Cerdanyola, la ciutat del Blues by jahidalgoaloy

Cerdanyola

la ciutat del

BLUES

Joan Vizcarra 1 Juan A. Hidalgo

Cerdanyola la ciutat del

BLUES

Amb el suport de:

Gràcies al Consorci per a la Normalització Lingüística de Cerdanyola, que ens ha donat un cop de mà amb la correcció dels textos en català. Qualsevol errada en els textos és única i exclusivament responsabilitat d’un dels dos autors del llibre. I el Vizcarra queda exclòs del tema. “Cerdanyola, Ciutat de Blues” © dels dibuixos, Joan Vizcarra Carreras Primera edició: Octubre de 2021 Edició: Juan Antonio Hidalgo Tots els drets reservats. Cap part d’aquesta publicació pot ser reproduïda, emmagatzemada o retransmesa de cap forma ni per cap mitjà ja sigui electrònic, químic, mecànic, òptic, d’enregistrament o fotocòpia, sense permís previ per escrit. 4

Aquest llibre està dedicat a la memòria del gran ‘bluesman’ Amadeu Casas (1954-2020), un dels músics més importants a l’escena blues del nostre país durant dècades i gran amic del Festival de Blues de Cerdanyola.

Suzie Q, “The Vegan Queen”

Xavi “Big Pintxo” Pla

Cerdanyola, ciutat de Blues Susana & Xavi - Propietaris del ‘Honky Tonk’ Cal Pintxo i editors del Llibre

Parlar de “blues” al nostre país i no parlar de Cerdanyola és com parlar de “blues” i no parlar del Mississipí. I és que el Festival Internacional de Blues de Cerdanyola ja fa més de 30 anys que existeix. Crec que hem vist a la nostra ciutat les millors bandes i els millors “bluesmen” de tots els temps. Hem recorregut tots els escenaris (el Pavelló, l’Ateneu...), els carrers, bars mítics que ja no hi són com el Blues, el Corfú, El Último Tren, La Tía Felipa, el Racó.. Grans borratxeres i grans concerts!!! Enyorem els concerts multitudinaris a sales petites, on suaves la samarreta, senties l’alè de la gent i dels músics, la “birra” que et queia per sobre... Mmmmm. Això era el “blues”. Com a clients i espectadors del Festival, us en volem donar la nostra perspectiva, ja que se’ns brinda l’oportunitat. El blues és “birra”, és amics, és festa major, és alegria, és “juerga”, és emoció, és fraternitat i - com no podria ser d’una altra manera - és música. Ens agrada l’olor i escalfor que es respira a la ciutat durant el Festival, comentar quin concerts es faran, a quins anirem, on quedem per fer la prèvia abans del concert, on anirem després... trobar-nos amb gent que fa dies que no veus, brindar, ballar i abraçar el Festival, anar als bars a escoltar blues i “rock & roll’. Hi ha res millor que quedar amb els col·legues per a anar a un concert? Creiem que no.. Ens emociona aquest festival. Des de fa 8 anys tenim la sort de viure’l activament darrere la barra del nostre bar, muntant concerts, posant bona música i -sobretot- servint “birres”!! Ens encanta veure la gent -i fer beure a la gent- a Cal Pintxo durant la setmana del “blues”. Gaudiu d’aquestes magnífiques caricatures del mestre Joan Vizcarra, a qui tenim l’honor de conèixer gràcies al nostre ‘padrí’ Juan Antonio Hidalgo, culpable d’aquesta meravella. Volem fer menció especial al nostre gran amic Natxo que malauradament ens va deixar durant el Festival de 2017. Va per tu... sempre... Cerdanyola és “blues” i el “blues” és de Cerdanyola.

Birra o Res!!! Birra i Blues!!!

Manolo Ibarro

Josep Maria Cortada (“Xane”)

Sobre l’Ibarro, el Xane, el Ramon, el Vizcarra i les casualitats de la vida Juan A. Hidalgo

El llibre que teniu a les mans és, sobre tot, conseqüència de tot un seguit d’afortunades casualitats que s’han anat succeint al llarg de (com passa el temps!) més de tres dècades. La primera d’aquestes casualitats va fer que el 1986 jo assistís a un “sopar d’estiu” al pati de l’Ateneu. Els assistents érem els membres de l’equip de musicals d’“Antena Directa” (així es deia en aquell moment l’emissora municipal). Per tant, vaig poder veure “en viu i en directe” el moment en el qual el Manolo Ibarro (cap de musicals de la ràdio) de cop i volta deia: “En Cerdanyola haría falta un Festival Musical. Iré a ver a Xane y le propondré que la radio organice un Festival de Blues”. El Xane era el Cap de Premsa de l’Ajuntament i Director de la ràdio. Alguns -jo entre ells- vam pensar que això mai passaria (un Festival de Blues a Cerdanyola? Impossible!). Però, 30 anys després, aquí estem. Per tant avui, tres dècades després, toca dir “gracias, Manolo. Gràcies, Xane”. La segona casualitat va fer que -fa ja també molts anys- Ramón Gutiérrez (“àlies Ruipérez”, així signa des de fa un temps les seves obres) em presentés un tal Joan Vizcarra, de professió caricaturista. El “tío” era un gran dibuixant de caricatures, però un “negat” per als ordinadors (caldria dir que ara s’ha espavilat bastant en aquest sentit) i volia una web. Una web que va acabar fent “un servidor”... a canvi d’alguns dels seus dibuixos, que ja en aquell moment es cotitzaven molt en el mercat. Així començava una relació peculiar de favors mutus, que avui en dia encara continua, i que ara ha generat aquest llibre. (Ara em toca dir “Gracias, Ramón”). Tercera casualitat. Fa un parell d’anys, Vizcarra em va demanar un cop de mà per editar un dels seus llibres. La qual cosa va comportar un altre dels nostres “pactes entre cavallers”. A canvi de l’edició llibre, ell hauria de fer tot un seguit de dibuixos sobre el món del “blues”, amb els quals editaríem un segon llibre i faríem una exposició durant el Festival de Blues de Cerdanyola. “¡Palante!”, em va dir. Posteriorment, quan els dibuixos ja estaven fets, el seu marxant d’art (perquè ara té un marxant que comercialitza la seva obra a tot el món!) li va dir que el material tindria una bona sortida comercial i que era una pena que no se’ls quedés. I vam fer un nou pacte. Es podia quedar els originals, però a canvi dibuixaria una col·lecció d’esbossos dedicats als “bluesmen” que han tocar Festival Internacional de Blues de Cerdanyola. De nou, “Palante”. Aquestes dues sèries de dibuixos són les que ara teniu a les mans. Quarta i última casualitat. Ja fa alguns anys que els amics de Cal Pintxo em “provoquen” per muntar, durant el Festival de Blues, alguna cosa al seu “Honky Tonk” (perquè Cal Pintxo és un “Honky Tonk”!!!). I a més resulta que ara tenen un piano que cal restaurar perquè torni a la vida, i així recuperar per a la ciutat un lloc de música en directe (que fa molta falta!). Total, que els beneficis que es puguin treure de la venda del llibre i dels originals de les caricatures que hi surten estan destinats a intentar recuperar el piano. “Y aquí estamos, amigos”. Si tens entre les mans el llibre perquè l’has comprat, has contribuït a una bona causa. Gràcies. Esperem que aviat ens puguem trobar al voltant del Piano de Cal Pintxo, gaudint d’una mica de “boogie-woogie”.

Sobre aquestes línies, caricatura “d’Arxiu” (la va fer Vizcarra ja fa alguns anys per a una altra “moguda” que ara no ve al cas). A la fila inferior, Manolo Ibarro i Albert Puig. Al mig, Elliott Murphy. Durant els deu primers anys del Festival, Ibarro i Puig en van ser els dos principals puntals (avui ho tornen a ser, ara acompanyats d’un grapat de bojos pel gènere). A la fila superior, J.A. Hidalgo (“pasaba por allí”) i Toni Álvaro (un altre dels puntals imprescindibles del certamen, els primers i gloriosos anys, i ara). Al costat, “Siscu” Campos, una altra peça clau els primers anys i, avui en dia, “mascaró de proa” de la Comissió organitzadora. En futures edicions ampliades d’aquest llibre (que es faran, encara que Vizcarra encara no ho sap) ens comprometem a incloure les caricatures de totes les persones de la comissió organitzadora del Festival. Problemes de temps no han fet possible que apareguessin aquí.

Pese a todo, treinta años de Blues en Cerdanyola Manuel Ibarro, crítico musical y creador del Festival Internacional de Blues

1988. Treinta y tres años después el Festival de Blues de Cerdanyola sigue en marcha, siendo el más antiguo de España junto al Festival de Blues de Antequera (Málaga). En este 2021 se celebra al fin la edición número 30. Sí, llega con retraso. Un breve período de crisis y una pandemia aún no resuelta tienen la culpa de ello. Esta edición debió ser en el 2020, pero la situación pandémica no aseguraba que se pudiera realizar. Por ello se trabajó en un nuevo formato de festival que además contara con todas las medidas de seguridad El nuestro y el de Antequera son los necesarias. Y sobre todo, había que apoyar a uno de los sectores más afectados y olvidados durante todo el Festivales de Blues más 2020. Y ¿qué mejor ocurrencia que bautizarlo como la antiguos de España edición número 29,5? Pues así se hizo, que ya habría tiempo para celebrar el treinta. Y, mira por donde, encima resultó ser un “festivalazo”, además de un ejemplo para otros como modelo de organización. No Pese a los problemas derivados de está de más decir que sin el apoyo total del personal de una crisis económica y de una pandela “Casa Gran” y la firme decisión del “jefe” no hubiera mia, por fin llega la XXX edición sido, para nada, posible. Por aquellas fechas la decisión no era nada fácil. Lo más sencillo era no hacerlo.

Gracias al decidido apoyo de la “Casa Gran”, el año pasado tuvimos Festival. Y se convirtió en un modelo a seguir y un ejemplo de organización

Y ahora sí, llega el tan esperado y deseado número 30. Y de alguna manera, aunque sea de forma modesta, hay que celebrarlo, que no está la cosa para grandes dispendios. Una de ellas es en formato papel y de caricatura. En esta aventura, cómo no, anda liado Don Juan Antonio Hidalgo. Enredando a la gente de Cal Pintxo y a Joan Vizcarra. Al Sr. Hidalgo lo empecé a conocer a mediados de los 80, cuando una noche fuimos juntos al pabellón de

B.B. King by Vizcarra (caricatura d’arxiu). Durant la seva actuació a Barcelona el 7 de novembre de 1986 es van produir els fets que tant profudament vam impactar a l’autor d’aquestes línies.

Montjuïc para asistir a uno de los memorables “shows” de B.B. King. Por aquel entonces, en determinados conciertos se colocaban sillas en la pista y nosotros tuvimos la suerte de estar en la primer fila. Un lujo, sí. No lo olvidaré en mi vida. Sobre todo el primer bis, con aquella super banda tocando mientras coreaban aquello de “miiiiister BB... Kingggg” y este iba saludando al público. Fue entonces cuando el “Juanan” desapareció de mi lado y vi como se encaramaba al escenario para dirigirse directamente hacía el rey del blues. Madre mía. Dos grandullones fueron corriendo hacía él, pero el “bluesman” los paró y les debió decir, “dejadlo que se acerque a mi”. Y así fue. Supongo que le vio esa cara y esa sonrisa y pensó, “este tipo no es peligroso”. Dos cámaras de TVE (el concierto fue emitido poco después, incluida escena) los rodeaban mientras se daban la mano y el rey le firmaba lo que llevaba además de regalarle alguna púa. Juan Antonio, radiante y con cara de felicidad, bajó y volvió a su silla mientras 8.000 personas aplaudían o silbaban (no lo recuerdo). Se sentó, me miró y dijo “mola”. Ese es el Hidalgo y yo lo tenía que contar. Poco tiempo después estábamos junto a otros colegas y sobre todo amigos de la radio trabajando en un festival de “blues” en nuestra ciudad. Hoy, él continua igual. Nunca le faltan aliados. Aliados o liando a Cal Pintxo y a su buen amigo el gran Joan Vizcarra. Famoso dibujante y caricaturista (en realidad el protagonista junto al “blues” de este libro) sincero amante del “rock” y del “blues”. Vizcarra ya lleva unos años entre nosotros participando de alguna manera u otra en el festival. Él fue el diseñador del cartel del 2017 y para esta ocasión tan especial nos presenta una selección de caricaturas de artistas que han pasado por el Blues de Cerdanyola con el añadido de otras que pretenden recoger parte de la historia del blues. Su arte caricaturesco plasmado en estas páginas con el apoyo de la gente de Cal Pintxo y el imparable impulso de su colega Juan Antonio Hidalgo. Mil veces gracias por seguir participando y colaborando en esta gran fiesta musical de nuestra ciudad.

Vizcarra amb un dels seus “grans formats”. En aquest cas, evidentment, “un John Lee Hooker”. Des de fa uns anys, el dibuixant es dedica fonamentalment a la creació d’originals. Manté la seva tasca de col·laboració amb mitjans de comunicació, però aquesta ha passat a un segon pla. 15

Un somni que ha estat possible gràcies a la tasca de molta gent

Com és públic i notori, aquest any el Festival de Blues de Cerdanyola celebra la seva XXX edició. Encara que, de fet, és la XXXI edició. I encara que, de fet, tampoc fa 30 anys que el festival va néixer (durant una temporada va ser bianual). Aquest doble ball de xifres, ja d’entrada ens dona una primera pista que deixa clar que en molts moments les coses no han estat gens fàcils per als seus organitzadors. I no només degut a crisis econòmiques o pandèmies sanitàries. El certamen va haver de lluitar, durant molts anys, contra l’opinió de persones que, des d’alguns dels governs locals que ha tingut la ciutat, opinaven que aquest era un projecte que potser hauria calgut “finiquitar,” per dedicar els seus recursos a altres temes. Al mateix temps també hi havia un munt de persones entusiasmades amb un projecte que -finalment- havia aconseguit un objectiu que des de l’Ajuntament feia molt temps que es buscava: trobar “alguna cosa” que fes possible que Cerdanyola sortís als mitjans de comunicació, “en clau positiva”, encara que fos un cop l’any. I aquella “cosa” va ser un Festival de Blues que, en pocs anys, va ser reconegut a tot l’Estat. Per a molta gent, Cerdanyola es va convertir -i no és una figura retòrica, encara que ara no ens podem estendre amb anècdotes que ho demostrarien- “en la ciutat del blues”. Per tant, aquest any de la XXX edició sembla obligat dedicar un petit espai a agrair la seva tasca a les persones que, d’una forma o altra, han fet possible que la ciutat hagi gaudit d’aquestes tres dècades de música en directe. Inevitablement, faltaran noms. Però els que hi surten (que no han estat triats pels coordinadors del llibre, si no que han estat aportats per persones que coneixen bé el tema) són una bona representació de la gent que han fet possible aquest petit miracle musical. • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Manolo Ibarro Josep Maria Cortada (Xane) Albert Puig Toni Álvaro Enric Senabre Vicente Zúmel Juan de Dios Cañete Xavi Gordo Vicenç Coscolla Ángel Martínez Carles Arbués Jacinto Muñoz Oriol Carbonell Miquel Abella Germán Quimasó Carlos Yáñez Juan Carlos Gonyalons Miquel Botella

• Xavi Poza • Gemma Moncho • J.A. Hidalgo Així com també, evidentment, a tots els treballadors de l’Ajuntament que durant aquests 30 han fet possible aquesta festa anual. I molt especialment a Jordina Puntí i Marta Rubio, que durant les darreres (i difícils) edicions han jugat un paper clau. I de forma molt especial als membres de la comissió que, aquests darrers anys, han fet possible el Festival. COMISSIÓ DEL XXX FESTIVAL DE BLUES: José A. Guillem, Roser Anglarill, Siscu Campos, Albert Puig, Xavier Alonso, Manuel Ibarro, Luis Hernández, Carles Navarrete, Toni Álvaro, J. P. Carracedo i Edu Marcos.

A la pàgina anterior, Gemma Moncho (caricatura d’arxiu, pertanyent a un projecte anterior de Vizcarra). Una de les persones que, des de fa dècades, i sempre des de l’àmbit de la comunicació, ha estat present al Festival. Entre les seves darreres aportacions figura (l’any passat) la “iniciativa” de batejar el Festival amb el número XXIX’5 (per no “cremar” l’emblemàtica XXX edició en un any tant difícil com va ser el 2020). La seva caricatura representa gràficament a tota la gent que acabem d’esmentar. D’altra banda, “Cal Pintxo Books” pensa en ella com a col·laboradora necessària d’un nou projecte editorial que es voldria publicar durant el XXXI Festival de Blues. Toquem fusta.

Ruiperez y Vizcarra, “The Art Brothers”

Sobre aquestes línies, Ramón Gutiérrez (o “Ruipérez”, nom amb el qual signa des de fa uns anys seva obra) i Vizcarra. O, el que és el mateix, “The Art Brothers”, un projecte que tots dos tenen a la recambra i que va néixer, precisament, a Cal Pintxo. Els dos artistes es van conèixer estudiant Belles Arts a Barcelona. A la facultat, l’amor que tots dos tenien pel “rock’n’roll” els va convertir en íntims amics. El Ramón va ser qui va portar a Vizcarra a Cerdanyola, Actualment, Ruipérez co-dirigeix “El Taller Escola d’Art de Cerdanyola” al mateix temps que continua desenvolupant la seva carrera artística. 18

30 anys com a caricaturista de referència a nivell internacional Potser es podria pensar que no cal (i menys a Cerdanyola, on ha vingut sovint a participar en diverses activitats solidàries i culturals) presentar a Vizcarra. Però, per si de cas, i perquè mai està de més destacar el privilegi que suposa poder comptar amb ell en un projecte com aquest que ara teniu a les mans, farem cinc cèntims per recordar qui és el personatge que ha fet els dibuixos que omplen aquestes pàgines. Des de fa més de 30 anys, és un dels caricaturistes (potser caldria dir EL caricaturista) més importants de la premsa del nostre país. Bona part de la seva trajectòria l’ha desenvolupat a la mítica capçalera “El Jueves”. Però també ha publicat, durant dècades, a rotatius de primer nivell tant d’Espanya com de l’estranger. Actualment, la major part de la seva producció es comercialitza a diversos mercats internacionals. En l’àmbit més local es podria dir que Vizcarra s’afegeix a la ja llarga llista de dibuixants de còmic que han tingut una relació estreta amb Cerdanyola. Com Valentí Castanys (un dels humoristes i dibuixants més importants del segle XX), Ángel Gómez de Segura Beaumont (creador de l’Estudi Beaumont, radicat al poble i on van arribar a treballar 30 persones), Ismael Smith, Josep Coll (un dels dibuixants més populars del TBO i de moltes d’altres publicacions), Jesús Bolinaga (un altre gran dibuixant i dissenyador, col·laborador a la premsa de figures com Vázquez Montalbán o Maruja Torres), Edu Ortiz (Edu), el gran “ninotaire” de finals del segle XX i principis del segle XXI a la nostra ciutat. O el també gran Pedro Villarejo, un altre veí de la ciutat, al qual molts vam descobrir precisament gràcies al cartell del Festival de fa un parell d’anys. A aquesta llista, com dèiem, s’afegeix ara Vizcarra. Nascut a Montblanc i veí de Barcelona, des dels anys 80 volta pel nostre poble. I més que voltarà, a poc que ho puguem aconseguir. De moment, i per centrar el personatge, aquí teniu algunes de les seves ja històriques portades a “El Jueves”. Per falta d’espai 19

Algunes de les moltes portades que els dibuixos de Vizcarra van protagonitzar a “El Jueves”. Durant molts anys, aquestes portades (i, sobre tot, els pòsters centrals) eren esperades amb ansietat pels col·leccionistes de les seves caricatures. Examinades en conjunt, són tota una radiografia de la societat espanyola de les darreres dècades. 20

no podem explicar anècdotes com la d’aquell dia en què va rebre una trucada directa de la Casa Real de “Su Majestad el Rey” i el que va passar quan va acabar “la conversa oficial”. O el que li va passar amb Joaquín Sabina als pocs dies que un pòster del cantautor ocupés les planes centrals de la revista. Ho haurem de deixar per a una altra ocasió. O haureu de comprar el seu pròxim llibre, que es presenta públicament d’aquí a poques setmanes, i que -de fet- és el projecte que ha fet possible aquest que ara teniu a les vostres mans. Allà hi trobareu tots els detalls (més informació a la pàgina 124).

Keith Richards by The Art Brothers

Com ja hem explicat, la relació de Vizcarra i Cerdanyola comença a la facultat de Belles Arts... gràcies en gran part a l’amor pel “Blues” i el rock’n’roll tant del nostre protagonista com de Ramón Gutiérrez (“alias Ruipérez”). La música ha estat, des d’aquell moment, una constant en l’obra dels dos artistes. Com a mostra... Keith Richards.

Les estrelles del Festival de Blues de Cerdanyola, esbossats per Vizcarra Els originals d’aquests dibuixos queden dipositats i a la venda a Cal Pintxo. Els beneficis seran destinats a repa rar el piano del local

Cerdanyola Blues (Primera part?)

A les pàgines següents trobareu tot un seguit d’esbossos ràpids d’alguns dels principals ‘bluesmen´que han actuat fins ara al Festival de Blues de Cerdanyola. Es tracta d’un petit experiment que Vizcarra ha fet, entre d’altres motius, pels seus lligams amb la ciutat. Habitualment aquesta mena d’esbossos no es publiquen. Són els primers apunts que l’artista fa per començar a preparar el dibuix definitiu. Aquesta vegada, però, el Joan els ha fet per ajudar-nos a assolir un objectiu que li agrada molt: recuperar un espai per a la música en directe. Els originals han estat donats a Cal Pintxo i es poden adquirir al local. Els beneficis de la seva venda seran destinats a recuperar el piano del local. Falten, evidentment, molts dels artistes que ens han visitat durant aquestes tres dècades. Com també falten, en el llibre, moltes de les persones que han fet possible el Festival. Farem tot el possible per, d’aquí a un parell d’anys, publicar una nova edició, ampliada, d’aquest llibre, amb nous esbossos. Tant d’artistes com de la gent de Cerdanyola que ha fet possible tots aquests concerts. Ho aconseguirem? Veurem. Toquem fusta...

(A la pàgina anterior, Vizcarra fent un primer esbós del que va acabar sent el cartell del VVXII Festival de Blues, al 2017) 23

Johnny Copeland

Johnny Mars

Lousiana Red & Hubert Sumlin

Joe Louis Walker

Ronnie Earl

Johnny Adams 25

Buddy Guy

Javier Vargas

Johnny Winter

Bob Brozman

Walter “Wolfman” Washington

Duke Robillard

Dr. John

“Lucky” Peterson

Matt “Guitar” Murphy

Alvin Lee

Otis Rush

Corey Harris

Amadeu Casas 30

Poppa Chubby

Charlie Musselwhite Shemekia Copeland

Coco Montoya

Otis Grand

Willy DeVille 32

John Primer

Robert Lockwood Jr.

Bob Margolin

Solomon Burke

John Hammond

Dany Nel·lo 34

Lluís Coloma

David “Honeyboy” Edwards

Mike Sánchez 35

Raimundo Amador

Nick Curran

John Nemeth 36

Earl Thomas

Susan Santos

Lawrence Jones 37

Saron Crenshaw

Watermelon Slim

Velma Powell 38

Giselle Jackson

Els Art Brothers tenen una missió divina:

SALVAR EL PIANO DE CAL PINTXO

Tots els beneficis generats per la venda d’aquest llibre i dels originals de les caricatures del “Blues de Cerdanyola” que en ell s’inclouen seran destinats a restaurar i tornar a la vida el Piano de Cal Pintxo. Un cop finalitzat el Festival de Blues, Ruipérez s’afegirà a la campanya amb una nova acció “artístico - rockera” que serà anunciada en el seu moment. Els llibres i els originals queden dipositats i es poden adquirir a Cal Pintxo.

Recuperem el Woogie Boogie a Cerdanyola!!! Salvem el piano de Cal Pintxo!!! 39

Un llibre de Vizcarra 100 % dedicat als Grans del Blues Encara no s’ha editat. Cal Pintxo el presenta en “exclusiva mundial”

“The History Of Blues”, by Vizcarra

Les caricatures de les pàgines següents van ser dibuixades pel mestre Vizcarra -tal i com ja hem explicatamb l’objectiu inicial de que -en el marc d’una operació “d’economia circular”- vinguessin a parar a una col·lecció particular de Cerdanyola, i poguessin ser ofertes al Festival de Blues per si volien fer alguna cosa amb elles. I, també, per editar un llibre dedicat al món del “Blues”. Això va ser, però, abans del COVID. Com també hem explicat ja, quan el marxant de l’artista els va veure, ràpidament va veure que seria una pena no posar-los a la venda perquè tindrien ràpidament compradors. Això va generar una nova operació “d’economia circular”: Vizcarra es podia quedar els originals dels dibuixos que trobareu a continuació... però a canvi havia de dibuixar els que es reprodueixen a les planes anteriors. I, a més, accedia a presentar a Cal Pintxo, “en exclussiva mundial”, el seu nou llibre, que apareixerà en pocs mesos: “The History Of Blues, by Vizcarra”. Encara no està totalment finalitzat, però aquí teniu unes proves molt avançades. Esperem que us agradi. Quan el llibre surti al mercat, serà degudament anunciat. Entre d’altres coses, perquè està dedicat al Festival de Blues de Cerdanyola.

LA MÚSICA QUE LLEGÓ CON LOS ESCLAVOS El primer esclavo africano en tierra s americanas está documentado en 1.502

La Música que llegó de África (1619-1865) Aunque sea desagradable recordarlo, no que hay que olvidar nunca que el origen del "Blues" (y por tanto del "rock'n'roll" y de todos los estilos musicales que se derivan. Es decir, de prácticamente toda la música “rock” y “pop”) proviene de un drama humano de proporciones monumentales, cuyos orígenes suelen fijarse en torno al año 1.619 (aunque en realidad, como ahora veremos, se inicia mucho antes) y cuyos efectos aún hoy no se han superado. Quizás nunca se superen. Hablamos evidentemente del tráfico de esclavos que durante siglos constituyó un más que lucrativo negocio tanto para Europa como para América. Y no tan sólo para los traficantes que se especializaron en trasladar seres humanos de continente a continente (y, muy especialmente, a las plantaciones de algodón del sur de los Estados Unidos). Si no también a los países. Existen diversos estudios económicos que apuntan a que la actual riqueza económica de EE.UU. nunca hubiese alcanzado sus actuales niveles sin las bases económicas que, en un primer momento, hicieron posible la mano de obra esclava. Este aberrante tráfico se inició, prácticamente, desde el primer día del “descubrimiento”. Así, Cristóbal Colón ya esclavizó a nativos americanos para llevarlos, como trofeo, ante los Reyes Católicos. Y parece claro que posteriormente también transportó cargamentos de esclavos desde Estados Unidos hasta Europa. El primer caso documentado de un esclavo africano en tierras americanas se remonta al año 1502, cuando Juan de Córdoba traslada a varios esclavos que poseía en España a sus nuevas posesiones en América. En 1526, el también español Lucas Vázquez de Ayllón traslada a tierras americanas esclavos africanos. En 1527 se data la llegada a América del primer esclavo procedente de África del que se conservan datos personales. Se trata del legendario “Estevanico”, un musulmán que llega a Florida con otra expedición española. Sin embargo, suele citarse el año 1619 - un año antes de la llegada del “Mayflower”- y al “White Lion” (un barco corsario con patente de corso de los Países Bajos, que ese año depositó un cargamento de esclavos en las costas de la actual Virginia) como el momento en el que este tráfico se convierte en una industria masiva. Una industria que funcionaría a toda máquina durante más de 250 años. El último barco de esclavos fue (como mínimo, así se le cita) el "Clothilda" Atracó en Mobile (Alabama) en 1859 (es decir, más de cincuenta años después de que la importación -que no la posesión- de esclavos se hubiese prohibido en todo el país). La abolición (una vez más, teórica) de la esclavitud no llegaría hasta 1865, tras la Guerra de Secesión. En total, se calcula que unos doce millones de personas fueron trasladadas al continente americano (Norteamérica, Sudamérica y el Caribe durante esos años). De ellos, 400.000 llegaron a Estados Unidos. Al abolirse la esclavitud en EE.UU., se calcula que había en el país en torno a cuatro millones de esclavos.

rante mucho du on ar iz il ut se s ne io Las canc digos secretos tiempo para difundir có En muchas plantaciones, donde los esclavos ya tenían prohibido saber leer o escribi r, se acabaron finalmente prohibiendo la música y los instrumentos musicales

La música como vehículo de resistencia y rebelión

Con los esclavos llegaron a América, desde África, muchas tradiciones culturales. Entre ellas, la música. Así, tanto en las duras jornadas de trabajo en los campos como en los escasos momentos de asueto, los cantos se convirtieron en uno de los pocos recursos de ocio de que disponían los esclavos. Con el paso del tiempo, las músicas y ritmos originarios de África se fueron combinando entre ellas, así como con todo tipo de instrumentos, ritmos e influencias. También los que habían llegado desde Europa, con los primeros colonos. Aún faltaba mucho para que apareciese algo parecido a lo que hoy conocemos como "blues". Pero el proceso ya se había iniciado. Con el tiempo, además, se empezaron a introducir en los textos de las canciones una buena cantidad de "códigos ocultos" pensados para escapar al control del amo blanco. Esos códigos -a menudo disfrazados con contenidos religiosos que ya se relacionaban con la Biblia- proporcionaban instrucciones sobre las mejores vías de escape para huír de las plantaciones hacia los estados del norte donde la esclavitud era ielgal, o incluso hacia Canadá. Muchos de los mayores clásicos de la música afroamericana provienen de aquellos años y contenían, en un primer momento, ese tipo de códigos ocultos dirigidos únicamente a los oídos de los esclavos. Buenos ejemplos son "Go Down Moses", "Swing Low, Sweet Chariot", "Steal Away", "Wade In The Water" o "Michael Row The Boat Ashore". Hay muchas más. Como era inevitable, la estratagema fue finalmente descubierta por los dueños de las plantaciones. Asi, en muchas, tal y como siempre había estado prohibido que los esclavos supiesen leer y escribir, se acabaron también prohibiendo todo tipo de música e instrumentos musicales.

de la música as m ra s la de a un , po Con el tiem ando un camino m to ó ab ac a an ic er am afro “Gospel” religioso y espiritual: el Pese a ser un género eminentement e religioso, el “Gospel” acabaría tamb ién jugando un papel clave en la creació n del “rock’n’roll”

La música de Dios...

En las plantaciones, y con el paso del tiempo, los estilos musicales llegados de África adoptaron todo tipo de caminos, a menudo muy distintos entre ellos. Así, buena parte de aquella primera música "afro-americana" -y de la que desgraciadamente no queda prácticamente ningún tipo de registro sonoro o escrito- adoptó un sentido religioso. Con el tiempo, acabaría cantándose en las celebraciones de distintas iglesias. A las que acudían fieles de color. Pero también a aquellas otras a las que acudían blancos descendientes de los primeros colonos europeos. Esa variedad musical acabaría siendo conocida como "gospel". Pese a su finalidad religiosa, muy a menudo esos himnos adoptaban unos ritmos y una energía sumamente excitante y contagiosa. Tan excitante que, a mediados del siglo XX -y como luego veremos- acabaría provocando un profundo efecto en muchos de los artistas que acabarían conformando la primera generación de músicos de "rock'n'roll".

ó también hacia otro La música de las plantaciones deriv caminoso”, del que subgénero “más festivo, carnal y pe imer “Blues” pr el do ien rg su ía ar ab ac o mp tie el con

Los “Juke Joints” rurales, donde músicos ambulantes tocaban esa música, se convirtieron en una de las principales vías de escape para los descendientes de los esclavos

... y la música del Pecado Al mismo tiempo que la música de la plantación derivaba -por un lado- hacia caminos espirituales y religiosos ("Gospel") otra rama adoptaba un carácter más festivo y "pecaminoso" y se convertía en la banda sonora de los escasos momentos de ocio de que los esclavos -primero- y sus descendientes -después- podían disfrutar tras las largas jornadas en los campos de algodón, que se mantuvieron inalterables pese al teórico fin de la esclavitud tras la Guerra Civil. En la práctica, y sobre todo en los estados del Sur se promulgaron rápidamente una serie de leyes que, en la práctica, siguieron manteniendo, durante años, a los antiguos esclavos en una situación de opresión y explotación que en poco se diferenciaba del anterior escenario. Aún así, en todo el sur de Estados Unidos pronto empezaron a proliferar pequeños locales (o "Juke Joints") dedicados al ocio de la gente de color donde estos podían reunirse y disfrutar de un poco de música y comida en sus escasos momentos de ocio. Al mismo tiempo empezaron a aparecer los primeros músicos "semi-profesionales" que, pertrechados con poco más que una guitarra, se desplazaban de "Juke Joint" a "Juke Joint" para actuar los fines de semana ante las audiencias de cada plantación. Su música y -sobre todolas letras de sus canciones eran infinitamente más provocadoras y sexuales que lo que hubiese sido tolerable en ningún espectáculo dirigido al público blanco. Cuando miles de trabajadores afroamericanos empezaron, con los años, a emigrar hacia el norte de Estados Unidos en busca de mejores condiciones de trabajo en las fábricas de las grandes ciudades, que necesitaban desesperadamente mano de obra, llevaron con ellos su música y empezaron a crear "Juke Joints" urbanos. De ahí surgiría un nuevo tipo de "Blues": el "Blues" eléctrico o "Blues" urbano. Pero de eso hablaremos más tarde. La "música del diablo" esperaba, agazapada en el sur de Estados Unidos, su momento para dar el salto hacia las audiencias de masas de todo el planeta.

EL NACIMIENTO DE UNA INDUSTRIA cuchó a un En 1.903, en una estación de tren, es itar” un género que gu e lid “s a un n co r ca to o jer lle ca o músic “Blues” nunca había oído y que bautizó como Fue el compositor de la primera parti tura musical que incluye el término “Blues” en el títul o de la canción

W.C. Handy

El “Padre del Blues” Aunque no es demasiado conocido en nuestro país, W.C. Handy merece sin duda su inclusión en esta selección de personajes debido a su condición de "Padre del Blues". Nacido en Florence, Alabama, en 1873, desde muy pequeño sintió la llamada de la música y -pese la oposición de su padre, que consideraba que era "un instrumento del diablo"- acabó formándose como trompetista, iniciando una carrera semiprofesional en diversas bandas que le llevaron a viajar de forma constante por el Sur de Estados Unidos. Su formación musical y su prodigiosa memoria le permitían transcribir más tarde, en partituras, muchos de los ritmos callejeros que escuchó durante sus viajes. En 1903, en la estación de tren de Tutwiler (un pueblecito en el Delta del Mississippi) escuchó a un músico callejero tocar la guitarra. Utilizaba un cuchillo como "slide" y de su instrumento surgía una melodía que le impactó profundamente. Años más tarde recordaría "era un nuevo género musical, nunca había oído nada parecido". Bautizó a aquel sonido como "Blues". En 1909, editaba la partitura de "Memphis Blues" (la industria del disco estaba dando en aquel momento sus primeros pasos, y el negocio musical consistía fundamentalmente en la edición de partituras musicales que la gente pudiese tocar en casa, fundamentalmente en el piano). Se trataba, en realidad, de la adaptación de un tema que había creado anteriormente para la campaña política de Edward Crump, candidato a la alcaldía de la ciudad. El tema se convirtió en un gran éxito y en el primero de una serie de "hits" ("Saint Luis Blues", "Beale Street Blues", "Atlanta Blues", "Ole Miss Ragg"...) que finalmente le convertirían en millonario. Antes de su fallecimiento, en 1958, tuvo tiempo de ver su vida llevada a la gran pantalla y de publicar un par de libros autobiográficos. Hay quien, además de "Padre del Blues", le considera también "Padre del Jazz". Durante décadas, los "Oscar del Blues" llevaron su nombre (los W.C. Handy Awards o, simplemente, "los Handy").

or de color poseer jad ba tra un ra pa o, mp tie o ch mu e nt Dura coste económico un reproductor de discos suponía un cográficas ni se inasumible. En consecuencia, las dis mercado planteaban editar música para ese Todo cambió a partir de 1920 con la aparición de “Swan Records”: la primera disco gráfica fundada por un afroamericano

Los “Race Records”

La música negra llega al vinilo

Aunque las técnicas que hicieron posible la reproducción de música grabada aparecieron en torno al año 1877, hasta principios del siglo XX no surge una industria discográfica plenamente consolidada. En los años 20 del pasado siglo ya existían un buen número de empresas, en prácticamente todos los países industrializados, dedicadas a grabar y comercializar música de diversos géneros. Sin embargo, ninguna de ellas se centraba en grabar música para la gente de color. El motivo era muy sencillo: para los afroamericanos poseer un reproductor de discos había sido históricamente algo que estaba totalmente fuera de sus posibilidades. Sin embargo, poco a poco las cosas estaban cambiando. La migración desde las plantaciones del Sur hacia las ciudades del Norte de Estados Unidos ya se había iniciado. Allí -y muy especialmente en Chicago- las condiciones laborales era mucho mejores. En consecuencia, por primera vez, había empezado a surgir una nueva clase social: la clase media afroamericana que -por primera vez en la historia- disponia de recursos económicos para gastar en ocio y cultura. En 1920 aparecía "Crazy Blues", de Mamie Smith. Se convertía en el primer éxito discográfico de una artista de color. El mismo año, Harry Pace (había sido socio de W.C. Handy en el negocio de la edición de partituras musicales) funda "Black Swan Records". Era la primera discográfica fundada por un afroamericano, y dirigda a ese público. Nacían así los que pronto se conocerían como "Race Records" (discos raciales). Era, en definitiva, música "grabada por negros para ser consumida por negros". Inicialmente, era un mercado totalmente aislado y separado de otros géneros musicales. Hasta el punto de que existían listas de éxitos diferenciadas para él. Sin embargo, poco a poco, algunos ritmos de color (no aún el blues) empezaban lentamente a ser apreciados por el consumidor blanco. Como por ejemplo el "jazz" de Louis Armstrong. Poco a poco, algunos muros empezaban a caer.

LOS ORÍGENES DEL BLUES su alma al Diablo a ió nd ve n so hn Jo e qu e dic da en ley La sico cambio de alcanzar la fama como mú Las 29 canciones que grabó, en solo dos sesiones, entre 1936 y 1937 se consideran como un a de las bases de toda la música “rock”

Robert Johnson

El hombre que vendió su alma al diablo Sin duda, y por múltiples motivos, Robert Johnson es una de las figuras más legendarias y misteriosas de toda la historia del Blues. No se conoce con certeza su fecha de nacimiento (probablemente, 1911). Tampoco se sabe con exactitud las causas de su prematuro fallecimiento (probablemente, fue envenenado, con tan sólo 27 años y tras un concierto, por un marido celoso). No disfrutó en vida de ningún tipo de éxito y, pese a eso, décadas más tarde sus grabaciones se convertirían en legendarias y de ellas grabarían versiones algunas de las mayores estrellas del rock. Pero, sobre todo, nunca se supo y evidentemente nunca se sabrá cómo pudo pasar, en un período de tiempo extraordinariamente breve, de ser un guitarrista con unas habilidades francamente limitadas a convertirse un todo virtuoso del instrumento. Lo que dió lugar a la leyenda -que ha llegado hasta nuestros días- de que había vendido , en un cruce de caminos, su alma al Diablo a cambio de alcanzar la gloria como artista. Una Leyenda que aún hoy en día es recordada con el inmenso cruce de guitarras que puede visitarse en la intersección de las autopistas 49 y 61 en Clarksdale (Mississippi). Lo que sí sabemos es que los 29 temas que grabó en tan sólo dos sesiones entre los años 1936 y 1937 se convertirían en una de las bases fundacionales del género y serían grabadas, décadas más tarde, por figuras como Led Zeppelin o los Rolling Stones, pasando por Eric Clapton, por citar tan sólo algunos nombres.

iones Dejó un legado de más de 120 canc Muchos de sus discos se situaron en tre los “race records” más vendidos de su época

Bessie Smith

La trágida vida de la primera emperatriz del Blues Nacida en Chattanooga (Tennessee) en 1894 sus discos gozaron de una gran popularidad entre las décadas de los años 30 y 50 del pasado siglo y se la considera una de las mayores influencias para varias generaciones de cantantes femeninas de "Blues" y "Jazz". Huérfana con tan sólo nueve años y miembro de una familia extremadamente pobre, Smith se vió obligada a empezar a cantar en las calles a cambio de unas monedas para poder sobrevivir. En 1904, uno de sus hermanos se une a una "troupe" de músicos ambulantes. Ocho años más tarde, cuando Bessie tenía ya la edad suficiente como para unirse a la compañía, le consigue una audición ante los propietarios de la misma. La contratan como cantante y bailarina. Ahí coincide con la legendaria cantante de "Blues" Ma Rainey, que la toma bajo su tutela y la ayuda a consolidar un estilo propio. No tarda demasiado en abandonar la compañía ambulante y empezar a actuar en teatros, donde rápidamente se forja una reputación. En 1923 firma su primer contrato discográfico. Sería el inicio de una fulgurante carrera repleta de éxitos que incluso la llevaría (aunque brevemente) hasta los escenarios de Broadway. Entres sus éxitos más conocidos están grandes clásicos como "St. Louis Blues", "Alexander's Ragtime Band", "A Good Man Is Hard To Find", "T'ain't Nobody's Biz-Ness If I Do", "Downhearted Blues"... Todo termina con el (doble) trágico accidente de coche sufrido en 1937 entre las ciudades de Memphis y Clarksdale. En un primer momento, el coche en el que viajaba sufrió un accidente que le causó gravísimas heridas. Mientras esperaban la ambulancia que debía trasladarla al hospital... un segundo coche colisionó con el vehículo donde la cantante aún se encontraba, destrozándolo por completo. Fue trasladada al hospital para negros más cercano, pero no sobrevivió a las heridas sufridas. Pese a todo, parece que hubiese tenido alguna oportunidad si la hubiesen podido llevar a un centro hospitalario más cercano al accidente. Pero... se trataba de un hospital para blancos, en el que estaba prohibido ingresar a negros. Su tumba careció incluso de lápida hasta que, en 1970, Janis Joplin costeó una.

, músico de Trabajador en los campos de algodón rico y primera ct elé es blu l de ro ne pio , ts” in Jo ke “Ju resume toda la mega-estrella del género, su vida se historia del Blues

B.B. King

El Rey del Blues

Como sucede con la mayor parte de los artistas que aparecen en estas páginas, la trayectoria de B.B. King es tan amplia que produce un cierto vértigo intentar resumirla en unas pocas líneas. Pese a todo, hay que intentarlo. Nacido en Itta Bena (Mississippi) en 1925, pasó los primeros años de su vida trabajando en los campos de algodón. La fascinación por la música le llegaría a través de los oficios religiosos. Tras conseguir que un predicador le enseñe los tres acordes básicos de guitarra, comprueba que la cosa se le da bien y decide que ese podría ser un buen recurso para escapar de los rigores del trabajo en el campo. A los doce años ya se había hecho con su primer instrumento. En 1943, ya actuaba de forma regular en pequeños "Juke Joints" de Mississippi. También empieza a actuar en emisoras de radio de la zona. En 1946 realiza su primera escapada a las calles de Memphis, siguiendo al bluesman Bukka White -primo lejano de su madre- que se había hecho un hueco en el vibrante escenario que los músicos de "Blues" tenían a su disposición en Beale Street. Conocida como "la Calle Mayor del Blues" y según narran los historiadores, esa era el único punto de todo EE.UU. donde un negro podía sentirse libre y seguro. Toda la zona estaba ocupada por establecimientos y bares musicales propiedad de afroamericanos y en todas las esquinas había músicos de tocando a cambio de unas monedas. Pero el joven Riley B. King (ese era su verdadero nombre) descubre que la competencia es demasiado fuerte y que aún no está preparado. Vuelve a los campos de algodón, decidido a prepararse a fondo antes de volver a intentarlo. Ese segundo intento se produce dos años más tarde, en 1948. Consigue actuar en pequeñas emisoras de radio de Memphis antes de conseguir un espacio estable en la legendaria WDIA, donde también le contratan como locutor. Será en esa emisora donde le "bauticen" Blues Boy King (B.B. King). En 1949 graba sus primeros discos con RPM Records, aunque muchas de sus sesiones de grabación tienen lugar en la Sun Records de Union Avenue. El éxito llega, finalmente, en 1952 con "Three O'Clock Blues", el primero de sus discos que logra entrar en las listas de éxito. A partir de ese momento, y hasta su fallecimiento en 2015 se mantendrá en lo más alto. En un primer momento, como "Rey" indiscutido del "Blues" (en reñida competencia con algunos nombres -pocos- como John Lee Hooker o Muddy Waters). Posteriormente, a partir de los 60, compartiendo también un lugar destacado en el olimpo del "rock". Su trayectoria, vida y leyendas varias podrían ocupar una enciclopedia de varios tomos. Si no la conocéis, os invitamos a investigarla por vuestra cuenta. Con su música, lógicamente, como telón de fondo musical.

ida del Blues

Fue la primera “mega-estrella” surg

Personifica mejor que nadie la trans ición de Blues Rural a Blues Urbano

Muddy Waters

...y con la electricidad, llega el Blues Urbano

McKinley Morganfield (conocido artísticamente como Muddy Waters) posiblemente sea la primera "megaestrella" surgida del campo del "blues". Personifica, además, mejor que nadie, la transición entre el "blues" rural (acústico) que se practicaba hasta ese momento en los estados del sur y muy concretamente en el Delta del Mississippi y el "blues" urbano (ya electrificado) que nació en las grandes ciudades, y muy especialmente en Chicago, donde se trasladaron millones de trabajadores afroamericanos persiguiendo una vida mejor, dejando atrás las plantaciones de algodón y buscando trabajo en la grandes fábricas. Nació en 1913 una plantación de algodón cerca de Clarksdale (Mississippi) y a los 17 años ya era un consumado músico. En 1943 decide mudarse a Chicago. En su caso, sin embargo, ya con el objetivo de convertirse en músico profesional. No tarda demasiado en formar su banda y empezar a lanzar discos. Primero, con Columbia Records. Luego, con los hermanos Phil y Leonard Chess, fundadores de la hoy mítica Chess Records. En esa discográfica grabará, en la década de los cincuenta, muchos temas que, aún hoy en día, se sigue considerando que están entre los mayores clásicos del género. "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "I'm Ready"... Realizó varias gira por Europa, influyendo notablemente a muchos de los componentes del pop y del rock británico de los años sesenta y (aunque con un breve período de cierto ostracismo, similar al que vivieron muchos otros bluesmen en los años 60, coincidiendo paradójicamente con el momento de mayor éxito de muchos de sus discípulos musicales como los Rolling Stones) su carrera resurgió con fuerza a principios de los años 70. Se mantuvo en activo hasta prácticamente su fallecimiento, en 1983.

comercial a gran En activo desde los años 50, el éxito ias al apoyo de escala no le llegaría hasta 1991, grac Eric Clapton

Buddy Guy.

La segunda generación del “Blues de Chicago” Aunque durante los primeros años de su vida Buddy Guy (Lettsworth, Lousiana, 1936) supo lo que era trabajar junto a sus padres en los campos de algodón y pese a que sus primeros pasos musicales los dió con un primitivo instrumento de dos cuerdas (el "diddley bow") que se construyó él mismo, lo que parece el inicio de la biografía de otro intérprete de "blues" del Delta, lo cierto es que estamos ante el primer bluesman que podríamos encuadrar, desde el primer día de su carrera, dentro del "blues" urbano o eléctrico. Así, tras unos primeros intentos infructuosos de iniciar una carrera musical en su Louisiana natal, su trayectoria no despegará hasta 1958, cuando se muda a Chicago. En ese momento, el fenómeno del "rock'n'roll" ya había explotado. Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, Fats Domino, Jerry Lee Lewis y el resto de la primera generación de "rockers" estaban ya derruyendo a golpes de guitarra las barreras existentes entre la música "de blancos" y la música "de negros". Y, en Chicago, el blues eléctrico de Muddy Waters ya estaba totalmente consolidado. Podría considerarse, pues, que la carrera de Guy despega en un momento en que las cosas ya han cambiado. Y de forma radical. El mismo año en que llega a Chicago consigue su primer contrato discográfico con "Cobra Records". Rápidamente, sin embargo, salta a la "Chess", el sello de Muddy Waters y Chuck Berry. Paradójicamente, los hermanos Chess -conocidos por su espíritu innovador- fallan estrepitosamente en el caso de Buddy Guy. El músico ya era conocido por practicar durante sus "shows" un estilo extremadamente ruidoso y enérgico. Pero los Chess se niegan a trasladar ese sonido al vinilo, opinando que es "demasiado salvaje". En consecuencia, ninguno de los discos que lanza con el sello entre 1958 y 1968 logran demasiada repercusión. De hecho, buena parte de su actividad se centra en tocar como músico de estudio para las grandes estrellas de la casa. Durante buena parte de ese período tuvo que mantener diversos empleos al margen de la música para poder llegar a fin de mes. En 1972 crea su propio club de Blues (el "Checkboard Lounge", donde los Rolling Stones graban, en 1981, un disco y un vídeo acompañados por varias leyendas del "blues" de Chicago). Su salto a la primera división se produjo finalmente a principios de los 90, gracias a Eric Clapton, que le reclama a su lado para una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. A ello le sigue un nuevo contrato discográfico con "Silverstone Records" y el aclamado "Damn Right, I've Got The Blues" (1991). En el momento de escribir estas líneas y pese a su avanzada edad sigue en activo y mantiene en Chicago su nuevo club de Blues, "Buddy Guy's Legends".

los Su obra es considerada como uno de mayores legados culturales del S. XX Sin sus discos no hubiesen existido Beatles, Rolling Stones ni posiblemente el pop o el ro ck tal y como lo conocemos

Chuck Berry.

El “William Shakespeare” del rock’n’roll Cuando murió, en marzo de 2017, uno de los principales periódicos españoles (además de dedicarle espacio en portada y varias páginas enteras a la noticia) aseguró que la importancia de la obra de Chuck Berry debía ser puesta a la misma altura "que las creaciones de Shakespeare o las pirámides de Egipto". Una frase tan contundente puede, a primera vista, sorprender. Sin embargo, si uno le da un par de vueltas al tema pronto se llega a la conclusión de que eso es así. Sin sus discos muy posiblemente no hubiesen existido los Beatles, los Stones o buena parte de la música pop y rock tal y como la conocemos. Por otro lado, y pese a lo prolongada que fue su carrera (sus primeros discos con Chess Records son de 1955 y pocos meses antes de su muerte aún estaba en el estudio de grabación para lanzar un nuevo disco) hay también que reconocer que lo más significativo de su obra se concentra en los cuatro o cinco primeros años de carrera. Sus trabajos posteriores aportaron pocas (o ninguna) novedades al mundo de la música. Tampoco hacía falta. La apabullante sucesión de clásicos que lanzó entre 1955 y 1960 fueron una de las principales piedras fundacionales que tuvo el "rock'n'roll" desde uno de sus dos principales afluentes: el del "blues". "Johnny B. Good", "Rock'N'Roll Music", "Promised Land", "Roll Over Beethoven", "Reelin' And Rockin'", "Memphis, Tennessee", "Too Much Monkey Business", "Brown Eyed Handsome Man"... la lista es apabullante. No hay aquí suficiente espacio (ni quizás tampoco es el lugar) para hablar sobre sus múltiples problemas con la justicia, sus estancias entre rejas y los problemas que le causó una personalidad... digamos que problemática. En estas breves líneas lo único que procede es sumarse a lo que dijo la prensa el día de su muerte: su obra debe colocarse a la misma altura que la de los principales artistas occidentales de toda nuestra historia.

Fue la primera emisora de radio “por y para negros” de EE.UU. A través de sus ondas, el blues entró por primera vez en los hogares de los bla ncos.

La WDIA.

La primera emisora de radio “por y para negros”, que llevó el blues a los hogares de los blancos Creada en 1947 y aún en funcionamiento desde sus estudios en Memphis, la WDIA hizo historia como la primera emisora de radio de EEUU dirigida por completo por profesionales de color y con contenidos diseñados y única y exclusivamente para oyentes afroamericanos. Sus propietarios, sin embargo, era blancos y originalmente, la emisora se dirigía -como todas las otras- hacia esa audiencia. Sin embargo, la competencia con otras emisoras era demasiado fuerte y el proyecto no despegó hasta que sus responsables decidieron dirigirse hacia el 50 % de la población del Delta del Mississippi al que ninguna otra emisora prestaba servicio: los afroamericanos. A partir de ese momento, el éxito fue fulgurante. Muchos de los músicos de blues más populares de las siguientes décadas iniciaron su carrera en los estudios de la WDIA. Bien como locutores, bien actuando en directo. O, en ocasiones, haciendo las dos cosas. Ese sería el caso de B.B. King o de Rufus Thomas (durante décadas, una de las figuras más significativas de Memphis, no ya como músico si no personaje emblemático. Aparece retratado en la página anterior). Sin embargo, uno de las funciones más importantes que desarrolló la emisora a nivel social fue la de acercar, por fin, el "rythm'n'blues" a los adolescentes blancos, que hasta ese momento sólo tenían acceso a géneros como el "country & western" o las baladas de los "crooners" del momento. El "ritmo de la jungla" y sus pecaminosos textos se adentraban así, por primera vez, en los hogares de las familias blancas, atrapando la mente y la imaginación de sus hijos. Entre esos adolescentes fascinados por los sonidos de la WDIA estaba, por ejemplo, un tal... Elvis Presley. Se estaba gestando, a través de las ondas de la radio, una revolución cultural de primera magnitud.

EL BLUES TUVO UN HIJO (Y LE LLAMARON ROCK’N’ROLL)

En su estudio del 706 Union Avenue e el (Memphis, Tennessee) suele situars nacimiento del rock’n’roll Elvis Presley, Johnny Cash, Carl Perk ins, Jerry Lee Lewis, entre otros muchos, iniciaron en él su carrera

La “Sun Records” de Memphis Sam Phillips, el empresario discográfico que buscaba un blanco... “que cantase como los negros”

Pocos sellos discográficos han tenido tanta influencia en el mundo de la música que "Sun Records". Fundado en 1950 por Sam Phillips, un antiguo locutor de radio atrapado por los sonidos de la música negra, inicialmente fue un estudio de grabación a disposición de toda aquella persona, empresa o institución que desease plasmar sobre acetato cualquier tipo de acontecimiento. Desde eventos corporativos hasta canciones dedicadas a un familiar, el "Memphis Recording Service" estaba a tu disposición. Pronto, como era inevitable en una ciudad con una actividad tan intensa como Memphis, empezaron a frecuentar el estudio muchos de los músicos (sobre todo de "blues", pero también de otros géneros) que poblaban las calles y locales de la ciudad. No pasó demasiado antes de que el estudio empezase a colaborar con algunas de las grandes discográficas del norte, a las que les salía más barato contratar a Phillips para grabar los discos que hacer viajar a los grupos miles de kilómetros. Así, en Memphis se grababa a artistas como Ike Turner, Howlin Wolf o B.B. King, entre otros muchos, y luego las cintas eran enviadas a la discográfica de turno (casi siempre, la "Chess Records" de Chicago) para ser publicadas en forma de disco. En 1952, finalmente, Phillips se decide a crear su propio sello discográfico. Nació la "Sun Records". Consciente del creciente atractivo que la música negra empezaba a tener sobre el público blanco siempre comentaba que si "encontraba a un blanco que cantase como un negro ganaría un millón de dólares". No tardaría mucho en encontrar a ese hombre. Aunque él no lo sabía, un joven camionero de 19 años llamado Elvis Presley pasaba cada día ante las puertas de su estudio, intentando reunir el valor suficiente como para abrir la puerta de la "Sun Records" y pedir su oportunidad.

ir un camión a En tan sólo dos años, pasó de conduc ltural) que se liderar una revolución musical (y cu el planeta extendería como la pólvora por todo

Elvis Presley

El Rey del Rock’N’Roll

Elvis Presley nació en el seno de una familia extremadamente pobre en Tupelo, Mississippi, en 1935. De hecho, la situación económica de los Presley era tan precaria que formaban parte de lo que se conocía como White Trash ("Basura Blanca"). La más baja de las capas sociales, diferenciándose tan sólo de los negros en el color de su piel. Cuando Elvis era un niño, tuvo que ver cómo encerraban a su padre en prisión por falsificar un cheque para poder dar de comer a la familia. Cuando fue liberado, la familia se muda a Memphis, en el vecino estado de Tennesse, en busca de un futuro mejor. Junto a sus escasas pertenencias, viaja ya la guitarra que Elvis había recibido poco antes como regalo de cumpleaños. Parece que él quería un rifle o una bicicleta. Pero la guitarra era todo lo que la familia podía permitirse. En Memphis, las cosas mejoraron -moderadamente- para los Presley. El joven Elvis, entre otras aficiones, se engancha al instrumento que sus padres le habían comprado y empieza a desarrollar un interés creciente por la música negra que puede oírse en todos los rincones de la ciudad. Escucha de forma compulsiva la WDIA y siempre que puede se escapa a los “garitos” de Beale Street a ver actuaciones de tipos como B.B. King, de cuya música puede disfrutarse a diario, de forma totalmente gratuita o a cambio de tan sólo unas monedas. Empieza a comprar su ropa en las tiendas de la zona (su "look", cada vez más estrafalario le provocará algún problema en el Instituto) y empieza a pensar en la música como en un posible vehículo para escapar de la pobreza. Es consciente de que es un buen cantante. Ha ganado ya un par de concursos y cada vez que coge la guitarra en el instituto sus compañeros hacen se acercan para escucharle. Empieza a trabajar como camionero para la "Crown Electric Company". La ruta que le asignan le hace pasar varias veces al día ante el 706 de Union Avenue, en el propio Memphis. Allí, un letrero de neón anuncia a una pequeña discográfica llamada "Sun Records". Finalmente, un día se arma de valor y solicita una prueba. Su oportunidad llega el 5 de julio de 1954. Ese día, en el estudio de la Sun, graba junto a guitarrista Scotty Moore y el bajista Bill Black "That's All Right Mama", un clásico del “blues” al que imprime un ritmo salvaje. Sam Phillips, atónito, comprende que por fin tiene lo que llevaba tanto tiempo buscando. Ahí está el blanco capaz de cantar “blues” como los negros. Raudo, imprime unas copias del disco y los lleva a unas pocas emisoras de radio de la ciudad. El éxito es instantáneo. Los jóvenes enloquecen -y los adultos enfurecen- con el nuevo sonido. La revolución ha comenzado. Tan sólo dos años más tarde, el "rock'n'roll" se habrá adueñado del planeta, cambiando para siempre la cultura occidental y contribuyendo a derribar muchas de las barreras raciales que hasta ese momento existían. El "blues" y la música volvían a convertirse una -una vez más, y aunque fuese de forma involuntaria- en un recurso extraordinariamente eficaz como herramienta de revolución social.

ofundamente en Sus primeros discos impactaron pr UU) o adolescentes como Bob Dylan (en EE tico Paul McCartney, al otro lado del Atlán

Little Richard

El Melocotón de Georgia

Si Elvis Presley y su música se convirtieron de forma instantánea en un escándalo nacional de proporciones descomunales y en toda una pesadilla para buena parte de los padres y los adultos de Estados Unidos, la entrada en escena de Little Richard supuso la segunda ola de un "tsunami" que arrasó ya con lo poco que el Presley había dejado en pie. Ya no hablábamos de un blanco que tocaba como un negro si no, directamente, de un afroamericano que hacía gala de una estética y una actitud en el escenario como nunca antes se habían visto, unas letras que, lejos de insinuar los temas sexuales, los ponían abiertamente sobre la mesa y unas onomatopeyas sin sentido que acabarían convirtiéndose en himnos generacionales "¡¡¡A úan ba ba ba lúa balan bem bú!!!". Para rematar la jugada, Richard hacía ostentación de unas preferencias sexuales que, si bien en los cincuenta había que mantener ocultas (entre otras cosas, porque en muchos estados eran ilegales) no eran demasiado difíciles de intuir. Lo de los Rolling Stones en los 60 o los Sex Pistols en los 70 no fue nada comparado con los primeros años del "rock'n'roll". Sobre todo, en el Sur de Estados Unidos. Richard Wayne Penniman (Macon, Georgia, 1932) es conocido, entre otros apodos, como "El Arquitecto del rock'n'roll". Empezó su carrera en 1949, integrándose en diversos "shows" ambulantes y practicando un "blues" ya muy cercano estilísticamente a lo que poco después sería el "rock'n'roll". A principios de los 50 logra algunos éxitos menores con sus primeros "singles", grabados para la RCA. Su gran oportunidad llegaría, sin embargo, en 1955, con el estallido nacional de la "bomba Presley". Las discográficas empezaron a buscar desesperadamente artistas con los que hacer la competencia a ese chaval de Memphis que había abierto un mercado hasta ese momento desconocido... y extraordinariamente lucrativo. En consecuencia, empezaron a grabar y a lanzar temas y artistas que poco antes hubiesen estado totalmente vetados. Uno de ellos fue Little Richard. Su primer gran éxito sería titulada "Tutti Frutti". De la noche a la mañana se convierte en una estrella nacional. Le siguen, en rápida sucesión, "Rit It Up", "Ready Teddy", "Lucille", "Jenny Jenny", "Keep A Knockin"... por citar tan sólo algunos de sus “hits”. En Duluth (Minnessota), un tal... Bob Dylan decide, tras escuchar sus canciones, que quiere dedicarse a la música, y empieza a aporrear el piano. Al otro lado del Atlántico, un tal Paul McCartney le adopta como el modelo a seguir, al mismo tiempo que su gran amigo John W. Lennon se convierte a la religión de Presley. El impacto de su música es enorme. La primera etapa de su carrera se cierra en 1962. Una crisis espiritual, en plena gira por Australia, le hace dejarlo todo para ingresar en un seminario y dedicarse a la religión. Sus siguientes discos estarán dedicados al "gospel". Con lo años, volvería al "rock". Se mantendría en activo hasta 2010, disfrutando ya de su "status" de leyenda viva y viviendo básicamente de las rentas de sus éxitos de los 50. Su momento ya había pasado, pero la huella de su música era indeleble. Falleció en 2020 en su casa de Tullahoma (Tennessee).

iones que Elvis Presley declaró en varias ocas mino” “el verdadero Rey del Rock es Fats Do Paul McCartney escribió “Lady Mado nna” intentando imitar su estilo.

Fats Domino

¿El autor del primer “rock’n’roll” de la historia?

Diversos historiadores musicales han mantenido, a lo largo de los años, varias teorías sobre cuál es el primer "rock'n'roll" de la historia. Se trata de una discusión, en cierta forma, estéril, puesto que evidentemente el proceso de fusión de los distintos estilos musicales (básicamente, "country" y "blues") que acabaron generando la música "rock" fue algo gradual que se produjo de forma simultánea en diversos lugares. Pero el tema resulta divertido. ¿Fue "Rock Around The Clock", de Bill Haley? (1954). ¿Fue "That's All Right Mama", de Elvis Presley? (1954). Algunos se remontan tres años atrás y apuntan al "Rocket 88" de Jackie Brenston (1951, y grabada por cierto en la "Sun Records"). Otros se remontan más allá y, situándose a finales de la década de los años 40 señalan a "The Fat Man" (diciembre de 1949). Hablamos de un tema grabado por Fats Domino para "Imperial Records" en New Orleans, su ciudad natal. No tan conocido como Little Richard o Chuck Berry (cómo mínimo, en nuestro país) su figura no puede ser ignorada. No en vano (¡ojo al dato) el propio Elvis declaró en alguna ocasión que "el verdadero Rey del Rock es Fats Domino". Nació en New Orleans en 1928. Era, por tanto, algo mayor que el resto del pioneros del "rock'n'roll". Cuando la fiebre del "rock" estalla él hacía ya años que disfrutaba de una carrera musical relativamente consolidada. Tras algunos años actuando en los locales del área de Louisiana, en 1949 empieza a lanzar discos con "Imperial Records". Con la llegada del "rock'n'roll", y como pasaría con otros artistas, comprueba como el mercado potencial para su música se pasa a ampliarse de forma enorme. De la noche a la mañana, pasa de ser un artista limitado por las barreras raciales a un músico apreciado por los adolescentes de todo el país. Con una gran ventaja respecto a algunos de sus compañeros como Little Richard o Chuck Berry: su aspecto y maneras -dulces, suaves y alejadas de cualquier estridencia- le convierten en un "producto" mucho menos conflictivo a la hora de lanzarlo al mercado. Al igual que buena parte de sus compañeros de generación lanzó una serie impresionante de "hits" entre 1955 y principios de los 60 (“Ain’t That A Shame”, “I’m Walking”, “Blue Monday”, “Blueberry Hill”, “What A Price”...) para pasar posteriormente a un discreto segundo plano. Los tiempos cambiaron radicalmente en los sesenta, con la invasión británica y la "psicodelia". Se mantuvo en activo hasta el año 1995, cuando problemas de salud le obligaron a retirarse en su ciudad natal. Falleció en octubre de 2017.

al, se mantuvo Poseedor de un enorme talento music s, innovando en primera fila durante seis década sicales siempre en multitud de géneros mu

Ray Charles “El Genio”

Nacido en Albany (Georgia) en 1930 era, al igual que Fats Domino, algo mayor que los pioneros de la primera oleada del "rock". Y tenía ya también, cuando el nuevo sonido estalla, una carrera consolidada. A diferencia de otros de sus coetáneos (como Little Richard, Chuck Berry o el propio Domino), gracias a su enorme talento y capacidad de adaptación su carrera no se limitó a lanzar durante los cincuenta una serie de éxitos monumentales de los que viviría durante el resto de su vida. La trayectoria de Ray Charles, como ya hemos dicho, estaba totalmente consolidada antes de la llegada del "rock". Y siguió evolucionando de forma constante -con muchos altibajos- durante toda su vida. Pero en ningún momento llegó a convertirse en lo que podríamos definir como "una gloria del pasado". La suya fue una vida marcada por la tragedia de perder la vista, a la tierna edad de siete años, a causa de un glaucoma cuyos primeros efectos empezaron a manifestarse cuando tenía cuatro. Antes, sin embargo, ya había mostrado un gran interés por la música, y más concretamente por el piano, y había empezado a recibir lecciones de Wylie Pitman, un músico local de "boogie woogie" a quien Ray había oído tocar en pequeñas salas cercanas a su ciudad. Tras perder definitivamente la vista, y gracias el método braille, aprende a tocar el piano. Sus maestros le familiarizan con los clásicos como Mozart, Beethoven o Bach. Tras dejar la escuela en 1946, pasa algunos años extremadamente difíciles, en la más absoluta miseria, hasta que en 1951 consigue un contrato discográfico. En sus primeros discos sigue la estela de músicos como Nat King Cole. Las cosas empezarán a cambiar cuando, en 1952, es finalmente fichado por "Atlantic Records" y se reorienta hacia el "blues". En 1953 consigue su primer éxito con "Mess Around". En 1954 (el año fundacional del "rock") lanza el clásico "I Got A Woman". Le siguen una sucesión de éxitos menores (que serán, sin embargo, versioneados por muchas de las mayores estrellas del momento) hasta que, en 1959, llega su gran "bombazo": "What'd I Say". Adquiere finalmente el "status" de super-estrella. Nunca lo abandonará. Siguió en activo e innovando en multitud de géneros musicales hasta su fallecimiento en 2004. Resulta totalmente imposible resumir aquí sus cuatro décadas de actividad frenética. Si consultáis cualquier enciclopedia musical veréis que se le define como músico de "Blues / Rhythm & Blues / Soul / Gospel / Jazz / Country / Rock'N'Roll". ¿”Country”? Sí, también "country", un género en el que marcó toda una época. No en vano le llamaban "El Genio". Y la vida de un genio no puede resumirse en cuatro líneas. Como con tantos otros de los protagonistas de estas páginas, aquellas personas interesadas en profundizar en su obra lo mejor que pueden hacer es empezar por la música.

LA MÚSICA DEL DIABLO LLEGA A EUROPA viejo continente El “rock’n’roll” y el Blues llegaron al portuarias, como s de da ciu s de an gr las de dio me r po Liverpool, y emisora de radio piratas

John Mayall

El “padre del blues británico”

John Mayall (Macclesfield, 1933) es uno de los músicos británicos con una trayectoria artística más prolongada. Su padre, músico de “jazz” y entusiasta de los ritmos afroamericanos, le inculcó desde muy joven su pasión. En 1956, Mayall ya actuaba en grupos musicales aficionados. En 1962 puso en marcha "Blues Syndicate". En 1963 el grupo se cambia el nombre por el de "Bluesbreakers" y Mayall toma la decisión de convertir la música (o quizás habría que decir directamente el “blues”) en su profesión. En aquel momento el "rock'n'roll" ya había tomado por asalto Inglaterra, a través de las ciudades portuarias como Liverpool, donde los marineros llevaban los discos que se editaban en Estados Unidos, y también a través de emisoras de radio piratas que, emitiendo desde alta mar, lograban escapar al control de las autoridades y se dedicaban a emitir de forma incesante unos discos que durante un tiempo estuvieron vetados en emisoras como la BBC. Y es que, al igual que había sucedido en Estados Unidos, desde las capas más tradicionales de la sociedad británica se hizo algún intento para impedir la difusión del nuevo género, sobre todo después de que algunas salas de cine fuesen destrozadas durante la proyección de “The Blackboard Jungle”, largometraje en cuyos créditos iniciales sonaba el “Rock Around The Clock” de Bill Haley & The Comets. Unos intentos que pronto se vio que eran totalmente inútiles. Mayall, sin embargo, formaba parte de una "selecta minoría" que, en vez de quedar atrapado por el “rock” de Elvis, Chuck Berry y compañía, quedó fascinado por los ritmos más primitivos del "rhythm & blues" que también había llegado al Reino Unido siguiendo las mismas rutas que el "rock". Así, en algunas ciudades habían empezado a aparecer pequeños clubs especializados en "blues", género que muy a menudo combinaban con el "jazz". Uno de aquellos húmedos sótanos era el "Marquee Club" de Manchester. Allí, los Bluesbreakers se consolidaron como banda. En 1964, fueron elegidos como grupo de acompañamiento para una gira que John Lee Hooker realizó por Inglaterra. Aquel mismo año, les ofrecían su primer contrato discográfico. En un primer momento, el éxito sería modesto. En 1965, un jovencísimo Eric Clapton se integra en los Bluesbreakers. En un primer momento, como guitarra solista. Acabará asumiendo también el papel de vocalista. En 1966 el grupo alcanza finalmente el éxito. Clapton abandona rápidamente la formación para pasar a formar parte de "Cream". Durante los siguientes años, por la banda de Mayall pasarían diversos guitarristas de la talla de Peter Green o Mick Taylor, entre otros. Las diversas bandas de Mayall han servido, en definitiva, para lanzar a tantos músicos de "blues" que no es sorprendente que se le conozca como "el padre" (o "padrino") del blues británico. Actualmente (2021, y cerca ya de los 90 años) sigue en activo. Sin apartarse ni un milímetro de su gran pasión: el "Blues". Y, eso sí, habiendo sido ya condecorado (en 2005) por la Reina de Inglaterra, en reconocimiento a toda su carrera.

s versiones de su n co , es on St s co ni itá br los , te en Paradójicam eron clave para que “rhythm & blues” norteamericano, fu n la música... de su se rie ub sc de s no ica er am rte no os much propio país

The Rolling Stones

De grupo de Blues a la mayor banda de rock de toda la historia

El 17 de octubre de 1961 dos jóvenes de 18 años llamados Mick Jagger y Keith Richards se encontraron en un andén de la estación de tren de Dartford, una población situada a 20 kilómetros al sur de Londres. Habían coincidido años antes en el colegio, pero su relación se había interrumpido cuando la familia Jagger se mudó a Wilmington, a pocos kilómetros de distancia. Ese día, un detalle llamó rápidamente la atención de Richards: los discos de Chuck Berry y Muddy Waters que Mick llevaba debajo del brazo. Aunque en ese momento aún no lo sabían, durante los años en que habían perdido el contacto ambos habían desarrollado una misma pasión: una afición desaforada por el "rhythm & blues". Jagger incluso había formado un grupo musical con algunos amigos de la escuela y, con el objetivo de conseguir la máxima cantidad de material sonoro posible de sus ídolos, había empezado a escribir a la Chess Records de Chicago pidiendo que le vendiesen por correo los discos que no estaban disponibles en Inglaterra. Ese era el origen de los LPs que aquel día llamaron la atención de Richards. Este, por su parte, también había empezado ya a realizar sus primeros escarceos musicales, siguiendo la estela del blues y el "rock'n'roll". A partir de aquel encuentro, los dos amigos retomaron el contacto y, rápidamente, pasaron a formar parte del pequeño colectivo de aficionados al “blues” que ya existía en su zona. Pronto, Jagger y Richards unirían sus esfuerzos en un primer grupo musical: "The Blues Boys". En 1962 leyeron en la prensa local una noticia que informaba sobre un club de Londres (el "Ealing Jazz Club") donde, entre otras formaciones, tocaba Alexis Korner con su grupo "Blues Incorporated". No tardaron en visitarlo. Allí entrarían en contacto con Korner y con los miembros de su banda. Entre ellos estaban Brian Jones, Charlie Watts y el teclista Ian Stewart. Con ellos empiezan a organizar "jams" informales de “blues” y a consolidar una primera amistad. Cuando Brian Jones deja, poco después, a los "Blues Incorporated" para poner en marcha su propio grupo, se unen al proyecto. Adoptan el nombre de “The Rollin’ Stones”. El 12 de julio de 1962 realizan su primera actuación en el "Marquee Club“de Londres. En ese momento, los miembros de la banda eran Jagger, Richards, Jones, Stewart y Dick Taylor (compañero de Jagger desde su primera banda. Posteriormente sería bajista de los Pretty Things). Charlie Watts no se incorporaría al grupo, tras muchas dudas, hasta el mes de febrero de 1963. Poco después iniciaban su primera gira nacional, tocando "blues" de Chicago y versiones de Chuck Berry y Bo Diddley. "Come On" -una versión de Berryfue su primer disco, aquel mismo año. Empezaba así una carrera musical que hoy todavía sigue. El resto es historia.

novela trágica. Su biografía parece extraída de una Clapton nació Si para tocar el blues hay que sufrir, para ser un “bluesman”

Eric Clapton

El Dios de la Guitarra que rechazó unirse a los Beatles y a los Rolling Stones

Eric Clapton (Ripley, Inglaterra, 1945) es, sin duda, no tan sólo uno de los guitarristas de “blues” más importantes de toda la historia si no también, directamente, uno de los músicos más importantes del siglo XX. Aunque, evidentemente, su carrera se haya basado en el “blues”, género que le fascinó desde muy joven, y en el que se inició gracias a una guitarra que le regalaron a los 13 años, durante su trayectoria se ha acercado a otros muchos géneros musicales. En 1963 ya formaba parte de los Yardbirds, grupo al que abandonará cuando se aleja del “blues” y se acerca al “pop” para alcanzar un mayor éxito comercial. Se une entonces (brevemente) a los Bluesbreakers de John Mayall para pasar a formar parte posteriormente del "supergrupo" Cream, junto a Jack Bruce y Ginger Baker. Pasaría a formar parte, posteriormente de Blind Faith y también tocaría junto a Delaney & Bonnie y a Derek & The Dominos. Simultáneamente a su colaboración con todos estos grupos, durante su ya más de medio siglo de carrera ha grabado en solitario con gran éxito un gran número de discos y ha colaborado con multitud de artistas de pop, blues y rock. Desde B.B. King a J.J. Cale pasando por Santana, los Beatles o los Rolling Stones, entre otros muchos. De hecho, en diversos momentos tanto los Beatles como los Stones se plantearon proponerle que se uniese a ellos. En el caso de los Beatles parece que, finalmente, la oferta nunca llegó a formularse de forma oficial (aunque su guitarra puede oírse en alguno de los discos de los "Fab Four"). En el caso de los Stones, parece que fue el mismo Clapton el que rechazó la oferta. De ambos episodios corren versiones contradictorias, dependiendo de la fuente que se consulte. Su vida personal es, por otro lado, especialmente convulsa y está repleta de episodios propios de una novela trágica. Empezando por su más tierna infancia, que pasó creyendo que sus abuelos eran sus padres y que su madre era su hermana mayor. La familia urdió esa trama para ocultar el embarazo no deseado de su madre, cuando era muy joven, y tras un romance con un soldado de Canadá acuartelado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial. Cuando Clapton descubrió la verdad, evidentemente el "shock" le afectó profundamente. Igualmente convulsa fue su vida amorosa (y muy especialmente su historia de amor con Pattie Boyd, esposa de George Harrison antes de casarle con él). Sin olvidar la trágica muerte de uno de sus hijos, que acabaría inspirando "Tears In Heaven", uno de sus mayores éxitos. O sus graves problemas con las drogas(adicción en la que cayó, según parece, para escapar del sufrimiento que le producía no poder vivir su vida al lado de Boyd). Sigue en activo, pese a que durante los últimos años se han publicado varias informaciones que apuntan a que padece graves problemas de salud.

LOS 60 Y EL “SOUL” las mejores Además de ser considerada una de có también cantantes de todos los tiempos, desta la lucha por los por su intensa labor en el campo de derechos civiles

Aretha Franklin La Reina del Soul

Aretha Franklin (Memphis, Tennessee, 1942) no es solamente considerada la "Reina del Soul" si no que también se la considera como una de las mejores cantantes de todos tiempos. Poseedora de una voz prodigiosa, empieza su carrera siendo tan sólo una niña, cantando "gospel" en el templo de su padre, el religioso C.L. Franklin. En 1960 la ficha "Columbia Records". Sin embargo, no logrará alcanzar el éxito hasta seis años más tarde, cuando pasa a formar parte de los artistas que graban con "Atlantic Records". En ese sello -uno de los más importantes, y más en aquel momento, en el campo de la música negra- lanza una serie impresionante de grandes éxitos (“Respect”, “Do Right Woman, Do Right Man”, “Chain Of Fools”, “Think”...) que la convierten en una habitual de las lista de éxitos. Hasta el año 1979 cuando, tras tener diversas diferencias con la dirección de la discográfica, la abandona y ficha para "Arista Records". Allí seguirá lanzando discos de éxito (“Jumping Jack Flash”, “Freeway Of Love”, “Jimmy Lee”...). Sus grandes clásicos, sin embargo, son los grabados con "Atlantic", coincidiendo con los años dorados de la música "soul". Durante su carrera recibió un número ingente de honores y distinciones, incluyendo la "Medalla Nacional de las Artes" y la "Medalla Presidencial de la Libertad", dos de los más altos honores que se conceden a los civiles en los Estados Unidos. Recibió también, a título póstumo, una citación honorífica en los Premios Pulitzer y, en el año 2020 , e la incluyó en el "National Women Hall Of Fame", una galería de la fama de la que forman parte las mujeres de EE.UU. que, mediante su actividad social o profesional, han contribuido a crear cambios significativos en la sociedad del país. Durante toda su vida, fue una de las figuras más importantes en el movimiento de los derechos civiles de Estados Unidos. Ya desde los turbulentos y difíciles años 60, se involucró a fondo en la lucha por los derechos de los afroamericanos en el país. Trabajando codo a codo con Martin Luther King, donó grandes cantidades de dinero a la causa y participó en multitud de actos y conciertos benéficos. Posteriormente, fue también una figura destacada en el movimiento en defensa de los derechos de los indios norteamericanos. Su activismo se mantuvo hasta los últimos años de su vida. Fue una de las artistas que se negó a actuar en la toma de posesión de Donald Trump. Falleció el 16 de Agosto de 2018 en Detroit, tras sufrir graves problemas de salud durante los últimos años de su vida.

itado tras su Su mayor éxito, “Dock Of The Bay”, ed acercarse prematura muerte, era un intento de “al sonido de los Beatles”

Otis Redding

“The Big O”, El Rey del Soul

Nació en Dawson (Georgia) en septiembre de 1941. Cuando tenía tan sólo dos años su familia se muda a Macon. Con tan sólo 15 años, Redding se ve obligado a dejar los estudios para empezar a trabajar. Su padre había enfermado gravemente y la familia necesitaba su ayuda para salir adelante. En ese momento ya había empezado a buscar formas de introducirse en el mundo de la música. Encuentra su primer empleo... integrándose en el grupo de... un tal Little Richard (natural de Macon) que estaba ya lanzado hacia el estrellato internacional. Dos años más tarde, pasa a formar parte de la banda de Johnny Jenkins. En ambos empleos compagina sus tareas musicales con otras como "chico para todo" y conductor del autobús de la banda. Su gran oportunidad llega en 1962, cuando conduce el coche con el que Jenkins acude a una audición para "Atlantic Records" en los estudios de la "Stax" en Memphis. La sesión contaba con el apoyo instrumental nada y nada menos que de Booker T. & The M.G.s. Desafortunadamente para Jenkins, de la misma no surge nada especialmente destacable. Sin embargo, y ya que Redding está allí, los responsables de la discográfica le permiten cantar un par de temas aprovechando que el estudio está disponible. Cantó “Hey Hey Baby" (en un estilo demasiado parecido al de Little Richard, según opinión de los dueños de la "Stax") y la balada "These Arms Of Mine", que deja a todo el mundo con la boca abierta. El "single" se edita en octubre de ese mismo año y rápidamente se convierte en un gran éxito, lanzando su carrera a lo más alto. Sería el inicio de una fulgurante trayectoria de cinco años que le convertirá no tan sólo en una de las figuras más importantes de la escena "soul", si no también del mundo del "Pop" y el "Rock", que le llevaría a realizar giras multitudinarias por toda Europa y a ser una de las principales estrellas del Festival Pop de Monterrey de 1967 junto a The Who, Jefferson Airplane, Grateful Dead o Jimi Hendrix, entre otros. Su voluntad de abrirse a nuevos estilos (no compartida por algunos de los miembros de su banda, y a la que se oponía también frontalmente su esposa) quedó plenamente demostrada cuando Redding empieza a trabajar en una nueva balada ("The Dock Of The Bay") con una línea musical muy distinta de la que hasta ese momento había seguido y de la que sus seguidores esperaban de él. Según parece, en algún momento comentó abiertamente que intentaba "acercarse al sonido de los Beatles". Desgraciadamente, y cuando aún no había finalizado el tema, fallece, junto a varios miembros de los BarKeys, en un accidente de aviación el 10 de septiembre de 1967. El guitarrista Steve Cropper (co-autor del tema) tuvo que finalizarlo tras la muerte del cantante, incluyendo al inicio el sonido de unas olas rompiendo en la costa, siguiendo así las indicaciones que Redding había dado. Fue lanzado el 8 de enero de 1968, llegando a lo más alto de las listas de éxitos y convirtiéndose en su mayor éxito.

rol sobre su Mantuvo siempre un enfermizo cont e le llevó en varias carrera y un turbulento carácter qu ocasiones a prisión

James Brown

Mr. Dynamite, “El Padrino del Soul”

James Brown (Barnwell, Carolina del Sur, 1933) inicia su carrera musical muy joven. Con tan sólo 14 años ya ganaba concursos de talento infantiles e intentaba ganar algunas monedas actuando para los soldados en los campamentos militares donde se concentraban antes de partir hacia la Segunda Guerra Mundial. A esa edad ya sabía tocar el piano, la guitarra y la armónica. Hombre de mil talentos, intentó también labrarse -con poco éxito- una carrera en el mundo del boxeo y se inicia en el mundo del crimen, con algunos delitos de poca monta. También con poco éxito. Le “trincan” y a los 16 años acaba en un correccional. Allí formará, junto a otros internos, y para entretener a sus compañeros, un grupo de "gospel". Allí conocerá también a Bobby Byrd, quien se convertirá en una de las figuras más influyentes en su posterior carrera. En 1952, le conceden la libertad provisional. Hay quien dice que, en gran parte, gracias a su evidente talento para la música. Una vez fuera, se une inmediatamente al grupo de gospel "Ever-Ready Gospel Singers", del que formaban parte tanto Byrd como su hermana, Sarah. La banda cambia rápidamente de nombre (se convierten en “The Famous Flames”) y de rumbo musical. Se convierten en un grupo de "blues" y "soul". Con la ayuda de Little Richard, que tras haberles visto actuar queda fascinado por su potencial, logran un contrato con "King Records". En 1956 lanzan "Please, Please, Please". Es su primer (y único) éxito. Poco después, se separan. Vuelven con nuevos miembros, aunque ya con el nombre de "James Brown & The Famous Flames". En 1959 lanzan "Try Me". Es el primero de una serie de 17 discos que alcanzan lo más alto de las listas de éxitos "blues". Su gran salto llega en 1962, con el lanzamiento del disco en directo "Live At The Apollo". Un proyecto en el que nadie creía y que Brown, obsesionado con llevarlo a cabo, acabó pagando de su propio bolsillo. A partir de ese momento se manifiestan de forma cada vez más acusada los dos de los rasgos que definirán el resto de su vida: una obsesión enfermiza por controlar cada detalle de su carrera (funda su primera discográfica, "Try Me Records") y un carácter dominante y violento que le provocará graves problemas . Durante los siguientes trece años se convierte en una de las figuras más poderosas del "show bussiness” y también en uno de los activistas más destacados en el movimiento de los derechos civiles en EE.UU. Fue especialmente destacado su papel el día del asesinato de Martin Luther King cuando -una vez más contra todas las opiniones- se niega a cancelar el concierto que ese día tenía programado. Alega que la gente que estuviese escuchándole aquella noche no estaría en la calle quemando establecimientos comerciales. Se demostró, una vez más, que tenía razón. Años más tarde, se rodaría incluso un documental narrando con detalle aquella noche, con el título "La Noche que James Brown salvó Boston". Se mantuvo, con algún altibajo, en lo más alto hasta el día de su muerte, el día de Navidad de 2006. Mantuvo también durante toda su vida su carácter difícil y turbulento, que le provocó múltiples enfrentamientos con la justicia y llevó, en más de una ocasión, a pasar nuevas temporadas entre rejas.

s, fue también un Al igual que muchos de sus coetáneo do codo a codo con importante activista político, trabajan ad Alí líderes como Malcolm X o Muhamm

Sam Cooke

La voz dulce del “Black Power” Al igual que Aretha Franklin o James Brown entre muchos otros, Sam Cooke (Clarksdale, Mississippi, 1931) inició su trayectoria artística siendo casi un niño, formando parte de un grupo de "gospel" ("The Soul Stirrers") con el que -como cantante solista- lanzó una serie de "singles" de éxito en la década de los 50. Su evidente atractivo físico hizo que, ya en aquella etapa y pese al carácter religioso del género que practicaba, se convirtiese en todo un "sex symbol" y que el "gospel" empezase a llamar la atención de un buen número de jóvenes (especialmente, chicas) que nunca antes le habían prestado atención. Varios de los conciertos del grupo finalizaron en medio de disturbios provocados por admiradoras que lo único que querían era acercarse lo máximo posible al cantante. Finalmente, en 1957, y buscando el éxito de masas, Cooke abandona el "gospel" e inicia una carrera en solitario. El éxito es instantáneo. Durante los cinco años siguientes lanzará al mercado una sucesión de "singles" que, aún hoy en día, son considerados grandes clásicos de la música popular: "You Send Me", "Cupid", "Wonderful World", "Chain Gang", "Twisting The Night Away"... Al mismo tiempo, empezó a desarrollar una intensa labor como activista político, intgrándose en el movimiento en pro de los derechos civiles que lideraba en aquel momento Martin Luther King, colaborando codo a codo con Malcolm X o Muhammad Alí. Sorprendentemente esa faceta de su vida -que siempre se destaca en las biografías de otros artistas como Franklin o Brown- suele soslayarse cuando se habla de Sam Cooke. Eso empezó a cambiar con el estreno del documental "Las Dos Muertes de Sam Cooke" (Netflix, 2019). Por otro lado, y siguiendo con su faceta de activista, siempre se ha destacado la gran importancia de su canción "A Change Is Gonna Come", un himno contra el racismo que acabaría convirtiéndose en una de las canciones protesta más importantes del siglo XX. Publicada en 1964, desde el año 2007,forma parte de las composiciones musicales que la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos considera que -debido a su importancia social- forman parte del patrimonio cultural del país. Como resultado de esta decisión, la grabación original goza de normas de protección especiales. Cooke falleció, en extañas circunstancias, poco después de su publicación. Fue tiroteado el 11 de diciembre de 1964 por el responsable de un motel de Los Ángeles cuando, supuestamente, perseguía a una mujer blanca que estaba escapando de su dormitorio. En años posteriores se lanzaron diversas teorías contradictorias que supuestamente implicaban en su muerte tanto a los servicios secretos de Estados Unidos (que, según esas teorías, habrían neutralizado así a uno de los más peligrosos activistas políticos del momento) como a su "manager" Allen Klein (que habría así ocultado manejos no confesables en la contabilidad del artista).

dio y una carrera Con tan sólo cuatro álbumes de estu 27 años) logró extremadamente breve (falleció a los ura crear una leyenda que aún hoy perd

Janis Joplin

El “Blues” entra en su etapa psicodélica

Desde muy joven, Janis Joplin (Port Arthur, Texas, 1943) mostró una clara predilección por moverse entre lo que quizás podríamos definir como los "sectores más marginales de la sociedad". Ya en los primeros años de su adolescencia empezó a salir con un grupo de amigos que, por decirlo de algún modo, no gustaban demasiado a sus padres. Entre otros atractivos, uno de los componentes de aquel grupo poseía varios discos de "blues" que reproducían de forma incesante. Así entró en contacto Janis con el género. Aquellas sesiones musicales la impactaron tan profundamente que, poco después, forma su primeros grupos musicales junto a compañeros del Instituto. Un Instituto en el que, por otra parte, siempre se sintió desplazada y en el que muchos de sus condiscípulos la sometían a un "bullying" constante. Finalizado el Instituto se matricula en la Universidad de Texas. Nunca finalizará los estudios. Le presta mucha más atención al trío de música "folk" del que forma parte que a los libros de texto. Una vez más -es una constante- en la universidad destaca por ser muy distinta al resto de sus compañeros. Así lo constatan los anuarios universitarios de aquellos años. Se la describe como alguien "que no tiene ningún problema en pasear descalza por el campus, llevando siempre con ella un instrumento musical". En 1963 deja los estudios y se traslada haciendo autostop hasta San Francisco. Ese mismo año la policía la detiene por robar en una tienda y se introduce en el mundo de las drogas. Y también en el de la música. Empieza a grabar maquetas con Jorma Kaukonen (futuro guitarrista de Jefferson Airplane). En 1965, sus amigos la ven con un estado de salud tan deteriorado que realizan una colecta para enviarla de vuelta a casa. En 1966 vuelve a San Francisco y se une como vocalista a Big Brother & The Holding Company. Arrasan en el Festival Pop de Monterrey y, en 1967, "Mainstream Records" edita su primer disco. El éxito es inmediato y se debe, en gran parte, a la arrolladora presencia escánica de Janis. La banda cambia su nombre por el de "Janis Joplin & Big Brother & The Holding Company". En 1968 aparece su segundo disco, "Cheap Thrills". Aunque el éxito es mayor que el logrado con el anterior, será también el último del grupo. En 1969, Joplin inicia su carrera en solitario, acompañada de un grupo ("The Kozmic Blues Band") formado por músicos de estudio. En esta nueva etapa lanzará dos nuevos LPs ("I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!" y "Pearl") y -ya disfrutando de su "status" de superestrella- realiza giras por varios países. Actúa en el mítico Festival de Woodstock. Y sigue consumiendo drogas. A un ritmo que parece excesivo incluso a algunos de sus colegas... no precisamente ajenos a este tipo de prácticas. El 4 de Octubre de 1970 fue encontrada, muerta, en la habitación de su hotel. Empezaba la leyenda.

que los tres LPs La revista “Rolling Stone” considera 0 mejores discos que editó en vida están entre los 50 de toda la historia de la música rock

Jimi Hendrix

El Guitarrista más importante de toda la Historia del Rock

Empecemos aclarando que esta afirmación tan contundente (“Jimi Hendrix es el guitarrista más importante de toda la historia del rock”) no la hacemos nosotros. Quien lo dice es el Rock & Roll Hall Of Fame de Cleveland. El "sancta sanctorum" de la música “rock” y -entre otras muchas cosas- organizador de la ceremonia que, cada año, y siguiendo unas estrictas reglas, dicta los nombres de los grupos y artistas cuya trayectoria les hace dignos de pasar a forma parte de la élite mundial de los músicos "rock". Si ellos lo dicen, habrá que aceptarlo. Johnny Allen Hendrix nació en Seattle el 27 de noviembre de 1942. Con 20 años, y tras un brevísimo período en el ejército, era ya un consumado guitarrista que se ganaba la vida actuando en pequeños locales musicales de todos los Estados Unidos. Sus evidentes habilidades le llevan rápidamente a formar parte de las bandas de los Isley Brothers (primero) y de Little Richard (después). Con Richard permanecerá hasta el año 1965. Ese año le descubre en New York Chas Chandler, bajista de "The Animals", justo cuando estaba a punto de dejar el grupo para iniciar una carrera como “manager” y productor musical. Rápidamente, le propone convertirse en su representante y le sugiere trasladarse a Inglaterra. Hendrix acepta. Se traslada al Viejo Continente y funda el trío "The Jimi Hendrix Experience", junto a Noel Redding y Mitch Mitchell. El éxito llega de forma prácticamente instantánea. Tras una serie de actuaciones de presentación a las que acude “la flor y nata del pop y del rock británico” lanzan dos "singles" ("Hey Joe" en 1966 y "Purple Haze" en 1967) que escalan hasta los primeros puestos de las listas. En 1967 se edita -con igual éxito- el LP "Are You Experienced?". Ese mismo año alcanza arrasa en Estados Unidos con su actuación en el Festival de Monterrey. El año se cierra con la edición de un nuevo LP ("Axis, Bold As Love"). De forma prácticamente inmediata inicia la grabación de un nuevo long-play: "Electric Ladyland" (se edita en octubre de 1968). En 1969, cuando Hendrix se ha convertido ya en el músico de rock mejor pagado del mundo, el trío se separa. El guitarrista sigue adelante con nuevos músicos. Durante los meses siguientes encabeza los carteles de los festivales de Woodstock y Wight y -entre otros proyectos- invierte una enorme cantidad de tiempo y dinero en la construcción de su propio estudio de grabación en Greenwich Village: los "Electric Lady Studios". Llegará a inaugurarlos (con una gran fiesta) el 26 de Agosto de 1970 e incluso a grabar en ellos. Tras hacerlo, parte hacia Europa para iniciar una nueva gira. Nunca volvería a Estados Unidos. Fallecería, víctima de una sobredosis de droga, el 18 de septiembre 1970.

EL BLUES, HOY e Hooker Entre 1948 y 2001 formó parte John Le primera estuvo, de forma ininterrumpida, en ” fila de la escena mundial del “Blues

John Lee Hooker

El “bluesman” de los mil nombres

Situar a John Lee Hooker (Tutwiler, Mississippi y nacido -probablemente- en 1912) como primer artista de un capítulo dedicado al "blues" actual puede parecer, de entrada, contradictorio. Sobre todo teniendo en cuenta que su primer disco se editó en los años cuarenta del pasado siglo. Pero no se trata de un error. Tras una exitosa carrera de varias décadas, el músico protagonizó, en los años 80 del siglo XX, y muy especialmente tras lanzar su disco "The Healer" (1989), una sorprendente vuelta a la primera línea del negocio musical e hizo posible que el "blues" llegase, de la noche a la mañana, a un nuevo y amplio público, facilitando su resurgimiento como fenómeno de masas, cuando nadie lo esperaba. “Hete aquí” el motivo de incluirle en este apartado. Hijo de un recolector de algodón del Mississippi, la leyenda dice que se escapó de casa a los 14 años y nunca volvió a ver a su familia. En la década de los 30 ya vivía en Memphis, y actúa de forma regular en Beale Street. En la década de los 40 (durante la II Guerra Mundial) se muda a Detroit. Compagina su empleo en las fábricas de coches de Henry Ford con sus actuaciones en los clubs musicales de la ciudad. Será en esa ciudad cuando, buscando formas de lograr un sonido más potente en los ruidosos clubs nocturnos, se compre su primera guitarra eléctrica. En 1948 "Modern Records" edita su primer disco. Se trata de "Boogie Chillen'", una demo que él mismo había enviado a la discográfica poco antes. Es un “hit”. Se inicia su carrera discográfica. Durante los siguientes años lanzará sus temas, con diferentes seudónimos (John Lee Booker, John Lee Cooker, John Lee, Johnny Lee, Texas Slim, Delta John y Boogie Man, entre otros), en varias discográficas. En la década de los 60 realizó varias giras por Europa y empezó a grabar de forma regular con músicos de rock. En 1980 fue uno de los "totems" del "blues" a los que se invitó a participar en el film "The Blues Brothers", protagonizado por John Belushi y Dan Aykroyd (hacía un cameo interpretando a un músico callejero que posiblemente le debió recordar sus tiempos iniciales en Beale Street). En 1989, como ya hemos dicho, lanza "The Healer". En el disco le acompañan estrellas como Bonnie Raitt o Carlos Santana. Ese disco le devolvería a la primera línea del negocio en la que ya se mantendría, pese a su elevada edad, hasta su fallecimiento, el 21 de junio de 2001, cuando ya tenía (supuestamente, nunca se supo con certeza su fecha de nacimiento) entre 83 y 88 años.

100 Los críticos le consideran “uno de los mpos” mejores guitarristas de todos los tie

Johnny Winter

El Albino destinado desde la cuna a ser un grande del “Blues”

John Dawson Winter III (Beaumont, Texas, 1944) así como su hermano pequeño Edgar (1946) fueron educados desde su más tierna infancia por su padre -también músico- para desarrollar una carrera profesional en ese campo. Con tan sólo diez años, Johnny ya había aparecido en "talent shows" infantiles televisivos tocando... el ukelele. Con tan sólo 15 años, Winter ya había lanzado al mercado varios discos (“School Days Blues”, con “Johnny & The Jammers”, así como diversos discos en solitario como el single “Tramp” o el LP “The Progressive Blues Experiment”). Pero nada había sucedido. Su gran oportunidad llega en diciembre de 1968 cuando Mike Bloomfield y Al Kooper, dos músicos ya consagrados, colaboradores habituales de Bob Dylan, le invitan a participar en uno de sus conciertos conjuntos en New York. Esa noche, entre el público había varios representantes de "Columbia Records". Le fichan de forma automática. En 1969 graba y lanza su primer LP (“Johnny Winter”) con su nueva discográfica. En él tocan algunos de los músicos que le habían acompañado en sus anteriores grabaciones y también algunas de las mayores leyendas del "blues", como Willie Dixon o Big Walter Horton. Éxito instantáneo. Salta al estrellato, actúa en Woodstock e inicia un breve romance con una Janis Joplin que en aquel momento está en la cumbre de la fama. El mismo año graba "Second Winter" en una ciudad tan sorprendente para un bluesman como Nashville. Se trata de un doble LP con una característica aún más sorprendente: una de sus caras está en blanco. Destaca también su intensa y exitosa trayectoria como productor musical. Entre otros, produjo tres LPs (galardonados con sendos Grammys) de Muddy Waters. Se mantuvo en activo hasta el final de sus días, lanzando discos con varias discográficas y actuando en Festivales de Blues de todo el mundo. Falleció cerca de Zürich, el 16 de julio de 2014, tras actuar, precisamente, en uno de esos festivales. Las causas de su muerte nunca se han hecho públicas.

100

es se derivó de Uno de sus mayores éxitos comercial de la campaña su activismo político: el triple disco contra la energía nuclear “No Nukes”

Bonnie Raitt

“Blueswoman” y activista política a partes iguales

Bonnie Lynn Raitt (Burbank, California, 1949) nace en el seno de una familia con profundas raíces musicales (tanto su padre como su madre se habían dedicado a la música de forma profesional). A los ocho años ya toca la guitarra. Poco más tarde, cae fascinada ante los artistas del "folk" de los sesenta. Acomplejada por su peculiar físico (descendiente de escoceses, destacaba por su pelo pelirrojo y su piel pecosa) durante gran parte de su adolescencia, según dice, "la música y la guitarra fueron mi salvación. Me encerraba en mi habitación y me dedicaba a aprender canciones folk". En 1967 ingresa en la Harvard. Se graduará en Relaciones Sociales y en Estudios Africanos. Durante todo su período universitario, sin embargo, su interés oscilará a partes iguales entre la música y la política y los movimientos sociales. Se integra en colectivos como el "Revolutionary Music Collective". En 1970 actúa en el Festival de Folk de Filadelfia junto al "bluesman" Mississippi Fred McDowell. El mismo año actúa en el mítico Gaslight Café de New York. Allí la descubre un periodista de "Newsweek" que publica un elogioso artículo sobre ella. Rápidamente el local se llena de cazatalentos de diversas discográficas. La acaba fichando "Warner Brothers". En 1971 lanza su primer LP ("Bonnie Raitt"). En 1972 se edita su segundo disco ("Give It Up"). En 1973 lanza el tercero ("Takin' My Time"). Pero el éxito no llega. Aunque la industria y la crítica se hallan rendidas a sus pies... el gran público la ignora. En 1975, "Rolling Stone" le dedica la portada (un honor destinado a los más grandes). Pero las ventas de sus discos siguen siendo discretas. Todo cambia en 1977 con "Sweet Forgiveness". El disco incluía una versión del clásico de los sesenta "Runaway". Paradójicamente, la crítica “machaca” el disco... pero, por primera vez, las ventas se disparan. Su siguiente éxito comercial lo obtiene gracias a su faceta como activista política. Ayuda a organizar el macro-festival "No Nukes", en contra de la energía nuclear. En él participan algunas de las mayores estrellas del rock del momento (Springsteen cumplió 30 años sobre aquel escenario). Como parte de la campaña de recaudación de fondos se edita un triple LP que obtuvo un gran éxito. La década de los 90 fue, sin duda, uno de sus momentos de mayor popularidad. Gracias, en parte, al "revival" que el "blues" vivió durante aquellos años y a su colaboración con artistas como John Lee Hooker. Sigue en activo, desde una discreta segunda línea, pero disfrutando de su "status" más que consolidado como una de las Grandes Damas del Blues. Y sigue, como siempre, totalmente implicada en múltiples causas cívicas y políticas. Entre las más destacadas de los últimos años, la campaña electoral del candidato a la presidencia de EE.UU. Bernie Sanders.

101

102

ond, Su carrera fue lanzada por John Hamm e Springsteen uc Br , lan Dy b Bo de ién mb ta or rid ub desc o Billie Holiday, entre otros muchos

Stevie Ray Vaughan

El Futuro Truncado del Blues Stevie Ray Vaughan (Dallas, Texas, 1954) sintió muy pronto la llamada del "blues". Influenciado por su hermano mayor Jimmie -otro renombrado guitarrista- se inicia con el instrumento con tan sólo siete años. En 1972 abandona los estudios y se muda a Austin (una de las ciudades con mayor actividad musical de EE.UU.). Tarda poco en labrarse una sólida reputación. En 1978 ya había formado "Double Trouble", la banda con la que saltará a la fama y se ha consolidado como uno de los músicos de referencia en todo el estado de Texas. A principios de los 80 le empiezan a contratar en los festivales de “blues” de Europa. En uno de esos festivales (el Montreaux Blues Festival de 1982) le ve actuar David Bowie, y le ofrece participar como guitarrista en su nuevo disco. Es "Let's Dance" (1983). Un álbum al que Vaughan aporta con su guitara un sonido distintivo con el aroma inconfundible del “blues”. Al mismo tiempo, el mítico John Hammond (descubridor entre otros de Billie Holiday, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Pete Seeger o Aretha Franklin) convence a "Epic Records" para que le contrate. En 1983 aparece "Texas Flood", su primer LP. La reacción de crítica y público supera todas las expectativas. Tras una serie de apariciones en TV y una gira de lanzamiento, Stevie Ray Vaughan se convierte en la nueva gran promesa del "blues" y en la figura más prominente del "revival" que el género estaba experimentando. Similar éxito obtiene con sus siguientes discos: "Couldn't Stant The Weather" (1984) y "Soul To Soul" (1985). Cuando está en lo más alto, sin embargo, los graves problemas que siempre había tenido con el alcohol (así como las consecuencias psicológicas de su repentino ascenso a la fama, que le ha costado digerir) le obligan a realizar un breve paréntesis. Se somete, con éxito, a un tratamiento para superar sus adicciones y en 1986 vuelve a la carretera con "Double Trouble". Lanza también el que será su último disco en estudio: "In Step" (1989). Recibe a los años 90 como el músico más demandado del circuito internacional de “blues”. El 27 de Agosto de 1990, tras actuar en un festival de East Troy (Wisconsin) junto a miembros de la banda de Eric Clapton, el helicóptero que le transportaba, junto a otros artistas, al aeropuerto, se desploma debido a un error humano. Todos los ocupantes fallecieron en el acto.

103

104

s graves Su carrera se ha visto lastrada por su ol, que parece problemas con las drogas y el alcoh finalmente haber superado

Beth Hart

Número 1 en Europa, “ignorada” en EE.UU. Beth Hart (Los Ángeles, California, 1972) empieza a estudiar piano a los 4 años. Aunque las lecciones se basan en los grandes clásicos de Bach o Beethoven, cuando la dejan sola ante el teclado, la niña prefiere practicar con piezas de grandes del “blues” y el “rock” como Etta James, Otis Redding o Led Zeppelin. Cuando llega al Instituto ya tiene claro que su camino es el de la música. Se matricula en la rama de Bellas Artes y empieza a actuar en pequeños clubs locales. Su primera maqueta ("Beth Hart And The Ocean Of Souls") es de 1993. En 1994 se lanza "Immortal", el primer disco con "The Beth Hart Band". Ventas discretas y disolución de aquella primera formación del grupo. Pero ella no se desanima. Sigue buscando el éxito por todas las vías posibles. Concursando, incluso, en un “talent show” de TV (que gana). Una victoria que, sin embargo, no le sirve en absoluto para avanzar en su carrera. Su gran oportunidad llega en 1999, cuando la seleccionan para interpretar a Janis Joplin en una obra de teatro. “Atlantic Records" la ficha y lanza "Screamin For My Supper". Se convierte en un gran éxito... en Nueva Zelanda. En Estados Unidos, la repercusión es discreta y "Atlantic" no renueva su contrato. Hart tiene graves problemas con las drogas y las relaciones con ella no eran siempre fáciles. Ficha con "Koch Records" y lanza "Leave The Light On" (2003). Su popularidad en Europa es cada día mayor. Se convierte en una gran estrella en países como Dinamarca. Lanza "Live At The Paradiso" (2005, un disco en directo grabado en Amsterdam). "37 Days" (2007) ya solo se edita en Europa. Desde entonces y hasta hoy en día y con algunas excepciones como "Bang Bang Boom Boom" (2012) su carrera ha mantenido la misma trayectoria: escaso éxito en Estados Unidos... que se compensa con una gran acogida de sus lanzamientos en diferentes países de Europa. Por otra parte, y pese a las escasas ventas de sus discos, ha sido galardonada con multitud de premios en su país natal. Es también admirada por muchos de sus colegas, que suelen solicitar su colaboración. Son especialmente conocidas sus grabaciones junto a Joe Bonamassa. Ha trabajado también con figuras tan conocidas como Jeff Beck o Deep Purple.

105

106

d, uno de los Hija del legendario Johnny Copelan de Texas, principales exponentes del “Blues” ales promesas se ha convertido en una de las princip de futuro del género

Shemekia Copeland

... cuando “de casta le viene al galgo”

Shemekia nació en Harlem (New York) en 1979. Su padre era el legendario Johnny Copeland, uno de los principales exponentes del "blues" de Texas. Empieza a cantar desde muy joven. De hecho, con tan sólo 10 años debuta en el "Cotton Club" de New York. Cuando su padre enfermó y se hizo patente que le quedaba poco tiempo de vida (tenía problemas cardíacos) empezó a incluirla como telonera en sus conciertos, con el objetivo de darla a conocer al público. Funcionó. Johnny Copeland fallecería finalmente en 1997, con tan sólo 60 años. Pero Shemekia ya se había labrado las bases de su reputación profesional. Misión cumplida. En 1998 lanza su primer disco: "Turn The Heat Up!", con "Alligator Records". Al mismo tiempo, inicia su primera gira por diversos festivales de "blues" europeos. En el 2000 aparece "Wicked!", su segundo LP. Como invitada especial, una de sus grandes heroínas: Ruth Brown. Con él conseguiría tres de los premios que cada año concede de la Academia del Blues de los EEUU. Sus siguientes discos han sido producidos por leyendas de la talla de Dr. John o Steve Cropper, por citar dos nombres. Sin duda, una figura a seguir de cerca y que parece destinada dar grandes alegrías a los aficionados a este género musical.

107

108

ndo del “blues”, Aunque ha destacado sobre todo el mu plio su abanico musical es mucho más am Describe “Sticky Fingers” de los Ston es como “una de sus influencias vitales más profundas”

Samantha Fish

La “bomba sexy” del Nuevo Blues A Samantha Fish (Kansas City, 1989) se la suele incluir en las listas de intérpretes más prometedores de entre las nuevas generaciones del “blues”. Pero habría que empezar señalando que -como ella misma no se cansa de repetir- su abanico estilístico es mucho más amplio, y se extiende hacia otros géneros como el “rock” o incluso el “country” más tradicional. Es hermana de la también “blueswoman” Amanda Fish. Ambas se introdujeron desde niñas en el mundo de la música por influencia paterna. En el caso de Samantha, sus primeros escarceos musicales fueron con la batería aunque, finalmente, con 15 años decide pasarse a la guitarra. Posiblemente tras el profundo impacto que le produjo la audición del “Sticky Fingers” de los Rolling Stones. En 2009, la Samantha Fish Blues Band graba y lanza el disco en directo "Live Bait". Por más que lo hemos intentado nos ha sido imposible confirmarlo. Pero (y es una simple teoría, que nos arriesgamos a lanzar aquí, aprovechando la relativa informalidad que nos permite la edición preliminar de este libro gracias a los amigos de “Cal Pintxo Books”) todo parece apuntar a que se trata de una autoedición, difundida a través de internet. De ser eso correcto (seguiremos investigando) Fish sería una de las primeras artistas de “blues” que logra lanzar su carrera gracias al universo “online”. El caso es que el disco llamó la atención de "Ruf Records", que la ficha y la incluye en el recopilatorio "Girls With Guitars" junto a las también “blueswomen” Cassie Taylor y Dani Wilde. En 2011 lanza su primer disco en solitario, "Runaway", obteniendo un reconocimiento instantáneo por parte de la crítica especializada en “blues”. Desde aquel momento, su carrera ha seguido progresando de forma constante aunque, de momento, su éxito se ha centrado, sobre todo, en el campo del “blues”. Un éxito que, además de su innegable talento se apoya también, en gran parte, en una impactante presencia escénica, que ella potencia al máximo con una cuidadosa selección de vestimenta que hace difícil dejar de seguirla cuando está sobre el escenario. Buscadla en Youtube y juzgad por vosotros mismos.

109

110

tivo, Creado en 1986, el grupo sigue en ac iene aunque sólo Hendrik Röver se mant desde la formación original El guitarrista ha puesto ha compagin ado los Del Tonos con diversos proyectos pa ralelos

Los Del Tonos

“Power Blues” con raíces en el Mar Cantábrico Nos negábamos a elaborar esta relación de grandes del "blues" sin incluir en ella, como mínimo, a un par de artistas de nuestro país. Difícil elección. En España hay muchas y muy buenas bandas que no tienen nada que envidiar a los grupos de fuera de nuestras fronteras. Finalmente -no hemos encontrado mejor forma- nos hemos guiado por motivos puramente personales, seleccionando a músicos que -por motivos que no vienen al caso- han tenido en algún momento algún tipo de relevancia, a nivel personal, para los responsables de este proyecto. Y la primera de las elecciones fueron Los Del Tonos, una banda formada en 1986 en Muriedas (Cantabria) que rápidamente logró hacerse con un público fiel entre los aficionados al "blues" de nuestro país. La formación inicial se componía de Hendrik Röver (guitarra, cantante, y líder indiscutible del grupo), Chewis Herrero (bajo) y Juanjo Velasco (batería, posteriormente le sustituiría Mon Castellanos). Su primer disco, el EP "Los Del Tonos" aparece en 1989. Al año siguiente se edita su primer LP ("Tres Hombres Enfermos"). Durante los primeros años de su trayectoria su repertorio se basaba, en gran parte, en versiones de grandes del "rhythm & blues". A partir de 1992, año en que se edita su segundo LP ("Bien, Mejor") el grupo experimenta un importante cambio en su trayectoria, introduciéndose en el campo del "Power Blues". Actualmente (agosto de 2021) siguen en activo, aunque Röver es el único componente que permanece del trío original. El guitarrista ha puesto en marcha, en diversos momentos, varios proyectos personales y paralelos a la banda, entre los que cabría destacar al grupo "Hank" y diversos discos lanzados en solitario.

111

112

Ingeniera de Telecomunicaciones, decidió dejarlo todo para volcarse en su gran pasió n: el “Blues” a actividad en Ha desarrollado también una intens internacionales diversas asociaciones nacionales e dedicadas a difundir el género

Big Mama Montse

El “Blues” también se canta en catalán Big Mama Montse (Sant Quirze de Besora, 1963) es el nombre artístico de la cantante catalana Montserrat Pradesaba. A los 6 años empieza a estudiar solfeo y piano. A los 12 se inicia con la guitarra. Empieza a tocarla de forma autodidacta y a componer sus primeras canciones. Estudia la carrera de Ingeniera de Telecomunicaciones y trabaja durante seis años en TV3 antes de decidir dedicarse profesionalmente a la música. Y, más concretamente, al "blues". Su carrera se inicia en 1989 en La Cova del Drac, el histórico local de la Calle Tuset de Barcelona donde, durante décadas, se organizaron conciertos de todo tipo de géneros musicales (con especial atención al “jazz”) y todo tipo de actividades culturales. Tras colaborar, en 1991, en el disco "Walking Blues" de la "Harmonica Coixa Blues Band" graba, en 1992, su primer LP en solitario (·"Blues, Blues Blues!") acompañada por el cuarteto The Blues Messengers. El album, sin embargo, no se publicará hasta tres años más tarde. Ha publicado cuatro discos más: "Big Mama & The Blues Messengers" (1993), "El Blues de la Inflació" (1994, con Víctor Uris y Amadeu Casas), "El Blues de l'Ombra Blava" (1996) y "Ser O No Ser" (1998, con la Big Mama Electric Band). También ha colaborado en grabaciones de otros artistas, producido más de 20 discos y trabajado como periodista en diversos medios especializados internacionales. Paralelamente a su carrera musical, ha desarrollado también una intensa actividad política y -sobre todoasociativa. En 2015 se presentó como independiente en la candidatura de "Sí que es Pot" a las elecciones al Parlament de Catalunya. Actualmente (septiembre 2021) es la Presidenta de la Societat de Blues de Barcelona así como también Vicepresidenta de la Asociación Profesional de Músicos de Cataluña. Ha ocupado también cargos directivos en asociaciones europeas dedicadas a la difusión de la música Blues.

113

114

rrera, ha sido Entre otros reconocimientos a su ca en veladas llamado a actuar en la Casa Blanca dedicadas al Blues Es también un conocido activista po lítico, especialmente destacado en la lucha contra la ener gía nuclear

Keb’ Mo’

El Guardián de las esencias del Mississippi Kevin Roosevelt Moore (Keb' Mo' es el apodo que le puso hace ya mucho tiempo Quentin Dennard, uno de los miembros de su banda, y con el que decidió lanzarle al mercado su primer sello discográfico) ha sido descrito por la crítica como "el nexo vital entre el blues más tradicional del Delta del Mississippi y los nuevos géneros musicales". Nacido en South Los Ángeles (California), en 1951, se inicia en el mundo de la música por influencia de sus padres, grandes aficionados al “blues”. Sin embargo, sus primeros pasos artísticos los dará como percusionista en un grupo de “calypso”. No será hasta finales de la década de 1970 cuando produce su gradual acercamiento hacia el mundo el “blues”. A principios de los 70, con tan sólo 21 años, empezó a colaborar -y a grabar- con miembros de Jefferson Airplane. En 1980, “Chocolate City Records” lanza su primer disco ("Rainmaker"). Con él, se posiciona como uno de los custodios de las más primigenias esencias del género. Desde ese momento, el éxito le ha acompañado. Entre otras muchas distinciones, ha ganado cinco premios Grammy. Ha realizado también diversas incursiones en el mundo del cine y la TV, siempre en proyectos relacionados con la historia del “blues”. Así, por ejemplo, interpretó el papel del legendario Robert Johnson en el documental "Can't You Hear The Wind Howl?". En 2012 fue uno de los artistas convocados a la Casa Blanca para actuar en una velada dedicada al Blues. Es conocido también por su activismo político y su militancia contra la energía nuclear.

115

116

s estilos

Su música combina el blues con otro como el ‘hip hop’

Al poco de debutar, ya compartía es cenario con Eric Clapton o los Stones

Gary Clark Jr.

Abriendo nuevas fronteras musicales Natural de Austin (Texas), donde nació en 1984, Gary Clark se ha hecho un lugar en la escena del “blues” gracias a una original propuesta que fusiona este género musical con otros estilos muy posteriores como el “hip hop”. En 2011, tras firmar su primer contrato discográfico con “Warner Bros Records”, lanzó el EP “Bright Lights”. Ese mismo año, los críticos de la revista “Rolling Stone” le eligieron como "Artista Más Prometedor del Año". En 2012 llegaría su primer LP (“Blak & Blu”). Se iniciaba así una trayectoria que le ha llevado a compartir escenarios con figuras de la talla de Eric Clapton, Tom Petty, B.B. King o The Rolling Stones. Ha ganado varios premios Grammy.

117

118

n su banda una co zó ali re ya , os añ ce on lo só n ta n Co gira como telonero de B.B. King Es conocido también por su enorme colección de guitarras y amplificad ores

Joe Bonamassa

¿El nuevo “Rey del Blues”?

Aunque quizás resulte un poco arriesgado coronar a alguien como el nuevo Monarca del “blues”, para muchos aficionados al género Bonamassa (New York, 1977) merece, sin ningún tipo de dudas, el título. Si algún día alguien se lo otorga de forma oficial, se lo deberá en gran parte, sin duda, a su padre, quien durant toda su infancia le "bombardeó" mañana, tarde y noche con las grabaciones de estrellas del “blues” británico como Eric Clapton o Jeff Beck. Empezó a tocar la guitarra con cuatro años. A los once, ya recibía lecciones particulares de una leyenda de la talla de Danny Gaton y tenía su propia banda, con la que actuaba los fines de semana. Con doce años, realizó una serie de actuaciones como telonero de B.B. King. Pese a todo, su primer disco (“A New Day Yesterday”) no llegó hasta el año 2000. Contaba con colaboraciones tan destacadas como la de Gregg Allman. Sin embargo, sólo obtuvo un éxito moderado. Cosa que cambiaría rápidamente. Sus siguientes discos alcanzan, en todos los casos, la primera posición en las listas de “blues” de “Billboard”. En 2009, realiza su gran sueño: tocar junto a su gran ídolo, Eric Clapton, en Londres. Desde ese momento, su trayectoria ha consistido en una interminable sucesión de éxitos, reconocimientos y distinciones, demasiado larga como para reproducirla en estas páginas. Se le conoce también por su gran pasión: coleccionar guitarras y amplificadores (posee más de 400 amplificadores y el número de guitarras es muy superior) y se rumorea que está ya planeando exhibir públicamente su colección abriendo su propio museo.

119

120

ran que White Muchos críticos musicales conside undir el “blues” ha contribuido poderosamente a dif , gracias a las entre las generaciones más jóvenes discos influencias que se detectan en sus

Jack White

Difundiendo el “blues” a través del “garage rock”

Finalizamos el volumen con Jack White, uno de los componentes de los “White Stripes”. A muchos les sorprenderá que forme parte de esta relación de artistas relacionados con el “blues”. Pero lo cierto es que los críticos musicales le otorgan un papel protagonista como difusor del género entre las nuevas generaciones. En otras palabras, ha jugado un papel similar al de Elvis en la década de 1950 y los Stones en la década de 1960. Aunque sus mayores éxitos no sean -evidentemente- “blues” clásico, también es evidente que el “blues” es una de sus mayores influencias. Y a partir de sus discos y sus múltiples declaraciones públicas en este sentido, muchos de sus seguidores han descubierto el género. John Anthony Gillis (así se llamaba hasta que se cambió el nombre, ya llegaremos a eso más adelante) nace en Detroit en 1975. Su casa siempre estuvo llena de instrumentos musicales -propiedad de sus hermanos mayores- y de muy pequeño empieza a practicar con diversos instrumentos. Principalmente, la batería. En un primer momento se siente fascinado por la música clásica, aunque pronto sus preferencias se reorientarán hacia el pop/rock más duro de las décadas de 1960 y 1970... y hacia el “blues” más primitivo de artistas como Son House o Blind Willie McTell. Inicia una carrera musical como batería del grupo de “country-punk” Goober & The Peas y se casa con Megan White, otra “loca por la música” (cómo él) a la que se encuentra en sus peregrinaciones de concierto en concierto. Es en ese momento cuando decide adoptar el apellido de su esposa, y se convierte en Jack White. Goober & The Peas se separan en 1996. Megan aprende a tocar la batería y, en 1997, forman The White Stripes. Rápidamente son descubiertos por “Italy Records”, un pequeño sello independiente con el que lanzan, sin demasiada repercusión, varios vinilos, fusionando “blues” se fusiona con “garage rock”. En 1999 “Sympathy Records” edita su primer LP (“The White Stripes”). Está íntegramente dedicado a Son House. Tampoco sucede nada. En 2000 se divorcian... pero el grupo sigue adelante. Lanzan nuevo disco (“De Stijl”) que vuelve a pasar desapercibido. El éxito llega, finalmente, con “White Blood Cells” (“Sympathy Records”, 2001). Grabado en Memphis en menos de una semana, con él triunfan en ambos lados del Atlántico. Se les empieza a aclamar como una de las mejores bandas de la historia... “desde los Sex Pistols”. Empieza un período triunfal de seis años en el que hay que destacar, evidentemente, el tema “Seven Nation Army” (2003). El grupo se separa en 2007. Jack White ha mantenido, con otras bandas y una prolífica carrera individual, que incluye también una fructífera actividad como productor musical (es un apasionado defensor de las tecnologías analógicas) y la creación de su propia discográfica (“Third Man Records” con base de Nashville, donde reside). Es también conocida su gran colección de instrumentos musicales... a menudo relacionados con los grandes del “blues”.

121

EPÍLEG

“Aquí falta Bob Dylan”, ens va dir un expert...

... i acabem el llibre igual que el començàvem. Amb l'"alma mater" del Festival de Blues de Cerdanyola, que (com no podria ser d'una altra manera!) ens ha donat un cop de mà en la realització d'aquest llibre. Com és un home modest, ens diu que no donem el seu nom. El cas, però, és que quan va veure les galerades del "History Of Blues" by Vizcarra ràpidament ens va dir: "Aquí falta un dels 'bluesmen' més grans de tota la història: Bob Dylan". I té raó. Per tant, de moment, i perquè cal fer cas als que en saben més que nosaltres, aquí teniu algunes caricatures "d'arxiu" de Mr. Dylan. A veure com convencem el Vizcarra que, abans que la versió definitiva surti al carrer, puguem fer el que faci falta per esmenar l'errada. I hi afegim: "¡¡¡Gracias, Reina Madre del Blues, por sus sabios consejos!!!". 122

123

124

Descarrega el disc de comiat de la Cerdanyola Blues Band

Durant les primeres 30 edicions del Festival de Blues, la Cerdanyola Blues Band ha tingut diverses formacions i per elles hi han passat un bon nombre de músics. Durant els darrers anys, però, els components de la formació han estat Dani Fuertes (baix), Luis García (guitarra), Xapi Hidalgo (veu i guitarra), Vicenç Molina (bateria) i Jordi Saladié (Teclat). Els músics continuen junts amb nous projectes però, coincidint amb aquesta XXX edició del Festival posen punt i final a la seva etapa com a Cerdanyola Blues Band. La seva intenció inicial era actuar a Cal Pintxo coincidint amb la presentació d’aquest llibre, però davant la impossibilitat de fer-ho degut a les restriccions causades per la pandèmia del COVID-19 han optat per afegir-se a la festa enregistrant tres cançons. Les podeu descarregar gratis a la URL que trobareu al final d’aquesta pàgina o adquirir-les en suport físic a Cal Pintxo.

http://www.cerdanyola.net/blues 125

Vols més llibres de Vizcarra?

Si aquest llibre t’ha agradat i vols més llibres de Vizcarra, ho tens ben fàcil. A Amazon en trobaràs més. Dos d’aquests llibres ja tenen alguns anys: “25 años de caricaturas by Vizcarra” es va publicar coincidint amb les noces d’argent del dibuixant amb la professió. “Vizcarra en Interviu” és un homenatge que en Joan va voler fer a la mítica capçalera periodística quan aquesta (snif!) es va deixar de publicar i recull la major part dels seus dibuixos a les seves pàgines. Finalment -“i acabat de sortir del forn”- teniu disponible “Vizcarra & Celebrities”. En aquest podeu gaudir d’una recopilació de curioses fotografies en les quals es veu l’artista amb molts dels personatges que ha caricaturitzat durant les darreres dècades, així com algunes de les anècdotes que es van produir durant les trobades. Aquest darrer llibre és, de fet, el que ha fet possible (mitjançant una jugada d’ “economia circular”) el volum que ara teniu a les vostres mans. I, com a nota curiosa, podem afegir que els tres llibres son “100 % Cerdanyola Made”. Ja ho sabeu.

126

Vols originals de Vizcarra?

www.vizcarra.info

Vols algun original del Vizcarra? O vols encarregar que et faci un dibuix especial per regalar a algun amic, familiar... o per a tu mateix? Doncs ho tens ben fàcil. Entra a la seva web (www.vizcarra.info) i allà trobaràs totes les seves dades de contacte. Només cal que li facis arribar un email i ràpidament podeu estar parlant de negocis. Des de petits dibuixets en blanc i negre a quadres monumentals a tot color. Tu tries i ell dibuixa. I si el vols seguir a xarxes socials (també les trobaràs a la seva web) podràs anar veient, en temps real, les obres que el seu marxant va posant a la venda. Hi ha preus per a tots els gustos. Vols un Vizcarra original? Doncs ho tens ben fàcil! 127

128

129

130