12 Principios Animación - Jose Pablo Ixcaquic Gomez

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LOS PRINCIPIOS DE LA ANIMACIÓN

catedra - Animación 3d 1 Jose Pablo Ixcaquic Gomez

Introducción

El cine que tiene como base la animación, conlleva un trabajo inmenso por parte del equipo que hay detrás del proyecto. Todo esto con el objetivo de transmitir precisamente el contenido del guion o storyboard. Entre todo este equipo existe un grupo que son los animadores, éstos básicamente se encargan de darle vida a los personajes, objetos y todo lo que se mueva en el entorno de la historia visual, pero para obtener las mejores animaciones en cada uno de sus proyectos necesitan regirse a las bases de los estándares establecidos por el padre de la animación, Walt Disney.

Afortunadamente, Walt Disney y su equipo de trabajo invirtieron gran parte de su tiempo en establecer 12 principios base para la animación, los cuales fueron refinados y aplicados desde los años 30 y siguen vigentes hasta nuestros días.

El presente trabajo tiene como objetivo principal explicar a detalle cada uno de los 12 principios de la animación, establecidos por Disney. Asimismo, se hará un breve repaso sobre el origen de la animación para cimentar las bases sobre las cuales se apoya este trabajo.

Los 12 principios de la animación

Nacimiento de la animación La idea de recrear la ilusión del movimiento a través de una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine tradicional. Algunos historiadores se remontan hasta la prehistoria, donde nos toparemos con las pinturas rupestres, ya que se tienen registros de que en dicha época ya se intentaba expresar movimiento. Sin embargo, en dicha época se carecía del conocimiento para poder expresar movimiento a través de las pinturas rupestres.

Otros descubrimientos posteriores, en Egipto y en Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte. Leonardo Da Vinci también experimentó con la figura en movimiento, como se puede comprobar en su ilustración de las proporciones humanas, en las que dibuja las que parecen ser dos fases de una misma acción.

1.1 Imagen de pintura rupestre que imitaba dar movimiento.

Adelantándonos un poco más en la historia, nos toparemos con los jeroglíficos egipcios, los cuales son otro posible ejemplo de la animación primitiva y sus raíces. Prueba de ello, es que, si observamos los jeroglíficos egipcios, logramos comprender la narrativa que trataron de plasmar muchos años atrás, lo cual nos muestra el génesis de la secuencia de imágenes, aunque carecían de movimiento.

Primeras imágenes en movimiento El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Athanasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes, o como él lo llamó “La linterna mágica”, en la que, mediante grabados en cristales, era capaz de proyectar diferentes fases consecutivas del movimiento, cambiando los cristales de forma mecánica. En una de sus proyecciones representaba a un hombre mientras dormía, abriendo y cerrando la boca.

El mundo de la animación estuvo estancado hasta el año 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el “principio de persistencia de la visión”, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo.

Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada del “Phenakistoscopio” de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.

Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.

Unos años después, Eadweard Muybridge comenzó a experimentar con la cronofotografía, una técnica en la que se capturaban las diferentes fases del movimiento, por lo cual la idea de "animación" cobró fuerza. Esta técnica nació como parte de un experimento para descubrir si había un momento en el que los caballos no tocaran el suelo al galopar. Tanto las grabaciones de video como las animaciones, están compuestas por una secuencia de fotogramas que van uno después de otro. Esta secuencia permite que, a diferencia de las pinturas rupestres, se pueda percibir la sensación de movimiento.

1.2 Cronofotografía hecha por Eadweard Muybridge.

Surgimiento en Francia La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, considerado como padre del cine de animación, inventó el “Praxinoscopio”, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación.

Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva de 12 minutos de duración.

El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca “Fantasmagorie,” de un minuto y veinte segundos de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.

1.3 Fotograma del cortometraje de Blanca Nieves y los 7 enanitos.

Época dorada de la animación Años después, precisamente en 1914 aparecería “Gertie el Dinosaurio” corto animado creado por Winsor McCay, también considerada por algunos como el primero cortó animado, pero en este caso Gertie posee algo que destaco en comparación de los dos anteriormente mencionados, y es que Gertie fue el primer personaje animado con una personalidad y carácter. Posteriormente, harían su aparición “Felix el Gato” en 1919 y en 1928 realizo su aparición Walt Disney con “Steamboat Willie”, volviéndose la primera caricatura con sonido en el film y su primer gran éxito tras su apertura en 1923.

Cuando las caricaturas empezaron a ser presentadas en los teatros es el momento histórico donde se denomina la era dorada de la animación, es este punto donde Walt, Warner Brothers, Metro Goldwyn Mayer y Fleischer lograron escalar su popularidad.

Pero el mayor salto que se dio en ese entonces fue la creación del primer largometraje animado a color y con sonido, a cargo de Walt Disney, el viejo y clásico conocido “Blanca Nieves y los siete enanitos”.

El Rey Midas de la animación, Disney Para Disney, una buena animación no tenía que ver con que el dibujo fuera bueno sino con poseer el “pathos”, la emoción. De ahí que su interés por descubrir qué hacía que un personaje transmitiera emoción. Por ello, otra de sus fuentes de análisis fueron los comediantes como Lamen & Hardy y Charles Chaplin. El deseo de Disney era el de hacer animaciones más realistas, producir la ilusión del carácter en el personaje y poder representar la emoción y la personalidad. Prueba de ello, es que en los años 20 las animaciones eran crudas, no había peso, no estaba bien definida la anatomía, no se reconocían hombros, espinas y huesos.

Ya en los años 30, se definieron una serie de recursos para la acción que fueron el génesis de los "12 principios" (tal y como los conocemos actualmente). Asimismo, permitía ahorrar el número de dibujos, estos fueron; el bucle, acción repetida y el entrecruzamiento. ¿Qué son los 12 principios de la animación?

Quizá para alguno que no están relacionados con la animación, se les haga complicado este tema, pero la realidad es que animar, ya sea en 2D o 3D, es algo sencillo. La diferencia básica entre estas dos técnicas de Animación es que los animadores en 3D animan marionetas virtuales mientras que en 2D animan dibujando. Los procesos de producción son diferentes ya que el propio método es diferente, pero en su esencia son exactamente lo mismo.

Durante muchos años varios artistas, diseñadores y dibujantes de Disney, aprendieron a animar sin darse cuenta que estaban construyendo el canon que revolucionaria y que sería base para contar historias a partir de ese momento. Ellos animaban mientras ignoraban que estaban creando los fundamentos de la animación moderna.

Los artistas que estaban bajo el cargo de Walt Disney, tenían que ponerle nombre a las transiciones, movimientos y creaciones que realizaban, así que empezaron a crear su propio lenguaje de animación para poder comunicarse entre ellos. ¿Quiénes crearon dichos principios?

El equipo de Disney, comandados por Frank Thomas y Ollie Johnston, dos animadores de Walt Disney, siguieron investigando acerca de nuevos procedimientos para tener resultados predecibles y favorecer los procesos colectivos. En ese contexto surge una nueva terminología para cada proceso que poco a poco permitió definir unas normas que acabaron siendo “12 Principios de la Animación”, que conocemos (y deberíamos estar utilizando) actualmente.

Es así como Walt logro dejar por un lado esas crudas e inorgánicas animaciones de los años 20, e innovo en un campo totalmente nuevo. Todo esto nace de una necesidad tal y como lo dijo el mismo Walt años después: “Los 12 principios de la Animación son, en realidad, una serie de reglas que nacieron de la necesidad de crear un lenguaje entre nuestros animadores”.

Afortunadamente, para todos los que nos dedicamos al campo de la animación, todas estas reglas fueron recopiladas, explicadas y publicadas en el famoso libro “The illusion of life: Disney Animación” en el 1981. Hoy en día, esta publicación es una de las más recomendadas para cualquier animador profesional, a tal punto que el documento fue elegido en 1999 como “el mejor libro de animación de todos los tiempos”, tanto para el mundo de la animación tradicional como para la animación moderna.

1.4 Fotografía de Frank Thomas y Ollie Johnston.

¿Por qué son importantes los principios tradicionales de la animación?

Los principios tradicionales de la animación son herramientas vitales para cualquier animador, es nuestro plato de comida de todos los días.

Estas reglas tienen como función ser un manual para producir animaciones más realistas, similar a las leyes básicas de la física, pero sin dejar de lado los temas más abstractos, como la sincronización, las emociones, la exageración y el atractivo característico de cada personaje u objeto.

Hoy en día, muchos piensan que los 12 principios de la animación fueron creados y desarrollados para usarse exclusivamente en el mundo de la animación tradicional. Sin embargo, en la actualidad, se utilizan como grandes referencias en el diseño, en el dibujo, en la creación de motion graphics y por supuesto para nuestra profesión, la animación 3D. ¿Para qué sirven los 12 estilos de animación?

Los 12 principios han evolucionado, cuando se trata de 3D pueden ser aplicarlas siempre y cuando quieras representar una animación en el mundo real y donde sea afectada por las leyes físicas, tales como la gravedad, la fuerza, etc.

Además, no solo utilizarás los principios de la animación para que el movimiento se visualice fluido, natural o exagerado, tal y como deseaba Walt Disney, sino que también usarás otras técnicas de animación para captar todos los sentidos de tus espectadores o clientes.

Básicamente, los 12 principios de la animación que veremos a continuación, son válidos para utilizarlos en cualquier tipo de animación. ¿Cuáles son los 12 principios de la animación?

1. Estirar y encoger: técnica de squash and strech “Determinar la rigidez y la masa de un objeto mediante la distorsión de su forma durante la acción”.

La mayoría de objetos físicos ya sean seres vivos como inertes, su forma se ve afectada durante la acción. Para dar una sensación natural en la animación, el movimiento debe generar estiramientos y aplastamientos en el personaje u objeto. En las caras, este efecto deberá de exagerado.

Por ejemplo, cuando un personaje humanoide sonríe, no sólo debe de cambiar su boca, sino que también deberá afectarse la forma de ojos, mejillas, cejas, etc. Los cambios de forma exagerados, permiten transmitir cambios de actitud en el dibujo, dotando al personaje u objeto de una apariencia más orgánica y/o natural.

Este principio vio la luz gracias a que Disney llevo a cabo una guía con el dibujo de un saco de harina que depositado sobre el suelo comprimía su forma y se aplastaba, mientras que cuando se levantaba cogido de sus esquinas, se estiraba alargando su forma sin cambiar su volumen."

La base para comprender esta técnica era la representación de una pelota llamada “The bouncing Bal”, la cual al rebotar se veía afectada su forma a través de estiramientos aplastamientos exagerados.

1.1 Ejemplo de animación en Disney con la técnica de squash & stretch.

2. Principio de anticipación en la animación "La preparación para una acción". Se trata de anticipar, valga la redundancia, al espectador la acción que va a ocurrir antes de que esta suceda, ya sea por medio de un cambio de posición o un cambio de gesto. La anticipación nos permite evitar movimientos abruptos y poco fluidos en la animación.

Principalmente, se aplica en acciones del cuerpo del personaje como por ejemplo lanzar una pelota.

En este caso, el brazo debe retroceder primero para coger impulso ya que sin esta el movimiento no se vería “natural”.

Por otro lado, existe otro caso en el cual se aplica la anticipación, y este es a través de la exageración, aplicado a gestos de acciones que no queremos que pasen desapercibidas para el espectador.

Por ejemplo, si un personaje va a sacar algo del bolsillo, éste levanta el brazo notablemente primero y después continua la acción. En realidad, este fundamento tiene mucho que ver con el movimiento corporal de los personajes.

En cuanto a la animación 3D, este principio se puede utilizar para aumentar o disminuir un efecto creando curvas en el personaje.

2.1 Ejemplo de animación en Disney con el principio de anticipación en la animación.

3. Principio de puesta en escena en la animación "Presentar una idea de forma que quede inequívocamente clara".

Esta es una de las más complejas, ya que sus bases están establecidas en las obras teatrales. Cuando una acción es puesta en escena debe ser completamente clara y entendible para el espectador, tanto a nivel expresivo y visual. Debemos tomar en cuenta el espacio escénico, el movimiento de personajes, su posición en el espacio, así como la posición de la cámara y la escala del plano. Estas decisiones pueden ayudar a enfatizar y favorecer el entendimiento de una emoción o situación.

Además, entran en juego otros aspectos como la propia música, los efectos, el vestuario o escenografía. Por ejemplo, la aparición de una bombilla sobre el personaje, deja claro el concepto de que acaba de tener una idea.

Este principio se pudo afinar gracias los personajes del cine mudo de la época, Chaplin aseguraba que, si un actor conocía su emoción a fondo, podría mostrarla en silueta. Este recurso lo aplicaron en el estudio de Disney para el estudio y desarrollo de este principio al movimiento de sus personajes.

3.1 Ejemplo de animación en Disney con el principio de puesta en escena.

4. Principio de la animación de acción directa y pose a pose "Dos enfoques distintos para la creación del movimiento".

Acción directa y pose a pose son dos planteamientos distintos a la hora de llevar la preparación de la animación. Si se combinan ambas técnicas de animación pueden dar como resultado dos aspectos distintos al movimiento final de los objetos.

En la acción directa el dibujante trabaja de forma continua desde el primer dibujo hasta el último de la escena uno detrás de otro, dando forma a los movimientos y desplazamientos conforme los va creando. Este suele dar más espontaneidad y fluidez a la animación.

En el proceso denominado “pose a pose" el animador planifica de antemano las posiciones iniciales, intermedias y finales. Además, debe de realizar un cálculo del número de fotogramas totales y el número de fotogramas intermedios entre una pose y otra.

En los estudios Disney los dibujantes principales planteaban los fotogramas clave y había asistentes que se encargaban de dibujar los fotogramas intermedios. Esta técnica se aplica actualmente en animación digital mediante el uso de fotogramas claves.

4.1 Ejemplo de animación en Disney con el principio de la animación de acción directa y pose a pose.

5. Principio de movimiento: acción complementaria y superpuesta Para muchos, uno de de los principios de movimiento más importante en el mundo de la animación.

La acción continuada y acción superpuesta tienen que ver con el movimiento de las partes de un personaje, así como de su detención, considerando que no se mueven en bloque, es decir que la inercia genera ciertos desfases en el movimiento, así como diversidad de velocidades en las partes mientras estas se mueven.

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Principio de la animación con acción complementaria: las partes que se desvinculan del objeto, deben continuar su movimiento y mostrar el movimiento de amortiguación o rebote.

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Principio de la animación con acción superpuesta: las partes de un objeto se mueven en diferentes tiempos, según su relación con el objeto y su velocidad (propiedades físicas).

En cuanto a la animación 3D, este principio se utiliza en las simulaciones dinámicas de la ropa o el pelo.

5.1 Ejemplo de animación en Disney con los principios de movimiento.

6. Principio de aceleración y desaceleración de entradas y salidas (Slow In and Slow Out) “El espaciado de los fotogramas intermedios para lograr sutileza en la cadencia y el movimiento”.

El principio de aceleración y desaceleración no es sino la aplicación de un principio procedente de los principios físicos, ya que la mayoría de los cuerpos cuando se desplazan no lo hacen a una velocidad constante desde el principio hasta el final habiendo cambios de la velocidad especialmente en las salidas y frenadas del desplazamiento del cuerpo.

Esto en animación implica una concentración mayor de fotogramas en la aceleración y la desaceleración y un distanciamiento de los fotogramas en la parte central del movimiento.

6.1 Ejemplo de animación en Disney (Slow in and Slow Out).

7. Principio de arco en la animación "El patrón visual para la acción y el movimiento natural".

La mayoría de los organismos vivos utilizan un patrón de movimiento circular en la mayoría de sus gestos. En Disney se dieron cuenta que este patrón de movimiento incrementaba la naturalidad y el realismo de los movimientos, desde el gesto de un dedo señalando hasta el desplazamiento completo de un ser vivo. Es por ello que las animaciones que carecen de arcos, se ven rígidas y mecánicas.

Para llevar a cabo este principio los animadores de la compañía utilizaban además el principio de pose a pose marcando las poses intermedias, así como la trayectoria del elemento para que los asistentes dibujaran los fotogramas intermedios. En muchas de las escenas de Disney este principio se aplicaba además junto al de la exageración (que se verá más adelante), creando así el estilo propio de la compañía.

En cuanto a la animación 3D, existen muchas herramientas automatizadas que ayudan a crear arcos en función de la velocidad de cada trayectoria.

7.1 Ejemplo de animación con arcos en Disney.

8. Principio de acción secundaria en la animación "La acción de un objeto como consecuencia de otra acción".

El principio de acción secundaria se da cuando un elemento principal que está en movimiento provoca como consecuencia movimiento en un elemento secundario. Por ejemplo, el vaivén de un jinete (acción secundaria) está provocado por el movimiento del caballo (acción principal).

Debido a lo complejo que resultaba sincronizar 2 acciones en una misma animación, en ocasiones se dibujaba el movimiento de la acción principal de toda la escena primero y después se completaba con el dibujo del segundo elemento siguiendo la referencia ya dibujada.

Sin embargo, en la animación 3D, este principio se aplica en simulaciones dinámicas y scripts para controlar la acción secundaria.

8.1 Ejemplo de acción secundaria en la animación.

9. Principio del timing o cadencia "Las decisiones de espaciado en las acciones que definen el peso y el tamaño de los objetos, así como la personalidad de los caracteres".

La noción del tiempo es de vital conocimiento para cualquier animado. Se trata de ajustar la velocidad y duración a las acciones, dar ritmo a una escena o de aplicar correctamente pausas y Las variaciones de la velocidad, ya que esto le permite demostrar la emoción del personaje, el peso y el tamaño del mismo.

Cabe resaltar que este principio está íntimamente relacionado con el número de fotogramas dibujados entre los fotogramas clave de inicio y de finalización de una acción. El número de fotogramas clave intermedios determina la duración de la acción, así como la fluidez y carácter del movimiento.

Por ejemplo, una lucha, un chiste, una sorpresa o una actividad frenética requiere de pocos fotogramas intermedios, mientras que una acción más delicada y lenta necesita de más fotogramas intermedios.

9.1 Ejemplo de Principio del timing o cadencia

10. Principio de exageración (Hipérbole) "Acentuar la esencia de una idea a través del diseño y la acción".

Walt Disney hacia gran énfasis en el realismo en sus animaciones, es por eso que este principio era vital para sus animadores, se debía llegar al fondo de la idea y transmitir su esencia de forma exagerada.

La exageración hace más clara la acción que afecta al objeto. Además, añade comicidad a la escena, pero siempre es recomendable usarlo con precaución para no sobrepasar el realismo de una escena, sino que debemos velar por mantener la armonía entre todos los elementos.

10.1 Ejemplo de principio de exageración.

11. Principio sólido animado (solidez) "Es vital dibujar formas en un espacio tridimensional, dándoles volumen y peso”.

En aquellos años, existan diversos tipos de animación. Sin embargo, Disney la desarrollaba a través del dibujo exclusivamente. Pero esto implica un dominio del dibujo muy profundo para poder tener la versatilidad de dibujar a un personaje en cualquier posición y desde cualquier ángulo.

Es por ello que el dibujo debe estar bien ejecutado para poder transmitir de la mejor manera el peso, profundidad, perspectiva y equilibrio, con el fin de crear un espacio tridimensional para que los dibujos se visualicen en un espacio tridimensional.

11.1 Ejemplo de principio de exageración.

12. Principio de personalidad y atractivo (Appeal) “Crear un diseño y una acción que el público disfrute”.

El principio de personalidad y atractivo trata de configurar personajes que resulten carismáticos y atractivos, independiente de su calidad moral dentro de la película o juego, de si es un villano o un héroe. Se trata de aplicar a cada personaje las características físicas, de gesto, de vestuario de movimiento y de cadencia que vayan acordes a su personalidad, basándonos en estereotipos ya establecidos.

Además, en el cine tradicional, un primer plano puede capturar mejor una emoción. Sin embargo, en animación los primeros planos resultan complicados de animar ya que exigen de mucho detalle. Es por ello que es mucho más efectivo transmitir personalidad con todo el cuerpo del personaje.

12. 1 Principio de personalidad y atractivo

Hasta el día de hoy, estos 12 principios han sido los que han sido la base y han dado vida a cada escena de nuestras películas de animación 3D favoritas.

A pesar que tengan un origen relativamente antiguo, los genios de Disney, liderados por Frank Thomas y Ollie Johnston, en aquella época lograron recopilar estos 12 principios para su uso dentro de Disney, e inconscientemente también crearon las bases para los animadores y dibujantes futuros, o cualquier persona interesada en el mundo de la animación.

A la hora que el profesional del área o estudiante aplique dichos principios, se verá reflejado en cada una de las animaciones finales que vemos como espectadores, ya que elementos como las entradas y salidas lentas; y las acciones continuadas y superpuestas les aportan gran naturalidad y realismo a nuestras animaciones, ya sea que trabajemos animación cuadrado por cuadro, motion graphics o en nuestro caso, animación 3D. Asimismo, las exageraciones comunes en los dibujos animados con los personajes al estirar y encoger y, por supuesto, con el principio de la exageración, nos permitirán transmitir movimientos más orgánicos para el ojo humano.

Conclusión

El presente trabajo tenía como objetivo explicar cada uno de los 12 principios de la animación, para ello se hizo un resumen breve de la historia de la animación, para sentar las bases que respaldan esta investigación.

La animación que conocemos hoy en día, tuvo que recorrer un largo camino para establecerse en el campo cinematográfico, desde el periodo rupestre, hasta los años 30 o como la denominaron los animadores de la época, “La época dorada de la animación”. Dicha época fue vital para que Disney se consolidara como el líder de los estudios de animación.

La ambición y la sed de innovación que tenía Walt, impulsó que tanto el cómo sus trabajadores invirtieran tiempo a definir una serie de principios que les ayudaran a comunicarse de manera interna entre los animadores del estudio, pero inconscientemente estaban construyendo las bases de lo que años después serian llamados los “12 principios de la animación”, los cuales siguen vigentes hasta el día de hoy. Los 12 principios son los siguientes:

1.

Estirar y encoger

2.

Anticipación

3.

Puesta en Escena

4.

Animación directa y Pose a pose.

5.

Acción complementaria y Acción superpuesta

6.

Acelerar y desacelerar

7.

Arcos

8.

Acción Secundaria

9.

Timing

10.

Exageración

11.

Dibujo Sólido

12.

Atractivo

La aplicación de estos principios de la animación, en cada uno de nuestros proyectos nos ayudará a crear personajes y animaciones, más orgánicas y creíbles para el ojo humano. Asimismo, planear y dirigir nuestra animación utilizando los 12 principios y las tendencias actuales harán que seamos más efectivos e innovadores en nuestro proceso de animación.

Recomendaciones

Una vez concluida la investigación, se considera importante ahondar e investigar sobre otros aspectos relacionados con los 12 principios de la animación y se propone: -

Extender los estudios expuestos en esta investigación al estudio de los 12 principio de la animación, pero esta vez orientados a la rama de la animación 3D, y comprender sus diferencias con relación a un mundo 2D.

-

Velar por aplicar cada uno de los 12 principios anteriormente expuestos en esta investigación en cada uno de futuros trabajos correspondientes a la catedra de animación 3D.

-

Analizar con detenimiento cada película de animación que se consuma a partir de ahora, para ir entrenando al ojo e ir aprendiendo de los expertos en la materia.

-

Seguir de cerca a los grandes estudios de animación, sus investigaciones y aportaciones al campo de la animación moderna.

-

Aprender de las técnicas desarrolladas en los años 20 – 30, como de las técnicas actuales.

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