Noche de Boleros, con Sandra Argudo y Diego Zamora

Noche de

BOLEROS Michael Meissner, Director Titular

Sandra Argudo y Diego Zamora, Solistas Invitados

Jueves 04 de febrero, 19:00 Teatro Casa de la Cultura

(Luis Cordero y Sucre)

ministerio DE cultura y patrimonio INSTITUTO DE FOMENTO A LA CREATIVIDAD Y A LA INNOVACIÓN

Michael Meissner, Director Titular Sandra Argudo, Diego Zamora Solistas Invitados

Jueves 03 de febrero 2021, Teatro Casa de la Cultura (Luis Cordero y Sucre)

Repertorio A. Olivero Betún, Orquestal

*Contigo Aprendí - Como yo te amé *Júrame Canta: Sandra Argudo *Solamente una vez *Los pájaros perdidos Canta: Diego Zamora

Astor Piazzolla Libertango, Orquestal

*El día en que me quieras *Piel Canela Canta: Sandra Argudo *Granada *Capullito de Alhelí Canta: Diego Zamora Popurrí de Boleros Cantan: Sandra Argudo y Diego Zamora

Michael MEISSNER

Director Titular Orquesta Sinfónica de Cuenca

European prize for Fine Arts Originario del norte de Alemania, egresó de la Escuela Superior de Música en Múnich, con el título de solista de violín y de profesor de música. Después de diecisiete años como concertino de la Filarmónica de Regensburg y director de la Camerata Ratisbonense en Bavaria, llegó a México en 1990 como concertino de la Filarmónica de la Ciudad de México. Fundó el Cuarteto de la Ciudad de México y los festivales internacionales Música del Mar en Huatulco y Viva Vivaldi en la Ciudad de México.

Es director artístico de las orquestas Sinfonieta mexicana y Orquesta Viva Vivaldi. Ha producido y dirigido 13 óperas –entre ellas el estreno mundial de Eunice de Luis Humberto Salgado– y ha estado al frente de más de 40 orquestas en América Latina y en Europa.

En 2009 fue nombrado director de la Orquesta de Cámara de Morelos (México), con la cual grabó el disco Hacia las llamas y realizó dos giras en Europa. En Praga obtuvo el European Prize for Fine Arts 2010 de la Unión Europea. Es miembro de honor de la Association Rafaele d’Alessandro en Suiza, y director huésped permanente de la Filarmonía Sudecka, Polonia.

Como investigador ha restaurado y editado obras de Vivaldi, Rolón, Ponce, Moncayo, Revueltas, Brahms, Dvorak, Schumann, De Falla, Bustamante Celi, Corsino Durán y Luis Humberto Salgado, entre otras. Con la Orquesta Sinfónica de Cuenca grabó en 2017 un disco con obras de Jorge Oviedo, y en 2019 las nueve sinfonías de Luis Humberto Salgado. Desde 2018 es miembro honorífico de la Fundación Luis Humberto Salgado.

Desde 2016 es director titular de la Orquesta Sinfónica de Cuenca en Ecuador.

Sandra ARGUDO SOPRANO

(Cuenca, Ecuador). Cantante desde sus cinco años de edad.

Su madre Isabel Cobos fue su primera maestra de música.

Ingresó al Conservatorio José María Rodríguez y formó parte del Coro Infantil, prejuvenil y juvenil del mismo.

Desde los quince años empieza su vida artística a nivel profesional siendo la voz principal con varios grupos musicales y también como solista invitada de las orquestas sinfónicas de Cuenca y Nacional de Quito.

Continúa sus estudios en la Universidad de Montemorelos Nuevo León (México) y recibe su título como Licenciada en Canto Lírico en la Universidad de Cuenca.

Trayectoria profesional - Ha cantado en vivo con varios artistas de fama internacional como Alberto Plaza, Ana Gabriel, Cristian Castro, Miriam Hernández, Alejandro Fernández, entre otros.

- Realizó grabaciones discográficas junto a Los Visconti de Argentina y Los Antares de Colombia.

- Ha representado al Ecuador en 7 Festivales Internacionales en Guadalajara México.

- Ha incursionado dentro del género de la ópera brindando varios recitales junto a la Orquesta Sinfónica de Cuenca.

- Formó parte del coro polifónico de la Universidad de Montemorelos en México, siendo solista en varias ocasiones.

- Ha participado en eventos nacionales como La Flauta Mágica de Mozart en Quito, Una voce poco fa en Riobamba y Elixir de Amor de Donizetti en Cuenca.

- Su producción artística titulada Música Nacional ecuatoriana hace un homenaje a lo mejor de nuestros géneros musicales que permiten identificarnos e involucrarnos con la cultura y sus diferentes manifestaciones. Todo esto se conjuga en temas como los pasillos Faltándome Tú, Como si fuera un niño, albazos Tormentos, Dolencias, Sanjuanitos Palomita Cuculí, Carabuela, Aire Típico Maicito, Fox incaico Vasija de Barro, pasacalles Por algo me han de recordar entre otros... Este disco fue realizado y producido en México y Ecuador. Con esto tuvo la oportunidad de difundir la música ecuatoriana en otras latitudes y enamorar a los compositores mexicanos de la riqueza melódica y armónica que tiene nuestra música. Además, incluyó dos temas inéditos como son el yaraví La tumba del corazón y el albazo Amor cantándote del compositor cuencano Rubén Mosquera Crespo.

Presentaciones Debido a su éxito obtenido, la gran acogida y apoyo del público ecuatoriano ha sido invitada a varios conciertos en las principales ciudades de Ecuador como Quito, Guayaquil

y también a nivel internacional ha visitado varias veces Nueva York, compartiendo escenario con artistas de renombre como en el evento que realizó junto a Miriam Hernández, Marisela y Karina. siendo la única ecuatoriana (cuencana) en este evento denominado Cuando las mujeres cantan.

Así también estuvo compartiendo escenario el con el artista Marco Antonio Solís.

Su éxito en los EE.UU. se ha consolidado a lo largo de los años de su carrera profesional, brindó un concierto exclusivo con la artista venezolana Karina, y el muy reconocido artista Piero de Argentina, dejando en alto el nombre del Ecuador.

Por su constancia y trayectoria artística es siempre contratada por empresarios ecuatorianos residentes en los EE.UU. como la artista revelación del momento denominándola como La embajadora de la música ecuatoriana, teniendo varias presentaciones en donde el público que asistió disfrutó de la música al estilo de Sandra Argudo.

Está celebrando loas 25 años de vida artística haciendo un homenaje a todos los géneros musicales realizados a lo largo de su trayectoria, con los que ha tenido una gran acogida.

En la actualidad está preparando su nueva producción discográfica en el que destacarán temas que ella los ha hecho muy conocidos a su estilo y tiene una apretada agenda de conciertos y presentaciones tanto a nivel nacional como internacional.

Diego ZAMORA BARÍTONO

Cantautor, recientemente designado Embajador Turístico

del Ecuador por su trayectoria musical a nivel nacional e internacional. Con 28 años de carrera artística ha alcanzado diversas preseas, siendo la ultima la designada por el Honorable Congreso Nacional de Paraguay, y los más altos honores de la Asamblea Nacional del Ecuador al mérito Cultural. Fundador y presidente de la Corporación Cultural Diego Zamora. Fundador y gestor del Primer Concurso Nacional de canto lírico “Cantópera”.

Ha alcanzado méritos a nivel nacional e internacional: GANADOR del concurso mundial de canto lírico en “Salzburg

Voice Festival” Salzburgo, Austria, Medalla al mérito cultural “Francisco Paredes Herrera”, Condecoración “Doctor Vicente Rocafuerte” al Mérito Cultural por la Asamblea Nacional, Medalla Bicentenario al Mérito Cultural Internacional. Finalista en el Concurso de Canto Lírico en el Metropolitan Opera House, EE.UU. Galardonado con la mención al Mérito Cultural Artístico entregado por la Casa de la Cultura Benjamín Carrión. Galardonado con la mención de “Héroe Cultural en la pandemia” por la Dirección de Cultura de la M.I. Municipalidad de Guayaquil.

Distinguido con el Acuerdo al Mérito Artístico otorgado por la M.I Municipalidad de Guayaquil. Condecorado con el galardón internacional al “Ciudadano prominente” entregado por Rotary Internacional “CR Santa Ana de los Ríos, Cuenca”.

Representante del Ecuador en festivales, conciertos, recitales de canto lírico como popular latinoamericano en: México, Panamá, Colombia, Perú, Venezuela, Argentina, EE. UU., Italia, España, Portugal, Austria, Alemania, Paraguay.

Autor y compositor de importantes obras musicales en diferentes géneros, destacando los ritmos propios del Ecuador, así como también, la ejecución de instrumentos autóctonos.

Historia de los BOLEROS Originario de Cuba, este género musical se ha convertido en un regalo para México y el mundo como una forma de expresión romántica. A lo largo de la historia y las diferentes transformacionessociales se ha ido enriqueciendo y aportando a la riqueza cultural.

El bolero típico cubano surgió alrededor de 1840, siendo considerado el primer bolero Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en 1833. Esta composición dio origen formal al género con el acompañamiento musical que denominamos clásico de guitarras y percusión.

Para la entrada de este género a México, Yucatán jugó un papel muy importante, ya que fue por este lugar de gran intercambio comercial y cultural, donde ingresó a finales del siglo XIX, junto con sones y guarachas propias de Cuba.

Durante los años 20 del siglo pasado comienzan los primeros pasos del bolero en México con canciones como Morenita mía del compositor regiomontano Armando Villarreal o En el fuego de tus ojos de Ricardo Palmerín; siendo la composición de Guty Cárdenas el verdadero detonante de este ritmo, el bolero Nunca.

Posteriormente para el año de 1930 se graba en Nueva York el bolero Aquellos ojos verdes compuesta por dos cubanos, Nilo Menéndez y el tenor Adolfo Utrera, esta grabación fue cantada por el propio Adolfo Utrera y en los pianos Nilo Menéndez y Ernesto Lecuona, siendo un éxito total en México y en el exterior.

Durante los años 30 los boleros tuvieron su boom; el cabaret fue crucial para la creación de estas piezas musicales, ya que la atmósfera de nostalgia y jugueteo romántico propició la invención de letras ingeniosas y llenas de sentimiento.

Además de que recientemente había acontecido un hecho lamentable para la música latinoamericana y el tango: la

muerte de Carlos Gardel en 1935, la cual abrió mayores posibilidades para el género cubano.

Este género permeó la vida cotidiana, dominando durante 30 años (1935-1965) el mundo latinoamericano; en un principio los tríos de guitarra tuvieron gran presencia para luego integrar a las grandes orquestas tropicales, las orquestas al estilo big-band, y por último, verdaderas orquestas sinfónicas, añadiendo cada una de ellas un toque único a este género.

Cuba y México se convirtieron en los verdaderos semilleros artísticos para el bolero, esto se debe a las guerras mundiales en dos sentidos, el primero por el aislamiento por el conflicto bélico internacional fue posible que muchos artistas pudieran destacarse como compositores y/o intérpretes y por otro lado era necesario algún recurso que pudiera mantener distraída a la gente de la constante violencia y conflictos políticos, propiciando la época dorada de los boleros.

Así mismo la difusión a través del radio; radiodifusoras, algunas estaciones continúan transmitiendo hasta nuestros días los miles de hermosos y nostálgicos boleros.

Definitivamente las emisoras fueron cruciales en este proceso, puesto que el bolero se hizo cada vez más popular, constante y solicitado por el público con transmisiones en vivo, lo que propició el surgimiento de figuras como Pedro Infante, Javier Solís, Agustín Lara, Daniel Santos Betancur, Orlando Contreras, Carlos Argentino, Sonora Matancera de Cuba, Aníbal “Sensación Velázquez”, Rolando La Serie, Bienvenido Granda, Leo Marini, Los Tres Reyes, Felipe Pírela, Los Panchos, María Antonia Peregrino “Toña La Negra”, Consuelito Velázquez, Jorge Negrete, Los Tecolines entre muchos otros.

Posteriormente este género se conservará gracias a figuras como Armando Manzanero, Rocío Dúrcal o Marco Antonio Muñiz, Alci Acosta, Olimpo Cárdenas, Julio Jaramillo, Juan Gabriel, Luis Miquel, Marco Antonio Solís, entre muchos otros que lo prefieren por su lirismo literario y una gran riqueza melódica. Incluso en la actualidad diversos proyectos independientes se han aventurado a realizar este tipo de producciones con arreglos más novedosos y/o mezclas más eclécticas teniendo excelentes resultados.

Notas al PROGRAMA

Betún. A. Olivera. Esta obra fue bautizada con este nombre en

analogía a su significado en la industria petroquímica, en la que el betún es la fracción más pesada del petróleo, en palabras del compositor, “esta es una pieza que pretende ser sencilla, franca y directa”, asemejándose a la densidad de este compuesto petroquímico. La forma musical de Betún se aproxima al rondó o al ritornello. Toma algunos de los elementos del danzón tradicional, como la llamada o anuncio y el son montuno. Esta obra está dedicada al compositor Arturo Márquez y a su esposa Laura Calderón de la Barca.

Contigo aprendí, Armando Manzanero. La vida y trayectoria de Armando Manzanero (1935-2020) estuvo cargada de éxitos. Sus creaciones, que sobrepasaron los 400 temas, se convirtieron en algunos casos en verdaderos himnos para distintas generaciones, tal es el caso de Contigo aprendí. En muchas entrevistas, el cantautor ha colocado al tema aparecido un 5 de abril de 1967 en su disco A mi amor... con mi amor, como su favorita y que con ella alcanzó su propia madurez como compositor. De hecho, es considerado uno de sus mayores éxitos y ha sido interpretado con éxito rotundo por varias voces latinoamericanas.

Contigo aprendí Contigo aprendí que existen nuevas y mejores emociones, contigo aprendí a conocer un mundo nuevo de ilusiones.

Aprendí que la semana tiene más de siete días, a hacer mayores mis contadas alegrías y a ser dichoso yo contigo lo aprendí.

Contigo aprendí a ver la luz del otro lado de la luna, contigo aprendí que tu presencia no la cambio por ninguna.

Aprendí que puede un beso ser más dulce y más profundo, que puedo irme mañana mismo de este mundo.

Las cosas buenas ya contigo las viví, y contigo aprendí que yo nací el día en que te conocí.

Como yo te amé, Armando Manzanero. Armando Manzanero nació en 1935, en Mérida, Yucatán, México, y ha sobrevivido a Agustín Lara, Pedro Vargas y a otros famosos cantantes y boleristas. A los 10 años aprendió a tocar el piano y a los doce ya se ganaba la vida con

este instrumento. A los quince, de lunes a sábado, tocaba durante un cuarto de hora en la emisora XWFC, lo que le permitió promocionar su nombre. Luego logró colocarse como pianista de tiempo completo en el bar Candilejas, en ciudad de México. En 1953 visitó a Colombia como pianista de Lucho Gatica, el que luego empezó a darle algún prestigio cuando, en 1960, incluyó alguno de sus temas en uno de sus discos.

En 1967 Carlos Rico, su amigo y paisano, impuso los temas Adoro y No. Pero fue Rubén Fuentes, director de la RCA Víctor Mexicana, quien definió su vida como artista y lo lanzó al estrellato, al convencerlo de que interpretara, con una gran orquesta, sus propias composiciones.

Así salió al mercado su primer disco: A mi amor ... con amor, en el que se incluyeron, además de los ya conocidos Adoro y No, otras canciones que rápidamente se convertirían en éxitos como: Aquel señor, Esta tarde vi llover, Contigo aprendí y Cuando estoy contigo. La fama de Manzanero, con este álbum de larga duración, se extendió por todo el continente y los principales cantantes se pelearon sus canciones: Olga Guillot, Roberto Ledesma, Marco Antonio Muñiz, Pedro Vargas, Los Panchos, María Marta Serra Lima y Angélica María.

Sólo cada uno de nosotros es dueño de su único amor. Sólo nosotros sabemos amar, lo que quiere decir que el amor es único, aunque nos pertenezca a todos. ¿Quién no ha sentido que su amor es único? Porque cada amor es el último, el único, el supremo. Todos los cantantes, los poetas y los enamorados lo hemos escrito, cantado, soñado y perdido.

Todos, con Manzanero, seguimos diciendo: Como yo te amé Como yo te amé jamás te lo podrás imaginar pues fue una hermosa forma de sentir, de vivir, de morir y a tu sombra seguir Así yo te amé Como yo te amé Ni en sueños te lo podrás imaginar Pues todo el tiempo, te pertenecí.

Ilusión no sentí que no fuera por ti así es como te amé.

Como yo te amé por poco o mucho tiempo que me quede por vivir es verbo que jamás podré volver a repetir.

Comprendo que fue una exageración Lo que yo te amé como yo te amé

no creo que algún día me lo quieras entender tendrás que enamorarte como yo lo hice de ti para así saber Cuanto yo te amé.

Júrame, María Grever. Hija de la mexicana Julia Torres y el español Francisco de la Portilla, la compositora María Grever –cuyo nombre verdadero era María Joaquina de la Portilla Torres– nació el 16 de agosto de 1884 en León, Guanajuato. Fue la primera compositora en tener un reconocimiento internacional en la época romántica de la canción mexicana. Llegó a escribir alrededor de mil canciones, de acuerdo con la editora Grever Music Publishing. Algunas de las más conocidas son: Cuando vuelva a tu lado, Júrame, Muñequita linda, Te quiero, dijiste, Alma mía, Despedida, Ya no me quieres, Por si no te vuelvo a ver, Vida mía.

Fue una niña prodigio: a los cuatro años compuso un villancico para Noche Buena. Estudió en el Colegio del Sagrado Corazón. Durante su infancia, vivió en la Hacienda de San Juan de los Otates, de su abuelo materno. Su padre fue un comerciante andaluz, que hizo fortuna y dio a sus hijos tutores para que estudiaran piano, inglés, francés e italiano.

Viajaban mucho y estaban por temporadas en Madrid, Londres y París.

Estudió con Claude Debussy y Franz Lehár, quien le sugirió que no se sujetara a la técnica musical y conservara su espontaneidad. En España murieron su padre y su tío Joaquín, por lo que la familia se regresó a México para establecerse en la capital. Ahí María estudió canto en la academia de su tía, doña Refugio Torres, en la colonia Santa María, cuando contaba ya con 14 años de edad. A los 22 años (en 1907), se casó con León Augusto Grever, un alto ejecutivo petrolero que estaba encargado de la construcción del ferrocarril en la época porfirista. Ella ya había estudiado la carrera de concertista de piano, así como composición, armonía y orquestación. Al casarse, se fueron a vivir a Jalapa, donde comenzó a escribir sus propias canciones, que la inmortalizarían. María Grever se caracterizó por su estilo romántico y elegante. Formó parte, junto con la cubana María Teresa Vera, autora de Veinte años, y su compatriota Consuelo Velázquez, del grupo de mujeres compositoras que destacaron en el mundo del bolero. No obstante, también efectuó composiciones de otros estilos musicales, como el swing, foxtrot, beguine, rumba y vals, entre otros.

Júrame fue grabado por primera vez por su compatriota el actor y cantante José Mojica, que a la edad de 47 años (1942) abandona el mundo artístico e ingresa en la orden franciscana, y pasa a llamarse Fray José de Guadalupe Mojica. El artista Juan Camacho llegó al número uno en el año 1976. El éxito tanto nacional como internacional sirvió para que Juan Camacho. Con el paso del tiempo, Júrame se convirtió en una de las canciones banderas y de las más demandadas en emisoras y conciertos.

Júrame Júrame que, aunque pase mucho tiempo pensarás en el momento en que yo te conocí…

Bésame con un beso enamorado como nadie me ha besado desde el día en que nací.

Quiéreme quiéreme hasta la locura y así sabrás la amargura que estoy sufriendo por ti.

Solamente una vez, Agustín Lara. Bolero del cantautor mexicano Agustín Lara (1900-1970), quien estando en Buenos Aires compuso uno de los boleros más famosos del mundo. Lo estrenó la cantante mexicana Ana María González en Argentina en 1941. La cantante mexicana Dora Luz lo cantó en inglés en la película de Walt Disney Los tres caballeros (1944). Fue compuesto y dedicado al cantante y actor José Mojica al saber que se convertiría en fraile franciscano. Uno de los boleros más célebres del gran Agustín Lara, Solamente una vez, tiene su origen en una vocación religiosa, la de su primer intérprete, el cantante y actor mexicano José Mojica (1896-1974), quien ingresó en 1942 en el seminario franciscano de Cuzco (Perú) nada más terminar de filmar la película Melodías de América.

Solamente una vez Solamente una vez ame en la vida.

Solamente una vez y nada más.

Una vez, nada más en mi huerto brillo la esperanza.

La esperanza que alumbra el camino De mi soledad.

Una vez, nada más se entrega el alma con la dulce y total renunciación.

Y cuando ese milagro realiza el prodigio de amarse hay campanas de fiesta que cantan en el corazón.

Los pájaros perdidos, Astor Piazzolla. El Tango nació a fines del siglo XIX. Se caracteriza por una rica mezcla de ritmos musicales de

inmigrantes italianos y españoles, de los criollos (descendientes de los conquistadores españoles) y de un tipo de batuque de los negros llamado “candombe”. Tiene gran influencia de la Habanera y del Tango Andaluz. Fue expresión folclórica de las poblaciones pobres que se mezclaban en los suburbios de Buenos Aires. En su fase inicial era puramente bailable. El pueblo se encargaba de improvisar las letras, las que eran siempre humorísticas y picantes. Por lo tanto, las letras no eran específicas para la música, ni asociadas definitivamente a ella.

Los Pájaros Perdidos, Tango escrito por Mario Trejo y musicalizada por Astor Piazzolla por el compositor argentino Astor Piazzola.

Interpretado por varios artistas de renombre como la cantante italiana Milva, la norteamericana Jeanne Lee, el barítono-bajo Erwin Schrott, el contratenor francés Philippe Jaroussky entre otros. Se ha convertido en una pieza de referencia mundial y forma parte del repertorio académico de conservatorios alrededor del mundo. Laletra escrita por Mario Trejo refleja el amor perdido, la soledad que deja cuando un ser amado se va quizá para nunca volver. Este tema conjuga claramente la corriente contemporánea del tango, las nuevas sonoridades y nuevas fusiones que sufría este género a comienzos de los 80’s, con la corriente tradicional que mantenía características propias del tango en sus inicios como parte del folklor musical argentino. (Juan Carlos Cerna) Los pájaros perdidos.

Amo los pájaros perdidos que vuelven desde el más allá, a confundirse con un cielo que nunca más podré recuperar.

Vuelven de nuevo los recuerdos, las horas jóvenes que di y desde el mar llega un fantasma hecho de cosas que amé y perdí.

Todo fue un sueño, un sueño que perdimos, como perdimos los pájaros y el mar, un sueño breve y antiguo como el tiempo que los espejos no pueden reflejar.

Después busqué perderte en tantas otras y aquella otra y todas eras vos por fin logré reconocer cuando un adiós es un adiós, la soledad me devoró y fuimos dos.

Vuelven los pájaros nocturnos que vuelan ciegos sobre el mar, la noche entera es un espejo que me devuelve tu soledad.

Soy sólo un pájaro perdido

que vuelve desde el más allá a confundirse con un cielo que nunca más podré recuperar.

Libertango. Astor Piazzolla. Su título es una palabra compuesta por los términos “libertad” y “tango”, presumiblemente como bandera de la libertad creativa que buscaba Piazzolla al crear el llamado tango nuevo, a diferencia del tango clásico. Fue un genio de Argentina para el mundo, se dice que Piazzolla no ha muerto, que aún camina por las calles de Buenos Aires y que quien escucha su música recupera minutos de vida. Libertango fue publicada en el año 1974 en un disco homónimo. Este compositor, nacido en 1921 y fallecido en 1992, fue el responsable de renovar el género del tango en Buenos Aires, cosa que le hizo ganar más de una crítica por parte de los puristas.

Libertango, ya desde su título, expresa la voluntad de Piazzolla por abrir el compás de la tradición para que tuvieran cabida los ecos sonoros de una sociedad en transformación como lo era la segunda mitad del siglo XX. El título es, en sí mismo, una aclamación por la libertad musical y por la creatividad.

Ciertamente, Piazzolla no la tenía fácil. La ruptura que supuso su estilo fue muy mal recibida por los representantes de la tradición tanguera. Llegó a ganar el epíteto de “asesino del tango”. El rechazo no se limitaba a una opinión descalificadora.

Algunas emisoras de radio se opusieron a difundir su música y las discográficas temían editarlo ante la crítica vehemente de las “vacas sagradas” del tango tradicional. No es que no tuviera admiradores en su tierra natal, pero sus adversarios hacían mucho ruido en su contra.

Piazzolla no cedió en su espíritu creativo. Tras años de trabajo constante, en los que había conquistado la complicidad del público más receptivo, y tras su consagración en Europa con el éxito de Libertango, Piazzolla logró finalmente que la crítica argentina valorara de manera resuelta su propuesta. Así llegó a convertirse en un icono del tango.

El día que me quieras, Carlos Gardel. El día que me quieras es una famosa canción originada en Nueva York con música compuesta por Carlos Gardel con letra de Alfredo Le Pera y arreglos musicales de Terig Tucci, grabada por primera vez el 19 de marzo de 1934 bajo el sello RCA Víctor, en disco single de shellac a 78 RPM en el lado A, como tema de la película homónima, dirigida por John Reinhardt bajo el sello Paramount. En el lado B de aquel sencillo venía grabada la canción Volvió una Noche, tema que fue grabado el 19 de marzo de 1934, también con la letra de Alfredo Le Pera y compuesta por Carlos Gardel. Desde que se editó en 1935 casi al mismo tiempo que la película de cuyo soundtrack proviene, la canción El día que me quieras fue la canción más popular de Carlos Gardel. Hoy no solo es un standard interpretada por prácticamente todos los cantantes del mundo hispano, es universalmente reconocida como posiblemente la mejor canción

romántica en español de todos los tiempos. Se contabilizan unas 200 versiones de la obra. Una curiosidad sobre este bolero: Mientras la melodía de Gardel es totalmente original, la letra de Lepera parece inspirada en el poema El día que me quieras del poeta mexicano Amado Nervo.

El día que me quieras Acaricia mi ensueño El suave murmullo De tu suspirar Como ríe la vida Si tus ojos negros Me quieren mirar Y si es mío el amparo De tu risa leve Que es como un cantar Ella aquieta mi herida Todo, todo se olvida El día que me quieras La rosa se engalana Se vestirá de fiesta Con su mejor color Y al viento las campanas Dirán que ya eres mía Y locas las fontanas Se contarán su amor La noche que me quieras Desde el azul del cielo Las estrellas celosas Nos mirarán pasar Y un rayo misterioso Hará nido en tu pelo Luciérnagas curiosas que verán Que eres mi consuelo El día que me quieras No habrá más que armonía Será clara la aurora Y alegre el manantial Traerá quieta la brisa Rumor de melodía Y nos darán las fuentes Su canto de cristal El día que me quieras Endulzará sus cuerdas El pájaro cantor Florecerá la vida No existirá el dolor

La noche que me quieras Desde el azul del cielo Las estrellas celosas Nos mirarán pasar Y un rayo misterioso Hará nido en tu pelo Luciérnagas curiosas que verán Que eres mi consuelo.

Piel canela, Boby Capó. Extraordinario músico de Puerto Rico: Félix Manuel Rodríguez Capó, Bobby Capó para la inmortalidad.

Considerado uno de los pioneros de los cantautores hispanos, entre sus composiciones se destacan Piel canela, El negro bembón, El bardo, Luna de miel en Puerto Rico, Sin fe, Triángulo y María Luisa. La nostalgia por el lar nativo le inspiró clásicos como Soñando con Puerto Rico y también lo llevó a hacer denuncias con canciones como Despierta borincano.

Su dominio de géneros musicales fue impresionante. Su composición Llorando me dormí ha sido reconocida como la primera balada escrita por un puertorriqueño. Esta trascendió internacionalmente en medio de la invasión de la Nueva Ola en la década del 60. Para esos años su composición Jacqueline, dedicada a la entonces primera dama de los Estados Unidos, Jacqueline Kennedy Bouvier, causó controversias en México.

Entrada la década del 70, Bobby trabajó en la Oficina de Puerto Rico en Nueva York, en la División de Migración y finalmente en la Junta de Libertad Bajo Palabra. Falleció el 18 de diciembre de 1989.

Piel canela Que se quede el infinito sin estrellas O que pierda el ancho mar su inmensidad Pero el negro de tus ojos que no muera Y el canela de tu piel se quede igual Si perdiera el arcoíris su belleza Y las flores su perfume y su color No sería tan inmensa mi tristeza Como aquélla de quedarme a sin tu amor Me importas tú Y tú y tú Y solamente tú Y tú y tú Me importas tú Y tú y tú Y nadie más que tú Ojos negros piel canela Que me llegan a desesperar Me importas tú Y tú y tú

Y solamente tú Y tú y tú Me importas tú Y tú y tú Y nadie más que tú Me importas tú Y tú y tú Y solamente tú Y tú y tú Me importas tú Y tú y tú Y nadie más que tú Me importas tú Y tú y tú Y solamente tú Y tú y tú Me importas tú Y tú y tú Y nadie más que tú Ojos negros piel canela Que me llegan a desesperar Me importas tú Y tú y tú Y solamente tú Y tú y tú Me importas tú Y tú y tú Y nadie más que tú Granada, Agustín Lara. Es una canción escrita en 1932 por el compositor mexicano Agustín Lara, que con el paso del tiempo se ha convertido en un clásico. Trata de la ciudad española de Granada. Si bien Agustín Lara escribió la canción Granada, acerca de esta ciudad española, él no la visitó hasta 1954, veintidos años después de la composición.

El pleno del Ayuntamiento de Granada, por unanimidad, acordó en su sesión de fecha 4 de septiembre de 1997 establecer como Himno Oficial de la Ciudad de Granada la versión adaptada por el profesor D. Luis Megías Castilla de esta canción; así consta en la web oficial de esta corporación.

Compuesta para Pedro Vargas, “el Tenor de América”, el tema pronto se hizo extremadamente popular. Las versiones más populares son frecuentemente cantadas con estilo operístico, a veces por intérpretes de la talla de Jorge Negrete, Javier Solís, Claudio Villa, Juan Arvizu, Néstor Mesta Chayres, Mario Lanza, Hugo Avendaño, Luis Mariano, Filippa Giordano, Alfredo Kraus, Alfonso Ortiz Tirado, Fritz Wunderlich, Jaume Aragall, José Carreras, Plácido Domingo, Andrea Bocelli, Juan

Diego Flórez, Javier Camarena, Luciano Pavarotti y el trío de pop-lírico italiano Il Volo.3 Además, existen versiones en estilos tan diversos como el jazz, pop, easy listening, flamenco o rock. Hay versiones en inglés, como la cantada en 1966 por Frank Sinatra al gusto del chacha-chá de la época, e incluso en alemán y en hebreo.

Granada Granada, tierra soñada por mí Mi cantar se vuelve gitano cuando es para ti Mi cantar hecho de fantasía Mi cantar flor de melancolía Que yo te vengo a dar.

Granada Tierra ensangrentada En tardes de toros Mujer que conserva el embrujo De los ojos moros Te sueño rebelde y gitana Cubierta de flores Y beso tu boca de grana Jugosa manzana Que me habla de amores.

Granada manola Cantada en coplas preciosas No tengo otra cosa que darte Que un ramo de rosas De rosas de suave fragancia Que le dieran marco a la virgen morena.

Granada Tu tierra está llena De lindas mujeres De sangre y de Sol. Capullito de alhelí, Rafael Hernández. Compositor, es el más importante artesano de la canción de Puerto Rico, traspasó las fronteras de su pequeña isla hasta alcanzar con su música trascendencia universal. Lo consideran el más grande jibarito. Nació el 24 de octubre de 1891 en Aguadilla, Puerto Rico. A la edad de doce años comenzó su educación musical, aprendiendo varios instrumentos de viento.

Más tarde aprendió guitarra y piano. Con motivo de la Primera Guerra Mundial se alista en las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos, con los que viaja a Francia. Una vez licenciado, viaja a Nueva York y Cuba. Comienza a componer sus primeras canciones sobre el tema patrio, dándose a conocer con Lamento borincano, El buen borincano, Mamá, Borinquen me llama y Campanitas de cristal. En Nueva York

organiza el Trío Borinquen en 1926, con el que viaja por toda América.

Sus grandes éxitos de esta época son Capullito de alhelí y Silencio. En 1934 organiza el “Cuarteto Victoria”, con el que interpreta los temas Perfume de Gardenias, Lamento Borincano y Preciosa, siendo las dos últimas tal vez sus composiciones más profundamente sentidas y reflejo de su amor patrio. Es un ícono de la cultura puertorriqueña con más de dos mil composiciones. Llegó a ser conocido a nivel mundial con canciones como Preciosa, Lamento Borincano, El Cumbanchero, Campanitas de Cristal, Cachita, entre otras. No solo escribió temas de música puertorriqueña, sino que también géneros cubanos, mexicanos y otros; cultivó la guaracha, la rumba, el bolero, danza puertorriqueña, vals, canción criolla, villancico navideño, aguinaldo, plena, canción patriótica, temas infantiles, corridos mexicanos, himnos, marchas, cantos negroides. También compuso música culta, para zarzuelas y operetas. Murió el 11 diciembre 1965.

Capullito de alhelí Lindo capullo de alhelí Si tú supieras mi dolor Correspondieras a mi amor Y calmaras mi sufrir Porque tú sabes que sin ti La vida es nada para mí Tú bien lo sabes Capullito de alhelí No hay en el mundo para mí Otro capullo de alhelí Que yo le brinde mi pasión Y que le dé mi corazón Tu solo eres la mujer A quien he dado mi querer Y te juré lindo alhelí Fidelidad hasta morir Por eso yo te canto a ti Lindo capullito de alhelí Dame tu aroma seductor Y un poquito de tu amor Porque tú sabes que sin tí La vida es nada…

ARTISTAS en escena

Michael Meissner, Director Titular Sandra Argudo, Diego Zamora Solistas Invitados Concertino Patricio Mora Violín I Marco Saula Xavier Mora Santiago Paccha Violín II Carlos Andrade Sofía Bravo Jhomayra Cevallos Viola Luis Paccha* Joseph Jadán Violoncello Yackson Sánchez Adriana Fernández Contrabajo David Tigre Christian Torres Bajo Eléctrico Christian Torres

Oboe Silvio Paccha Dani Condo Clarinete Franklin Chapalbay Fagot Germania Gallegos Trombón Dino Paccha Trompeta Ángel Macancela Corno Francés Cristian Tacuri David Zumbana Piano Tiina Sturzinger Patricia Andrade Percusión Patricia Martínez, Reinaldo Arce, Marcelo Villacís**

Requinto Fabián Sarmiento** Flauta Paola Zambrano

*Músico Principal **Músico invitado

Mezcla y masterización de audio y video: Pedro Astudillo Diseño y diagramación: Galo Mosquera

Primera Temporada

2021

Próximo CONCIERTO Viernes 12 de febrero, 19:00. Concierto con público Teatro Pumapungo (Calle Larga y Av. Huayna Cápac)

Conciertos

DIDÁCTICOS

Camille Saint-Saëns, El carnaval de los animales

Michael Meissner, DIRECTOR TITULAR Belén Ochoa, DIRECTORA ESCÉNICA Actores y bailarines INVITADOS

Orquesta Sinfónica de Cuenca Dirección: Calle Larga y Av. Huayna Cápac Teléfono: 4109 186 Correo: info@sinfonicacuenca.gob.ec www.sinfonicacuenca.gob.ec