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The future is always going backwards. Robert Smithson (1969) _____________________________________________________________________________________________________

January 5 — 31, 2009 Ecole supérieure des beaux—arts de Cherbourg—Octeville (ESBACO) 109, avenue de Paris 50100 Cherbourg—Octeville _____________________________________________________________________________________________________

COMMUNIQUE DE PRESSE ___________________________________________________________________________________________________

Il y a 40 ans que l’exposition January 5—31, 1969 s’est tenue à New York (McLendon Building). C’est la première fois qu’une publication fait office d’exposition (collective) à part entière. Cette exposition historique a été en effet organisée par Seth Siegelaub selon le principe suivant : « L’exposition réside dans (l’idée communiquée dans) le catalogue ; la présence physique (de l’œuvre) est en sus du catalogue. »

A l’occasion de cet anniversaire, l’ESBACO commémore l’événement. 36 artistes et/ou auteurs internationaux ont été invités — y compris tous les enseignants de l’ESBACO —, à nous adresser une « œuvre » à titre de contribution au catalogue en tant qu’exposition ; elle s’intitule January 5—31, 2009. Dans le contexte spécifique d’un établissement supérieur d’enseignement artistique, tous les contributeurs ont été conviés à participer à cette exposition/catalogue en interprétant librement la proposition suivante : UNE EXPOSITION D’ART QUI EST UN (ENSEIGNEMENT COMMUNIQUE DANS LE) CATALOGUE, LA PRESENCE PHYSIQUE (DU LIEU D’EXPOSITION ET/OU DE L’ECOLE) EST EN SUS DU CATALOGUE ; MIEUX, LE CATALOGUE LUI— MEME EST L’ENSEIGNEMENT, ET NON PAS TELS OU TELS OBJETS, LIEUX, MODES OU PRESTATIONS PEDAGOGIQUES EXTRINSEQUES AU CATALOGUE.

Dès lors, il est bien entendu que, s’autorisant à la fois de l’hétérotopie des artistes et de la spécificité de leur enseignement — au sens large comme au sens propre du terme —, January 5—31, 2009 paraîtra plus utopique qu’atopique. Mais est-ce là raison suffisante pour ne pas souscrire à cette observation relativement récente de Seth Siegelaub : « Je pense que nombre d’artistes sont quelque peu désappointés par cette époque parce que nous avions tant promis — se débarrasser des valeurs artistiques capitalistes et de l’objet marchand, etc. — or on n’y est pas du tout parvenu ; mais la promesse demeure. »

Quoi qu’il en soit, January 5—31, 2009 souscrit à cette promesse en énonçant une question : que serait donc enseigner (ou faire école), sans subventions, sans murs et sans appareil administratif maintenant que, comme le prétendait Seth Siegelaub dès 1969, les enseignants ou les « artistes ont finalement été acceptés en tant qu’hommes d’idées et pas simplement comme des artisans qui ont des pensées poétiques » ; autrement dit, maintenant qu’ils auraient enfin été acceptés en tant qu’hommes et femmes artistes plutôt que simples salariés ? Jean—Charles Agboton—Jumeau, directeur de l’ESBACO, commissaire d’exposition

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The future is always going backwards. Robert Smithson (1969) _____________________________________________________________________________________________________

January 5 — 31, 2009 Ecole supérieure des beaux—arts de Cherbourg—Octeville (ESBACO) 109, avenue de Paris 50100 Cherbourg—Octeville _____________________________________________________________________________________________________

PRESS RELEASE _____________________________________________________________________________________________________

40 years ago, January 5 — 31, 1969 exhibition took place in New York (Mc Lendon Building). For the first time the catalogue as such was a full fledged (group) exhibition. This historical exhibition was organized by Seth Siegelaub on the following principle: “The exhibition consists of (the idea communicated in) the catalog; the physical presence (of the work) is supplementary to the catalog.”

On the occasion of this anniversary, the ESBACO commemorates the event. 36 artists/authors &/or groups from all over the world — including all the teachers of the ESBACO — were invited to send a “work” as a contribution to the catalogue as the exhibition itself which is entitled: January 5 — 31, 2009. In the specific context of a higher Institute of artistic Education called ESBACO, all the artists and /or authors were invited to participate in the exhibition/catalog by interpreting freely the following statement : AN ART EXHIBITION WHICH IS (A TEACHING COMMUNICATED IN) THE CATALOGUE, THE PHYSICAL PRESENCE (OF THE GALLERY OF/OR THE SCHOOL) IS SUPPLEMENTARY TO THE CATALOGUE. BETTER STILL: THE CATALOG AS SUCH IS THE TEACHING AND NOT ANY VARIOUS OBJECTS, PLACES, KINDS OF EDUCATIONAL ACTS EXTRINSIC TO THE CATALOG.

As a result, it is obvious that, taking account of both the artists' heterotopia and their specific teaching — broadly and literally speaking —, January 5 — 31, 2009 may seem more utopic than atopic. However, are all these enough reason not to support the undermentioned recent observation of Seth Siegelaub: “I think a number of artists are a bit let down by the period because we promised so much – to get rid of capitalist art values and the commodification of the object, etc. – and didn’t quite do it, but the promise is still there.”

Be that as it may, January 5 — 31, 2009 subscribes to that promise by asking a question through the exhibition/catalog: what does it mean to teach (or to run an art school) without any subventions, nor premises, not to mention lack of administrative system now that, according to Seth Siegelaub's predictions as soon as 1969, the teachers like the “Artists have finally been accepted as idea men and not merely as craftsmen with poetic thoughts”? In other words now that they would have finally been accepted as (wo)men rather than mere employees? Jean—Charles Agboton—Jumeau, Head of ESBACO, curator

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Le catalogue n’est pas mis en vente. Il est prioritairement distribué à titre gracieux à tous les étudiants de l’ESBACO, à toutes les bibliothèques des écoles d’art d’Europe ainsi qu’adressé aux partenaires de l’ESBACO. On pourra néanmoins consulter January 5—31, 2009 pendant tout le mois de janvier dans les lieux suivants : Cité Internationale Universitaire de Paris GLASSBOX/Citéculture 17, bld Jourdan F-75014 Paris

Galerie Jean Greset 5, rue Rivotte F–25000 Besançon Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie 1, place de la Révolution (place du marché) F–25000 Besançon

Ingleby Gallery 15, Calton Road EH8 8DL United Kingdom

Artothèque de Caen Hôtel d'Escoville, place St-Pierre F–14000 Caen

Librairie A Balzac à Rodin 14 bis, rue de la Grande Chaumière F–75006 Paris

Galerie LIGNEtreize 15, rue Ancienne CH –1227 Carouge

Le Mur Saint Martin Snax Kfé & Unity Bar 182 & 176 rue Saint Martin F–75003 Paris

Le Point du Jour Centre d'art/éditeur 107, avenue de Paris F–50100 Cherbourg-Octeville

Le Bon Accueil 74, canal Saint-Martin F–35700 Rennes

Interface galerie/appartement 12, rue Chancelier de l’Hospital F–21000 Dijon

Cabinet du Livre d'Artiste Lycée Victor et Hélène Basch 15, avenue Charles Tillon Rennes-Villejean Bât. B annexe CDI BP 1831 F–35083 Rennes Cedex

Montévidéo, créations contemporaines 3, impasse Montévidéo F–13006 Marseille Momenta Art 72 Berry Street Brooklyn, NY 11211 USA

Centre des livres d’artistes 1, place Attane F–87500Saint-Yrieix-la-Perche …

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January 5 — 31, 2009 Ecole supérieure des beaux—arts de Cherbourg—Octeville (ESBACO) 109, avenue de Paris 50100 Cherbourg—Octeville _____________________________________________________________________________________________________

LISTE DES CONTRIBUTEURS

/ LIST OF CONTRIBUTORS

_____________________________________________________________________________________________________ Claude Audouard Claude Audouard est artiste plasticien. Il vit et travaille dans le Cotentin et enseigne à Cherbourg (ESBACO). Jean-François Bergez † Jean-François Bergez a commencé par la peinture à la fin des années soixante. Il réalisera des toiles de grands formats, dans une veine gestuelle et investie qu'il abandonnera à la fin des années 70 pour s'intéresser à une activité plus discursive, utilisant préférentiellement le format de la feuille A4, comme support de montages conceptuels aussi bien qu'expression d'une vision non conventionnelle du monde de l'art. De nombreux textes esthétiques et critiques seront diffusés selon divers canaux pendant une dizaine d'années. Sans quitter le format A4, il commence dans les années 90 à réaliser des « films » érotiques, en fait des séries d'images puisées dans le quotidien qui nous entoure et rapportées à l’expression de son « obsession » sexuelle dont il nous rend complice. Jean-François Bergez s'éteindra en 2004 en laissant une œuvre multiple qui reste à découvrir. Julien Blaine Julien BLAiNE est né en 1942, à Rognac, au bord de l’Étang de Berre, flaque de mer jadis bleu-azur, aujourd’hui marron glacé. Il vit à Ventabren et à Marseille et nomadise le plus possible. [Dénommé aussi Christian POiTEViN (patronyme) et d’une ribambelle d’autres noms] ÉDITEUR de Doc(k)s et d’une ribambelle d’autres périodiques AUTEUR de 13427 poëmes métaphysiques et d’une ribambelle d’autres livres et catalogues EXPOSANT de du sorcier de V. au magicien de M. et d’une ribambelle d’autres expositions ORGANISATEUR des Rencontres Internationales de Poésie de Tarascon et d’une ribambelle d’autres manifestations FONDATEUR du Centre International de Poésie de Marseille (C.I.P.M.) et d’une ribambelle d’autres espaces culturels CHANTIERS EN COURS : la poésie n’intéresse personne, la 5ème feuille ou l’écriture originelle, le Verssicône, Chom’art, Confidences d’Églantin, Text’art, Ihali, &c. La vie & la phrase continuent... Laurent Buffet Laurent Buffet, né en 1971, est critique, théoricien de l'art et professeur de philosophie à l'Ecole supérieure des Beaux-Arts de Cherbourg-Octeville. Il achève actuellement une thèse de doctorat en philosophie de l'art, à l'université Paris I-Sorbonne, sur les pratiques itinérantes dans la littérature et l'art contemporains. Khadija Z Carroll Khadija Z Carroll is Austrian-Australian and lives in Berlin. She worked in 2006 on the Biennale of Sydney’s collaborations between eastern European and Australian artists on the topic of ‘Zones of Contact’. She is a teaching fellow in the department for the History of Art and Architecture at Harvard University (Fall 2006—2008) and associate curator of Oceania in the Peabody Museum. Her interventions and appropriations, especially in colonial art or ethnographic museum collections, have been exhibited internationally including the Venice Biennale, Sydney Biennale, Skuc Ljubljana, Institute of Contemporary Art Philadelphia, Harvard Graduate School of Design, Gallery Espace Delhi, Platform Gallery, Melbourne and Soho in Otterkring, Vienna. Her work is also published in various books and journals, most recently Small Mirrors to Large Empires: Metamuseums in Contemporary Art; Frameworks, Artworks, Place; Sculpture in the Museum, and Memosphere. Centre d'art mobile Le Centre d'Art Mobile est une structure localisée à Besançon (France) ; il est également membre de l'ACSC (Art Center Social Club). Son activité principale consiste à montrer et penser l'art d'aujourd'hui. Le Centre d'Art Mobile est aidé par la DRAC Franche-Comté, la Région de Franche-Comté et la Ville de Besançon. Robin Collyer Robin Collyer is a Toronto-based artist who has been exhibiting sculpture and photography since 1971. He is most well known for his three dimensional works that use industrial materials, found objects and images from advertising and media. Photography has always played an equal role in his practice, sharing with his sculpture, an analysis of architectural forms, the urban landscape, and issues of representation. His photo work has included critical views of photographic content, urban and natural landscapes, and digital technology. His most recent commissions include "Dwell," an outdoor sculpture installation for the TTC/Sheppard Subway Station (2005), and "Canopy," an integrated artwork for the Canadian Embassy in Berlin, Germany (2002). His work appears in the collections of the Art Gallery of Ontario (Toronto), the National Gallery of Canada (Ottawa), the Vancouver Art Gallery (Vancouver), the Musée d'art

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contemporain (Montreal), and the Musée des Beaux Arts de Nantes (Nantes), among others. Collyer has exhibited in group shows several times at YYZ (1984's Influencing Machines, 1986's The Interpretation of Architecture, 2003's Psychotopes). Collyer has represented Canada in international exhibitions such as documenta 8, 1987, and the Venice Biennale, 1993. His work is in numerous public and private collections in Canada and internationally. He is represented by Gilles Peyroulet et Cie, Paris, and the Susan Hobbs Gallery in Toronto. Muriel Couteau Muriel Couteau est née en 1966 à Lormont (Gironde). Vit, travaille et enseigne à Cherbourg (esbaco). Photographeplasticienne, elle est licenciée en philosophie de l’Université de Bordeaux III et diplômée de l’Ecole nationale de la photographie d’Arles. Elle a exposé à Echirolles (2005), Hérouville-Saint-Clair (2004), aux Rencontres photographiques du Pays-de-Loire (2003) ainsi qu’au Centre photographique d'Ile-de-France à Pontault-Combault (2000). Simon Cutts Simon Cutts (b. 1944), British writer, designer, and artist, founded Coracle Press and Gallery in the 1970s. At present, he co-directs the press with book artist Erica Van Horn. In 2005, he published the collaborative work Tin funnel, jug & dish, with silhouettes by Van Horn. He has lived in the mountains of South Tipperary in Ireland since 1997. www.coracle.ie/ Paul Devautour Paul Devautour est opérateur en art. De 1984 à 2004, il est intervenu dans le champ des expositions à partir d'une collection particulière constituée avec Yoon-Ja Choi (la Collection Yoon-Ja & Paul Devautour). Il a enseigné à la Villa Arson, où il a organisé avec Jérôme Joy l'exposition Lascaux2 en été 1999 pour laquelle tous les espaces d'exposition étaient fermés au public, puis il a initié et coordonné le Collège Invisible, post-diplôme international en réseau de l'Ecole supérieure des beaux-arts de Marseille. De 2004 à 2008, il a dirigé l'Ecole nationale supérieure d'art de Bourges. Il réside actuellement à Shanghai où il monte une nouvelle école d'art internationale (non harmonisée…) Peter Downsbrough Peter Downsbrough (né en 1940 à New Bunswick, New Jersey) opère depuis le début des années 1970 dans le sillage du minimalisme, au croisement de l'art conceptuel et de l'art concret. Ses nombreuses pratiques artistiques — sculpture, photographie, commande publique, livres, films, pièces sonores, appliquées, lors d'interventions discrètes, à l'espace urbain — sont fondées sur la notion de position et de cadrage, et interrogent le rapport à l'espace et le langage. Artiste de la simplicité et du dénuement, il structure l'espace en créant des volumes discrets mais clairement visibles à l'aide d'un vocabulaire plastique épuré, constitué de figures géométriques simples, de lignes, de mots ainsi que de surfaces peintes. La combinaison des éléments linguistiques et géométriques formalise ainsi des espaces structurés induisant une multiplicité de lectures. Et n’est-ce* Et n’est-ce* s’appelait Enes FEJZIC détail (voir Hollywood-Auschwitz) Né en 1950. Vit et travaille à Paris. © extrait de la série « Interviews » par Pierre-Evariste Douaire, à paraître dans paris-art.com Kirsten Forkert Kirsten Forkert is a researcher, artist and activist. She is currently pursuing a PhD in Media and Communications at Goldsmiths College, and is involved in art and activist collectives in London and elsewhere. Her contribution is based on a 2007 online project with the Journal of Aesthetics and Protest, which involved inviting people to read aloud the statements of the Art Workers' Coalition 1969 Open Hearing. The project can be accessed at www.journalofaestheticsandprotest.org. Robert Janitz Robert Janitz est né en 1962 en Allemagne. Vit et travaille à Paris et à New York. « C’est dans un oubli volontaire des grammaires imposées, dans cette tenue au ténu du geste quotidien, dans la grandeur de l’humilité du faire que Robert Janitz trouve sa liberté. Sa peinture est à la fois une occupation du temps et le dessin d’un délassement. » (Philippe Cyroulnik, extrait ; http://robert.janitz.free.fr/) David K’Dual David K'Dual est plasticien et éditeur. Initialement transversale (photographique, sculpturale ou graphique), sa production personnelle l'a conduit à investir le champ – polymorphe par définition – de la technologie numérique. C'est ainsi qu'il collabore à diverses publications en tant que graphiste, où qu'il codirige la revue Murmure et une maison d'édition (De l'incidence éditeur) dont les projets éditoriaux se situent au croisement de la danse, du cinéma, des arts plastiques et des sciences humaines. Il enseigne à l'Ecole supérieure des beaux-arts de CherbourgOcteville.

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Laura Lamiel Vit et travaille à Paris. D'abord peintre, Laura Lamiel tente d'inscrire le tableau dans un autre rapport au matériau. Elle repense le pictural et le transpose dans l'espace. Depuis une dizaine d'années, son travail a pris une dimension plus architecturale avec le dispositif des "cellules de constructions". Composées de grands panneaux d'acier émaillé blanc, elles s'organisent en espaces autonomes, réceptacles d'un vocabulaire de formes hétérogènes : briques émaillées, objets trouvés, morceaux de caoutchouc, éléments sérigraphiés, moquettes de caniveaux... Selon les mots d'Anne Tronche, les cellules délimitent de véritables "territoires intimes". La rigueur de l'acier émaillé et la stabilité qu'il assure permettent paradoxalement les confrontations les plus diverses." A partir de cet élément modulaire de base, la réflexion de l'artiste sur l'espace et sa dialectique entre peinture, sculpture et architecture se traduit de manière plus conceptuelle dans deux autres pratiques : d'une part par une pratique du dessin intégrant la trace d'installations déjà réalisées ou à réaliser et d'autre part, la recherche photographique sur papier baryté et sérigraphié sur acier. (www.lauralamiel.com) Lefevre Jean Claude Depuis la fin des années 1970, Lefevre Jean Claude (né en 1946 à Coutances, vit et travaille à Gentilly) tient un inventaire minutieux de son activité artistique. Ce récit est fait de notations quasi quotidiennes, incessamment reprises, et se décline sous différentes formes, de l’affichage des Tableaux parisiens aux Lectures expositions. Alors même qu’il paraît urgent de rassembler, inventorier, conserver, étudier les archives d’artistes des XXe et XXIe siècles, certains fonds s’imposent par leur caractère actif, voire dynamique, peut-être même irréductible à tout traitement autre que celui opéré par l’artiste. Leur statut glisse de ‘la documentation sur ...’ vers ‘le travail de ...’ « La mise en place de cet instrument n’a pas pour objectif sa mutation en œuvre d’art. Le rôle, la fonction de l’archivage est d’être à la fois la peau et le corps du travail de l’art. Sa justification est d’être traité comme trace ultime de l’art. Pas de déplacement de fonction, pas de simulacre, pas de fiction. LJC Archives se doit d’être un lieu exemplaire, une véritable méthode de travail. Cet outil n’étant pas, bien entendu, à assimiler aux fonds exploités. » Sébastien Levassort Sébastien Levassort est né en 1971 à Lisieux. Il vivait et travaillait à Conflans-Sainte-Honorine et enseignait en région parisienne. Diplômé des Beaux-Arts de Caen en 1997 (DNSEP), il a successivement exposé : 2007, Galerija10m2, Sarajevo ; 2005, ALF, Le chant des sirènes, Clermont-Ferrand ; 2004, Le jour de la sirène, Paris, Galerie Bernard Jordan, Paris ; 2003, FIAC, galerie Bernard Jordan, Paris ; FRAC de Basse-Normandie, les 20 ans du FRAC, Caen ; 2002, CFA des Arts Graphiques, Bagnolet. Peter Liversidge There is no single category or definition that can successfully describe Peter Liversidge's extraordinarily diverse body of work. It exists in almost every conceivable medium: drawing, performance, installation, photography, painting, sculpture, intervention, artist's books and multiples. While his work has an assured lightness of touch and a quiet poeticism, there is also an underlying streak of dark, absurdist humour. Liversidge also makes Proposals, groups of hand-typed and posted suggestions that range from the sublime to the ridiculous, forming the basis for exhibitions, works and performances which are collected into artist books. Recent projects and publications have included: Festival Proposals, Ingleby Gallery, Edinburgh (2006); Proposals for Brussels with the British Council for the Europalia Festival (2007); and Proposals for Barcelona at Centre d'Art Santa Monica (February 2008). Marc Louveau Né en 1950, Marc Louveau est artiste plasticien et designer graphique. Il vit, travaille et enseigne à Cherbourg (ESBACO). Laurent Marissal Laurent Marissal est né en 1970 à Clichy-la-Garenne. Il vite et travaille à Trilport et enseigne en région parisienne. « Proudhon écrit : "Dix mille élèves qui ont appris à dessiner comptent plus pour le progrès de l’art que la production d’un chef-d’œuvre. […] Dix mille citoyens qui ont appris le dessin forment une puissance de collectivité artistique, une force d’idées, d’énergie, d’idéal bien supérieure à celle d’un individu, et qui, trouvant un jour son expression, dépassera le chef-d’œuvre. » Enfin, la position la plus radicale est celle qui propose une articulation étroite de l’art et de la politique : l’art ne doit plus se limiter à donner une forme à la matière pour produire une œuvre d’art, mais donner forme directement à la réalité : on parlera ainsi d’une désesthétisation de l’art. La fonction désaliénante de l’art doit entraîner la réalité dans un mouvement d’émancipation. « Il s'agit de posséder effectivement la communauté du dialogue et le jeu avec le temps qui ont été représentés par l'œuvre poético-artistique", écrit Guy Debord en 1967. La pratique artistique de Laurent Marissal s’inscrit dans cette dernière possibilité. Elle renoue directement avec la fonction désaliénante de l’art et produit la réalité en agissant sur elle à travers le sens. » (Leszek Brogowski, http://www.uhb.fr/alc/grac/incertain-sens/CLA/PDF/journal_2.pdf) Metahaven Metahaven is a studio for research and design based in Amsterdam and Brussels, consisting of Vinca Kruk, Daniel van der Velden and Gon Zifroni. By research, the group implies a gathering of data, inquiry, imagination and ultimately speculation which informs their work in graphic design, branding and iconography as well as in architecture. Metahaven has previously created a visual identity for the mini-state Sealand, and research projects around the former House of People in Bucharest and the European Internet search engine Quaero. Metahaven’s work is exhibited as part of the travelling exhibition Forms of Inquiry: the Architecture of Critical Graphic Design at the Architectural Association, London, On Purpose: Design Concepts at Arnolfini, Bristol, Since we last spoke about monuments at Stroom, The Hague, and Affiche Frontière, a solo exhibition at CAPC museum of contemporary art in

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Bordeaux. At the 2008 Venice Architectural Biennial, Metahaven was represented with a lecture at the Dutch pavilion. Besides design, research and writing, Metahaven lectures widely, and its members teach at institutions including Yale University in New Haven, the Academy of Arts in Arnhem and the Sandberg Institute in Amsterdam. Delphine et Robert Milin Delphine Milin Après des études supérieures de sociologie et d’histoire de l’art, Delphine Milin a choisi de travailler comme assistante et ensuite de s’associer à Robert Milin, artiste. Avec lui, elle sillonne les campagnes et villes d’Europe, rencontrant des gens et des situations, contribuant à mobiliser des personnes dans les projets, inventant avec Robert Milin une économie de l’art et de la vie. Elle signe ici, dans Nos petites résistances : les correspondances de Gérard Margerite, sa première œuvre avec son mari. Robert Milin Christian Ruby, philosophe, Urbanisme, n° 354, juin 2007 : « En artiste qui ne se veut pas engagé mais impliqué, Robert Milin déploie une conception élargie de l'art, qui consiste à élaborer des scénographies quelque peu ludiques (sans être distractives), n'ayant pas toujours besoin de paraître dans des lieux codifiés. L’anthropologue Marc Augé n'a pas détesté réécrire sa formule du non-lieu à propos de ses travaux (conférence, 28 mai 2002). Robert Milin a aussi orchestré le "Jardin aux habitants" du Palais de Tokyo (2002). » Jean-Marc Chapoulie, artiste cinéaste et vidéaste, Robert Milin, Portraits et espaces (à paraître en 2009, Paris, Editions Sens et Tonka) : « Robert Milin est un vidéaste qui utilise la caméra et son atelier comme un chasseur de papillon son filet et son bocal. Robert Milin poursuit des êtres vivants dans des milieux inexplorés : le champ, la cuisine, le train. Il y prélève les sujets pour les observer avec sa caméra et pour les réunir dans des films qui prennent la fonction et la forme d’herbiers. » Erik Moskowitz & Amanda Trager Trager and Moskowitz, themselves a couple, shared their home/studio with co-performer Robert Janitz during the period of time in which they developed their piece. Artifacts of this living arrangement, redolent of the mundane tensions of an unconventional 'family-life' remain in the installation, functioning as a nearly hidden narrative-within-anarrative. These artifacts of a lived experience make Cloud Cuckoo Land as authentic as it is critical. Erik Moskowitz received a BFA from The School of Visual Arts, NY. His work was recently exhibited at Freight and Volume, NY, Holiday, Brooklyn, and Le Sous Salon, Paris. His work has been exhibited internationally at Impakt Festival, Utrecht, Netherlands; Oberhausen 2005, Oberhausen, Germany; Moments Artistiques, Paris; and Experimenta, Bombay, India among others. Amanda Trager received a BA from Antioch College, OH. She has had solo exhibitions at Le Sous-Salon, Paris; Bowery Poetry Club, NY; and Momenta Art (in 2001). Her work has been included in group exhibitions at Triple Candie, White Box, Feature, Ronald Feldman Fine Arts and the Brooklyn Museum in New York. Olivier Mosset Born 1944, Bern, Switzerland; lives in Tucson, Arizona. 2008: Zane Bennett Contemporary Art, Santa Fe, New Mexico; Doart Gallery, Beijing, China; Galerie Patrick De Brock, Knokke le Zoute, Belgique. Clemente Padin Born in Lascano, Rocha, Uruguay (1939). Experimental poet, graphic artist, performer, videomaker, multimedia & networker. Graduated in Hispanic Literature. Edited the magazines Los Huevos del Plata (The Silver´s Eggs), 19651969; OVUM 10 and OVUM, 1969 -1975, Participación (Participation) 1984 -1986 and Correo del Sur (Southern Post), 2000 - 2003. Has showed his works in several individual exhibitions in United States of America, Italy, Korea, Canada, Argentina, Uruguay, Germany, Spain, Brazil, Belgium and Japan. Among other distinctions he was invited personally to the XVIth Biennial of São Paulo (1984), to the Biennial of Havanna (2000) and Cuenca, Ecuador (2002). Scholar by the Academy of Arts and Letters of Germany (1984), has dictated seminaries in the 4 corners of the world. Since The Poetry should Be made for All, Montevideo, 1970, has carried out countless performances in many places of the world. He is author of 18 books and hundred of notes and articles published in many places of the world too. He has participated in multiple events in Internet since 1992 and has published two CD ROMs with Net Art. He is Price Pedro Figari to the artistic trajectory, Uruguay 2005. Adrian Piper Adrian Piper (b. 1948) is a first-generation Conceptual artist who started exhibiting her work internationally at the age of twenty and graduated from the School of Visual Arts in 1969. While continuing to produce and exhibit her artwork nationally and internationally, she received a B.A. in Philosophy from CCNY in 1974 and a Ph.D. in Philosophy from Harvard in 1981 under the supervision of John Rawls. She studied Kant and Hegel with Dieter Henrich at the University of Heidelberg in 1977-1978, and has taught Philosophy at Georgetown, Harvard, Michigan, Stanford, and UCSD, with a specialization in metaethics and Kant. Piper was the first tenured African American woman Professor in the field of philosophy. Her two-volume study in Kantian metaethics, Rationality and the Structure of the Self, integrates desire into reason and standard decision theory into classical predicate logic. She introduced issues of race and gender into the vocabulary of Conceptual art and explicit political content into Minimalism. In 2000 she further expanded the vocabulary of Conceptual art to include Hindu philosophical imagery and concepts. She is the recipient of many fellowships in art and philosophy, and her artwork is in many important collections. Her sixth traveling retrospective, Adrian Piper since 1965, closed at the Museum of Contemporary Art of Barcelona in 2004. She has studied and practiced yoga since 1965, and lives and works in Berlin.

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Claude Queyrel & Pascale Stauth Claude Queyrel et Pascale Stauth sont nés en 1964 et 1965, à Gap et à Toury. Ils vivent et travaillent à Marseille. Ils ont exposé récemment : 2007 : Marseille, Artistes Associés , M.A.C., Vieille Charité, Marseille ; L’art d’une vie, hommage à R. Pailhas, M.A.C. Galeries contemporaines des Musées de Marseille. 2006 : Présentation des TV Covers, Ateliers d’Artistes de la ville de Marseille ; 2004 : IIIeBiennale des Arts de la ville de Tunis, Tunis (catalogue). http://www.tvcover.free.fr/film/films-txt.htm Hubert Renard Hubert Renard construit sa propre et possible carrière d'artiste, en accumulant une documentation constituée de photographies d’exposition, d’articles de presse, de dossiers de presse, etc. On peut découvrir son œuvre grâce à des catalogues, notamment celui du CLAC de Limoges (1984) ou celui de la Kunsthalle de Krefeld (Éditions Incertain Sens, 1990). Le Centre des Livres d’Artistes avec les Éditions Burozoïque préparent pour mars 2009 un ouvrage intitulé « Une Monographie ». http://hubrenard.free.fr François Ristori François Ristori est né en 1936 à Eu (Seine Maritime). Vit et travaille à La Celle Saint-Cloud. Il intègre d'abord l'École des beaux-arts d'Amiens, qu'il fréquente pendant deux ans, de 1954 à 1956. Au retour de son service militaire effectué en Algérie, il fait trois années d'études supplémentaires aux Beaux Arts de Paris (19591962). Il devient ensuite pensionnaire à la Casa de Velázquez, où il réside jusqu'en 1964. En 1968, il part pour le Canada en tant que boursier du Conseil des Arts. Son séjour dure six mois. A l'époque du groupe BMPT (Daniel Buren, Olivier Mosset, Michel Parmentier, Niele Toroni), François Ristori contribue, par ses recherches personnelles, au questionnement radical sur la peinture avec la mise au point d'une méthode de travail qui fonde, aujourd'hui encore, son travail. En mars 1971, il publie son premier texte-manifeste à compte d'auteur, intitulé Peinture possible. Il a successivement exposé à la : galerie Yvon Lambert, Paris (1971-1976-1979-19821985) ; Galerie D, Bruxelles, 1976 ; Le Coin du Miroir, Dijon, 1979 ; Galerie Arnaud Lefebvre (2000-2001-2003-20052008). Alexandre Rolla Historien et critique d'art, commissaire d'exposition, enseigne l'histoire de l'art à l'ESBACO et à l'Université de Franche-Comté à Besançon. Il est membre du groupe de recherches Arts et Contemporanéité et du Centre d'art mobile (sans localisation fixe organisant des expositions et des événements artistiques dans divers lieux institutionnels et privés, en France et à l’étranger et dont la programmation est fixée par un comité scientifique composé de diverses personnalités du monde de l’art. Malkit Shoshan (FAST) Israeli architect, Malkit Soshan is the director of FAST. She lives and works in the Netherlands since 2003. She studied Architecture and Urban planning in the University of Venice and in the Technion (Technical University) in Haifa. During and after her study, she has worked on various projects, demonstrating the hidden dimensions of planning and its connection to human rights violation. Her work was published at the Architecture Biennale in Venice in 2002 as part of the Border-disorder project. She has contributed to the Civilian Occupation and Politics of Verticality project of Eyal Weizman and Rafi Segal both in terms of research and design. In 2004, she started One Land Two Systems project, an international architecture competition where architects and planners were asked to contribute a master plan for the unrecognized village of Ein Hud. The Foundation FAST was born out of that and Shoshan has since realized international exhibitions, lectures, workshops, articles, etc. Phil Stephens Phil Stephens est né en 1971 à Consett (Royaume Uni). Diplômé de la Norwich University College of the Arts, il a été assistant de Mario Merz. Depuis 1998, il vit et travaille en région parisienne et enseigne à l’ESBACO. Il a dernièrement exposé à la Biennale de Saint-Claud (2002) et au Salon de la Jeune création de Paris-La Villette (2002). Branimir Stojanovic Philosopher, psychoanalyst and artist, Branimir Stojanovi is a founder of the School for History and Theory of Images where he lectured on the subject of Art and Psychoanalysis. Member of the Centre for Contemporary Arts — Belgrade Editorial board, editor of the Gay Science book edition and member of the Prelom (Break) magazine Advisory board. Published numerous articles, essays and studies in periodicals and collections of essays. Tsuneko Taniuchi Née à Hyôgo, Japon. Vit et travaille à Paris depuis 20 ans. Son art est avant tout un combat, un engagement synthétisant la vision chaotique de notre époque. Ses installations et performances traitent de l'exclusion — exclusion déjà ressentie dans la société japonaise qu'elle a quittée — et de l'identité de la femme dans le monde phallocentrique d'aujourd'hui. Depuis ces dernières années, elle a mis en œuvre et développé principalement des "Micro-événements", regroupant des performances à visée interactive ou non. C'est sans aucun doute l'une des performances les plus stupéfiantes que Tsuneko Taniuchi réitère sur la scène du théâtre, une performance déjà actée à « Transpalette », Bourges, en 1999 et au musée d’art moderne de la Ville de Paris en 2000, "Micro-événements" de plusieurs heures où l’artiste entre dans la peau de neuf personnages féminins. Enfermée dans un cube meublé, elle revêt, tour à tour, le costume

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et les attitudes d’une récitante, d’une serveuse, d’une SDF, d’une lycéenne et d’une écolière japonaises, d’une « Ninja Girl », d’une boxeuse, d’une démonstratrice vendant des couches pour bébés et d’une Bimbo. Son travail existe dans cette tension étroite entre héritage personnel et contexte présent dans lequel elle vit et travaille. Morgane Tschiember Morgane Tschiember est née en 1976. Elle vit et travaille à Paris. Lauréate du Prix Paul Ricard en 2001, elle expose à Anvers, Bruxelles (Galerie Catherine Bastide, 2005) puis présente sa première exposition personnelle à Paris à la galerie Loevenbruck en 2007, en passant par Munich, Vienne (Galerie Krinzinger, 2008), Zurich (Galerie Lange&Pult), Londres (Freeze, galerie Catherine Bastide) ou Paris (FIAC, 2006, 2007, 2008 Galerie Loevenbruck), Bâle (exposition Blackdraft, 2008), Volta, Galerie Loevenbruck 2007, 2008). En 2008, les productions Image et compagnie consacrent à son travail un reportage de 26 minutes (diffusé sur Arte, série L'art et la manière). En 2009, elle sera en résidence à New York ("Les ateliers New-Yorkais" avec l’International Studio and Curatorial Program)

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january 5-31 2009 (Press release)  
january 5-31 2009 (Press release)  

AN ART EXHIBITION WHICH IS (A TEACHING COMMUNICATED IN) THE CATALOGUE, THE PHYSICAL PRESENCE (OF THE GALLERY OF/OR THE SCHOOL) IS SUPPLEMENT...

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