• Mohon matikan dering telepon genggam Anda, dan tepuk tangan diberikan setelah semua gerakan dari satu karya selesai dimainkan.
• Please put your cellular phone into a silent mode, and hold your applause until the last movement of each work is completed.
Catatan Program
Overture from Opera "Don Giovanni", K.527
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Bakat musik Mozart yang tak tertandingi memungkinkannya untuk menggubah karya dengan tingkat kecemerlangan artistik tertinggi di hampir semua genre musik. Kami merasa terhormat dapat menikmati warisannya dalam simfoni, musik kamar, serenade tiup, musik paduan suara, musik keyboard-daftarnya masih Panjang. Namun, tak diragukan lagi, kontribusi terbesarnya pada seni musik adalah opera-operanya.Tidak ada seorangpun-bahkanWagner,Verdi,Puccini,atauRichardStrauss yang dapat menyamai kesempurnaan opera-opera matang Mozart. Alasannya, tentu saja, jelas: bakat musiknya yang tak tertandingi disajikan dan diinformasikan oleh wawasan bernuansa psikologi manusia yang sangat menakjubkan. Karakternya mewakili pria dan wanita sungguhan di atas panggung, yang bergerak secara dramatis, dan memiliki kepribadian yang khas. Tidak ada opera yang lebih benar daripada opera serius dalam gaya Italia, Don Giovanni. The Marriage of Figaro karya Mozart, pada pertunjukan perdananya di Wina pada tahun 1786, sangat sukses, namun tidak ada yang menyamai pujian yang diperolehnya setelah itu, pada bulan Desember di tahun yang sama, di Praha. Kota ini benar-benar menjadi sangat bersemangat, membawa sang komposer ke ibu kota Bohemia untuk mengadakan pertunjukan pada bulan Januari 1787. Sebuah komisi untuk karya hit lainnya pun muncul, dan Mozart sekali lagi berkolaborasi dengan librettist, Lorenzo Da Ponte-yang kali ini mendasarkan opera tersebut pada penggoda legendaris, Don Juan. Opera buffa
Italia adalah opera komik, dan Mozart adalah ahlinya, namun operabaruini-sesuaidengantemanya-merupakanoperayang serius, dengan selingan komik yang lucu. Shakespeare sering memanfaatkan kontras dramatis dalam taktik tersebut, begitu juga dengan Mozart, dengan kesuksesan yang sama. Buktinya, Mozart menulis lagu pembuka pada menit-menit terakhir-hampir secara harfiah. Pertunjukan pertama dilakukan pada 29 Oktober 1787, dan pembukaan selesai sehari sebelumnya, meskipun kita harus ingat bahwa Mozart, sebagai seorang jenius, hampir pasti telah menggubahnya sesuai dengan notasi di kepalanya sebelum duduk untuk menyalinnya dengan tinta. Pembukaan The Marriage of Figaro adalah salah satu pendahuluan opera yang paling bersemangat dan gemerlap dalam seluruh literatur - hal ini tentu saja tidak terjadi pada Don Giovanni. Akord gelap yang nyaring, desahan yang berdenyut-denyut pada senar, dan garis-garis berliku yang naik danturun,semuanyamenandakankutukannerakayangmenanti sang tokohutama dalam drama kita.Ini adalah musik yangsama yang akan mengiringi sang Don di akhir opera, saat setan-setan merasuki jiwanya yang malang. Namun, setelah membuat kita semua sadar akan nasib sang libertine, Mozart terjun ke dalam alegro yang bahagia, yang, seperti yang akan segera disaksikan oleh para penonton opera, mengantisipasi adegan-adegan komik yang begitu dicintai. Namun, sang komposer tidak menyajikan romansa yang sama sekali tanpa masalah yang mengarah ke opera, sebagaimana mestinya, karena ada saatsaat gelap juga di bagian yang cerah ini. Semuanya menyatu dalam sebuah refleksi berseni dari suasana hati yang beraneka ragam dari kisah ini-dan,setelah sedikit perenungan,kehidupan sang komposer juga.
Violin Concerto in D Major, Op. 61
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Satu-satunya konser biola Ludwig van Beethoven benar-benar ikonoklastik, dan menghancurkan gagasan konvensional tentang apa yang bisa dilakukan oleh sebuah konser Romantik awal. Alih-alih menggunakan konser sebagai sarana untuk memamerkan teknik solois, Beethoven menciptakan kembali genre tersebut, memberikan banyak kesempatan kepada solois untuk menampilkan bakat mereka dengan musik yang penuh kedalaman dan inovasi.
Beethoven menyusun Konser Biola selama periode sangat produktif yang berlangsung dari tahun 1804 hingga 1806. Selama masa ini, Beethoven menulis beberapa musiknya yang paling terkenal, termasuk Konser Piano Keempat, kuartet gesek “Razumovsky”, simfoni Keempat dan Kelima, dan Piano Sonata “Appassionata”.
Franz Clement, direktur musik berusia 21 tahun dan direktur konser Theater an der Wien, menugaskan Konser Biola ini. Setelahpertunjukanperdana,Clementmemberikansaranuntuk revisi pada bagian solo, dan naskah Beethoven menunjukkan sejumlah perubahan yang sesuai. Berlawanan dengan konvensi, Beethoven tidak menulis cadenza - bagian solo tanpa iringan yang diperpanjang yang biasanya ditemukan di akhir gerakan pertama - di mana pemain solo mendemonstrasikan keterampilan teknis dan artistik mereka. Agaknya Clement mengimprovisasi sebuah cadenza pada pertunjukan perdana; sejak saat itu, banyak pemain biola dan komponis telah membuat cadenza mereka sendiri. Para pendengar masa kini
mungkin paling mengenal cadenza yang diciptakan oleh pemain biola Fritz Kreisler.
Setiap karya musik dapat dirusak oleh penampilan yang buruk. Menurut laporan yang dipublikasikan, Beethoven menyelesaikan konser hanya dua hari sebelum pertunjukan perdana, yang berarti Clement harus membaca ulang pertunjukan pembukaan. Meskipun indah – dan sangat sulit untuk dimainkan – kurangnya latihan yang memadai, di antara faktor-faktor lainnya,yang memberikan reputasi buruk pada biola konserto yang membutuhkan waktu 30 tahun untuk diselesaikan. Pada tahun 1844, pemain biola berusia 12 tahun Joseph Joachim memainkan konserto tersebut pada debutnya dengan London Philharmonic. Joachim mempelajari partitur, menghafal seluruh bagian, dan menggubah kadenzanya sendiri sebagai persiapan. Kerja kerasnya terbayar, seperti yang dikatakan oleh seorang pengulas, “[Joachim] mungkin merupakanpemainbiola pertama,tidakhanyadi usianya,tetapi juga di abadnya. Dia membawakan konserto tunggal Beethoven, yang telah kita dengar dicoba oleh semua pemain hebat dalam dua puluh tahun terakhir, dan selalu gagal. ... penampilannyaadalahpembuktianyangfasihdarisangmaestro yang mengilhaminya.”
Tidak seperti concerto Beethoven untuk piano, yang menampilkan akord yang tebal dan padat serta bagian skalar yang sulit, solo biola ini anggun dan liris. Ekspresi yang hangat ini sesuai dengan gaya permainan Clement, yang menurut Beethoven menunjukkan “kelembutan dan kemurnian yang sangat menyenangkan.”
Konsertoinidimulaidenganlimanadayangdiulang-ulangpada timpani, sebuah pembukaan yang tidak lazim untuk sebuah
karyamusikyangditulispadatahun1806.Ketukansederhanaini diulang-ulang, seperti detak jantung yang lembut namun terus menerus, di sepanjang gerakan, dan menjadi motif yang berulang. Dalam terobosa khas lainnya dari tradisi, pemain solo tidak masuk selama tiga menit penuh, dan kemudian memulai akapela (sendirian), sebelum mengulangi tema pertama dalam nada tinggi.
Melodi utama Larghetto sangat megah, intim, dan tenang, dan menjadilatarbelakangorkestradimanabiolasolomelantunkan lagu-laguarabyanganggundenganregisteryangsangattinggi.
Pemain solo menjadi pusat perhatian dalam gerakan ini, memainkan cadenza yang diperpanjang dan bagian-bagian lain dengan iringan minimal.
Rondo terakhir: Allegro mengalir mulus dari Larghetto; sang solois segera meluncurkan melodi yang bergoyang yang menunjukkan sebuah perahu terombang-ambing di jangkar. Format rondo pada umumnya memiliki tema utama (A), yang diselingi dengan bagian-bagian yang kontras (B, C, D, dll.). Masing-masingbagianyangkontrasini berangkat dari tema(A), terkadang berdasarkan suasana hati, terkadang dengan beralih darimayorkeminor,ataudenganmengubahkuncisepenuhnya.
Symphony No. 4 in C Minor, D.417
Franz Shubert (1797 – 1828)
Enam simfoni pertama Schubert, masing-masing klasikal yang berdurasi – setengah jam, memberi atau mengambil beberapa pengulangan – diciptakan dari tahun 1813 hingga 1818, di
bawah pengaruh Haydn dan Mozart (penyederhanaan yang berlebihanmungkinmembawakitalebihdekatpadakebenaran daripada analisis yang lebih mendalam) , dengan saran di Bagian Tiga dan Enam dari kecerdasan Rossini, kemudian kemarahan Wina. Namun, dalam kelompok ini, dan meskipun pendahulunya, Simfoni Keempat berdiri terpisah, lebih serius dalam tujuan dan suasana hati, kurang menghibur. Simfoni ini dimulai pada tahun 1816, tahun ke-19 sang komposer, ketika ia menjadi tidak sabar dengan kehidupannya sebagai guru serba guna di sekolah ayahnya di Wina, dan mulai merasa dirinya terlalu memenuhi syarat untuk menulis untuk orkestra amatir yang berukuran kecil dan sebagian besar amatir yang merupakan hasil perkembangan dari kuartet gesek keluarga Schubert.
Jadi, dia mencari kemajuan akademis, seorang teman menyarankannya untuk melamar posisi mengajar musik di sebuah sekolah berbahasa Jerman yang memiliki reputasi baik di Laibach (sekarang Ljubljana, di Slovenia). Dia tidak mendapatkanpekerjaanitu.Danmeskipunmungkinakanterasa aneh untuk mendengar kemarahan dalam Simfoni C-minor ini atas penolakan lamarannya, beberapa setan lain mungkin telah diusir di sini. Lagu ini pasti ditulis untuk alasan pribadi, karena terlalu emosional dan secara teknis menuntut untuk diserahkan ke tangan-tangan orkestra “keluarga” Dia tidak akan menulis karya yang seperti itu lagi.
Simfoni yang mengelilingi Cminor, tiga sebelum dan dua sesudahnya, sebagian besar menggunakan idiom pada zamannya, yang berarti, seperti yang telah disebutkan sebelumnya, berada dalam batasan formal yang diterima, dengan angin Haydnesque dan Mozart yang berhembus.
Namun, mereka juga diresapi dengan elemen harmonis orisinil yang dapat disebut sebagai “Schubertian”, dan Schubert, sejak awal, adalah seorang ahli dalam pengembangan tematik. Schubert sendiri menjuluki Simfoni C-minor sebagai Simfoni “Tragis”. Dan meskipun ini adalah yang paling serius di antara keenamnya, namun sobriquet tersebut tampak seperti anak mudayangmendramatisirdirisendiri,danbukannyadibenarkan oleh apa yang kita dengar. Hal ini mengingatkan kita pada simfoni Sturm und Drang yang penuh kegelisahan pada tahun 1777-an karya Haydn dan orang-orang sezamannya, alam suasana hati yang tegang, paling tidak, ditemukan dalam dua gerakan luar.
Gerakanyanglambat,agakpanjangmenurut standarkomposer muda ini, adalah sebuah keajaiban: bersinar dengan keanggunanlirikyangsedihdanmanisyangmerupakancirikhas Schubertian,sebuah citarasadari ImpromptuA-flat yangagung dari Op. 142 yang berasal dari masa-masa akhir hidupnya. Perhatikan secara khusus, bagaimana sosok pengiring ostinato yangmuncul di awal,berevolusi menjaditemayangsangatluas.
Pertukaran string-woodwind yang intim juga berkesan - seperti pada Mozart, tetapi dalam gaya Schubert yang lebih panjangsementara irama yang tajam dari Minuet, dengan bagian trio yang mendayu-dayu, setidaknya mengisyaratkan suasana keresahan yang lazim terjadi pada gerakan-gerakan sudut.
Simfoni C-minor, seperti kebanyakan karya instrumental Schubert lainnya, tidak pernah dipentaskan semasa hidupnya. Pertunjukan pertama kali dilakukan di Leipzig pada tahun 1849, 21 tahun setelah kematian komposernya.
Program Notes
Overture from Opera "Don Giovanni", K.527
Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791)
Mozart's incomparable musical gifts enabled him to compose at the highest level of artistic brilliance in almost every musical genre. We are privileged to experience his legacy in symphonies, chamber music, wind serenades, choral music, keyboard musicthe list goes on and on. But, unquestionably, his greatest contributions to musical art are his operas. No one-not even Wagner, Verdi, Puccini, or Richard Strauss exceeded the perfection of Mozart's mature operas. The reason, of course, is clear: his unparalleled musical gift is served and informed by a nuanced insight into human psychology that is simply stunning. His characters represented real men and women on the stage, who moved dramatically, and who had distinctive personalities. Of no opera is this truer than his foray into serious opera in the Italian style, Don Giovanni.
Mozart'sTheMarriage ofFigaro,atitspremièreinViennain1786, was a decided success, but nothing like the acclaim that it garnered later, in December of that same year,inPrague. The city literally went wild for it, bringing the composer to the Bohemian capital to conduct performances in January of 1787. A commission for another hit ensued, and Mozart once again collaborated with librettist,Lorenzo Da Ponte-this time basingthe opera on the legendary seducer, Don Juan. Italian opera buffa is comic opera, and Mozart was a Master of It, but the new operagiven the theme-is a serious one, with hilarious, comic interludes.
Shakespeare often made adroit use of the dramatic contrast in that ploy, and so does Mozart, with equal success.
The evidence is that Mozart wrote out the overture at the last minute-almost literally. The first performance was on 29 October 1787, and the overture was finished the day previous, although we must remember that Mozart, being the genius that he was, had almost certainly composed it to the note in his head before sitting down to the onerous task of copying it out in ink. The overture to The Marriage of Figaro is one of the most vivacious, sparkling opera preludes in the entire literature- this is most certainly not the case with Don Giovanni. Sonorous dark chords, throbbing sighs in the strings, and sinuous lines that wind up and down all ominously portend the condemnation to Hell that awaits the protagonist in our drama. This is the same music that will accompany the Don at the end of the opera, as demons take possession of his wretched soul. But, after putting us all on notice of the libertine's fate, Mozart plunges into a happy allegro, which, as the opera audience will soon see, anticipates the comic scenes that are so beloved. But, the composer doesn't lay out a completely untroubled romp leading into the opera, proper, for there are dark moments, too, in this otherwise bright section. It all blends together in an artful reflection of the variegated moods of the tale-and, upon a little contemplation, of the composer's life, as well.
Violin Concerto in D Major, Op. 61
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Ludwig van Beethoven’s only violin concerto is truly iconoclastic, and it shattered conventional notions of what an early Romantic
concerto could be. Instead of using the concerto as a vehicle to show off the soloist’s technique, Beethoven recreated the genre, giving the soloist plenty of opportunities to display their talents with music full of depth and innovation.
Beethoven composed the Violin Concerto during a highly productive period that stretched from 1804 to 1806. During this time, Beethoven wrote some of his best-known music, including the Fourth Piano Concerto, the “Razumovsky” string quartets, the Fourth and Fifth symphonies, and the “Appassionata” Piano Sonata.
Franz Clement, the 21-year-old music director and concertmaster of the Theater an der Wien, commissioned the Violin Concerto. After the premiere, Clement made suggestions for revisions to the solo part, and Beethoven’s manuscript shows a number of corresponding alterations. Contrary to convention, Beethoven did not write a cadenza – the extended unaccompanied solo passage usually found at the end of the first movement – where the soloist demonstrates their technical and artistic skill. Presumably Clement improvised a cadenza at the premiere; since then, many violinists and composers have composed their own. Today’s audiences are probably most familiar with the cadenza created by violinist Fritz Kreisler.
Any piece of music can be spoiled by a poor performance. According to published accounts, Beethoven finished the concerto just two days before the premiere, which meant Clement had to sight-read the opening performance. Although it was beautiful – and staggeringly difficult to play – the lack of adequate rehearsal, among other factors, gave the Violin Concerto a bad reputation that took 30 years to overcome. In 1844, 12-year-old violin virtuoso Joseph Joachim played the
concerto at his debut with the London Philharmonic. Joachim pored over the score, memorized the entire piece, and composed his own cadenzas in preparation. The hard work paid off, as one reviewer noted, “[Joachim] is perhaps the first violin player, not only of his age, but of his siècle [century]. He performed Beethoven’s solitary concerto, which we have heard all the great performers of the last twenty years attempt, and invariably fail in . . . its performance was an eloquent vindication of the master-spirit who imagined it.”
Unlike Beethoven’s concertos for piano, which feature thick, dense chords and difficult scalar passages, the violin solo is graceful and lyrical. This warm expressiveness matched Clement’s style of playing, which Beethoven said exemplified “an extremely delightful tenderness and purity.”
The concerto begins with five repeating notes in the timpani, an unconventional opening for any piece of music written in 1806. This simple knocking is repeated, like a gentle but persistent heartbeat, throughout the movement, and becomes a recurring motif. In another distinctive break from tradition, the soloist does not enter for a full three minutes, and then begins a cappella (alone), before reiterating the first theme in a high register.
The Larghetto’s main melody is stately,intimate, and tranquil, and becomes an orchestral backdrop over which the solo violin traces graceful arabesques in ethereally high registers. The soloist takes center stage in this movement, playing extended cadenzas and other passages with minimal accompaniment.
The final Rondo: Allegro flows seamlessly from the Larghetto; the soloist launches immediately into a rocking melody that suggests a boat bobbing at anchor. Typical rondo format features a
primarytheme (A),whichisinterspersedwith contrastingsections (B, C, D, etc.). Each of these contrasting sections departs from the (A) theme, sometimes in mood, sometimes by shifting from major to minor, or by changing keys entirely.
Symphony No. 4 in C Minor, D.417
Franz Shubert (1797 – 1828)
Brahms composed his Second Symphony during the summer of 1877 at the village of Pörtschach on the Worthersee, a picturesque Austrian lakeside retreat. The other notable work to emerge from this sabbatical was the dark, tortured motet, “Why Is the Light Given to the Wretched?” Surprisingly, a bit of this darkness lurks beneath the surface of the Symphony as well, something that Brahms explained to an admirer who asked the composer about “the rumbling timpani” and “the gloomy, lugubrious tones of the trombones” in the first movement, especially during its otherwise tranquil close. Brahms provided this explanation, pointing to the connection to the motet:
“I have to confess that I am,” the composer wrote, “a severely melancholic person, that black wings are constantly flapping above us, and that in my output – perhaps not entirely by chance – that symphony [the Second] is followed by a little essay about the great ‘Why.’ If you don’t know this, I will send it to you. It casts the necessary shadow on the serene symphony and perhaps accounts for those timpani and trombones.”
The Symphony opens serenely enough, as Brahms gives horns, winds, and finally strings, a melody that certainly qualifies as serene. This melody grows out of three notes sounded by the
basses and cellos, three notes that are the thematic germ for the entire symphony, recurring in various incarnations over the duration of the work. The melody is followed by a muffled drumroll and a three-note dirge from the trombones and tuba – the storm already threatening Brahms’ pastoral idyll.
The second movement opens with one of the most beautiful melodies Brahms ever composed, played by the cellos. The movement is remarkable for its passages of overwhelming despair, made possible by the tonal instability of the cello theme. Brahms plays on this instability, taking full advantage of the movement between major and minor modes – and the consequent contrast between repose and turmoil – it allows.
The oboe theme that begins the Allegretto grazioso is a transformation of those first three notes from the first movement, and it forms the basis of the A sections of this
movement. The B sections, marked at double the tempo of the Allegretto grazioso, provide a rambunctious rhythmic contrast to the country waltz flavor of the surrounding A sections.
In the sonata-form finale, Brahms with-holds the trombones until the recapitulation, when they make their appearance bathed in light, united with the rest of the orchestra in sounding the movement’s ex-ultant theme and then playing the finale’s final chords in their highest register.
Jakarta Sinfonietta
Jakarta Sinfonietta adalah sebuah orkes kamar yang berdomisili di Jakarta. Didirikan di bulan Januari 2015, orkestra in beranggotakan para musisi klasik profesional Indonesia dari segala lapisan usia dan generasi yang memiliki dedikasi dan integritasyangtinggi.Orkestraintidakmembatasi repertoarnya pada mahzab ataupun zaman tertentu, namun lebih menekankan kepada genre atau bentuk ensambel orkes kamar saja. Oleh karena itu, program yang inovatif akan selalu dirancang untuk menghasilkan pertunjukan yang variatif dan inspiratif. Orkes kamar yang telah berusia tujuh tahun ini, tidak hanya tampil bersama berbagai solis internasional manca negara dari berbagai instrumen, tapi juga dengan solis-solis muda virtuoso Indonesia. Ini merupakan salah satu misi Jakarta Sinfonietta, yaitu memajukan kehidupan dan kegiatan musik di Indonesia; serta meningkatkan mutu kegiatannya, dengan memberikan kesempatan bagi generasi muda yang sangat berbakat dan potensial untuk berkarya.
Dalam konser perdananya yang mendapat sambutan yanq meriah dari penontonnya bulan Januari 2015 lalu, Tunggul Wirajuda dari harian The Jakarta Globe menulis: "The heavily touted Sinfonietta plays to an audiences mesmerized by the group's talent."
Jakarta Sinfonietta is a Jakarta based chamber orchestra. Established in January 2015, the orchestra consists of professional Indonesian classical musicians of all ages and generations who have high dedication and integrity. Jakarta Sintonietta does not limit its repertoire to a particular school or era, but rather emphasizing the genre of chamber orchestra. Therefore, innovative programs will always be designed to produce varied and inspiring performances.
Jakarta Sinfonietta does not only perform with well-established international instrumental soloists and singers, but also with young promising Indonesian virtuoso soloists. This is one of the orchestra's missions: to promote life and musical activities in Indonesia; as well as improving the quality of its activities, by giving more exposure and providing opportunities for young talented and potential musicians to develop their skills.
In its debut concert which received a rousing welcome from the audience in January 2015, Tunggul Wirajuda from The Jakarta Globe daily wrote: "The heavily touted Sinfonietta plays to an audience mesmerized by the group's talent."
Jakarta Sinfonietta
Violin 1 Viola
Wen Wen Bong, concert master
Dave Nathanael
Saptadi Kristiawan
Danny Ceri
Ibnu Aji Wasesa
Reza Nurdian
Violin 2
Ahmad Ramadhan, principal
Bagus Retoridka
Josephine
M. Januar Affandi Dhukhawan
Athaya Hannan
Yacobus Widodo Sakti, principal
Jane Irene Sutiono
Dwi Ari Ramlan
Bravandy Wijaya
Cello
Ade Sinata, principal
Dani Kurnia Ramadhan
Rachman Noor
Double-Bass
Ari Moeladi, principal
Muhammad Ravi Arrauf
Flute French Horn
Marini Widyastari, principal
Ganang Dwi Asmoro, principal
Metta F. Ariono Yunus
Fajar Ediyanto
Oboe Febriyanto
Bima Wika Tyoso, principal
Afdhal Saniscaya Zikri
Trumpet
Eric Awuy, principal
Clarinet Odiek Indra Fredisetiya
Danrathz Lukas Petrus Lumantow, principal
Said Dwi Santosa
Bassoon
Seto Wiwoho, principal
Daniel Estario Prismata
Timpani
Antonius W. A. Swastedi
Iswargia R. Sudarno, conductor
Iswargia Renardi Sudarno, dilahirkan di Bandung, memulai kegiatan direksi orkestra saat ia belajar teknik arsitektur di Institut Teknologi Bandung, sebagaidirigen tetap EnsembleMusikBandung. Pada masa itu ia juga pernah dipercaya untuk memperdanakan Opera Loro Jonggrang (versi orkes kamar) karya Trisutji D. Kamal di Jakarta. Sambilmelanjutkanpendidikanformalmusiknyauntuk programS-2di bidang Piano Performance di Manhattan School of Music, New York, di bawah bimbingan pianis dan pedagog legendaris, Karl Ulrich Schnabel, ia juga sempat memperdalam pendidikan direksi orkesnya pada David Gilbert (mantan assistant conductor New York Philharmonic Orchestra dan direktur musik American Ballet Theater Orchestra)diManhattan Schoolof Music, danjuga pada Vincent de La Selva (direktur musik New York Grand Opera Company) di The JuilliardSchoolEveningDivision.SekembalinyadiIndonesiaiapernah menjabat sebagai tutor di Nusantara Chamber Orchestra, dan kemudian ditunjuk menjadi direktur musik National Youth Orchestra Indonesia. Saat ini selain memimpin Jakarta Sinfonietta, ia juga menjabat sebagai direktur musik dari Jakarta Conservatory Chamber Orchestra.Kegiatanlainyangcukupmenyitawaktunyaadalahmenjadi pianis dan pengajar. Sebagai pianis ia telah tampil di lima benua, dan menjadi solis dengan berbagai orkes di Indonesia, seperti Jakarta Concert Orchestra, Nusantara Symphony Orchestra, National Youth Orchestra of Indonesia, Orkes Simfoni Institut Seni Indonesia, serta juga dengan Jakarta Sinfonietta. Perhatiannya yang cukup besar terhadap perkembangan musik baru di Indonesia, memberinya kesempatan secara langsung bekerja sama dengan komponiskomponis kenamaan Indonesia, seperti Trisuti D. Kamal, Alm. Slamet Abdul Siukur, Tony Prabowo, Otto Sidharta, Michael Asmara. la kerap memberi master class dan meniadi juri kompetisi di kota-kota besar Asia. Saat ini selain meniadi staff pengajar ahli di Konservatorium Musik Jakarta, ia juga menjabat sebagai direktur akademik institusi tersebut.
Iswargia Renardi Sudarno, born in Bandung, started his conducting activities when he was studying architecture at the Bandung Institute of Technology, as the resident conductor of the Bandung Music Ensemble. During that time he was also assigned to conduct the debut performance of opera Loro Jonggrang (chamber orchestra version) by Trisutji D. Kamal in Jakarta. While continuing his formal music education for the Master of Music program in Piano Performance at the Manhattan School of Music, New York, under the tutelage of legendary pianist and pedagogue, Karl Ulrich Schnabel, he also extend his orchestral conducting training under David Gilbert (former assistant conductor of New York). York Philharmonic Orchestra and music director of the American Ballet Theater Orchestra) at the Manhattan School of Music, and also under Vincent de La Selva (music director of the New York Grand Opera Company) at The Juilliard School Evening Division. Back in Indonesia, he served as a tutor for the Nusantara Chamber Orchestra, and was later appointed music director for the National Youth Orchestra-Indonesia. Currently, apart from leading the Jakarta Sinfonietta, he also serves as music director for the Jakarta Conservatory Chamber Orchestra. Other activity that absorb a lot of his time is being a pianist and an educator. As a pianist he has performed on five continents, and has been a soloist with various orchestras in Indonesia, such as the Jakarta Concert Orchestra, Nusantara Symphony Orchestra, National Youth Orchestra of Indonesia, Symphony Orchestra of the Indonesian Art Institute, as well as with the Jakarta Sinfonietta. His considerable attention to the development of new music in Indonesia gave him the opportunity to work directly with wellknown Indonesian composers, such as Trisutji D. Kamal, Alm. Slamet Abdul Sjukur, Tony Prabowo, Otto Sidhartha, Michael Asmara. He often gives master classes and is a judge for competitions in major Asian cities. Currently, apart from being a senior teaching staff at the Jakarta Conservatory of Music, he also serves as the academic director of the institution.
Riana Heath, violin
Riana Heath adalah pemain biola Amerika-Indonesia yang mengekspresikan dirinya dengan penuh semangat dalam musik solo dan musik kamar. Ia memulai debut solonya di Musikverein di Wina sebagai pemenang pertama Grand Prize Virtuoso International Music Competition 2016. Sering dipuji karena suaranya yang hangat dan penuh perasaan, ia telah memberikan pertunjukan publik di berbagai ruang konser di seluruh Eropa, Amerika Utara, dan Asia Tenggara, menyediakan berbagai macam repertoar bagi para penontonnya. Lahir di Amerika Serikat pada tahun 1998, ia menerima pelajaran biola pertamanya pada usia enam tahun dari lulusan Moscow Conservatory, Pavel Feldman, di Montréal, Kanada. Pada usia tiga belas tahun, ia pindah ke Eropa untuk belajar di divisi pra-kuliah di Universitas Mozarteum yang bergengsi di Salzburg bersama Prof. Wonji Kim-Ozim, sebagai anggota Institut Leopold Mozart untuk siswa-siswa yang berbakat.
Riana meraih gelar Sarjana Seni dalam bidang pertunjukan biola dari Universitas Mozarteum setelah belajar dengan Prof. Lily Francis. Sebagai pemenang beasiswa Erasmus+ pada tahun 2019, ia berkesempatan untuk belajar di Konservatori Paris selama satu tahun di studio Prof. Michaël Hentz. Riana Heath menerima gelar Master of Music dari Yale School of Music, di mana ia merupakan penerima beasiswa Stephen & Denise Adams saat belajar di bawah bimbingan Prof. Syoko Aki Erle dan Prof. Soovin Kim.
Sebagai seorang musisi yang antusias, Riana juga senang memainkan biola dan biola tenor lima senar. Selain belajar biola, ia jugamempelajari pertunjukan biola di Mozarteum bersama Prof. Thomas Riebl, dan memperoleh gelar ganda Sarjana Seni.
Riana telah dibimbing oleh para pemain biola dan profesor ternama seperti Maxim Vengerov, Augustin Hadelich, Vadim Repin, Igor Ozim, Martin Beaver, Tai Murray, Dong Suk-Kang, Pierre Amoyal, dan Ulf Wallin. Di antaramereka yang telahmemperluas pengetahuan musiknya adalah Prof. Meesun Hong Coleman, Prof. Mark Zelmanovich, Prof. Jela
Špitkova, dan Irina Goldstein - istri pemain biola legendaris Boris Goldstein.
Sebagai seorang musisi kamar yang rajin, ia telah diundang untuk tampil di Chamber Music Society of Lincoln Center, Taos School of Music Chamber Music Festival, Norfolk Chamber Music Festival, dan “Mit Musik Miteinander” dari Akademi Kronberg di Jerman. Riana telah dilatih di Sándor Végh Institute for Chamber Music di Salzburg oleh anggota Vienna Piano Trio, Minetti Quartett, Kuss Quartet, Quatuor Mosaïques, dan Hagen Quartet. Bersama dengan saudarinya, Dhyani dan Susila Heath, ia telah tampil di berbagai tempat konser sebagai “Eucharis Strings”, sebuah ansambel yang didirikan pada tahun 2020 oleh Heath bersaudara. Sebagai trio, mereka telah menampilkan komposisi mereka sendiri dan baru-baru ini telah membuat sebuah karya berjudul “Sorores” oleh komposer Amerika, Tom Gurin.
Riana juga memiliki pengalaman yang luas sebagai musisi orkestra, dan pernah tampil bersama Mozarteum Orchester Salzburg, Philharmonie Salzburg, Yale Philharmonic, Orchestra of New England,dan New Haven Symphony Orchestra di bawah asuhan konduktor ternama Peter Oundjian, Leonard Slatkin,Hans Graf, Elisabeth Fuchs,Reinhard Goebel, Bruno Weil, dan Mirga Gražinytė-Tyla.
Riana tidak hanya seorang penampil yang aktif tetapi juga seorang pendidik yang penuh semangat. Selama masa studinya di Yale, ia mengajar pelajaran biola tingkat menengah untuk mahasiswa dan lulusan Yale dan menjadi Seniman Pengajar di program Yale Music In Schools Initiative, serta di Pusat Pendidikan untuk Seni di New Haven. Pada tahun 2023-24, Riana adalah Resident Violist di Music Haven, di mana ia mengajar di sebuah studio biola dan secara aktif tampil di seluruh Connecticut sebagai anggota Haven String Quartet.
Saat ini tinggal di Indonesia, Riana mengelola sebuah studio biola pribadi di Yogyakarta dan telah ditunjuk sebagai kepala departemen biola di Canzona Music School di Jakarta.
“Saya merasa sangat diberkati untuk dapat memainkan biola. Hal ini memberikan saya rasa memiliki tujuan dan rasa memiliki di dunia ini -
yaitu untuk menyatukan orang-orang dan berbagi kegembiraan melalui musik. Sebagai seorang musisi, saya mencoba yang terbaik untuk memberikan pengalaman musik yang mengangkat dan memperkaya hati dan jiwa manusia. Musik adalah bahasa ajaib yang menghubungkan orang-orang dari seluruh dunia. Meskipun saya fasih dalam lima bahasa, saya menganggap musik sebagai alat komunikasi favorit saya” (Riana Heath).
Riana Heath is an American-Indonesian violinist who expresses herself passionately in both solo and chamber music. She made her solo debut at the Musikverein in Vienna as a first prize winner of the 2016 Grand Prize Virtuoso International Music Competition. Often praised for her warm and soulful sound, she has given public performances in various concert halls throughout Europe, North America and Southeast Asia, providing her audiences with a wide range of repertoire.
Born in the USA in 1998, she received her first violin lessons at the age of six with Moscow Conservatory graduate Pavel Feldman in Montréal, Canada. At age thirteen she moved to Europe to study in the precollege division of the prestigious Mozarteum University in Salzburg with Prof. Wonji Kim-Ozim, as a member of the Leopold Mozart Institute for highly gifted students.
Riana holds a Bachelor of Arts degree in violin performance from the Mozarteum University having studied with Prof. Lily Francis. As a winner of the Erasmus+ scholarship in 2019, she had the opportunity to study at the Paris Conservatory for a year in the studio of Prof. Michaël Hentz. Riana Heath received her Master of Music degree from Yale School of Music, where she was a recipient of the Stephen & Denise Adams scholarship while studying under the tutelage of Prof. Syoko Aki Erle and Prof. Soovin Kim.
An enthusiastic musician, Riana also enjoys playing the viola and the five-stringed tenor viola. In addition to her violin studies she studied
viola performance at the Mozarteum with Prof. Thomas Riebl, obtaining a double Bachelor of Arts degree.
Riana has been guided by acclaimed violinists and professors such as Maxim Vengerov, Augustin Hadelich, Vadim Repin, Igor Ozim, Martin Beaver, Tai Murray, Dong Suk-Kang, Pierre Amoyal, and Ulf Wallin. Among those who have broadened her musical knowledge are Prof. Meesun Hong Coleman, Prof. Mark Zelmanovich, Prof. Jela Špitkova, and Irina Goldstein - wife of the legendary violinist Boris Goldstein.
As an avid chamber musician, she has been invited to appear at the Chamber Music Society of Lincoln Center, the Taos School of Music Chamber Music Festival, the Norfolk Chamber Music Festival and the “Mit Musik Miteinander” of the Kronberg Academy in Germany. Riana has been coached at the Sándor Végh Institute for Chamber Music in Salzburg by members of the Vienna Piano Trio, Minetti Quartett, Kuss Quartet, Quatuor Mosaïques, and the Hagen Quartet. Together with her sisters Dhyani and Susila Heath, she has performed in various concert venues as the “Eucharis Strings”, an ensemble founded in 2020 by the Heath sisters. As a trio, they have performed their own compositions and have recently commissioned a piece called „Sorores“ by American composer Tom Gurin.
Riana has had extensive experience as an orchestral musician as well, having performed with the Mozarteum Orchester Salzburg, Philharmonie Salzburg, Yale Philharmonic, Orchestra of New England and New Haven Symphony Orchestra under the baton of acclaimed conductors Peter Oundjian, Leonard Slatkin, Hans Graf, Elisabeth Fuchs, Reinhard Goebel, Bruno Weil, and Mirga Gražinytė-Tyla.
Riana is not only an active performer but also a passionate educator. During her studies at Yale, she taught secondary violin lessons to Yale undergraduates and graduates and was a Teaching Artist at the Yale Music In Schools Initiative program, as well as at the Educational Center for the Arts in New Haven. In 2023-24, Riana was the Resident Violist at
Music Haven, where she taught a viola studio and actively performed throughout Connecticut as a member of the Haven String Quartet.
Currently based in Indonesia, Riana maintains a private violin studio in Yogyakarta and has been appointed head of the violin department at Canzona Music School in Jakarta.
“I feel incredibly blessed to be able to play the violin. It gives me a sense of purpose and belonging in this world - that is to bring people together and share the joy of music. As a musician I try my best to give musical experiences which uplifts and enriches the hearts and souls of humanity. Music is such a magical language that connects people from all around the world. Although I’m fluent in five languages, I consider music to be by far my favorite means of communication” (Riana Heath)
Management
Music Director
Iswargia R. Sudarno
Executive Director
Rubi Pertama
Stage Manager
Irwansyah
Project Officer
Caddy Tiwa Bendahara
Sri Nurasih
Recording Team
Audio Recording, Mixing, Master Engineering
Kevin Leonardo
Sutanto Dwi Hindarto
Videographer
Marsha Halim
Ardian Nicholas
Yogie Octa
Terima Kasih
Kepada seluruh penonton yang turut hadir dan senantiasa mendukung konser Jakarta Sinfonietta. Kepada para tamu undangan yang meluangkan waktu untuk ikut menikmati sajian Jakarta Sinfonietta. Serta kepada pihak-pihak lain yang tidak dapat kami sebutkan satu persatu, yang telah membantu mensukseskan berjalannya acara hari ini. Kepada @musikklasikgram yang banyak membantu mempublikasikan kegiatan dari Jakarta Sinfonietta dan sponsor tetap Konservatorium Musik Jakarta (Jakarta Conservatory of Music) yang bersedia memberikan ruang, tenaga, dan waktu dalam keseluruhan acara ini.
