Issuu

03/08/2023

¿Qué son instrumentos de viento?

¿Conoces del Oboe?

¨La trompeta, un instrumento de viento¨ ¨La quena, un instrumento nacional¨

¿Qué son instrumentos de viento?

Los instrumentos musicales de viento son una categoría de instrumentos que se caracterizan por producir sonido a través de la vibración del aire dentro de ellos. Estos instrumentos tienen una larga historia en la música, y se pueden encontrar en muchas culturas diferentes en todo el mundo. Los instrumentos de viento se dividen en dos categorías principales: los de madera y los de metal. Los instrumentos de viento de madera incluyen flautas, clarinetes, saxofones y oboes. Estos instrumentos se hacen tradicionalmente con madera, aunque algunos modelos modernos están hechos con materiales sintéticos o plásticos. La mayoría de los instrumentos de viento de madera tienen un tubo largo y delgado que se ensancha en la parte inferior, y una boquilla que el músico sopla para producir sonido. Los instrumentos de viento de metal incluyen trompetas, trombones, saxofones y tubas. Estos instrumentos tienen una estructura similar a la de los instrumentos de madera, pero están hechos con metales como el latón o el cobre. La mayoría de los instrumentos de viento de metal tienen una forma cónica o cilíndrica, y un embudo que amplifica el sonido producido por el músico.

Los músicos que tocan instrumentos de viento deben tener una técnica especial para producir sonido. Esto implica soplar aire a través del instrumento mientras se mueven los labios y la lengua para crear diferentes tonalidades y ritmos. Los músicos también deben ser capaces de leer partituras musicales y seguir el tempo adecuado para tocar en conjunto con otros músicos. Además de su uso en la música, los instrumentos de viento también tienen beneficios terapéuticos. La terapia musical con instrumentos de viento se ha utilizado para ayudar a las personas con enfermedades respiratorias a mejorar su capacidad pulmonar y respiratoria. También se ha demostrado que tocar un instrumento musical reduce el estrés y mejora el bienestar mental. Además de su uso en la música, los instrumentos de viento también tienen beneficios terapéuticos. La terapia musical con instrumentos de viento se ha utilizado para ayudar a las personas con enfermedades respiratorias a mejorar su capacidad pulmonar y respiratoria. También se ha demostrado que tocar un instrumento musical reduce el estrés y mejora el bienestar mental.

En conclusión, los instrumentos musicales de viento son una parte importante de la música en todo el mundo. Desde las flautas andinas hasta las trompetas de jazz, estos instrumentos han sido utilizados para crear hermosas melodías y ritmos durante siglos. Además, los instrumentos de viento también tienen beneficios terapéuticos para aquellos que los tocan o escuchan.

Saxofón Saxofón Saxofón Saxofón Saxofón Saxofón Saxofón

Saxofón

El saxofón es un instrumento de viento inventado por el belga Adolphe Sax en el siglo XIX. A diferencia de otros instrumentos de viento, el saxofón tiene una boquilla con una caña que vibra al soplar, lo que le da su tono y timbre característicos. El cuerpo del saxofón está hecho de latón, con llaves y mecanismos de metal que permiten al músico cambiar la afinación y la articulación del sonido.

El saxofón se clasifica en varios tamaños y afinaciones, desde el más pequeño soprano hasta el más grande barítono. Cada tamaño tiene su propio rango de notas y características tonales únicas. Los saxofones más comunes son el soprano, alto, tenor y barítono.

El saxofón se utiliza en una amplia gama de géneros musicales, incluyendo jazz, blues, rock y música clásica. En el jazz, el saxofón a menudo se usa para improvisar solos y para crear líneas melódicas complejas. En el blues, el saxofón se usa para tocar riffs y líneas de bajo. En la música clásica, el saxofón se usa tanto en música de cámara como en orquestas sinfónicas.

Algunos artistas reconocidos por su dominio del saxofón incluyen a Charlie Parker, John Coltrane, Sonny Rollins y Kenny G. Cada uno de estos músicos ha desarrollado su propio estilo único en el instrumento y ha influenciado a generaciones posteriores de músicos de saxofón.

En resumen, el saxofón es un instrumento de viento versátil y expresivo que se utiliza en una amplia variedad de géneros musicales. Su timbre característico y su capacidad para improvisar solos complejos lo convierten en uno de los instrumentos más populares y queridos en la música. Se clasifica en diferentes tamaños y afinaciones, desde el más pequeño soprano hasta el más grande barítono. Los tamaños más comunes son el soprano, alto, tenor y barítono. Cada tamaño tiene su propio rango de notas y características tonales distintivas. Se clasifica en diferentes tamaños y afinaciones, desde el más pequeño soprano hasta el más grande barítono. Los tamaños más comunes son el soprano, alto, tenor y barítono. Cada tamaño tiene su propio rango de notas y características tonales distintivas.

Se clasifica en diferentes tamaños y afinaciones, desde el más pequeño soprano hasta el más grande barítono. La familia del saxofón está compuesta por siete tipos diferentes: el sopranino, el soprano, el alto, el tenor, el barítono, el bajo y el contrabajo1. Además de estos, también existen otros tipos de saxofones como el contralto o el mezzosoprano1. Estos instrumentos están afinados alternativamente en Mib y Sib y abarcan toda la extensión del piano en su registro natural, sin utilizar posiciones para producir el registro sobreagudo Algunos casos como Don Redman apenas lograba prodigarse entre los saxofonistas profesionales de la época1. Por esta razón, podría decirse que se empezó a relacionar al Saxo Alto con el Jazz ya bien entrados los años 30, cuando comenzó la época del Swing1.

El saxo alto comenzó a desempeñar un papel primordial en el mundo musical cuando empezaron a surgir las big bands del Swing1. En esta época, nombres de la talla de Johnny Hodges, Benny Carter y Willie Smith comenzaban a hacerse visibles, a la vez que impulsaban la fundación de tres escuelas musicales

Clarinete

El clarinete es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento-madera que consta de una boquilla con caña simple1. Dentro de la orquesta, se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la flauta, el oboe, el saxofón y el fagot1. El clarinete es un aerófono de lengüeta simple y la lengüeta está hecha de caña de la especie Arundo donax1.

El cuerpo del instrumento puede estar hecho de madera (tradicionalmente de ébano o granadillo), ebonita, ABS y su perfeccionamiento, en el siglo XIX, con un sistema de llaves mejorado lo situó en un lugar privilegiado entre los instrumentos1. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes como solista además de ser un instrumento de enorme agilidad y sonoridad, en especial para la ejecución de trinos y cromatismos1.

El nombre proviene del término clarín, que se usaba antiguamente para referirse a trompeta natural empleada en su registro más agudo1. En el Barroco se exigía un uso cada vez más amplio de esos agudos de la trompeta porque de esta manera se podía aprovechar el registro melódicamente más completo, ya que al subir por la gama de armónicos estos se encuentran más unidos ahí que en el registro grave donde los intervalos son más grandes1.

El timbre del clarinete es rico en matices y posibilidades expresivas. Junto a la flauta y el violín es el instrumento más ágil de la orquesta; puede emitir cualquier matiz extremo en cualquiera de sus registros, lo que hace de este instrumento una voz sumamente versátil1. Dicha capacidad de emitir matices extremos en cualquier registro es única entre todos los instrumentos de viento. También es uno de los instrumentos con una de las extensiones más grandes en su registro: el soprano alcanza casi cuatro octavas (desde un mi2 y por encima hasta las posibilidades del músico) y los modernos clarinetes bajos ampliados sobrepasan las cuatro octavas

donax1.El cuerpo del instrumento puede estar hecho de madera (tradicionalmente de ébano o granadillo), ebonita, ABS y su perfeccionamiento, en el siglo XIX, con un sistema de llaves mejorado lo situó en un lugar privilegiado entre los instrumentos1. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes como solista además de ser un instrumento de enorme agilidad y sonoridad, en especial para la ejecución de trinos y cromatismos1. El nombre proviene del término clarín, que se usaba antiguamente para referirse a trompeta natural empleada en su registro más agudo1. En el Barroco se exigía un uso cada vez más amplio de esos agudos de la trompeta porque de esta manera se podía aprovechar el registro melódicamente más completo, ya que al subir por la gama de armónicos estos se encuentran más unidos ahí que en el registro grave donde los intervalos son más grandes1.

La Trompeta

La trompeta es un instrumento musical de viento, que pertenece a la familia de los instrumentos de viento metal, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). Comúnmente, suele estar afinada en si (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación escrita en el pentagrama, aunque también hay trompetas afinadas en fa, en do, en la y en mi, - bemol -.1 Al músico que toca la trompeta se le conoce como trompetista o trompeta. La trompeta está construida con un tubo, de latón generalmente, doblado en espiral de aproximadamente 180 cm de largo, con diversas válvulas o pistones, que termina en una boca acampanada que recibe el nombre de campana o pabellón. Los dos primeros tercios del tubo son prácticamente cilíndricos, lo que le proporciona un sonido fuerte y brillante, al contrario de lo que ocurre con la corneta y el fliscorno, que poseen un tubo cónico y producen un tono más suave. El otro tercio restante es un tubo cónico, excepto en los últimos 30 cm, en los que el tubo se ensancha para formar la boca en forma de campana. El calibre es una serie compleja de vueltas, más pequeñas en el receptor de boquilla y más grande justo antes del comienzo de la campana. El diseño cuidadoso de estas vueltas es crítico para la entonación de la trompeta.2 Como con todos los instrumentos de metal, el sonido es producido por el aire que se sopla a través de los la -

bios cerrados, obteniendo un «zumbido» en la boquilla y comenzando una permanente ola de vibración en la columna de aire en el interior de la trompeta. El trompetista puede seleccionar la ejecución de una gama de matices armónicos o modificando la apertura y tensión del labio ejercida sobre la boquilla (conocida como la embocadura). En un principio, su capacidad para producir ondas de sonido, se limitaba a una serie de armónicos so -

bre la nota fundamental. Sin embargo, con la posterior adaptación del mecanismo del pistón, la trompeta se convirtió en un instrumento cromático. Está provista de tres pistones y en general está afinada en si ♭, do o la. Cuando su afinación es en do no hay necesidad de transportar. En la trompeta en Si ♭ y la trompeta en la, la transposición es básicamente la misma que se utiliza para el clarinete.3 La trompeta tiene tres pistones que dirigen el sonido por diferentes partes de la tubería que forma el instrumento y de esta manera alarga o acorta el recorrido del sonido y, por tanto, consigue su afinación cromática. Cada uno de estos pistones aumenta la longitud de los tubos cuando son pulsados, lo que reduce la tonalidad de la nota. El primer pistón, que está conectado a un tubo de largo mediano, reduce la nota de la trompeta en dos semitonos; el segundo pistón, conectado a un tubo de corta longitud, baja la nota un semitono; y el tercer pistón, conectado a un tubo largo, baja la nota tres semitonos. En ocasiones existe un cuarto pistón, como es el caso de la trompeta piccolo, que reduce en 5 semitonos la nota de la trompeta. Mediante la combinación de estos tres (o cuatro) pistones se consigue casi toda la afinación cromática dado que se obtienen hasta ocho longitudes diferentes en el tubo resonador. El sonido se proyecta hacia el exterior por la campana.2 De esta forma, la trompeta en si ♭ al apretar el primer pistón (dos semitonos menos), hace que do baje a si ♭, mi a re, y sol a fa. En la tonalidad real baja si ♭ a la ♭, re a do, y fa a mi ♭. Al apretar el segundo pistón (un semitono menos), do baja a si, mi baja a re ♭ (sostenido), y sol a fa ♭. En tonalidad real baja si ♭ a la, re a do ♭, y de fa a mi. Al apretar el tercer pistón (tres semitonos menos), do baja la, mi baja a do ♭, y sol baja a mi. En tonalidad real baja si ♭ a sol, re a si, y fa a re. Al apretar dos pistones a la vez, se suman sus caídas de tonalidad, siendo tres tonos lo máximo que se puede bajar: apretando los tres pistones a la vez: 2 semitonos + 1 semitono + 3 semitonos = 6 semitonos o 3 tonos. Bomba de afinació nLa serie armónica de la trompeta se asemeja a la escala de música, pero hay algunas notas de la serie que son comprometidas por estar ligeramente fuera del rango y se las conoce como tonos de lobo (o wolftone). Algunas trompetas tie-

nen un mecanismo deslizante para compensarlas. La afinación se suele ver afectada por la temperatura ambiental, por tanto es necesario calentar el instrumento antes de tocar soplando a través de él. Para afinar correctamente la trompeta es necesario ajustar la bomba de afinación hasta conseguir la afinación deseada. La bomba de afinación es el codo metálico que remata la sección central de la trompeta y que queda a la misma altura que la campana. En esta misma ubicación se encuentra la llave de desagüe, utilizada para expulsar el agua que se acumula en el interior de la trompeta como resultado de la condensación del aire en sus tuberías.

La boquilla tiene un borde circular llamado anillo que proporciona un ambiente cómodo para la vibración de los labios. Inmediatamente detrás del anillo está la copa, que canaliza el aire por una apertura mucho menor, el granillo, que disminuye un poco para que coincida con el diámetro de la tubería principal de la trompeta. Las dimensiones de estas partes de la boquilla afectan al timbre o la calidad del sonido y a la facilidad y comodidad de la ejecución. En general, cuanto mayor y más profunda es la copa, más oscuro es el sonido del timbre.4 Distintos tipos de sordina para trompeta La trompeta puede fabricarse en distintos estilos, con modelos para los principiantes, los trompetistas intermedios o para músicos profesionales. En el pasado, se fabricaron trompetas con un número de materiales improbables, incluyendo la madera, la arcilla y la cerámica. También han sido fabricadas completamente de latón, bronce, plata y níquel. La trompeta moderna está fabricada comúnmente de latón y a veces es galvanizado con plata, níquel, oro o cobre. Mide aproximadamente 50 cm.La sordina es un mecanismo que sirve para cambiar la calidad y atenuar el sonido producido por la trompeta. Tiene forma de pera y encaja perfectamente en la campana del instrumento, aunque existen otros tipos de sordinas que no se acoplan en la campana (como la sordina desatascador). Suelen fabricarse de fibra o metal.2

Las sordinas obstruyen los movimientos de las ondas sonoras en los metales, amplifican ciertos armónicos y reducen otros. Los trompetistas han experimentado con diversas formas de sordinas, desde insertar una mano

Louis Armstrong

Nueva Orleans, 1900 - Nueva York, 1971) Trompetista, cantante y director de grupo de jazz estadounidense. Para definir a este artista son especialmente adecuadas las palabras de Duke Ellington, quien dijo que si había un auténtico Mr. Jazz, éste era sin duda Louis Armstrong. Louis Armstrong.Sus inicios musicales tuvieron lugar en su ciudad natal, donde tocó con diversos grupos hasta 1922, año en que Joe King Oliver lo incorporó a su Creole Jazz Band en Chicago, donde se casó con la pianista de la banda, Lilian Hardin. A raíz de sus actuaciones en la capital de Illinois, Fletcher Henderson lo invitó a Nueva York en 1924 para tocar en su big band, con la cual grabó algunos discos que pusieron de manifiesto la creatividad y originalidad del músico.

Su virtuosismo en la improvisación ejerció una gran influencia en los músicos de jazz neoyorquinos. En 1925 regresó a Chicago y fundó su propio grupo, un quinteto (The Hot Five) que posteriormente se transformó en septeto (The Hot Seven), con el cual se convirtió en uno de los músicos de jazz más reputados mundialmente y logró que en la década de 1920 Chicago compartiera la capitalidad mundial del jazz con Nueva York, ciudad a la que

regresó a finales de esa misma década, entre otros motivos, para afianzar su carrera cinematográfica. Debutó en el cine con la aparición en la película Ex-flame (1930), año en que también se separó de Lilian Hardin. En 1932 realizó una exitosa gira por el Reino Unido, que repetiría al año siguiente, aunque en esta ocasión incluyó además en su itinerario Dinamarca, Noruega y Holanda.

En 1936 su popularidad era tal que decidió publicar una autobiografía, que tituló Swing that music. Siete años después de su separación matrimonial obtuvo el divorcio y se casó entonces con Alpha Smith. En 1939 participó en la realización de Swingin’ the dream, una versión de El sueño de una noche de verano de William Shakespeare en clave de jazz. Tras cuatro años de matrimonio, se divorció de su segunda esposa y contrajo terceras nupcias con Lucille Wilson. El grupo de Armstrong, que había adquirido la forma de una big band tras su definitivo traslado a Nueva York en 1929, experimentó una nueva transformación en 1947: redujo su número de componentes a siete y cambió su nombre por el de Louis Armstrong and the All Stars. Con este septeto participó en el Festival de Jazz de Niza (Francia) celebrado en el año 1948, que es considerado como el primero de la historia. Seis años más tarde publicó una segunda autobiografía, Satchmo: My live in New Orleans. Durante la década de 1950 dio conciertos en buena parte del mundo y efectuó giras por África, Australia y Japón.

Al margen de su faceta musical, Louis Armstrong fue un hombre de profundas convicciones políticas, que lo condujeron, por un lado, a condenar públicamente la segregación racial y a cancelar una gira por la Unión Soviética como protesta contra el régimen comunista gobernante. En 1964, el tema Hello, Dolly del musical homónimo de Gene Kelly (protagonizado por Barbra Streisand y Walter Matthau) le proporcionó su primer número uno en las listas nacionales de éxitos. Al año siguiente, las autoridades municipales de su Nueva Orleans natal le concedieron la llave de la ciudad. En 1970 se le rindió un homenaje en el marco del prestigioso Festival de Jazz de Newport, en el que participaron figuras de la talla de la cantante Mahalia Jackson, Dizzy G cedric gregori murio en el torneo, tedible, y harry tite.

Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz?? Jazz??

Bobby Hackett Jazz?? Jazz?? Jazz??

Robert Leo Hackett, más conocido como Bobby Hackett, fue un versátil músico de jazz estadounidense que tocó música swing, jazz Dixieland y música de ambiente, ahora llamada Easy Listening, en trompeta, corneta y guitarra1. Nació el 31 de enero de 1915 en Providence, Rhode Island y falleció el 7 de junio de 1976 en Chatham, Massachusetts1.

Hackett comenzó su carrera musical tocando la guitarra y el violín en una banda en un restaurante chino local. Después de ver a Louis Armstrong actuar, aprendió a tocar la corneta y la trompeta1. En Providence, tocó en un par de otras bandas locales, luego una en Syracuse, Nueva York y otra en Cape Cod, Massachusetts. Pasó un par de temporadas en una banda en Boston y Providence con Brad Gowans y el clarinetista Pee Wee Russell, luego lideró otra banda en Boston1.

Después de que el crítico de jazz George Frazier lo elogiara en varios artículos, se mudó a la ciudad de Nueva York en 1937. Primero tocó con el clarinetista Joe Marsala (más tarde compositor) y luego pasó un año tocando en Nick’s, un bar de Greenwich Village conocido por su música Dixieland1. Mientras estaba allí, se convirtió en parte de los músicos Dixieland que incluían a Pee Wee Russell, Brad Gowans, Zutty Singleton, Billy Butterfield, Dave Tough, Joe Sullivan y Eddie Condon1.

Aunque siempre dijo que era seguidor de Armstrong, se hizo famoso como seguidor del cornetista Bix Beiderbecke. En 1938 Benny Goodman contrató al talentoso joven de 23 años para recrear el solo “I’m Coming Virginia” de Bix en su concierto (de Goodman) de 1938 en el Carnegie Hall1. A finales de los años 30, Hackett tocó la trompeta principal en la Orquesta Vic Schoen, que respaldaba a las Andrews Sisters. En la película Second Chorus de Fred Astaire de 1940. Hackett puede ser escuchado en la banda sonora. Dobló el toque de trompeta de Fred Astaire en dos números. En la película, Astaire es un trompetista en la orquesta de Artie Shaw.

Hackett también trabajó con las bandas de Glenn Miller y Benny Goodman a finales de la década de 1930 e inicios de la década de 1940.

Jazz?? Jazz?? Jazz??

Charlie Parker

Charlie Parker, también conocido como “Bird” o “Yardbird”, fue un saxofonista, compositor y líder de banda estadounidense de jazz. Nació el 29 de agosto de 1920 en Kansas City, Kansas y falleció el 12 de marzo de 1955 en Nueva York1. Parker es considerado uno de los saxofonistas más grandes de la historia del jazz y una figura clave en su evolución. Junto con Bud Powell, Dizzy Gillespie y otros, es uno de los iniciadores del bebop1. Su estilo rompe con el del swing y se basa en la improvisación sobre una melodía modificando los acordes, creando así nuevas variaciones sobre la estructura de los temas. Aparte de su obra interpretativa, Parker es autor de varios temas que se han convertido en estándares del jazz, como «Ornithology», «Anthropology», «Scrapple from the Apple», «Ko Ko», «Now’s the Time» y «Parker’s Mood»1.

Parker comenzó a tocar el saxofón a los 11 años y a los 14 se unió a la banda de su escuela secundaria donde estudió bajo la dirección del maestro de banda Alonzo Lewis. Su madre le compró un nuevo saxofón alto alrededor del mismo tiempo. Su padre a menudo tenía que viajar por trabajo, pero proporcionó alguna influencia musical porque era pianista, bailarín y cantante en el circuito Theatre Owners Booking Association (T.O.B.A.), luego se convirtió en camarero o chef Pullman en los ferrocarriles. La madre de Parker, Addie, trabajaba por las no-

ches en la oficina local de Western UnionParker murió el 12 de marzo de 1955 en la suite de su amiga y mecenas, la baronesa Pannonica de Koenigswarter, en el hotel Stanhope de Nueva York, mientras veía la televisión. Las causas oficiales de la muerte fueron una neumonía lobar y una úlcera sangrante, pero Parker también tenía un caso avanzado de cirrosis y había sufrido un ataque al corazón. El forense que realizó su autopsia estimó erróneamente que el cuerpo de Parker, de 34 años, tenía entre 50 y 60 años.2.

Aunque Charlie Parker grabó con el grupo de Tiny Grimes en 1944, fue su colaboración con el trompetista Dizzy Gillespie en 1945 la que lo daría a conocer de forma definitiva en el mundo del jazz con temas tan novedosos como «Groovin’ High», «Dizzy Atmosphere», «Shaw ‘Nuff», «Salt Peanuts» y «Hot House»; sus solos representaban una novedad absoluta para los oyentes acostumbrados a los convencionalismos de Glenn Miller y Benny Goodman. Sus grabaciones de 1943 y 1944 dieron carta de naturaleza al bebop.

La salud de Parker se vio afectada por las drogas. Adicto a la heroína casi desde su adolescencia, muchos músicos le imitaron en esto con la convicción de que así podrían elevar su calidad musical. Desde 1950, Parker vivía en Nueva York con su pareja de hecho, Chan Berg, madre de su hijo Baird y de su hija Pree (que murió a los 3 años).3 Consideraba a Chan su esposa, aunque nunca se casó con ella, ni se divorció de su anterior mujer, Doris, con la que se había casado en 1948. Su estado civil complicó la liquidación de la herencia de Parker y, en última instancia, habría de frustrar su deseo de ser enterrado silenciosamente en la ciudad de Nueva York.

Dizzy Gillespie pagó los arreglos funerarios4 y organizó un velatorio, una procesión en Harlem oficiada por el congresista y reverendo Adam Clayton Powell, Jr. y un concierto conmemorativo. El cuerpo de Parker fue trasladado por avión a Misuri, de acuerdo con los deseos de su madre. Chan Berg criticó a Doris y a la familia de Parker por darle un funeral cristiano, a pesar de que sabían que era un ateo declarado.5 Parker fue enterrado en el cementerio Lincoln de Misuri, en un pueblo conocido como Blue Summit.

Flauta

La flauta es el instrumento más antiguo que se conoce y, posiblemente, el más antiguo descubierto hasta ahora es la flauta de Divje Babe, una flauta de hueso encontrada en el parque arqueológico Divje Babe, ubicado cerca de Cerkno en el noroeste de Eslovenia.4En el antiguo imperio chino existían algunos tipos de flautas: las flautas de Pau (si-siao), las flautas de bambú con orificios (siau) y unas flautas traveseras (chou).

En las civilizaciones occidentales antiguas (por ejemplo, Egipto, Israel, Grecia, Roma) ya existían unas flautas más evolucionadas: en Egipto, una flauta vertical, sin boquilla y con agujeros, que persiste actualmente, con el nombre de nay o uffata. En Israel se usaban algunos instrumentos de la familia de las flautas, como el ougob (citado en la Biblia), una flauta simple (ugabo tedil) y el cuerno de carnero (schofar). En Grecia estaba el aulos, una flauta de doble caña con agujeros, cercano a un oboe. En el Imperio romano se seguía utilizando el aulos, pero también se tiene constancia del uso de otras flautas, bastante simples, como algunas que podrían servir de silbatos. En la Edad Media, la familia de las flautas se expandió, llegando a haber más de 200 tipos diferentes.

Las flautas más comunes eran la flauta traversa (una precursora bastante simple del traverso barroco y de la flauta Boehm actual), el whistle [una flauta parecida a la dulce, muy usada en la música celta y la anglosajona, con un sonido sibilante (de hecho, whistle significa silbato, silbar)], las flautas de cuerno (básicamente cuernos, pero con agujeros y bisel) y las flautas dulces, las más importantes, con gran protagonismo hasta la llegada, más adelante, de la orquesta, ya que en esta se buscan instrumentos más sonoros. En la península ibérica también existía la ajabeba, una flauta árabe, parecida al nay egipcio.

De las flautas traversas no se conserva ningún ejemplar, pero se supone que eran de madera, con una abertura a modo de embocadura, siete agujeros para los dedos y uno para el pulgar. Los whistle eran unos instrumentos muy similares a las flautas dulces, con seis orificios normalmente (con uno para el pulgar) y hechos de metal, normalmente estaño (no en vano se encuentran también como tin whistle).

Las flautas dulces eran las más comunes y numerosas (unas 140 según Crane). Había varios tipos: sopranino, soprano, contralto, tenor, bajo y contrabajo, en orden de tesitura descendente. Estaban hechas de diversos materiales, como hueso, madera, caña, cerámica... La estructura más habitual es un tubo de una sola pieza, cilíndrico o ligeramente cónico, con embocadura, ventana (la ranura en la cabeza) siete orificios para los dedos (el último doble) y otro para el pulgar. Estas son una evolución de unos modelos también medievales, pero más primitivos, con seis orificios y sin el del pulgar. Se supone que estos cambios fueron realizados para mejorar el tono y el rango, pero se cree que esto no se consiguió. Lo que sí se logró fue mejorar el sonido de la octava aguda, suavizándolo).

Actualmente se conservan muy pocos especímenes de flautas dulces medievales enteras, la mayoría de las pocas que hay están fragmentadas. Un dato curioso es que muchas flautas dulces estaban hechas de madera de árboles frutales (boj, ciruelo...). Los instrumentos considerados flautas dulces están representados en muchas ilustraciones y grabados desde el siglo xi (por ejemplo en las Cantigas de Santa María, de Alfonso X, aunque estos no son muy fiables, ya que podrían representar otro tipo de flautas similares, pero se cree que son dulces, ya que seguramente estas pudieron ser reintroducidas en Europa occidental (principalmente Alemania) desde el Imperio Bizantino.

Actualmente hay dos flautas descubiertas con un valor organográfico incalculable: la flauta de Dordrecht, encontrada en la localidad homónima (Holanda), flauta dulce soprano con un diapasón muy alto, propio del renacimiento (la3 460Hz, el actual es 440 Hz), y la flauta de Würzburg, Alemania, aunque sólo se ha encontrado el tercio inferior. Posiblemente tuviera el extremo parcialmente cerrado, un rasgo de instrumentos marroquíes y de Oriente Próximo, que la dotaría de una sonoridad diferente a la de las flautas totalmente cilíndricas. Es sorprendente los parecidos que existen entre estos dos especímenes, observados en las reconstrucciones que se han llevado a cabo.

El galoubet es una flauta de pico cilíndrica usada en varios países europeos. solo tenía tres orificios (uno inferior) para su ejecución con la mano izquierda, mientras se toca el tamborín con la mano derecha.

Armónica Armónica Armónica Armónica Armónica

La armónica o harmónica12 (del latín harmonĭcus, y este del griego ἁρμονικός), también conocida como rondín (en Perú hasta hace pocos años, sobre todo en Lima)3 o dulzaina (en Colombia y El Salvador), es un instrumento de viento, del grupo de instrumentos de viento de madera y metal, con lengüetas individuales por cada nota musical. Se toca respirando sobre uno de sus agujeros individuales o sobre múltiples agujeros a la vez ya sea aspirando o espirando. La presión causada por aspirar o espirar en las cámaras de las lengüetas causa que la lengüeta o lengüetas vibren creando sonido. Cada cámara tiene dos o más lengüetas de sonido, hechas de latón (aleación de zinc y cobre, erróneamente llamada bronce) o acero.

Cada lengüeta está sujeta con remache en uno de sus lados y suelto en el otro extremo, siendo el extremo suelto el que vibra y crea el sonido. Cada lengüeta tiene un tono individual: Cada tono está determinado por el tamaño de la lengüeta. Las lengüetas más largas producen un sonido profunda y bajo, mientras que las más cortas producen uno más agudo.

En ciertos tipos de armónicas, los tonos de las lengüetas pueden variarse a otra nota por aspirar o espirar el aire de un modo especial (mediante la técnica del sobre soplado o aspirado [bending, overblow]). Hay muchos tipos de armónicas: diatónicas, cromáticas, trémolo, orquestales, bajo, etc. Cada una de ellas se diferencia por su timbre musical, tesitura y apropiado para ciertos estilos de música.

La armónica diatónica se usa para música sin modulación, por lo que es necesario emplear diferentes armónicas para cambiar la tonalidad existiendo doce de las mismas entre las cuales las más usadas son: C (Do) A(La) y G (Sol). La afinación Richter se usa para el blues. Para temas populares diversos se prefieren armónicas con sonido octavado. En inglés, la armónica tiene varios apodos, especialmente en el blues: harp, blues harp (armónica de blues). El famoso armonicista Larry Adler la llamaba mouth organ (órgano de boca) y blue.4.

Es uno de los instrumentos más vendidos durante el siglo XX. Los notables compositores Darius Milhaud y Vaughan Williams compusieron a mediados del siglo XX obras para interpretarse con armónica, especialmente para Larry Adler.

Existe un instrumento de frotación llamado armónica de cristal, que no tiene ninguna relación con la armónica de lengüetas.

La armónica también es el instrumento más vendido de la historia de la humanidad y el primer instrumento en ser tocado en el espacio.

Tocar la armónica requiere inhalar y exhalar con fuerza contra algo que se opone (la armónica, o para ser más exactos sus lengüetas). Esta actividad ayuda a desarrollar un diafragma fuerte y a respirar usando toda la capacidad pulmonar. Doctores especialistas en pulmón han notado que el acto de tocar la armónica se parece a ciertos ejercicios para rehabilitar a los pacientes con EPOC como si estuvieran usando un PFLEX para los ejercicios de aspirado (un dispositivo parecido a un afinador por el que se aspira y que regula la resistencia que ofrece) o el sirómetro para los de soplado. Aprender a tocar un instrumento ofrece también un sentimiento de motivación, además del ejercicio en sí mismo. Muchos programas de rehabilitación pulmonar han empezado a incorporar la armónica.

¨Revolucionario de la tuba¨

¿Quién es Jon Sas?

La vida de Jon con la música tiene sus raíces en el estado de Virginia, cuando su abuelo tocaba blues con su guitarra y contaba historias de su vida. Su padre era un cantante principal de gospel. La juventud de Jon la pasó creciendo en la ciudad de Nueva York y allí asistió a la conocida Escuela Secundaria de Música y Arte, graduándose poco después con una invitación para tocar en Europa. Luego asistió a la Universidad de Boston compartiendo viajes entre Viena, Nueva York y Boston. Como tubista muy célebre, Jon es ampliamente reconocido hoy en día como un verdadero Groove Master y excepcionalmente versátil. Nacido en la ciudad de Nueva York, las influencias de Jon tienen sus raíces en el jazz, el R&B, el soul y la música clásica. Su imitable enfoque en la tuba y su sonido conmovedoramente penetrante le han dado una carrera en solitario verdaderamente única, siendo uno de los pocos tubistas en el mundo que crea su propia música y conceptos de interpretación.

Jon’s ha tenido un tremendo impacto en los oídos de los oyentes de jazz y música clásica en todo el mundo. Posiblemente uno de los artistas más creativos que toca la tuba, se le puede escuchar en más de 80 grabaciones.

El comienzo del siglo XXI marcó el inicio de la carrera en solitario de Jon. Se ha establecido como solista en eventos importantes, desde grandes bandas europeas hasta orquestas de cámara clásicas, conjuntos de viento sinfónicos, metales internacionales, así como eventos de tuba y bombardino. así como muchos eventos destacados.

Jon ha aparecido junto a artistas como Ivan Neville, Bobby Shew, Steven Mead, Dave Taylor, Arkady Shilkloper, Wolfgang Puschnig y Millagros Piñera. Otros grupos en los que Jon participó fueron Heavy Tuba y Jon Sass, Vienna Art Orchestra.

Jon ha tocado, grabado y realizado giras por todo el mundo con la crème de la creme de músicos como Vince Mendoza, Hazmat Modine, Peter Wolf, Ricky Ford, Brass Quintet of the Vienna and Berlin Philharmonic, Art of Brass Vienna, Diagalev Festival Orchestra, , Ray Anderson, James Spaulding, Michelle Rosewoman, David Murray, Sunny Murray,

Butch Morris, Leon Thomas, Peter Erskine, Frank Foster, Erika Stucky, Henry Threadgill, Linda Tillery y el Heritage Cultural Choir, Eric Bibb y Gravity de Howard Johnson.

Compone su propia música y ha arreglado música para los James Brown Horns. Jon tiene varias composiciones grabadas, ha desarrollado Creative Impulse como base para seminarios y cursos, ha escrito libros de teatro para las ediciones BIM y TMV Records, ha desarrollado un espectáculo infantil multimedia llamado “Sassy the Tuba” y, en los últimos años, un seminario de formación de equipos. llamado The Corporate Groove. La visión del mundo de Jon es que “todas las cosas en nuestro universo están conectadas y la música tiene el poder de sanar, mover, unir a diferentes personas y brindar iluminación”.

“Sass podría revolucionar la tuba”. (Edmonton Sun, Canadá)

“Eso te deja con las cejas arqueadas. El tubalista hizo sus deberes y dio en el clavo: ¡tipitipi-ta-bome!”. (Clark Terry - Revista Downbeat)

“Jonathan McClain Sass, un virtuoso tuba de Harlem que ahora vive en Viena, desafió la reputación de instrumento difícil de manejar tocando exquisitos trinos que revoloteaban en el silencio”. (Los New York Times).

Jon desarrolló una base para el pensamiento creativo progresivo llamada Creative Impulse, que ha inspirado libros de juego de las ediciones BIM y TMV Records, y seminarios de formación de equipos, como The Corporate Groove.

Trombón

El trombón es un instrumento de viento metal. Su sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire).

Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil, denominado vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con la presión del aire soplado por el intérprete en la vara. Se diferencian siete posiciones distintas a lo largo de la vara. Cuanto más se alarga la columna de aire con cada posición, el sonido producido es más grave que en la anterior. Sin embargo, también existen trombones con válvulas. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento-metal, el trombón de varas es de latón (aunque actual - mente muchas fábricas optan tam- bién por el cobre y los baños de plata), y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo.

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa, y desde el siglo xix es imprescindible en la gran orquesta sinfónica. También se utiliza en la música de jazz, donde, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas. En la familia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños. En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo. A estos dos, no se los suele considerar instrumento transpositor, aunque en los ensambles de metal británicos su música está transportada a si bemol.

Otras formas musicales donde se emplea incluyen la salsa y el merengue.

Al músico que toca el trombón se le denomina trombonista. Los trombones se pueden clasificar según el sonido particular de las notas y claves que emiten. La altura de las notas se modifica utilizando un sistema de válvulas y pistones. Su sonido es distintivo, y exagera cualquier imprecisión en la entonación.

Trombón soprano o trombón piccolo. Es el más pequeño de toda la familia de los trombones. Se puede encontrar en dos tonalidades, tanto en mi bemol una octava más aguda que el trombón alto o en si bemol una octava más aguda que el trombón soprano. Utiliza la misma boquilla que una trompeta piccolo, estando en la misma tonalidad y siendo su equivalente.

Trombón soprano o trompeta “slide”. Es utilizado sobre todo para tocar jazz. Se encuentra en la tonalidad de si bemol un octava más aguda y el trombón tenor además utiliza la misma boquilla que la trompeta.

Trombón alto. Puede ser o no transpositor. Se encuentra en una tonalidad de mi bemol, y es utilizado normalmente en conjuntos orquestales. Emplea la misma boquilla que el trombón tenor. El trombón tenor se encuentra en la tonalidad de si bemol y no es transpositor.

El trombón tenor bajo es el más utilizado de todos los trombones. Es transpositor y se encuentran en la tonalidad de do, aunque la primera nota es un si bemol. Usa una boquilla específica para él. Tiene un total de 7 posiciones y es el más conocido.

El trombón bajo es uno de los trombones más conocidos. Está afinado en si bemol, la misma tonalidad que el trombón tenor, pero se caracteriza por ser doblemente transpositor: se puede encontrar en fa natural (igual que el trombón tenor), o bien en fa sostenido. Se puede utilizar cualquiera de las dos transposiciones o incluso las dos juntas. Si el trombón bajo permite utilizar todas las transposiciones por separado o juntas se le llama transpositor independiente, mientras que si solo deja utilizar las dos juntas se le denomina trombón dependiente. También utiliza una boquilla especial para él.

Trombón contrabajo. Puede tener o bien dos varas o bien un tubo más largo que el del trombón bajo. Se encuentra en la misma tonalidad en fa que el trombón bajo, y utiliza una boquilla igual.

¿Conoces del Oboe?

El oboe (del francés: hautbois ‘madera alta o aguda’)12 es un instrumento musical de la familia viento madera, de taladro cónico, cuyo sonido se emite mediante la vibración de una lengüeta doble que hace de conducto para el soplo de aire. Su timbre se caracteriza por una sonoridad penetrante, mordente y algo nasal, dulce y muy expresiva.3

Conocido desde la Antigüedad, el instrumento ha evolucionado en el espacio y el tiempo con una amplia diversidad fruto de la creatividad de las civilizaciones y culturas, que han permitido que siga usándose en la actualidad. Los oboes tradicionales (bombarda, dulzaina, cornamusa, duduk, gaita, hichiriki y zurna) y los oboes modernos (oboe pícolo, oboe, oboe de amor, corno inglés y oboe barítono) forman una gran familia con múltiples facetas.4

Empleado en solo, música concertante, música de cámara, orquesta sinfónica o banda musical, el oboe moderno representa en la orquesta al conjunto de la familia. Las obras para oboe proceden esencialmente del repertorio barroco (Bach) y clásico (Mozart), y tras su renacimiento, del siglo xix (Robert Schumann) hasta nuestros días (Berio).

Según la Real Academia Española, la persona que toca el oboe se denomina oboísta.5 El término oboe lo han utilizado también los organólogos como nombre genérico para un instrumento de doble lengüeta de taladro cónico. Asimismo puede referirse a un tipo de registro de órgano

El origen del instrumento conocido en la actualidad por el nombre de oboe se remonta a 3000 a. C. Su nacimiento tuvo lugar posiblemente en las civilizaciones de Mesopotamia, Babilonia e Isin: sumerios, babilonios y asirios. En esta zona geográfica apareció gran diversidad de oboes conocidos con el nombre genérico de abud.35

El hallazgo de embocaduras de lengüeta doble, y las representaciones pictóricas, nos demuestran que unos instrumentos de la familia del oboe eran conocidos en el antiguo Egipto hacia el año 2000 a. C.

Los instrumentos de doble lengüeta, denominados majt, alcanzaron un gran protagonismo, relegando a un segundo plano a otros instrumentos. La lengüeta, elaborada en bambú, obtuvo una verdadera

importancia. Las dos láminas que la forman eran tratadas cuidadosamente incluso durante el crecimiento de la planta.

El aulos, también con un carácter genérico, se difundió por toda Grecia, llegando posteriormente a Roma con el nombre de tibia. Aristóteles, en su Arte poética, hace alusión a este instrumento, diferenciándolo del sirinx, instrumento antecesor de la flauta de Pan.35 También encontramos en un texto de Midas de Agrigento una distinción similar.36

El timbre del aulos era agudo y algo estridente. Su ejecución presentaba gran dificultad y, de hecho, Aristóteles aconsejó que el aulos fuese tocado por músicos experimentados. Aun así fue el instrumento aerófono más importante de toda Grecia, pese a que Platón lo prohibiera en La República, por ser de dudosa afinación y sonido poco agradecido. En Grecia la música adquirió un importante papel en la educación de los griegos; hasta los treinta años de edad era ordenado por las leyes el estudio musical, y en Atenas, Esparta y Tebas todo ciudadano aprendía a tocar el oboe. En Roma, bajo el nombre de tibia, fue usado ampliamente, especialmente en funerales. En las excavaciones de las ruinas de Pompeya se ha descubierto un juego perfectamente conservado de tibia que puede verse en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

Alrededor del siglo v, los instrumentos de doble lengüeta desaparecieron en favor de otros aerófonos, volviendo a reaparecer a partir del siglo xi en Europa y Oriente con gran intensidad. Fue en China donde se conoció con el nombre de suona o guan; en Japón, hichiriki; en la India, sahnai o nagasvaram; en Turquía, zurna; en África Occidental, algaita.

Encuentranos en Larboh.com

Editor: José Armando Cubillas Gallardo