PRESIDENTE GUILLERMO LASSO Concierto de Integración Nacional Sinfonía No. 9 en Mi Menor, op. 95, Nuevo Mundo, Antonín Dvořák El pájaro de Fuego, Ígor Stravinski Fantasía para Orquesta de Cuerdas op. 39, Eduardo Florencia Isaac Ormaza, director invitado Jueves 11 de agosto, 20:00 Teatro Casa de la Cultura, Cuenca
Jueves 11 de agosto Teatro20:00 Casa de la Cultura Concierto de Integración Nacional Isaac Ormaza Director invitado
Fantasía para orquesta de cuerdas, op. 39
II. Largo
I. Adagio - Allegro molto
III. Danza Infernal
IV. Allegro con fuoco
II.VariaciónRonda de las Princesas
(Rusia, 1882-1971)
V. Final
IV. Canción de Cuna
Eduardo Florencia (Ecuador, 1985)
El pájaro de fuego, Suite (1919)
Sinfonía No. 9 en Mi Menor, op. 95, Sinfonía del Nuevo Mundo
(República Checa, 1841-1904)
III. Scherzo: Molto vivace - Poco sostenuto
AntonínINTERMEDIODvorák
ÍgorRepertorioStravinski
I. Introducción - Danza del Pájaro de Fuego -
En mayo de 2022 el maestro Ormaza obtuvo el doctorado en dirección de orquesta en la Universidad de Carolina del Sur, Estados Unidos de América. En dicha universidad, el Dr. Ormaza se desempeñó como Asistente de Cátedra y obtuvo una beca completa. Su investigación analiza y compara las obras sinfónicas del prolífico compositor chino, Chen Qigang.
Nacido en Guayaquil, Isaac Ormaza Vera es un director de orquesta y violinista ecuatoriano que se ha presen tado en las Américas, Europa y China. Galardonado con una beca completa de la Sociedad Fondo Jóvenes Talentos, el maestro Ormaza fue el primero de sus her manos en viajar a Europa para estudiar música, donde obtuvo su licenciatura y maestría en interpretación de violín en LUCA School of Arts en Lovaina, Bélgica.
Laureado de Los Angeles Conducting Workshop and Competition 2021, el maestro Ormaza fue el director Asistente de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Carolina del Sur dirigida por su profesor y mentor, el Dr. Scott Weiss.
Isaac Ormaza Vera Director de Orquesta Sinfónica
Además, el maestro Ormaza ha sido director invitado de orquestas profesionales y juveniles en China y Ecuador,
A partir de septiembre del 2022, ejercerá el cargo de profesor de violín y dirección de orquesta en la Universidad de Chengdú en China. Con más de quince años de experiencia orquestal profesional, uno de los últimos puestos en los que se desempeñó, fue como concertino principal de la Orquesta Sinfónica de Changsha en Hunan, China. En su ciudad natal, fue co-principal de los segundos violines de la Orquesta Sinfónica de Guayaquil. Además, trabajó como violinista de fila de las orquestas regionales profesionales en Carolina del Sur: Aiken Symphony Orchestra, Rockhill Symphony Orchestra, Long Bay Symphony Orchestra y SpartanburgComprometidoPhilharmonic.acompartir su conocimiento de una manera diversa e inclusiva, una de sus últimas colaboraciones académicas es con el proyecto educacional Takiri en Otavalo. Takiri es un programa que aprovecha la música y las artes como un conducto para el compromiso cultural y la inclusión en las comunidades indígenas del norte de los Andes ecuatorianos. Además, el Dr. Ormaza es fundador de Clases Maestras Guayaquil, un proyecto que comenzó como una serie de clases magistrales en línea con el objetivo de llegar a estudiantes de secundaria y universidad de América Latina que no tienen sustentos económicos para estudiar en el extranjero. Este proyecto sirve a cientos de seguidores y sigue prosperando. Los estudiantes del maestro Ormaza han obtenido plazas de trabajo en orquestas y han sido aceptados en universidades de Ecuador, China, Bélgica y los EEUU.
Defensor feroz y creyente de la continuación de las tradiciones musicales, a menudo, busca y programar música de compositores emergentes y vivos.
como la Orquesta Sinfónica Juvenil de Hunan, Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador, Orquesta Sinfónica de Cuenca, Orquesta Sinfónica de Guayaquil, Orquesta Sinfónica de Loja y la Orquesta Ciudad de Quito.
Exigentes y reconocidas obras del pentagrama universal y nacional integran el repertorio seleccionado para este evento, a través del cual se hace un recorrido por diferentes periodos y espacios de la música y para dirigir este concierto que ha sido denominado “Ecuador en la música. Concierto de integración nacional”, se ha invitado al joven y talentoso violinista y director de orquesta, el guayaquileño Isaac Ormaza Vera, profesional radicado en el exterior.
Un aplauso grande y toda nuestra gratitud a los amigos músicos que están apoyando este concierto:
Los amigos músicos que nos acompañan voluntariamente hoy son de Quito, Guayaquil, Loja, Riobamba, Ambato, Cuenca, Venezuela y Alemania. Confiamos en que en un futuro inmediato encontraremos el respaldo, la decisión y benevolencia de muchas personas, empresas e instituciones como lo hemos conseguido en esta ocasión, a fin de replicar esta iniciativa varias veces en diferentes ciudades del país, convocando, fortaleciendo, respaldando y motivando una red solidaria de jóvenes y comprometidos músicos. Queremos dejar constancia pública de gratitud al maestro Augusto Carrión Rodas, director titular y al doctor Fernando Vargas Larriva, director ejecutivo de la Orquesta Sinfónica de Cuenca por todo el respaldo brindado para hacer posible este desafío. De la misma manera a los amigos y colegas María Belén Martínez y Paúl Benenaula por su valioso tiempo en las gestiones realizadas para sacar adelante este evento.
Concierto de integración nacional
Ecuador en la música.
En el año 2021 el violinista Xavier Mora Sánchez plantea a varios colegas y amigos este interesante proyecto. Buscar un espacio que reúna a jóvenes músicos de diferentes puntos geográficos, ecuatorianos y extranjeros en un gran concierto. Es así que a inicios de este año las autoridades de la Orquesta Sinfónica de Cuenca tras la propuesta de Xavier Mora, se comprometieron en brindar apoyo técnico, logístico y musical para cristalizar esta idea.
Trompeta
Trombones
Violín 1
Viola
María JuanVanessaAndrésVázquezSangurimaLitumaDiegoGutama
Giselle Verdugo
Almacenes Juan Eljuri YAMAHA EC
Finn CarolinaWandelburgLasso
Steven Sumba
EnriqueARAWI Rodas Photography
Cynthia Joyce Perlaza
Organizadores
Violín 2
Paula StalinSelenaAndrésAragundiGuallpaVegaPinos
Casa de la Cultura Núcleo del Azuay
Violoncellos
Grupo Fabián Pintado Impormaviz CIA. LTDA. Golden Prague Group Suites y Hotel El Quijote
Geraldine Dávila
Homero Sumba
Miguel Hidalgo
Juan Carlos Pensántez
Orquesta Sinfónica de Cuenca Lcdo. Xavier Mora Sánchez Lcda. María Belén Martínez, Mgs.
Auspiciantes
Oboe
Notas al programa
Suite El pájaro de fuego, Ígor Stravinski. Ígor Stravinsky nació en Rusia, aunque más tarde se nacionalizó francés y después norteamericano. Demostró siempre gran interés por el teatro, la danza y las artes plásticas, lo que le llevó a relacionarse con algunos de los grandes artistas de su época: Picasso, Cocteau, Diaghilev, etc. Representa la imagen movida y cambiante del siglo XX. Es difícil enmarcarle en un estilo concreto ya que ha reflejado en sus obras los aspectos más variados: la evolución del ritmo, lo popular y el folclore, la vuelta a los clásicos, la inspiración en los nuevos movimientos como el jazz o el tango, la religión, etc. Provocó reacciones encontradas por su constante innovación, como con “LaConsagración de la Primavera” (1913), ballet que supuso un escándalo en su momento, aunque posteriormente ha sido considerado una obra maestra. En 1908 tiene lugar en San Petersburgo el encuentro transcendental de Diaghilev con la música de Stravinski. Se inició entre ambos una fecunda colaboración que trastocaría el mundo del ballet clásico. Diaghilev, director de los ballets rusos, rechaza la idea del ballet romántico e inaugura una suerte de espectáculo total donde se funden música, danza, libreto y escenografía, en una simbiosis perfecta que asume y transmite al público los últimos logros del arte. La composición del ballet “El pájaro de fuego” fue una casualidad, ya que Stravinski no pudo elegir el argumento al tratarse de un encargo previo a Liadov, que no llegó a componerla. El libreto de Michel Fokin está basado en un cuento de hadas popular ruso sobre el Rey Katschei, que ya había sido utilizado por el maestro de Stravinski, RimskyKorsakoff, en una ópera “Katschei el inmortal”. Diaghilev había escuchado en 1909 en San Petersburgo el “Scherzo Fantastique” y “Fuegos artificiales”, y decidió contratar al joven Stravinski pensando en la nueva temporada y en sus deseos de renovar los ballets rusos. Stravinski finalizó la obra en marzo y se estrenó en el Teatro de la Ópera de París, en junio del mismo año de 1910. El público y la crítica se quedaron admirados con el gran colorido de la obra. El argumento del ballet es el siguiente: “El príncipe Iván Zarevich descubre un pájaro extraño con forma de mujer y lo sigue hasta el jardín del palacio del malvado Katschei donde, al intentar capturarlo, se queda con una de sus plumas en la mano. En el palacio están prisioneras trece doncellas y una de ellas roba el corazón del príncipe. Al descubrirle los guardianes le convierten en piedra. Al verse preso, agita la pluma del extraño pájaro y éste aparece, contándole el secreto de Katschei: su alma está encerrada en forma de huevo en un refugio. Iván lo destruye, haciendo que el malvado pierda sus poderes y desaparezca. Los príncipes convertidos en piedra son liberados, así como las princesas y
“El pájaro de fuego”, suite de 1919 consta de las siguientes partes: Introducción, Daza del pájaro de fuego, Variación del pájaro de fuego, Ronda de las princesas, Danza infernal del rey Katschei, Berceuse (Canción de cuna) y final. Introducción: Los violonchelos y contrabajos con sordina, introducen un tema inquietante, pianísimo y muy lento, que luego pasa a las violas. Las maderas emiten ciertos destellos tímbricos mediante células rítmicas complejas que encajan perfectamente entre ellas.
La dinámica cambiante, los contrastes tímbricos, el tempo agitado, los temas sincopados, generan un movimiento lleno de energía y de tensión que busca el equilibrio en el encaje de todas las partes con una sabia utilización de texturas contrapuntísticas y homofónicas, ligeras y densas y un cromatismo interesante que conduce al cambio de otras tonalidades alejadas. Finaliza el movimiento aumentando la tensión por medio de glisandos, arpegios y acordes fortísimos.
Toda una serie de armónicos emitidos en distintas posiciones de la cuerda y el recuerdo del tema del comienzo conducen directamente al número siguiente. Danza del pájaro de fuego: Allegro muy breve (15 compases), es la aparición del pájaro y su aleteo agitado, presentado en figuración de semicorcheas, legato en la madera, stacatto en la cuerda.
Ambos intentan desarrollarse, más bien se interceptan o se apelan entre sí, utilizando interesantes armonías cromáticas. Es preciso volver a la calma en los últimos compases, lento con pequeñas células que pasan de unos a otros instrumentos sobre trémolos y largas notas tenidas.
juntos se apoderan de las manzanas de oro del jardín. Iván y su amada se unen al regocijo general de la danza final”. El ballet consta de 19 números a partir de los cuales el autor elaboró tres suites orquestales, en 1911, 1919 y 1945. La que más se interpreta es la nº 2, de 1919, realizada en Morgues (Suiza). El ballet ha sido interpretado en numerosas ocasiones con enorme éxito.
Variación del pájaro de fuego: La sensación de agitación se produce por el encaje de figuras rítmicas entrecortadas que realizan los distintos grupos instrumentales: flautas, clarinetes, violines mientras las violas y violonchelos emiten notas más largas manteniendo el pulso del 6/8 y la propia del bajo, más largas en los contrabajos.Eloboepresenta una delicada melodía, de origen ruso, de la colección de melodías populares de Rimsky-Korsakoff. Este tema reaparece en sucesivas ocasiones y es acompañado por delicados arpegios del arpa. Un segundo tema de carácter mucho más enérgico y rítmico a cargo de la cuerda, que luego pasará a distintos instrumentos del grupo de las maderas, rompe con el encanto del ambiente anterior.
Danza infernal del rey Katschei: Un acorde fortísimo rompe la sutileza del ambiente anterior. Un ostinato en los timbales y otro en los contrabajos organizan esta danza alocada que se inicia con el tema sincopado en el fagot, acompañado de la trompa y continua en los trombones.
pasa a los violines primeros y a las flautas, en un apoteósico crescendo con toda la cuerda dividida hasta unificarse la orquesta en potentes acordes que llevan directamente a un episodio de tipo coral, cambiando a una medida de 7/4 que, lejos de crear inestabilidad dada la simetría de su estructura: 3-2-2; 2-2-3, produce un efecto de himno majestuoso y lleno de poder, muy apropiado para el final feliz de esta obra. En esta obra aparecen la unión y el contraste de los elementos propios del lenguaje compositivo de Stravinski en aquel primer momento: temas populares del folclore ruso, recursos orquestales tomados de la enseñanza de Rimsky- Korsakoff y dos mundos opuestos, la utilización del diatonismo para representar el mundo real de Ivan Zarevich y el cromatismo muy del gusto de Ravel y de Debussy para significar los efectos sobrenaturales.
prolífico de un significativo número de obras en varios formatos que incluyen además un proceso de desarrollo en la búsqueda de un lenguaje musical propio. Ha sido docente de asignaturas como Contrapunto, Armonía, Estética Musical y Piano. Se desempeñó como Compositor Residente de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Ecuador (FOSJE) y actualmente es el Compositor Residente de la Orquesta Sinfónica Nacional del Ecuador (OSNE) con la que ha estrenado numerosas obras de su Recientementeautoría. se encuentra en el proceso de difusión de su propia música, la cual goza de gran aceptación en el ámbito musical nacional e internacional.
Berceuse (Canción de cuna): Andante (4/4). Como contraste, esta parte es calmada. El fagot toca una enigmática melodía, acompañada de unos ostinatos y notas pedales en la cuerda que producen la sensación de movimiento.
Tomado de el-p%C3%A1jaro-de-fuego-suite-de.htmlhttps://1library.co/document/zgjvd06z-igor-stravinsky-
Fantasía para Orquesta de Cuerdas, op. 39. Eduardo Florencia. Compositor ecuatoriano. Ha sido reconocido internacionalmente con numerosos premios y varias de sus obras han sido interpretadas en diversos festivales y encuentros musicales en Estados Unidos, Brasil, Chile, Inglaterra, Francia, Italia, Alemania, Corea del Sur, Japón e CopositorIsrael.
Un glisando en el arpa conduce a pasajes muy contrastados con fascinantes cambios tonales y cortos acordes llenos de intención. Finaliza el movimiento en medio de un ambiente pianísimo, pleno de sonoridades vibrantes. Final: Lento maestoso (3/2). Otro tema ruso de la colección de Rimsky-Korsakoff, interpretado por la trompa arropada por la cuerda, inicia este lento movimiento final.Inmediatamente
Fantasía para Orquesta de Cuerdas, op. 39. Es una composición de un solo movimiento que explora por medio del tejido textural y el juego del color armónico varias instancias en torno al ritmo de
Sanjuanito. Se nos presenta una introducción oscura en compás ternario que evoca la amplitud de las montañas. Casi a manera de cuadro sinfónico la obra busca explorar recursos manteniendo la claridad motívica y el desarrollo temático.
Sinfonía No. 9 en Mi Menor, op. 95, Sinfonía del Nuevo Mundo. Antonín Dvorák. Les proponemos viajar a América, mejor dicho, descubrir América, de la mano de una sinfonía romántica, la más alabada después de la Quinta de Beethoven. Estamos hablando de la Sinfonía del nuevo mundo.
La sección introductoria se va desgastandodeliberadamente para dar pasoa una especie de Sanjuanito cuyo tratamiento busca generar la sensación de movimiento y algún toque festivo. Se notan claramente las distintas permutaciones interválicas que dan paso a un desarrollo de orden reiterativo siempre condicionado por el ritmo de Sanjuanito que actúa como elemento de cohesión orgánica.Además, en cuanto a su culminación, se puede inferir que concluye en dirección al tema introductorio, con un color más oscuro y reflexivo debido a todos los procedimiebntos técnicos desarrollados en la composición
Nos adentraremos en un escenario inmensamente dramático y atemporal, en el que se nos presentan los temas como personajes de un épico relato, que recorren su camino como un conflicto titánico lleno de pruebas de fuego, idílicos y tenebrosos paisajes y combates colosales en busca de la victoria en el último compás. De este modo, tal vez, y solo tal vez, esta sinfonía despierte al héroe que llevamos dentro.
La obra de Dvořák es muy variada: desde la ópera a la música de cámara, pasando por la música sinfónica, terreno al que dedicó más atención. Su obra musical no es tan sencilla y bucólica como la de su compatriota Smetana, ya que Dvořák posee un lenguaje más moderno, emplea mayor sofisticación técnica y una orquesta de plantilla más numerosa. En su orquestación busca la espectacularidad, conseguida a través de contrastes dinámicos y de la experimentación de nuevas combinaciones tímbricas. Algunos de los recursos que emplea son propios de los compositores eslavos, como la utilización frecuente del registro grave del violín y el uso de los instrumentos de metal en pianissimo. Su fluidez y gran espontaneidad melódica proceden en cierta medida de Schubert.
Antonín Dvořák (1841-1904), compositor checo. Hijo de un mesonero, ya desde niño demostró disposición para la música. Inició sus estudios en Zlonice en 1853 y los prosiguió en Praga durante el período 1857-59. Luego tocó la viola en una orquesta hasta 1871. Al mismo tiempo emprende su actividad de compositor. El primer éxito alcanzado en este ámbito fue un Himno con texto de Hálek (1873). Gracias a esta obra obtuvo el cargo de organista de la Iglesia de San Etelberto, que conservó hasta 1877.
Pero Dvořák no entendía de tales atrocidades. Su llegada al continente se debe a que aceptó el cargo de director del Conservatorio de Nueva York. Desde bien pequeño el checo ya había convivido con gitanos, zíngaros, rutenos e incluso moravos, por lo que cuando descubrió las tonadas indias y negras, las amaba, eran los zíngaros del nuevo mundo, por lo que se propuso que las canciones negras fuesen la fuente de la escuela americana y que esos aires tan característicos identificaran a los temas principales de su magna sinfonía. Un nexo entre dos mundos, un monumento hecho música, que Antonín Dvořák regaló al país de la libertad. Una sinfonía romántica suele tener cuatro movimientos y la que tratamos este mes está construida bajo el esquema de otras sinfonías como las que compusieron Beethoven, Schumann, Brahms o Chaikovski. Un primer movimiento trágico y agitado en el que se nos cuenta toda la aventura; un segundo movimiento lento y contemplativo; el tercero, enérgico, como antesala del grandioso final que es el cuarto movimiento, donde se lucha por la victoria definitiva.
En sus obras de juventud, Dvořák imitaba los modelos románticos, especialmente los de Mendelssohn. En la década de los años 60 se puede apreciar en su música cierta ambigüedad tonal y frecuentes modulaciones hacia ámbitos tonales lejanos. Pero a partir de 1874, Dvořák se alejó del influjo de compositores como Liszt y Wagner y desarrolló un estilo algo más convencional y clásico. Fue en esa época cuando comenzó a estudiar el folclore de su país, cuyos principales elementos utilizó posteriormente en sus composiciones. Así, incluyó en su obra ritmos sincopados de danzas populares como la mazurca, la dumka o la sparcirka, y abandonó la práctica de la anacrusa, ya que esta no existe en el folclore checo. En el último periodo de su obra, Dvořák volvió a las formas de su juventud y prestó especial interés a las óperas y al poema sinfónico.
Novena Sinfonía, la del nuevo mundo. Después de esta retrospectiva biográfica del compositor checo, nos trasladamos al año 1893 en la ciudad de Nueva York, momento en el que Dvořák compone su Novena Sinfonía. Nos situamos en un periodo de la historia (y disculpen que sea tan directo) en el que se linchaba a los negros en el “piadoso” y profundo sur, en la horca y en la hoguera, y los indios eran encerrados en reservas a la sombra de la estatua de la libertad. El país más libertario de la tierra luchaba contra su peor enemigo: el mal cabalgando con capuchón blanco.
Como hemos mencionado anteriormente, esta sinfonía está concebida como una narración colectiva que cuenta con muchos personajes heroicos. Cada personaje o cada grupo están representados por un tema diferente, aunando un total de trece temas distintos.
La canción disfrutó de un resurgimiento en la década de 1960 con el Movimiento por los Derechos Civiles y fue interpretada por artistas como Joan Baez en el Festival de Woodstock en 1969. En 2002, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos incluyó la canción en el Registro Nacional de Grabaciones. Fue también incluida en la lista Songs of the Century por la Recording Industry Association of America (RIAA). Y actualmente, la canción es el himno de la Selección de Rugby de Inglaterra.
Estos son los tres temas que integran este primer movimiento: el tema épico de la gente común, el tema indio y el tema pastoral que representa a los afroamericanos. Estos temas se presentan uno detrás de otro conformando así la exposición. Una vez finalizada la exposición empieza el desarrollo, tanto el primer y segundo temas, como el tercero, se desarrollan por igual, es decir, no ocurre como en otras obras que se trabaja sobre uno de los tres temas o sobre ambos por separado, sino que Dvořák entiende este desarrollo como una lucha épica, una disputa por igual entre los grandiosos y amenazadores primer y segundo temas y el tema sensible y pastoral, de manera que la melodía se convierte en una continua réplica que parece terminar con la victoria del tema épico e indio al imprimir su carácter aterrador a su antónimo tema espiritual.
Después de este desarrollo se vuelven a rememorar los tres temas, se trata de la reexposición. Pero con ella no se alcanza la felicidad, pues este primer movimiento ha tenido un final trágico con el acorde de Mi Menor.
Primer Movimiento: Adagio-Allegro molto
El primer tema representa a la gente común, convertida en héroes. Es la fanfarria de la trompa, lo llamaremos tema épico, mucha atención con este tema que volverá a aparecer. El segundo tema que se alza contra el enemigo es una canción india. De apariencia nocturna y calmada, pero que después irá creciendo. Y el tercer tema lo interpretará la flauta, con su luz especial sobre un fondo de cuerda, evocando a lo pastoral como un paisaje ideal, como un atardecer en una aldea.
Para la escritura de este último tema Dvořák se inspiró en un espiritual negro llamado Swing low, sweet chariot. Esta canción pudo haber sido compuesta por Wallace Willis, un negro emancipado en la actual Choctaw, cerca de Oklahoma, antes de 1862, inspirado por el río Rojo, que le recordaba al río Jordán y al profeta Elías que fue llevado al cielo en un carro de fuego. Varias fuentes afirmaron que, junto con Steal away, Sweet low; Swing low, sweet chariot incluye referencias a la red clandestina Ferrocarril Subterráneo, que ayudó a numerosos esclavos afroamericanos a escapar de las plantaciones del Sur hacia el Norte de los Estados Unidos y Canadá.
Este primer movimiento se inicia con una introducción realizada por violas, violonchelos, clarinetes, fagotes y trompas. Un comienzo oscuro, en penumbra, que representa la noche, a la humanidad asolada por la tiranía y la esclavitud. Algo contra lo que hay que rebelarse. Para ello Dvořák crea tres temas como personajes que luchan contra esta sombra.
Segundo Movimiento: Largo
El segundo movimiento será lento y muy contemplativo. Los héroes descansan, meditan y recuerdan cosas. La evocación épica duerme. Suena uno de los temas más apacibles de la historia de la música junto al Solo de Trompa del segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Chaikovski, el tema del corno inglés apoyado sobre la cuerda. En palabras de William Fisher, alumno de Dvořák: “Con su inquietante corno inglés en solitario, es el derramamiento del propio hogar-anhelo de Dvořák, con algo de la soledad de horizontes lejanos de la pradera, el vago recuerdo de los días pasados del hombre pelirrojo, y un sentido de la tragedia del hombre negro que canta en sus ‘espirituales’. Aun más profunda, es una expresión del movimiento de la nostalgia del alma que todos los seres humanos sienten”. (Boston, 21 de julio de 1922). Y así de pacífico seguirá el segundo movimiento, que es como un intermedio en el drama. Es el turno del tema del indio Hiawatha y la muerte de su amada y bella Minnehaha. El nombre de este famoso indio se halla en las mentes de los niños y niñas que nos criamos viendo los cuentos de la factoría Disney. Hagamos memoria y recordemos el relato de El pequeño Hiawatha. El origen de este personaje parece ser el poema épico La canción de Hiawatha (1855), escrito por el poeta estadounidense Henry Wadsworth Longfellow y basado en las leyendas de los indios Ojibwa. En este poema, este héroe de leyenda de los indios americanos es hijo del Viento del Oeste y la bella Winonah. Pues bien, niños y niñas de mi generación, ahora ya jóvenes adultos, mientras disfrutábamos de la aventura de este pequeño indio (y sin darnos cuenta) estábamos escuchando un breve fragmento de la Novena Sinfonía de Dvořák. Mientras Dvořák componía la sinfonía, pasó sus vacaciones en la colonia checa de Spillville, en Iowa. Algunos musicólogos creen que la imagen de las praderas verdes y desiertas de Iowa pudo inspirar el primer tema de este Largo, un tema que se inicia con una serie de acordes con una armonía muy poco convencional. Este tema introductorio acórdico cumple la función de trasladarnos a un nuevo mundo de “leyendas” (como inicialmente tituló Dvořák este movimiento), al igual que hacía Mendelssohn en el inicio de El sueño de una noche de verano. Y esto tiene mucho sentido ya que, como declaró el compositor, los temas que seguirán después hablarán sobre el mundo mitológico de la Canción de Hiawatha. El tema interpretado por el corno inglés vuelve a adoptar el tinte de un espiritual negro usando la escala pentatónica. La elección del corno como solista del tema lo hace en honor de su amigo y cantante ya mencionado, Harry Burleigh, dicho instrumento le recordaba su timbre de voz. Sería precisamente Burleigh quien convertiría este tema en la canción Going Home y quien descubriría a Dvořák la música de los espirituales negros. De hecho, el primer acto de Dvořák como director del Conservatorio neoyorkino fue poner la matrícula gratuita para todos los afroamericanos. Los temas se repetirán de nuevo, pero esta vez añadiendo entre ellos una transición elegíaca en las cuerdas. En la sección central del Largo aparecen dos nuevos temas, tan ligados entre ellos que
incluso podría considerarse al segundo una extensión del primero. Estos dos temas interpretados por las maderas se repetirán luego conducidos por las cuerdas. El último tema en aparecer, de nuevo narra un pasaje en el que se habla del cantar de las aves y del amanecer de la vida animal en el bosque. Nuestro famoso tema épico duerme, pero al final del segundo movimiento despierta y cobra energía de la mano de los trombones. Un contrapunto perfecto contra el dolor vivido en el movimiento anterior.
Tras esto se retoma de nuevo el tema del Scherzo, pero, para dar la entrada al segundo trío, hace de nuevo aparición una sombra distorsionada del tema épico del primer movimiento. El segundo trío hace referencia directa a la boda de Hiawatha y mantiene de nuevo el carácter pastoral y de celebración. La obra se reexpondrá de nuevo hasta su primer trío concluyendo con el tema scherzante y una nueva alusión de la trompa al primer movimiento.
Cuarto Movimiento: Allegro con fuoco Llegamos al último acto, el cuarto movimiento. La sombra, las fuerzas del Mi Menor, siguen apareciendo por la sinfonía. Pero ahora entra en escena un nuevo personaje, el afamado tema de carácter dramático, resuelto, decidido y, por supuesto, heroico. Lo llamaremos el tema poderoso.
La estructura del movimiento posee dos tríos. Es decir, comenzamos con el tema Scherzante de tipo danzarín y festivo, dicho tema, eje central del movimiento, se repetirá una vez más. El primer trío, interpretado por las maderas, mantiene la línea juguetona y alegre, según el musicólogo Michale Beckerman, hace alusión a la canción entonada por el indio Chibiabos en la obra de Longfellow. De nuevo, el compositor checo usa la escala eólica como representante de la cultura india.
Pero este movimiento también acabará en el triste acorde de Mi Menor. ¡No hemos vencido todavía! El combate seguirá en el cuarto y último movimiento con los temas épico, pastoral, afroamericano e indio.
Así que recopilando: primer movimiento, se alzan contra la sombra el tema épico y el tema pastoral; segundo, hay una especie de descanso del guerrero; tercero, se prepara el desenlace, con esa danza india frenética; y cuarto, aparece el tema poderoso, además regresará con más fuerza que nunca el tema épico del primer movimiento.
Tercer Movimiento: Molto vivace Así que primer movimiento trágico (lucha contra la sombra), segundo movimiento lento (como un remanso de paz), y llegamos al tercer movimiento, que prepara poco a poco el acto final. Seguimos luchando contra la sombra. Llegan los indios iroqueses con sus tambores. Tenemos una música frenética convertida en danza guerrera contra los malos espíritus y que convoca a los antepasados. Dvořák amaba la música de los indios americanos porque en el verano de 1893 acogió en su hogar a un grupo de iroqueses y kickapoes.
Una dura y contundente introducción al unísono e in crescendo da el pistoletazo de salida, como una cuenta atrás de lo inminente hasta que los metales inician el conocidísimo primer tema con la percusión reforzando la melodía con fuerza. Con un alarde de contrapunto, las cuerdas se adueñan del tema, volviéndolo menos agresivo, pero más desgarrador. Como en el primer movimiento, Dvořák inserta un tema de transición para llegar al segundo que, en este caso, es una reducción melódica del primero sus notas básicas (una reducción a lo “absurdo”). El segundo tema es lírico y más ligero en contraste con la rotundidad y densidad del primero, se inicia con un solo de clarinete mientras es replicado por las cuerdas, para que luego se sume toda la orquesta en un éxtasis musical. Al segundo tema le seguirá un nuevo tema de transición que servirá de coda que una la exposición con el desarrollo.
El desarrollo vuelve a ser una disputa. Desde la lejanía se enuncia el primer tema jugando con el tema codal y el tema de transición. La primera lucha por la supervivencia se produce entre el tema del corno inglés del segundo movimiento, tocado con un carácter más impetuoso por las maderas, y el tema scherzante del tercero por las cuerdas. Batalla que parece ganar el tema del Largo cuando los metales se imponen abanderando su melodía. Una zona de turbulencias continúa, la tierra parece temblar y las melodías traídas del pasado parecen huir, ya que a las praderas americanas llegan los dos titanes sinfónicos, el épico del primer movimiento hace una aparición efímera y parece desvanecerse ante la imperiosa fuerza del tema principal de este último movimiento que crecerá y crecerá hasta convertirse en su propia reexposición.Lafuerza devastadora del primer tema en los últimos compases del desarrollo ha terminado por fulminar al tema de transición que se omite en esta reexposición. En cambio, el tema A pierde fuelle hasta convertirse en una bestia mansa, en una sombra de lo que fue y conectarse con esa serenidad al tema lírico. En la Coda, Dvořák producirá la otra gran batalla, aprovechando el clima tranquilo y la guardia baja, el grandioso tema del primer movimiento asesta un golpe por sorpresa y, de nuevo, los dos colosos musicales, los dos temas del primer y último movimiento, comienzan su particular batalla con el tema de transición como árbitro o animador. Es una lucha a muerte donde ambos medirán sus fuerzas en una legendaria batalla final. Ante las praderas desoladas por la conflagración, vuelve a aludirse los dos temas del segundo y terceros movimientos, pero entonces el justo vencedor se levanta. Ambos titanes se elevan hermanados en un final apoteósico y triunfal. El nuevo estilo norteamericano acaba de nacer.Ensu estreno en diciembre de 1893 la Sinfonía del Nuevo Mundo tuvo un éxito arrollador. Una de las razones de este éxito fue el carácter revolucionario de la misma. El que Dvořák insertara temas indios y afroamericanos era algo que no se podía hacer, por aquel entonces era impensable que en una sinfonía de un maestro europeo se metieran temas musicales de “razas inferiores”.
Ojalá podamos captar la grandeza de este monumento musical. La diferencia entre un genio creador y un mero combinador de sonidos es que el genio crea mundos y seres vivos, con un estilo propio, y luego esos seres se posan en nuestra conciencia y nos visitan en nuestros sueños. Pues en los sueños encontramos un mundo enteramente nuestro, sumerjámonos en el mar más profundo, sobrevolemos la más alta nube.
Tomado de: https://www.melomanodigital.com/sinfonia-del-nuevo-mundo/
Santiago Zumbana Xavier
Luis Carlos García Juan JosephCynthiaAbrilPerlaza***Jadán
Contrabajos
SelenaStalinAndrésPaulaJuanPatricioSantiagoMoraPacchaLitumaJoséRamónAragundi***Gualpa***Pinos***Vega***
David CristianSergioTigreToledoTorres
Silvio
Violas
Jhomayra Cevallos
Flautas / Piccolo
Sara Navarrete ** Pablo Arízaga
Jackson Sánchez
Gabriela Ruque
Paulo Morocho *
Concertino
Violines I
Luis Paccha *
Artistas en escena Isaac DirectorOrmazainvitado
Clarinetes
Oboes
Sofía
Marco Saula
Finn
PatriciaJuanMaríaVanessaEsthelaAndrésDanielJéssicaBravoCárdenasArpiSangurimaSaulaLituma***FernandaVásquez***Gutama***Iñiguez
RocíoIsabelCarolinaGeraldineDixonWaldenburg***DelgadoDávila***Lasso***RodasGómez
Bryan FranklinCondoyChapalbay
Sandra Fernández**
Violines II
Violoncellos
GiselleDannyPacchaCondoVerdugo***
Adriana Fernández
HomeroFabiánMacancelaPeraltaSumba***
Trombones
Germania Gallegos
John Ramón
Ángel
Freddy Lojano
Tuba
Tomás MarceloBernal**Villacis**
Patrica Andrade
Arpa Tina Stürzinger
Percusión
Cristian Tacuri
Juan Carlos Pensantes*** Steven Sumba***
Miguel García**
Fernando Mendieta
Piano
* Músico Principal ** Músico Extra *** Músico Voluntario
Patricia Martínez * Reynaldo Arce
David PatricioFaustoZumbanaPacchaAlvarado
Fagotes
Trompetas
David Bermeo
Dino Paccha *
Wilson Merino
Cornos
Orquesta Sinfónica de Cuenca Dirección: Calle Larga y Av. Huayna Cápac Teléfono: 4109 186 Correo: info@sinfonicacuenca.gob.ec www.sinfonicacuenca.gob.ec Aniversario SEGUNDA TEMPORADA 2022 Todos cordialmente invitados a las grandes sorpresas que hemos planificado para la segunda temporada de conciertos 2022. Gratitud infinita por su apoyo, presencia, aplausos, comentarios, sugerencias, calidez! ¡Los esperamos a todos!
