La palabra tipografía proviene de dos términos griegos: “typos” que significa golpe, marca o forma, y “graphia” que significa cualidad de escribir.
Podemos definir la tipografía como “el arte de diseñar las letras”. Se denomina así a la disciplina que estudia la representación gráfica de las letras para que el lenguaje escrito sea efectivo.
Al mismo tiempo, denominamos también tipo grafía a la escritura con un conjunto de caracte res alfanuméricos, elaborados previamente y que cuentan con un estilo y una serie de característi cas en común.
Toda la familia de caracteres se ha diseñado si guiendo unas mismas pautas y estilo. Posterior mente se han incluido en un archivo contenedor con formato OpenType (Microsoft y Adobe) o Truetype (Apple).
Gracias a estos archivos podremos incluir las tipografías en nuestro catálogo tipográfico, que nos permitirá usarlas desde cualquier programa de edición de textos (o imágenes) o programas de diseño desde nuestro ordenador. Podremos incluir estos diseños de letras en nuestras creatividades y composiciones, sin necesidad de diseñarlas una y otra vez.
Tipos de Tipografías Serif, Sans Serif y Slab Serif
Algunos tipos de fuentes tipográficas: Serif, Sans Serif y Slab Serif
No debemos confundir la técnica de la tipografía con el Lettering “el arte de dibujar las letras” o la Caligrafía “el arte de escribir las letras”. Aunque cuenten con similitud, estas 3 técnicas difieren en cómo se concibe y aborda la creación de las letras.
Al autor de la tipografía lo denominamos tipógrafo.
Al igual que ocurre con las formas, los colores o las imágenes, las tipografías también pueden llegar a evocarnos conceptos o emociones. A esto se le denomina psicología tipográfica o personalidad de la tipografía.
La personalidad tipográfica nos puede ayudar a transmitir aún más con la identidad visual de la marca. Por ejemplo, si queremos que la empresa se muestre moderna y cercana, podemos recurrir a una tipografía de palo seco. Si quizás la preferimos más tradicional y seria, una tipografía con serifa podría ser una mejor opción.
Sin profundizar demasiado dentro de cada categoría de tipografías, lo cierto es que podemos clasificar a las fuentes tipográficas por su morfología en 4 grandes grupos:
Con serifa (romanas)
Sin serifa (palo seco) Cursivas (manuscritas) Decorativas (exposición)
Vamos a conocerlas una por una para que puedas aprender a diferenciarlas por su forma.
Las tipografías con serifa son aquellas que cuentan con remates o terminales, que son esos pequeños adornos ubicados en los extremos de los trazos de los caracteres.
Las tipografías Serif suelen ser concebidas como serias y tradicionales. Cuentan con un aire acadé mico o institucional. Son tipografías idóneas para párrafos o textos largos, ya que los pequeños termi nales o serifas contribuyen a que se cree una línea imaginaria bajo el texto que facilita mucho lectura a nuestro ojo.
Algunos ejemplos de fuentes tipográficas Serif son: Times New Roman, Garamond o Book Antigua. Y recuerda dentro de las tipografías con serifa, pode mos incluir también las tipografías egipcias o Slab Serif.
Las tipografías sin serifa o de palo seco (sans serif) se caracterizan por la ausen cia de remates y terminales. Se diseñan sin serifas. Sus trazos apenas presentan contrastes.
Las tipografías Sans Serif suelen aso ciarse con la tipografía comercial, ya que ofrecen un resultado muy bueno para la impresión de titulares o poco texto, en carteles y publicidad. Este es tilo de fuente evoca modernidad, segu ridad, neutralidad y minimalismo.
Aunque este tipo de fuente tipográfica no cuente con la línea invisible que consiguen las tipografías Serif para los textos largos, es muy recurrida también para textos en pantalla y textos en ta maños pequeños. Gracias precisamente a la ausencia de terminales y remates, esta tipografía puede resultar más legi ble en textos de pequeño tamaño que su hermana mayor. Algunos ejemplos de tipografías San Serif son: Futura, Hel vética, Arial, Gotham o Avenir.
Las tipografías manuscritas también se denominan como cursivas o script. Son tipografías que representan o imitan la caligrafía a mano, por lo que en ocasiones también se les puede denominar como tipografías caligráficas.
Generalmente este tipo de tipografías cuentan con una tendencia itálica o cursiva claro. Las letras se ligan entre sí y encontramos curvas más pronunciadas que en las tipografías con serifa o de palo seco.
Como se ligan con la caligrafía, cuentan con una personalidad algo más humana y cercana. Algunas tipografías cursivas podrían ser Bec kham Script o Parisienne.
Cuentan un carácter y personalidad muy fuerte. Desde el punto de vista de la psicología tipo gráfica son transgresoras y contribuyen a llamar más la atención. No obstante, la legibilidad que se puede obtener con este tipo de fuentes es algo más pobre.
saber más Sustantivo femenino. Esta palabra se define al arte, habilidad o destreza de imprimir, también se dice al taller en donde se imprime algo, esta acep ción se le conoce como imprenta con la misma acepción. Manera, estilo o modo en que esta impreso un texto o cualquier medio similar. Clase de tipos de imprenta.
Dentro de este conjunto de decorativas entrarían las tipografías cuyas características no se ajustan a los tres conjuntos anteriores. Suelen crearse para fines específicos donde la legibilidad no se tiene demasiado en cuenta. Son muy expresivas y suelen contar con atributos más temáticos.
Una familia tipográfica es un conjunto de caracte res, alfabéticos o no, que cuentan con unas carac terísticas comunes en su estructura y en su estilo. Esto nos permite identificarlas como una misma familia. Los miembros que integran una misma familia tipográfica se parecen entre sí, pero cuen tan con algunos rasgos propios como variaciones de peso, inclinación y proporción. Esto lo voy a aclarar con más detalle en el siguiente punto.
Existen multitud de familias tipográficas. Origi nalmente surgieron con la creación de la imprenta pero otras han ido apareciendo como resultado de la digitalización de todo el proceso de diseño de tipografías.Por ejemplo, las familias Gotham, Fu tura o Swift son algunas de mis familias tipográ ficas favoritas. Las uso con bastante frecuencia.
¿Cuál es el signifi cado de cada color y en qué ámbitos se aplica la Psicolo gía cromática?
La psicología del co lor es un campo de estudio que está dirigido a analizar cómo percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las emociones que suscitan en nosotros dichos tonos.
Hay ciertos aspectos subjetivos en la psicología del color, por lo que no hay que olvidar que pueden existir ciertas variaciones en la interpretación y el significado entre culturas. A pesar de todo, hay ciertos principios aceptados que vamos a repasar en este artículo y que se aplican fundamentalmente a las socieda des occidentales.
Psicología del color: influencia en las emociones y el estado mental
¿Sabías que los colores de tu alrededor pueden estar influenciando tus emociones y tu estado mental? ¿Sabías que ciertas tonalidades pueden irritarte o, por el contrario, relajarte y cal marte? Pues debes saber que los colores que te rodean sí que pueden tener un efecto en ti.
Esta afirmación no es nueva. De hecho, muchas empresas di señan sus logos teniendo en cuenta los colores que emplean, pues de esta manera envían un mensaje u otro al consumidor. Cuando se decora una tienda también se valora qué colores se emplean, pues es casi una necesidad que la gente sienta el de seo de comprar cuando está en el local. Pero no solo se utiliza la psicología del color para sacar un beneficio económico.
En la arteterapia, el color se asocia a las emociones de la per sona y es una manera de influenciar el estado físico y mental del paciente. Por ejemplo, los estudios han demostrado que el rojo aumenta el ritmo cardíaco, lo que, a su vez, provoca un aumento de adrenalina y hace que los individuos se sientan enérgicos y entusiasmados.
El modo en el que los colores nos inducen a experimentar determinadas sensa ciones y a adoptar ciertas actitudes tiene dos tipos de causas: las biológicas, por un lado, y las culturales, por el otro.
En lo que respecta en los aspectos bioló gicos de este fenómeno, la Psicología del color es una realidad más allá de la espe cie humana: en la naturaleza, la percep ción de colores influye en la conducta de muchos animales. Por ejemplo, algunos reptiles del grupo de los eslizones ahu yentan a sus depredadores mostrando su lengua, de color azul oscuro, ya que el resto de especies lo ven como una señal de enfermedad. Por otro lado, las com binaciones con colores rojos y amarillos son vistas como una señal de peligro, y muchas especies las usan a modo de ad vertencia (e incluso hay otras totalmente inofensivas que adoptan tonalidades pare cidas para intentar parecer intimidantes).
En lo que respecta a los aspectos cultu rales, prácticamente todas las sociedades humanas asocian los colores a determi nados conceptos para expresar ideas abs tractas, algo normal si tenemos en cuenta que nos es difícil utilizar pigmentos para crear pinturas corporales, dibujos sobre todo tipo de soportes, etc. Y, por otro lado, el Homo sapiens es una especie muy visual, y con una gran capacidad para percibir muchos colores (la mayo ría de mamíferos y reptiles perciben mu chos menos). La psicología del color en la vida cotidiana
¿Por qué los colores influyen en nuestra mente y comportamiento?
Y es que no suena nada rara la afirmación de que los colores provocan un efecto emocional en nosotros. De hecho, forma parte de nuestro lenguaje cotidiano. En otras palabras, es común hablar de colo res cálidos, como el rojo, el amarillo o el naranja, que pueden suscitar distintas re acciones, desde positivas (calidez) o nega tivas (hostilidad y enfado).
O, por contra,también solemos hablar de colores fríos, como el verde o el azul, que suelen provocar una sensación de calma pero también tristeza.
Ya que todos estamos familiarizados con estos conceptos, la psicología del color se emplea en la vida cotidiana. Por ejemplo, cuando pintas tu casa y consideras qué co lores quieres para tu hogar porque vas a pasar muchas horas allí dentro. Cuando haces eso, sueles tener en cuenta cómo te harán sentir las diferentes tona lidades: ¿un gris elegante para el salón? ¿una cocina verde que se asocie a la pri mavera y la frescura? A lo mejor te gus ta el yoga y la meditación y quieres una habitación blanca porque sabes que tiene un efecto relajante. Esto son solo algunos ejemplos de cómo empleamos la psicolo gía del color casi sin darnos cuenta.
Tal vez el área en el que más se aplique la psicología del color es en marketing. Es habitual creer que las decisiones que tomamos a la hora de comprar se basan en un análisis racional, pero, en muchas ocasiones, nuestra emociones son las que deciden por nosotros.
Desde hace un tiempo. y en cuanto a la toma de decisiones se refiere, incluso la neurociencia moderna se había centrado sólo en los aspectos cognitivos del cerebro, olvidando las emociones. Todo esto cambió con el libro de Antonio Dama sio llamado “El error de Descartes”. Un texto de psicología altamente recomendado que aporta evidencia científica sobre la importancia de las emociones en nuestras decisiones.
¿Y cómo llegamos al corazón del cliente? Pues a través de los sentidos, básicamente gracias al oído y la vista. Por eso, cuando entras a una tienda de moda suena música enérgica y puedes apreciar un decorado y un colorido te dice: “compra, compra, compra”. Según Color Marketing Group, una com pañía especializada en el uso de los colores, casi el 85% de las razones por las que una persona elige un producto sobre otro tiene que con la percepción del color.
La psicología del color también se aplica en el branding. ¿Sabías que el rojo estimula el apetito? Pues eso es así, según indican distintas investigaciones. Por lo que no es de extrañar que cadenas conocidas de comida rápida como McDonald’s, Pizza Hut, KFC y Wendy’s empleen este color en sus logo tipos e instalaciones.
El simbolismo de los colores es un territorio ciertamente ambiguo y que, en ocasiones, no es del todo aceptado en el campo científico. Como ya se ha dicho, el color tiene muchas lecturas dependiendo del contexto del que se trate. No obstante, a continuación vamos a identificar los colores más importantes con sus significados más o menos aceptados (por lo menos en Occidente).
En las culturas occidentales y algunas orientales, el color blanco re presenta lo puro e inocente, así como la limpieza, la paz y la virtud. En culturas orientales y africanas es el color de la muerte: el alma pura que se va.
Representa la luz y el oro. Suele relacionarse con la felicidad, la riqueza, el poder, la abundancia, la fuerza y la acción. No obstante, los investi gadores lo consideran uno de los colores más ambiguos, pues también representa la envidia, la ira y la traición. La excesiva presencia de ama rillo intenso puede llegar a irritar a una persona, ya que normalmente estamos acostumbrados a verlo en superficies relativamente pequeñas.
Se asocia a la estimulación, la pasión, la fuerza, la revolución, la virili dad y el peligro. Probablemente, esto tenga que ver con que el rojo es el color de la sangre, que también asociamos a cierta noción de vitalidad, agresividad y sensaciones extremas. Es uno de los colores con mayor consenso entre los expertos y, de hecho, vestir de este color nos lleva a comportarnos de un modo ligeramente más asertivo y extravertido.
El naranja se asocia al entusiasmo y la acción. También puede relacio narse con la lujuria y la sensualidad, con lo divino y la exaltación. En el mundo del marketing político, se suele decir que el naranja es el color más optimista de todos, por lo menos en las sociedades occidentales.
El azul es el color del cielo y del agua, y representa la tranquilidad, la frescura y la inteligencia. En el mundo del marketing se emplea en muchos logotipos como Facebook o Twitter. Es un color elegante y corporativo, uno de los más usados por las empresas. Transmite con fianza y pureza.
El verde representa la juventud, la esperanza y la nueva vida, pero tam bién representa la acción y lo ecológico. Los decoradores de interiores coinciden en señalar que una habitación pintada con un color verde suave incita a la relajación y al bienestar.
El morado es muy valorado en el mundo del marketing, puesto que representa la sofisticación y la elegancia. Además, se suele asociar este color al misterio, la nostalgia y la espiritualidad. Es un color ampliamente usado en los productos anti-edad, precisamente por ese toque de glamour que desprende.
El negro tiene connotaciones negativas pues se asocia a la muerte, a lo malvado o a la destrucción. En cambio, en el antiguo Egipto representa ba la fertilidad y el crecimiento. Debido a su relación con la oscuridad, el negro simboliza el misterio y lo desconocido. En el mundo de la moda, el negro es el color de la elegancia, la formalidad y la sobriedad.
Concepto fundamen tal de diseño, permi te transmitir belleza, lógica y coherencia mediante el color, la forma o la simetría.
A la hora de explorar el lengua je visual, es importante entender qué debemos buscar para lograr composiciones de diseño atrac tivas, sólidas y coherentes. Los colores, la forma, el espacio, y la simetría son algunos de los as pectos a contemplar cuando nos referimos a una composición creativa.
En el diseño gráfico es clave co nocer estos y otros componentes y dominarlos para crear piezas de comunicación capaces de conectar con el público. Adéntrate, de la mano del director de arte, di seño editorial y tipográfico Javier Alcaraz (@javieralcaraz) en este concepto tan clave para el diseño gráfico.
Cuando nos referimos a componer, hablamos de hacer de varias cosas, una sola. Un conjunto, una unidad. Por esta razón, la defini ción oficial de composición en el mundo visual es, simplemente, ordenar formas en el espacio.
Esto puede hacerse:
- Juntándolas
- Relacionándolas
- Colocándolas con cierto modo y orden
La composición como metodolo gía, por definición, nos permite manipular diferentes partes de un determinado lenguaje para formar un todo.
Cuando escribimos, por ejemplo, comunicamos ideas mediante el uso de signos visuales a través de las letras. En el ámbito de la se mántica, elegir correctamente las palabras ayuda a que se entienda lo que queremos decir. La sinta xis, por su parte, hace referencia al significado que le damos a las palabras gracias a que las ordena mos en oraciones para que pue dan ser entendidas.
Así como existe la composición escrita, en el diseño gráfico nos valemos de una sintaxis visual para afianzar el sentido de lo que queremos comunicar. Lo visual es también un lenguaje y tiene sus propios elementos y caracte rísticas.
¿Qué es la composición en diseño gráfico?
El proceso de composición es el más importante en la resolución del problema visual ya que la composición en el diseño gráfico se basa casi por completo en las artes visuales.
Algunos de los conceptos del diseño gráfico que provienen de la herencia pictórica son:
- Unidad - Peso - Ritmo
- Movimiento - Balance - Contraste
El cine, como lenguaje visual, es una disciplina compleja y fabu losa que combina los criterios de composición de la escritura, la música y las artes visuales.
La estructura narrativa primero elige la parte significativa de la historia para luego acomodarla de manera lógica y expresiva. El relato audiovisual, para que se sostenga en el tiempo, debe prestar especial atención a la secuencia rítmica y armónica de las escenas. Cada encuadre o toma se componen ubicando los elementos según intenciones de belleza prácticas y narrativas.
Algunos de los criterios visuales que se consideran para conseguir balance, movimiento y variedad y que son las obsesiones del di rector de fotografía son los siguientes:
- El tipo de plano
- La iluminación
- El contraste
- La profundidad de campo
La búsqueda de un resultado en conjunto es la que somete a cada una de sus partes. En la composición es importante integrar y relacionar armónicamente todos los elementos plásticos. Los elementos que debemos tener en cuenta para lograr la integración de un conjunto pueden ser:
- El color. Aquí te contamos cómo usar el color para dar forma a tus composiciones visuales.
- La forma
- La proximidad
- La orientación de los elementos
¿Cómo se crea una composición?
Afinales del siglo XIX, una corriente de “arte nuevo” causó revuelo por toda Europa. Caracterizada por el interés en una reinterpretación estilizada de la belleza de la naturaleza, artistas de todo el continente adoptaron y adaptaron este estilo vanguardista. Como resultado, nacieron al gunos submovimientos en cada región, como la Secesión de Viena en Austria, el Modernismo en España, y el art nouveau en Francia. El estilo art nouveau francés fue acogido por artistas de varias disciplinas. Además de las bellas artes, como la pintura y la es cultura, también influyó en la arquitectura y las artes decorativas de este periodo. Sin embargo, su legado más perdurable quizás puede encontrarse en el cartel, una herramienta comercial que el artista checo Alphonse Mucha ayudó a convertir en una forma de arte moderno.
En 1860, Alfons Maria Mucha (conocido internacionalmente como Alphonse Mucha) nació en Ivančice, un pequeño pueblo en lo que hoy es República Checa. Su infancia fue moldeada por una com binación de tres peculiares influencias: su educación católica, su interés por la música y sus talentos artísticos naturales. “Para mí”, escribió, “las nociones de pintura, ir a la iglesia y música están tan unidas que a menudo no puedo decidir si me gusta la iglesia por su música, o la música por su lugar en el misterio que acompaña”.
Aunque para Mucha estos elementos estaban interconectados, cada uno tuvo una influencia discreta y discernible en su carrera artís tica y su eventual éxito. Por ejemplo, su rol en la iglesia católica le ayudó a asegurar su primera gran comisión, un Retrato de los Santos Cirilo y Metodio, mientras que su fascinación por la música se transformó en un interés por el teatro y, en consecuencia, trabajó como escenógrafo.
Sin embargo, no fueron sus pinturas religiosas y su decoración teatral lo que convirtió a Mucha en una celebridad del mundo del arte, sino las ilustraciones comerciales que comenzó a
En 1888, Mucha se mudó a la capital francesa. Aquí, encontró un sistema de apoyo tanto en la comunidad es lava local como en Charlotte Caron, mecenas de las vanguardias y pro pietaria de la pensión Crémerie, que estaba llena de artistas. Mientras vi vía en este centro creativo, Mucha dejó de enfocarse en la pintura y el teatro para dedicarse a la ilustración de revistas, un campo en el que rápi damente encontró el éxito.
Las imágenes que creó para publica ciones contemporáneas como La Vie popular y Le Petit Français Illustré le permitieron tener un ingreso decente para alguien de 30 años. Pronto pudo pagar los materiales y el espacio ne cesarios para perfeccionar su oficio, incluida una cámara para poder tra bajar a partir de fotografías y un es tudio compartido con el artista Paul Gauguin.
A principios de la década de 1890, dos grandes cambios alteraron el curso de la carrera de Mucha una vez más. Primero, comenzó a trabajar para la Biblioteca Central de Bellas Artes, una compañía de libros de arte que eventualmente popularizaría el estilo art nouveau con su revista, Art et Decoration. En segundo lugar, y lo más importante, fue comisionado para crear carteles que publicitaran el trabajo de la popular actriz Sarah Bernhardt.
Juntos, estos proyectos llevaron a Mucha a iniciar lo que se convertiría en su obra más conocida: sus carteles art nouveau.
oma Bar es un israelí, nacido en el 73 y afincado en Londres desde 2001. Es diseñador, ilus trador, artista gráfico. Ha de sarrollado un estilo minimalista, personal y característico hasta conseguir una obra gráfica refinada y con identidad propia.
Noma Bar utiliza una estética pragmática, un sutil sentido del humor al que se añade una paleta de colores básica escogida con precisión.
Sus obras suelen contener varios signi ficados, el uso de las formas juegan con nuestra percepción sacándole el máximo partido al espacio negativo utilizando di ferentes niveles visuales.
Son imágenes extremadamente simples que acostumbran ocultar una o más figuras escondidas en el fondo, figuras que siem pre ofrecen el contrapunto que consolida el significado final de cada obra.
En ocasiones solo un detalle, un trazo o una letra, pero es rara la pieza que no es conde algún secreto.
«Mis imágenes no deben ser obvias para el lector»
ha comentado Noma Bar refiriéndose a sus obras. En su obra se puede percibir la influencia del maestro del diseño japonés Shigeo Fukuda.Su trabajo es tan simple, y sin embargo tan inteligente, que segura mente os impresionará.
En su último libro, llamado Espacio Ne gativo, dice: “El artista, al usar el espacio negativo se basa en el espacio que rodea al sujeto para darle forma y significado.
Por supuesto que el término también se refiere a cualquier tema que evoca senti mientos de inquietud e incomodidad.”
Noma Bar demuestra que estamos viviendo en la era dorada de los diseños de libros a través de ilustraciones de ficción distópi ca popular, como El cuento de la criada de Atwood y 1984 de Orwell. El arte de Bar reúne proximidad, minimalismo y espacio negativo para retratar el mensajes podero sos encapsulados en las novelas. El con traste simple pero perfectamente elegido entre el rojo, el blanco y el negro carbón es sin duda el medio por el cual Bar eligió con éxito al lector atractivo para revisitar estas obras. También ha realizado la por tada para The Testaments, la última novela de Margaret Atwood.
Hay alrededor del cine de Tim Burton todo un arrebato de reconocimiento, de admira ción y de fanatismo, que lo hace uno de los directores de culto por excelencia, debido a que cuenta con un público cautivo, el cual es capaz de ver sus filmes una, otra y otra vez.
Su cine está rodeado de un halo miste rioso, fantasmagórico y espectral, real mente inconfundible, lo que lo vuelve sumamente atractivo para el espectador.
Desde que en 1982 debutó como di rector con el cortometraje Vincent, su estilo particular fue bien acogido por la crítica, mereciendo el prestigioso Pre mio de la Crítica en el Festival de Cine de Animación de Annecy.
Su forma de abordar los temas y la ma nera en que los representa, su toque esti lístico y su arte enigmático y expresivo, han llevado a analistas y escritores a es tudiar su obra, a escribir sobre su vida y analizar cada una de sus películas con detenimiento.
Las revistas cinematográficas contienen regularmente informa ción y artículos sobre el cine de Burton, y no solo eso, sino que alrededor de sus personajes y su concepto artístico se ha creado todo un marketing de una serie de artículos, libros, posters, títeres, muñecos, etcétera, que se venden en el propio website del excéntrico realizador. Asimismo, actualmente su arte da la vuelta al mundo, en una gira de exposición de sus principales obras y piezas originales, una colección de su labor creativa, no solo cinematográfica, sino personal.
Lo que lo identifica y hace del cine de Tim Burton algo sui géneris y especial es que posee un estilo único y propio, ciertos elementos que se repiten y están presentes en la mayoría de sus historias, además de que la forma en que se presentan es visual mente llamativa. De tal manera que con solo ver una imagen o fotografía nos remite directamente al autor a tal grado, que ha sido una fuerte influencia en la cultura popular, incluso el adje tivo “burtoniano” ya se utiliza para describir algo estéticamente parecido a su obra artística.
Burton entreteje sus historias de una forma nebulosa y ambigua, en la que cuesta definir cuál es la fantasía y cuál es la realidad, sumergiendo al espectador en un universo irreal, con relatos emotivos y personajes insólitos, pero con problemáticas muy humanas, lo que hace percibir sus películas como toda una experiencia, un viaje a mundos góticos y oscuros, donde la luz y la sombra juegan un im portante papel en la estética y en la atmósfera visual creada por él.
Definitivamente, el peso de su autoría se aprecia en el sello esté tico de sus filmes mucho más enfáticamente que en la narrativa, “sus obras se asientan, más que sobre un argumento bien hilado, en un brillante diseño visual y en la fuerza y complejidad de sus personajes, héroes solitarios sistemáticamente malinterpretados por la sociedad…Tim Burton ha sido calificado con los adjetivos más variopintos: visionario, oscuro, macabro, iconoclasta, genial, innovador, rebelde, individualista, extravagante, inadaptado, hiperbólico, irónico, obsesivo, mor boso, manierista, inconformista, anticonvencio nal, infantil, caprichoso, excéntrico, divertido, leal… Su físico frágil y desgarbado nos recuer da a un desvalido niño perdido y muchos han destacado una personalidad sumamente sensible, receptiva, cordial y tímida. Sin duda, Burton se ría un personaje perfecto para una de sus propias películas”[1].
Por otro lado, para la creación de su mundo, Bur ton ha conformado un talentoso equipo de traba jo, con el que se siente cómodo para inventar sus historias, ya que han sabido captar de manera óptima el ambiente que desea trazar. Principalmente es de vital relevancia la mancuerna con Danny Elfmann, su compositor de cabecera, quien a tra vés de su música consigue complementar exqui sitamente la fantasía siniestra y estrambótica de sus películas.
Asimismo, acostumbra repetir actores que son ya íconos de su cine, como Helena Bonham Carter y, por supuesto, Johnny Deep, los cuáles re presentan a esas figuras invariables, personajes incomprendidos o marginados, mezcla de hombre, criatura y espectro.
Aunque las temáticas sean diferentes, podemos afirmar que la cons tante es la creación de un mundo distinto, irreal, en el que sumerge al espectador, quien vive su cine como todo un viaje a universos alternos, como una experiencia novedosa y como una aventura para los sentidos.
Timothy William Burton nació el 25 de agosto de 1958 en Burbank, California. A los dieciocho años ingresó en un programa que Dis ney creó para la formación de animadores, y posteriormente fue contratado por la misma empresa para colaborar como dibujante, sin embargo, su ya temprano gusto por lo gótico no encajaba con el estilo alegre y liviano de Disney. Él mismo explica que “lo raro de Disney es que quieren que seas un artista, pero al mismo tiempo quieren que seas un obrero de fábrica, un zombie sin personali dad”[2]. No fue hasta que le permitieron rodar sus dos primeros cortos, Vincent (1982) y Frankenweenie (1984), que Burton pudo explorar su propio estilo visual y plasmar en pan talla todo ese talento contenido, transmitiendo un concepto novedoso, dejando entrever todas las fuertes influencias que conformarían su cine y que se convertirían en su sello autoral.
A partir de ese momento, su creatividad afloró, y despegó su creación cinematográfica. Su primer largometraje, Pee-Wee’s Big Adventure (1985), seguido del gran éxito de Beetlejuice (1988), le dieron la entrada a la Warner para la realización de Batman (1989), en la que sorprendió al públi co y a la crítica por su cuidada estética gótica, que continuaría utilizando en todas sus obras.
Con la cinta El Joven Manos de Tijera (Edward Scissorhands, 1990), Burton se consolida ya como un director de gran prestigio y también muy rentable para los estudios.
Su prolífica carrera cuenta con más de dos de cenas de películas, entre las que se encuentran las exitosas El Extraño Mundo de Jack (1993), la genial Big Fish (2003), Charlie y la Fábrica de Chocolate (2005), la premiada Sweeney Todd (2007), Alicia en el País de las Maravillas (2010), Big Eyes (2014) y El Hogar de Miss Peregrine Para Niños Peculiares (2016), y muchas más.
Tim fue un niño tímido, absorto y extraño, gustaba de la literatura fantástica y sombría de Edgar Allan Poe y de las obras siniestras de Charles Dickens. Asimismo, estaba completamente prendado de las películas de terror y ciencia ficción del momento. Su encuentro con el cine de Vincent Price, actor de películas de terror de bajo presupuesto y una relevante influencia para él, tanto, que su primer cortometraje le fue dedicado.
El expresionismo es la corriente que más ha influido en la con
formación de su estilo estético y visual. Dos de las películas ex presionistas de mayor relevan cia, El Gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, 1919) y Nosfe ratu (FW. Murnau, 1922), fueron inspiración para sus principales obras. Asimismo, sus mundos, su iluminación y sus personajes se ven fuertemente influenciados por el arte de directores como Fritz Lang (Metropolis, 1927; El vampiro de Dusseldorf, 1931) o Paul Wegener (El Golem, 1920).
Por su parte, lo gótico, derivado también del expresionismo, se convierte en un estilo concien zudamente desarrollado en Gran Bretaña a finales de los cincuenta y durante los sesenta, retomando el cine clásico de terror y los tó picos de monstruos, de vampiros, para que personajes como Drácu la y Frankenstein, volvieran a la pantalla, a cargo de los estudios Hammer. A su vez, en Estados Unidos, la American Internatio nal Pictures no quería quedarse atrás, por lo que inició una serie basada en las historias de Poe, protagonizada precisamente por Vincent Price. Este vasto cine, clase B, se filtró en el subcons ciente de Burton, y fue de vital importancia para la posterior creación de su obra.
Rasgos que predominan en las creaciones de Burton provienen de estas corrientes, por ejemplo el acentuado uso del contraluz, las proyección de sombras gigan tes y tenebrosas, los ojos profun damente remarcados en negro, decorados que cobran vida y se funden con los personajes, todo esto se puede apreciar tanto en el expresionismo alemán como en el cine gótico de los sesenta.
En general, como hemos visto ya, el cine de Tim Burton es de culto, por ofrecer un estilo visual único y que su público reconoce y sigue fielmente. Porque se puede con siderar un cine raro, que genera curiosidad y expectación.
A su vez, cada una de sus pelícu las genera un gusto particular, un grupo de seguidores y se vuelve un filme de culto en sí misma. Un claro ejemplo lo es, induda blemente, Edward Scissorhands, la cual se convirtió en una pode rosa cinta para Burton, cargada de contenido sensorial, narrativo y actoral, es un punto crucial de impulso en la carrera de su reali zador y en la dupla con su actor fetiche Johnny Deep.
Estrenada en 1990, aparece en un contexto en el que se dan grandes y millonarias producciones cinematográficas, en las que se busca principalmente mostrar los nue vos efectos especiales para sor prender al público.
Después del éxito de Batman, Burton ya estaba en posición de elegir un proyecto personal, así que retoma un boceto que realizó cuando apenas era un adolescen te. Para la realización del guion hace mancuerna con Caroline Thompson, quien logró captar la idea que tenía él en mente y de sarrollarla en un argumento pode roso y bien estructurado.
El personaje central, Edward (Jo hnny Deep), está claramente ins pirado en Cesare, el sonámbulo de El gabinete del doctor Caliga ri, “estéticamente, los dos perso najes van caracterizados prácti camente igual con el maquillaje
blanquecino y la mirada muy remarcada y expresi va, e incluso lucen ropas parecidas. Además no solo en lo estético se asemejan, sino que sus actuaciones y sus gestos son muy similares”[3]. Así como su castillo, en cuanto a su iconografía, arquitectura asimétrica y decoración siniestra, está obviamente apoyado en el estilo expresionista germano.
Burton proyecta dos dimensiones distintas, dos mundos completamente diferentes que interactúan, a través de los protagonistas. Frente al castillo, un lugar sombrío e inquietante , pero a la vez, con un magnetismo atrayente, los suburbios se presentan sin personalidad, aburridos y la gente que los habita se muestran autómatas y superficiales. Con su cui dada y monótona apariencia, muestran una realidad contrastante y opuesta a la peculiar y estrafalaria que habita Edward, un personaje solitario y excéntrico, clara referencia al cuento de La Bella y la Bestia.
En la fábula contada por una abuela a su nieta, el inventor de Edward -interpreta do justamente por Vincent Price- mue re antes de poderle dar manos, así que se queda con tijeras en su lugar. Él es acogi do por la familia de Peg (Diane Wiest) y se instala en su casa llamando la atención de todo el vecindario. Edward se encariña con Kim (Winona Rider), la hija de Peg, y esto termina de complicar las cosas para él, porque provoca los celos de Jim, su novio.
De este choque entre los dos ambientes, una de las obsesiones del cine burtoniano, se desata el con flicto en el que un ser marginado lucha por encajar en un mundo al que no pertenece. Sensación que el mismo Tim Burton experimentaba de niño y que refleja en este tipo personajes. “Burton, como Edward, siempre se ha sentido limi tado a la hora de comunicarse con los demás. No es de extrañar que la cámara, la imagen, se convierta en mediadora entre el individuo y el mundo. Como en otras películas del cineasta, también son habitua les los planos picados y contrapicados con un senti do expresivo, sobre todo para denotar posiciones de
fuerza y poder de unos personajes sobre otros”[4].
La temática está, a su vez, inspirada en el romanti cismo que encuentra belleza en las situaciones ex tremas, en lo desconocido y adverso, e incluso en tocar el tema de la muerte, en la misma forma en que el expresionismo lo adoptara en su momento. Asimismo, a través del argumento, el autor envía una crítica a la sociedad frívola e insustancial, que no está abierta para quienes son raros o diferentes. Y ni el amor con toda su fuerza es capaz de redimirla. A la postre, el cuento de hadas, que no es únicamen te para niños, no tiene en la narrativa burtoniana, un final feliz.
En conclusión, podemos apreciar con claridad que ya en Edward Scissorhands se hacen presentes los rasgos y elementos que el espectador buscará a partir de entonces en el cine de Burton. La dicotomía entre géneros que el autor gusta combinar, como lo son la fantasía y el terror, que aunque parecen opuestos, en sus historias y con su estética característica, embonan a la perfec ción, y han logrado que su público segui dor desarrolle un gus to obsesivo por lo si niestro y emotivo, ese estilo subjetivo y particular que imprime atractivo a lo oscuro y fúnebre, y que le ha valido un marcado culto cinéfilo alrededor de su obra.
La palabra bauhaus proviene de Bau (edifi cio) y Haus (casa). En otras palabras, Bau haus es algo así como la «casa de la arqui tectura».La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente «Bauhaus», fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada por el arquitecto, urbanista y diseñador de origen germano Walter Gropius en Weimar (Alemania) en 1919, cuando el mundo acababa de sufrir la Gran Guerra – la Primera Guerra Mundial – y aún se vi vía bajo el temor de la amenaza del régimen comu nista ruso. Esta escuela sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; podría decirse que estas dos profesiones se concibieron dentro de esta escuela.
Durante esta época Europa atravesaba un interesante proceso de industrialización, progreso tecnológico y de masificación; la producción en serie trajo consi go importantes cambios sociales y económicos. La fundación de la Escuela Bauhaus alentaba el regreso de la artesanía y el arte como unidad y vinculación al ámbito social. La Bauhaus refleja una estética funcional donde las líneas rectas y la geometría más estricta toman forma. La forma estructural que re percutió en el arte y el diseño de la Bauhaus fue la retícula. Kandinsky decía que la retícula «es el prototipo de la expresión lineal». Esta articula el espacio según un tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal e izquierda y derecha. Se integró el texto del poster en
el dibujo, y en algunos casos, se utilizan las palabras o las letras para componer todo el dibujo.
El primer periodo de la Escuela Bauhaus, con Wal ter Gropius al frente, impulsó la enseñanza a través de centros de oficios manuales, artesanía e indus tria. Este plan de estudios fue modificado un poco más adelante, y se introdujeron talleres donde se trabajaba con materiales base y con una interesante plantilla de profesores: Gropius al frente del taller de muebles, Schlemmer en el de escultura en piedra y Kandinsky en la pintura mural, por citar a algunos. En 1925 la crisis financiera obliga a la escuela a mudarse, inaugurando así lo que se convertiría en una de las edificaciones emblemáticas en el mundo de la arquitectura con ventanales en muro cortina y hor migón armado. Este segundo periodo de la Escuela contó con las participaciones de Marcel Brauer en el taller de muebles, y de Herbert Hayer en tipografía. La tercera etapa no duró mucho, debido a la llegada del Partido Nazi y el régimen fascista que invadió Alemania. La Gestapo cerró la escuela en 1933, sin embargo, los principales integrantes de esta corrien te arquitectónica se mudaron a Estados Unidos, donde continuaron el legado de esta Escuela en la ciu dad de Chicago, donde continuaron trabajando hasta su regreso a Alemania, en 1951 bajo la dirección de Tomas Maldonado. Aún en esta época, la Bauhaus continúa siendo una influencia en instituciones edu cativas de diseño alrededor del mundo.
Actualmente, el impacto que el diseño gráfico tiene es tan impor tante que no se puede dejar para el último momento y dedicarle sólo unos minutos. Es necesario trabajarlo adecuadamente de una forma específica para atraer a la mayor audiencia posible.
Cuando hablamos de diseño estamos haciendo referencia a una estrategia visual y estética muy eficaz que debe aplicarse desde el momento en el que estemos centrados en la creación de nuestro disco. Los objetivos fundamentales de esta estrategia son mos trar gráficamente el concepto artístico que hayamos establecido en nuestro proyecto musical y generar un impacto visual. Para ello, es recomendable tener varios aspectos en cuenta a la hora de tener una buena pieza grafica.
Antes de realizar un diseño es bastante importante conocer lo que queremos mostrar como artistas, tener claro el concepto de nuestra música, ya sea pop, urbana, ranchera, hip-hop, bachata o electró nica, entre otras.
En otras palabras, tu mensaje como artista musical debe ser similar al mensaje que trasmitas de forma gráfica a través de las portadas de tus álbumes o de las creatividades que utilices en redes sociales.
En este punto debemos ser muy claros y específicos en lo que que remos conseguir con nuestro diseño. Antes de nada, pregúntate ¿Qué quiero mostrar en este disco?, tengamos en cuenta: colores, tipo de diseño, tipografía, imágenes a utilizar y, lo más importante, la creatividad del diseñador en plasmar las ideas que tenemos en mente.
Un consejo importante es que te dejes guiar por el diseñador. Todas las ideas que le comuniquemos unidas a su profesionalidad darán como resultado un gran diseño que hará que nuestro disco tenga un ese impacto visual que tanto buscamos.
Ejemplo: Diseño de “Lo Que Amo de Ti”
Canción: Lo Que Amo de Ti
Artista: Kishan
Concepto: Amor, pasión, pareja, atardecer
En este trabajo se tuvieron en cuenta varios elementos del concepto del artista tales como la letra de esta canción, el amar sin importar género, religión o creencias, y la utilización del fuego como metá fora de la pasión.
Los diseñadores siempre tendremos varias ideas alrededor de la infor mación que nos hayas trasmitido. Es por eso que hacemos dos o tres bocetos de diseños con la intención de darte la posibilidad de decidir entre diferentes colores, tipografías, imágenes, etc. Si ya tienes ideas o imágenes de lo que buscas ayudarás mucho al diseñador, pues pueden funcionar como unos primeros boce tos a partir de los cuales se desarrolle un diseño más personal.
Una vez definidos los elementos an teriores, tendremos el resultado más impactante visualmente hablando. Esto nos ayudara a la hora de hacer le promoción a nuestro disco, bien sea en redes sociales, por publicidad online, publicidad offline, etc.
Recuerda que la primera impresión es muy valiosa y que lo primero que verá nuestro público es el diseño que hayamos creado. En cualquier caso, siempre debemos arriesgarnos y crear cosas nuevas e impactantes. Tratemos en lo posible de no ser una copia de los demás artistas. Eso nos hará únicos, a ti como artista y a no sotros como diseñadores.
¿Cuál es el fondo musical más apropiado para desarrollar la crea tividad? Haciendo un pequeño sondeo en la comunidad cercana de diseñadores, la tendencia es clara: no existe un único estilo musical que sirva de catalizador para la creatividad, cada profe sional encuentra la inspiración en uno diferente. Algunos prefieren la música clásica, otros sin embargo abrazan sonidos más ruidosos y contundentes. Muchos diseñadores usan el silencio como fondo apropiado a los procesos de diseño, sin embargo en muchos casos se tiende a usar la electrónica instrumental como base inspiradora.
Escuchar el silencio o dejarse llevar por los sonidos del ambiente.
Las lista aleatorias son una forma de «sorprender» a nuestro oído, las canciones surgen de forma no lineal, tal y como sucede en el proceso creativo. Hay gente que piensa que detrás de las listas aleatorias hay magia, ya que en ocasiones nuestra intuición puede «adivinar» la siguiente canción que sonará. Existen yacimientos naturales de nueva música, que nos pueden ayudar a renovar, no sólo nuestra biblioteca musical, si no también nuestras fuentes de inspiración, os dejamos algunos ejemplos:
Vilanoise: es un canal de vídeo que funciona como un escaparate de nueva música. Los vídeos se suceden sin interrupción como si de una sesión se tratase. Muy recomendable si te gusta la música indie. También puedes usarlo a modo de coolhunting de vídeo y moda.
Noisetrade: esta web se autodefine como: «Cientos de álbumes, completamente libres, completamente legales». Un sitio de refe rencia de nuevos talentos musicales con alguna sorpresa de bandas conocidas como Radiohead o Nada Surf. Atento a los samplers recopilatorios, muy refrescantes.
También a través del diseño de las portadas de los álbumes, po demos aprender mucho e inspirarnos, ya que la riqueza, tanto de la gráfica, como de la fotografía, como de los colores nos pueden ayudar en el día a día de nuestra profesión, tanto si somos alumnos como profesionales. En una ocasión alguien preguntó a Alex Tro chut que música usaba para trabajar, a lo que el diseñador catalán contestó sin dudarlo: «electrónica». Algunos piensan que hay cierta conexión entre su estilo «More is more» con el fondo musical de su estudio. Por cierto; Alex realizó una portada para Katie Perry que podéis ver en su almacén visual en internet, además de su conocido proyecto gráfico para los Rolling Stones o el póster-regalo para el concierto de Arcade Fire y Calexico. Como puedes ver música y diseño van unidos de la mano como ingredientes creativos que se solapan. ¿Con qué música te inspiras?
