INCUBATIO by incuvisual

INCUBATIO AGLAIA BERLUTTI CORI DE VEER ERIC MEJICANO JESÚS BRICEÑO RICARDO ARISPE ROBERT MONTILLA SEBASTIÁN LLOVERA VASCO SZINETAR

SALA 1

#AWAVR

AWA Cultura www.awacultura.com vr.awacultura.com hola@awacultura.com @awacultura Caracas, Venezuela Ventas e informaciรณn adicional: ventas@awacultura.com Catalogo producido por Incubadora Visual. www.incubadoravisual.com hola@incubadoravisual.com @incuvisual Mayo, 2020. Todos los derechos reservados 2020.

INCUBATIO TEXTO

REGISTRO

AGLAIA BERLUTTI

CORI DE VEER

ERIC MEJICANO

JESÚS BRICEÑO

RICARDO ARISPE

ROBERT MONTILLA

SEBASTIÁN LLOVERA

VASCO SZINETAR

INCUBATIO El proceso de incubación es una práctica ancestral. Sin embargo, sus métodos están relacionados con ciertos fenómenos del arte moderno y del contemporáneo. Semejante vínculo permite sopesar el nexo entre ocho artistas cuyos formatos, técnicas, materiales y conceptos difieren entre sí. También, es propicio para iluminar la razón. ↵ Incubare Incubar proviene del verbo latino incubare cuyo significado es estar acostado, acostarse. En la Grecia antigua tenía relación con los rituales mágicos de los santuarios dedicados a Asklēpiós, dios de la medicina. El devoto que se acostaba en el templo, durante el ritual del la incubatio, entraba en conexión con este dios. Soñar era un medio a través del cual el conocimiento divino era revelado. Gracias a algún afortunado sueño, el enfermo y el sacerdote hallaban la forma de curar las enfermedades. ↵ Pharmacon Johann Heinrich Füssli expresó que “la vida es veloz, el arte es lento”. La lentitud es una consecuencia de la afinidad entre la ejecución de la obra y los rituales del artista. La incubatio en el arte supone el “acostarse” de las ideas iniciales. Así estas logran entrar en un sueño revelador, el cual no es otra cosa que ese largo proceso de desmaterialización provocado por el tiempo de trabajo. Nunca es algo pasivo, en realidad constituye un ejercicio donde el artista hace contacto con el único dios dispuesto a responderle: la inconformidad. Él le revela el pharmacon gracias al cual podrá deformar una y otra vez lo pensado y lo hecho en el proceso creativo. Por eso, toda obra generada en el incubare es el instante de una transformación. ¿Acaso la tarea del artista no ha sido siempre deformar? Es lo que hallamos aquí. ↵ Loquere ¿Qué debemos esperar de los ocho artistas convocados por Incubadora Visual y AWA Cultura?, Nada distinto a un gesto que haga evidente su disposición de “acostarse” durante la incubatio. Las obras son fragmentos: etapas de ese ritual hecho a la espera del sueño revelador. No hay en ellas expresiones de conformidad ni silencios complacientes. Por eso, parecieran gritar desde su interior, con un dejo de irreverencia, estas palabras de Juan Goytisolo: “Cuando me cortaron la cabeza, seguí hablando”. Humberto Valdivieso

AGLAIA BERLUTTI 16

Nace en Caracas en 1981. Reside en Caracas, Venezuela. Fotógrafa amateur desde la adolescencia, desarrolló sus estudios en fotografía principalmente en La Escuela Foto Arte y la Organización Nelson Garrido. Se ha especializado en el retrato y específicamente en el autorretrato y la autorepresentación. Sus fotografías han sido publicadas en el suplemento Todos adentro de Últimas Noticias en 2007, en la Individual del Lunes del cuerpo Escenas de El Nacional en diciembre de 2009, 2010 y 2012 y en diferentes revistas on-line como @Lacamionetica, @RazorMonkey, @DeTodoUnFoco. Ha publicado dos libros virtuales auto editados en la plataforma blurb y participado en varias exposiciones tanto individuales como colectivas como en la muestra colectiva «Eclecto Lounge» en Noviembre del 2007, Exposición «40×40» de fotógrafos Venezolanos realizada en diciembre del 2009, Exposición «Blanco Femenino» realizada el 11 de marzo del 2010, Exposición 5×5, que se llevó a cabo en los Espacios de la Fundación Arturo Uslar Pietri, Exposición “Blanco Femenino III” realizada el 20 de Marzo de 2011 en Puerto La Cruz, estado Anzoátegui, «El Cinéfilo» realizada en la Universidad Nacional Abierta de Cumaná, el Noviembre de 2011, Colectiva «Sabana Grande es una fiesta» sobre trabajo Lomo grafico, realizado en Febrero del 2012, Tercer Salón de Proyectos Fotográficos GAF 2014, I salón Angostura en el Museo Jesús Soto de Ciudad Bolívar, además de ser una prolífica escritora para medios como Contrapunto Venezuela y Prodavinci. Actualmente se desempeña como profesora de Autorretrato, fotografía en Film e historia de la fotografía en Venezuela en la Escuela Foto Arte, fotógrafa en la editorial FbLibros y columnista en diversos medios internacionales como Libero de Chile y Penumbria de México.

OPHELIA Aglaia Berlutti. 2018. 40cm x 40cm c/u. FotografĂa Digital.

CORI DE VEER 18

Caracas, 1985. Reside y trabaja en Caracas, Venezuela. Posee un diplomado en Arte Contemporáneo (Universidad Metropolitana, 2019), es licenciada en Comunicación Social en la Universidad Monteávila (Caracas, 2009) y graduada en The Institute of Culinary Education (diploma en Artes Culinarias, New York, 2004). Actualmente realiza a distancia el Programa de Profesionalización del Artista Emergente (Node Center, Berlin). Su obra ha sido seleccionada en dos ocasiones por el Salón Nacional de Jóvenes Artistas (Maracaibo, 2015 y 2018). En el año 2019, expuso su trabajo en las ciudades de París, Lima, Maracaibo y Caracas. Como artista le interesa actualmente la relación entre los conceptos de utopía/distopía, dominio/sumisión, riqueza/pobreza. En el trasfondo de su trabajo pueden encontrarse juegos de palabras, o palabras polisémicas, homónimas, palíndromos y bifrontes. Se expresa con diferentes medios que incluyen la escultura, cerámica, instalación, performance, pintura, fotografía y video.

RAJAR Cori de Veer. 2019. 87cm x 62cm x 32cm. Hierro Pintado.

ERIC MEJICANO

Venezuela, 1986. Es un artista plástico en el que la ironía funge como eje catalizador de su obra. A través de la combinación de técnicas clásicas con la hipermodernidad de nuestros tiempos que delatan su naturaleza de “provocador nato” propia de quien nace y es “arrojado al mundo”, Mejicano entiende muy bien la necesidad de expresión que esto con lleva y desde muy joven lo refleja en su inclinación artística que lo llevaron al Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (MACCSI) explorando – posteriormente- incluso vitrales en la tradicional Escuela Técnica de Artes Visuales Cristóbal Rojas a los quince años. En la actualidad, Eric Mejicano, mediante piezas de volúmenes variables, tanto lienzos como esculturas resultantes de la abstracción de formas, siluetas y la deformación de la composición a través del uso del color, reta la capacidad del individuo de ignorar su entorno a conveniencia; sus piezas actúan como catalizador para el re-pensamiento y la re-consciencia entorno a la naturaleza humana y el papel que juega cada uno en el mundo. Golpea de vuelta y golpea duro con cada nueva colección, REBORN (2018) funge un medio para la formación de la consciencia individual y colectiva a través de la versión más vulnerable del ser humano: su progenie. Porque es necesario volver al inicio, sacudir las bases de la concepción prefabricada del arte y la consciencia. Hay que re-ver y re-visar la formación del la consciencia desde el nacimiento, donde todos somos iguales, todos somos tabula rasa, todos buscamos respuestas. La obra de Eric Mejicano no busca dar respuestas sino hacer preguntas, inquiriere, reta y confronta su tiempo a través de la pregunta que compone su obra a la fecha: ¿Qué opinas de lo que fuiste?.

ARRAIGO OBJETUAL / CATRINA Eric Mejicano. 2020. 155cm x 65cm x 55cm. Barillas de bronce y ruedas de nylon.

JESÚS BRICEÑO 22

Caracas, Distrito Capital, 1985, Reside y trabaja en Caracas como profesor de la Universidad Nacional Abierta y AVECOFA. Graduado del IPC-UPEL como Profesor mención Artes Plásticas 2011 y Magister en Estética del Arte en el IPC-UPEL en el 2019. Entre el 2003 y 2019 ha participado en talleres complementarios de fotografía con Hernán Villar, Juan Toro, Nelson Garrido, Johanna Pérez Daza y Wilson Prada, posee el título de diplomado en Fotografía de la UPEL de Miranda 2016 y ha cursado talleres de Performance con Macjob Paravabis y pintura acrílica con Pietro Daprano. Inicia su carrera artística en el 2011, entre sus exposiciones colectivas nacionales e internacionales se pueden nombrar: Miami New Media Festival 2019 (EE.UU / España), +58VZLA.mp4 2019, (México), Cartografías políticas 2019 (México), Cuerpo / Medio / Poder 2018 (Colombia), Bienal de Performance PerfoArtNet 2018 (Colombia), Por los caminos verdes 2019, 234+2 Luces 2019, Festival Internacional de Performance Perfochoroní 2017-18, Jóvenes con FIA 2017, Bienal de Artes Visuales Ciudad de Coro 2016, Salón Octubre Joven 2015-16, Salón Nacional de Proyectos Fotográficos Mérida foto 2015-16, Festival de Video Arte Nodos CCS 2016, 1era Muestra de Incubadora Visual 2016, Bienal de Artes Gráficas 2016, Salón de Jóvenes Artistas del MACZUL 2015, Bienal del Dibujo y la Estampa 2015, Premio Municipal de Artes Visuales Juan Lovera 2011-2014,, III Bienal Internacional de Arte Contemporáneo ULA 2014, entre otros. En el 2017 expone de forma individual en La ONG de Nelson Garrido (Caracas). 2018 en el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL). 2019 en el Espacio Libertad (Mérida).

KINTSUGI Jesús Briceño. 2020. 255cm x 25cm c/u. Fotografía Digital.

RICARDO ARISPE 24

Barquisimeto, estado Lara, 1980. Reside y trabaja en Caracas, Venezuela. Analista de Sistemas, Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado, Barquisimeto, estado Lara, Venezuela, 2.000. Fotógrafo, en sus inicios optó por la formación autodidacta y posteriormente participó en diversos talleres de especialización. Inicia su carrera expositiva en el año 2.011. Ha sido merecedor de: 3er Lugar en el concurso “Métiers du Monde”, Alianza Francesa, Caracas, Venezuela, 2012. 3er Lugar XX Salón de Jóvenes con FIA, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela, 2017. Finalista del Premio Internacional FELIFA 2018, Buenos Aires, Argentina. Seleccionado para formar parte del proyecto editorial Nuevo País de la Fotografía (2019), editado por Grupo Artesano y Banesco, Caracas, Venezuela. Ha publicado los fotolibros: Escrito en el cuerpo, 2013. ИВАН И МЭРИ, 30 years after Chernobyl, 2016. #SomosResilientes, 2017. Es director de la iniciativa IncubadoraVisual, Director de #ElDespachoArtLab y parte del Team de AWA Cultura. DECLARACION DE ARTISTA Como artista he investigado las formas en que nuestra cotidianidad y nuestro entorno político influyen sobre nosotros, no solo como una vía para el autocuestionamiento, sino como una ventana destinada a sumar esfuerzos a la difícil tarea de entender nuestra situación como sociedad, como colectivo. Me preocupan nuestros padecimientos actuales y sus consecuencias: corrupción, escasez, abuso, violencia y el poder en todas su formas, no exclusivamente desde la visión del oprimido, sino también desde la óptica de quien lo ejerce. Suelo partir o llegar a una imagen, influenciado siempre desde la fotografía, a la cual sumo diferentes medios, técnicas y soportes en pro de hacer llegar el mensaje. Me interesa dejar registro de los acontecimientos de nuestro tiempo, utilizando además herramientas y criterios estéticos contemporáneos. Imágenes, libros, publicaciones, galerías digitales, instalaciones, intervenciones, muestras y exhibiciones quizás son el resultado tangible de mi obra, pero realmente son parte de un todo, son parte de mi “operación cultural”.

FALSOS POSITIVOS Ricardo Arispe. 2018. 53cm x 53cm c/u. FotografÃa Intervenida. Cutter sobre PVC.

#HOWDAREYOU 01 y 02 Ricardo Arispe. 2019. 80cm x 120cm c/u. FotografÃa digital.

ROBERT MONTILLA

Biscucuy, Estado Portuguesa Venezuela,1976. Reside y trabaja en Barquisimeto, Venezuela. Arquitecto, Universidad Central de Venezuela, UDE Barquisimeto, estado Lara, 2005. Fotógrafo, Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar, Barquisimeto estado Lara, 2009, y Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, Buenos Aires Argentina, 2011. Entre 2009 y 2013 me desempeñé como Docente dentro de los talleres de diseño de la Universidad Central de Venezuela. Mi carrera expositiva inicia en el 2010 y hasta la fecha he tenido la oportunidad de exponer dentro y fuera de Venezuela, (Estados Unidos y Chile). Ubicar mi trabajo dentro de un estilo artístico ha resultado un proceso complejo para mí. Mi obra tiene color, pero no pinto; es tridimensional, pero no es escultura. Creo que las palabras componer, ensamblar y superponer, se convierten en mis herramientas indispensables para comunicar, proponer, mostrar y unir. Hay 3 situaciones fundamentales que me llevan al camino del arte irremediablemente. La primera, es esa obra de arte total de la que hablaba el arquitecto Carlos Raúl Villanueva y que me hace tener una mirada profunda y reflexiva más allá del contexto, del lugar y del territorio, es entender cómo el arte pertenece y se hace parte de. Lo segundo, después de esa reflexión se abre ante mí un paralelismo social abrumador, donde se desarrollan distintas realidades en el mismo espacio y tiempo, pero obviamente nunca se tocan. Ese elemento me marca profundamente. Mi pensamiento imagina unir de alguna manera estas realidades. Y finalmente dentro de mi trabajo como docente investigador, el tema matérico se vuelve recurrente. ¿Cómo reivindicar la estética, la carga compositiva de un material y su diversidad, más allá de su uso natural?… Es el material, con toda su carga histórica, social, contundencia, variabilidad y estructura el que me permite encontrar un lenguaje propio, me permite noblemente acercarme a mi búsqueda, a mi necesidad de comunicar todo eso que ocurre a mi alrededor y que ha sido deliberadamente ignorado por una gran mayoría… Ahí se ubica mi obra de arte… En el altruismo, en la provocación y en la sensibilidad hacia mis realidades paralelas. El arte en general debe transmitir un mensaje.

La técnica, la estética y la materialidad son para mí, las herramientas perfectas para comunicar, unir y dialogar entre los que no se tocan, no se miran y muchas veces no se saben.

PETRÃ&#x201C;LEO EN GOTAS Robert Montilla. 2019. 65cm x 75cm. Ensamble Zinc / MDF.

SEBASTIAN LLOVERA 30

Valera, Trujillo 1992. Reside y trabaja en Caracas. Licenciado en Artes Plásticas, UNEARTE, Caracas, Venezuela, 2017. Desde los comienzos de su carrera artística se interesa principalmente por el comportamiento de los fenómenos (materiales-mentales) y su facultad de fungir como generadores simbólicos. Utiliza diferentes medios como detonantes para reflexionar sobre la realidad y la condición humana. Sus proyectos suelen tomar forma en instalaciones, donde la utilización de objetos encontrados posee un gran protagonismo. En su trabajo destacan elementos como archivos, documentos científicos y mapas, así como también el uso de herramientas como la fotografía, la cianotipia, y la realidad aumentada, entre otros. Con su obra busca generar preguntas sobre temas diversos tales como el espacio-tiempo, la historia, el contexto socio-político y el pensamiento sistémico, entre otros. Permitiendo al participante establecer múltiples relaciones y sentidos, sus propuestas suelen dejar espacio para la indeterminación y las posibilidades, asumiendo una conducta en sintonía con el modus operandi de aquello que se concibe como universo. Ha participado en exposiciones en el CICA Museo de Arte Contemporáneo (Corea del Sur), la Bienal Internacional de Arte emergente Contemporáneo Eve-Maria Zimmermann (BACOS) (España), y en el Museo de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá), entre otras. De sus reconocimientos destacan el Primer lugar del XXII Salón Jóvenes con FIA, Caracas, Venezuela y la nominación para los premios BLOOOM 2017, Dusseldorf, Alemania.

S/T SebastiĂĄn Llovera. 2020. 46cm x 32cm c/u. Mapas, aerografĂas y transparencias de acetato.

VASCO SZINETAR 32

Vasco Szinetar es fotógrafo y poeta. Nació en Caracas en 1948. Estudió cine en Polonia y el Reino Unido. Son célebres sus series de fotografías Frente al espejo con personajes relevantes de la literatura y las artes; y la serie Cheek-to-Cheek, también autorretratos con personalidades del mundo de la cultura. Sus fotografías aparecen regularmente en diarios como El Nacional, de Caracas y El País, de Madrid. Ha asumido variadas responsabilidades para promover las artes en su país: funda y coordina la galería de fotografía de El Daguerrotipo (1985-1988); dirige la Sala de Exposiciones RG de la Fundación Celarg (1991-1994); fue director ejecutivo y presidente del Museo Alejandro Otero (1994-2000); dirigió el proyecto Centro Nacional de la Fotografía (2000-2002); actualmente es el director/curador de la colección privada Archivo Fotografía Urbana. En su trayectoria como curador, ha sido invitado de la XXX Bienal de São Paulo (2012) con la presentación de la obra fotográfica del artista Alfredo Cortina. Ha comisariado, entre otros, los siguientes libros de fotografía: Fotografía Urbana Venezolana 1850-2009 (Fundación para la Cultura Urbana, 2009); 70 años de fotoperiodismo en Venezuela (editorial Cyngular, 2011); Tito Caula (PhotoBolsillo, editorial La Fábrica, 2015); Alfredo Cortina (PhotoBolsillo, editorial La fábrica, España, 2016); Ricardo Jiménez (PhotoBolsillo, editorial La fábrica, España, 2017).

RIESGO Vasco Szinetar. 1984. 63cm x 52cm / 52cm x 63cm. Fotografía intervenida (analógica).

https://vr.awacultura.com