Influencias de pintores en la comunicación gráfica

Artistas del diseño y su influencia en la comunicación Veremos el trabajo de algunos artistas que han forjado y ayudado a desarrollar lenguajes de diseño / comunicación que hoy damos por sentado

Herb Lubalin Mieczyslaw Berman Paula Scher

David Carson Adrian Frutiger Milton Glaser

Mieczyslaw Berman • 1927 Primeros foto-montajes constructivistas.

Comenzó a crear ilustraciones para obras de escritores revolucionarios.

• 1930 Publicó su foto montajes escritos políticos de izquierda, cuyo mensaje político satírico de Berman impartió impacto ideológico jugando en la asociación y la metáfora. Simplificó su declaración a través de símbolos y signos, sin desarrollar tramas secundarias complicadas.

• Como artista comercial las poderosas convicciones políticas de Berman se nutren de los principios políticos del dadaísmo.

Berman fue parte de los artistas más destacados de la vanguardia polaca de entreguerras. Además de revolUcionar la técnica del foto-montaje y ser un crítico social a través de su arte.

INICIO E INFLUENCIA DE SU OBRA Mieczilaw Berman en sus inicios también estuvo muy influenciado por lo que llegaba de Rusia pero cuando descubrió los foto-montajes de John Heartfield cambió su obra constructivista y dio un giro radical hacia el montaje realista, la sátira y la crítica mordaz.

En su Escuela de Arte Decorativo en Polonia desarrollo el interés por el constructivismo ruso y sus aplicaciones en las artes gráficas.

Como artista comercial las poderosas convicciones políticas de Berman se nutren de los principios políticos del dadaísmo.

IMPACTO SOCIAL Mensaje político satírico de Berman imparte impacto ideológico jugando en la asociación y la metáfora.

Simplifica su declaración a través de símbolos y signos, sin desarrollar tramas secundarias complicadas.

TÉCNICA: DIFERENCIA ENTRE FOTO-COLLAGE Y FOTO-MONTAJE El collage necesita de tijeras y pegamento mientras que el fotomontaje suele ser más sutil y avanzado tecnológicamente. Al collage le gusta dejar ver su estructura y composición por medio de recortes afilados y no siempre cuidadosos, mientras que el fotomontaje sí que la oculta por medio de capas con máscaras bien trabajadas, de dobles exposiciones o de cualquier tipo de tecnología tanto analógica como digital que tenga a su alcance. En el collage se ven y se tocan las diferentes capas, en el fotomontaje esas capas se fusionan antes de realizar la impresión.

Influencia: la utilización del collage y el simbolismo para transmitir mensajes

David Carson A pronta edad demostró su talento; sin embargo, hasta 1980 no tuvo un primer contacto con el diseño gráfico. Ocurrió durante un curso en la Universidad de Arizona. Tres años más tarde, mientras preparaba su licenciatura en Artes de Sociología, fue a Suiza y realizó un trabajo de tres semanas como diseñador gráfico, esto siendo parte de su carrera. Allí conoció a HansRudolf Lutz, su primera influencia y el que más tarde se convertiría en su profesor.

Habiendo trabajado como profesor de sociología y surfer profesional durante los 70, dirigió artísticamente varias revistas de música, monopatines y surf durante los 80.

Carson se convirtió en director artístico de la revista Transworld Magazine. Y en 1989 fue clasificado en el noveno puesto en el ranking de mejores surferos del mundo.

Pronto fue contratado para diseñar Ray Gun, una revista sobre música y estilos de vida de tirada internacional. Durante los tres años siguientes, Carson trabajó para Nike, Ray Ban, Pepsi Cola, Budweiser, Microsoft y Giorgio Armani, entre otros.

Estilo David Carson es conocido por la elaboración de diseños innovadores y originales, y fue el primero en romper con la estructura invisible que sostiene los cimientos del diseño en una página.

Carson prefiere la irracionalidad y el predominio del desorden en sus composiciones, cosa que demuestra en cada número de la revista Ray Gun, todas completamente diferentes.

Sus diseños se alejan del centro, prefiriendo así la tensión de las esquinas y de los márgenes, espacios que suelen estar siempre vacíos. Juega con los espacios en blanco como un elemento más en sus composiciones para aportar carga emotiva.

Para los lectores de Ray Gun es un desafío pero a su vez supone un entretenimiento ya que tienen que interactuar con la revista para poder comprenderla debido a que los elementos que componen cada página aparecen descolocados; bloques de textos girados, columnas de diferentes formas y tamaños se llegan a cruzar e incluso aparecen juntas, lo que dificulta su lectura. El texto aparece en sus composiciones como un elemento vital, por eso, David Carson está considerado uno de los grandes genios de la tipografía.

Sus trabajos también están invadidos de recursos audiovisuales. Para dar esta sensación en sus composiciones, utiliza la repetición de secuencias con fotos contiguas, emplea el efecto de difuminado para dar sensación de velocidad y dinamismo a la imagen, elimina los márgenes de las páginas para dar sensación de continuidad como si fueran los fotogramas de una película.

Su estilo se caracterice por la mezcla del texto con la imagen ya que la interacción entre ambos componentes hace que el mensaje sea más completo y gane fuerza visual. En sus composiciones podemos encontrar el uso de la fotografía de diversas formas: collages, yuxtaposición de fotos, fotografías desenfocadas que suelen servir como fondo cromático, fotos al revés, etc.

David Carson a través de su tipología llega a la cima del movimiento contra la sobriedad. Se centra sobre todo en la tipografía de tipo experimental, esto se debe a que en sus trabajos suele combinar distintas tipografías dando a sus diseños una sensación de innovación. Su tipografía se basa sobre todo en la mezcla y superposición de varios estilos, cambiando el tamaño de las letras el color o el uso en una misma palabra de combinaciones de negrita y cursiva o de mayúsculas o minúsculas.

Características •

• • • •

Medida desproporcional de la letra, a veces muy grande y a veces muy pequeña.

Las letras no siguen una línea guía.

Utiliza textos invertidos.

Superpone textos y colores.

Utiliza demasiada separación entre las letras o casi ninguna.

Trabajo editorial David Carson rompe y contradice todos los manuales y guías de diseño hasta ahora publicadas así como otros esquemas de expertos en el campo del diseño. Carson fue el pionero del diseño estrafalario y alternativo en el diseño editorial.

Algunos diseñadores, sobre todo los jóvenes, consideran a David Carson un genio y, sin embargo, para los más veteranos resulta un radical del diseño gráfico. Este autor intenta buscar siempre la polémica con formas y estilos novedosos y se divierte con ello. Su trabajo es difícil de comprender. De hecho mucha gente dice que sus diseños son incomprensibles. Los expertos afirman que sus diseños son más obras de arte y no de diseño cuya función primordial es comunicar. Pero David Carson defiende el arte como una forma más de comunicar. Defiende que un buen diseño gráfico ha de ir cargado de emoción. Muchos otros afirman que sus diseños llegan a la emoción de la gente y que comunican más que un simple texto.

Sin embargo algunos opinan que cuando parece que Carson trata de oscurecer un mensaje, al examinarlo más a fondo podemos ver que en realidad está apoyando el contenido del mensaje con su diseño personal. El lector necesita centrarse mucho más a la hora de decodificar el texto que si lo hiciera leyendo un párrafo de forma normal.

Fuerza la vista en las líneas más oscuras; adivina palabras que a primera vista parecían incompletas; junta todas las partes y llega así a las ideas más importantes. Con ello consigue una comprensión más profunda que si se hubiese hecho de forma normal.

Influencia: romper moldes

Barbara Kruger Artista conceptual y diseñadora estadounidense. Llevó una brillante carrera como diseñadora de revistas y libros. Su trabajo parte de los estereotipos, que se encuentran dentro de los procesos sociales de integración o exclusión, así como en los de dominación o autoridad. Sus obras son fotografías ampliadas, recortadas y combinadas, acompañadas por textos que retoman lugares comunes del lenguaje.

Estilo y Formato La artista visual Barbara Kruger tiene un estilo sarcástico, peculiar e inigualable en donde representa en sus obras la cultura de las masas, el entorno social, los estereotipos y el feminismo. Utiliza la tipografía Futura Bold Oblique que es sumamente sencilla y legible; ésta es usada con frecuencia en las impresiones y en la publicidad. En sus obras contrasta la fotografía en blanco y negro con el fondo rojo que asemejan una imagen periodística; elemento clave de la comunicación masiva. Es común encontrar en las frases de sus obras el uso de pronombres en inglés como "you", "your", "I", "we", y "they". La artista contemporánea utiliza el método del fotomontaje y este es un procedimiento o método que se aplica al proceso y al resultado de crear una ilustración compuesta de otras, o sea una de collage. Esta composición puede realizarse mediante recortes de otras ilustraciones juntando un cierto número de ellas. En algunas ocasiones el compuesto de ilustraciones es fotografiado hasta que la imagen final es una simple fotografía. El fotógrafo inglés Henry Peach Robinson (1830–1901) es considerado el primero en haber realizado la técnica del fotomontaje, poco después de haber comenzado su carrera, en 1857.

Mecanismo de trabajo Una vez que ha elegido una frase y una imagen, Kruger fotocopia las fotografías, manipulando el tamaño, el marco y el contraste y re-fotografía las imágenes. Durante este proceso acomoda las frases con las imágenes. Después las envía a un estudio fotográfico que agranda sus diseños al tamaño escogido y las imprime en blanco y negro o en color.

Finalmente, las obras se colocan en marcos de esmalte rojo.

Kruger habla a su audiencia directamente a través del uso de pronombres personales (yo, tú, nosotros) de este modo nos hace partícipes de las afirmaciones que lanza. Esos discursos tan directos a la moral nos fuerzan a comprometernos, de alguna manera, con el trabajo personalmente. La unión de lo rudo y lo directo en sus mensajes nos atrapan con un sobresalto tanto emocional como psicológico.

Lo más importante dentro de la obra de Kruger radica en cómo llevar el mensaje al público: “…a través de lo visual, de sonidos, de imágenes y videos…no hay una receta, solo prueba y observa si funciona.” La propia autora nos explica: “La brevedad del texto es una forma de eliminar lo superfluo.

Sólo quiero dirigirme a la gente de una manera muy directa.

Es ore so que siempre uso pronombres, porque abren camino de la misma manera. La apelación directa ha sido una táctica consistente en mi obra, independientemente del medio en el que trabaje. Intento manejar las complejidades del poder y de la vida social, pero en lo que se refiere a la representación visual, deliberadamente evito un alto nivel de dificultad.

Quiero que la gente se sienta atraída al espacio de la obra. Y mucha gente se asemeja a mí en el sentido de que tiene lapsos relativamente cortos de atención. Por lo tanto, apunto a la ventana de la oportunidad”.

Estilo y Formato Ejemplo del trabajo de Barbara

Influencia: estilo / lenguaje directo, apropiaciรณn puedo reinterpretar la imagen para decir otra cosa

¿Algún parecido?

Adrian Frutiger Nace en Unterseen (Suiza) el 24 de marzo de 1928. En su juventud sintió una profunda atracción hacia la escultura y las artes plásticas, sin embargo fue debido a la presión de su padre que le obligó a entrar en la imprenta de Otto Schaeffli con dieciséis años, mientras que a la vez asistía a las clases de la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. A raíz de esto enfocará su estudio hacia el diseño de caligrafía.

En 1951 gana un premio del Ministerio del Interior suizo por un estudio sobre escritura y caligrafía occidental, gracias al cual sus aptitudes llegarán a oidos de Charles Peignot, presidente de una de las fundiciones francesas de mayor prestigio en le época: Deberny & Pe i g n o t . C h a r l e s , s o r p re n d i d o p o r e l meticuloso trabajo de Frutiger le ofrece un puesto en su empresa como diseñador tipográfico que servirá de catapulta para lanzar su carrera durante los próximos nueve años.

En Deberny & Peignot, Frutiger adaptará algunas tipografías (Bodoni, Garamond, Baskerville) para el sistema de composición Lumytipe, el primer sistema de fotocomposición lanzado al mercado. Durante

esta época también diseñará sus primeras tipografías completamente propias en 1954: President y Ondine: En 1960 abandona Deberny & Peignot y abre junto a sus socios Bruno Pfäffli y André Gürtler su propio estudio en la capital francesa, el cual continúa hasta hoy día realizando trabajos.

Durante este periodo diseñará sus tipografías más conocidas: Univers y Frutiger.

Durante su carrera profesional Adrian Frutiger fue el diseñador de la señalización vial e informativa de los aeropuertos ateniéndose a un equilibrio entre la estética y la legibilidad visual de los caracteres.

En 1994 Frutiger vuelve a su país natal, Suiza, donde estableció su estudio en el cantón de Berna y continuó su trabajo diseñando la imagen corporativa de multitud de empresas, como el Swiss Post (correo de Suiza). En 1997 Frutiger presentó la versión Linotype Univers con un catálogo de 59 estilos.

Su mayor aportación: Univers El nacimiento de univers viene Condicionado por un hecho ajeno a la tipografía en sí misma, más relacionado con su modernización. El paso del plomo a la edición por fotocomposición e impresión offset fue un gran hito dentro de la historia de las artes gráficas, el problema fue que algunas de las tipografías diseñadas en la edad de plomo no consiguieron adaptarse adecuadamente al nuevo sistema. En las primeras etapas de la fotocomposición, las tipografías eran grabadas por una lámpara en una película fotoquímica que después era procesada, sin embargo los trazos de las esquinas angulosas de algunas de las tipografías tendían a desenfocarse o terminar redondeadas.

Durante su etapa en Deberny & Peignot, Adrian Frutiger diseñó una tipografía palo seco que se adaptara a los nuevos sistemas, y de paso supusiera un cambio pero a la vez mantuviera el estilo grotesco de las tipografías clásicas. El resultado fue la familia univers, que se ha convertido en uno de los grandes éxitos de la tipografía del pasado siglo. Univers es una familia versátil y con gran variedad de estilos que ha sido recientemente actualizada en colaboración con Linotype Design Studio, siendo llamada esta nueva versión como Univers Next (2010), la cual agrega aun más tipos a la lista.

El sistema de clasificación de tipografías Una de las más importantes aportaciones de Adrian Frutiger al campo de la tipografía es sin duda el sistema de clasificación que empleó para organizar los estilos de la familia univers Tradicionalmente las variantes tipográficas se habían definido siempre con nombres cualitativos y determinados adjetivos con los que podíamos hacernos una idea de las características de esa variante. Sin embargo, no estaba sistematizado, pues cada familia poseía distintas variantes y todo se transformaba en una engorrosa nomenclatura que tendía a llevar a confusión dentro del flujo de trabajo. Adrian clasificó su tipografía unirvers en una tabla, con un

valor numérico de dos dígitos asociados. El correspondiente a las decenas indicaba el peso o grosor del carácter (light, regular, heavy, bold, black...) mientras que el correspondiente a las unidades establecía la variante tipográfica (extended, regular, oblique, compressed, compressed oblique...)

De esta forma, podemos definir una variante de forma clara a través de un número, evitando malentendidos a la hora de referirnos a una misma variante pero con algunas de sus características ligeramente distinta. Este sistema fue adoptado por las familias tipográficas más conocidas como Helvética, de tal forma que se ha convertido en un estándar dentro del sector.

Funcionalidad y legibilidad: Frutiger La tipografía Frutiger fue diseñada a raíz del encargo de crear la señalización para el nuevo aeropuerto de París-Charles de Gaulle.

En un principio Adrian quiso emplear Univers para este trabajo, pero en última instancia decidió diseñar una tipografía completamente nueva, que combinara a la perfección la estética arquitectónica del edificio con la legibilidad que requería una tipografía que fuera a leerse en caracteres blancos sobre fondos oscuros. La frutiger nace como una modificación de la univers más útil, práctica, la principal característica con respecto a ésta última es la mayor apertura de los caracteres, resultando una tipografía menos geométrica pero sin llegar a ser humanista. Es sabido que la excesiva geometría de algunas tipografías dificulta la lectura en condiciones desfavorables (baja luminosidad, cuerpos pequeños, tiempos de lectura cortos, etc) debido a que algunos de los caracteres presentan una morfología muy similar entre sí, y este era el principal problema que Frutiger solventa frente a otras tipografías sin serifa.

Otra de las características que contribuyen a la legibilidad de la Frutiger se encuentra en los arcos de algunas letras como p, d, o b que son más estilizados y menos angulosos. Los blancos de los caracteres a y e fueron adaptados posteriormente para lograr una mejor visualización.

Milton Glaser Milton Glaser nació el 26 de junio de 1929 en el Bronx de Nueva York. Mucho hay que contar sobre su vida y su prolífica carrera que sigue generando una extensa producción de obras que abarcan infinidad de disciplinas dentro del diseño (editorial, logotipos, identidad corporativa, papelería, ilustraciones, posters, carteles publicitarios y más). en 1968 fundó con Clay Felker Felker New York Magazine, revista dedicada a los estilos de vida, cultura y política, y competidora de The New Yorker, donde Glaser fue presidente y diseñador hasta 1977

Trayectoria A lo largo de su carrera, Glaser ha sido un prolífico creador de carteles (más de 300) y grabados.

Su famoso cartel de Bob Dylan se convirtió en un símbolo de los años sesenta y actualmente es un icono del diseño americano.

Para ejecutar este diseño, Glaser se inspiró en un autorretrato que Marcel Duchamp realizó en 1957, sobre esa silueta añadió una psicodélica melena con los colores del arco iris, que según palabras del propio autor: “estaba interesado en el Art Nouveau del momento, esa fue la influencia para los colores y las formas de

la imagen”, el resultado es un cartel con una fuerza y energía arrolladores. Las copias del disco que lo contenía superaron los 6 millones de ventas en todo el mundo, su difusión fue impresionante.

En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. También creó el logo de DC Comics. En 1975 esbozó en una servilleta en que en dos años más tarde se convirtió en un conocido símbolo: I Love New York.

Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht, L’Express, Esquire o Village Voice y La Vanguardia El logotipo es un jeroglífico que fue creado por Milton Glaser y que consiste en la letra I en mayúscula, seguida de un símbolo de corazón rojo (♥), debajo de los cuales están las letras N e Y en mayúsculas, escritas con la fuente American Typewriter.

El bosquejo del concepto original de Glaser y los paneles de presentación fueron donados por Doyle a la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

GRANDES APORTACIONES DE MILTON GLASER EN EL DISEÑO “Inspirador” es quedarse corto. Las aportaciones de Glaser ha sido objeto de exposiciones en el MOMA de Nueva York y en el “Georges Pompidou” de París, y hoy, con más de ochenta años, sigue creando y deleitándonos con sus creaciones.

BOB DYLAN Milton Glaser's Dylan fue inspirado en el retrato de Marcel Duchamp de 1957. " que fue un símbolo de los años sesenta, mezcló formas, dio un nuevo significado al color y reivindicó como pocos el valor de la luz. Estas aportaciones crearon escuela en su momento y siguen inspirando a diseñadores y artistas de todo el mundo.

NEW YORK MAGAZINE Glaser extendió su influencia, en 1968, cuando funda con Clay Felker el "New York Magazine", un Diario referente al arte y la cultura. Fue presidente y director de diseño hasta 1977.

I LOVE NEW YORK En 1981 creó el conocido símbolo para la campaña I Love New York.

El logotipo como marca registrada aparece en souvenirs y folletos en todo el estado, algunos bajo licencia, otros no. La composición musical es la canción estatal de Nueva York. y creó el diseño basado en la campaña publicitaria de Wells Rich Greene, Con esta campaña se pretendía buscar que la gente viera Nueva York como algo más que una gran urbe con todos los problemas que eso supone, siendo un lugar del que disfrutar y en el que poder vivir. De este modo, se buscaba que la campaña turística estuviera dirigida tanto a recuperar el turismo que se estaba perdiendo como a todos los habitantes del estado de Nueva York.

La primera idea de Glaser fue utilizar el simple eslogan “I love New York” (Me gusta Nueva York) en dos líneas, con una tipografía elegante que llamara la atención. Pero tras pensar un día entero, anotó en una hoja “I Love New York” y se percató de que únicamente necesitaba las mayúsculas para hacer llegar el mensaje. Inspirado en el eslogan “Virginia is for Lovers” de la campaña de 1969 del estado de Virginia, Glaser creó un logo que consistía en la letra I seguida del símbolo del corazón en rojo. Debajo situó las letras N e Y escritas en la patriótica tipografía American Typewriter, resultando el logo que todos conocemos. En los últimos años, esta maca ha sido explotada por muchos otros lugares como Londres, París, Los Ángeles, San Francisco o México DF. También la idea ha sido explotada más allá de los corazones, siendo el ejemplo más característico el I (trébol) Boston.

SIMBOLO CONTRA EL SIDA La concepción de un símbolo internacional para designar el SIDA para la Organización mundial de la salud.

Herb Lubalin Lubalin fue un diseñador gráfico, fotógrafo, tipógrafo y director de arte publicitario estadounidense nacido el 17 de marzo de 1918 en Nueva York y fallecido el 24 de mayo de 1981 en dicha ciudad.

Considerado como uno de los más grandes e importantes pioneros artísticos del diseño gráfico del siglo XX, Lubalin posee una magnifica trayectoria profesional así como una gran creatividad e imaginación que le sirvieron para romper los moldes y esquemas de una sociedad anticuada y ortodoxa.

Asistió al instituto Cooper Union en donde cursó carrera en la escuela de artes, la cual actualmente lleva su nombre (The Herb Lubalin Center for Design and Typography), desde el año 1936 hasta su graduación en 1939.

Durante su periodo de educación superior comenzó a interesarse en la tipografía como herramienta de la comunicación, Gertrude Snyder, una persona cercana él en ese entonces,

afirma que Lubalin se fascinaba en

como la interpretación, el mensaje y el tono con el que se lee el comunicado se afecta por la tipografía que se utiliza.

En 1952 consigue su primera medalla de oro del club de Directores de Arte Nueva York, gracias a su trabajo como director creativo de la agencia publicitaria Sudler & Hennesey Inc. (especializada en productos farmacéuticos).

Para el año 1962 comienza a trabajar conjuntamente con Ralph Ginzburg en el diseño de la revista Eros, Fact y Avant Garde (esta última posee una tipografía creada por él mismo). Además de que la National Society of Art Directors lo nombra como Director Artístico del año.

Trabajar para estas revistas le dio la libertad a Lubalin de estar a cargo desde la portada y el diseño hasta la identidad de las mismas. Esto se debe a que ellas no estaban sujetas a publicidad, ni a las normas tradicionales de ese momento. Eros Magazine se dio a conocer por sus publicaciones sobre belleza del creciente sentido de la sexualidad y la experimentación, en particular en la contracultura emergente. Eran impresas en un formato de 13 por 10 pulgadas, por lo que parecían más un libro que una revista de publicación trimestral.

Ginzburg y Lubalin continuaron con Fact Magazine, con la misma base que tenía Eros, aunque esta publicaba escritores que no habían tenido oportunidad en medios famosos. Gracias al bajo presupuesto que tenía la revista Lubalin se concentró en el minimalismo con el uso de tipografías sencillas (solo podía utilizar dos tipos), y con imágenes e ilustraciones de alta calidad (solo tenían a un artista que manejaba las ilustraciones e impresiones a blanco y negro).

La revista se hizo muy famosa en el underground market.

Avant Garde fue la más notables de sus creaciones con Ralph Ginzburg. A diferencias de las anteriores revistas, Avant Garde no podía ser considerada una revista con publicaciones obscenas, sino, que estaba llena de imágenes creativas, una mordaz crítica a la sociedad estadounidense y el gobierno, temas sexuales, y (para ese entonces) lenguaje crudo. En una de sus portadas aparece una mujer embarazada desnuda; otra publicación tenía una parodia de la famosa pintura patriótica de Willard: "El Espíritu del 76", con una mujer y un hombre negro.

El logo y el diseño de la revista Avant Garde, dio vida al tipo de letra muy conocida y de mismo nombre. Fue pensado originalmente para ser utilizado en el diseño de logotipos. Su primera versión consistía únicamente de 26 letras mayúsculas.

ITC (International Typeface Corporation) es una empresa de diseño tipográfico que consuma conjuntamente con Aaron Burns y Ed Ronthaler, para producir y vender tipografías con estilos nuevos y diferentes.

La tendencia a la que pertenecía Lubalin se le conocía como el expresionismo gráfico o “Escuela Estadounidense del Expresionismo Gráfico” que era el término que utilizaba para denominar a la corriente artística que se desarrolló en el país a partir de 1940.

Fuente tipogrรกfica

Este se encontró influenciado por el movimiento vanguardista europeo conocido como expresionismo, y tuvo el objetivo de modernizar y romper con el tradicionalismo existente en el diseño gráfico, a través de la expresión personal y las formas completamente nuevas y originales de comunicar mensajes visuales.

El expresionismo fue un movimiento artístico que surgió en Alemania a principios del siglo XX y se caracterizó principalmente por la búsqueda de la expresión subjetiva en las obras, en esencia buscaba transmitir todos los sentimientos personales de manera que predominaran por sobre lo lógico, a través de la distorsión o desfiguración de la realidad, para que de esta forma los artistas retrataran con mayor intensidad su propia visión de lo que les rodeaba. Se caracterizó por utilizar colores intensos y temáticas en donde se realzaba la soledad y el sufrimiento, ya que era lo que se vivía para la época de la Primera y Segunda Guerra Mundial, así como también otros graves problemas sociales.

El pionero de este movimiento en Estados Unidos fue Paul Rand, pero el más destacado e influyente diseñador fue Herb Lubalin (fue conocido como el genio tipográfico de su época), quien introdujo el tipograma (texto cuyos caracteres están colocados de tal forma que entre sí forman una imagen o dibujo para transmitir una idea).

Las tipografías creadas por Herb Lubalin y sus colaboradores sin duda alguna son una muestra clara del estilo vanguardista que prevalecía en aquella época y continua en la nuestra.

•

•ITC Avant Garde Gothic: 1970, al tomar como base el logo que realizó para la revista Avant Garde (de ahí su nombre). La estructura básica de esta es geométrica, compuesta principalmente de círculos y líneas rectas perfectas (similar al estilo de la escuela alemana de arte Bauhauss), además de un número extremadamente grande de ligaduras kerned. Esta tipografía resalta de gran manera debido a su alternancia y la forma en la que sus tipos interactúan, lo que le da una estética diferente y agradable.

•

•Ronda: Fue diseñada por Lubalin en 1970 y presenta una estructura geométrica bien definida entre círculos, triángulos y rectángulos. Una característica que se distingue es la forma que presenta la parte superior de las mayúsculas B, P y R. Además, su estilo moderno la hace útil para cualquier uso.

•

•

•

Esta tiene similitud con la tipografía “Litera” y ambas se inspiran en el estilo vanguardista de la escuela Bauhauss.

•Lubalin Graph: Diseñada por Lubalin y dibujada por Tony DiSpigna y Joe Sundwall en 1974.

Toman como base la estructura de la tipografía Avant Garde pero la modifican al agregarle en las terminaciones del tipo una serie de serif o detalles que le dan un toque estético así como más concreto.

• ITC Serif Gothic: Herb Lubalin conjuntamente con Antonio DiSpigna dan origen a esta tipografía la cual, destaca mayormente por su diseño en el cual se presentan serifs bien particulares, así como la combinación de la sencillez del estilo gótico con la elegancia del romano.

Se le reconoce enormemente por haber sido el artífice de la tipografía Avant Garde, término militar francés que significa vanguardia, y que hace honor a su nombre ya que se utiliza para denotar a aquellos personajes caracterizados por ser reformistas e innovadores, como Lubalin.

Sí, realmente sus aportes más significativos se encuentran en las nuevas formas que utilizaba en la tipografía para transmitir una idea a todo el que lo viera.

Esto produjo controversias dentro de la sociedad pero su polémica manera de emitir información a través de la modificación de letras y uso de las mismas para crear, no una simple serie de caracteres, sino un complejo y a la vez elegante arte que contuviera mayor significado y permitiera un mayor uso de la creatividad, fue lo que le permitió ganarse un puesto entro los más grandes genios del diseño gráfico en el siglo XX.

Paula Scher Nació el 6 de Octubre en Virginia, Estados Unidos, y empezó su carrera en los años 70. Estudió en la Escuela de Arte Tyler, en Pennsylvania, y se graduó en Bellas Artes en 1970. Su primer trabajo como diseñadora lo obtuvo cuando se mudó a Nueva York y laboró para la RandomHouse en la división de niños.

Sus diseños basados en la tipografía son innovadores y llenos de vida. Su enfoque, desde que empezó su carrera, siempre ha sido hacia lo contemporáneo. Diseños emocionales, atractivos y frenéticos, característicos de la vida en Nueva York. Es una fantástica y trascendente diseñadora gráfica.

Unos de sus mejores y más complicados trabajos, son mapas grandísimos y a escala, los cuáles son pintados. Su pasión por el arte viene desde la niñez, y puede que ese interés por los mapas haya sido infundado por su padre, quién fue uno de los más destacados personajes de la cartografía moderna. Pero Paula lleva la cartografía a otro nivel, a un nivel estético y tipográfico, haciendo los mapas a su manera.

Hay que apreciar también que su uso del color es impecable. Es llamativo sin rayar a lo desagradable, con un buen uso de contrastes, y cuando lo combina con la tipografía se convierte en algo sencillamente genial, Además, es la primera mujer en ser la directora en NY de Pentagram, y desde 1991 ocupa ese cargo magistralmente.

Desde el instituto, Paula era la que se encargaba de la publicidad, y hacía los carteles para los bailes y eventos escolares. Define ese como "su primer trabajo".

Uno de sus más recientes trabajos, y el más conocido (aunque la mayoría de la gente no sepa que fue ella) es la nueva imagen de Windows, que fue actualizada para el lanzamiento del Windows 8.

Microsoft la contrató para que creara una nueva imagen que se pudiera acoplar a varios medios, y que se pudiera conectar con los demás productos de la empresa. "Windows" es una ventana, y como el logo antiguo parecía una bandera. Entonces Paula decidió mejorar el logo haciéndolo angular, que caracterice a una ventana, y dejarlo monocromático. El uso de la perspectiva podían darle el aspecto dinámico que al principio buscaron encontrar con el efecto "bandera" del logo.

Paula Scher tiene el mérito de ser una de las pocas profesionales que hizo todo lo que se puede hacer en el mundo del diseño: editorial, afiche, packaging, identidad corporativa para clientes como países, empresas multinacionales y empresas chicas. Sabe que es lo que quiere el cliente, y se lo da.

Algunas palabras que Paula Scher ha querido compartir y es que para lograr sus metas y es que ella intenta no llegar a una situación en la que alguien le diga que no le gusta lo que hizo (su diseño), pero es una cuestión compleja. Un cliente nunca debería estar en posición de no gustarle el trabajo, porque si a un cliente no le gusta el trabajo quiere decir que uno no ha planteado bien el proceso. No se trata de enseñarle cosas y que él te responda. Esa situación no es buena. La buena es cuando desde el principio del proyecto existe un diálogo en el que hay pasos y reacciones, en el que no se juzga una solución que se te ha ocurrido para solventar un problema, sino que se usan ideas iniciales, de dos a cuatro ideas que puedan ser tratadas en combinación, y que el cliente sabe que no son el resultado final, sino que se pueden modificar. De modo que, si estas ideas iniciales no le gustan al cliente, todavía puedes presentar otras. Si esas ya no le gustan, entonces has de despedir al cliente, porque ya no le va a gustar. Pero en teoría Paula dice que es buena, si planteas bien el diálogo (y has de hacerlo mientras desarrollas la propuesta del trabajo), si hay buena comunicación, nunca alguien llegara a la situación de que al cliente no le guste el trabajo de uno.

Su fascinación con la tipografía no se queda atrás. Dice que esta es la época dorada del diseño de tipos, y ha hecho nombres de varias tipografías. "Lo que es difícil para los diseñadores es crecer y cambiar. Eso es lo que ella lucha por conseguir."

Su trabajo ha sido expuesto en todo el mundo y está representado en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York, la Biblioteca del Congreso en Washington DC, el Denver Art Museum, el Museo für Gestaltung de Zürich, la Biblioteca Nacional de Francia y el Centro Georges Pompidou de París.

Sus diseños son muy volátiles. Van desde lo sutil y la simplicidad hasta lo complejo y lo cargado.