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Revista Imagenario

EDICIÓN Nº7 EDICIÓN Nº8 18/12/2015

24/04/2016

i magenario


Revista Imagenario

Proyecto gestado por el equipo Imagenario Teresa Arana Migliassi Patricio M. Lueiza Carolina Agüero Pablo Baeza Paloma González Constanza S. Gómez

Carta del editor

Revista Imagenario nace principalmente como medio de difusión de fotógrafos emergentes en nuestro país como respuesta a la falta de medios de comunicación especializados. Para los medios masivos, este tema no cubre más del 10% de su totalidad y de preferencia eligen fotógrafos con trayectoria y/o extranjeros, es por esto que nuestra revista no juzga trayectoria ni estudios formales. Nos consideramos una línea editorial pluralista, visionaria y estética. Nuestra misión es ayudar en la difusión de nuevos fotógrafos ya sean estudiantes, profesionales u autodidactas, como también apoyar en la difusión de actividades fotográficas que se realicen en Chile y así generar contenido relevante que pueda interesar a todo tipo de fotógrafos, actuando como punto de convergencia entre diferentes tendencias fotográficas del país. Agradecemos la confianza que hemos recibido y trataremos que Imagenario sea un vehículo de unión para todos nosotros, esperando así contribuir con este espacio al éxito y reconocimiento de verdaderos artistas de la fotografía nacional.


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Índice Huellas La identidad como Palimpsesto

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Entrevista Eric Mankacen

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Diálogos y situación Exposición: “Álbum de Chile” Retrato de una nación

13-16

Escena fotográfica en Chile Sección Reportaje Carles Cerulla Ruiz Rhafael Nuñez

19-30

Sección Ensayos Gabriela Rivera Lucero Francisca Solar Vera Milko Carreño Madrid

31-54

Sección Foto-autor Óscar Eugenio Menares Jano Soto M.

63-67 Cuarto Oscuro Alejandro Alquinta Oviedo 67-72 73-74 Cartelera

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7-12

13-16

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31-38

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47-54

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63-66

Visiones de arte contemporáneo Teresa Freitas

67-72

73-74

Cartelera

55-62


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Huellas La identidad como palimpsesto “Nada se acopla con nada aquí Y de tanto animal muerto en el cementerio de huesos filosos de mi memoria Y de tantas monjas como cuervos que se precipitan a hurgar entre mis piernas La cantidad de fragmentos me desgarra Impuro diálogo Un proyectarse desesperado de la materia verbal Liberada de sí misma Naufragando en sí misma” Alejandra Pizarnik

imagen alucinada de la belleza de lo nuestro, construida a partir de archivos, de huellas, de monumentos, de objetos, de reliquias, de ruinas y de vestigios”1. Una fotografía puede evocar recuerdos, puede traer desde el pasado una reminiscencia y despertar emociones que descansaban en el inconciente del observador, pero aquello que se está observando no es la realidad, sino una imagen.

La memoria es un acto movilizador que posibilita la reafirmación identitaria. Supone una acción en el presente desde la cual el pasado no aparece como una realidad unívoca; sino que posee una verdad propia que radica más que en la exactitud de los hechos en el relato y la interpretación de ellos. La memoria, sus intervenciones y sus implicancias responden a relaciones de poder en las que se insertan las diferentes identidades y las cuales son parte de procesos y de contextos que las sobrepasan, pero que de igual manera inciden en ellas, les entregan sustento, justificación y un marco de referencia. Fotografía de © Teresa Migliassi

Para Jöel Candau “La pasión memorialista puede revelar un rechazo de la representación que nos hacemos de nuestra identidad actual proyectando en el pasado -y, a menudo al mismo tiempo, en el futuro- una imagen de lo que querríamos ser: imagen obsesionante que niega el cambio y la pérdida, o

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Conservar una fotografía familiar es un acto de reafirmación identitaria mediante el cual el individuo se conecta con su origen, entablando un vínculo visual con aquellas personas que puede identificar como significativas en su trayectoria vital, en su existencia. “Se entiende la 1-Candau, Joël. (2008) Memoria e identidad. Ediciones Del Sol, Buenos Aires. Pg. 15.


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la fotografía como una aguda manifestación del «yo» individualizado, la identidad privada y huérfana a la deriva en un mundo abrumador, que domina la realidad mediante una rápida antología visual”2. El Proyecto “Palimpsesto 1226-2012” es una narración visual, inquietantemente íntima, sobrecogedora y profunda. Narra un viaje, una búsqueda, una reescritura. Su autora, Teresa Arana Migliassi, trabaja de manera autobiográfica el tema de la adopción, en primera persona. “El concepto Palimpsesto alude a datos borrados y reescritos. Este proyecto representa un esfuerzo por reconstruir a través de imágenes y archivos aquello que fue omitido: mi origen. En el fondo estaban allí las huellas de una historia que es mía, pero que por un tiempo se mantuvo oculta, dando lugar a quien soy hoy”3. A través de fotografías, videos y documentos, nos hacemos parte de una historia que está en construcción, los fragmentos de documentos se ligan a las fotografías de forma que se mantiene un constante ir y venir del pasado. Se narra el proceso de separación de la familia en paralelo a la presentación de ésta: Fotos de rostros y el interior de una casa le dan visualidad y otorgan el sustento para comprender el inicio de esta historia, al tiempo que los documentos del Servicio Nacional de Menores nos relatan la historia de muchas madres y de muchos padres, que son apartados de sus hijos e hijas. Mediante el término ‘inhabilidad parental’, se ha institucionalizado una forma de ser y de no ser padre/ madre que es evaluada por el Estado, y mediante la cuál se pretende “proteger” a niños y niñas 2-Sontag, Susan. (2006) “Sobre la fotografía”. Alfaguara, México D. F. Pg. 170. 3-eresa Arana Migliassi en Ponencia Difusión, uso y resignificación del Archivo, Chile Archivos 2015

de la pobreza, pero con la consecuencia de condenarles al desarraigo. Porque, convengamos en que las políticas públicas enfocadas a la infancia van orientadas a una clase de infancia en particular: La infancia pobre. ‘Vulnerable’ dirán los especialistas, cuando en realidad es ‘vulnerada’ la palabra adecuada. En las clases provilegiadas nadie entrará a las casas a evaluar si la madre o el padre tienen condiciones para hacerlo: Sólo en las clases populares, como si el dinero fuera sinónimo de criar con amor, de no sufrir, de jamás equivocarse, y su ausencia, significara lo contrario. La condición material, en consecuencia, resulta en la delgada línea que separa la vida en familia y la institucionalización.

Fotografía de © Teresa Migliassi

La política pública de infancia se encuentra entregada al Sename y, a través de la Ley 20.032, a organismos colaboradores que ejecutan diferentes líneas de acción. Las residencias son una de las líneas de intervención del Servicio, enfocada en aquellos NN que han sufrido vulneraciones graves en sus derechos y que no tienen posibilidad de vivir con su familia de origen, ni con ningún otro cuidador como referente de protección, por lo cual el Estado, por medio de

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Este tipo de intervencion, por consideraciones internacionales, debiese ser una medida de último recurso, y los niños y niñas debiesen permanecer el menor tiempo posible en dichas instituciones, pues uno de los derechos del niño, niña y adolescente es, justamente, el derecho a vivir en familia. El Estado entonces debe apoyar a lla familia de origen en sus habilidades parentales y vínculo con el niño o niña y, cuando ello no es posible, ejercer las acciones necesarias para que se lleve a cabo la adopción, siempre velando por asegurar el derecho de ese niño a vivir en familia. Hasta el año 2014 existían en Chile 275 residencias, que se encargan de 9.647 niños y niñas, un 48% de los cuales permanece en la residencia un tiempo igual o mayor a la mitad de su edad. Los adolescentes que cumplen 18 años estando en una residencia, han permanecido un promedio de 15 años institucionalizados4. Existe una responsabilidad y una deuda enorme de toda la sociedad para con esos niños y niñas. La responsabilidad de reconocerles y otorgarles el valor que tienen, y la deuda con la historia y la memoria de esos niños y niñas, los cuales, privados de su origen de sus vínculos, se los priva también de su identidad. La separación, aunque logre proteger los derechos del niño o la niña, lo vulnera de igual forma: La identidad también es un derecho.

Palimpsesto 1226-2012 renueva los contrastes de viejas historias que nunca llegaron a ocurrir. Los contrastes y claroscuros de una vida que no es la propia, que da esperanzas, que destruye, que enfurece. Es la búsqueda infatigable, obsesionada, persistente. Es la imagen de quien captura exponiéndose a sí mismo tras y a través del lente, reflejando verdades escondidas durante años. Sacar a la luz lo que fue silenciado: lanzarse al vacío y esperar lo mejor. Siempre lo mejor”5. La necesidad de la identidad es motivada por el sentimiento de desarraigo, y en palabras de Susan Sontag “se ve a la fotografía como un medio de encontrar un lugar en el mundo (aún vivido como abrumador, extraño) porque permite entablar con él una relación distante, soslayando las exigencias molestas e insolentes de la identidad”6. Es en la búsqueda de los orígenes donde Teresa se encuentra consigo misma, inscribiendo su memoria en fotografías

Fotografía de © Teresa Migliassi

resolución judicial, decide que dicho niño o niña debe ser separado de sus cuidadores e internado en una residencia de protección.

En Palimpsesto 1226-2012 nos encontramos frente a un acto de enorme valentía: “Como una forma de exposición, o de demostrar que aquello que quiso ser borrado puede volver a aparecer y significar, 4-Informe Anual Derechos Humanos Universidad Diego Portales 2014.

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5-Texto Curatorial de Gabriela Gay. 6-Sontag, Susan. (2006) “Sobre la fotografía”. Alfaguara, México D. F. Pg. 170.


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y fragmentos de documentos, vulnerandose para reafirmarse, sobreescribiendo sobre su propia historia, borroneando sus orígenes para existir, para no dudar más de aquello. El Proyecto Palimpsesto 1226-2012 es un acto de valentía incuestionable, que además de limpiar heridas nos hace cuestionarnos sobre realidades que suelen estar ocultas a nuestros ojos: Los niños invisibles suelen llamarles, pero no son invisibles, son ocultados y sus derechos invisibilizados.

Fotografía de © Teresa Migliassi

Son un número, y a veces, el títular de una siempre desafortunada noticia. Lissette falleció el lunes 11 de abril del año 2016 de un paro respiratorio dentro de un centro del Sename de la comuna de Estación Central. A Lissette, la institución la veía como un caso, con un número.

Pensémosla nosotros como otro bello Palimpsesto: “Un torbellino de sinsentidos y de vacíos que te carcome y, con la valentía propia de la gente herida, desmoronas montaña tras montaña y te desmoronas tú también. Madres todas las que no son madres. Hijas todas las que tuvieron que nacer de nuevo”7.

Fotografía de © Teresa Migliassi

7-Texto Curatorial de Gabriela Gay.

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Eric Mankacen

Fotógrafo

Fotografía de © Pablo Baeza


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Entrevista Eric Mankacen

Cazador de Sombras

¿Hace cuánto que empezó con la fotografía? Mankacen es la palabra que usó el pueblo Selk’nam para referirse a aquellos hombres blancos que fotografiaron a la hoy extinta etnia. En español quiere decir “cazador de sombras”. Eric Fuentes Rojas toma este término usándolo como apellido: Eric Mankacen. Nacido en Santiago, su edad es un misterio. Profesor titulado de matemáticas en la Universidad de las Américas. Desarrolló un fuerte vínculo con la fotografía hace más de 20 años y desde el 2014 que vive de ésta. Sus imágenes cuentan con un distintivo sello personal, caracterizado por la fuerza del blanco y negro con claros guiños a grandes referentes de la época dorada de la fotografía callejera. Sus obras fueron presentadas en la Galería Monte Carmelo y Banco City de Lyon, también en Valparaíso expuso junto a 15 fotógrafos de la Quinta Región. Actualmente vende su trabajo en Barrio Lastarria junto a otros artesanos y artistas. Mankacen tiene una mirada crítica a la fotografía contemporánea y en una desesperada empresa de rescate a la “vieja escuela” fotográfica de la primera mitad del siglo XX, valiéndose de soportes modernos y analógicos.

Entrevista realizada por © Pablo Baeza

Hace más de 20 años en la fotografía, como un hobby. Comencé fotografiando solamente puertas, ¿por qué motivo? No lo sé. Partí con fotografías a color, pero luego de conocer el trabajo de Cartier Bresson en una entrevista mencionó “si vas a trabajar moda va a ser color, pero si quieres capturar la esencia del minuto y el alma de la persona debe ser en blanco y negro”. ¿Cuáles son sus referentes fotográficos? Me enfoco a la vieja escuela fotográfica. Aparte de Cartier Bresson, está Brassaï (Gyula Halász), André Kertész, Bob Borowicz, Frank Cappa, también la misma Vivian Meyer, entre otros. La vieja escuela fotográfica enseña bastante actualmente, en cuanto a la composición, el arreglo fotográfico y el hacer una foto. Es por eso que me agrada ese periodo y trato de reflejarla. ¿Ve una diferencia marcada entre la fotografía callejera actual y la de mediados del siglo XX? Por supuesto que hay muchas diferencias. Actualmente incluso hay fotógrafos con trayectoria antigua con una escuela horrible que enseña a sus alumnos a no respetar reglas fotográficas, porque dicen que simplemente la foto es esa. No se da el tiempo a los estudiantes de fotografía a corregir sus trabajos y llevándolos a disparar en ráfagas. Me ha tocado escuchar decir a fotógrafos que con una cámara llevan más de 500 mil disparos, y calculando son en promedio más de 300 fotos diarias. En mi caso

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no excedo de las 5 o 10 fotos por día, pero busco que estén en los primeros tiros —lo que busca— bien compuesto y expuesto.

o un trabajo tradicional, pero estaba el lado mágico de la fotografía que me decía “cálmate, respira y sigue trabajando en esto”.

¿Cuál es su propuesta fotográfica?

¿Ha sido difícil darse a conocer en los circuitos de espacios de muestra fotográfica, como galerías?

Es mostrar un Chile y Santiago actual, pero con una mirada antigua, haciendo un reconocimiento a los grandes próceres de la fotografía urbana. Trato de ser comprensivo con el trabajo actual, sin embargo me doy cuenta que se trata de hacer cosas modernas en tiempos modernos, pero ya lo decía Picasso, “no te esfuerces en hacer algo moderno, tú ya lo eres”. Entonces lo que hago con la fotografía es dar una visión “análoga”. Hoy las visiones modernas se enfocan demasiado en el momento, menospreciando las formas fotográficas, la regla. Esta es una propuesta independiente, enfocada al instante sin la intervención, ir a buscar y esperar una fotografía. Estar media hora para lograr una sola foto. Creo que si ésta no te convence a la primera, no lo hará ni a la segunda ni tercera ni a la veinteava vez que obtures. Esa costumbre de disparar por disparar no va conmigo. ¿Cómo fue pasar de ser un profesor de matemáticas a un fotógrafo oficioso? Fue exquisito y me abogó a convencerme a que estaba haciendo lo correcto. No fue fácil. Al comenzar no tuve apoyo de nadie, y hubo muchos momentos en que no tenía ni cien pesos para un trozo de pan. Me vi más de una vez en el fondo de mi pieza envuelto en lágrimas. Me preguntaba el porqué de esta confianza de que podría lograrlo, y por otra parte me decía que volviera al colegio hacer clases

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Sí, fue difícil. Luego de tener la gran oportunidad de poder ver la exposición de Sergio Larraín en el Museo de Bellas Artes, me decidí a recibir críticas constructivas y destructivas de mi trabajo, ¿y en qué lugar? Frente al Bellas Artes mismo. Ahí me di a conocer con personas del mundo de la fotografía a quienes les gustó mi propuesta. Curiosamente ha sido en las redes sociales donde he recibido críticas destructivas. ¿Se proyectará al extranjero? Espero salir pronto. Tengo invitaciones para el próximo año de fotógrafos desde Alemania, Italia, Francia, también en España, Australia y Estados Unidos. Venderé todo y me iré con lo puesto y mi cámara. Será un viaje largo, pero iré ligero. ¿Qué sugerencia puede dar a los noveles fotógrafos que empiezan en la fotografía callejera o urbana? Esto es pura práctica, andar con la cámara todo el día, todos los días. Así podrás lograr con una o dos tomas lo que se quiere retratar. Practicar y practicar.


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Fotografía de Š Eric Mankacen

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Fotografía de Š Eric Mankacen

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Fotografía de Š Eric Mankacen

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Diálogos y situación Identidades y quiebres:

Una lectura a la exposición “Álbum de Chile” Retrato de una nación Hasta el 17 de abril podemos visitar, en el Centro Cultural la Moneda, la exposición “Álbum de Chile”, un vasto recorrido por la historia de la fotografía nacional . La muestra aporta a la construcción de un imaginario visual nacional tan diverso y amplio como el propio territorio que representa. Más de 130 artistas -de renombre y emergentes- llenan las paredes, donde sin embargo, algunos anónimos emergen sutiles aportando a una discursividad que gira en torno a este constante devenir entre el pasado y el presente, lo que fuimos y lo que somos. No obstante llama la atencion, también, los diferentes soportes usados, desusado y reflexionados, los cuales gravitan en un universo creativo que se expande desde técnicas clásicas como el daguerrotipo o el ambrotipo, pasando por otras más experimentales hasta la fotografía digital montada en video. Abarcar la idea de nación, sin caer en nacionalismos, desde una perspectiva histórica, crítica y holística es una tarea sumamente ambiciosa, en ese sentido, esta exposición la cumple. Si bien la importante aglomeración de obras hace -a ratos- dificultosa su apreciación, esta exorbitante cantidad de trabajos que hay expuestos intentan, a modo orquestal, hablar de este artefacto cultural llamado Chile desde cientos de perspectivas diferentes pero con un código común. Este vistazo no es ciego, ni enaltecedor. Nos encarna desde lo emotivo y experiencial, intentando generar una interpelación constante en quien observa, invitando a realizar el

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ejercicio reflexivo, acerca de las historias personales y como estas se encarnan en experiencias colectivas. El largo de la exposición se divide en dos grandes reflexiones que abren paso, foto a foto, a una interrogación respecto a nuestra identidad como sociedad. El curador enhebra, cuidadosamente cada una de las casi 700 fotografías en un entramado de cuestionamientos que generan un espacio reflexivo dentro de la fotografía como disciplina, tomándose además, casi completamente uno de los espacios artísticos más importante del país. Por un lado, la sala andes está pensada desde la identidad, la cual intenta responder a la pregunta ¿cómo somos los Chilenos?, siendo, a partir de este concepto e interrogante que se desglosan 5 temáticas que siguen una línea narrativa indicada en cada pendón que inaugura los distintos apartados que conforman la sala. Primeramente las raíces, donde los pueblos originarios inauguran esta selección de fotografías, para luego problematizar en torno a la familia y el mundo tradicional interactuando con los cambios avenidos por el auge económico y el proceso de modernización que el país vive a finales del siglo XIX y principios del XX. La reflexión siguiente gira en torno a las identidades y a los usos de la fotografía para la afirmación de ésta, principalmente de la clase burguesa que se posicionaba como el “ciudadano civilizado” siendo puesto, en términos curatoriales, en contraposición con la figura del huaso ligado al mundo tradicional, generando un dialogo entre ambos estereotipos sociales. La idea de heroísmo y la figura del héroe también surge en sala andes, buscando entender a las figuras realzadas de nuestra historia y como su representacion da cuenta


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de la importancia que tuvieron en ese tejido social. El tópico siguiente es el paisaje, sus multiplicidades y heterogeneidad, una característica fundamental de nuestro territorio, que por supuesto, influye en nuestra conciencia social como colectivo. La idea de paisaje, en la exposición, no solo se construye en relación a la naturaleza, también abarca los pueblos y ciudades. La sala termina con las religiosidades y terremotos, encontrando en este apartado el dolor de la destrucción colindando con la religiosidad, la fé, entendida una de las tantas como prácticas sincréticas entre las creencias de occidente y de américa prehispánica, la cual hoy en día resulta ser una de las conexiones culturales con el mundo etnico. La sala Pacifico, reflexiona en torno al dolor, las heridas, la violencia, la desigualdad y la muerte. Benedetti dice que el olvido está lleno de memoria y la fotografía resulta ser uno de los mejores antídotos contra la amnesia. Guardar recuerdos de la muerte, de las catástrofes, de lo-que-ya-no-es, sirve de ancla y luz cuando los dolores parecen agotarnos los latidos. La muerte, las matanzas son tema lamentablemente recurrentes dentro de nuestra historia y por supuesto también dentro de la exposición, abarcando en esta primera sección un amplio espectro de temas que guardan relación con la muerte y como ha sido plasmado desde diferentes lentes fotograficos. Los asesinatos en dictadura, los femicidios, daguerrotipos de angelitos o representaciones más simbólicascomo la fotografía de Zaida González- nos arman un emotivo recorrido de ausencias que renuncian a diluirse en el tiempo. A este gran tema le secunda el progreso, este ambicioso proyecto que pone a las ciudades como eje principal de su quehacer, siendo entendido el espacio urbano contrapuesto

al espacio rural, el núcleo de la reflexión en esta parte. En el tercer punto de inflexión en el recorrido está la violencia, centrándose en la resistencia dada principalmente por las luchas sociales que han movilizado reiteradamente al país. Le continúa la idea de los rostros, aquellos rostros populares, de una gran multiplicidad de sectores sociales y épocas que han sido aglomerados en un relato multi-temporal. La exposición termina con imaginarios de resistencia, siendo la creación de nuevos referentes visuales aquello que da un vuelco positivos las posibilidades de futuro tanto en términos creativos como sociales y culturales. No me quise detener particularmente en ningun nombre, pues la lista seria tediosa. Más bien quise ayudar a la lectura de una exposición tremendamente compleja por su magnífica amplitud, sin duda este es uno de los fuertes del trabajo. Cualquier trabajo, con tales ambiciones, se puede criticar por muchas partes. La lectura de esta exposicion requiere mucha dedicación y tal vez su mayor fortaleza tambien puede ser una debilidad. Terminar diciendo, lo triste que un trabajo con tanto que decir se viera en medio de una polémica por malas gestiones, lo cual generara ausencia de importantes referentes de la fotografía nacional.

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Imágenes de la Exposición “Álbum de Chile” Retrato de una nación © Centro Cultural La Moneda

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Escena fotogrรกfica en Chile

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Reportaje Ensayo Foto-autor Cuarto Oscuro

(Fotografía análoga)

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Sección Reportaje Carles Cerulla Ruiz Es de Barcelona, tiene estudios audiovisuales y cinematográficos. Experiencia como Op. de Cámara, edición, fotografía. Actualmente reside en Gijón (España)con la idea siempre presente de volver a Chile en cuanto pueda. Ha desarrollado/colaborado en distintos proyectos audiovisuales tanto en España como en Chile. Este proyecto se hizo junto a otro fotógrafo en la ciudad de Antofagasta (Juan Troncoso) en el 2007. La idea del proyecto “vidas” era realizar una serie de imágenes de otras “realidades” que convivían en la ciudad. (Comunidad Gitana, Asilo de Ancianos Terminal Pesquero, Centro Penitenciario y un Circo). Estas imágenes pertenecen a La Comunidad Gitana de la Chimba.

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Rhafael Nuñez Nace el año 1983 en Santiago de Chile, actualmente reside en Berlín, Alemania. Desde los 16 años utiliza la fotografía como medio de expresión. En el año 2015 egresó de la carrera de Fotografía Periodística. Actualmente está llevando a cabo proyectos ligados a la fotografía callejera y de viajes.

One Hour of Pollution El nombre del proyecto es en relación al tiempo que demoró en realizar cada reportaje - que fue de 1 hora. Dentro de este tiempo retrató la polución que sufren gran parte de las playas de Vietnam, esto debido al calentamiento global y las malas prácticas del ser humano. En el reportaje centró su atención en una madre con su hijo quienes han tomado ventaja ante esta catástrofe y cada día salen a recolectar el plástico que dejan las mareas en las orillas del mar. La falta de recursos de algunas familias han hecho que este fenómeno sea el único recurso sustentable para ellos. En este lugar desde hace un tiempo se construye un gran hotel que dará paso a la limpieza de la playa, despojando así, junto con la basura a las familias que viven en sus alrededores, ya que tendrán que buscar nuevas alternativas de subsistencia. Vietnam, Phu Quoc.

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Es uno de tres reportajes que ha realizado en Asia en el año 2015.


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Sección Ensayo Gabriela Rivera Lucero

Bestiario

Nace y vive en Santiago, Chile. Es artista visual y fotógrafa, Licenciada en Artes Visuales, con mención en Fotografía, Universidad de Chile (2003) y Diplomada en Fotografía Digital, PUC (2008). Se declara feminista, madre lactivista y vegetariana. En constante aprendizaje en temáticas sobre feminismos y deconstrucción de saberes occidentales. Su obra indaga en la abyección, desde una mirada crítica al patriarcado occidental.

Es un proyecto fotográfico (autorretratos) en los que construyo y me envuelvo con máscaras que representan bestias contemporáneas. Me baso en apelativos utilizados en el lenguaje cotidiano para denigrar a mujeres en los que la palabra rebajante está elaborada con un nombre de animal real o de fantasía, ya sea perra, zorra, cerda, víbora, mosca muerta, arpía, etc. La materialidad con que confecciono las máscaras son pieles, cueros, vísceras y entrañas de animales (pollo, vacuno, pescado y cerdo) que compro en el matadero de Franklin o en alguna carnicería, las que posteriormente son cosidas o engrapadas y luego fotografiadas utilizando mi cuerpo como soporte. Trabajando con materia prima proveniente directamente de lo post mortem, restos de animales que significan un consumo carnívoro en serie, desapegado desde sus más profundos orígenes, en la que el animal se ha tornado una criatura despojada de afecto y/o extirpada de su condición natural. Para mí ir a comprar estas materialidades es significativo, no es como comprar un objeto manufacturado inanimado, sino que es una materia que alguna vez tuvo vida.

Se ha dedicado a explorar el género fotográfico del autorretrato y retrato, lo que la ha llevado a experimentar e interesarse en la performance y utilización de su propio cuerpo como generador de obra y discurso. Buscando en ello generar tensión en torno a rituales vinculados con las convenciones de presentación del cuerpo hacia un otro(a) según la dictadura de lo deseable por la heteronorma. Su trabajo se ha exhibido en museos y galerías en Chile, Canadá, Venezuela, España y Estados Unidos. También se ha publicado en diversas revistas de arte y fotografía en Chile, España y Brasil. He recibido la beca Fondart en cuatro oportunidades, y obtenido el premio Municipalidad de Viña del Mar en el Concurso de Arte Joven, 2006; y mención honrosa el año 2010. Destaca su exposición individual Bestiario, que se exhibió en Estación Mapocho el 2015, proyecto que elabora crítica en torno a la violencia de género y el uso del lenguaje. Este año desarrolla además el proyecto Ofrendas fotográficas contra el femicidio, Beca Fondart 2015.

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El objetivo de Bestiario es generar una instancia de reflexión desde la fotografía artística ante la naturalización de un lenguaje violento que se dirige hacia la mujer, y que promueve el que establezcamos relaciones competitivas entre nosotras mismas en lugar de relaciones de apoyo mutuo.


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Bestiario se exhibió en la Estación Mapocho (Marzo de 2015), se publicó en el diario The Clinic y LUN, fue seleccionado en el Festival Internacional de Fotografía Paraty Emfoco 2014 (Brasil), un extracto de Bestiario se exhibió en la muestra Post Mortem, LPM Gallery, Ottawa, Canadá (2013) y en el 1º Festival de Mujeres Fotógrafas FOCOM (2013)

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Francisca Solar Vera Nace en Julio de 1993. Tiene 22 años y está cursando el 7° semestre de la carrera Fotografía Profesional en el Instituto Profesional de Arte y comunicación ARCOS. Creció rodeada en una atmósfera artística proveniente de sus padres, ambos vinculados con el mundo de las artes y la música. La fotografía estuvo presente desde siempre en su infancia a través de los álbumes familiares que su padre se encargaba de armar personalmente, recopilando instantes de sus vidas para plasmarlas en el papel. Influenciada por esto, fue como tomó la herramienta de la fotografía para amarrarla a su vida y a través de ella comunicar, denunciar o descargar emociones, sentimientos y pensamientos, dándole un punto de vista que luego complementaría con sus estudios académicos.

Noctámbula “El ajetreo y la velocidad de la capital no nos dejan respiro a quienes lo transitamos. El espacio, sin embargo, con el pasar del día no cambia su forma, sino quienes lo habitan y la forma de observar. “Noctámbula” reúne una serie de fotografías de Santiago centro, envuelto en una atmósfera nocturna. Compartiendo su espacio-tiempo, le doy una segunda, tercera y cuarta mirada a calles, pasajes y galerías, que para muchos es sólo el escenario que adorna el plano cotidiano de sus días transitados por

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la ciudad. Las ganas y el gusto por caminar a través de éstas calles a horas donde ya no son veredas ni avenidas de tránsito masivo, me llevó a realizar éste proyecto fotográfico con sus bases principalmente en emociones personales, trasladándolas a una imagen física. Éstas fotografías nacen de forma espontánea mientras recorro Santiago, algunas veces con una previa idea en mente, con algún sentimiento en el pecho, a veces alterada por la hora, o el estado de ánimo, o por quienes a esas horas transitaban las mismas calles que yo caminaba en esos momentos, pero todas llegan a ser producto de los viajes inesperados por Santiago. La ciudad reúne en su zona geográfica más céntrica a diferentes masas de individuos por jornadas, quienes se mueven a grandes velocidades con destinos fijos y horarios que respetar, sin embargo utilizo el mismo punto geográfico de referencia para partir caminando, tomando diferentes rutas y sin un destino final fijo. Luces, reflejos, sombras y la ausencia de transeúntes son algunos de los objetivos con los que me encuentro... y me detengo. Me dí oportunidades para compartir en Santiago y alimentar nuestra relación de amor/odio, donde muchas veces sus calles me han albergado y mezclándome entre una masa puedo ser invisible, sin dejar de ser yo. Experimentar Santiago centro casi sin ninguna persona, observar la arquitectura, los juegos de luces, sentir la ausencia de los autos y micros, notar las huellas de vida humana,


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por encima de los locales comerciales, de las vitrinas y publicidad me dan el respiro necesario. Quise frenar el factor de velocidad, que subliminalmente comienza a apoderarse de nosotros; emergiendo desde el cemento, subiendo por nuestros pies y llegando hasta nuestras emociones, bloqueando los estímulos externos, como los visuales, por ejemplo. Podemos en algunos momentos observar; observarnos a nosotros mismos, a quienes estån alrededor, a lo que nos rodea... y detenernos.� - F.Solar -

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Milko Carreño Madrid Se acercó a la fotografía gracias a una Agfamatic Pocket 110 que su padre le regaló a los 9 años, con la cual comenzó a descubrir el mundo que lo rodeaba y a registrar el diario vivir de su hogar. Una vez terminada su enseñanza media, decide estudiar Fotografía Publicitaria en el Instituto Arcos, después se va a la Escuela de Comunicaciones ALPES en donde estudia Fotografía Periodística. Desde el año 2012 se dedica a realizar talleres gratuitos de fotografías en la región de O´Higgins y es organizador del 1° Festival de Fotografía de la Sexta Región-FEFS 2015 y de la segunda versión el presente año. También es creador de la galería virtual www.fotogramasgaleria.cl, en donde se muestra el trabajo de fotógrafos chilenos. A la fecha cuenta con exposiciones colectivas e individuales en Chile y en el extranjero.

Reseña “Departamento 12” Para algunos la muerte es una transición hacia otra dimensión u otro estado. Para otros es sólo el fin de la existencia. Pero de una u otra forma ésta nos marca y mi marca se llama “Departamento 12”. El 30 de julio del 2015 mi madre dejo de existir, parte de mí se fue con ella. Esta serie la realicé al día siguiente de su

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muerte, para recordar, para mantener los colores de su presencia en mi propio imaginario. La serie realiza un recorrido entre sus espacios, objetos y termina en el pasillo en donde la encontré sin vida. “12 es el número del departamento…Su departamento ya no la siente, sólo queda su recuerdo...12 fueron sus últimos pasos…” - M.Carreño -


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Sección Foto-autor

Óscar Eugenio Menares

Nació en san Fernando en 1954, se sintió atraído por la fotografía desde niño, fotógrafo autodidacta, se inicio profesionalmente en 1980, junto con Osvaldo Briceño trabajan en alfa nueve fotografía, en 1992 forma la galería de arte el zaguán que actualmente dirige, el año 2015 pasó a formar parte de CFC (Colectivo Fotográfico Coleto) Exposiciones Individuales 1981 Papel Negro / Sala la Capilla. 1984 Photokina 80 / Inst. Chileno Británico. 1984 Cabaret Incognito / Centro Cultural Mapocho. 1987 Zoografías / Cámara de Comercio San Fernando. 1992 Retratos / Galería de Arte el Zaguán. 1994 Fotografías / Galería de Arte el Zaguán. 1996 Impresiones / Galería de Arte el Zaguán. 2002 Cordillera Adentro / Casa de la Cultura San Fernando. 2006 Del Nitrato al Pixel / Museo Lircunlauta. 2011 Colchagua 1.0 / Galería de Arte el Zaguán.

Distinciones 1982 Mención honrosa FCC de Chile categoría desnudo 1997 Premio al arte I. Municipalidad de San Fernando Actualmente se encuentra trabajando el desnudo masculino intervenido con técnicas digitales, con el fin de explorar otra dimensión de la figura humana.

“ Trabajando con el hombre “ Es una serie que estudia la figura humana mediante la desfiguración de la misma, usando técnicas de toma, edición y post-producción digital.

Exposiciones Colectivas 1981 Fotógrafos Jóvenes / Inst. Chileno Británico 1981 Colectiva / Inst. Chileno Británico 1992 2º Encuentro Arte Joven / Inst. Cultural de las Condes 1992 4º Salón de la Fotografía / Museo Nacional de Bellas Artes 1995 5 Fotógrafos Contemporáneos 2012 4 Miradas / Galería de Arte el Zaguán 2015 273 / Galería de Arte el Zaguán

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www.facebook.com/galeriadearte.elzaguan


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Jano Soto

Contextos

Nació el 5 de Enero de 1976 en Santiago de Chile. En el 2009 inició estudios de Fotografía en la Escuela de Imagen y Comunicación. ALPES de Santiago y desde entonces, se desempeña como fotógrafo independiente. En el 2011, realizó el Montaje Fotográfico “Ángeles Durmientes”, en Corporación Cultural de la Cámara Chilena de Construcción y en la Biblioteca Pública Municipal Nº104, de Santiago, además de coordinar Montaje Fotográfico “Revelando Conciencias”, desarrollado por personas con esquizofrenia, en la comuna de Renca. En el 2012, junto a otro Fotógrafo, funda el Colectivo Fotográfico “ContraSombras”, el que ha participado en convocatorias tales como: intervención urbana en el marco de Stgo.100 en un día (2012); Exposición “Stgo. Instante Presente” (2013); Participación en Brigadas de acción urbana, en el marco Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso (FIFV 2013); desarrollo de proyecto “Rutas” (Colaboración fotográfica 2014), en conjunto con el Colectivo Fotográfico Plataforma y 1º Festival de Fotografía (FEFS 2015), en Rancagua.

Cuando intentamos acercarnos a una realidad, podemos hacerlo de manera descontextualizada, esto es, sin considerar en el ambiente que envuelve una serie de acontecimientos, sobre todo si se trata de comprender cuestiones humanas. En este contexto social es fácil encontrar el anonimato como muestra de la realidad que existe en una gran ciudad, donde todos los individuos forman parte de un sistema en el que la indiferencia hacia el otro constituye el estilo de vida social a consecuencia de su masificación.

En el año 2014 postula a diferentes instancias, quedando finalista en “1° Concurso Internacional de Fotografía Ciudad de Lepe, España” en la categoría general y en concurso fotográfico “Zoom Stgo.”(Chile). En el mismo año, se publica parte de su trabajo en revista fotográfica “Emerge” edición n° 3. Entre el 2010 y 2015, impartió Talleres de Fotografía a Personas con Discapacidad Psíquica y Mental severa en la Municipalidad de Renca y en el Centro Clínico Psiquiátrico Mirandés.

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Este ensayo fotográfico se genera a partir de la incipiente curiosidad que hay por los diferentes espacios que entrega la ciudad; por las realidades de vida que pasan inadvertidas para un gran grupo; por lo interesante que parecen singulares situaciones que se crean en la calle, en los suburbios, en los barrios, en la vida y que pasan como invisibles historias para el total de las personas. Este ensayo está orientado a graficar de alguna forma, las situación de vida en que determinado tipo de personajes pasan el día a día. Este trabajo fotográfico esta conformado por un conjunto de situaciones, fenómenos y circunstancias que se combinan en un momento y lugar específico de la historia y que conjugan efectos sobre sucesos que toman forma dentro de los espacio-temporales. Las fotografías que contemplan este trabajo es una representación de la realidad traducida en el conocimiento humano, por lo que espera transmitir información relevante para nuestra sociedad, en tanto alude a aspectos de una época determinada y a las características de algunos individuos.


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Sección Cuarto Oscuro

(Fotografía análoga)

Alejandro Alquinta Oviedo Psicólogo, Músico, Fotógrafo por gusto. Interesado en los rastros de la subjetividad en el espacio habitado; en como el sujeto modela el espacio que lo rodea y viceversa. He participado en diversos Workshops, decantándome últimamente por una vertiente más narrativa, de articular imágenes en un órgano coherente, siempre teniendo en cuenta el fotolibro como soporte final.

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Reseña de serie

(Mono. Nombre de trabajo, aún en progreso) He utilizado aquí los tonos monocromos y las pequeñas viñetas ensambladas en dípticos para narrar cruces volátiles de las historias que dan vueltas en Santiago, de su centro, particularmente. Hay una densidad textual en la calle, subterráneos y recovecos, que me parece llamativa y digna de contarse. Sobre el soporte técnico, usé una cámara medio cuadro y película Ilford HP5. Texto de Mercedes Echagüe


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Visiones de arte

contemporáneo

Teresa Freitas

24 años que salen por el mar, en un pueblo llamado Cascais (Lisboa, Portugal). Graduada en Arte Multimedia y terminando una maestría en Diseño y Nuevos Medios, en la Facultad de Bellas Artes de Lisboa.

Reseña Todo es cuestión de experimentación: Poner diferentes elementos en lugares inesperados para crear la contradicción y la yuxtaposición en un momento creado. Una mezcla de lo visible y lo no existente, tratando de llegar a nuevas realidades que son indefinible e incognoscible. “Me gusta salir de la definición de mi trabajo a la audiencia, a su propia interpretación.” - T.Freitas -

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Cartelera

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Time Lapse de Gianfranco Foschino

“Contextos” de Jano Soto

Una muestra que representa su especial maestría en cuanto al video arte, Galerías Ekho y Metales Pesados Visual / hasta el 7 de mayo de 2016 / Calle Merced 316 y 349.

Exposición fotográfica de Jano Soto se realiza en la Galería de Arte el Zaguán y estará en exhibición durante todo Abril / 2016 / Entrada liberada. Calle Manuel Rodríguez 752, San Fernando.

“Panorama: El Valor de los animales” de Fernando Rosa

Grecia Contemporánea

Cuarenta imágenes panorámicas en gran formato realizadas en el Zoológico Nacional son expuestas en el Centro de las artes GAM / hasta el 29 de Mayo de 10 a 21 horas.

La exposición se realiza en las dependecias de Foto Cine Club de Chile / 31 de Marzo al 30 de Abril / Calle del Arzobispo 0611, Providencia.


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Sobreexposición Exposición Colectiva

Martín Chambi La luz de la tierra

Bajo la curatoría de Juan José Santos reúne a nueve artistas, que plantean aproximaciones al problema de la “postfotografía” / 19 de marzo - 8 de mayo de 2016 / MAC Quinta Normal - Sala de Fotografía.

Una selección de fotografías de Martín Chambi (18911973) En la Salas del Centro Cultural las Condes / del 06 de Abril al 05 de Junio / Apoquindo 6570, Martes a domingo de 10:30 a 19:00 horas / Entrada liberada.

Feria del Libro Plaza de Armas La Feria del Libro 2016 tendrá lugar en la Plaza de Armas/ Del 23 de abril hasta el 3 de mayo / Todos los días de 10:00 a 20:00 horas. / La programación está disponible en www.camaradellibro.cl

Contacto: www.facebook.com/imagenario2014 revistaimagenario@gmail.com revistaimagenario.blogspot.com/ revistaimagenario.tumblr.com/ twitter.com/imagenariochile

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i Esperamos tus propuestas fotográficas para ser publicadas en próximas ediciones. Secciones “Reportaje, Ensayo, Foto-Autor y Cuarto Oscuro (Foto-análogo)”, enviar a revistaimagenario@gmail.com

Arte y diseño | Patricio M. Lueiza

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