In the colors of India

Aux Couleurs de L’Inde In de Kleuren van India In the Colors of India Shivani Aggarwal Shoba Broota Jagdish Chander Remen Chopra Samit Das Rajan Krishnan Manish Pushkale Sayed Haider Raza Mithu Sen S. Harsha Vardana Binoy Varghese Chetnaa Verma

Aaadi Anaadi

Un aperçu de l’art indien contemporain Par Sushma K Bahl La collection avant-gardiste d’art indien contemporain exposée à la galerie d’art J. Bastien reflète le paysage artistique indien contemporain, un univers marqué par une créativité vaste et variée.

Les expressions sur différents modes, supports et états d’esprit, d’un côté, révèlent les racines culturelles de l’artiste, et d’un autre côté, elles entraînent des idées, des confrontations et des problématiques d’un nouvel âge. L’œuvre représente le mouvement constant et des tendances émergentes tout comme le pays et son art qui avancent rapidement en rythme avec les paysages urbains en mutation permanente et la vie dans le contexte mondial connecté d’aujourd’hui. Allant de la sphère privée à la sphère publique, les artistes peuvent être perçus comme s’engageant dans des domaines émotionnels et socio-économiques qui traversent les frontières. Le groupe de onze artistes de l’exposition provient de différents milieux culturels et régions du pays. Ils représentent des sensibilités communes, même si chaque œuvre exprime une créativité propre. Il y a des œuvres photographiques et des œuvres mélangeant différents supports média accompagnant peintures et dessins.

Les artistes de cette exposition proviennent de tous les milieux de l’art et représentent diverses écoles artistiques et de pensée : des voix nouvelles qui surprennent par le choix de matériaux et de moyens d’expression, tandis que des artistes plus expérimentés perfectionnent leur style caractéristique. Chaque création provient donc d’un contexte et d’une approche singulière, revêtant une apparence distincte selon le métier. Mais il y a des courants et des connexions croisés qui rapprochent les traditions de la modernité, et l’Orient de l’Occident. Les différentes expressions intéressantes évoquent ainsi des sensibilités distinctes et témoignent de la diversité considérable du pays dans un miroir de présentation collectif. Impactés par de nouveaux médias et techniques, connectant le local et le mondial, les œuvres se dénotent par leur finesse technique et leur esthétique et revêtent également un aspect personnel et public. Ensemble elles offrent un panorama intéressant à la fois de la scène artistique et du monde dans lequel vivent les artistes indiens d’aujourd’hui. (avec la contribution d’Archana B Sapra) ………………

Auteure de « 5000 Years of Indian Art » (5000 ans d’art indien) et ancienne directrice Arts et Culture du British Council en Inde, Sushma K Bahl, basée à Delhi, est consultante indépendante en art, écrivaine et conservatrice de projets culturels.

Aaadi Anaadi

Een Overzicht van Hedendaagse Indiase Kunst Door Sushma K Bahl De vooruitstrevende collectie van hedendaagse Indiase kunst tentoongesteld in de J. Bastien Kunstgalerij weerspiegelt de hedendaagse Indiase kunstwereld, welke wordt gekenmerkt door haar ruime en gevarieerde creativiteit. De expressies die op verschillende manieren, via verschillende media en stemmingen worden geuit, weerspiegelen enerzijds de culturele wortels van de artiesten en leiden anderzijds tot moderne ideeën, ontmoetingen en uitdagingen. De werken zijn afspiegelingen van de verschuivende terreinen en opkomende trends naarmate de natie en haar kunst bewegen op het ritme van de snel veranderende stadsgezichten en het leven in de verbonden mondiale context van vandaag. Variërend van het persoonlijke tot aan het openbare, is het te zien hoe de kunstenaars omgaan met emotionele - sociale - economische - politieke domeinen die grenzen overschrijden. De groep van elf kunstenaars die hun werk tentoonstellen, komen van verschillende culturele achtergronden en regio’s van het land. Zij vertegenwoordigen gedeelde gevoeligheden, hoewel ieders werk zijn/haar unieke creativiteit weerspiegelt. Er zijn fotografische, en mixed mediawerken die zij aan zij staan met schilderijen en tekeningen.

De kunstenaars in deze tentoonstelling komen uit verschillende kunstdisciplines en vertegenwoordigen verschillende scholen van kunst, variërend van nieuwe stemmen die gewaagd zijn in hun keuze van materialen en vormen van expressie, tot een aantal doorgewinterde kunstenaars die werken in hun kenmerkende stijl. Iedere creatieveling vloeit voort uit een specifieke context en aanpak, en vertegenwoordigt een afzonderlijke verschijning in zijn eigen genre. Maar er zijn grensoverschrijdende stromen en verbindingen die tradities verbinden met moderniteit en het oosten met het westen. De afwisselende boeiende expressies in de collectieve tentoonstelling weerspiegelen verschillende gevoeligheden en bieden een kijk in de enorme diversiteit van het land. Beïnvloed door nieuwere media en technieken en in een confrontatie tussen het lokale en het globale, worden de werken gemarkeerd door hun technische finesse en esthetiek, en betrekken zowel het persoonlijke als het openbare. Samen bieden ze een interessante kijk op de kunstwereld alsook de leefwereld waarin de hedendaagse Indiase kunstenaar zich bevindt.

(Met inbreng van Archana B Sapra) ………………

Auteur van 5000 Years of Indian Art, en Voormalig Hoofd van Kunst en Cultuur, India voor het Britse Consulaat, Sushma K Bahl, gevestigd in Delhi, is een onafhankelijke kunstadviseur, schrijver en curator van culturele projecten.

Aaadi Anaadi

An Overview of Contemporary Indian Art

By Sushma K Bahl The vanguard collection of contemporary Indian art on display at the J. Bastien Art gallery mirrors contemporary Indian art-scape, marked for its vast and varied creativity. The expressions in different modes, mediums, and moods, on the one hand, reverberate through the cultural roots that the artists come from, and on the other, entail new age ideas, encounters and issues. The work is reflective of the shifting terrains and emerging trends as the nation and its art moves apace in rhythm with the fast changing cityscapes and life in today’s networked global context. Ranging from the personal to the public, the artists can be seen to engage with emotional- socio- economicpolitical domains, traversing beyond the borders. The group of eleven artists in the exhibition comes from different cultural backgrounds and regions of the country. They represent shared sensibilities, though each one’s work articulates his/her distinct creativity. There are photographic, and mixed media works that rub shoulders with paintings, and drawings.

The artists in this exhibition come from across the art milieu representing different schools of art and thought, ranging from fresh voices that are daring in their choice of materials, and modes of expression, to some seasoned ones working in their trademark style. Each creative stems from a specific context and approach, adorning a distinct appearance in its own métier. But there are cross currents and connections that connect traditions with modernity and east with the west. The variously engaging expressions in the collective display mirror different sensibilities and present glimpses of the country’s enormous diversity. Impacted by newer media and techniques and in an interface of the local with global, the works marked for their technical finesse and aesthetics, also encompass the personal and the public. Together they offer an interesting overview of the art scene and the world that today’s Indian artists inhabit.

(With inputs by Archana B Sapra) ………………

Author of 5000 Years of Indian Art, and Former Head, Arts and Culture, India for the British Council, Sushma K Bahl, based in Delhi, is an independent arts adviser, writer and curator of cultural projects.

Shivani AGGARWAL New Delhi (India) -1975 Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions 2003 / Wimbledon school of art - London 2006 / Gallery ROHTAS-2 - Lahore, Pakistan 2007 / Bombay Art Gallery - Mumbai 2010 / ‘Close Knit’ solo exhibition - Gallery Studio Art - New Delhi 2013 / ‘Enmeshed’ solo exhibition - India Art Fair + Gallery Studio Art - New Delhi Le travail basé sur des concepts en matériaux très divers de Shivani Aggarwal se rapproche principalement d’un univers féminin. Elle trouve l’aiguille, associée au monde féminin, qui peut piquer douloureusement ou faire mal, ou violer la peau ou rassembler, et le fil, qui entraîne le point, la réparation et le raccordement, tous deux se rejoignant dans un cycle de destruction ou de raccommodage ; fascinant. Elle explore le rapport entre tension et relâchement dans l’œuvre sans titre dans laquelle le fil tel un serpent rouge est représenté s’enroulant le long des mains tandis que percent les aiguilles se tenant au dessus du fil. De même, les questions sur les attentes sont traitées comme des « fils éphémères ». Les cordes couleur peau de l’installation font référence au cordon ombilical. Le filet grillagé prend la forme de vaisseaux sanguins, aussi dur que s’il était formé organiquement et de manière systématique. Le travail suggère une grande perte d’une part, et un sentiment de plénitude et de lien rassembleur de l’autre.

Shivani Aggarwal’s conceptueel gebaseerd werk in veelsoortige materialen is voornamelijk verbonden aan de vrouwelijke wereld. Ze vindt de naald, geassocieerd met het vrouwendomein, die kan prikken of pijn kan veroorzaken en de huid kan schenden of juist zaken samenvoegen en draad, zoals binddraad, die kan herstellen en verbinden in een cyclus van vernietiging of herstel, fascinerend. De relatie tussen spanning en verlossing wordt onderzocht in het naamloze werk waarin wordt getoond hoe de slangachtige rode draad door de handen sluipt terwijl de naalden de handen doorboren bij het vasthouden van de draad. En vragen rond verwachtingen worden behandeld in ‘Voorbijgaande Garen’. De huidkleurige draden in de installatie verwijzen naar de navelstreng. De aaneen gesponnen maas van rode draad neemt de vorm aan van bloedvaten, alsof deze organisch en systematisch gevormd zijn. Het werk doet enerzijds denken aan overvloedig verlies en anderzijds aan een gevoel van volheid en het bijeenhouden.

Shivani Aggarwal’s conceptually based work in multifarious materials is associated primarily with feminine world. She finds the needle, associated with women’s domain, that can prick hurt or cause pain and violate the skin or join things together, and thread, which entails stitching, repairing and joining in a cycle of destruction or mending ; fascinating. The relationship between tension and release is explored in the untitled work where the snake like red thread is shown to wind its way through the hands while the needles pierce through holding onto the thread. And questions around expectations are addressed in ‘Transient Threads’. The skin coloured strings in the installation draw reference to the umbilical cord. The webbed mesh of red thread takes on the form of blood vessels, as though organically and systematically formed. The work is suggestive of some copious loss on the one hand and a feeling of fullness and holding together on the other.

Untitled Photography and acrylic on canvas 100 x 135 cm 2010

Transient Threads Acrylic on canvas Set of 8 small works 2013

Shoba BROOTA New Delhi (India) -1943 Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions 1964 / 74,78,80,84,88,89,91,92,97 - Delhi 1985 / Aakkar Gallery - Chandigarh 1992 / Schoo’s Gallery - Amsterdam Rebecca Hossack Gallery - London 1994 / Jehangir Art Gallery - Mumbay ABC Gallery - Varanasi

Gallery 42 - Delhi 1997 / ‘Retrospective of Prints’, Art Konsult - Delhi Edith Cowen University - Perth International Studio A.F.W.A., Fermantle - Australia 2003 / ‘Music of the Spheres’, Visual Art Gallery - New Delhi Birla Academy of Arts & Craft - Kolkata 2006 / ‘Song of the Devine’, Pallete Art Gallery - New Delhi 2007 / ‘Edge of Infinity’, Indigo Blue Art - Singapore 2008 / ‘A Path Beyond’, AICON Gallery, Palo Alto - California

Les compositions apparemment simples et minimalistes de Shobha Broota reflètent sa formation en musique classique et son intérêt pour le jeu de couleur, de lumière et de mouvement. La texture est dessinée et méticuleusement fabriquée en utilisant différents matériaux – torchons, filetage de bois, mailles de fer et couleurs sur toile, papier et planche. Imprégné d’une vision paisible et spirituelle répercutant les rythmes sur des motifs oscillants ressemblant à des carrés, son travail abstrait, appliqué par strates sur du bois ou de la toile, invite le spectateur à la contemplation et à la détente dans le vide de sa profondeur philosophique.

Shobha Broota’s schijnbaar eenvoudige en minimalistische composities zijn een afspiegeling van haar opleiding in klassieke muziek en haar interesse in het spel van kleur, licht en beweging. De structuur is getekend en zorgvuldig opgebouwd door het gebruik van een reeks aan materialendoek, wol, geweven ijzer en kleuren op canvas, papier en karton. Gedrenkt in een rustige en spirituele visie die ritmes weerkaatst in oscillerende vierkant-achtige patronen, nodigt haar abstracte werk, welke gelaagd is in wol op canvas, de kijker uit om te bespiegelen en zichzelf te verliezen in de leegte van zijn filosofische dieptes.

Shobha Broota’s seemingly simple and minimalist compositions are reflective of her training in classical music and interest in the play of colour, light, and movement. The texture is drawn and meticulously built using a range of material- cloth, thread wool, iron mesh, and colours on canvas, paper and board. Soaked in a tranquil and spiritual vision reverberating with rhythms in oscillating square-like patterns her abstract work layered in wool on canvas, invites the viewer to contemplate and loosen unto the void of its philosophical depth.

United in Glory Wool on canvas 76 x 76 cm 2008

Jagdish CHANDER Sonipat (India) -1954

Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions

1986 / Miyasaka Art Gallery - Tokyo 1995 / Shridharani Art Gallery - New Delhi 2003 / Shridharani Art Gallery - New Delhi 2006 / Galerie Petra Lange - Berlin Gallery Threshold - New Delhi 2010 / Tao Art Gallery - Mumbai

Le travail de Jagdish Chander tente d’explorer le malheur humain depuis un angle différent avec son souci de la forme et une fascination pour le visage.

Les visages fragmentés représentés avec une peinture ruisselante dans ces deux oeuvres se voilent dans leur dignité. Les sous-couches de torpeur et d’anxiété qui proviennent de la confrontation entre les désirs humains et les réalités évoquent l’introspection lorsque l’on observe son travail de près.

Jagdish Chander’s werk probeert de menselijke toestand te verkennen vanuit een ander perspectief door middel van zijn aandacht op de figuur en de fascinatie met het menselijk gezicht.

De gefragmenteerde gezichten geportretteerd met druipende verf zoals in deze collectie, zijn gemaskeerd in waardigheid. De onderlagen van gevoelloosheid en angst die het gevolg zijn van conflicterende menselijke wensen en realiteiten roepen bij het nader inzien van het werk ware introspectie op.

Jagdish Chander’s work attempts to explore human predicament from a different angle with his preoccupation with the figure and a fascination with human face. The faces in fragments portrayed with dripping paint as in this collection, are masked in dignity. The under-layers of numbness and anxiety that result from conflicting human desires and realities evoke introspection on a close encounter with the work.

Untitled - V Acrylic on paper 79 x 57 cm 2008

Hands - II Acrylic on canvas 120 x 120 cm 2009

Remen CHOPRA New Delhi (India) -1980 Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions

2012 / MK Search Art - San Giovanni Valdarno, Italy 2011 / Sakshi Gallery - Mumbai

Selected Group shows

2013 / Icastica Glocal Women Biennale - Arezzo 2013 / 56th Venice Biennale , Transnational Pavilion 2012 / ”Contemporary Renaissance ,” Casa Masaccio - San Giovanni Valdarno 2010 / ”India Awakens: Under the Banyan Tree,”Essl Museum - Vienna 2010 / ”Her Work is never Done-ii,” BMB - Mumbai 2010 / ”New Order Beauty”, Palette - New Delhi 2009 / ”A New Vanguard- New Trends in Indian Art,” The Guild - New York 2009 / ”Re- visioning Materiality II,” Gallery Espace - New Delhi 2009 / ”Art against Terrorism”, Aakriti Art Gallery - Calcutta.

2008 / ”Everything”, at Westerhuis - Amsterdam 2007 / ”Insider”, Bodhi - Mumbai 2006 / “Multiplicity and Self” India Habitat Centre - New Delhi Les compositions de Remen Chopra sont remplies de récits et d’idées, dans une confluence fluide et superposée de photos, esquisses et vidéos, pour construire des montages monochromes basés sur la performance. Elles offrent une synthèse du réel avec l’imaginaire, du privé et du public, de l’éphémère et de l’éternel ; s’approchant et reculant constamment. Son montage conceptualisé aux techniques diverses, résultante d’une photographie mise en scène et s’intitule à juste titre « Time within Time » (le temps au sein du temps), étant donné que le passé, le présent et le futur semblent se mélanger en un instant figé de rédemption.

De composities van Remen Chopra zijn gevuld met verhalen en ideeën, in een vloeiende en gelaagde samenloop van fotografie, schetsen en video’s om complexe monochromatische, op prestaties gebaseerde montages te bouwen. Zij bieden een synthese van het echte met het ingebeelde, het particuliere en het openbare, het kortstondige en het eeuwige; voortdurend uitreikend en zich terugtrekkend. Haar mixed media geconceptualiseerde montage die voortvloeit uit een geënsceneerde foto is passend getiteld ‘Tijd binnen tijd’, aangezien het verleden, heden en toekomst lijken samen te voegen tot een bevroren moment van verlossing.

Remen Chopra’s compositions come filled with narratives and ideas, in a fluid and layered confluence of photography, sketches, and video, to construct complex monochromatic performance-based montages. They offer a synthesis of the real with the imagined, the private and the public, the ephemeral and the eternal; constantly reaching out and retreating. Her mixed media conceptualized montage resulting from a staged photograph is appropriately titled ‘Time Within Time’, as the past, present and future appear to merge into a frozen moment of redemption.

Time within time Mixed media on staged photography 135 x 180 cm 2013

Samit DAS

Jamshedpur (India) -1970 Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions

2011 / “The Frozen Music of Tagore”- Nature Morte - New Delhi

«The Frozen Music of Tagore»- Lalit Kala Academy - New Delhi 2009 / «Eye Line»- Gallery 88 - Kolkata

«Altar»- Indigo Blue - Singapore

«Still Life»- Art Indus - New Delhi 2008 / «CE”- Anant Art Centre - Noida Delaye Saltoun - London 2007 / «Sky»- Apparao Gallery - New Delhi Gallery 88 - Kolkata

«Memory Lanes in Metropolis»- India Habitat Centre - New Delhi Anant Art Gallery - New Delhi

«Delhi O Delhi»- India Habitat Centre - New Delhi 2005 / «Bricks Without Full Stops»- Bombay Art Gallery - Mumbai

Samit Das est un artiste aux multiples talents dont le travail multi sensoriel, qui comprend des peintures, des photographies, de l’art numérique, interactif et des installations, mais aussi des livres, s’attaque au problème de l’environnement depuis une perspective différente d’héritage décadent et de paysage urbain. En un amalgame fascinant de sensibilités photographiques, picturales et d’archives, son travail à techniques mixtes sans titre représente un paysage urbain plein à craquer et délabré qui reflète également son intérêt pour la documentation.

Samit Das, een veelzijdige kunstenaar wiens multi-zintuiglijke werk schilderijen, fotografie, digitaal werk, interactieve en installatiekunst en kunstenaarsboeken omvat, verwerkt de milieukwestie vanuit een ander perspectief van een aftakelend erfgoed en stedelijk landschap. In een fascinerende amalgaam van fotografische, schilderkunstige en archiverende gevoeligheden portretteert zijn naamloze mixed mediawerk hier een druk en vervallen stedelijk landschap, welke ook zijn interesse in documentatie weerspiegelt.

Samit Das, a versatile artist whose multi-sensory work includes paintings, photography, digital, interactive and installation art and artist’s books; takes up the issue of environment from a different perspective of decaying heritage and urban landscape. In a fascinating amalgam of photographic, painterly and archival sensibilities his untitled mixed media work here portrays a crowded and dilapidated urban landscape that also reflects his interest in documentation.

Untitled Mixed media on paper 65 x 140 cm 2013

Rajan KRISHNAN Kerala (India) -1967

Lives and works in Kochi, Kerala

Solo Exhibitions

2011 / Ancestry, Aicon Gallery - New York 2009 / Four Paintings, Bombay Art Gallery - Mumbai 2008 / RE-VISIT, OED Basement - Kochi 2008 / Ore / Substances of Earth-I, Bodhi Space - Mumbai 2007 / Memoir, Bodhi Art - New York 2006 / Art Singapore 2006, Bodhi Art - Singapore 2006 / Enroute, Bombay Art Gallery - Mumbai 2004 / Little Black Drawings, Kashi Art Gallery - Kochi

Rajan Krishnan, qui travaille également en art vidéo, est représenté ici par un travail spectaculaire qui explore la relation entre la nature et l’environnement conçu par l’homme, qui traite le collectif versus l’individuel. Son importante peinture de flore verdoyante et de faune, au travail détaillé du pinceau, tente de masquer des paysages délabrés tout en concevant un visuel d’avertissement sur les dangers d’un développement débridé.

Rajan Krishnan, die ook werkt met videokunst, wordt hier vertegenwoordigd met een spectaculair werk dat de relatie tussen natuur en de door de mens gecreëerde omgeving verkent en ook het collectieve en het individuele met elkaar contrasteert. Zijn groot schilderij van weelderige groene flora en fauna in een gedetailleerd penseelwerk, probeert wegrottende landschappen te camoufleren terwijl het een waarschuwend beeld geeft over de gevaren van ongebreidelde ontwikkeling.

Rajan Krishnan, who also works in video art, is represented here with a spectacular work that explores the relationships between nature versus man-made environment, and the collective versus the individual. His large painting of lush green flora and fauna in detailed brush work, attempts to cloak decaying landscapes while it also makes a cautionary visual about dangers of unbridled development.

Plant of Sustenance Acrylic on canvas 203 x 127 cm 2013

Manish PUSHKALE Bhopal (India) -1973

Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions

2010 / Theatre of light, Reflections art gallery, Indore 2009 / Bugno Art Gallery, Venice Aicon Gallery, Palo Alto 2007 / Bodhi Art, Mumbai 2006 / Bodhi Art, New Delhi Galerie Editions Caractères, Paris 2005 / Gallery 88, Kolkata 2004-05 / Travelling solo show at all Alliance Francaise 2004 / Gallery Espace, New Delhi 2003 / Maison Des Sciences De l’Hommes, Paris 2002 / Pundole Art Gallery, Mumbai 1997 / Aurodhan, Bank of America, New Delhi 1994-95 / M.P. Kala Parishad Bhopal

in India

Le langage de Manish Pushkale, dans un genre abstrait, porte les traces de sa formation de géologue puis de conservateur. Les textures organiques et le choix méticuleux des couleurs sont évidents dans ses œuvres méditatives nommées Silence, Labyrinth (labyrinthe) et Witness (témoin), travaillées en couches appliquées puis enlevées pour être repeintes à nouveau, les œuvres évoquent les émotions contrastées de la renonciation et de l’esprit du monde, de la spiritualité et de la sensualité, ainsi que de la vie et de la mort.

Manish Pushkale’s taal binnen een abstract genre weerspiegelt zijn opleiding als een geoloog en vervolgens in behoud. De organische structuren en de zorgvuldige keuze van kleuren zijn duidelijk te zien in zijn meditatieve werken hier getiteld : Stilte, Labyrint en Getuige, Geschilderd in lagen, toegepast en afgeveegd en opnieuw geverfd, de werken roepen contrasterende emoties van afstand en wereldsheid, spiritualiteit en sensualiteit, en leven en dood op.

Manish Pushkale’s language within an abstract genre carries imprints of his training as a geologist and then in conservation. The organic textures and meticulous choice of colours, are evident in his meditative works here titled Silence, Labyrinth and Witness, Painted in layers, applied and wiped off and repainted in turns, the works invoke contrasting emotions of renunciation and worldliness, spirituality and sensuality, and life and death.

Silence Oil on canvas 120 x 150 cm 2013

Labyrinth Oil on canvas 120 x 150 cm 2013

Witness Oil on canvas 120 x 150 cm 2013

Sayed Hayder RAZA Barbara (India) -1922 Lives and works in New Delhi

Recent Solo Exhibitions

2010 / Flora Jansem Gallery, Raza Ceramiques - Paris 2010 / Akar Prakar Art Gallery,Kolkata, Ahmadabad - Jaipur 2008 / Art Alive Gallery - Delhi 1997 / Roopankar Museum of Fine Arts, Bharat Bhavan - Bhopal 1997 / Jehangir Art Gallery - Mumbai 1997 / National Gallery of Modern Art - New Delhi.

1994 / The Art Rental Corporate, Group Michael Ferrier, Échirolles - Grenoble 1992 / Jehangir Nicholson Museum, National Centre for Performing Arts - Mumbai 1992 / Courses Arts Lalouvesc - France 1991 / Gallery Eterso - Cannes Retrospective: 1952-91, Palazzo Carnoles 1991 / Museum of Menton - France 1990 / Chemould Gallery - Mumbay Peintre naturaliste, Raza a évolué de la peinture de paysages expressionnistes à une peinture abstraite. Des aquarelles fluides de paysages naturels ou urbains exécutées au début des années 40, il est passé à un langage plus expressif, peignant des paysages spirituels.

La singulière énergie, vibrante de couleur, de ses premiers paysages, est désormais plus subtile, mais tout aussi dynamique, voire davantage. Raza a abandonné l’expressionnisme paysager au profit d’une abstraction géométrique et du Bindu. Raza perçoit le Bindu comme le centre de la création et de l’existence, une progression vers un univers de formes et de couleurs, mais aussi d’énergie, de son, d’espace et de temps.

Raza is een natuurschilder die evolueerde van het schilderen van expressionistische landschappen naar abstracte landschappen. Hij schakelde over van landschappen en stadsgezichten in vloeiende waterverfkleuren in de vroege jaren ’40 naar een meer expressieve taal met het schilderen van spirituele landschappen.

De unieke, kleurrijke energie van zijn vroegere landschappen is nu meer subtiel, maar even of zelfs meer dynamisch. Raza ruilde het expressionistische landschap in voor geometrische abstractie en de Bindu. Raza ziet de Bindu als het centrum van schepping en bestaan dat ontwikkelt naar vorm en kleur, evenals energie, geluid, ruimte en tijd.

Raza is a nature based painter who evolved from painting expressionistic landscapes to abstract ones. From his fluent water colours of landscapes and townscapes executed in the early 40’s he moved towards a more expressive language painting landscapes of the mind.

The unique energy vibrating with colour in his early landscapes are now more subtle but equally if not more dynamic. Raza abandoned the expressionistic landscape for a geometric abstraction and the Bindu. Raza perceives the Bindu as the center of creation and existence progressing towards forms and colour as well as energy, sound, space and time.

Pancha Tabava Oil on canvas 60 x 60 cm 2007

Mithu SEN

West Bengal (India) -1971 Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions

2012 / Devoid , gallery Nathalie Obadia - Paris

In House Adoption, Gallery Steph and Nature morte - Singapore 2011 / IN TRANSIT, Espace LOUIS VUITTON - Taipei

BLACK CANDY (iforgotmypenisathome) Chemould gallery - Mumbai School of Art and Aesthetics, JNU - New Delhi Max Mueller bhavan - New Delhi 2010 / Nothing lost In Translation, Nature Morte - Berlin 2009 / Me two, Krinzinger Project - Vienna Dropping gold, dropping gold, Suzie Q - Zurich Freemithu, Khoj - New Delhi 2008 / I Dig, I Look Down, Albion Gallery - London 2007 / Half Full- Part 1, Bose Pacia Gallery - New York Half Full- Part 2, Nature Morte - New Delhi 2006 / It’s Good to be Queen, Bose Pacia Artist Space - New York Drawing Room - New Delhi/Bombay Gallery Chemould - Mumbai 2003 / I Hate Pink, Lakeeren Art Gallery - Mumbai 2001 / Unbelongings, Machintosh Gallery - Glasgow 2000 / Can We Really Look Beyond the Map? Art India Style - New Delhi Les questions de genre ont été centrales dans le travail de l’artiste Mithu Sen, fêtée et exposée dans le monde entier. Elle intégre de nombreux matériaux, dont ses propres cheveux et d’autres objets personnels, de formes variables. Son dessin à l’aquarelle, en techniques mixtes avec une plume, est évocateur d’une résidence à laquelle elle a participé en Afrique du Sud, où le statut de la femme est très différent de celui de l’Inde, et même de l’occident ou du reste du monde.

De gender-problematiek staat centraal in het internationaal gevierde en tentoongestelde werk van kunstenaar Mithu Sen welke een scala van materiaal omvat waaronder haar eigen haar en andere bezittingen, en welke gevormd is in verscheidene vormen. Haar mixed media aquareltekening met veer doet denken aan haar verblijf in Zuid-Afrika, waar de positie van vrouwen niet zo verschillend is als die in India of zelfs in het westen of de rest van de wereld.

The gender issues have been central to much of internationally feted and exhibited artist Mithu Sen’s work entailing a range of material including her own hair and other belongings, and shaped in variable forms. Her mixed media watercolour drawing with feather is reminiscent of a residency that she had attended in South Africa, where the status of women is not so different from what it is in India or even in the West or the rest of the world.

Summer in South Africa Mixed media on paper 40 x 60 cm 2012

S. Harsha VARDANA New Delhi (India) -1957 Lives and works in New Delhi

Selected Solo Exhibitions

2007 / Lines Maketh the Web, Aicon Gallery - New York 2006 / Acute, Obtuse and sometimes Right, Aicon Gallery - Palo Alto 1999 / Sangati, Art Inc. - New Delhi 1997 / Gallery Art Motif - New Delhi

Selected Group Exhibitions

2006 / Confluence, Aicon Gallery - New York 2005 / First Biennale of Contemporary Art - Romania 2004 / Indian artists for France - New Delhi Young Contemporary Artists - New Delhi S Harsha Vardhana, diplômé en sciences biologiques, s’inscrit dans une lignée familiale artistique.

Commençant dès son plus jeune âge comme assistant d’atelier de son père, l’éminent peintre J Swaminthan, il a peaufiné sa technique par la pratique. Avec une décision consciente de conserver son travail dénué de toute narration, ses peintures qui restent sans nom et sans titre, sur papier et sur toile, se concentrent sur la synergie pour rendre l’imagerie et sa palette. En vert, doré, bleu et jaune avec une touche de rouge ou d’orange, son travail semble jouer avec des impressions indiscernables de certaines formes géométriques – lignes, triangles et motifs rectangulaires.

S Harsha Vardhana, die opgeleid is als biowetenschapper, komt uit een artistieke familie. Vanaf een jonge leeftijd, als studio-assistent van zijn vader en eminente schilder-J Swaminthan, heeft hij zijn techniek in de praktijk kunnen verfijnen. Door zijn werk bewust verstoken te laten van enig narratief, richten zijn schilderijen op papier of canvas, die ongenaamd of ongetiteld blijven, op de synergie in weergave van de beelden en het palet. In groen, goud, blauw en geel met een vleug van rood of oranje, lijkt zijn werk te spelen met onzichtbare impressies van geometrische vormen -lijnen, driehoeken en rechthoekige patronen.

S Harsha Vardhana, who trained as a Bio Scientist, hails from an artistic lineage. Starting at a young age, as a studio assistant to his father and eminent painter- J Swaminthan, he has refined his technique through practice. With a conscious decision to keep his work devoid of any narrative, his paintings that stay un-named and untitled, on paper or canvas focus on synergy in rendering of the imagery and its palette. In green, gold, blue, and yellow with a touch of red or orange, his work appears to play with indiscernible impressions of some geometric forms- lines, triangles and rectangular patters.

Untitled Mixed media on canvas 120 x 150 cm 2013

Untitled Mixed media on paper 75 x 55 cm 2013

Untitled Mixed media on paper 75 x 55 cm 2013

Binoy VARGHESE Kerala (India) -1966

Lives and works in New Delhi

Solo Exhibitions

2009 / Aicon Gallery - New York 2008 / Pallet Art Gallery - New Delhi 2006 / Pallet Art Gallery - New Delhi 2000 / The Other Gallery, Banff Centre for Arts - Canada 1999 / Academy of Fine Arts and Literature - New Delhi 1996 / Artist of the month Max Muller Bhavan Chennai - India 1992 / Gallery of Contemporary Art Kochi - India 1991 / Gallery of Contemporary Art Kochi - India

Two Man Shows

2010 / Fables & History, Nyva Gallery - New Delhi 2007 / Kashi Art Gallery, Fort Kochi Kerala - India 2005 / Viart Gallery - New Delhi 1998 / Apollo Apparao Gallery - Mumbai Binoy Varghese ajoute à ses peintures de paysages colorés le portrait dans un style photo réaliste.

L’image, souvent en grand format, se concentre sur les problèmes de déplacements en capturant des protagonistes qui posent, souvent des femmes et des enfants, dans leur nouvel environnement.

Placé dans un environnement fait de feuillage touffu, le travail semble ici prêt à engloutir et à maîtriser les réalités socio-économiques de la société d’aujourd’hui.

Binoy Varghese gebruikt in zijn schilderijen kleurrijke landschapsportretten in een fotorealistische stijl. De beelden, vaak in groot formaat, richten zich op kwesties van verplaatsing en leggen poserende protagonisten vast, vaak vrouwen en kinderen, in hun nieuwe omgevingen. Tegen een achtergrond van een geconfectioneerde omgeving van dik gebladerte, lijken de werken hier klaar om de sociaaleconomische realiteit van de maatschappij van vandaag te verzwelgen en te overweldigen.

Binoy Varghese adds portraiture in a photo realistic style to his paintings of the colourful landscape. The imagery, often in large format, focuses on issues of displacement capturing posing protagonists, often women and children, in their newfound domains. Set against a background of made-up environment of thick foliage the works here seem ready to engulf and overpower the social-economic- realities of today’s society.

Untitled Acrylic on canvas 90 x 90 cm 2013

Untitled Acrylic on canvas 150 x 150 cm 2010

Chetnaa VERMA New Delhi (India) -1981 Lives and works in New Delhi

Exhibitions

2012 / 1st United Art Fair, Pragati Maidan - New Delhi Small Format Show, Art Indus - New Delhi 2011 / ‘New Horizons’, Dhoomimal Art Gallery - New Delhi

‘58th Annual Art Exhibition’, College of Arts - New Delhi

Face India international Humanism Recovery Festival 2011 - New Delhi 2010/ ‘Art Affair 2010’, Group Show, Garden Gallery - New Delhi

Delhi Movement - 2010’, Group Show, Lalit Kala Academy - New Delhi

‘Summer Breezer’, Group Show, IHC - New Delhi

‘57th Annual Art Exhibition’ College of Arts - New Delhi 2009 / Group Show, Epicentre - Gurgaon Group Show, IHC - New Delhi 2007 / Group Show, Arpana Caur Gallery - New Delhi Annual Exhibition, Delhi Blue Pottery - New Delhi 2006 – 08 / ‘SRIJAN’ , Amity School of Fine Arts - Noida 2005 / ‘SRIJAN’ , Arpana Caur Gallery - New Delhi

Les petits papier sur papier de la jeune Chetnaa Verma, de formes géométriques avec des lignes, des triangles, des rectangles, des cercles et des carrés dans des couches de découpes, se présentent essentiellement en blanc sur blanc avec un usage modéré du noir et d’autres couleurs. Les œuvres de l’exposition illustrent son raffinement dans le dessin des lignes, son trait, son imagination et les résonances d’un esprit méditatif.

De jonge Chetnaa Verma’s kleine papier op papierwerken in geometrische patronen met lijnen, driehoeken, rechthoeken, cirkels en vierkanten in gelaagde uitsnijdingen, komen vooral voor in wit op wit met spaarzaam gebruik van zwart of andere kleuren. De werken in de tentoonstelling zijn illustratief voor haar verfijnde hand in lijntekening en beeldvorming en weerspiegelen een meditatieve geest.

Young Chetnaa Verma’s petite paper on paper works in geometric patterns with lines, triangles, rectangles, circles, and squares in layered cut outs, come primarily in white on white with sparing use of black or other colours. The works in the exhibition are illustrative of her refined hand at line drawing and imaging and reverberate with a meditative spirit.

Blanc sur Blanc III Paper on paper 30 x 24 cm 2012

Blanc sur Blanc IV Paper on paper 30 x 24 cm 2013

300 exemplaires de ce catalogue ont été imprimés à l’occasion de l’exposition Aux couleurs de l’Inde 10 octobre - 14 décembre 2013

300 exemplaren van deze catalogus werden voor de tentoonstelling In de Kleuren van India geprint.

10 oktober - 14 december 2013

300 copies of this catalogue have been printed for the exhibition In the Colors of India October 10 - December 14 2013

Direction de la publication / Hoofredacteur / Managing editor : Jeane Bastien Composition / Catalogus Lay-Out / Catalogue Layout : Alexandre Lardeur - Carmela Giusto Textes / Teksten / Texts : Sushma K. Bahl - Archana B. Sapra (Except S.H. Raza : © J. Bastien Art) Imprimé par / Geprint door / Printed by : Crousse Graphic SPRL Photos / Fotos / Pictures : © Alain Speltdoorn © All rights reserved