KAMERA MAGAZINE Nº1

KAMERA MAGAZINE ยบ

N1

U TO Pร A

©de las fotografías: los autores.

©de los textos: los autores.

©de la edición: BlackKamera©

Diseño: Mer Guevara, Océano Gráfico Diseño

Entrevistas: David Tijero

Director: Josu Zaldibar.

Edita: Blackkamera, Escuela de Fotografía Documental.

KAMERA MAGAZINE Nº 1

U TO PÍ A

Josu Zaldibar

DIRECTOR DE BLACKKAMERA, ESCUELA DE FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL

U TO PÍ A

Han pasado cuatro meses desde que la propuesta de Kamera Magazine, la “0”, inspirada en los trabajos del alumnado de la Escuela de fotografía Blackkamera, viese la luz. Damos ahora un nuevo paso con el numero 1 de Kamera Magazine: UTOPÍA. Vivimos tiempos convulsos donde todo es nada y nada es todo. Pretenden instaurar un modelo apático que devora la cultura de lo utópico. Sabemos, como germen generador de ideas, que no es fácil luchar diariamente contra un estado postpandémico donde inventan nuevos conceptos para justificar la crisis en la que está sumida la sociedad que nos ha tocado vivir.

Conceptos distópicos como la “nueva normalidad” nos conmina a que cambiemos, que modifiquemos nuestras conductas ¿pero con qué objetivo?

Dicha “nueva normalidad” es el detonante para hacer desaparecer utopías que funcionan y que están construidas con la ilusión de las personas que participan en ellas.

La cultura está siendo ninguneada y pisoteada por esta pretenciosa idea de que debemos cambiar a no se sabe qué nuevo tipo de sociedad, sin que los que la han propiciado cambien sus estrategias para revertir esta situación.

En Blackkamera creemos en la utopía, en las ideas, en la CULTURA, en favorecer estrategias que cambien los modelos. Somos utópicos porque sabemos que cualquier pequeña aportación que favorezca la certidumbre hace que ganemos todas y todos. No se puede permitir poner puertas a nuestros sueños.

Debemos seguir trabajando desde ideas y conceptos que renueven y promuevan la asertividad, la empatía, lo colectivo, la esperanza de construir modelos, diferentes a los que hemos vivido. Una utópica basada en el principio de realismo y de construir y mantener todos los procesos creativos, artísticos y culturales; los que fueron, los que son y los que serán.

Por nosotras y nosotros. UTOPÍA

ÍN DI CE

Curso Profesional de Fotoperiodismo.

Los profesores hablan. 8 Master en Dirección de Proyectos.

Los alumnos hablan. 24 La pandemia vista desde dentro.

Rubén Natividad. 72 Diálogo con David Jiménez. 86 Fabiola Cedillo.

Depresión en Zaruma. 94 Luciana Demichelis.

La calle se volvió peligrosa y el mundo distópico. 110

PAG 8 I KAMERA MAGAZINE Nº 0

Curso Profesional de Fotoperiodismo.

Los profesores hablan.

Varios de los profesores que impartirán el nuevo Curso Profesional de Fotoperiodismo, fotógrafos consagrados todos ellos dentro de la fotografía documental, charlan en esta entrevista sobre sus proyectos, inquietudes y el momento de una profesión profesional en sus carreras.

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ANDONI LUBAKI Nacido en Urretxu en 1982, Andoni Lubaki es un galardonado reportero fotográfico con sede en el País Vasco e Irak que cubre los países de MENA e interesado en las identidades nacionales y sociales.

Después de completar una licenciatura en Ciencias de la Computación y comenzar sus estudios de filosofía, Andoni tomó su cámara como una excusa para viajar por el mundo. En un automóvil viejo y con su hermano, viajó por África durante meses. La experiencia lo llevó a centrar su carrera en la fotografía y se convirtió en un conocido reportero gráfico español.

En 2011, publicó sus primeras imágenes sobre la guerra en Libia, experiencia que lo ha marcado profundamente. Desde entonces, ha viajado por todo el mundo tratando de desarrollar historias consistentes sobre áreas de conflicto y crisis social. En los últimos años, se ha centrado en desarrollar proyectos personales y a largo plazo. Tiene un blog en el periódico nacional vasco GARA, donde publica sus artículos e imágenes regularmente él contribuye.

Es uno de los miembros fundadores de Ronak Press, una asociación sin fines de lucro que ayuda a crear historias y noticias visibles que no se pueden encontrar en la prensa.

ENTREVISTA DE DAVID TIJERO / FOTOGRAFÍAS ANTONIO LUDAKI.

¿Qué le lleva a alguien a querer desplazarse a áreas del planeta en conflicto? ¿Un ansia por entender qué sucede? ¿el poder denunciar una situación injusta? ¿algún otro motivo de índole más personal?

Pues creo que curiosidad y las ganas de cambiar las cosas. Al principio creía más que mis fotos podrían cambiar las cosas, ahora creo que no es tan importante dónde publiques sino la “vida” que le des a las fotos que sacas en esos sitios. Mis fotos han podido conseguir más cambios en la gente que sufre aquello que yo he fotografiado dando yo charlas y clases, que siendo publicados en un periódico que tiene una fecha de caducidad.

De mis portadas en el New York Times, me acuerdo yo. Ni siquiera mi madre o padre. Sin embargo, de las historias que he ido contando en las más de 70 charlas y clases que doy al año la gente toma más conciencia, y actúa en base a ello. Una activista y trabajadora social me dijo que la donación de alimentos subió casi la mitad gracias a las fotos que enseñé en una casa de cultura en Euskadi. Eso ya es cambiar un poco el asunto, aunque no sea tan visible el cambio como la que consiguieron las fotos de Vietnam en los 70. Algo sí cambia.

Tu trabajo como fotoperiodista te ha llevado a cubrir varios de los acontecimientos más importantes acontecidos en la última década, ¿consideras tener una visión global de lo que es el mundo a día de hoy? ¿has visto algún patrón que se repita en todos los conflictos que has cubierto a pesar de encontrarse muy alejados unos de otros?

No tengo una visión global, pero sí creo que lo tengo más específica. Con los años he aprendido que muchas de las guerras en las que he estado empiezan y se mueven en los despachos que no están al alcance de los periodistas. Yo fotografío las consecuencias

de eso. “Nosotros pisamos el barro de todo eso” como dice mi amigo Diego Ibarra. El patrón que se repite continuamente es la barbarie. El poderoso es bárbaro y cruel, pero también veo que se cambian las tornas.

La víctima puede ser terrible por venganza cuando el problema de la otra. En ese sentido la crueldad es, por triste que resulte, el patrón que se repite.

Se habla mucho del poder de la imagen como elemento de denuncia, propaganda, publicidad, pero, ¿sirve una imagen realmente para cambiar o al menos influir en cómo se suceden los acontecimientos?

Como te he dicho antes sigo creyendo que si.

Llámame iluso, pero creo que sin fotografía estaríamos peor. Quizás con tanta saturación de imagen no tenga la fuerza que tenía antes, pero cuando las fotos se siguen utilizando por organismos y gobiernos como arma de propaganda y como elemento manipulador en fake news es que sigue teniendo poder de influir en los hechos.

Para luchar contra eso “ hace falta tener una sociedad mucho más educada en la imagen, en la cultura de la imagen “.

Sin eso hay un gran porcentaje que está indefensa ante los fake news y la propaganda política. ¿Qué suele ser lo más difícil a la hora de cubrir una zona en conflicto? ¿El día a día, saber vencer el miedo o la ansiedad, el posible stress post traumático tras volver de allí?

El acceso. El 90% es acceso. Sino más.

El día a día se sobrelleva bien, o yo por lo menos. Cuando estoy en casa tengo una vida bastante austera y prácticamente vivo igual (en cuanto a bienes materiales se refiere) allí que aquí. He vivido situaciones intensas y dolorosas de las que no suelo hablar, pero

no he tenido Stress Post Traumático. Quizás el mayor stress que he vivido es cuando alguna agencia no me pagaba después de haber estado en una zona de conflicto o estando todavía allí. La burocracia me produce más stress que al cabo del año que las pocas horas de adrenalina que podemos vivir en el frente. La gente piensa que quizás estemos todo el rato como en una película de Hollywood, siempre entre disparos y bombas.

No es así. Hay mucho tiempo parado, muerto. Pero cuando la cosa se pone “seria” entonces si que hay stress. Pero insisto que mi stress, como a la mayoría de fotógrafos de mi entorno viene de los problemas con la burocracia.

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PEP BONET Pep Bonet (España) es un galardonado fotógrafo y cineasta miembro fundador de la agencia NOOR y embajador de Nikon. El trabajo de Pep Bonet captura los momentos profundos que representan el mundo desequilibrado en el que vivimos. Muchos de sus proyectos a largo plazo se centran en cuestiones africanas, siendo su proyecto más conocido y galardonado “Faith in Chaos”, un ensayo fotográfico sobre las secuelas de la guerra en Sierra Leona. El trabajo de Pep en todo el mundo sobre el VIH / SIDA y la identidad le han llevado a publicar varios libros de fotografía y muchas exposiciones en todo el mundo.

También es conocido por su reportaje sobre la banda de rock and roll Motörhead. Pep pasó ocho años (2008-2015) con Lemmy Kilmister, el legendario cantante de la banda y creó un documento visual excepcional de las muchas horas que pasó en el camino con Motörhead. También dirigió sus 2 últimos videoclips oficiales y publicó el libro sobre la banda “Röadkill”.

El trabajo de Pep ha sido reconocido con muchos premios de la industria. Comenzó en 2002 cuando fue seleccionado para el World Master Photo Masterclass con su obra “Faith in Chaos”.

Pep ganó el premio “Kodak Young Photographer of the Year” en 2003 en el festival Visa pour l´image, y la Fundación Luchetta en Trieste le otorgó el premio al mejor fotógrafo de prensa del año en 2004. Recibió la Beca Humanística “W. Eugene Smith” en Fotografía en 2005 y en 2007 ganó el segundo premio en el concurso “World Press Photo” en la categoría Deportes por su trabajo en la liga de fútbol de amputados en Sierra Leona.

En 2003 y 2007 ganó dos premios “Fotopres” (LaCaixa).

En 2009 Pep ganó un segundo premio “World Press Photo” por su trabajo “Identidad forzada”, que retrata la vida de los transexuales en Honduras. En 2013, Pep ganó su tercer premio World Press Photo Award en la categoría Multimedia con Into the Shadows. En 2015, Pep recibió el Premio de la fundación Horbach.

Su lista de publicaciones incluye: “Generación Perdida” (2010), “Remarkable South Africans” (2009), “Photobolsillo”,

KAMERA MAGAZINE Nº 0 I PAG 13 de La Fabrica, “One Goal” (2007), “Somalia: The Invisible Trace¨” (2007),“ Quadern de Bitàcola ”, “POSITHIV + ”(2005), “Watching in Silence ”(2011), “17 milagroso”(2009), “217A” NOOR (2008), “We the people of Wacken” (2014) UDR, “Röadkill, Motörhead” (2013), Heaven & Hell, etc …

Pep trabaja en proyectos personales, principalmente dirigiendo documentales y encargos para ONG´s.

Frecuentemente da conferencias sobre fotografía, multimedia y cine, y dirige talleres.

ENTREVISTA DE DAVID TIJERO / FOTOGRAFÍAS PET BONET

A la hora de abordar un proyecto de larga duración, ¿sigues unos pasos determinados para ir entrando en la realidad que quieres documentar o cada proyecto requiere de diferentes modos de actuación?

La verdad cada proyecto empieza diferente, a veces no te das cuenta y ya está metido, otras veces lo piensas más y vas más despacio…Antes mis proyectos eran de logísticas más complicada, países más peligrosos, necesitaba más logística y preparación. Ahora trabajo más en proyectos personales, más cerca de casa y con más libertad.

“ Sigo creyendo firmemente en el trabajo duro, en la profesionalidad, en la obsesión por los temas y en el esfuerzo, con esto ya se puede empezar cualquier proyecto a largo termino”. ¿Cuáles serían las inquietudes que te mueven a elegir los temas que quieres retratar? ¿Te has encontrado con alguno que no te hayas podido permitir llevar a cabo?

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Siempre me salgo con la mía, hasta ahora he fotografiado siempre lo que he querido.

A la hora de fotografiar tengo dos puntos de partida, fotografío lo que quiero o lo que odio, no tengo término medio, soy de elegir, de formar parte de algo, subjetivo, no me interesa la objetividad del fotoperiodismo, ni el fotoperiodismo tampoco ya en realidad… me gusta la fotografía, en todo su esplendor, y seguir poniéndome retos.

En tus trabajos, varios de ellos desarrollados en lugares donde acontecieron sucesos terribles, se percibe un empeño por buscar una subjetividad, por sugerir más que por mostrar, ¿es deliberado ocultar el horror explícito allí donde sucede una catástrofe? ¿buscas algo más que una mera crónica visual?

Sí, siempre he sido subjetivo, no me gusta ser como los s demás, ni contar de la misma manera, ni repetir lo que ya han hecho otros.

Para mí el poder de la fotografía está en

sugerir más que en documentar, algo que también es más difícil.

Nunca he ocultado el dolor que aparece en mis historias, pero sí que lo he intentado mostrarlo con dignidad. ¿Hacia dónde crees que el uso de la imagen para contar historias evolucionará dentro de esto que llamamos nueva normalidad? ¿Percibes un cambio sistémico tras la pandemia o esta situación va a ser vista a medio plazo como un simple parón?

No tengo ni idea. Lo que sí sé que esta pandemia me ha forzado a trabajar en casa, en Mallorca…donde realmente he disfrutado mucho de poder estar con mi familia, desde que empecé a fotografiar nunca había estado tanto tiempo en casa. El futuro ya se mostrará, de momento toca vivir, el presente.

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CRISTINA DE MIDDEL Cristina De Middel es una fotógrafa española cuyo trabajo investiga la ambigua relación existente entre fotografía y verdad. Combinando acercamientos documentales y conceptuales, su trabajo juega con la reconstrucción de arquetipos y estereotipos que ayudan a difuminar la separación entre la realidad y la ficción.

Después de 10 años trabajando en prensa y como fotógrafa humanitaria De Middel se apartó de la mirada documental y creó el lanzó The Afronauts. Esta serie narraba las hazañas del programa espacial zambiano en 1964 a través de puestas en escena que reconstruían los hechos y usando deliberadamente narrativas oscuras.

Desde el año 2012 De Middel ha producido continuamente nuevos trabajos que se centran en redefinir la idea de lo documental y en completar la limitada secripción del mundo que nos brindan los medios de comunicación masivos. El trabajo de De Middel nos muestra que, a la hora de entender el mundo en el que vivimos, la ficción puede servir de herramienta fotográfica tanto como el lenguaje documental promoviendo así una mirada más crítica por parte de la audiencia.

Con más de 12 libros publicados, Cristina De Middel ha expuesto su trabajo extensivamente y ha sido galardonada y finalista en numerosos certámenes como el PhotoFolio Arles 2012, el Deutsche Börse Prize y el Infinity Award from del International Center of Photography in New Y0rk.

Cristina De Middel es una nominada de la agencia Magnum desde 2017 y vive y trabaja entre México y Brasil.

ENTREVISTA DAVID TIJERO / FOTOGRAFÍAS, CRISTINA DE MIDDEL

PAG 16 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 tradicional en mis trabajos personales.

No creo que uno funcione sin el otro para mí. La ficción sin una realidad con la que comparase pierde mucho interés.

Estás considerada como una de las fotógrafas más relevantes de la actualidad, ¿pesa de algún modo esa repercusión a cada nuevo proyecto que afrontas o eres más bien impermeable tanto a halagos como a críticas?

Hace ya tiempo que abandonaste el fotoperiodismo para adentrarte en un documentalismo casi en la frontera con la ficción, ¿una necesidad de posicionarte ante unos hechos más que aportar un simple testimonio visual del mismo?

Sí, después de casi 10 años trabajando en periódicos locales empecé a encontrarme un poco arrinconada y con muy poco espacio para mi propia reflexión. También me pesaba esa carga de Verdad que llevaba la fotografía y necesitaba tener un acercamiento menos pesado y transcendente para poder reflejarme mejor en mi trabajo. Fue un proceso interesante que aún no ha terminado porque en los últimos años he estado volviendo a darle más peso al reportaje más

Pues la verdad es que desde hace varios años vivo un poco al margen de los mundillos fotográficos y me centro en seguir produciendo y desarrollando ideas, pero sí que estoy presente en redes y me molesta cuando se hacen juicios sumarios con mi trabajo porque me esfuerzo mucho en explicarlo con entrevistas y con un lenguaje accesible. Supongo que es parte de la naturaleza de las redes sociales y una parte del precio que tengo que pagar por poder hacer lo que me da la gana, que haya gente a quién no le parezca bien. No soy impermeable, me afecta, pero tampoco es algo que me paralice, quizá todo lo contrario, me anima a seguir explicándome mejor.

En un mundo cada vez más digital el fotolibro parece haberse convertido en el objeto de deseo de un gran número de fotógrafos. Como autora referente en ese soporte, ¿a qué crees que se debe?

Yo creo que se debe a que es un objeto perfecto para contar historias y que nos ayudó a todos a pasar el “mono” del cierre de los periódicos y la digitalización de las imágenes.

Entre comprarse una copia en una galería de arte y ver una foto en la pantalla hay un abismo y el fotolibro se convierte en un puente idóneo tanto para el fotógrafo como para el que consume fotografía “. ¿Han sido o son de algún modo los alumnos que acuden a tus talleres una fuente de inspiración para tu trabajo o en tu caso docencia y creación siguen caminos separados?

La verdad es que mis fuentes de inspiración están totalmente fuera del mundo de la fotografía y no estoy muy al tanto de todos los trabajos nuevos que salen. Con los alumnos, intento ser lo más precisa posible y sistemática con la edición, el concepto y las motivaciones para construir una base sólida que puedan aplicar a cualquier proyecto. Yo no diría que me inspiro de los alumnos, pero sí que me gusta mucho la docencia y tratar de solucionar juntos el rompecabezas que es sacar adelante un proyecto fotográfico.

Son siempre conversaciones muy intensas e instructivas para todos.

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MOISÉS SAMÁN Moisés Saman (n. 1974) nació en Lima, Perú, en una familia de españoles y peruanos. A la edad de un año, su familia se mudó a Barcelona, España, donde Moisés pasó su infancia y la mayor parte de su juventud. Estudió Comunicaciones y Sociología Universidad Estatal de California en los Estados Unidos graduándose en 1998. Fue durante su último año en la universidad donde Saman quiso convertirse en fotógrafo, influenciado por el trabajo de varios reporteros gráficos que habían estado cubriendo las guerras en los Balcanes.

Después de realizar prácticas en varios periódicos pequeños y medianos, en 2000 se unió a Newsday como fotógrafo de plantilla, cargo que ocupó hasta 2007. Durante sus 7 años en Newsday, el trabajo de Moisés se centró en cubrir las consecuencias de los ataques del 11 de septiembre, Pasó la mayor parte de su tiempo viajando entre Afganistán, Irak y otros países de Oriente Medio.

En el otoño de 2007, Moisés dejó Newsday para convertirse en fotógrafo independiente para The New York Times, aunque también empieza a colaborar habitualmente con Human Rights Watch, Newsweek y TIME Magazine, entre otras publicaciones internacionales.

En 2010, Magnum Photos invitó a Moisés a unirse a la prestigiosa agencia como nominado y se convirtió en miembro de pleno derecho 2014.

En 2015 fue becario de la Fundación Guggenheim en fotografía gracias a su trabajo sobre la Primavera Árabe, que culminó con la publicación del libro “Discodia”, una representación visual multicapa de este convulso periodo en la región.

Después de vivir en Nueva York, Tokio, El Cairo y Barcelona, Moisés y su familia ahora viven en Amman, Jordania.

ENTREVISTA DAVID TIJERO / FOTOGRAFÍAS, MOISÉS SAMÁN

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 19 Tu trabajo como fotorreportero te obliga a estar prácticamente siempre de viaje, ¿es posible mediante tu trabajo construir una visión global del mundo en el que vivimos o es más bien una mirada personal llena de subjetividades?

Yo creo que el mundo siempre ha sido muy complejo para que una persona pueda crear una visión global de nada. En mi opinión, como fotorreporteros, en el mejor de los casos nuestro trabajo no es más que una reacción contra una injusticia, una invitación al dialogo, que está marcada por una mirada completamente subjetiva que difícilmente escapa nuestros prejuicios inherentes. De hecho, yo diría que una vez aceptas estas limitaciones, la fotografía se vuelve más honesta, y es entonces cuanto las subjetividades invitan a un diálogo más honesto y abierto.

¿Hasta qué punto es necesario llegar a un lugar conociendo la idiosincrasia de la realidad que has de documentar? ¿Es mejor fotografiar desde un relativo desconocimiento para evitar perder la objetividad o es mejor justo todo lo contrario para saber describir mejor mediante imágenes lo que acontece?

Yo creo siempre es bueno tener un entendimiento básico del contexto en el que trabajas, el cual también incluye ser consciente de quien eres, donde estas, y por qué estas ahí. Es importante también matizar si estamos hablando de un encuentro fútil tipo encargo, o de un proyecto a largo plazo con el cual estas comprometido.

En este último, la definición tradicional de objetividad se oscurece, y tu voz como fotógrafo se vuelve un participante activo, lo cual para mi es mucho más interesante.

PAG 20 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 ¿Entrar a formar parte de la Agencia Magnum supuso algún cambio en tu forma de trabajar o temáticas a abordar?

No tanto en la temática, sino en el desarrollo de mi voz como fotógrafo, el cual me gustaría creer que aun continua.

Si bien siempre habrá historias que contar, ¿cuál crees que es el principal reto que ha de abordar la fotografía documental

para desenvolverse en este mundo tan lleno de imágenes y en el que además surgen nuevos soportes con los que contar historias?

En mi opinión el gran reto es la honestidad, la cual conlleva una autenticidad singular que como fotógrafos es lo único que nos puede mantener relevantes en este mundo lleno de imágenes.

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DIEGO IBARRA Fotoperiodista aragonés con base en Líbano. Alejado de la adrenalina mediática, su sensibilidad empuja su fotografía a otra dimensión: la de la poesía y la textura, la piel y su reflejo, la sombra y la luz que baña y da forma a la materia. Su trabajo se centra en mostrar las consecuencias de la violencia, resiliencia y estoicismo de los protagonistas de sus historias para destacar, no sólo los estragos de la guerra sino la superación y esperanza de las personas que viven y sobreviven en los países devastados por ella. Se considera un pintor de luz durante y después de la violencia: busca que sus imágenes vayan más allá del dolor y se transformen en un realismo mágico que cuente el mundo contemporáneo, que sean álbumes de sombras y sueños contra el espanto.

Considera que la fotografía debe convertirse en esa íntima y personal ventana que nos enseñe la crudeza del mundo y que despierte en nosotros la curiosidad y un pensamiento crítico. Siempre huyendo del protagonismo y defendiendo el papel de mensajeros de realidades sangrantes.

Tras vivir cinco años en Pakistán, se convirtió en un referente para medios como The New York Times, CNN, Der Spiegel, NZZ, Yahoo, Diari Ara y FRANCE 24. Además trabaja para UNHCR, GVC, UNICEF….

Durante los últimos años ha trabajado en Pakistán, Líbano, Afganistán, Nigeria, Libia, Tanzania, Nepal, Colombia, Siria, Turquía, Ucrania, Gambia, Nagorno Karabakh o Irak. Ha recibido, entre otras distinciones, la beca Getty Images’ Reportage Grant 2020 por su trabajo sobre el COVID 19, el segundo puesto como fotógrafo del año por los POY LATAM 2019 ( Picture of the Year), dos menciones de honor de la NPPA por su trabajo “Hijacked Education” y “Despachos desde Mosul” en 2018, el Segundo Premio de Fotografía Humanitaria Juan Bartolomé, el Premio mexicano de FINI, el Premio de la Asociación de Periodistas de Aragón y el Premio Derechos humanos junto a sus compañeros de MeMo. Su trabajo ha sido proyectado en el Visa Pour l’Image en repetidas ocasiones y expuesto tanto en galerías europeas y americanas.

ENTREVISTA DAVID TIJERO / FOTOGRAFÍAS, DIEGO IBARRA

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Una parte importante de tu trabajo versa sobre la infancia menos favorecido en diversas partes del mundo, ¿de dónde surge ese interés?

Creo en la necesidad de contar historias de una manera profunda, pausada, contextualizada que pueda llevar al lector a plantear y cuestionar la dimensión de una realidad sangrante. El fast food mediático nos impulsa a devorar la información sin ningún atisbo de análisis, crítica o reflexión. Los titulares se llenan de la sangre de los conflictos, pero poco indagan/profundizan en las consecuencias de éstos a largo plazo. Creo en la necesidad de crear memoria y la educación en zonas de conflicto en una temática que todavía permanece soterrada. El proyecto surge en Pakistán, donde viví casi 5 años y que luego he desarrollado en otros países.

Tu trayectoria profesional coincide con los años del declive de la prensa tradicional y el auge de nuevos medios de información como son los medios digitales o las redes

sociales, ¿cómo has vivido esa transición? ¿tu modo de trabajar o la forma de enfocar los temas a documentar han cambiado?

Pertenezco a la generación del no; del nunca encontrarás trabajo como comunicador; de mi primo hace fotos con su cámara; de que voy a promocionarte y con eso no te voy a pagar; de mejor no te quejes que tienes suerte de poder colaborar con nosotros; de la pérdida de la confianza en nuestro oficio por el mohoso partidismo que impregna nuestro día a día. La crisis del mercado es endémica y la falta de adaptación ha precarizado una profesión que está en coma. No obstante, cada vez hay mejores profesionales.

Fotógrafas y fotógrafos que deciden seguir contando historias a pesar de la precaria situación en la que vivimos y que se han adaptado a las nuevas narrativas visuales, sus tiempos y sus normas.

Personalmente, el nuevo modelo nos empuja a adoptar nuevas narrativas personales y enfoques que nos permitan sedimentar nuestro negocio en una base sólida que

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aguante el envite hormonal que sacude periódicamente y aleatoriamente el periodismo. Pasamos del todo al nada en décimas de segundo y los impredecibles ritmos de trabajo nos recuerdan que tenemos que diversificar: fotografía que llena el alma, fotografía que alimenta la nevera, videos, exposiciones, charlas y docencia…

Mi forma de documentar y vivir las historias ha ido creciendo a lo largo de los años gracias a las experiencias de la gente que he encontrado en el camino ha querido compartir conmigo. Todavía sigo creciendo y aprendiendo. Lo importante no es llegar, sino el camino. ¿A pesar de tu juventud tienes ya un largo recorrido habiendo realizado trabajos documentales en varios países, pero, hay algún lugar que te gustaría especialmente documentar o evento del que quisieras dar testimonio con tus imágenes?

Cada país es como un tatuaje. Sus experiencias, olores, sentimientos, se quedan

marcados y te acompañan en tu viaje por la vida. Pakistán, Afganistán, Nigeria, Líbano, Iraq, Siria, Ucrania, Turquía, Gambia, Tanzania, Nepal, Argentina, Colombia... ¿Podemos cuantificar, clasificar o embalsamar las experiencias que nos ayudan a crecer y se convierten en parte de nosotros mismos?

Atesoramos el infinito en un instante y se convierte en parte de nosotros para enseñarnos a ser mejores seres humanos. La fotografía es esa ventana íntima, personal e indiscreta que nos enseña el mundo a través de nuestras experiencias. El mundo es muy pequeño lleno de historias de luz, resiliencia, de miedo o dolor. ¿Cuál sería la idea principal que querrías transmitir a los alumnos del curso que impartirás en Blackkamera?

Mi objetivo es poder despertar en los alumnos una curiosidad crítica que trascienda la fotografía y les haga plantearse una forma de vida a través de unos principios, una constancia, dedicación y pasión por contar historias.

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Master en Dirección de Proyectos.

Los alumnos hablan.

La escuela Blackkamera ha ofertado por primera vez durante el pasado curso el Master en Dirección de Proyectos curso en el que las fotógrafas Begoña Zubero, Ixone Sádaba y Erika Barahona han hecho un exhaustivo seguimiento a los proyectos que los alumnos del mismo han ido desarrollando. Son ellos quienes en esta pequeña entrevista reflexionan sobre la experiencia que les ha supuesto de sacar adelante un proyecto fotográfico.

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 25 ¿Venías con una idea en mente sobre el proyecto que querías llevar a cabo? ¿Sobre qué versaba? ¿Ha variado según avanzaba el curso?

Alberto En mi caso, y a diferencia de otros compañeros, no traía ningún proyecto iniciado y que desase terminar de darle forma y cerrar. Ni tan siquiera tenía en mente ninguna idea. Fue al empezar el curso cuando comencé a barajar opciones.

Fui desechando ideas e incluso la que fijé como proyecto a desarrollar evolucionó y acabo convirtiéndose en lo que finalmente ha sido. Se trataba de hacer un homenaje a las personas que se despiden de sus seres queridos en los halls de los aeropuertos y a las que a su vez se reencuentran en esos mismos espacios como experiencias contrapuestas vividas en el mismo instante y en el mismo lugar, algo que había vivido en persona durante los últimos años. Múltiples dificultades técnicas y logísticas hicieron que el proyecto derivase finalmente a la narración del tiempo vivido en los aeropuertos por los que pasé, como lugares de tránsito, donde las personas, las experiencias propias y ajenas y los sentimientos van y vienen y en ocasiones deambulan, transitan a la espera de volar a otro lugar y a otras circunstancias, hacia nuevas vivencias.

Carmen No, no iba con ninguna idea preconcebida de proyecto. Esperaba decidir a medida que avanzara el curso.

Inguma La verdad es que tenía otro proyecto en mente al iniciar el curso, y gran parte de éste me dediqué a ir dándole forma. Pero la pandemia y el confinamiento acabaron por hacerlo completamente imposible y alumbraron un nuevo proyecto. Asepsia es un

proyecto que hemos desarrollado mi pareja y yo en casa, mientras estábamos aislados, y que reúne las emociones y pensamientos que hemos vivido en esta etapa tan trascendente a nivel social como individual.

Javi Sí, sobre paisaje urbano. Sí, varió bastante porque era una idea algo difusa.

Sonia: Llegué al curso con un trabajo personal muy avanzado pero pendiente de editar. Sabiamente, las profesoras me propusieron que empezase uno nuevo para poder recorrer todo el proceso que conlleva un proyecto fotográfico. Así que tiré de una idea que me rondaba últimamente y decidí desarrollarla para ver donde me llevaba.

Conté mis inquietudes en clase, fui perfilando su desarrollo y entre tod*s acabamos encontrando un título. Mi idea consistía en analizar los roles de género a través del retrato.

Rafa Sí, ya tenía la idea desde el principio. Versaba y versa sobre los valores estéticos que en algunas ocasiones aportan las bolsas de plástico a la escena urbana. No ha variado la idea en general, a lo largo del curso, si bien se ha ido matizando y concretando en un determinado tipo de imágenes que dan continuidad estética a la edición final.

Santi Al empezar el curso sí que tenía claro que quería hacer algo relacionado con la enfermedad de Alzheimer, porque mi madre la sufre desde hace unos años y es un tema que está muy presente en mi vida. Ya tenía unas cuantas imágenes hechas durante los fines de semana que iba a casa de mi madre a cuidarla. Pero al comenzar el curso decidí dejarlas para otro momento y empezar un nuevo trabajo sobre el mismo tema desde

PAG 26 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 cero, y sin tener muy claro en ese momento qué tipo de imágenes realizar. Las ideas han ido apareciendo, variando y creciendo según se iba desarrollando el curso.

Oskar De inicio no tenía una idea concreta, quizás si un concepto, El Tiempo no Vivido, una reflexión sobre un cuento de Jorge Bucay. No obstante, tampoco sabía cómo abordarlo y durante el curso ha pasado de algo genérico hacía una temática más personal, la historia de mi abuela que emigró con tan sólo 6 años de un pueblo de Soria, actualmente abandonado, y en el que se quedó el atisbo de lo que pudo ser su infancia.

Chus Sí, un proyecto personal intimo que entrelaza el fallecimiento de mi madre con retratos de familia y amigos como reconocimiento a las madres y a la vida. Se han concretado partes del mismo que todavía estaban inconclusas. ¿Qué fase del proyecto te ha resultado más complicada de llevar a cabo? ¿Cuál has disfrutado más?

Alberto La fase del proyecto que más he disfrutado, por supuesto, ha sido la realización de las fotografías in situ. El proyecto contemplaba viajar todos los meses durante el tiempo que duraba el master, y así fotografiar diversos aeropuertos y sus gentes, por diferentes países, continentes y culturas. Sin embargo, y dadas las circunstancias, todo ese planteamiento se cayó por el Covid, y tuve que acotarme al trabajo realizado durante el mes de diciembre de 2019 y los aeropuertos por los que transité durante ese tiempo en un viaje a Asia y las escalas pertinentes. Así que el disfrute fue corto y efímero pues además el tiempo para fotografiar en esos siete aeropuertos fue también limitado.

Carmen La fase más complicada para mí es como siempre, ¿Qué?, ¿Cómo, ¿Cuál?

Inguma La fase del proyecto que más me va a costar es la que tenemos por delante. El curso lo he terminado con un montón de ideas, aportadas por compañeras y profesoras, sobre cómo desarrollar aún más el proyecto.

Así que, lo que pensaba que era ya un proyecto terminado, se ha convertido en una fase beta que hay que desarrollar aún más, y a la que hay que buscarle nuevas salidas. Respecto a las partes que más he disfrutado, destacaría en especial la extensa y profunda explicación de Erika Barahona sobre impresión, o algún momento en el que Ixone Sádaba y Erika discutían sobre las posibilidades de desarrollo de alguno de los proyectos de mis compañeras. Al tener estilos y puntos de vista tan diferentes, han surgido momentos muy divertidos y sobre todo interesantes.

Javi Lo más complicado escribir sobre el proyecto. Todo lo demás ha sido divertido y sobre todo ordenar las fotos y emparejarlas.

Sonia El proyecto no me resultado complicado por todo aquello que he podido compartir con las personas retratadas. Generosamente, no solo me han prestado su aspecto, si no que han ido contándome anécdotas, enseñanzas, momentos complicados en torno a la educación recibida, aquellas enseñanzas imitadoras que han recibido y los mensajes que han tenido que digerir.

Rafa En este caso tanto la toma, por su propio planteamiento y lo poco usual que es obtener ese tipo de imágenes; como la edición, han

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 27 sido parecidas en cuanto a dificultad (para mí). He disfrutado más en la toma de las imágenes que en la edición, aunque esta también me ha dado momentos, sobre todo gracias al criterio de las profesoras.

Santi Lo más complicado me resultó el hacer la selección de las imágenes del archivo de mi padre, sobre las que luego me he basado para hacer mis propias imágenes. Y con lo que más he disfrutado, sin ninguna duda, es con el momento de ir a esos lugares y hacer las fotos.

Oskar Lo más complicado ha sido concretar el tema del proyecto, y lo más placentero llevarlo a cabo. Sentir la vida de un lugar abandonado y viajar a un pasado imaginario. He disfrutado mucho tomando las imágenes, aunque entiendo que es un proyecto sin concluir.

Chus Los periodos del curso en que no había clase, tiendo a relajarme y siempre me pilla el toro. La realización de los retratos, súper contento y retomando el contacto con gente importante de mi vida. ¿Con qué te quedas de todo lo vivido durante el curso? ¿Te vez capaz de afrontar nuevos proyectos a partir de ahora?

Alberto Me quedo con las experiencias compartidas con mis compañeros/as. Todo lo que he aprendido de ellos/as y que me ha hecho abrir el horizonte de las posibilidades futuras. Me quedo con la idea de que un proyecto personal no tiene por qué algo de máximos. Una pequeña historia con unas pocas imágenes puede hablar de uno mismo con profundidad, pasión, delicadeza y ser

absolutamente válido, emotivo y de gran calidad y belleza. Me quedo con la idea de que hay muchas ideas que pueden llegar a ser proyectos y que alguna de esas ideas que me rondaban y me rondan por la cabeza, a su debido tiempo y habiendo sido maduradas adecuadamente, podrían, por qué no, ser futuros proyectos.

Carmen Disfruto muchísimo con lo que cada profesora, Ixone, Begoña y Erika nos ha ido transmitiendo y me quedo con el compartir emociones junto con mis compañer@s y afrontaré nuevos proyectos fotográficos.

Inguma Me quedo con que el curso ha abierto puertas que creía inaccesibles hasta ahora, tanto por desconocimiento como porque hasta entonces no sabía ni que existían. El desarrollo de un proyecto artístico tiene infinidad de direcciones que seguir y todo un universo de sendas por las que optar…

Pero, optes por la que optes, es imposible recorrer y escoger en soledad y sin pedir consejo y ayuda. Hoy, soy más consciente de ello que nunca gracias a este curso. Además de adquirir nuevas herramientas, ahora sé dónde adquirir las que no tengo o a quién recurrir en caso de necesitarlas.

Javi Sobre todo, las cosas que nos contaban Ixone, Begoña y Erika. Quizás sí, por lo menos entiendo más como se puede realizar.

Sonia Realizando una valoración del curso, tengo que agradecer todas las herramientas que se nos han ofrecido, así como la accesibilidad por parte de la escuela y de las profesoras.

Rafa Me quedo con el enriquecimiento que me ha

PAG 28 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 supuesto tanto el desarrollo de mi proyecto como, en igual o mayor medida, el asistir al desarrollo de proyectos tan interesantes como los de mis compañeros. Sí me siento capaz de desarrolllar nuevos proyectos, aunque considere que aún me falta mucho que aprender.

Santi Han sido muy valiosas las aportaciones de las tres profesoras, tanto por sus vastos conocimientos en todos los aspectos como por su dilatada experiencia. Y también me parece una suerte poder conocer y ver la evolución de los trabajos del resto de compañeros y compañeras del curso, así como las aportaciones que han hecho para mejorar mi propio trabajo. Ahora me veo

más capacitado para realizar un proyecto y llevarlo a buen término.

Oskar Respecto al curso es muy interesante y motivador ver la evolución y el desarrollo de los trabajos del resto de compañeros.

Enfoques muy diferentes y con un sello muy personal. Abarcaré nuevos proyectos, y también trataré de concluir este. Lo más difícil es saber lo que quieres contar y trasladarlo en imágenes.

Chus Compartir con los compañeros siempre es súper enriquecedor y creo que sí afrontaré nuevos proyectos. Además, contamos con grupo alrededor.

KAMERA MAGAZINE Nยบ 1 I PAG 29

PR0 YEC TOS

ALBERTO CIMARRO CARMEN BENEITEZ CHUS GOYA

DAVID TIJERO

INGUMA MARTÍNEZ JAVIER LÓPEZ

OSKAR CARBALLO RAFAEL RAMÍREZ SANTI LAESPADA SONIA BOSH

Alberto Cimarro

Carmen Beneitez

Chus Goya

David Tijero

Inguma MartĂ­nez

Javier Lรณpez

Oskar Carballo

Rafael Ramírez

Santi Laespada

Sonia Bosh

PAG 72 I KAMERA MAGAZINE Nº 1

La pandemia vista desde dentro.

Rubén Natividad.

El año 2020 será recordado por una situación inesperada de alerta sanitaria que ha hecho saltar por los aires muchas de las convenciones que nos vertebran como sociedad y que ha puesto en entredicho nuestra forma de vida. Una pandemia, que, antes siquiera de ser del todo conscientes de ello, golpeó con dureza el Sur de Europa a finales del pasado invierno en su imparable proceso de extensión por todos los rincones del planeta. Rubén Natividad, médico ardiólogo y aficionado a la fotografía, ha sido testigo

KAMERA MAGAZINE N º0 I PAG 73

de excepción de una crisis aún lejos de poder darse por finalizada y cuya primera gran embestida pudo documentar mediante una serie de retratos realizados durante los descansos de largas jornadas de hospital.

Un trabajo que se presenta en estos días como exposición, comisariada por Josu Zaldibar, bajo el nombre “Covid-19. Una mirada desde dentro”. Se denomina nueva realidad.

Pagina web oficial: https://www.cmb.eus/covid-19-una-mirada-desde-dentro ENTREVISTA DAVID TIJERO Haznos una breve presentación sobre ti y explícanos por favor cómo llegaste a la fotografía.

Me llamo Rubén Natividad, soy de la Margen Izquierda. Hice la licenciatura de Medicina en la Universidad del País Vasco en Leioa y la especialidad de Cardiología en el Hospital de Cruces. Desde hace tres años desarrollo mi actividad en la OSI Barakaldo-Sestao.

Empecé pintando con ocho años y gané incluso un concurso de pintura infantil, cuyo premio fue mi primera cámara de fotos, una Werlisa Club 35, de las de carrete con el que pude hacer mis primeros encuadres y con suerte alguna foto era aprovechable para conservar. Después vinieron la Active que ya tenía autoenfoque. Algo me aportaba la fotografía que no lo hacía la pintura y

fui dejando de pintar. Cuando quise dar el salto, comenzó el mundo digital, y con los ahorros de varios veranos trabajando llegó a mis manos la Pentax Optio S de 3 Mpix; aquello era un no parar. Leí varios libros de fotografia, pero el aprendizaje era lento. A través de una compañera conocí la escuela Blackkamera, con lo que me acabé de sumergir en el tema. ¿Cómo y cuándo surge la idea de hacer un trabajo de estas características?

En el hospital San Eloy, una vez decretado el estado de alerta, todas las especialidades médicas pasaron a ser un único equipo mixto. La colaboración entre compañeros/as ha sido óptima pero también hemos estado sometidos a una gran presión asistencial

PAG 74 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 dado el tipo de paciente que era y que la evidencia científica del momento era poca, muchas veces controvertida, y, de un día para el siguiente, cambiante. Mientras todo el mundo buscaba cómo llenar su tiempo, a mí me faltaban horas para atender pacientes, estudiar y poder darme un respiro mental que me mantuviera cuerdo en aquella situación.

Fue probablemente así cómo surgió el proyecto. Por una parte, una válvula de escape, también una forma de hacer equipo entre todos los sanitarios y, de dignificar nuestra profesión (aplausos que se convertirían en críticas). Dos compañeros del hospital, Silvia y Juanlu, me apoyaron desde el primer instante y dieron forma a esa inquietud que tenía. El siguiente en aparecer en escena fue Josu Zaldibar: “¿Qué te parece si hago…?” Su respuesta fue la esperada: “Busca a alguien que te haga de modelo, tiras unas fotos, y me las mandas al momento”.

Pero la situación era compleja porque no había dónde poder hacer un retrato, dado que se había utilizado hasta el último rincón del hospital para combatir la COVID y tenía que pedir permisos para hacer las fotos cuando cualquier conversación con la Dirección del Hospital debía tratar de la pandemia, pero en lo referido a lo asistencial. Hubo por entonces una Masterclass organizada por Blackkamera con Sofía Moro, y como Josu predijo, me dio muchas pistas. Y fue sobre todo una. “Te das cuenta que esto es importante y que hay que hacerlo bien”. Así que conté mi proyecto a la dirección y hasta al último de mis compañeros.

En una habitación, desocupada por unas horas, colgué de las ventanas una tela oscura de tamaño bastante escaso con unas pinzas de ropa y ataviado con todo el equipo me puse a disparar a todos los turnos de sanitarios. Incluso en mis ratos de descanso me acercaba al hospital a

capturar esos momentos en sus rostros. Las dificultades técnicas fueron importantes porque en la habitación permanecía el mobiliario hospitalario habitual, apartado provisionalmente en vistas a tener que recolocarlo en cualquier momento. En cambio, no tuve tanta dificultad en captar lo que buscaba en los retratados. Pero la parte fotográfica era solo el primer peldaño. Silvia y Juanlu me sentaron una mañana de trabajo y me hicieron ver por qué sin los retratos y testimonios de los auténticos protagonistas de aquello, el trabajo quedaba incompleto.

Al añadirlos se cerró ese círculo imaginario del proyecto y ganó fuerza e interés de forma exponencial. Aunque también aumentó en dificultad. El tándem de cuatro, animados por el proyecto, pasó a ser de diez, entre ellos, José Bautista y la hija de un paciente, entre otros. Pasamos a entrevistar y retratar en salón de actos con algo más de medios y fue entonces cuando empezamos a recibir pacientes curados. Finalmente, el Colegio de Médicos de Bilbao lo pudo enmarcar dentro de un homenaje para sanitarios y pacientes afectados por la COVID, y conseguimos que la exposición saliera ¿Tuviste claro desde el principio que lo ibas a centrar en el retrato? ¿quiénes son los protagonistas de los mismos?

El retrato iba a captar como ninguna otra modalidad las miradas y los rostros de los implicados. Hacer fotografía documental era poco factible, en primer lugar, por el riesgo biológico, en segundo por respeto a los pacientes que se encontraban convalecientes, y en tercero porque sólo un consentimiento verbal en ausencia de familiares era arriesgado. En las habitaciones, sin poder apoyar nada, sin poder asegurar que la cámara tocase nada contaminado, … iba a ser muy complejo.

En las fotos aparecen representados fundamentalmente sanitarios y pacientes

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 75 afectados por la COVID-19. En algún momento de la pandemia, algunos sanitarios han pasado a formar parte de ambos grupos porque se han contagiado durante la asistencia, y están significativamente representados. Los pacientes, cuando se hicieron los retratos y entrevistas, habían pasado ya las dos semanas de cuarentena que se recomendaban y algunos tenían hecha incluso PCR de control. No obstante, se mantuvieron las medidas de seguridad. Además, también hemos contado con familiares de pacientes que han servido de revulsivo para los que han vivido con especial gravedad la infección.

No faltan tampoco familiares de pacientes que lamentablemente no han superado la pandemia y personal que trabaja en residencias de ancianos quienes han tenido que lidiar con la pandemia en peores condiciones que nosotros. El objetivo ha sido buscar esa otra cara de la pandemia, diferente de la parte puramente estadística de números y curva. Poner en primer plano la vertiente humana que había quedado relegada al estar los periodistas y fotógrafos confinados en sus domicilios. ¿La elección del blanco y negro fue por motivos meramente estéticos o es un recurso que has querido utilizar para remarcar otros aspectos?

El blanco y negro me permitía centrarme en los detalles de las miradas, los rostros, la complexión del cuerpo y las marcas que había dejado la mascarilla y el gorro en la cara de los pacientes y los sanitarios. El color en ese sentido no estaba aportando nueva información y podía distraer. Por ello, blanco y negro daba la clave y la atemporalidad que el proyecto requería.

Una mirada detenida a los retratos que conforman el trabajo permite percibir en sus rostros, de algún modo, la dura

situación por la que han pasado, ¿cómo has conseguido esa conexión con los retratados? ¿fue complicado conseguir voluntarios que se dejaran retratar para un proyecto de estas características a personas que acaban de pasar por semejante trauma o fue también para ellos una especie de terapia?

La dureza de la situación hizo que se potenciara el trabajo en equipo, el interés por cómo lo llevaba el compañero y la cohesión del grupo fue irrepetible. Por ello, cuando se planteó el proyecto todos los sanitarios, se sumaron a colaborar en esta empresa que representaba una experiencia vital para todos y todas. En cuanto a los pacientes, la respuesta universal fue positiva, salvo casos concretos y por motivos médicos. Habíamos compartido con ellos momentos muy delicados desde lados diferentes de la cama, pero no muy distantes en lo emocional. Ellos necesitaban contar su experiencia y nosotros estábamos ávidos de escucharlos. Es más, la entrevista a menudo ha sido recíproca, porque tras hablar con ellos nos preguntaban por los sanitarios que les habían tratado y por cómo vemos el desarrollo de la pandemia.

El audiovisual de presentación corre a cargo del prestigioso productor José Bautista en el cual se recogen testimonios de pacientes, familiares de enfermos y sanitarios, ¿esas reflexiones y testimonios irán incluidas de algún modo en la exposición?

La participación de José Bautista ha sido el colofón al proyecto, y la sensibilidad con que ha tratado las fotografías y los testimonios ha generado un trabajo magnífico en lo artístico y en lo humano. Sólo él puede conseguir con ese realismo que el espectador se meta en la piel del afectado

PAG 76 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 y descubra cómo ha supuesto un antes y un después en esa persona. Lamentablemente, dado que la exposición va a ser inicialmente en las galerías de Metro Bilbao, no se ha podido conseguir una sala donde reproducir el documental y se facilita un código QR para que el espectador acceda y lo pueda ver desde un dispositivo móvil, tablet u ordenador. ¿Cómo crees que perdurarán este y otros trabajos que abordan este tiempo de pandemia en el que nos hayamos cuando todo esto haya pasado? ¿Olvidaremos rápidamente o seremos una generación marcada a largo plazo por este trauma colectivo?

Según les haya afectado la pandemia hay dos grupos de personas. El primero está hipersensibilizado y extrema las precauciones. El documental puede hacer en éstos que revivan aquellos momentos. El segundo grupo siente la necesidad de volver a la normalidad cuanto antes. La situación se irá superando e iremos olvidando, aunque pequeñas cicatrices persistirán a largo plazo.

Esta entrevista se ha realizado en un momento en el que cada vez son más las voces que alertan de una segunda ola de la epidemia cuando apenas nos hemos recuperado de la primera, ¿tendrá continuación este proyecto? ¿puede que haya quedado algo por contar?

La continuación del proyecto dependerá de la evolución de la pandemia. Iremos trabajando según las circunstancias y siempre va a haber algo que contar. Alguna idea se quedó por el camino y estamos muy ilusionados, pero supone un sobreesfuerzo al hacerlo en nuestro tiempo libre después de las intensas jornadas laborales que nos ha tocado llevar a cabo.

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 77 AGRADECIMIENTOS. En relación al proyecto, en primer lugar dar las gracias al Colegio de Medicos de Bizkaia por finalizar y apoyar dicho proyecto, a Ruben Natividad, alumno de Blackkamera por su entrega honesta al trabajo realizado, a todo el equipo que ha estado detrás de ” Covid: Una mirada desde dentro “. A Jose Bautista autor del documental por su inestimable ayuda artística, a Sofia Moro por inspirarnos, y a todas las personas que participan en diferentes espacios del proyecto.

A todas las personas que, con su profesionalidad y humanidad, dan vida al sector sanitario y luchan incesantemente contra la COVID-19. A todas ellas por no doblegarse ante la dificultad y ser ejemplo de entereza para una sociedad vulnerable mostrando el lado más humano en una situación imprevisible y sin parangón.

A nuestras compañeras y compañeros del Hospital San Eloy, por ser, en aquellos días difíciles, nuestras hermanas y hermanos; por implicaros y participar con igual tesón en este proyecto. A Maite Latorre, supervisora de la quinta planta de nuestro hospital, por tener siempre una palabra amable, incluso en momentos de tensión.

A la dirección de la OSI Barakaldo-Sestao por apoyarnos en nuestra iniciativa.

Al Colegio de Médicos de Bizkaia por sumarse como compañeros y compañeras de viaje y hacer posible que este proyecto vea la luz.

A todas las personas que, siendo pacientes, han padecido directa o indirectamente la pandemia. A sus familias que nos han confiado el cuidado de sus seres queridos y que aceptaron no poder acompañarles durante la hospitalización, aguardando, día tras, día la llamada del parte médico.

A todos los pacientes y las pacientes y sus familiares que, a pesar del dolor, aceptaron generosamente participar en este proyecto de forma desinteresada. Que esta ventana al mundo visibilice su lucha y capacidad de resiliencia.

A todas las personas que se interesaron por nuestra salud y bienestar durante los difíciles momentos de incertidumbre.

Por último, ¡cómo no!, a nuestras familias, por estar cerca en la distancia obligada y por aceptar nuestras ausencias por un bien más elevado.

PAG 78 I KAMERA MAGAZINE Nº 1

Exposición La pandemia vista desde dentro.

Rubén Natividad Metro Bilbao

PAG 86 I KAMERA MAGAZINE Nº 1

Diálogo con David Jiménez

A propósito de su exposición UNIVERSOS Museo Universidad de Navarra MUN Pamplona, hasta el 21 de enero de 2021.

Koldo Badillo. Fotógrafo. VisionNatural.com

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 87

¿Qué tienen en común estos 3 proyectos Roma, Aura y Versus para reunirlos en una misma exposición?

Son tres de los trabajos más importantes que he hecho, la muestra comenzó con la idea de ser una retrospectiva y luego se transformó en una síntesis del núcleo de mi trabajo. A parte de Infinito que aunque para mi es tan importante como estos, como tiene forma de libro preferí que no estuviera en la exposición.

Tienen en común algunas de mis preocupaciones fundamentales, ese diálogo entre las imágenes y una preocupación por transformar la mirada sobre lo real, una transformación en imágenes que genere mundos visuales nuevos. Aunque los diferencia a cada uno un rasgo que se puede destacar: en el caso de Versos el minimalismo y la dualidad hacia los extremos, hacia los límites de la representación visual; en Aura está más el diálogo entre las imágenes, la alquimia como

transformación, eso que llaman los hindúes la danza de la realidad, contiene cosas muy elementales como fuego, agua, tierra, aire y la magia transformación-alquimia en un dialogo onírico; y Roma tiene más la presencia del factor del tiempo, la erosión del fragmento y ahí si hay más referencia a un contexto histórico donde se incorporan otras obras de arte erosionadas por el tiempo como son las esculturas romanas.

En realidad el diálogo entre las imágenes está en los tres trabajos, aunque más reforzado en Aura.

Los que visitamos el año pasado esta exposición en PhotoEspaña en Madrid tenemos la sensación de que ha cambiado mucho, menos obras y diferente estructura, ¿es así?

Si es cierto que esta exposición es muy diferente. Por un lado hay menos obras, aunque se han incorporado cuatro obras de Versus que no estaban en Madrid y por

PAG 88 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 otro, la estructura es muy diferente porque la salas son muy diferentes. Estoy muy contento con el resultado aquí en el MUN, tanto o más que en Madrid, porque al ser la segunda vez que se expone he podido afinar algunas cosas y aquí las salas son más diáfanas. Aunque para ser justos diré que me he quedado muy contento con las dos, y con que hayan funcionado las dos en espacios tan diferentes.

La materia prima es la realidad, aunque la llevas a terrenos imaginarios y oníricos. ¿Has llegado a crear imágenes sintéticas con ordenador? ¿Te lo has planteado, o te sientes cómodo en la búsqueda de imágenes por el mundo? ¿Dónde pones tu límite al retoque digital y porqué?

De momento no me he planteado hacer imágenes sintéticas, no lo descarto, pero de momento estoy bien en la fotografía, me gusta que tenga una relación con el mundo y que esa transformación en algo onírico tenga relación con el mundo propiamente.

Y los límites que me planteo al retoque son, como explicarlo, por ejemplo en Versus las imágenes están tocadas las luces para llevarlas al extremo, aunque es muy difícil decir cuando una intervención es aceptable o no. En Roma soy mucho más experimental y llevo las luces más intervenidas todavía, pero solo la luz. La diferencia es sutil, pero una cosa es tocar luces y otra cosa es poner y quitar cosas, esos retoques no hago. Quizá mi límite está en que no hago nada en digital que no hiciera antes en un laboratorio.

Una de las singularidades del proceso creativo de toda tu obra es la “alquimia” que propones en dípticos, trípticos, polípticos, cuadrículas… Por un lado muchas de tus fotografías me remiten al movimiento de la fotografía Subjetiva,

a Harry Callahan y a Aaron Siskind por citar algunos, pero al contrario aquellos apostaban por el visionado de la fotografía única-individual, sin duda herederos de toda la tradición del modernismo, dónde además era la propia fotografía la que se defendía en solitario sin más ayuda de explicaciones del autor.

Bueno, yo conozco instalaciones hechas por Harry Callahan que proyecto en mis talleres.

El hecho de que yo combine fotos o haga asociaciones, para nada significa que yo le quite mérito a la fotografía individual. Una amiga, a propósito de Versos, me decía: te agradezco que cuides cada foto, que en virtud del concepto del proyecto utilices todas las fotos individualmente válidas.

Otra cuestión es la venta de obras. Los dípticos de Roma por ejemplo, se venden juntas, es decir la obra es el díptico y no se venden sueltas.

Reconozco que mayoritariamente si se trabajaba la fotografía solitaria, pero yo he visto instalaciones de fotografías ya en la época de las vanguardias.

Presentas tus fotografías en libros, o en cuadros o en audiovisuales, es decir con imágenes fijas. En esta exposición presentas una instalación espectacular, con la técnica del video–maping en la que las imágenes interactúan en movimiento. ¿Se te queda insuficiente la imagen fija para expresarte?.

Yo no usaría esa expresión de no ser suficiente. Yo diría que quería probar con otros formatos. Ya empecé haciendo videos en el 2008 porque la transformación alquímica de una imagen en otra se representa muy bien con el fundido por ejemplo.

Una de las cosas más importantes de mis exposiciones es plantear un espacio

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 89 de experiencia para el espectador, que tiene sentido en el espacio de la sala, busco relaciones entre obras, además los audiovisuales son un deseo de crear esta experiencia, aunque sea una palabra cursi, de magia, hay imágenes que aparecen y desaparecen.

Los vídeos los he hecho yo de principio a fin, desde el concepto, realización, edición… ¿ La fotografía crees que va hacia la imagen más en movimiento?

Pues no se, parece. Por ejemplo cuando hice la web hace bastantes años, me pareció que el espacio de internet se podían plantear experiencias a imágenes en movimiento y de exploración del internauta, pero ha pasado que no, que se ha impuesto un lenguaje muy clarito. En la hibridación de la fotografía con video, con otras artes puede estar el futuro. ¿Te ayuda viajar a mundos exóticos para encontrar imágenes nuevas? David Campany escribe en el prólogo que tiene la sensación de que tus fotografías podrían estar hechas cerca de tu casa.

Viajo sobre todo para ponerme en el estado adecuado para fotografiar, un estado de flotación, de descubrimiento, un espacio de libertad. Y como además me gusta viajar, esto me permite encontrar materias primas nuevas y diferentes, vas a Japón por ejemplo, y de repente te encuentras esos pétalos en el río, que en Versus parece una constelación.

En India por ejemplo, las paredes están manchadas, me interesa el rastro, el fragmento…y aquí en cuanto algo se mancha o fragmenta lo limpiamos o lo completamos, me están quitando algunos de mis elementos preferidos para trabajar.

Decía Valentín Vallhonrat en la presentación que siempre dejas espacio

para que el espectador busque respuestas, hablaba de “significados abiertos”.

Pero yo tengo muchas veces la impresión de que la fotografía contemporánea deja muchas veces demasiado abierto todo y el espectador se pierde.

Mi trabajo tiene una componente formal muy importante y yo me enorgullezco de ello, porque creo que la forma es significado; creo que hay muchas confusiones en ese tema, la forma no es lo opuesto al significado, y más cuando estamos hablando de un arte visual que se expresa a través de la forma.

La cuestión es que tu puedes dejar el significado abierto, pero tienes que dar algo; hay un diálogo entre lo que dejas abierto, un espacio de libertad interpretativa y lo que das, que cuanto más yo creo que mejor, aunque siempre dejo un espacio de movimiento al espectador. Hay años de trabajo para mis propuestas, así que alogo pongo yo.

A veces si que hay poco cuidado por la expresión formal, cuando se encuentra un concepto interesante y parece que vale cualquier imagen. Por ejemplo supongamos un novelista que tiene una buena historia y la cuenta de cualquier manera. Por eso yo ahora estoy leyendo a clásicos como Dostoyevski o Cortazar. ¿ Qué opinas del momento actual de la fotografía? ¿Crees que los fotógrafos somos dinosaurios en vías de extinción sin saberlo como decía Joan Fontcuberta, o estás más cerca de la idea de Sema d´Acosta de que nunca ha habido un periodo más interesante para la fotografía con muchas y muy diferentes planteamientos?

Yo creo que es un momento interesante, los momentos de crisis son siempre

PAG 90 I KAMERA MAGAZINE Nº 1 interesantes. No creo que esté muerta la fotografía, para nada. Puede que no hayamos explorado ni un pequeño porcentaje de sus posibilidades.

Siempre pregunto a todos los fotógrafos que entrevisto por la importancia que tienen otros colaboradores en su trabajo: editores, comisarios, empleados…

Los artistas trabajamos de diferentes maneras, pero en todo caso creo que no son necesarios todos los agentes que están dispuestos en el itinerario normal. Soy bastante solitario en la parte creativa de mis trabajos, aunque a la hora de ultimarlo en

producción de libros y exposiciones, cuento con gente maravillosa a mi alrededor, sin la cual esto no podría existir. Por ejemplo aquí en Navarra estoy encantadísimo con la profesionalidad de los gestores y trabajadores del MUN. En tu carrera ¿qué importancia tiene la docencia?

Para mi es muy importante, no solo porque me ayuda económicamente, sino que lo hago por convicción, disfruto haciéndolo y además es un campo en el que me he cultivado yo mismo, es una responsabilidad. Cada taller es una una evolución del anterior.

PAG 94 I KAMERA MAGAZINE Nº 1

Fabiola Cedillo Depresión en Zaruma.

Ganadora de la beca al curso de fotografía profesional de blackkamera.

Fabiola vive y trabaja en en Ecuador como fotógrafa documental. Fue una de los cinco finalistas del Aperture Portfolio Prize 2018, fue nominada a Joop Swart Masterclass 2018 y 2019 por World Press Photo, ganadora del PremioFO4CM Pampa Energia Fola 2018 y finalista por Gomma Grant 2018, seleccionada para el Aesthetica Art Prize. Ganadora del “New Generation Prize” of PHM 2017 WPG and Portrait of Britain in British Journal of Photography 2016. Finalista del “PRIX LE BAL SFR Jeunes Talents”. Fabiola ha sido seleccionada para Portfolio New York Time 2019.

Ha sido parte de festivales y encuentros como:”Addis photofest”, Etiopía.

“Copenhagen Photo Festival”, Dinamarca. Festival de Fotografía “San Jose Photo”, Uruguay, FotoFestiva “Encontros da imagen” Portugal, IFP of Pingyao”, China. “20 fotógrafos”, Bolivia, ISPP, Latvia, entre otros.

Realizo su primera auto-publicación, el fotolibro “Los mundos de TITA”. Este libro ha sido finalista en varios festivales como Dummie Photobook Festival Kassel, Photo Book Showcase de SIPF, Singapur, Latin American Photobook Award, Photobook Lucie Foundation, Fotolibros Iberoamericanos 2017, Gazebook, Photobook Bristol y Belfast Photo Festival.ensayo que genera una analogía entre la depresión que sufre el territorio física y ambientalmente por la minería y la depresión psicológica y emocional en las personas.

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 95 Depresión en Zaruma, es un ensayo que genera una analogía entre la depresión que sufre el territorio física y ambientalmente por la minería y la depresión psicológica y emocional en las personas.

En Zaruma (Ecuador) busco destellos de estados resquebrajados. Lucha, fe e ironía. La ciudad de Zaruma esta en la provincia de El Oro, esta es conocida por su actividad minera, la cual inició en el período Pre-Incaico. De ahí, se extrajo oro para el rescate de Atahualpa, quien fue el último soberano del imperio Inca. El conquistador español Francisco Pizarro encarceló a Atahualpa y luego de recibir una enorme cantidad de oro para liberarlo, decidió matarlo a él y también a su hermano Huáscar. El valor del oro y de las vidas que este se ha llevado, ha quedado grabado en la memoria colectiva de sus habitantes.

La ciudad de Zaruma se está derrumbando actualmente y es muy probable que desaparezca debido a las excavaciones mineras ilegales y artesanales que se realizan hoy. En los últimos años, el territorio muestra un agotamiento aurífero en las capas superficiales de las áreas mineras, lo que motivó a los pobladores a realizar excavaciones ilegales y peligrosas en el área urbana, creando condiciones de riesgo no solo para ellos mismos sino también para la comunidad.

Se puede entender que en un territorio, al igual que en el cuerpo y la psique, se puede excavar progresivamente desde el interior hasta el punto de colapso. (Es un ensayo en proceso que quiere hablar de estrativismo) Fabiola Cedillo https://fabiolacedillo.com/

B

IRANTZU BARRIO

PAG 110 I KAMERA MAGAZINE Nº 1

Luciana Demichelis La calle se volvió peligrosa y el mundo distópico Ganadora de la beca al curso de fotografía profesional de blackkamera.

Luciana Demichelis, fotógrafa, vive y trabaja en La Plata, Argentina. Estudiante de Comunicación Social, orientación en Periodismo.

Entre 2013 y 2019 creó el archivo fotográfico de la Escuela de Arte y Oficios del Teatro Argentino de La Plata. Coordina desde 2015 talleres relacionados a la imagen fotográfica en ese mismo espacio. Argentino de La Plata.

Coordina desde 2015 talleres relacionados a la imagen fotográfica en ese mismo espacio. Desde 2020 moviliza Freezer, plataforma latinoamericana de fotografía.

Ahí coordina el taller Ficción y simulacro, proyectos de fotografía donde comparte autores y autoras que utilizan la ficción como motor de creación.

KAMERA MAGAZINE Nº 1 I PAG 111 La calle se volvió peligrosa y el mundo distópico. En este proyecto ha buscado reflexionar sobre diferentes temáticas en relación a la pandemia.

Mundos propios, individuales de autoprotección; vivimos en nuestro planeta personal desde donde todos nos sentimos seguros. Programamos nuestras redes para elegir qué vemos y cuándo. Afuera reina el caos. Podemos decidir si queremos verlo o no.

En el proyecto Luciana considera a la representación como un instrumento del poder. Cree que las imágenes, las fotografías, son herramientas de creación muy poderosas donde se pueden representar las ideas que circulan a nuestro alrededor. Las formas de hacerlo son múltiples: en este contexto lo virtual, es decir, lo que no podemos ver pero sí imaginamos toma un protagonismo absoluto.

Busca en el trabajo que la representación, esa arma siempre poderosa, sea la protagonista para poder crear las imágenes que existen pero no podemos ver durante esta pandemia.

Luciana Demichelis https://freezer.com.ar/

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