La casa de Bernarda Alba

2º Bachiller – Curso 2016-2017_ El siglo XX

La literatura de principios de siglo.

El teatro anterior a la guerra civil.

La casa de Bernarda Alba

Para comprender La casa de Bernarda Alba (escrita en 1936, pocas semanas antes de ser asesinado) es conveniente conocer el pensamiento de Lorca en los años treinta. El 2 de febrero de 1935, tras una representación de Yerma destinada especialmente a los actores profesionales, Federico pronunció una Charla sobre teatro, en la que dijo: “Yo no hablo esta noche como autor ni como poeta, ni como estudiante sencillo del rico panorama de la vida del hombre, sino como ardiente apasionado del teatro y de su acción social. El teatro es uno de los más expresivos y útiles instrumentos para la educación de un país y el barómetro que marca su grandeza o su descenso” […]

“Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está moribundo; como el teatro que no recoge el latido social, el latido histórico, el drama de sus gentes y el color genuino de su paisaje y de su espíritu, con risa o con lágrimas, no tiene derecho a llamarse teatro, sino sala de juego o sitio para hacer esa horrible cosa que se llama matar el tiempo” […]

ÍNDICE DE CONTENIDOS

I. LA LITERATURA DE PRINCIPIOS DE SIGLO

1. Contexto histórico y social

3

2. Contexto cultural y literario

3

3. El teatro anterior a 1939 3.1. Teatro comercial 3.2. Teatro innovador

5

II. FEDERICO GARCÍA LORCA. LA CASA DE BERNARDA ALBA

1. Vida y personalidad

6

2. Obra 2.1. Lírica 2.2. Trayectoria teatral

7

3. La casa de Bernarda Alba 3.1. Género y génesis 3.2. Argumento 3.3. Temática a. Tema central b. Temas secundarios 3.4. Estructura 3.5. Personajes y simbología 3.6. Espacio 3.7. Tiempo 3.8. Lenguaje a. El lenguaje coloquial b. El lenguaje poético c. Los símbolos 3.9. Propósito de la obra

8 8 8 8 10 11 13 13

15

I. LA LITERATURA DE PRINCIPIOS DE SIGLO Para intentar definir el siglo XX se ha empleado la expresión "aceleración de la historia", por sus continuos cambios en todas las manifestaciones de la vida humana.

La cara negativa de este siglo son las dos guerras mundiales, la multitud de enfrentamientos armados localizados, los exterminios y holocaustos, los totalitarismos, la carrera de armamentos, la violación de los derechos humanos, la injusticia y el hambre, el peligro atómico y nuclear. La angustia que se cierne amenazante sobre el hombre actual.

La cara positiva son los constantes y asombrosos avances científicos, técnicos y artísticos, y la apertura de nuevos horizontes y posibilidades.

1. CONTEXTO HISTÓRICO Y SOCIAL De la centuria anterior España arrastra la llamada "crisis de fin de siglo", que se puede concretar en los graves problemas de convivencia entre los españoles, divididos en ideologías encontradas, y la decadencia del país que culmina con la pérdida de nuestras últimas colonias ultramarinas, el año del desastre 1898.

Las primeras décadas del siglo XX son en todo el mundo occidental un periodo convulso, marcado por acontecimientos políticos y económicos de gran trascendencia: la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la revolución rusa (1917), el crac económico de 1929 y el triunfo del fascismo en Italia y del nazismo en Alemania, que desembocarán en el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939.

Además, presenta contrastes variadísimos donde caben la amenaza nuclear y la degradación progresiva de la naturaleza, al lado del desarrollo científico y tecnológico, sobre todo en el campo de la medicina y las comunicaciones.

La situación en España durante estos años resulta igualmente agitada. El siglo se inicia con el comienzo del reinado de Alfonso XIII y con el final del régimen de la Restauración, basado en el turno pacífico en el poder de los partidos conservador y liberal.

El clima general de descontento y la situación creada por las campañas coloniales en Marruecos dieron lugar a revueltas sociales como la Semana Trágica de Barcelona (1909) o la huelga general revolucionaria en 1917, que llevaron al ejército a dar un golpe de Estado y a instaurar la dictadura de Primo de Rivera (1923-1930) El nuevo régimen político no consiguió terminar con los graves conflictos sociales y económicos a los que se enfrentaba el país, por lo que Miguel Primo de Rivera presentó su dimisión ante el rey en enero de 1930. Las elecciones municipales que se celebraron en 1931 mostraron el triunfo de las fuerzas republicanas. El rey Alfonso XIII, viendo que no contaba con el apoyo del pueblo, abandonó el país y se inició la Segunda República.

Durante los años que duró la República (1931-1936) se aprobaron una serie de medidas reformistas que sembraron el descontento entre los sectores más conservadores de la sociedad. Haciéndose eco de este descontento, un grupo de militares se alzó contra el régimen republicano, lo que desencadenó la Guerra Civil (1936-1939)

2. CONTEXTO CULTURAL Y LITERARIO La literatura española del siglo XX ha quedado marcada, especialmente, por dos fechas (1898 y 1936) que tienen en común el gran desgarro y la conmoción que agitó a los españoles en general, y a los intelectuales y literatos en particular.

La primera de esas fechas corresponde a 1898, cuando España se convierte en la primera "potencia" europea que pierde por completo su imperio colonial. Las circunstancias fueron las de una guerra breve y humillante con los EE. UU., que nos lleva a perder islas tan importantes como Cuba, Puerto Rico y Filipinas. La reacción posterior coincidió con una corriente mundial de inconformismo antiburgués que propició un enorme deseo de renovación y cambio.

3

En la España literaria de principios de siglo se tradujo en dos movimientos distintos, pero cuyo origen de partida es el mismo: el Modernismo y la Generación del 98. a. El Modernismo, bajo el liderazgo de Rubén Darío, se transforma en un brillante movimiento literario, deslumbrante a nivel estético, que busca la belleza por encima de todo y renueva el lenguaje literario castellano. b. La Generación del 98 agrupa a intelectuales y pensadores cuyo gran afán es la modernización efectiva de España, presentado un rigor intelectual y un compromiso con sus propias decisivo para la evolución del pensamiento español de principios del siglo XX. A partir de la Primera Guerra Mundial, y hasta mediados de los años treinta, hay una literatura de una extraordinaria calidad y variedad en España. Es el tiempo del c. Novecentismo, o Generación del 14, con nuevos novelistas como Gabriel Miró y Pérez de Ayala; de extraordinarios poetas, como Juan Ramón Jiménez, de intelectuales de la talla de Ortega y Gasset, de genios, como Ramón María del Valle-Inclán y Ramón Gómez de la Serna, de revistas fundamentales, como La Revista de Occidente (Ortega y Gasset), y La Gaceta Literaria (Juan Ramón Jiménez) d. Vanguardismo (1910- 1920). Es un movimiento efímero cuyo máximo representante y creador es Ramón Gómez de la Serna y en el que se produce una ruptura con toda la literatura anterior siendo, a su vez, el punto de partida para autores como Rafael Alberti o Federico García Lorca. Este movimiento engloba a todas las tendencias incluidas en el término de “ismos”.   

La Taladradora, Kupka, 1925

El futurismo y el cubismo cantan la belleza de la velocidad y las máquinas y el rechazo de la tradición.

El ultraísmo se define por el deseo de escandalizar y por la libre asociación de imágenes.

El surrealismo piensa que es posible alumbrar un hombre nuevo, pues la cultura occidental ha mutilado al hombre con la razón: hay que alumbrar la realidad que subyace bajo la razón y para ello exalta la imaginación, el deseo, la infancia o el sueño, entró en España con fuerza influyendo sobre los autores antes mencionados llevándolos a escribir Sobre los ángeles, de Rafael Alberti y Poeta en Nueva York, de Lorca.

Por otra parte, hay que reseñar la importancia que desempeñó para el vanguardismo español la obra teórica de Ortega y Gasset, con libros como La rebelión de las masas y revistas como Revista de Occidente. e. Grupo del 27 (1920-1930). En el contexto de experimentación y búsqueda de valores exclusivamente artísticos que se desarrolla en España a principios del siglo XX, comienzan a escribir los jóvenes poetas de la Generación del 27. Las posibilidades de elección que tuvieron estos escritores en los años 20 fueron mucho más variadas que las que habían tenido los modernistas de principios de siglo. Podían seguir los pasos del Valle expresionista de los esperpentos o imitar a Juan Ramón Jiménez, quien, por entonces, perfilaba su poética de la poesía desnuda. O, si lo deseaban, podían dejarse llevar por la influencia de la poesía pura de Paul Valéry o por los movimientos de Vanguardia. Todas estas corrientes fueron bien conocidas en España gracias a la Revista de Occidente, editada por Ortega. Además, muchos de los escritores del 27 tuvieron la oportunidad de convivir y compartir sus lecturas en la Residencia de Estudiantes; así, se produce un intercambio de experiencias entre ellos que provoca su interés por Bécquer, por la lírica tradicional o por la poesía de Góngora. Todos descubren a la vez el Surrealismo francés y, más tarde, juntos conocen y admiran a Pablo Neruda, que llega a Madrid en 1934.

La Guerra Civil es la otra fecha que marca la literatura española en el siglo XX. Precedida por unos años de compromiso y agitación violenta, que lleva a los escritores a tomar partido por uno u otro bando, los tres años de guerra civil fueron, literariamente hablando, un enorme desastre para el desarrollo del extraordinario ambiente literario de preguerra.

Además de la desaparición física de figuras de renombre (García Lorca, Unamuno, Valle-Inclán, etc.), los literatos quedan en el exilio o en el interior de una España cerrada, pobre, aislada y dentro de una ideología nacional-católica.

Ante este panorama, los escritores que permanecen en España reaccionan de distinta manera: de un lado una

literatura arraigada (Luis Rosales, Leopoldo Panero, etc.) que practica el intimismo y se encuentran serenamente instalados en el mundo; de otra parte, una literatura desarraigada (el primer Cela, Blas de Otero, Buero Vallejo, Gabriel Celaya, etc.) que presenta un hondo malestar con la realidad social española.

3. EL TEATRO ESPAÑOL ANTERIOR A 1939 A finales del siglo XIX las obras más representadas eran las llamadas de "alta comedia" de Echegaray y sus seguidores, melodramas que buscaban la emoción del espectador mediante los abundantes golpes de efecto y la truculencia de las escenas. Los gustos del público, poco depurados, y el escaso interés de los empresarios teatrales, impedían cualquier intento renovador del panorama teatral, por lo que este tipo de teatro comercial pervivió en el primer tercio del siglo XX. Los intentos renovadores más serios vinieron de los hombres del 98 (Unamuno, Azorín y Valle Inclán en principio, y en los años treinta de los poetas de la generación del 27 (García Lorca). Pocas obras escritas siguiendo las bases de este teatro innovador pudieron ser representadas.

3.1. El teatro comercial a. La comedia burguesa de Benavente. Don Jacinto Benavente propuso un teatro sin grandilocuencia, sin excesos, con atención preferente a los ambientes cotidianos. Su obra supone una crítica amable de los ideales burgueses, como sucede en Lo cursi, Rosas de Otoño y Los intereses creados. Otras veces intenta el "drama rural" (Señora Ama, La Malquerida). Benavente se ganó el favor del público y una gran popularidad a nivel nacional. En 1922 se le concede el Premio Nobel. b. El teatro en verso. Supone ante todo la presencia en los escenarios del arte verbal modernista. De los cultivadores de esta línea merecen citarse Francisco Villaespesa, Eduardo Marquina, los hermanos Manuel y Antonio Machado c. El teatro cómico. Los tipos y ambientes castizos que habían sido la materia de los cuadros costumbristas del Romanticismo vuelven ahora a la escena de la mano de autores como los hermanos Álvarez Quintero, que presentan en sus obras la imagen de una Andalucía superficial, tópica e incluso falseada Algunas de sus obras más celebradas son: La reina mora, El ojito derecho, El patio, Las de Caín, etc.; también cabe mencionar a Carlos Arniches (1866-1943 ), quien, por una parte produce sainetes de ambiente madrileño, y por otra parte escribe lo que él mismo denomina "tragedia grotesca", obras en las que se mezcla lo risible y lo conmovedor (La señorita de Trévelez).

3.2. El teatro de innovación Muchos son los autores que pretenden hacer un teatro diferente en estos años, y en la mayoría de los casos cosecharon un rotundo fracaso con sus obras.

Al margen de pretensiones comerciales, estos autores (Unamuno, Azorín, Valle-Inclán y Jacinto Grau, sobre todo) pretenden que su teatro sirva como cauce para la expresión de sus conflictos religiosos, existenciales y sociales (en esta última faceta destaca Valle-Inclán).

Harán un teatro intelectual y complejo que enlazará con las tendencias filosóficas y teatrales más renovadoras del panorama occidental de la época. Técnicamente, intentarán romper definitivamente con las formas realistas de la representación, aspecto en el que destaca, sobre todos, Ramón del Valle-Inclán.

5

II. FEDERICO GARCÍA LORCA (1898-1936). LA CASA DE BERNARDA ALBA

1. Vida y personalidad 2. Obra 2.1. Lírica 2.2. Trayectoria teatral 3. La casa de Bernarda Alba 3.1. Género y génesis 3.2. Argumento 3.3. Temática 3.4.

3.5.

3.6.

3.7.

3.8.

a. Tema central b. Temas secundarios

Estructura Personajes y simbología Espacio Tiempo Lenguaje a. El lenguaje coloquial b. El lenguaje poético c. Los símbolos 3.9. Propósito de la obra

1. VIDA Y PERSONALIDAD Fue uno de los escritores más célebres del siglo XX. Su asesinato influyó en esta difusión, pero con el tiempo su vigencia y su prestigio continúan siendo enormes.

Federico García Lorca nació en Fuente Vaqueros (Granada), el 5 de junio de 1898 y pasó su infancia en el vecino pueblo de Valderrubio. Hijo de una familia muy acomodada, aprendió las primeras letras con su madre y estudió música con Manuel de Falla. En 1909 comenzó el bachillerato en Granada y en 1914 inició sus estudios universitarios (Filosofía y Letras y Derecho) en la Universidad granadina. En 1916, en viaje de estudios, visitó Baeza, donde conoció a Antonio Machado. Comienza en estos años sus primeros escritos. En 1919 se trasladó a Madrid y se instaló en la Residencia de Estudiantes, donde convivió con el pintor Dalí, con el cineasta Buñuel y con otros poetas de su generación, la llamada Generación del 27. Viajó mucho por España y pasó temporadas en Cadaqués, en casa de su amigo Salvador Dalí. Viajó a Nueva York y a Cuba en el curso 29-30, como estudiante en la Universidad de Columbia y fue testigo del crack de la Bolsa del 29. También dio conferencias en Montevideo y Buenos Aires. De vuelta a España escribe tragedias y dramas de gran éxito.

Lorca poseía una maravillosa capacidad creadora que manifestó en múltiples facetas: era músico, pintor, poeta y dramaturgo. Como autor dramático, quiso acercar el teatro al público sencillo que no podía asistir a las representaciones de la gran ciudad, para lo cual se creó el grupo de teatro universitario La Barraca (1932-1935), cuya misión consistía en llevar el teatro clásico por los pueblos de España. Con él recorrió numerosos lugares del Estado (apoyando al gobierno de la República). En el mes de agosto de 1936, a los pocos días de iniciada la guerra civil, Lorca fue detenido y fusilado en el barranco de Viznar, cerca de Granada.

2. OBRA El universo lorquiano se define por un palpable sistematismo: la poesía, el drama, la prosa se alimentan de obsesiones y claves estilísticas constantes. La variedad de forma nunca atenta contra esa unidad de fondo. Un clasicismo de fondo, barroco, gongorino, nutre la imaginería lorquina. En el centro de ese sistema expresivo alienta un poderoso código simbólico, cuyos elementos dorsales son la luna, el agua, la sangre, el caballo, la hierba y los metales, unidos al tema de la muerte y el destino trágico.

La carrera literaria de Lorca dura dieciocho años, desde su primer libro de poemas hasta las primeras obras de madurez como Poema del Cante Jondo o Romancero Gitano (1928). A estas seguirán Poeta en Nueva York y Diván del Tamarit, el magistral Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías y los Sonetos del Amor Oscuro.

2.1. Lírica La lírica de Lorca es una felicísima mezcla de poesía popular y renovación. Los temas y ritmos tradicionales conviven con imágenes atrevidas y sugerentes de cuño vanguardista. Sus versos nos transportan a un mundo dominado por misteriosas fuerzas atávicas o instintos ancestrales. El universo poético de Lorca, presidido por la muerte, que acecha a cada paso, es trágico y violento. Las pasiones se desencadenan con intensidad y abocan al individuo a un destino fatal. El amor y el sexo se presentan como un impulso dionisíaco al que no cabe resistirse, una fuerza vital que se entrelaza inevitablemente con la muerte.

La fusión de imágenes surreales con la vena popular logra sus mejores momentos en Romancero gitano (1928). El poeta se ocupa de una raza marginada y manifiesta sus simpatías hacia ella; toma partido frente a la represión institucionalizada que representa la guardia civil.

A raíz de una crisis íntima, Lorca viaja a EEUU. El resultado es Poeta en Nueva York (1929-1930), denuncia de una sociedad materialista que oprime al débil y margina al negro; trabajará en esta obra hasta el final de su vida. Usa el verso libre y se vale de imágenes oníricas, irracionales, para transmitir la angustia que le produce esa ciudad monstruosa e inhumana. Alza su voz contra la técnica que domina al hombre y contra el dinero que destruye a los seres indefensos. En su etapa final compone más teatro que poesía.

2.2. Trayectoria teatral Lorca se nutrió de diversas tradiciones teatrales. Tuvo en cuenta el drama rural de épocas anteriores, leyó a los clásicos españoles (Lope de Vega y Calderón de la Barca) y no olvidó los ecos de la tragedia griega o a Shakespeare. Igualmente, cultivó en su teatro la prosa y el verso, así como diversidad de géneros y formas.

El Ministerio de Cultura e Información Pública de la República apoyó la fundación del grupo universitario de teatro ambulante, La Barraca, que Lorca dirigió junto con Eduardo Ugarte. La Barraca viajó a zonas rurales donde se desconocía el teatro, montando adaptaciones de obras clásicas del Siglo de Oro. Se representaron un total de 13 obras de teatro en 74 localidades entre los años de 1932-36.

Obras suyas son Mariana Pineda (1925), La zapatera prodigiosa (1926) sobre una hermosa joven casada con un zapatero viejo. Pero es ya en la década del treinta, tras su crisis personal que coincide con su viaje a Nueva York, con La Barraca, cuando declara su ansia de una comunicación más amplia con el público y su orientación social. Son palabras suyas las siguientes: En nuestra época, el poeta ha de abrirse las venas por los demás. Por eso yo (…) me he entregado a lo dramático, que nos permite un contacto más directo con las masas.

En las tragedias y dramas que compone ahora la mujer ocupará un puesto central; junto a los gitanos y los negros de sus poemas (Romancero Gitano y Poeta en Nueva York), la mujer es una figura marginada con la que el autor, en su obra, se siente identificado profundamente porque él es otro marginado social, probablemente a causa de su homosexualidad.

En Bodas de Sangre (1933) una novia se escapa con su amante el mismo día de su boda, reflejando en la historia una pasión que desborda barreras sociales y morales, pero que desembocará en la muerte.

7

Yerma (1934) es el drama de la mujer condenada a la infecundidad. De un lado, el ansia insatisfecha de la maternidad; de otro, la fidelidad a su marido… Todo ello se une al anhelo de la mujer por realizarse frente a la sumisión que se debe a la moral recibida de la honra. De ese choque surge la tragedia.

Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores (1935) es el drama de la mujer soltera en la burguesía que se marchita como flor toda su vida. Es, sin embargo, La Casa de Bernarda Alba la auténtica culminación del teatro lorquiano.

3. LA CASA DE BERNARDA ALBA 3.1. GÉNERO Y GÉNESIS La casa de Bernarda Alba fue la última obra dramática escrita por Federico García Lorca. El autor acabó de escribirla en junio de 1936, tan solo dos meses antes de morir. No se estrenaría hasta 1945 en Buenos Aires; el mismo año y en el mismo lugar apareció la primera edición, y no pudo representarse en un escenario español hasta 1964.

La obra sugiere un pueblo andaluz de olivares, verano muy caluroso y una casa con paredes blancas. Sin embargo, Lorca no circunscribe la obra a su Andalucía natal, sino que la eleva a un ámbito universal. Por ello, el autor subtitula la obra Drama de mujeres en los pueblos de España. La obra versa sobre la realidad humana, pero vista desde la poética lorquiana. ¿Por qué drama y no tragedia? Por la esencial impresión de necesidad de la catástrofe, de lo inexorable de la frustración, hablaríamos de tragedia. Pero para Lorca la tragedia comportaba elementos míticos que aquí estarán ausentes. También el realismo del lenguaje y ciertas expresiones que cabría llamar "cómicas" (en boca de la Poncia, por ejemplo) serían rasgos propios del drama, ya que los personajes viven rodeados de tensiones, inmersos en un clima de violencia.

La génesis de la obra parece que tuvo su punto de partida en figuras reales: una tal Frasquita Alba y sus hijas, cuya casa era colindante de la que tenían los Lorca en Valderrubio (Granada). Frasquita Alba, mujer autoritaria que se había casado dos veces, tuvo seis hijas y dos hijos. Pepe el de la Romilla (también conocido como Pepico el de Roma) se casó con la hija Amelia, que murió de parto; Pepe se casó más tarde con Consuelo, hermana menor de Amelia. Las similitudes son, pues, evidentes.

Sólo el genio del poeta pudo crear, a partir de aquéllas, las figuras de Bernarda y sus hijas como símbolos de toda la realidad.

3.2. ARGUMENTO La obra comienza con el funeral del segundo marido de Bernarda Alba. Las criadas, solas en la casa, ponen de manifiesto su odio por Bernarda, persona clasista y autoritaria. Cuando se retiran las mujeres, Bernarda impone a sus cinco hijas un luto y reclusión de ocho años; este hecho contrasta con los deseos de amar de las hijas. Angustias, la hija mayor, de 39 años, hija del primer marido de Bernarda, es solicitada por Pepe el Romano, joven atractivo de 25 años, quien perturba el ambiente familiar, pues Adela y Martirio también se enamoran de él. Adela atrae a Pepe, pero Martirio la denuncia cuando se encuentra con su amante en el corral de la casa. Bernarda, que acude presurosa, dispara contra Pepe. Adela, creyéndolo muerto, desesperada por el dolor, se suicida.

El luto impuesto por Bernarda es la exageración de una costumbre real, de una tradición llevada a extremos increíbles. Pero esa misma exageración sitúa la obra en el plano de lo simbólico que ejemplifica toda la realidad posible. En esa situación extrema los conflictos, las fuerzas, las pasiones se agrandarán, se desarrollarán hasta la exasperación. Catalizador de las fuerzas encerradas en la casa será la figura de Pepe el Romano, pretendiente o novio de Angustias, hija mayor y heredera, pero atraído por la juventud y belleza de Adela, la menor, y amado, a su vez, por Martirio.

3.3. TEMÁTICA Frente al autoritarismo y la represión representada por Bernarda Alba, las hijas encarnarán una gama de actitudes que van de la más pasiva y frustrante sumisión a la rebeldía más abierta. En suma, nos hallamos ante una frustración irreparable cuyas raíces se pueden situar en un plano social con un fuerte componente moral, lo cual conduciría a

señalar una serie de temas conexos con la temática central: la moral tradicional y la presión social sobre los individuos; las diferencias sociales; y, en fin, la condición de la mujer en la sociedad española de la época, que serán los temas secundarios o motivos que completan la visión dramática de Lorca en la obra.

a. Tema central El tema central de esta obra es el enfrentamiento entre una moral autoritaria (representada por Bernarda) y el deseo de libertad (encarnado por Mª Josefa y Adela).

El autoritarismo de Bernarda es una constante de su actitud y su carácter: impone un luto de ocho años, prohíbe la relación de las hijas con los hombres, restablece el orden cuando sus hijas discuten y somete a su disciplina a todas las mujeres de la casa.

La rebeldía de Adela también se observa desde el principio: lleva abanico verde y rojo, se pone un vestido verde para lucirse ante las gallinas, se enfrenta a su madre y le rompe el bastón. Pero el tiempo de su libertad es efímero y acaba con el suicidio, con el que condena a sus hermanas, de nuevo, al luto y a la clausura.

Mª Josefa se rebela a través de la locura, su única vía de escape para un personaje que vive recluido en una habitación que resulta aun más asfixiante que la de las hijas de Bernarda.

b. Temas secundarios  La ausencia de amor y el temor a la soltería es el auténtico drama de estas mujeres. Bernarda aleja de la casa a Enrique Humanes, que pretendía a Martirio, e incluso prohíbe la entrada de hombres en su casa. Cuando aparece Pepe el Romano, el terreno está abonado para que la tragedia se desencadene: - Martirio ama secretamente a Pepe el Romano.

- Pepe el Romano proyecta casarse con Angustias.

- Pepe el Romano y Adela mantienen ocultas relaciones amorosas.

Las referencias al amor son continuas en la obra: - la criada alude a los tocamientos que le hacía el difunto Benavides.

- Poncia refiere la historia de Paca la Roseta.

- Martirio cuenta la historia de Adelaida - Amelia recuerda a Enrique Humanes.

- Mª Josefa dice que se quiere casar “con un varón hermoso a la orilla del mar” - La Poncia rememora la declaración amorosa de su marido Evaristo el Colorín - La aparición de los segadores.

- Historia de la hija de la Librada.

Todo ello nos prepara para sufrir con las hijas este drama de amor insatisfecho.  La hipocresía que oculta la realidad es uno de los motivos recurrentes de la casa de Bernarda Alba.

Simbólicamente, esta preocupación por las apariencias se refleja en la obsesión por la limpieza y la blancura de las habitaciones que caracteriza a Bernarda. En las actuaciones iniciales de cada acto se emplea el adjetivo “blanco” que va desde el superlativo en el primer acto a la matización “ligeramente azulada” en el último acto. El miedo a la murmuración es una constante en la vida del pueblo y marca la conducta de Bernarda. A ella solo le importa la apariencia: “Yo no me meto en los corazones, pero quiero buena fachada y armonía familiar”. También Martirio se caracteriza por su hipocresía y es acusada por Magdalena: “Nunca he podido resistir tu hipocresía”. La necesidad de aparentar recorre la obra de principio a fin. De hecho, tras el suicidio de Adela lo único que le importa a su madre es que nadie saque la verdad a la luz: “Mi hija ha muerto virgen (…) nadie dirá nada”.  Las relaciones humanas están dominadas por el odio y la envidia que se ve en los sustantivos abstractos de las acotaciones como “crueldad, odio” y en los diálogos: los numerosos insultos “pérfida, dominanta”, las insinuaciones “mete tu lengua en la madriguera” y las expresiones cargadas de violencia.  La injusticia y las diferencias sociales constituyen el tercer tema de la obra. A lo largo de ella pero especialmente en el primer acto García Lorca pone de manifiesto las tensiones de la sociedad de su época.

Plantea una jerarquía social bien definida. En el estrato más elevado se encuentran Bernarda y sus hijas, a 9

continuación las criadas, y finalmente en una posición ínfima la miseria absoluta representada por la mendiga.

Las relaciones humanas están dominadas por la crueldad del que ocupa el estrato superior del que se encuentra en uno inferior y por la sumisión resignada teñida de odio de quienes están en los escalones inferiores. Cada personaje tiende a humillar a quien se sitúa en el estrato inferior. La criada humilla a la mendiga que viene pidiendo “las sobras”. La mendiga dice: “Mi niña y yo estamos solas”. Y la respuesta de la criada es cruel: “También están solos los perros y viven”. Bernarda animaliza a la criada de forma paralela al trato dado previamente por ella misma a la mendiga.  También denuncia el autor la marginación de la mujer en la sociedad de su época. El papel de la mujer es de sumisión total ante la autoridad ejercida, en este caso por la madre (con sus hijas), y después por el hombre (con su esposa). Bernarda aconseja a sus hijas: “Habla si él te habla y míralo cuando te mire. Así no tendrás problemas”.

En la obra se distingue claramente el trabajo de hombres y mujeres: “Hilo y aguja para las hembras. Látigo y mula para el varón”. Mientras que a la mujer se le prohíbe cualquier impulso amoroso, al hombre le está permitido mantener relaciones extramatrimoniales. La Poncia lo justifica: “Los hombres necesitan estas cosas”.

En la obra se enfrentan dos modelos de comportamiento: - el comportamiento basado en una moral relajada (como el de Paca la Roseta, el de la prostituta a la que contratan los segadores, y el de la hija de la Librada), de personas que viven al margen de la sociedad y que son condenadas por el pueblo; - y el basado en una determinada concepción de la decencia (a la que Bernarda somete a sus hijas.) Este comportamiento femenino basado en la honra y decencia aparentes suponen una discriminación de la mujer en beneficio del hombre en todos los campos de la vida. 

Lorca también critica el concepto tradicional de la honra, basado en un comportamiento público intachable.

Bernarda recrimina el comportamiento de Angustias, que mira a los hombres durante el funeral. La Poncia aconseja a Adela que deje a Pepe porque pueden ser causa de deshonra y ella misma expresa esta preocupación: “No quiero mancharme de vieja”. Este concepto de honra que tiene el pueblo es el que hace posible el linchamiento de la hija de la Librada. Frente a la sumisión, resignación y acatamiento de la mujer, Lorca proclama los derechos de ésta y crea una heroína con deseos de ser feliz. De ahí que tenga que rebelarse. Sus heroínas siempre son rebeldes y se mueven por la libertad, aunque esto las lleve a la muerte.

3.4. ESTRUCTURA La casa de Bernarda Alba presenta una estructura clásica en tres actos, que se corresponden con el esquema tradicional de presentación, nudo y desenlace, y van in crescendo hacia momentos de máxima tensión. Cada acto tiene lugar en un espacio distinto y en un tiempo diferente, como se ha indicado antes.

El inicio incluye una exposición de la situación, una localización espacio y del tiempo y una presentación de los personajes. Se dice que ha muerto el señor Alba y que Bernarda va a imponer el luto en su familia. En el segundo acto, el desarrollo, se anuncia la boda de Angustias con Pepe el Romano y a partir de este momento la tensión va en aumento. Se muestran las envidias y amores de las demás hermanas, aparece el misterio de las ventanas y de los encuentros nocturnos. El momento cumbre es cuando se desvela que Adela y Pepe habían mantenido una relación.

El tercer acto, el desenlace, tiene un final trágico, el suicidio de Adela al creer ésta que su madre ha matado a su amado Pepe.

Acto

Situación de calma

Conflictos

Violencia

I

Silencio.

Conversación de las criadas.

Imposición del luto.

Intentos de rebeldía de Adela.

La herencia.

Pepe el Romano.

Mª Josefa es arrastrada a la fuerza a su habitación.

II

Mujeres cosiendo.

Conversaciones sobre los hombres.

Enfrentamiento de Adela y Poncia.

El retrato.

Enfrentamiento de Adela y Martirio.

Linchamiento de la hija de la Librada.

III

Mujeres cenando.

Visita de Prudencia.

Conversación de Bernarda y la Poncia.

Enfrentamiento de Adela y Martirio.

Disparo.

Suicidio de Adela.

Además del plan general de la obra en tres partes, lo que caracteriza a ésta es su estructura cíclica y repetitiva, como se aprecia en el cuadro: cada acto nos ofrece el mismo movimiento interno: calma inicial, sucesión de conflictos y violencia final.

Para reforzar este movimiento interno, la obra utiliza también elementos recurrentes, como los siguientes: - los actos empiezan por el adverbio “ya”; - “¡Silencio!” es la primera y última palabra de Bernarda; - la obra comienza y termina con la presencia de la muerte y el toque de campanas; - se repiten temas y conversaciones; - oposición continua de la casa y la calle, del día y la noche, del blanco y del negro, de la libertad y de la opresión.

3.5. PERSONAJES Y SU SIMBOLOGÍA La Casa de Bernarda Alba es una obra de personajes exclusivamente femeninos donde la mujer se erige en el centro del drama. Por el escenario desfilan mujeres de clase social, edad, formas de vida, sensibilidad y sentimientos de todo tipo. Los personajes principales son Bernarda y sus cinco hijas: Adela, Martirio, Magdalena, Angustias y Amelia.

Bernarda, 60 años. Es la encarnación hiperbólica de las fuerzas represivas. Es estricta, tradicional e intolerante, emplea el código moral de su sociedad y es incapaz de comprender la existencia de lo que no sea la moralidad del pueblo. Da importancia al "qué dirán", la apariencia, la buena fachada aun cuando no se corresponda con la realidad.

Se opone a los impulsos eróticos, cree en la decencia, la honra y su gran obsesión es la virginidad. Tiene una concepción tradicional del papel de la mujer frente al del hombre. Su orgullo de casta le hace tener conciencia de pertenecer a una capa social superior y por ello impide un noviazgo de Martirio (por razones sociales). A todas las hijas les recuerda a qué obliga pertenecer el ser "de su clase”. Su autoridad y su poder aparecen claramente simbolizados por el bastón, que siempre lleva en escena, y el lenguaje prescriptivo (órdenes, prohibiciones, "¡Silencio!"). El autoritarismo de Bernarda se manifiesta ya en su primera intervención, impone en primer lugar, un luto de ocho años por la muerte de su marido. Marca rígidamente el comportamiento que han de mantener sus hijas en relación con los hombres y emplea expresiones como “Aquella que desobedezca sufrirá las consecuencias”.

La actuación inflexible y rígida de Bernarda contrasta con la actitud sumisa de sus hijas y de las criadas. Magdalena y Amelia se resignan a su suerte, Angustias vive ficticiamente feliz por su proyecto matrimonial. Martirio, acomplejada, mantiene una postura hipócrita ante su pasión amorosa, que queda patente cuando roba el retrato de Pepe el Romano. Todas las hijas viven entre la reclusión impuesta y el deseo del mundo exterior ("querer salir").

Todas ellas están más o menos obsesionadas por lo erótico. Estos anhelos eróticos pueden ir unidos (o no) a la idea del matrimonio, único cauce permitido para salir de aquel encierro. Las cinco hijas de Bernarda encarnan un abanico de actitudes que van de la sumisión, o la resignación, a la rebeldía.

Angustias, 39 años. Hija del primer marido de Bernarda y heredera de una envidiable fortuna que no tarda en atraer, pese a su edad y su falta de encantos, a Pepe el Romano. Ha perdido la ilusión y la pasión ya, pero es la envidia de todas las hermanas.

Magdalena, 30 años. Por una parte da muestras de sumisión, pero puede sorprendernos con amargas protestas, sobre todo contra Angustias. Ella hubiera preferido ser un hombre, ya que ha abandonado la idea de casarse y lanza su “¡malditas sean las mujeres!”

Amelia, 27 años. Es quizás el personaje más desfigurado: resignada, medrosa y tímida.

Martirio, 24 años. Es un personaje más complejo. Pudo haberse casado, si su madre no se hubiera interpuesto, de ahí su resentimiento; es enferma, depresiva y pesimista. Llega a decir: “Es preferible no ver a un hombre nunca. Desde niña les tuve miedo”. Está enamorada de Pepe el Romano y esta pasión la lleva hasta una irreprimible y nefasta vileza.

Adela, 20 años. Es la encarnación de la abierta rebeldía, la más joven, hermosa, franca, apasionada, su vitalismo (traje verde), su fuerza, su pasión le hacen prorrumpir en exclamaciones escandalosas: “No, no me acostumbraré (…) ¡Yo quiero salir!, ¡Mi cuerpo será de quien yo quiera! o ¡Lo tendré 11

todo!”. En desafío abierto con la moral establecida, está dispuesta a convertirse en querida de Pepe el Romano. Desde el comienzo de la obra Adela manifiesta su rebeldía llevando un abanico de flores rojas y verdes en lugar del abanico negro prescrito por el luto. Al final se produce el enfrentamiento directo con su madre; le arrebata el bastón y lo parte en dos mientras dice: “Esto hago yo con la vara de la dominadora” y, en un arrebato de rebeldía trágica, exclama: “¡Aquí se acabaron las voces de presidio!” Con el subsiguiente suicidio de Adela, se cierra para sus hermanas el camino de la libertad.

Junto a la madre y las hijas aparecen otros personajes secundarios en la obra.

María Josefa, 80 años, madre de Bernarda. Es con Adela el personaje que se rebela contra el autoritarismo. En sus palabras se mezclan locura y verdad. Su prisión resulta aún más asfixiante que la de las hijas de Bernarda, al ver reducido aún más su espacio vital. Se hace portavoz de un anhelo común ¡Déjame salir! y su locura le da fortaleza para proclamar sus anhelos: la frustración de las mujeres, el anhelo de matrimonio y de maternidad, el ansia de libertad, de espacios abiertos...

La Poncia, vieja criada de 60 años que comparte con Poncio Pilatos su tendencia a lavarse las manos y el ser gobernanta. Ambigua y esquiva, va de su papel de tentadora (habla de los hombres a las hijas) al juego de sus alusiones a Bernarda, a la cual teme; sus temores y su odio le impiden hablar con claridad: interviene en las conversaciones y en los conflictos, hace advertencias, da consejos, hasta tutea a Bernarda, pero ésta no deja de recordarle las distancias que las separan. Ella asume su condición pero está llena de un rencor contenido. Tiene conversaciones con las hijas de modo abierto y descarado, al hablar de lo sexual aportará un elemento de contraste y turbias incitaciones. Se caracteriza por su sabiduría rústica, por su desgarro popular y por el sabor, la riqueza y la creación de su habla.

La criada, 50 años. Tiene un menor relieve que Poncia y también participa del rencor hacia el ama (y hacia el difunto marido, que la acosaba), aunque se muestra sumisa e hipócrita. Obedece a La Poncia pero es altanera y ruda con la mendiga.

Prudencia, de 50 años, tiene la resignación y la sabiduría propias de la edad.

Pero junto a todas estas mujeres, la sombra del hombre gravita constantemente sobre la escena en forma de personajes invisibles como son Pepe, el notario Don Arturo, los segadores...

Pepe el Romano, 25 años. No aparece en escena pero está omnipresente. Es la encarnación del “Hombre”, del "oscuro objeto del deseo", con todo lo que se va diciendo de él se compone un retrato suficientemente perfilado.

Pero tiene su doblez: va detrás del dinero de Angustias, pero enamora a Adela, se convierte así en el papel "catalizador" de las fuerzas latentes.

En la obra se observa una jerarquía social bien definida. En el estrato social más alto se encuentran Bernarda y sus hijas, bajo ellas, La Poncia, a continuación las criadas y finalmente la miseria absoluta representada por la mendiga a la que se le niega todo con palabras tan duras como “también están solos los perros y viven”. Las relaciones, dominadas por la crueldad, también se caracterizan por la sumisión resignada teñida de odio. Sin embargo, la excepción son Adela y María Josefa que son capaces de rebelarse, tal y como hemos comentado anteriormente.

Algunos críticos han señalado el carácter simbólico de los nombres: -Alba: blanca, paredes blancas, obsesión por la limpieza y por las apariencias.

-Bernarda, nombre de origen germánico, significa “con fuerza de oso” y se corresponde con la fuerza del personaje y su temperamento “varonil”.

-Angustias: angustiada por sus 39 años y su virginidad.

-Magdalena llora con abundancia.

-Martirio es físicamente defectuosa, de carácter agresivo.

-Adela significa “de naturaleza noble”.

-Poncia equivale a Poncio Pilatos: se lava las manos en decisiones importantes.

-Prudencia tiene la resignación y sabiduría propias de la vejez.

-María Josefa es nombre compuesto de María y José (padres de Cristo): en el tercer acto dice que quiere ir a “los ramos del Portal de Belén”.

3.6. EL ESPACIO Los decorados, explicados en la acotación inicial, coinciden en su sencillez ornamental, en la simplificación de sus elementos y en su valor simbólico.

La acción se desarrolla en el interior de la casa de Bernarda Alba. Cada acto sucede en un espacio físico distinto y todos ellos cerrados.

Las variaciones entre los actos son mínimas, pero significativas. Se produce un movimiento hacia el interior de la casa y, en consecuencia, un alejamiento del mundo exterior: - Acto I: “Habitación blanquísima del interior…”

- Acto II: “Habitación blanca del interior…”

- Acto III: “Cuatro paredes blancas ligeramente azuladas del patio interior de la casa”.

La luminosidad exterior, además, ha ido perdiéndose: de la luz de mediodía se pasa a la oscuridad de la noche. Este movimiento hacia el interior y esta pérdida de color y de luz son símbolos del aislamiento de las mujeres.

El espacio visible (la casa) y el espacio aludido (el mundo exterior) aparecen enfrentados simbólicamente: la casa es el mundo del silencio, de la ocultación, un espacio propicio para situaciones límite, por eso es denominada infierno, convento, casa de guerra, presidio y en referencia a ella, se habla de cadenas, calor, odio, silencio y luto. Transmite una atmósfera sofocante donde parece faltar el aire y “en el que se respira la muerte “.

El mundo exterior se opone totalmente al interior de la casa y la represión a la que las hijas son sometidas; de ahí provienen los ruidos, los rumores, el canto de los segadores, Pepe el Romano, o la mujer vestida de lentejuelas. Se alude al pueblo, al campo, al río y al olivar (lugares en que se manifiesta el erotismo) y, especialmente, a la ventana y al corral, lugares de encuentro con el amor.

Este mundo exterior está regido por las convenciones del “qué dirán” y se confronta con la represión férrea en la que viven las hijas de Bernarda: saltarla supondrá la muerte.

El pueblo en el que tiene lugar la acción es considerado como un mal pueblo por tener pozos en lugar de ríos. En este caso el río simboliza la fuerza vital, el erotismo, mientras el pozo indica claramente la muerte.

3.7. EL TIEMPO Lorca precisa con exactitud la hora del día en que suceden los acontecimientos: - Acto I: a las 12 del mediodía - Acto II: a las 3 de la tarde - Acto III: por la noche En los actos I y II estos indicadores temporales se desprenden del diálogo, no de las acotaciones. También las campanas ejercen esa función de indicación temporal. Pero estos tres momentos (las 12, las 3 y la noche) no pertenecen a una misma jornada: entre cada acto ha transcurrido un tiempo no representado (¿un mes?).

Lorca ha seleccionado –con esa intención de un documental fotográfico de la advertencia inicial- tres momentos muy significativos de tres días diferentes, y a través de ellos se observa la evolución de los personajes y de la acción dramática:  Acto I: Bernarda dispone un luto de ocho años y propone bordar el ajuar. Se nos informa de la intención de Pepe de casarse con Angustias.  Acto II: las hermanas están bordando el ajuar (el de Angustias). Bernarda aprueba la boda y los novios se ven por la ventana. Martirio está enamorada de Pepe y Adela se ve con él. Obviamente todo esto no ha podido suceder en tres horas.  Acto III: solo faltan tres días para que Pepe pida la mano de Angustias, y Adela es ya la amante del Romano. Es evidente que entre los actos II y III ha transcurrido un tiempo no representado.

13

Por otro lado, la obra se sitúa en época de verano: “un verano de calor sofocante y opresivo”, como demuestran las continuas referencias del texto.

También ha querido García Lorca dramatizar el tiempo interior de los personajes, produciendo una sensación de lentitud y monotonía. El ritmo lento del drama simboliza la monotonía de las vidas de estas mujeres sin ilusiones, condenadas a ocho años de enclaustramiento, al calor del verano y al tedio de bordar día tras día sin esperanza: MARTIRIO: Estoy deseando que llegue noviembre, los días de lluvia, la escarcha, todo lo que no sea este verano interminable.

AMELIA: Ya pasará y volverá otra vez. (Acto II).

3.8. EL LENGUAJE En cuanto a las convenciones del género teatral, hay que señalar que: Lorca utiliza una gran variedad de acotaciones, que sirven para indicar el espacio (una habitación), el vestuario (enaguas), el tiempo (verano), los gestos (da un golpe en el suelo), el tono de voz (a voces)… En definitiva, García Lorca no escribe solamente el texto dramático, sino que dirige la representación desde el propio texto.

Los apartes solo se emplean en dos ocasiones, con la referencia “Entre dientes” o “En voz baja”, y se emplean exclusivamente para insultar a otro personaje.

El único monólogo de la obra es el de la criada criticando a Bernarda y a su difunto marido.

Se puede observar claramente la maestría del diálogo, que se caracteriza por su fluidez, el nervio y la intensidad. Sus diálogos son, en general, rápidos, incisivos y breves. Predominan las réplicas cortas y rápidas y a menudo llama la atención su sentenciosidad.

Además, es importante la dimensión poética del diálogo, cargado de simbolismo: imágenes y comparaciones. Se unen así realidad y poesía.

a. El lenguaje coloquial El lenguaje lorquiano tiene además un intenso sabor popular. Está hondamente enraizado en el habla popular, especialmente en la andaluza, lo cual se puede observar claramente en los giros y palabras, en el gusto por la hipérbole y en la creatividad.

Lorca refleja perfectamente el lenguaje de la gente corriente, de personas que se insultan, maldicen y amenazan. Es lo que hacen las mujeres del duelo, lo que hace Poncia y la criada, lo que hace Bernarda con sus hijas y estas entre sí.

Los personajes de poco nivel cultural emplean vulgarismos, refranes y dichos populares y tratan de tú a las personas de la misma edad. Sin embargo, utilizan el tratamiento de usted para las personas mayores, como signo de respeto.

b. El lenguaje poético El lenguaje poético convive con el coloquial en el habla de los personajes, y así lo apreciamos en el lenguaje de Poncia: junto a sus expresiones coloquiales encontramos el uso de recursos literarios.

Lorca nos dice que Mª Josefa tiene dedos “como cinco ganzúas”, o que los segadores son “como árboles quemados” (símil).

La casa es un convento, un presidio, un infierno o el párroco subió la voz “que parecía un cántaro llenándose de agua” (metáforas) La Poncia dice que “era la una de la madrugada y salía fuego de la tierra” y Adela contesta: “A un caballo encabritado soy capaz de poner de rodillas con la fuerza de mi dedo meñique” (hipérbole o exageración).

Lorca fue dramaturgo y poeta, por lo que no es extraño observar que la realidad y la poesía se mezclen en esta obra.

Aunque García Lorca tome datos de la realidad, no podemos hablar de un drama realista, porque la obra supera los límites del realismo para alcanzar una dimensión poética.

REALISMO Nombres de los personajes.

Ambientación espacial.

Criadas limpiando.

La mendiga.

Repique de campanas.

Llegada del notario.

Mujeres cosiendo.

Declaraciones amorosas.

Canto de los segadores.

Caballo en el corral.

Ladrido de perros.

POESÍA Noche estrellada.

Persecución misteriosa en la semioscuridad de Adela, Martirio y Mª Josefa.

Imagen de la anciana con la oveja en brazos.

Uso del verso en: - la letanía, - la canción de los segadores, - un dicho popular al que se le da forma estrófica, - la canción de cuna que canta M.ª Josefa con la oveja en sus brazos.

c. Los símbolos Los símbolos constituyen uno de los pilares creadores en la producción dramática y lírica de García Lorca.  La luna se relaciona con la muerte, el erotismo, la fecundidad y la belleza, dependiendo del contexto.  Las flores tienen un fuerte valor simbólico, erótico, en esta obra: - Adela tiene “un abanico redondo con flores rojas y verdes”; - Paca la Roseta, después de mantener relaciones sexuales en el olivar, regresaba al pueblo con “el pelo suelto y una corona de flores en la cabeza”; - Mª Josefa aparece en el acto I diciendo que se quiere casar. Se presenta “con flores en la cabeza y en el pecho”; - La canción de los segadores dice que “el segador pide rosas para adornar su sombrero”.  También es reveladora la simbología de los colores: o el contraste entre el blanco y el negro: el blanco simboliza la vida, la alegría, la pureza, el amor y la libertad (paredes blancas, sábanas blancas, enaguas blancas, caballo semental blanco, estrellas blancas, oveja blanca y pelo blanco de Mª Josefa); por el contrario, el negro representa la tristeza, el odio, la represión y la muerte (trajes de luto, abanico negro, mantón negro de Bernarda, noche oscura y negra.) El contraste refuerza la idea de “documental fotográfico”, que Lorca quería transmitir. o el verde, símbolo de rebeldía y libertad en las obras lorquianas. Adela se rebela contra la voluntad de su madre y se viste de verde. Este símbolo también representa la muerte para Lorca.

Otros símbolos:  El caballo simboliza la pasión sexual, el deseo amoroso, la masculinidad.  La oveja es imagen del sacrificio.  El perro, la sumisión.  El árbol, la fuerza y la virilidad.  El sol, la vida y la alegría.  El agua que corre (río), símbolo de la vida y de erotismo; el agua estancada (pozo) evoca la muerte.  El bastón, símbolo del poder.  El calor, la pasión reprimida.

3.9. PROPÓSITO DE LA OBRA E INTERPRETACIÓN GENERAL Tras la relación de personas que intervienen en la obra, Lorca escribe lo siguiente: “El poeta advierte que estos tres actos tienen la intención de un documental fotográfico.”

Algunos estudiosos de la obra consideran que Lorca escribió esta obra con una intención docente y moralizadora, con un propósito social, político, pero sin comprometerse con ningún partido ni facción política; otros proponen una lectura que tome en cuenta el conflicto humano y social que plantea: la crítica de una sociedad patriarcal que provoca la infelicidad y el sufrimiento en la mujer, especialmente. Hay quien propone una lectura poética y artística.

Este es el motivo por el que la obra sigue viva hoy.

15