades que un día descubrió y en las que su obra ha madurado, ofreciéndonos al mismo tiempo una vi-

Roma. Caro diario. Acrílico s. tela. 30x40 cm.

sión común a todos, dada por la cultura cinematográfica, condicionante importante del imaginario colectivo de la cultura visual del siglo XX y XXI. Es ahora labor del espectador descubrir estos lugares que se nos narran y realizar una búsqueda propia.

“De ahora en adelante yo te describiré las ciudades” dijo el Khan, “en tus viajes verificarás si existen”.

Italo Calvino, Las ciudades invisibles

Roma. La gran belleza. Acrílico sobre tabla. 19x40 cm.

Sergio R. Arjona

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EXPOSICIÓN

Salvador Montó pinta a la memoria visual GALERÍA CARMEN DEL CAMPO Salvador Montó. Memorias de cine Del 16 de diciembre al 9 de enero de 2016 A pesar de haber tratado diversas temáticas a lo largo de su trayectoria, Salvador Montó es pintor de lo urbano. Tras una etapa inicial centrada en la pintura simbolista, su atracción por el paisaje urbano o la arquitectura en general, es resultado de una evolución a lo largo de los años.

De una manera prácticamente natural, su interés evoluciona y se centra en el paisaje real y en concreto en aquel que refleja la huella o el impacto del hombre. Así, como él mismo señala: “al tomar referentes reales, me di cuenta que partir del trabajo previo de los arquitectos, de los urbanistas o simplemente del desarrollo azaroso de la ciudad, mi pintura era mucho más enriquecedora”.

En definitiva el hombre es el gran protagonista de su obra. Aunque durante años eliminó su presencia de forma consciente, este siempre ha estado presente de forma indirecta. Luego, paulatinamente, su presencia se hizo habitual, pintando su figura inserta en el urbanismo de algunas ciudades.

Su última serie de obras, Memorias de cine ha supuesto un enorme reto para Salvador, al mismo tiempo que una gran satisfacción. Como él mismo señala, “se trata de un trabajo apasionante”, puesto que se basa en una de sus grandes pasiones, el cine, el cual considera la manifestación artística más importante de nuestro tiempo.

Desde la pintura y fiel a su estilo, este nuevo conjunto de obras aborda a una serie de películas que en palabras del autor: “provocan una huella estética trasladándote a momentos ya vividos”.

Aunque ha supuesto un proceso creativo trepidante, también ha conllevado una gran responsabilidad puesto que la muestra se lleva a cabo en dos espacios expositivos: la Galería Carmen del Campo (Córdoba) y la Galería Haurie (Sevilla), con todo lo que ello conlleva. Para ello Salvador ha tenido que producir una gran cantidad de piezas, las cuales ha tenido que distribuir equitativamente entre los dos espacios, compensado el discurso entre ambas galerías.

Salvador Montó, (Valencia, 1963). Tras años exponiendo sus obras en diversas salas y galerías, en 1992 su carrera artística da un giro cuando obtiene la Medalla de Plata del Certamen Nacional de Pintura de Salamanca. Desde ese mismo año su carrera ha experimentado un importante auge, obteniendo el primer premio en certámenes de pintura como Caja Madrid, Osborne, Caja de Extremadura, Caja Guadalajara, Adolfo Lozano Sidro o la Fundación Agentes Comerciales de España; también la Medalla de Honor, en el prestigioso premio de pintura BMW, en los años 1993, 1996, 2000 y 2002. El salto al panorama internacional lo da en 1995 exponiendo en la Galería Boheme en Miami (USA). Desde entonces Salvador Montó ha expuesto en ferias de arte internacionales y exposiciones colectivas, en ciudades como Londres, Estrasburgo, Siegen, Buenos Aires, Berlín, Roma, Milán, Bruselas, Gante, Cracovia y Verona. Desde su primera exposición individual en el año 1992, hasta la actualidad ha expuesto de forma regular por algunas de las principales ciudades españolas, como Madrid, Barcelona, Bilbao, Sevilla, Gijón, Valencia y Córdoba entre otras. Sus obras se encuentran en colecciones e instituciones de prestigio, tales como la Colección de los Duques de Alba, Patrimonio Nacional, Colección Caja Madrid, Colección Caja Sur, Fundación Goerlich, Colección Osborne, Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife o La Colección de El Corte Inglés entre muchas otras.

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EXPOSICIÓN

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El dibujo puede flotar GALERÍA CARMEN DEL CAMPO Marta Morón Canis. Aguas Del 13 al 30 de enero de 2016 piezas, caracterizadas por la sutileza y el dominio de la técnica por parte de la autora. La diversidad de formatos y tamaños será otra característica clave de la muestra, en la cual se experimenta un interesante diálogo con el espacio expositivo, jugando de esta manera no solo con las paredes de la galería, sino también con la luz, y el color.

Los materiales son quizás una de las grandes aportaciones ya que la creación de algunas piezas ha llevado a Marta a un interesante proceso de investigación en torno al material y las diversas formas de aplicarlo sobre la superficie pictórica. Sin lugar a dudas Aguas será una de las grandes sorpresas que nos depara el próximo año 2016, de la mano de una de las artistas más interesantes de la ciudad.

María Blanco Ruiz

Algunas especies vegetales acuáticas tienen la peculiaridad de ser libres, caso excepcional en el mundo vegetal. Esto quiere decir que no están sujetas a ningún medio terrestre, quedando a la deriva en el agua, en la que desarrollan sus funciones vitales, tanto en su parte vegetativa como reproductiva.

Desde su práctica artística Marta Morón Canis lleva a cabo esa libertad de la que hablamos, en la que no existe sujeción a ningún tipo de formato, técnica o temática. Su obra, prácticamente inédita hasta el momento se caracteriza por la diversidad, la frescura y la delica-

deza, aunque siempre sujeta al dibujo.

Aguas es el título de la muestra que la artista Marta Morón presentará en la Galería Carmen del Campo desde el próximo trece de enero al treinta del mismo mes. Esta exposición está formada por una serie de dibujos en los que la naturaleza es el objeto principal de estudio.

Plantas acuáticas y especies animales se confunden en una serie de piezas en las que una reducida gama cromática da lugar a interesantes composiciones orgánicas. Modelos cogidos del natural son trasladados a una gran variedad de © Fotos: Juan Ramón Cameros Pardo

carmen del campo galería de arte Os invitamos a conocer nuestro nuevo espacio expositivo. Plaza de chirinos, 4 De lunes a viernes: de 10:00 a 13:30 y de 17:00 a 20:30 Sábados: de 11:00 a 14:00 Domingos: cerrado

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CÓRDOBA

Orive

Goval vuelve por Navidad

RSF

Desde 1991 Goval felicita las fiestas con una tarjeta dirigida a familiares, amigos y conocidos, al mismo tiempo que propone una reflexión. Del 16 de diciembre al 22 de enero, bajo el título Felicitaciones de Goval, el Palacio de Orive acoge una muestra que recorre más de dos décadas de trabajo.

Todo empezó con una tirada de unos 30 ejemplares, que con el paso del tiempo ha pasado a ser de 250.

Lo que aparentemente es el diseño, confección y posterior distribución de la tradicional tarjeta de felicitación de año nuevo, en realidad es el testigo de una performance donde lo expuesto son las muestras-residuos de la acción que dio comienzo en diciembre de 1991, continúa hasta estos

días y tiene vocación de seguir en el futuro. La felicitación también sirve como reflexión de los acontecimientos socioculturales acontecidos en los doce meses anteriores –haciendo un repaso, podemos descubrir que algunas tarjetas siguen hoy tristemente vigentes–. Goval numera cada serie de tarjetas, pero todas y cada una son originales, estando trabajadas individualmente, aunque el contenido conceptual sea común. En los últimos años, Susana y Begoña, hijas del artista, están colaborando en la tarea.

José Antonio Gómez Valera (Linares, Jaén; 1956), conocido por todos como Goval, se establece en Córdoba en los años noventa, ejerciendo como profesor de dibujo de Escenografía en la ESAD de Córdoba. Dibujante, ilustrador y creador plástico, su trabajo ar-

tístico está marcado por un profundo deseo de comunicación: el arte como herramienta de reflexión y transformación para la sociedad, con un papel fundamental del observador-lector. En la línea del pop crítico y político de algunas experiencias del arte español de los años sesenta, Goval utiliza elementos que proceden del mundo de la publicidad, la historia, la televisión y la propia iconografía de la Historia del Arte, tratando temas como la pobreza, la desigualdad, la religión o el dinero. El componente poético visual está muy presente en el lenguaje del artista, aliándose con la imagen encontrada para intervenir y construir el mensaje; Metáforas en-caja-das, exposición de la cuarta edición de Cosmopoética, nos da un ejemplo de esto.

Miembro co-fundador del co-

lectivo La Balalaica, el compromiso artístico y social de Goval se refleja en la coordinación del proyecto de arte en el espacio público de la calle Imágenes, en el que participan los vecinos.

La llave, 2014

Espacio Iniciarte

Juan López rastrea las afueras

© Juan López López

Del 10 de diciembre al 14 de febrero de 2016, en el Espacio Iniciarte de Córdoba, el artista multidisciplinar Juan López presenta En las afueras, proyecto que se compone de una parte expositiva y un largometraje. Iniciarte ya ha hecho públicas las propuestas selec-

cionadas para la siguiente temporada.

Hombres y mujeres como nosotros.

Casas como las que abundan en las periferias de nuestras ciudades. Palabras mil veces escuchadas a nuestro alrededor, pero no se trata de una representación realista. Los personajes no tienen nombre, el entorno suburbano podría pertenecer a cualquier población, los actos que se llevan a cabo se hacen morosos y solemnes. Estamos a la vez entre los mimbres de una tragedia clásica y perdida en una extraña representación de teatro contemporáneo. Tres parejas parecen convivir pero solo se miran y se tocan, como si no creyeran en nada de lo que ven.

En las afueras es una inmersión violenta en territorio salvaje, un estallido de energía sexual reprimida, la

Más ‘Córdoba luciente’ La exposición Córdoba luciente en sus fundaciones y museos, comisariada por Miguel Clémentson, ha retrasado su clausura hasta el 10 de enero de 2016. Una buena oportunidad para visitar las sedes que acogen la muestra –Centro Botí, Sala Vimcorsa y Sala Cajasur Gran-Capitán– y poder ver las 84 obras que, desde el siglo XVII hasta la actualidad, dan una idea del patrimonio artístico que atesoran los fondos de museos

e instituciones de la provincia de Córdoba –Diputación, Fundación de Artes Plásticas ‘Rafael Botí’, Cajasur, MBACó, Real Círculo de la Amistad, Centro Pepe Espaliú, Museo Lozano Sidro y Centro ‘Antonio Povedano’ del Paisaje Español Contemporáneo de Priego de Córdoba, Museo Garnelo de Montilla, Museo Rodríguez Luna de Montoro y Colección Benítez Mellado de Bujalance–.

estrepitosa irrupción en un espacio desconocido que se halla presente en las texturas y los pliegues de la representación; como si la sutura se hubiera descosido y salieran a la superficie todos los sentidos ocultos.

Juan López López (La Rambla, Córdoba; 1980) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y magíster en Cinematografía por la Universidad de Córdoba.

Creador multidisciplinar, en los últimos años se ha centrado especialmente en el lenguaje audiovisual, mostrando en sus obras una especial preocupación por los temas identitarios, sociales y políticos. Su obra videográfica tiene un tono estrechamente ligado a lo real bajo un prisma documental de cierta mirada fría y analítica, que precisamente la hace escapar de la realidad.

Sus relatos están llenos de orificios, compuestos casi con ritmo musical, alejados de los mecanismos de la narración convencional; acercando al espectador a situaciones incómodas aunque muy humanas. Sus obras audiovisuales han sido premiadas y reco-

nocidas en festivales de cine y certámenes de arte como Imagenera, Suroscopia, Alcances, Málaga Crea, Cosmopoética, D-Mencia, Mulier Mulieris, Rendibú, Videotalentos, Premio Pepe Espaliú, Eutopía, El Lugar Sin Límites o la Muestra del Audiovisual Andaluz.

Actualmente, Juan López dirige dos proyectos encuadrados en el programa Periféricos de la Fundación Provincial de Artes Plásticas ‘Rafael Botí’: Aptitudes en La Rambla y El Vuelo de Hypnos en Almedinilla.

Por otro lado, reseñar que ya se conocen los proyectos seleccionados que conformarán Iniciarte 2016, programa de la Consejería de Cultura para el apoyo al arte emergente. El Espacio Iniciarte Córdoba acogerá las muestras La comedia de la materia de Andy García Vidal, Otros espacios de Gabriela Mossutto, Harter. The enemy is me de Erika Pardo y Deforestación de Fran Pérez Rus. El artista montalbeño Demetrio Salces expondrá en la sala El Palmeral de Málaga dentro del proyecto, comisariado por Sara Blanco, Todos los lugares imaginados.

Grabados de Pellicer en el MBACó La sala I del Museo de Bellas Artes de Córdoba acoge, hasta el 21 de febrero de 2016, una exposición de grabados de Rafael Pellicer, considerado uno de los mejores grabadores del siglo XX. La muestra está formada por 21 piezas procedentes del Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella y de los fondos del MBACó.

Rafael Pellicer Galeote (Madrid, 1906-1963), hijo del escritor cordobés Julio Pellicer, siente desde pequeño una atracción especial por la pintura. Se matricula en la Escuela de Artes y Oficios de Córdoba y poste-

riormente ingresa en la Superior de San Fernando. Será discípulo de su tío Julio Romero de Torres, aunque no se influenciará de él. Su estética transcurrió por el sendero del realismo, en ese camino de “vuelta al orden” que se produjo en la España de la posguerra. Pellicer fue director de la Escuela de Paisajistas de El Paular, profesor de dibujo en la Escuela de Artes Gráficas de Madrid, académico de la Real Academia de San Fernando, catedrático de la Escuela Central de Bellas Artes y secretario del Círculo de Bellas Artes.

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CÓRDOBA

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La Cuba de Manuel Lama Hasta el 31 de diciembre, en la Galería Ignacio Barceló –sede de AFOCO en la calle Alcalde de la Cruz Ceballos–, se puede visitar la exposición La Cuba que me encontré de Manuel Lama. Una colección de fotografías que nos colocan en las calles y plazas de La Habana, en La Bodeguita, los timbiriches, las casas viejas con mecedora, nevera y ventilador; los retratos del Ché, los escolares de uniforme, los coches de antes del 59 que relucen con el señorío de antaño, figurantes que posan esperando un dólar y los músicos, siempre los músicos, porque Cuba es como un pentagrama vivo que va del clásico al son o del punto a la guajira. Ciudadanos que se las ingenian para sobrevivir al tiempo, escribiendo, con toda dignidad, la historia de un país.

Manuel Lama Baena (Cabra, Córdoba; 1952) se vincula a la fotografía

en los años 70, entrando en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Desde 1991 pertenece la Asociación Fotográfica Cordobesa (AFOCO), de la que es Socio de Honor, estando también en la Confederación Española de Fotografía y en la Federación Internacional de la Fotografía. Sus exposiciones individuales más recientes en Córdoba han sido Espacios eternos (Sala Orive, 2012) y Miradas serenísimas (Fundación Antonio Gala, 2014), además de sus muestras incluidas en las cuatro últimas ediciones de la Bienal Internacional de Fotografía. Entre el centenar de galardones obtenidos por Lama en diversos concursos, nacionales e internacionales, destaca el Premio Mezquita 2011.

La muestra puede ser visitada los lunes y jueves de 20 a 22 horas.

© Manuel Lama

Tony Soto en el recuerdo Muy triste fue la noticia recibida el pasado domingo 25 de octubre; Tony Soto, la incansable indagadora del color, había fallecido a consecuencia de una cruel enfermedad contra la que luchó durante sus últimos meses. Coruñesa de nacimiento, residía en Córdoba desde 1981, ciudad en la que ha ejercido la docencia artística. Tony eligió Córdoba, y muchos cordobeses han admirado a la mujer y pintora por su simpatía y talento. Solo era necesario acercarse a una de sus exposiciones, y conversar un rato con ella, para sentir su entusiasmo por la creación pictórica y el arte.

Se formó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Desde 1971, cuando participa en una primera muestra colec-

tiva organizada por la UNESCO, ha realizado numerosas exposiciones por la geografía española, mostrando su evolución pictórica. En el desarrollo de su lenguaje artístico, el color fue tomando más protagonismo, con una particular concepción del paisaje y la naturaleza. Una de sus últimas series ha sido Retratos, en la que Tony, entusiasta observadora, captaba el alma humana alejándose de una lectura literal, componiendo desde una personal gama cromática, jugando con los planos y las tintas, eliminando superfluidades para dotar al retrato de una realidad que sobrepasa la mera presencia del retratado. El escritor y poeta Francisco Lira describía Retratos como “un mundo que no es el de la reproducción mecánica, sino el de la práctica

pictórica que juega con la asimetría y la desemejanza de los rostros, y que la propia indagación se ha encargado de decidir”. La serie Retratos fue mostrada en la Sala Góngora Arte (Córdoba, 2013).

El equipo de CÓRDOBAexpone quiere mandar sus condolencias a los cercanos de Tony, a tantos amigos que dejó por aquí, y en especial a Pisco Lira.

Las amigas de Tony Soto. Óleo s. lienzo. 50x100 cm.

Nueva temporada de DMencia Exitoso ‘Te-Beo Para Crótalo & Triángulo o, lo pietarios de Delimbo Gallery; una en la Calle’ que es lo mismo, Mamen Calvete y visita a las Bodegas Mencianas; la Pablo Rodríguez, DMencia es como el corazón… un lugar que da cabida a todos: a la gente del pueblo, a los amigos que llegan de otros puntos y a ellos mismos. Por todo esto, además del tradicional programa expositivo, que este año cuenta con seis propuestas, la XVII Muestra de Arte Contemporáneo ‘DMencia’ se abrió con un fin de semana acogedor, el del 28 y 29 de noviembre, en Doña Mencía.

Se programaron varias actividades, entre las que destacan la exhibición de pintura mural, organizada por Montana Shop Sevilla, con los artistas Tinatha & Srger; las charlas impartidas por Inma Otero y Borja Galván, de Garabattage Ilustra; las de Laura Calvarro y Seleka, pro-

intervención del colectivo artístico Los Vendaval; y, no podía faltar, una fiesta a ritmo de cumbia, cuyos beneficios han sido destinados a la asociación C. D. Menciana, con la participación del sello granadino Caballito y el trabajo de Daniel Martín, conocido como Bigote.

Las exposiciones que se pueden visitar, hasta el 18 de diciembre, son: Si el artista tiene crédito de María Alcaide, en el Edificio Pósito, y Balance & Mistake de Osier, en la Casa de la Cultura. Las siguientes inauguraciones están previstas para el 23 de enero y el 5 de marzo.

DMencia es el proyecto con más ediciones de los que conforman el programa Periféricos de la Fundación Provincial de Artes Plásticas ‘Rafael Botí’.

El nivel de los participantes y la asistencia de público a las IV Jornadas de Cómic e Ilustración ‘Te-Beo en la Calle’, que se han celebrado del 13 al 15 de noviembre, han dejado satisfechos los propósitos de los organizadores de la Casa de la Juventud, quedando ilusionados de cara a futuras ediciones. En gran parte, el éxito ha sido debido a la implicación del grupo de trabajo del proyecto Dinamo Cómic e Ilustración, que en varias reuniones han dado forma al evento.

Se han programado diversas actividades como una sesión de dibujo y caricatura en vivo, una mesa redon-

da, encuentros con autores invitados, actividades lúdicas y exposiciones. Como novedad se ha celebrado el primer Callejón del artista, donde creadores locales han podido mostrar al público su talento, además de estar en contacto directo con los autores invitados e intercambiar experiencias.

El Torres, Juanjo Cuerda, Julián López o Jaume Capdevila ‘Kap’ han pasado por Te-Beo en la Calle 2015, junto a la ilustradora de inspiración oriental Lolita Aldea, que expone sus obras, hasta el 15 de diciembre, en el Palacio de la Merced.

GACETILLA

Artistas por el mundo Ginés Liébana expone 35 obras inéditas, bajo el título Negociado de una carestía, con su universo mordaz e irreverente. La muestra, en la sede del Centro Andaluz de las Letras de Málaga, estará abierta del 1 al 18 de diciembre.

Un pedacito de El Carpio está durante estos días en Granada con dos exposiciones. Scarpia, un repaso a las 14 ediciones de jornadas de creación contemporánea en El Carpio, se puede visitar en el Hospital Real hasta el 22 de enero; asimismo, Paisajes indeterminados, del carpeño Miguel Ángel Moreno Carretero, estará en el Palacio de la Madraza hasta la misma fecha.

Cum pictura poesis es un proyecto, comisariado por Michel Hubert Lépicouché, sobre libros de artistas que tienen la naturaleza como tema. Javier Flores, Jacinto Lara y Hashim Cabrera participan en esta muestra, visitable, en el MEIAC de Badajoz, hasta el 24 de enero.

Rafael Jiménez expondrá en el espacio El Pasillo, de la Facultad de BBAA de Sevilla, Buena duda, mal axioma, con el comisariado de Charo Romero Donaire, del 15 de enero al 5 de febrero; y participa, hasta el 11 de febrero, en la colectiva Nanaísmo con uasabi de la madrileña galería Modus Operandi.

En La Coruña, Pepe Amate está presente, hasta el 9 de enero, en una colectiva de la Galería Now. Y mucho más lejos, en Corea del Sur, el viñetista Marrugat ha sido galardonado con el Theme Prize del Certamen de Sicaco.

Galardones literarios Muchos e importantes reconocimientos han sido concedidos a escritores cordobeses.

El pontanés José Luis Rey ha sido merecedor del XXXVII Premio Internacional de Poesía ‘Ciudad de Melilla’ por La fruta de los mudos, un libro con 14 poemas.

María Rosal Nadales, con su poemario Carmín rojo sangre, ha obtenido el XXVI Premio Nacional de Poesía ‘José Hierro’.

El poemario Hierba en los tejados, del palmeño Rafael Espejo, ha sido galardonado con el Premio Ojo Crítico de Poesía, que concede RNE. Canal, de Javier Fernández, es la obra merecedora del XXIII Premio de Poesía Ciudad de Córdoba ‘Ricardo Molina’. Un poemario, emocionante desde su desnudez, que será publicado por la Editorial Hiperión.

El barcelonés, afincado en Córdoba, Xavier Guillén ha obtenido el primer premio del Certamen Andalucía Joven de Poesía del IAJ, con la obra titulada Mar negro.

En narrativa, José Manuel Sánchez ha conseguido el Premio Internacional de Novela Negra ‘Ciudad de Carmona’ con Jazz Café.

Finalmente, reseñar que el prieguense Antonio David Aguilera Gámiz, con El Palacio, ha sido distinguido con el segundo premio de Relatos Cortos del Consejo Territorial de la ONCE; convocatoria que quiere mostrar las capacidades creativas y literarias del colectivo de invidentes. Antonio David trabaja como director de la ONCE en Antequera.

Premios de la Diputación El artista sevillano Manuel León ha sido galardonado con el II Premio Bienal de Pintura ‘Rafael Botí’, que se otorga en reconocimiento a la trayectoria de jóvenes pintores, por la obra Celia María Teresa López vestida.

En el apartado literario, el XVI Premio de Novela Corta ha sido para José Luis Muñoz, por Cazadores en la nieve; el IV Premio de Narrativa Infantil y Juvenil para Óscar Sotillo, por Medianoche en el campanario; y el XV Premio de Poesía ‘Vicente Núñez’ para Manuel Moya por El corazón de la serpiente.

Premios de la UCO La finlandesa Erica Nyholm es la ganadora del VIII Premio Bienal Internacional de Fotografía ‘Pilar Citoler’ por la obra Bereavement. Nyholm, junto a los nueve finalistas, expondrá en la Sala Vimcorsa, durante el mes de febrero, en la muestra de Vari Caramés, autor ganador de la séptima edición del premio.

Y en el Certamen Universitario de Creación Audiovisual ‘Suroscopia 2015’ los premios han sido para: Enlatados de María López Soler, en la categoría de Ficción; Sagardotegia omen zan (hubo una sidrería) de Onintza Etxebeste, en Documental; y Agosto de Beatriz Hohenleiter, en Videoarte. Las obras ganadoras pueden verse en la web suroscopia.com.

Premios del Ateneo El Ateneo de Córdoba ha hecho público el fallo de sus convocatorias. El ganador del III Concurso de Relatos ‘Rafael Mir’ ha sido Andrés Morales Rotger por Línea 10 (Hormigas africanas), el XXXI Certamen de Poesía ‘Juan Bernier’ ha recaído en La soledad del aire de José Pejó Vernis, y Rocío Dios ha conseguido el IV Premio de Cante Flamenco ‘Agustín Gómez’.

Reconocimiento a la Fundación Arquitectura Contemporánea

El Senado ha otorgado a la Fundación Arquitectura Contemporánea, institución asentada en Córdoba, el Premio de Arquitectura Española Internacional –en la categoría Apoyo a la Internacionalización–, por MadeinSpain, un ciclo de conferencias de repercusión internacional. El premio está promovido por el Foro de la Arquitectura Española.

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Libros Mientras cantan los pájaros –Antología poética 1946-2006– (Cátedra. Letras Hispánicas) es una muestra de coherencia y fidelidad a unos principios estéticos, un ejemplo de lujosa brillantez y maestría en el manejo de la palabra. Pablo García Baena (Córdoba, 1923) aprende las primeras letras en la Escuela López Diéguez, y más tarde formará parte de Cántico, grupo que editó la mítica revista del mismo nombre. Memorables títulos como Antiguo muchacho, Junio, Antes que el tiempo acabe o Los Campos Elíseos, conforman una obra poética rigurosa, una constante, ya que todos sus poemarios parecen formar uno solo, apelación a los sentidos. Entre los numerosos premios que ha recibido están el Príncipe de Asturias de las Letras (1984) y el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2008). En esta última antología están la mitad de sus poemas, y el inédito El verano, junto a una introducción y notas. Dibujos de Ginés Liébana y Miguel del Moral, pintores de Cántico, acompañan a los textos. El antólogo, Felipe Muriel, ha trabajado la edición desde el homenaje recibido por García Baena en el IES Séneca en 2010.

Teoría de lo imperfecto (La Isla de Siltolá. Col. Nouvelle) pone el acento en las incertidumbres y acechanzas de lo cotidiano, esa área de confort donde a veces acechan los más grandes sinsentidos y las más evidentes catástrofes. Una colección de microrrelatos que no dejarán en la indiferencia al lector exigente que busca gemas encubiertas, que indaga en los matices ocultos y genuinos, que se siente atraído por la navegación entre ese archipiélago de vidas unidas por una poética del asombro y la incredulidad. Antonio Luis Ginés (Iznájar, Córdoba; 1967), autor de seis poemarios, publicó el libro de relatos El fantástico hombre bala, con la Editorial El Páramo, en 2010. Co-fundador de la Asociación Cultural ‘Mucho Cuento’, su relación con este género comenzó allá por el año 2005.

Hay historias que naufragan en islas desiertas a las que nadie se acerca durante mucho tiempo. Historias que intentan llamar nuestra atención con la esperanza de ser rescatadas en algún momento. El vigía (La Isla de Siltolá. Col. Nouvelle) contiene un buen número de esos naufragios, escritos con un lenguaje claro y directo para contar aquello que el vigía, desde su cofa, no atisbó cuando tuvo la oportunidad de hacerlo. Diego Marín Galisteo (Baena, Córdoba; 1981) presenta su primer libro, tras publicar cuentos y relatos breves en varias antologías. Ha trabajado como gestor cultural e imparte clases de escritura creativa. Ha colaborado en varias revistas con artículos sobre creación literaria.

Vino y cultura bucea en los orígenes de un maridaje que se confunde en el tiempo, ahondando en la relación del vino con la pintura, religiosa y profana; la literatura; la medicina… El vino como aglutinador social y cultural, desde las primeras civilizaciones. Manuel Concha Ruiz (Nules, Castellón; 1942) llegó a Córdoba en 1977 como especialista en Cirugía Cardiovascular del recién abierto Hospital Reina Sofía. Además de una extensa bibliografía ligada a su labor profesional, Concha ha escrito Povedano. Retrato en tres tonos, Povedano. Flamenco y paisaje o El flamenco en las artes y la cultura, entre otros libros. Ha publicado numerosos artículos en revistas especializadas y prensa.

De todos los terrenos artísticos, quizás el que haya experimentado mayores avances sea el arte sonoro; estando presente en muestras de centros como el Reina Sofía, MARCO, LABoral o MACBA. Los avances tecnológicos, Internet y las nuevas formas de difusión son algunas de las causas de este auge. Producido por Weekend Proms, MASE. Historia y presencia del Arte Sonoro en España (Bandaàparte) es el resultado de un proyecto que se propuso poner en funcionamiento, durante el trienio 2012-2014, diversas líneas de trabajo y reflexión sobre el arte sonoro, continuando con la línea iniciada por el encuentro Sensxperiment (Lucena, 2006). La publicación incluye textos de José Iges, José Manuel Costa, María Andueza, Ramón González-Arroyo, José Manuel Berenguer, Adolfo Núñez, Daniel dell Río, Carmen Pardo, Xoán-Xil López, Juanjo Palacios, Edu Comelles, Mikel R. Nieto, José Luis Espejo y Andrea Zarza.

2016, el año de Gala El Centro Andaluz de las Letras, con una comisión presidida por su director emérito Pablo García Baena, ha decidido por unanimidad designar a Antonio Gala como escritor del año 2016. La obra de Gala, que ha sabido conectar con un público amplio, exigente y heterodoxo, será puesta en valor, por todas las provincias andaluzas, con un programa de actividades que incluirá el análisis de su literatura, lecturas monográficas, la edición de una antología, la dedicatoria en la celebración del Día Internacional del Libro y una exposición documental sobre el autor nacido en Brazatortas.

© Foto: Pepe Díaz

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DIFUSIÓN

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Santaella Contemporánea

Una apuesta por la diversidad artística

Dirigido por la artista María José Cosano, el Centro de Arte Santaella Contemporánea es un espacio de creación contemporánea con interés en desarrollar la cultura y la diversidad artística, con proyectos, desde el año 2013, que mejoran la relación entre público, instituciones artísticas, gestores y críticos, del panorama nacional, pretendiéndolo también en el internacional. Se trata de generar una proyección de la cultura en nuestra nueva realidad social.

Los principales objetivos de Santaella Contemporánea pasan por el empuje y estímulo, con el centro como plataforma de creación, de las generaciones artísticas vigentes. Se apoya la formación, el intercambio de ideas y la reflexión en

“Un espacio de creación contemporánea con proyectos que mejoran la relación entre público, instituciones artísticas, gestores y críticos” las personas, a través de la práctica expositiva, siendo este su mayor activo y valor. Además se fomenta el trabajo junto a gestores, creando proyectos en común y una red de gestores a todos los niveles.

Por las exposiciones del Centro de Arte Santaella Contemporánea han pasado artista como Juan del Junco, Javier Artero, Anna Jonsson, Mara León

o los MP & MP Rosado, entre otros.

Actualmente el espacio acoge una muestra colectiva con catorce artistas cordobeses nacidos a partir de 1970: Rafael Blanco, Antonio Blázquez, María José Cosano, Manolo Garcés, Rafael Jiménez, Juan López López, Paco Nevado, Miguel Ángel Moreno, Fernando M. Romero, María Ortega Estepa, Verónica Ruth Frías, Demetrio Salces, Beatriz Sánchez y Marisa Vadillo. La exposición recoge obras como Dolores, de Antonio Blázquez, en la que se “hace una revisión irónica del icono de la imaginería religiosa barroca y andaluza por excelencia: la Dolorosa. Imagen arraigada y reconocida, de la que el artista nos ofrece su recreación como icono pop tras someterla a un proceso iconoclasta de fragmentación, yuxtaposición y descontextualización, en el que sus contenidos religioso y dramático han sido separados de lo puramente ornamental, subvertido, acentuado y glosado en un sin fin de variables posibles e imposibles” –texto, aportado por el autor, de la hoja de sala de la exposición colectiva Nadie hablará de nosotros cuando hayamos muerto. G.I.H., Málaga–.

Otras de las líneas de trabajo es la colaboración con universidades y otras instituciones, apostando por los universitarios y estudiantes del sec-

tor artístico, en el ámbito nacional, para la futura inserción en el mundo profesional y el desarrollo de sus trabajos de creación e investigación.

A través de una actividad dinámica y una metodología de trabajo en grupo, Santaella Contemporánea se presenta como una plataforma para

“Actualmente el espacio acoge una muestra colectiva con catorce artistas cordobeses nacidos a partir de 1970” el fomento y la difusión de la cultura contemporánea. Un ejemplo de ello fue Proyexpán. Proyectos de arte expandido, en el que los alumnos y el profesor Daniel Silvo, de la Universidad de Nebrija (Madrid), participaron en residencia, con la colaboración de dicha Universidad.

© Fotos: Santaella Contemporánea

Santaella Contemporánea invierte en educación a todos los niveles, utilizando el centro como espacio de aprendizaje, insertando a los escolares y alumnos de instituto en las dinámicas del espacio y en los proyectos que se realizan, programando actividades, talleres y el ‘Aula teórico/práctica de aproximación al arte contemporáneo’, uno de los proyectos que se llevarán a cabo en la temporada 2015/2016.

La difusión, de manera clara y eficaz, del trabajo y los proyectos artísticos, exposiciones y eventos, se realiza de forma que haya una interlocución natural entre el público, la prensa y cualquier otro medio que haga posible la canalización de la información.

Santaella Contemporánea se financia actualmente de forma pública y privada, mediante patrocinadores que apoyan el progreso y desarrollo artístico y, por ende, de la cultura; de forma que la gestión del espacio depende de esta financiación.

Si quieres ser parte de este ilusionante proyecto, escríbenos a santaellacontemporanea@gmail.com y nos pondremos en contacto contigo. Te explicaremos cómo hacerte amigo/a del espacio y te incluiremos en la lista de difusión del centro. De esta forma contribuirás a que el proyecto lleve a cabo sus propuestas y tú serás parte de ello. Además puedes seguirnos en Facebook –Santaella Contemporánea– y en Twitter –@mariajosecosano–.

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EDUCACIÓN Y ARTE

Raku y solidaridad

MÓNICA RIVAS LEE / RAFA SILLERO

Desde hace dos décadas, la Escuela de Arte ‘Dionisio Ortiz’ acoge la Fiesta Solidaria del Raku. La artista, ceramista y profesora Hisae Yanase, impulsora de la idea, recuerda que todo surgió de manera muy espontánea, intentando unir algo del ambiente de la Escuela, ocupando los pasillos y haciendo piezas de raku el mismo día en el que eran subastadas. Desde entonces, el evento se ha ido convirtiendo en la cita más emblemática del centro educativo de la calle Agustín Moreno, un momento de colaboración y convivencia entre profesores y alumnos de las diferentes especialidades. La palabra raku, como nos aclara Hisae, es en sí bonita, ya que significa placer de vida y disfrute, y ese espíritu es el que se ha ido concentrado año tras año.

La Fiesta Solidaria del Raku 2015, que se celebrará el jueves 17 de diciembre, inicia los actos que conmemoran los 150 años de las escuelas de artes y oficios en Córdoba, efeméride que se recordará en los centros Dionisio Ortiz y Mateo Inurria en los próximos meses. Para esta edición tan especial, la organización ha invitado a ceramistas profesionales, que aportarán sus piezas a la subasta y al mercado solidario, destinando lo que se recaude a fines solidarios.

© Fotos: Mª Ángeles Cubero

Una técnica espectacular La historia cuenta que en el siglo XVI un terremoto destruyó multitud de casas y palacios en Japón, además de los útiles que en ellas se encontraban.

Tras la catástrofe, al ceramista Chojiro se le encargó la realización de una nueva vajilla para el emperador, incluidos los utensilios para la ceremonia del té.

Ante la urgencia del pedido, a Chojiro se le ocurrió enfriar las piezas cerámicas, sacadas del horno al rojo vivo, metiéndolas en serrín. Los esmaltes ad“En esta ocasión, los fondos que se obtengan con la venta de piezas de raku serán para ACNUR” quirieron tonalidades metalizadas, con unos resultados no conocidos hasta entonces. Chojiro desarrolló y perfeccionó la técnica descubierta para elaborar cerámica utilitaria, convirtiéndose en uno de los ceramistas más influyentes de la historia, dando lugar a una dinastía que llega hasta nuestro tiempo.

Tierra, fuego, agua y aire intervienen en el raku-yaki (楽焼), consiguiendo unos acabados que no se obtienen con otras técnicas. Tradicionalmente, las piezas de raku, hechas en arcilla roja o arcilla de loza, se trabajan a

mano, se esmaltan y posteriormente se introducen en un horno pequeño, a 900 grados centígrados aproximadamente. Al alcanzar los esmaltes el punto justo de cocimiento, se sacan las piezas del horno, con la ayuda de unas pinzas de hierro, y se meten en serrín o viruta de madera, pudiéndose utilizar también hojas de periódico u hojas secas de árbol. El humo que se produce en esta última acción penetra en la pieza, formando parte de ella. Los esmaltes se convierten en metal puro y, para finalizar, el proceso químico se fija bajando la temperatura de las cerámicas con agua.

El desarrollo es mucho más inmediato que con la cocción habitual y, aunque se llegue a tener un cierto control de la técnica y del uso de los esmaltes, siempre está el efecto sorpresa. El tiempo de cocción, la atmósfera en el interior del horno, el tiempo atmosférico, la utilización de serrín o viruta, el grosor de la capa de esmalte… y también el azar, son factores que pueden cambiar el resultado. Si alguna pieza se estropea en el proceso, el creador de raku no tiene que contrariarse y, dejando siempre las cicatrices a la vista, debe reparar para el uso.

El raku también se muestra en el cuerpo del creador, que refleja en la piel el calor del fuego. La adrenalina sube por la tensión de un proceso continuo e inmediato. En todo esto podemos ver la influencia del pensamiento zen, en cuanto a la búsqueda, el posicionamiento del hombre frente a la naturaleza o el entendimiento de la propia función del arte.

Raku 2015 Durante la mañana del jueves 17 de diciembre tendrá lugar una nueva cita con la Fiesta Solidaria del Raku.

Desde las 9.30 h. estará abierto un mercado solidario con puestos en los que se podrán adquirir piezas de raku y otras obras realizadas por los alumnos de diferentes especialidades de la Escuela de Arte ‘Dionisio Ortiz’ –encuadernación, cerámica, escultura, serigrafía…–. A las 11 h. se entregarán los premios del concurso de tarjetas y objetos navideños, y seguidamente habrá una actuación de Aarón Ventura, Almudena Sackrah y Niño Morente.

Los maestros del té, desde el

descubrimiento del raku, sintieron un retorno consciente a la primitiva relación con la arcilla, empezando a utilizar vasijas fabricadas por ellos mismos. A las 11.30 h. se celebrará una ceremonia del té, dirigida por Hisae Yanase, en la que participarán los ceramistas invitados. Acto seguido, presentada por el clown Pepe Ciclo, comenzará la subasta de piezas de raku –una buena oportunidad para adquirir obras únicas a un buen precio–. Junto a las piezas de Hisae, se subastarán creaciones de los invitados: Carmen Álvarez, especialista en raku obvara, una variante, de espectaculares resultados, originada en el este de Europa; Carmen Lucena, que realiza su labor cotidiana en su taller del Zoco; Luisa García, que dirige el Taller Raku en la calle Maese Luis; y Jesús Rey, que durante quince años ha realizado raku en su taller al pie de la Mezquita. Formados en la Escuela de Arte ‘Dionisio Ortiz’, con la que siguen colaboran“Durante la mañana del jueves 17 de diciembre tendrá lugar una nueva cita con la Fiesta Solidaria del Raku” do en la acogida en sus talleres de alumnos en prácticas, los invitados, que se dedican profesionalmente a la creación cerámica, han tenido como maestra a Hisae Yanase –en el caso de Jesús Rey de forma indirecta, ya que Valle Sillero, su mujer, que sí fue alumna de Hisae, ha sido su guía en el mundo de la arcilla–.

La Fiesta Solidaria del Raku 2015 finalizará con un aperitivo de convivencia.

Desde la primera edición, el dinero recaudado siempre ha sido ofrecido a una ONG, aprovechando la fiesta para hacer labor solidaria y de concienciación. En esta ocasión, los fondos que se obtengan con la venta de piezas de raku serán para ACNUR. No nos podemos perder una mañana tan cargada de placer de vida y solidaridad, en la que también habrá un recuerdo especial al recientemente fallecido Paco Gutiérrez, admirado ceramista que hizo mucho raku.

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DIÁLOGOS

Hisae & Antonio Arte y cotidianidad

Antonio I. González & Hisae Yanase © Foto: CÓRDOBAexpone

Hisae: Con el movimiento Mingei, después de la primera Guerra Mundial, muchos artistas descubrieron artesanías rurales que estaban totalmente olvidadas. Esto sorprendió a los japoneses, por el nivel alto de ejecución y concepto.

Este arte comenzó a cotizar y tuvo un boom. Las tinajas grandes, que antes se utilizaban para guardar alimentos y fermentar el sake, se podían utilizar ahora para la jardinería y otras cosas.

Antonio: El Mingei relacionó el arte y la vida, fue un movimiento filosófico e intelectual. Un grupo de gente refinada vio que el arte puede estar pegado a ese tipo de objetos tan ligados a la vida.

—Filosofía, poesía todo está mezclado. Se creó una idea de arte en la vida cotidiana. Cuando visitamos aquel pueblo de alfareros, cerca de Kioto, vimos la calle decorada por tubos, que antes se utilizaban como desagüe, recubiertos de material cerámico… algo precioso. Pasado el tiempo se hizo famoso. Al verlo, parece un mural cerámico y en realidad son tubos apilados para hacer un muro de contención. Ese es el espíritu Mingei: arte en la vida.

No es algo pretensioso, pero debe estar bien hecho. Además ha pasado el examen de la historia, algo muy importante. Los japoneses piensan que lo que se pone de moda hay que verlo dentro de 20, 30 o 50 años.

—Mirar que el tiempo no se lo coma. Yo pienso que siempre

es interesante unir la estética y la funcionalidad.

—El arte decorativo tiene su función, pero el arte utilitario es muy importante porque es algo que se disfruta diariamente. Realmente, se utiliza la cerámica que es más fácil de usar y limpiar, y cuando estética y funcionalidad ligan, y pasan 50 años, esa forma de hacer se mantiene en el tiempo.

—Utilizar piezas de cerámica de autor, únicas, en el día a día, no tiene nada que ver con tomar algo en un arcopal. Curiosamente, aquí las vajillas de más valor se suelen tener en una vitrina a la vista de la gente; los japoneses no las enseñan y sí las utilizan. Pueden ser piezas del siglo XVI, con mucho carácter, pero son vividas. También es verdad que allí la gente las identifica y valora.

—Los japoneses agradecen la visita sacando las mejores piezas. No les gusta mostrar lo que tienen, porque parecería que están presumiendo. Mejor que sea algo secreto con lo que poder sorprender…. ¡parece que no tengan nada y de pronto ofrecen una taza del siglo XVI! Allí es normal conocer a los autores, esto tiene mucha influencia de la ceremonia del té.

—Las tazas de la ceremonia del té llegan a tener un valor impresionante, y las compran para utilizarlas, no como una inversión.

—Durante la ceremonia del té no se suele charlar, todo es silencio,

hay que disfrutar del sonido del agua y de la preparación del té. Al terminar, todo el mundo examina la taza y el maestro explica la historia de la pieza; ahí interviene la cultura, el conocimiento y el arte.

Todo está estudiado en la ceremonia del té. El suelo es de tatami y todos están sentados así que la distancia al suelo es poca y si cae una taza no se rompe. La ceremonia tiene mucha normativa, pero todo es lógico y ha pasado el examen del tiempo.

—Es algo que limpia mucho.

Entras por una puerta muy pequeñita, tienes que agacharte, y no hay decoración. Esa actitud es una forma de humildad. Los temas que se abordan son muy mundanos, pero están fuera de la problemática de diario. Lo que sucede allí es otra cosa, porque ese momento se utiliza para que los problemas cotidianos queden a un lado. Esa técnica la he utilizado con niños complicados, en psicología lo llaman tener una toma de tierra. En un momento de mucho estrés hay que descargar rápidamente y quedas como nuevo.

En la vida diaria se puede hacer, es cuestión de conocer el sitio donde eliminas todo lo que te afecta.

—La ceremonia, que dura una hora, es como un escenario para sentir armonía, un momento especial, como si fueras al psicólogo.

Se mezclan distintas clases sociales, no es solo una reunión de ricos.

Alrededor del té se siente una

unión. Desde su origen se realiza en un espacio muy pequeñito pero refinado, una choza de buenos materiales: madera, papel, bambú…

El arte de la caligrafía también forma parte de la vida. Los japoneses van a las academias para aprender a escribir bien. Pero aprender caligrafía no es escribir bonito, sino un esfuerzo de concentración para poder expresar tu letra, sin copiar el modelo… igual que sucede en el arte. El brazo debe ser algo auxiliar, una prolongación solo.

—Normalmente relacionamos el acto de escribir o pintar con la muñeca, y ellos te dicen que no, que el movimiento tiene que ser interior.

Tiene que funcionar el brazo, pero sin hacer un gesto forzado.

—Se distingue entre lo que está escrito con la muñeca, muy bonito, y lo escrito desde dentro. El maestro de caligrafía lo explica, de manera algo abstracta, diciendo que hay que escribir grande desde el vientre.

Igual que con el dibujo, cuanto más escribas más se te quita el miedo.

Todo esto nos enseña que el arte no es algo cerrado y que cada uno tiene que experimentar y sentir.

—Hablando de maestros, yo fui tu alumno; y la inquietud artística, al nivel de querer dedicar mi vida a esto, se me abrió a través tuya en la Escuela Dionisio Ortiz. Esas cosas, que a veces se dan y otras no, dependen mucho del profesor que te toque y de que estés receptivo.

Después hice Bellas Artes y no noté ningún profesor que me transmitiera lo mismo. Tú lo hacías de una manera muy abstracta, con palabras que parecían inconexas, y después cada uno tenía que ir conectando todo aquello y generando su mundo.

Motivabas y activabas a los alumnos planteando un problema en el que la solución era uno mismo, cuando la mayoría de los profesores te ponen algo para pintarlo como ellos lo hacen.

—No me gusta decir a nadie que tiene que ir por aquí o por allí eso no. Cuando veo a alguien que tiene cualidades, quiero ayudar, pero no de una manera lineal. Yo opino, pero al final cada uno tiene que tomar su decisión. A veces los alumnos están un poco cegados en el trabajo y no saben por qué les digo que algo es interesante, pero poco a poco se pueden ir dando cuenta.

—Yo creo que el arte funciona

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DIÁLOGOS

así, y que nadie te va a desvelar todo con una varita mágica. Halagabas muy poco. Normalmente decías — no está mal— cuando indicabas que algo era interesante, corríamos todos para verlo.

Aquí no se reconocen a los maestros como en Japón, no hay un trato reverencial y ceremonioso. Allí no se tratan de manera cercana, y el alumno, aunque haya adquirido el nivel del maestro, siempre va a estar siete escalones por debajo.

—A mí me gusta más el trato de aquí. Mis alumnos me quieren y yo les tengo mucho cariño.

—Lo que he notado más diferente en Japón, con respecto a nosotros, es que para ellos la Naturaleza es la que está observando. No somos nosotros los que estamos dominando, y si la observamos nos enseñará muchas cosas. Piensan que somos una pieza del engranaje, que no debemos pretender dominar el tema o ser un ente supremo. Esto lo llevan al límite, mientras aquí intentamos domesticarlo todo.

Están acostumbrados a continuos fenómenos naturales, creo que por eso lo tienen más claro. La Naturaleza es el ser supremo para ellos, su filosofía y religión van unidas a ella. Igual que aquí se sacan santos y los zamarrean, allí vi una procesión con una escultura de madera roja que representaba simbólicamente al Monte Fuji, porque ese es el que te da o quita la vida, no un dios supremo, sino la montaña aquella que escupe fuego y hace que se acabe esto.

—Eso parte de la religión Shinto.

Desde pequeño, aunque no seas religioso, estás en contacto con esas ideas. La Naturaleza está observando y es algo muy natural para nosotros.

El río se puede modificar, pero el agua buscará su camino de antes y se inundará todo… los japoneses saben de esto. La gente piensa que se puede cambiar el camino de la Naturaleza, pero eso es algo muy difícil.

—Ahora lo entiendo mejor, pero al principio me chocaba mucho que al salir de viaje te despidieras de todo: de los animales, las plantas y las cosas con las que tienes más contacto.

—Claro… porque no se sabe.

Puede venir un terremoto, un tsunami, un volcán o un accidente; por eso la vida hay que aprovecharla.

Si pones un valor extremo a un lado de la balanza, reaccionas puede que esté aburrida, pero si pienso que puedo morir mañana…

—Claro, ¡me lo voy a pasar pipa!

Es verdad que es solo el momentito en el que estamos. En nuestro entorno se dan pocos fenómenos tan agresivos como en Japón, la gente

no observa el peligro continuo que es el hecho de vivir… creemos que estamos aquí como algo eterno. Nos alejamos de la muerte como si fuera algo que no existe, y los japoneses son más conscientes y dan más valor a la vida. Pero también está mal visto exteriorizar tus sentimientos, tanto los alegres como los tristes; eso es algo que tú te comes.

—La desgracia se recibe, pero no se debe contagiar a otro.

—Viniendo a occidente, a nuestra casa, en la que llevamos 27 años viviendo, una cosa que siempre tuvimos claro es que los espacios mayores y diversos fueran sitios por donde vayas pasando y descubras rincones para trabajar o inspirarte; y al ser dos, que tengamos espacio suficiente para cada uno.

—El mejor sitio, agradable y espacioso, debe ser el lugar de trabajo. La vivienda debe ser fácil de organizar y limpiar, no hace falta que sea muy grande. El lugar clave, por ser el de contacto con la naturaleza, es el patio.

—Siempre hay que cruzar los patios para ir a los distintos espacios, y eso da guantazos de calor o frío que vienen muy bien.

—El cambio de estaciones es algo que ayuda a nuestra creación con la cerámica. Viviendo en un piso casi no te das cuenta si hace frío o está lloviendo. En Tokio coges el metro desde tu casa y vas a otro sitio sin salir a la calle, es como una ciudad subterránea. Todo es luz artificial. Nosotros tenemos que salir al patio… no hay más remedio.

Aquí llegamos a 50 grados, a mí me gusta, y cuando llega un día de septiembre con fresco, con ese viento rico, no se puede comparar con el dinero.

—Para anunciar la brisa, los japoneses ponen unas campanitas con unos papelitos que son movidos por el viento. Al principio compramos unas campanitas que sonaban y no me dejaban dormir la siesta, y para ti era una alegría continua.

Te gusta el calor de Córdoba, pero este verano ha sido de campeonato… Como vivimos en el barrio de los cines de verano, vamos casi todas las noches. Más allá de la película, es un lugar que te evoca un montón de cosas el cine de estrellas, como le decimos.

—Con el gato que pasa por allí, la salamanquesa en la pantalla que se mezcla con la película… Los cines de verano son un regalo.

Acogedores —Me gusta tener la casa abierta.

Quien tenga conexión con nosotros es bienvenido.

—Lo poco que tú hayas visto puedes compartirlo de una manera sencilla, así afloran otras cosas. Hay gente que le cuesta, que se mete en corazas o caparazones para protegerse. Yo creo que no hay que protegerse de nadie, ni tener un ego demasiado grande. Si vas con premisas como me van a copiar o me van a quitar, te pierdes todo lo demás.

—Nosotros siempre estamos aprendiendo de los jóvenes.

—No se trata de tener uno el nivel de maestro y el otro de alumno.

Es compartir, por ejemplo, una merienda, un pastel de yokan, porque eso también es plástica y vivencia.

Esto es algo que algunos captan y lo llevan a su vida, y otros que no o lo ven un cuento. Hay que tener un canal abierto para apreciar cosas, que a fin de cuentas no son nada, pero que te pueden transportar a otro lugar.

—Hay quien viene y pregunta sobre la técnica de la cerámica. El otro día vino Ramón, tu compañero, estaba un poco ciego y en algo hemos servido. Al aconsejar me siento útil.

—Ramón Torres Piernagorda, nieto del pintor Piernagorda.

A Ramón y a Miguel Moreno Carretero, cuando estudiábamos juntos Bellas Artes en Sevilla, los marcaba mucho y les daba caña.

Yo estudié la carrera de más mayor, ellos eran muy niños y estaban todo el rato haciendo tonterías.

Después he visto como muchos de mis compañeros jóvenes, en dos o tres años, se ponen en una situación en la que no podría estar nunca o que ni siquiera se pretende.

Ramón está haciendo unos retratos impresionantes y Miguel es un monstruo, el muchacho.

Está bien ver que cada uno lleva su camino, con sus intereses y aspiraciones. Apreciar eso es algo muy interesante y rico, porque la competición no es medirse con otros, es contigo mismo. El resto son colegas, no son otra cosa; y tu rollo te lo tienes que montar tú.

—El objetivo está con uno, no tiene sentido la comparación. Algo fundamental para aprender es

viajar: ir, ver, sentir y volver otra vez a tu sitio de trabajo.

—En el arte el sentir es muy importante… que se pongan los pelos de punta. Viajar para ver arte no es lo mismo que mirar internet o unas láminas; pero la emoción es fuerte si, además de la obra, ves la ciudad y la atmósfera donde fue creada. Esta situación hace que los sentimientos afloren y que tengas los sentidos abiertos.

Eres como una esponja y parece que en ese momento puedes captar cosas que no son habituales desde un estudio.

—Para mí es importante tener un sitio. Cuando era más joven quería movimiento, más información. Pero en una ciudad como Tokio, tan grande, vives de otra forma, y yo me fui dando cuenta de que no estaba llena. Córdoba es una ciudad más pequeñita donde tengo mi sitio al que volver para reflexionar y volcar todo lo aprendido en los viajes.

—Es llenar y vaciarte. Así valoras más tu mundo, el entorno donde te desarrollas. Lo que hay fuera es interesante, pero esto no lo es menos.

Yo pienso que todos somos un poco catetos, pero no está de más ser un cateto que ha visto cosas.

Hisae, Patrimonio Humano —Cuando dijeron que te iban a dar el reconocimiento al Patrimonio Humano del Distrito Centro me preguntaste que qué iba a ser eso, si tendrías que estar más tiesa o moverte menos, con lo que tú te mueves. Menos mal que llamaste y te relajaron un poco.

—Ha sido algo precioso, una sorpresa. Había mucha gente mezclada, y eso me ha gustado mucho. Todos han hecho cosas bonitas, sin importar que sean más o menos grandes. Había una mujer de La Fuenseca que ayuda mucho a los vecinos.

—Llamó José Antonio Luque, para que fueras a la radio, y me preguntó dónde estaba el patrimonio yo le contesté: restaurándose. …

RSF

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NO TE LO PIERDAS

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ARTES VISUALES Córdoba luciente, en sus fundaciones y museos

Centro Botí (C/ Manríquez, 5) / Sala Cajasur-Gran Capitán (Av. Gran Capitán, 13) / Sala Vimcorsa (C/ Ángel de Saavedra, 9).

Hasta el 10 de enero de 2016

AFOCO. Galería IgnacioBarceló C/ Alcalde de la Cruz Ceballos, 7

Manuel Lama. La Cuba que encontré Hasta el 31 de diciembre de 2015

Arc-en-ciel Maite Béjar C/ Alonso de Burgos, 8

María Morilla / Rafael Jiménez.

Respiro, espero Hasta el 18 de diciembre de 2015

Casa Árabe

#MeetUp1Córdoba Teresa López y Javier Ruiz.

Hasta el 18 de diciembre de 2015

Palacio de la Merced

José Pedraza–galería de arte

Lolita Aldea

Paréntesis (segunda parte, otoño)

Diputación Provincial. Plaza de Colón, 15

Fondo de galería.

Hasta el 18 de diciembre de 2015

Galerías Cardenal Salazar Facultad de Filosofía y Letras.

Plaza del Cardenal Salazar

Salón San Juan de Dios

Ryszard Kapuscinski. El ocaso del imperio

Puerta de Aguilar, 10. Montilla

Premio de Pintura ‘Gran Capitán’

Hasta el 15 de diciembre de 2015

Hasta el 15 de diciembre de 2015

Hasta el 12 de diciembre de 2015

Galería Carmen del Campo

Vázquez de Sola. Córdoba eterna: savia y sabiduría

La Hormiga galería

Plaza de Chirinos, 4

Salvador Montó. Memorias de cine Del 16 de diciembre al 9 de enero de 2016

Marta Morón. Aguas Del 13 al 30 de enero de 2016

Galería Studio 52 Juan Bernier Ronda de los Tejares, 15

Diego Vallejo

Del 17 de diciembre al 17 de enero de 2016 C/ Tercia, s/n. Priego de Córdoba

Palacio de Orive Plaza de Orive, 2

Felicitaciones de Goval Del 16 de diciembre al 22 de enero de 2016

Real Círculo de la Amistad C/ Alfonso XIII, 14

Rafael Revuelta Muñoz. ¡África!

Hasta el 10 de diciembre de 2015

C/ Samuel de los Santos Gener, 9

Juego de pistas

IV Fanzine ‘Trampa’ Hasta el 13 de diciembre de 2015

Daniel Martínez Tierno.

Córdoba bajo mí mirada Fotografía.

Del 9 de diciembre al 14 de enero de 2016

Centro de Arte Pepe Espaliú C/ Rey Heredia, 1

C/ Arguiñán, 2

Del 7 al 27 de enero de 2016

Hotel Averroes

Campo Madre de Dios, 38

Mª Eugenia Lastra / Aurelio Domínguez Hasta el 11 de enero de 2016

La República de las Letras

nández.

Delegación Territorial de Cultura C/ Capitulares, 2

Pantalla flamenca

Hasta enero de 2016

C/ Pedro López, 5

Del 18 de diciembre al 10 de enero de 2016

Sala Góngora Arte

IES Luis de Góngora. C/ Diego de León, 2

Bartolomé Menor Exposición a beneficio de Manos Unidas.

Hasta el 18 de diciembre de 2015

Sala La Buganvilla C/ Fernández Ruano, 21

La universidad en la frontera Proyecto Baraka. Fotografía y documental.

Del 10 de diciembre al 15 de enero de 2016

Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores C/ Ambrosio de Morales, 20

Domingo 6 de diciembre. 20 h.

Joglars. Vip Viernes 11 de diciembre. 20.30 h.

Pasión Vega. Pasión por Cano Sábado 12 de diciembre. 21 h.

Orquesta de Córdoba. Concierto extraordinario de Navidad Bach / Händel. Director: Lorenzo Ramos.

Con el Coro Ziryab, dirigido por Javier Sáenz-López Buñuel.

Auditorio Municipal

Del 1 al 22 de diciembre de 2015

Museo de Bellas Artes Plaza del Potro, 1

Grabados de Rafael Pellicer Hasta el 21 de febrero de 2016

Miguel Ángel Entrenas Martes 15 de diciembre. 19 h.

Ginés Liébana

Del 10 de diciembre al 14 de febrero de 2016 Martes 19 de enero. 19 h.

C/ Escritor Castilla Aguayo, 4

Homenaje al violonchelista Álvaro Pablo Fernández Benítez. Director: Ciro Perelló.

Acuarelas.

Juan López López. En las afueras Pintor y poeta.

ETEA - Loyola

Av. del Gran Capitán, 3

Paseo de la Victoria, s/n

Mercado Victoria

Cineasta.

Espacio INICIARTE

Gran Teatro

Isabel A. Carrión. Caligrafía zoomórfica Jueves 17 y viernes 18 de diciembre. 20.30 h.

El arte del kalam.

Teatro Clásico de Sevilla. Hamlet

Carteles de temática flamenca, pertenecientes a los fondos de la Filmoteca de Andalucía.

El artista presenta su obra

Hasta el 18 de diciembre de 2015

Exhibición de baile.

XIII Certamen Internacional de Jueves 3 y viernes 4 de diciembre. 20.30 h.

Artes Plásticas ‘Aires de Córdoba’ Joven Filarmonía ‘Leo Brouwer’

Hasta el 31 de diciembre de 2015 José Domínguez. Córdoba, rinAnabel Santos/Isabel Morales/ cones y paisajes Paz Perea-Milla Hasta el 16 de diciembre de 2015 Del 3 al 31 de diciembre de 2015

Dinamo Dance Revolution

Manuel Poison / Reyes Delgado / Larissa Orquesta de Córdoba Oxman / Jesús Estepa.

Usandizaga / Fauré / Schumann. Director: Hasta el 16 de diciembre de 2015 Lorenzo Ramos.

Ilustraciones del libro Piernas fantásticas de Ricardo Reques.

III Concurso de Fotografía

C/ Arquitecto Sáez de Santamaría, 14

Rosa Salinero

Cosmopoética 2015. Comisario: Óscar Fer- Soledad Velasco

C/ Morería, 5

Centro Cívico Fuensanta

Arte para 4. Edición 23ª

Proyecto para un texto

Colegio de Abogados

ARTES ESCÉNICAS

Del 11 al 31 de diciembre de 2015

Plaza de Chirinos, 6

Hasta el 6 de diciembre de 2015

Hasta el 8 de enero de 2016

Sala Aires

Del 10 de diciembre al 10 de febrero de 2016

Campo Madre de Dios, s/n

Pablo Merchante / Julio Díaz Rubio / Javier Ruiz Pérez. Cualquiera de nosotros

Sábado 19 de diciembre. 18 h.

Artistas vinculados a Beirut.

Casa de la Juventud

C/ La Andaluza, 1. Montilla

C/ Los Claveles. Lucena

Tamara López Soria & Verónica López Galo. Ronrona Fotografía.

Hasta el 8 de enero de 2016

Casa de los Mora C/ San Pedro, 52. Lucena

Moradas del Arte Maestros de la pintura cordobesa.

Hasta el 13 de diciembre de 2015

Centro Cultural

Av. Corredera, 9. Hinojosa del Duque

La obra invitada Reencuentro con Aurelio Teno José Dabrio. Retrato de Rafael Botí 25 esculturas.

Hasta el 10 de enero de 2016

Hasta el 9 de enero de 2016

Museo Taurino

Centro de Arte Santaella Contemporánea

Plaza de Maimónides, s/n

Lagartijo y su época Cartelería, pintura, escultura… sobre el primer Califa de los toreros.

Hasta el 30 de diciembre de 2015

De Shakespeare. Ciclo ‘Oh! Clásicos!’.

Dirección: Alfonso Zurro.

Sábado 19 de diciembre. 20.30 h.

Paco Montalvo Violín flamenco.

Lunes 21 de diciembre. 20.30 h.

Gala flamenca de Navidad Cátedra de Flamencología de la UCO.

Martes 22 de diciembre. 21 h.

Ara Malikian. 15 Violín para todos.

Miércoles 23 de diciembre. 20 h.

Cía. La Ratonera. Cenicienta Ciclo familiar ‘¿Vamos al teatro?’.

Sábado 26 de diciembre. 19 h. Domingo 27. 18 y 20.30 h.

Orquesta de Córdoba.Concierto extraordinario de Año Nuevo Chapí/Sorozábal/Luna/Giménez/Chueca/Vives/Suppé/Strauss/Léhar/Strauss II. Director: Lorenzo Ramos. Con el Coro de Ópera Cajasur, dirigido por Irina Rodríguez.

Viernes 1 y sábado 2 de enero. 20.30 h.

IV Premios Voces del Año

C/ Arenal, 71. Santaella

Gala lírica. Premio ‘Voz de Oro’: Pedro

Hasta el 30 de enero de 2016

Domingo 3 de enero. 20.30 h.

Microproyectos –Microresidencias Lavirgen.

| año 3 | número 19 | diciembre 2015 - enero 2016 23

NO TE LO PIERDAS

El Negrito Producciones. Tarzán Ciclo familiar ‘¿Vamos al teatro?’.

Lunes 4 de enero. 18 y 20.30 h.

Ejército Ruso de San Petersburgo Orquesta, coro y ballet.

Jueves 7 de enero. 20.30 h.

Teatro Avanti

C/ María Auxiliadora, s/n

Programación: teatroavanti.com.

Teatro Góngora C/ Jesús y María, 10

Cía. Teatro de la Ciudad / TeaEstigma Teatro. Edema Gogias tro de la Abadía. Medea Ciclo ‘Off Topic’.

De Séneca. Ciclo ‘Oh! Clásicos!’. Con AitaViernes 4 de diciembre. 20.30 h. na Sánchez-Gijón. Director: Andrés Lima.

III Noche de Cine en el Museo Tributo a Pepe Portales, operador de cine benamejicense.

Domingo 6 de diciembre. 20 h.

LETRAS

ENCUENTROS, FORMACIÓN Y CONVOCATORIAS Bodegas Campos C/ Lineros, 32

de Córdoba Biblioteca Viva de al-Ándalus Patrimonio Ciclo de conferencias.

Cuesta del Bailío

Jueves 10 de diciembre. 20.30 h.

Antonio Torres Rodríguez presenta María Yllescas. El Brillante de El maleficio de Bolívar (Ed. Alféizar) Córdoba: una aproximación histórica Miércoles 9 de diciembre. 20 h.

Orquesta de Córdoba

Larumbe Danza. Ballenas. Historias de gigantes

Bodegas Campos

Invernadero

Sábado 16 de enero. 20.30 h.

Sábado 9 de enero. 20.30 h.

Orquesta Joven de Andalucía Director: Michael Thomas.

Domingo 10 de enero. 20 h.

Olga Pericet. Flamenco (Untitled) Nuevo espectáculo de la coreógrafa cordobesa.

Mendelssohn / Chapí. Director: Lorenzo Ciclo familiar ‘¿Vamos al teatro?’.

Ramos. Con el Coro Ziryab, dirigido por Domingo 13 de diciembre. 18 h.

Venere Javier Sáenz-López Buñuel.

Dirección y coreografía: Daniel Abreu.

Jueves 14 de enero. 20.30 h.

De Harold Pinter. Versión: Eduardo Men- El Garito Teatro. Entre líneas doza. Dirección: Mario Gas. Con Gonzalo Ciclo ‘Off Topic’. de Castro, Tristán Ulloa y Javivi.

Sábado 23 de enero. 20.30 h.

Viernes 15 de enero. 20.30 h.

Orquesta de Córdoba. ConcierXXXIV Concurso de Agrupacio- to músico-mágico Concierto familiar. Mozart/Beethoven/ nes Carnavalescas Del 21 de enero al 6 de febrero de 2016

Iglesia de la Magdalena Plaza de la Magdalena

Prin’ La Lá. Detrás de una estrella Concierto de Navidad.

Viernes 18 de diciembre. 21.30 h.

Palacio de Orive Plaza de Orive, 2

Orquesta de Córdoba. Suspiros Recital de marimba con Cristina Llorens.

Martes 22, miércoles 23 de diciembre y domingo 3 de enero. 18.15 h

Palacio de Viana Plaza de Don Gome, s/n

Domingo 24 de enero. 12 h.

Matinales Flamencas Rafael Trenas –hijo– Domingo 6 de diciembre. 12 h

Rosa de la María Domingo 13 de diciembre. 12 h

Bernardo Miranda Domingo 20 de diciembre. 12 h

Los Patios en Navidad Orquesta de Córdoba

Recuerdo navideño a Julio Aumente Martes 22 de diciembre. 20.30 h.

Centro Andaluz de las Letras

tras cantan los pájaros (Ed. Cátedra)

Orquesta de Córdoba

Jardín-Huerto de Orive

XXIV Muestra de Corales Cordobesas Programa: cultura.ayuncordoba.es.

Del 1 al 21 de diciembre de 2016

Mercado de arte.

Domingo 20 de diciembre. De 12 a 19 h.

Museo Arqueológico Plaza de Jerónimo Páez, 7

Aniversario de Samuel de los Santos y Félix Hernández

Conferencia de María Dolores Baena Alcántara.

Presentación de Los poetas del 27 y el gruMiércoles 9 de diciembre. 19 h. po Cántico de Córdoba (Ed. Alegoría)

Domingo 31 de enero. 18 h.

Cantarillo 2015

Día de la Lectura en Andalucía Miércoles 16 de diciembre. 19.30 h.

Pilar Paz Pasamar. Cantar, can-

Museo de Bellas Artes

Música tradicional de Navidad en lugares de Plaza del Potro, 1 tar, cantar es lo que importa carácter asistencial y social. Programa: Homenaje documental a la autora del año del Dibujando el solsticio de invierno cultura.ayuncordoba.es.

CAL. Dirigido a niños de 6 a 12 años. 5, 6, 12, 13, Del 5 al 27 de diciembre de 2015 Del 21 de diciembre al 29 de enero de 19 y 20 de diciembre a las 12 h.

Reservas: 957 103 659.

2016

Casa de la Cultura

Av. Torrefranca, 21. Dos Torres

Avanti. Las cuatro estaciones Magia y danza.

Teatro El Silo

Av. El Silo, s/n. Pozoblanco

CINE Filmoteca de Andalucía C/ Medina y Corella, 5

Ciclos: Estrenos 2015 / Filmoteca junior / Roberto Rossellini / Centenario de Orson Welles / IX Muestra del Audiovisual Andaluz / Peter Tscherkassky: el cineasta exquisito / Centenario de la Teoría de la Relatividad / V Festival ‘Márgenes’. Programación: filmotecadeandalucia.com.

Centro Cívico Trassierra Carretera de Trassierra, s/n

C/ Jesús y María, 10

Av. Linneo, s/n

Viernes 11 de diciembre. 19 h.

Información: 957 200 018.

Librería Ábaco

El Arsenal

C/ Periodista José Luis de Córdoba, 11

Av. de Chinales, 11

Carmen Calero presenta Car- Sesiones de danza contemporánea y técnica tas olor a lavanda (Ed. Punto base, creación pictórica e interdisciplinar, taller infantil… Información: Rojo) Miércoles 23 de diciembre. 17 h.

Librería Luque C/ Jesús y María, 6

Edu Barvero presenta Tiempo visible (Caravansari) Jueves 10 de diciembre. 20 h.

Real Círculo de la Amistad Teatro Góngora

Real Jardín Botánico

Postales navideñas con acuarelas Miguel Castellano presenta Pala- Taller impartido por José Caparrós el 13 de bras en la niebla diciembre desde las 12 h.

C/ Alfonso XIII, 14

elarsenaldechinales.blogspot.com.

Muchocuento y Multiverso 2015

Convocado por la Red Municipal de Bibliotecas para autores nacidos desde 1997. Plazo hasta el 30 de diciembre de 2015.

Bases: biblioteca.ayuncordoba.es.

XV Premio de Poesía para Mujeres ‘Leonor de Córdoba’

Convocado por la Asociación Cultural

Seminario de Edición y Crea- Andrómina.

Plazo hasta el 30 de diciembre de 2015.

Jueves 10 y viernes 11 de diciembre de Bases: andromina.org.

Director: Miguel Ángel Entrenas. Guión: 2015

al-Ándalus

Laura Llorca (flauta), Diego Barbieri (violín) Carlos Clementson BSO: Miguel Linares. Homenaje al poeta Rafael de León Con actores de la ESAD de Córdoba y la Jueves 17 de diciembre. 20.30 h. y Jesús Miquel Villalba (trompa). colaboración de alumnos del IES Ángel de Domingo 3 de enero. 18.15 h.

Saavedra.

Sala Orive

X-de50

Ciclo familiar ‘¿Vamos al teatro?’.

Rafael Martínez, Juan Manuel Morat (tromAverroes y Maimónides. Luz de ción de la UCO. Valle-Inclán bón) y Arturo García (trompeta).

Martes 22 y miércoles 23 de diciembre. 18.15 h.

MODO

Con los poetas malagueños Pepe Infante y Pérgola de los Jardines del Duque de Rivas Rafael Inglada, junto a Pablo García Baena.

Lunes 14 de diciembre. 19.30 h.

Domingo 20 y 27 de diciembre y 3 de Sara Baras. Voces enero. 12 h.

Baile flamenco.

Domingo 27 de diciembre. 21 h.

Plaza del Potro

Jueves 3 de diciembre. 20.30 h.

La Guasa Cía. Circo. Mobil

Sábado 19 y 26 de diciembre. 12 h.

Posada del Potro. Centro de Flamenco ‘Fosforito’

Rafael Barón. El belén español.

Orígenes y evolución de un arte María Dolores Egea Valera pre- en miniatura Martes 15 de diciembre. 20.30 h. senta Más madera C/ Lineros, 32

Dvorak/Chaikovski/Grieg/Vivaldi/Mús- Delegación Territorial de Cultura.

C/ Capitulares, 2 orgski/música folclórica… Violín eléctrico: Pablo García Baena presenta mienEnrique García Vivanco.

Orfeón Cajasur. Villancicos en Viana Miércoles 16 de diciembre. 13 h.

Teatro Laboratorio Raquel Toledo.

Vive la Navidad en Viana

Martes 1 de diciembre. 20.30 h.

Miércoles 16 de diciembre. 20.30 h.

Centro-Museo ‘La Duquesa de Benamejí’ C/ Aguilar, 39. Benamejí (Córdoba)

XI Concurso de Relato Corto ‘Villa de Carcabuey’

Convocado por el Ayuntamiento de Carcabuey. Plazo hasta el 31 de diciembre de Presentaciones de libros, clubes de lectura, 2015. talleres de escritura, prevención del deterio- Bases: carcabuey.es. ro cognitivo, ‘Hora del cuento’…

Información: biblioteca.ayuncordoba.es.

Red Municipal de Bibliotecas

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EL ARTE Y LAS PERSONAS

| año 3 | número 19 | diciembre 2015- enero 2016

Julián Molina Teatro Avanti. Diez años de puertas abiertas JUAN ROBERT HERNÁNDEZ / @jrobher

Teatro Avanti cumple su X aniversario. Este proyecto, que pese a su connotación teatral, va mucho más allá, llega a la juventud con una muy buena perspectiva. Puede presumir de ser el espacio escénico que mayor número de espectadores es capaz de congregar cada año en la ciudad; puede presumir, también, atendiendo al número de alumnos, de ser el referente formativo en materia teatral de Córdoba; asimismo, no engañaríamos a nadie si decimos que este proyecto cumple la misión que otros no han querido cumplir: la de ofrecer un espacio en el que acoger propuestas artísticas que se salen del circuito comercial y que vienen a completar, de forma más que notable, la oferta teatral de la ciudad.

Entrevistamos a Julián Molina, uno de los miembros fundamentales de este proyecto, cofundador y alma mater del mismo.

Buenas tardes Julián, empecemos por el principio, ¿cuáles son los orígenes de vuestro proyecto?

Tras varios años dedicados al mundo de las artes escénicas con la compañía Los Wilson y tras las muchas charlas entre compañeros de profesión en las que no podían faltar los pesimistas análisis de la situación, surge en nosotros la inquietud de hacer algo para revertir este estado.

“Y tú, ¿qué haces para mejorar esta situación?” –solíamos preguntar a nuestro entorno. La respuesta que con más frecuencia se repetía era “…no,… es que yo no puedo…” Esa falta de contundencia, esa indefinición, era la respuesta que necesitábamos. Había que hacer algo para no quedarnos en la mera autocompasión y por eso surgió Teatro Avanti.

Y, ¿cómo toma forma?

Una vez decididos a emprender esta andadura, llamamos a la puerta de distintas administraciones e instituciones.

En Córdoba existían, y desgraciadamente todavía lo hacen, numerosos espacios públicos abandonados o, al menos, desaprovechados. Nuestro objetivo era poder contar con alguno de ellos para sacar adelante el Teatro Avanti. Desafortunadamente, no encontramos respuestas positivas a esta propuesta.

Finalmente, visto que lo público no estaba por la labor, empezamos a buscar por otro lado hasta que encontramos en el colegio Salesianos la fórmula que encajaba con nuestra aspiración. ¿Cómo podríamos definir el proyecto Avanti?

En sus orígenes, nace como lugar de exhibición y de producción teatral.

Aunque esta es su principal actividad, consideramos que un espacio así sería un lugar obsoleto. Hoy en día debe ofrecerse mucho más. ¿Cómo qué?, ¿qué actividad desarrolláis?

© Foto: Avanti

Pese al nombre, consideramos que no puede ser un espacio destinado únicamente a la exhibición teatral, sería muy pobre, sería desaprovechar un espacio.

Como te decía, hoy en día apenas quedan lugares así; en cualquier ciudad europea encuentras espacios que hacen de la polivalencia su principal baza y siempre tuvimos claro que debíamos apostar por este tipo de iniciativa. En Teatro Avanti ofrecemos campañas escolares, formación, realizamos labores de gestión cultural, de producción, en ocasiones, incluso, sala de exposiciones y abiertos no solo a lo teatral sino a todo aquello relacionado con el arte y la cultura. Valgan como ejemplos la Escuela de Música Don Bosco y la Escuela de Danza y Expresión, también gestionadas desde Avanti. ¿Cómo es la relación con el colegio Salesianos?

Muy buena. Compartimos el espacio y mantenemos una relación simbiótica que se concreta en un convenio de colaboración y que precisa de mucha organización, pero que con la buena voluntad de todas las partes hace que todo funcione a las mil maravillas. Hemos conseguido crear un espacio muy vivo del que ambas partes se benefician y repercute positivamente en el entorno.

Y con ese entorno, ¿cómo sentís que ha calado vuestro proyecto?

Fantásticamente. Si después de diez años podemos decir que el proyecto se ha consolidado, es gracias a que la gente muestra interés y sigue respondiendo a nuestras propuestas. Nuestra intención siempre ha sido ofrecer un espacio por y para la ciudadanía. Un espacio con precios asequibles, versátil… y creemos que lo hemos conseguido. Recuerdo que un político, no hace mucho tiempo, pasó por el teatro y me dijo “¡Hombre!, ¡aquí estamos, frente a tu teatro!, a lo que yo respondí “No, no es mi teatro. Es el teatro de las cordobesas y los cordobeses, igual que el que se gestiona desde el ayuntamiento pero adaptado a las necesidades de nuestro público potencial”.

Actualmente, ¿cuál es vuestra relación con las instituciones?

A día de hoy tenemos un convenio con el Ayuntamiento y estamos adscritos a programas de distintas administraciones. Nuestra política es que todo tipo de ayuda que pueda llegarnos debe repercutir directamente en el espectador.

Siendo de la opinión de que nadie debería recibir subvenciones, porque esto hace que no juguemos todos con las mismas condiciones, buscamos dar un sentido a ese dinero aplicándolo directamente sobre el precio de las localidades.

No obstante, ya hemos hablado de la falta de implicación que las distintas administraciones han tenido con el proyecto, sobre todo al principio. ¿Alguna razón para entender esta falta de apoyo?

Sinceramente, no. No quiero decir con esto que se haya dejado de lado a nuestro proyecto por algo en concreto. Observamos que, en general, nuestras instituciones dejan y dejan pasar trenes en lo que a política cultural se refiere. No solo hemos sido nosotros.

Otras iniciativas, como por ejemplo la de la compañía Teatro del Mercado –impulsaron un proyecto para reformar el mercado de Fleming y convertirlo en un teatro–, tampoco recibieron en su momento el apoyo necesario. Un apoyo que no solo se traduce en una aportación económica, sino en una falta de voluntad política para impulsar proyectos de este calado. Muchas veces pienso: “para qué están ahí los políticos si se les elige para que decidan y, después, a la hora de la verdad, no toman decisiones, se limitan a capear el temporal…” ¿Qué es lo mejor de la experiencia de estos diez años?

Cuando cumplimos los diez años, haciendo balance, nos preguntábamos si había servido para algo este proyecto. Una de las respuestas más recurrente era la imagen de padres que venían hace ocho o diez años con sus hijos pe-

queños, hijos que hoy, ya adolescentes, siguen viniendo por María Auxiliadora de forma voluntaria porque se han enamorado del teatro y de lo que este mundo conlleva. Solo con eso, te puedes sentir orgulloso y capaz de decir: “Joé, ¡lo he conseguido!”. ¿Cómo está de salud Avanti?

Muy bien. Después de diez años, podemos decir que ya hemos pasado la adolescencia y que nos encontramos en una etapa de juventud; estamos vigorosos.

Me hablaba antes de que hay momentos en los que se acumula la actividad y podéis encadenar tranquilamente un par de semanas sin ningún día de descanso entre medias. Después de diez años, ¿se cansa uno de desarrollar una labor tan intensa?

La verdad es que, pese a la cantidad de trabajo que sacamos adelante, la pasión hacia nuestro quehacer suple con creces las posibles carencias de relax. Mentiría si dijera que no necesitamos desconectar en ocasiones, pero, la mayoría de las veces, con un descanso de un par de días es suficiente para retomar con fuerzas nuestra labor. ¿Ha llegado Avanti a su punto álgido o todavía le queda recorrido?

Fíjate, no solo no hemos culminado nuestro proyecto sino que, ahora que cumplimos diez años, es cuando más aportaciones podemos hacer más allá de nuestro espacio. En este 2015 que ahora termina, hemos colaborado con UrbanSur y hemos dedicado un altísimo porcentaje de tiempo y trabajo a todo el tema de producción y gestión cultural. Sin olvidar tampoco el aspecto formativo, en el cual estamos muy implicados y que emocionalmente nos aporta una gran dosis de energía. El vínculo que se crea con los alumnos de la escuela es enorme y nos impulsa cada día a seguir adelante.

Y para este X aniversario, ¿alguna sorpresa o algo especial para celebrarlo?

Pues es una pregunta que nos hemos hecho, no te voy a engañar. Pensábamos: ”¿hacemos una fiesta…?, ¿compramos una página en el periódico para darle las gracias a toda Córdoba…?”, y finalmente llegamos a la conclusión de que nosotros habíamos empezado abriendo estas puertas a las cordobesas y cordobeses y que qué mejor manera de celebrarlo que abrir más aún esas puertas ampliando nuestra programación. Y así ha sido, solo en esta temporada de otoño hemos programado alrededor de 50 actuaciones y, de cara al 2016, ese va a seguir siendo nuestro impulso.

Para terminar, ¿alguna cosa que añadir?

Poca cosa, algo que nos gusta siempre hacer al finalizar nuestros espectáculos que es agradecer la presencia a todos los que han venido en alguna ocasión y a los que vendrán, incluso a los que no vendrán.