Salon sztuki 2025

2025 SALON SZTUKI

SALON SZTUKI

MALARSTWO / GRAFIKA / RZEŹBA / FOTOGRAFIA / GICL É E

MALARSTWO / GRAFIKA / RZEŹBA / FOTOGRAFIA / GICLEE / TARGI SZTUKI

SALON MALARSTWA

Joanna Ambroz

Aleksandra Batura

Agata Buczek

Malwina de Brade

Marek Dzienkiewicz

Weronika Formejster

Zuzia Gaszyńska

Sabina Maria Grzyb

Chris Hernandez

Dominika Hofman

Pablo Ibron

Anna Jagodová

Magdalena Malena Jankowska

Jakub Janyst

Marcin Jaszczak

Paula Jaszczyk

Natalia Jóźwiak

Maria Kiesner

Małgorzata Kosiec

Bogusław Lustyk

Allen Mack

Mikołaj Malesza

Sławomir Marzec

Marcin Miko Mikołajczak

Piotr Młodożeniec

Ewa Ostaficzuk-Olbrychska

Iwona Ostrowska

Piotr Pasiewicz

Olga Pelipas

Łukasz Rudecki

Dorota Sak

Marek Sak

David Schab

Alek Slon

Magdalena Snarska

Tomasz Stando

Przemysław Suliga

Katarzyna Środowska

Tigran Vardikyan

Małgorzata Walkowiak

Paweł Witkowski

Marek Zając

Ernest Zawada

Tomasz Zawadzki

Agnieszka Zawisza

Anna Karolina Zwoniarska

SALON MISTRZÓW

Edward Hartwig

Jan Pamuła

SALON RZEŹBY

Sławomir Brzoska

Agnieszka Filipek

Katarzyna Lipecky

Jacek Zwoniarski

FOTOGRAFII I SZTUKI CYFROWEJ

Tommy Ingberg

Maciej Mańkowski

Michał Ostaszewski

Nikolina Petolas

Karolina Skorek

Jarosław Jaśnikowski

Marcin Kołpanowicz

Bartosz Armusiewicz

Ewelina Koszykowska

Wojciech Tylbor-Kubrakiewicz

Tomasz Winiarski

Szanowni Państwo,

oddajemy w Państwa ręce katalog sztuki Goldenmark na 2025 rok – zbiór prac artystów, z którymi mamy przyjemność współpracować. Znajdują się w nim obrazy, grafiki, fotografie i rzeźby, które są dostępne zarówno w naszych salonach stacjonarnych, jak i w galerii internetowej.

Oferta Goldenmark to przemyślany wybór dzieł reprezentujących różne kierunki i tematy sztuki współczesnej. W katalogu znajdą Państwo prace z nurtów abstrakcji, zarówno geometrycznej, jak i organicznej, sztuki fantastycznej, realizmu magicznego czy sztuki figuratywnej. Tematyka jest równie różnorodna – od realistycznych pejzaży, portretów, martwych natur i scen rodzajowych po kompozycje abstrakcyjne. Dzięki temu każdy z Państwa może znaleźć coś, co odpowiada jego wrażliwości artystycznej i estetycznej.

Kupowanie dzieł sztuki to coś więcej niż dekorowanie wnętrza. To możliwość obcowania z pięknem, rozwijania swoich zainteresowań, a także budowania kolekcji – zarówno z myślą o estetyce, jak i potencjale inwestycyjnym. W naszej ofercie znajdują się prace uznanych twórców oraz młodych artystów, którzy dopiero rozwijają swój warsztat i zdobywają uznanie.

Zapraszamy do odwiedzenia naszych salonów w całej Polsce oraz zapoznania się z pełną ofertą online. Liczymy, że katalog stanie się dla Państwa źródłem inspiracji i zachętą do rozwijania pasji związanej ze sztuką.

Życzymy dobrego odbioru.

Zespół Goldenmark

Chris Hernandez

Tytuł: Basalt Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 80 x 80cm

SALON MALARSTWA

Joanna Ambroz

/ ur. w 1993 r. /

Niedopowiedzenia i wstydliwe skojarzenia. Joanna Ambroz zajmuje się malarstwem, plakatem, badaniami w sztuce i książką w sensie totalnym. Interesują ją bieżące wydarzenia oraz bolączki i namiętności. Chce podkreślać uniwersalność egzystencji człowieka w kontekście doznań i konfliktów oraz inicjować dialog na temat współczesnej kondycji jednostki.

Obroniła doktorat na Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach (2023) a jej praca praktyczna, książka „Chodź, pokażę ci moje noże”, została dołączona do zbiorów Muzeum Narodowego w Poznaniu. Studia magisterskie ukończyła z oceną celującą i Wyróżnieniem Rektora a licencjackie ukończyła z oceną celującą i Medalem Rektora w ASP Katowice w katedrze Projektowania Graficznego. Jej dyplom licencjacki, książka Cięcie – włosy ludu polskiego został wydany przez Wydawnictwo BOSZ i dołączony do zbiorów Muzeum Narodowego w Poznaniu. Była wystawiana m.in. w Korei

Południowej na DIAS International Art Show, na Międzynarodowym Biennale Plakatu „BICeBé” w La Paz w Boliwii czy Eve Leibe Gallery w Londynie. Jej działania były publikowane m.in. w Vogue Polska, Wprost Biznes czy Label Magazine. Jest laureatką wielu stypendiów, a jej prace są w zbiorach kolekcjonerów w Polsce i na świecie.

Joanna Ambroz korzysta z dwóch barw: czerwieni i niebieskiego. Czerwień reprezentuje świadomość, napięcie, temperament i konflikt. Niebieski jest symbolem podświadomości, zgody, refleksji i żałoby. Artystkę zajmuje wzajemne oddziaływanie tych kolorów i kontrast stanowiący wymianę między intensywnością wrażeń a przymusem ich blokowania.

Tytuł: Musicie patrzeć, przez was wszystkie moje grzechy

Rok: 2024/2025

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 90 cm

Cena: 15 000 zł

Aleksandra Batura

/ ur. w 1982 r. /

Studia na Wydziale Malarstwa rozpoczęła w Gdańsku, a ukończyła w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie obroną pracy doktorskiej w 2015 roku, w pracowni prof. Andrzeja Bednarczyka. Studiowała też w Portugalii, na Wydziale Sztuk Pięknych Universidade do Porto pod kierunkiem prof. Francisco Laranjo. Laureatka konkursu stypendialnego Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz włoskiego Ministerstwa Spraw Zagranicznych w 2010 roku. Realizowała projekty artystyczne we współpracy z Uniwersytetem w Maceracie i Centro Sociale eXSnia w Rzymie. Reprezentowała Polskę na Międzynarodowym Sympozjum Sztuki pod patronatem Ministerstwa Kultury w Jordanii.

Aleksandra Batura zajmuje się malarstwem olejnym oraz muralem ale również eksperymentuje z innymi, nietypowymi technikami malarskimi i rysunkowymi. Prace artystki znajdują się w wielu kolekcjach krajowych i zagranicznych. Mieszka i pracuje w Warszawie.

Tytuł: Złamane przekonania/Broken convictions

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 160 × 130 cm

Cena: 21 000 zł

Tytuł: Niedopowiedzenia/ Left unsaid

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 200 × 150 cm

Cena: 25 000 zł

Agata Buczek

/ ur. w 1988 r. /

Agata Buczek ukończyła Architekturę i Urbanistykę na Politechnice Śląskiej w Gliwicach. Przez lata pracowała jako architekt i architekt wnętrz, jednak od dziecka malarstwo jest jej największą pasją a z czasem stało się również sposobem na życie. Artystka już od lat zdobywa coraz większą popularność współpracując z galeriami, biorąc udział w konkursach i wystawach. Jej prace znajdują się również w wielu prywatnych kolekcjach zarówno w kraju jak i za granicą.

Malarka tworzy w kliku stylach, które można zakwalifikować w ogólnie przyjęty sposób jak surrealizm, impresjonizm czy abstrakcje. Jednak dzieła w jej odsłonie różnią się od tych klasycznych i oddają jej niepowtarzalny i unikalny styl.

Pierwszym ze stylów jest surrealizm. Zostają w nim zaburzone proporcje i prawa fizyki. Często przenosimy się pod wodę lub do świata rodem z makro fotografii. To nierealne miejsce jest swoistą metaforą ludzkiego umysłu,

łączenia świadomości z podświadomością. Drugim charakterystycznym stylem jest nowoczesny impresjonizm. Artystka korzysta tam z intensywnych barw, grubo kładzionej farby i zdecydowanej gry światła, by przenieść odbiorcę do innego świata.

Kolejnym nurtem charakterystycznym dla malarstwa Agaty Buczek są abstrakcje. W jej dorobku znajdują się takie obrazy wykonane wieloma technikami i stylami. Są to zarówno farby olejne, akrylowe jak i różnego rodzaju media. Mimo tak różnorodnego podejścia wciąż możemy zauważyć wspólne cechy dla tej artystki.

Wszystkie powyższe style łączą wspólne elementy, które można nazwać unikalnym stylem niespotykanym u żadnego innego artysty. W niepowtarzalnym świecie przepełnionym symboliką i emocjami możemy się zanurzyć i odszukać w sobie coś o czym zapomnieliśmy w zabieganym życiu.

Tytuł: Uwolnij się

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 90 × 90 cm

Cena: 15 600 zł

Tytuł: Zapach lasu

Technika: olej/płótno

Wymiary: 110 × 110 cm

Rok: 2023

Cena: 15 000 zł

Malwina de Bradé

/ ur. w 1968 r. /

Malwina de Bradé w 1995 r. ukończyła Wydział Grafiki na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie dyplomem u prof. Janusza Stannego oraz aneksem z grafiki warsztatowej u doc. Krzysztofa Wyznera. Zajmuje się malarstwem, ilustracją książkową, fotografią i grafiką warsztatową, animacją. Współpracuje przy tworzeniu kostiumów, charakteryzacji i scenografii. Jest wykładowcą w Wyższej Szkole Artystycznej. Należy do Z.P.A.P, międzynarodowej grupy fotograficznej Szare Dni oraz grupy artystycznej Equitas Equitatum.

Brała udział w wielu wystawach w kraju i za granicą, a jej prace znajdują się w zbiorach prywatnych kolekcjonerów oraz w CSW.

Malwina de Bradé zabiera swoją twórczością, nas współczesnych w podróż w do dawnego świata wieków piękna, zapomnianego czasu lirycznych poetów, muzyków i artystów. W jej pracach przewijają się wytworne sceny rodzajowe rodem z surrealistycznych snów włoskich malarzy quattrocenta. Jak sama mówi często poszukuje motywów na marginaliach starych ksiąg. Przetwarza znane motywy i wykorzystuje archetypy aby opowiadać malarskie baśnie i tworzyć dzięki zdyscyplinowanemu warsztatowi, za pomocą światła i kolorów oniryczne nastroje.

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 80 × 70 cm

Cena: 9 500 zł

Tytuł: Katedra

Marek Dzienkiewicz

/ ur. w 1951 r. /

Marek Dzienkiewicz, profesor zwyczajny sztuk plastycznych (ur.1951r. w Warszawie).

W latach 1969-1974 studiował na Wydziale Malarstwa warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych w pracowni profesora Tadeusza Dominika (dyplom z wyróżnieniem w 1974r.) oraz dodatkowo w Pracowni Klasycznych Technik Tkackich profesora Mieczysława Szymańskiego oraz profesora Zbigniewa Gostomskiego (aneks z tkaniny). W latach 1975-2021 prowadził różne pracownie na kilku wydziałach Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie.

Kluczowe znaczenie dla ukształtowania się drogi twórczej Dzienkiewicza, konsekwentnie operującej formami abstrakcyjnymi, miały inspiracje konstruktywizmem i minimal art. W pierwszej fazie twórczości, do końca lat siedemdziesiątych, artysta malował obrazy i wykonywał gobeliny o geometrycznych wzorach. Z czasem jego prace zaczęły łączyć środki malarstwa, tkaniny i rzeźby i nabierać przestrzenności. Dzienkiewicz

już w 1973 roku ustalił, że nie będzie realistą. Jego dziedziną stała się geometria i rytmiczne podziały płaszczyzn; zgodnie z tymi założeniami malował i wykonywał gobeliny do roku 1977. Następnie powstawały kolejne serie obiektów, rzeźb, przeplotów, reliefów i prototypów będących układami zaprogramowanymi z różnorodnych modułów. W następnej dekadzie Dzienkiewicz powrócił do klasycznych środków malarskich i pozostaje im wierny do dziś. W roku 2023 artysta otrzymał Srebrny Medal Zasłużony Kulturze Gloria Artis.

Marek Dzienkiewicz brał udział w kilkudziesięciu wystawach indywidualnych i zbiorowych oraz w wymianach artystycznych z innymi krajami. Jego prace znajdują się w muzeach w kraju, w tym w Muzeum Narodowym w Warszawie, w kolekcjach Galerii Zachęta oraz w Galerii Studio w Warszawie, oraz w galeriach i kolekcjach prywatnych w kraju i zagranicą.

Tytuł: Alaska

Rok: 2020

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 115 × 85 cm

Cena: 12 000 zł

Tytuł: Latem

Rok: 2019

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 110 × 110 cm

Cena: 6 500 zł

Weronika Formejster

/ ur. w 1999 r. /

Współczesna artystka urodzona w Augustowie. Od najmłodszych lat wykazywała ogromne zainteresowanie sztuką i już w młodym wieku rozpoczęła swoją przygodę z rysunkiem i malarstwem, fascynując się różnorodnością kolorów, form i wyrazem artystycznym. Ukończyła Liceum Plastyczne w Supraślu z tytułem grafika oraz studia na kierunku architektura wnętrz. Prace Weroniki Formejster przedstawiają głównie malarstwo o tematyce konnej. Charakterystyczne w jej obrazach jest przedstawienie konia w nowoczesnym stylu, głównie koni fryzyjskich. W malarstwie skupia się na kompozycji dynamicznej, a większość obrazów malowana jest zimną paletą barwną. Weronika Formejster czerpie inspirację z wielu źródeł, w tym głównie z natury. To właśnie te elementy otaczające ją na co dzień stanowią źródło pomysłów i twórczego zapędu. Jej dzieła przyciągają uwagę swoją oryginalnością i głębią wyrazu.

Obrazy malarki znajdują się w wielu prywatnych kolekcjach. Weronika Formejster miała okazję prezentować swoje prace na licznych wystawach, zdobywając uznanie wśród pasjonatów sztuki na całym świecie. Jej prace można było zobaczyć na grupowej wystawie malarzy polskich w Kompleksie Zamkowym Stare Tarnowice oraz w Sopockim Domu Aukcyjnym.

Tytuł: Sztorm Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 9 000 zł

Tytuł: Black shadow Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 9 000 zł

Zuzia Gaszyńska

/ ur. w 1990 r. /

Absolwentka Wydziału Malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, Pracowni Malarstwa prof. Krzysztofa Wachowiaka, Pracowni Rysunku prof. Wojciecha Zubali oraz do Tkaniny Artystycznej prof. Doroty Grynczel. W tym czasie współtworzyła i uczestniczyła w wystawach studenckiej galerii Turbo i wystawach wydziałowych. Podczas studiów została wielokrotnie wyróżniona, między innymi reprezentując Akademię na wystawie w Rydze w 2014 roku, oraz biorąc udział w niemieckim Förderprojekt Junge Kunst 2015. W 2015 roku zdobyła główną nagrodę w konkursie Siemens Art Prize. Dyplom obroniła wystawą w Galerii Studio w tym samym roku. Tworzy cykle obrazów w technice olejnej oraz temperą na płótnie podejmując temat samoświadomości, kontemplacji, natury myśli, ich pogranicza z emocjami. Interesuje ją filozofia oraz kultura orientu. W roku 2021 jej wystawa zainaugurowała otwarcie DIAL Gallery.

Tytuł: Rzeki metafizyczne

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 140 x 190 cm

Cena: 24 000 zł

Tytuł: Bystrość

Rok: 2024

Technika: olej, tempera/płótno

Wymiary: 100 x 40 cm

Cena: 12 000 zł

Sabina Maria Grzyb

/ ur. w 1988 r. /

Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu, na wydziale Malarstwa i Rzeźby. Tytuł magistra sztuki obroniła w marcu 2017. W malarstwie skupia się głównie na kompozycji i statycznych formach skalnych. Wplata realne motywy i przeżycia w oniryczne przestrzenie. Balansuje na granicach abstrakcji, fantastyki i realizmu zachowując przy tym własną, charakterystyczną i osobliwą formę. Nostalgiczna pejzażystka nieistniejących przestrzeni. Sabina Maria Grzyb – artystka o ogromnej wrażliwości na kolor, operująca bryłą w sposób monumentalny, która kreuje własne światy o niezaprzeczalnej urodzie.

Wybrane wystawy zbiorowe: 2017 – „Belle Pitture „ - Belle Voci – II International Music Festival. Pałac Kultury w Brzegu Dolnym 2018 – Wystawa zbiorowa z okazji 100-lecia Odzyskania Niepodległości. Europejskie Centrum Sztuki w Białymstoku 2019 – „Słowiańskie Świąteczne Spotkania ze Sztuką” Rosyjskie Centrum Nauki i Kultury. Gdańsk 2020 – „SZTUKA BEZ MASKI” Europejskie Centrum Artystyczne im. Fryderyka Chopina w Sannikach 2023 – „Spotkanie ze Sztuką” Warszawa. Belotto. Sabina Maria, Zofia Błażko, Bogusław Lustyk, Lech Bator

Tytuł: Widnokrąg

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: średnica: 100 cm (tondo)

Cena: 21 000 zł

Chris Hernandez

/ ur. w 1974 r. /

Urodzony w Teksasie artysta studiował na Southwest Texas State University (obecnie Texas State University), gdzie uzyskał licencjat z wyróżnieniem w dziedzinie sztuk pięknych, ze szczególnym uwzględnieniem pracowni metaloplastyki i malarstwa. Od 2010 roku mieszka w Warszawie, Polsce, gdzie eksploruje temat geografii i jej związku z procesami budowy, dekonstrukcji i rekonstrukcji. Jego obrazy i rysunki stanowią narracyjne odzwierciedlenie sinusoidalnych wzorców występujących w codziennej rzeczywistości, gdzie kamienie często pełnią rolę archetypów, łącząc naturę z naturą ludzką, by zadać pytanie, w jaki sposób ludzkość wchodzi w interakcje i nadaje sens zmieniającemu się światu. Artysta dzieli swój czas jako komunikator wizualny i instruktor języka, w każdym przypadku pracując z symbolicznymi ideami, które tłumaczy na wspólne zrozumienie. Jego prace były prezentowane na arenie krajowej

i międzynarodowej, a dzieła znalazły się m.in. w publikacjach takich jak New American Paintings #60 i edycja z okazji 15-lecia, oraz w Manifest Gallery’s International Painting Annual #7 i #9.

Chris Hernandez wybiera w swoich pracach obiekty pochodzenia naturalnego; nadając im kontekst geograficzny bada zachodzące w środowisku procesy konstrukcji, dekonstrukcji i rekonstrukcji. Jego obrazy i rysunki są zapisami cykliczności i zmienności tych procesów. Kamienie, patyki czy chmury stają się symbolicznymi pejzażami, szukającymi związku między umysłem człowieka a naturą. Stawiają pytania o nasz wpływ na świat, którego jesteśmy zarówno gośćmi jak też współgospodarzami. Obrazy Chrisa Hernadeza uciekają przed jednoznaczną interpretacją, stawiając odbiorcę, jego doświadczenia, percepcję i opinie w roli „filtra” zawartych w nich treści.

Tytuł: Green landscape

Rok: 2024

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 100 cm

Cena: 18 500 zł

Tytuł: Painting Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 50 x 50 cm

Cena: 8 500 zł

Dominika Hofman

/ ur. w 1986 r. /

Artysta malarz, magister sztuki. Ukończyła studia na Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku na Wydziale Malarstwa. Dyplom obroniła w pracowni prof. Macieja Świeszewskiego w 2011 r. z aneksem z grafiki warsztatowej. Swoje prace prezentowała na ponad 30 wystawach w kraju i zagranicą, również na wystawach pokonkursowych. Uczestniczka wielu plenerów malarskich.

W swoim malarstwie zagłębia się w świat kolorów i emocji. Jej twórczość pełna jest gry świateł. Ostatnie cykle malarskie to cykl Kwiaty oraz Świetlistości. Była częścią zespołu tworzącego film Loving Vincent - nominowanego do Oskara, do którego malowała olejne animacje w stylu Vincenta van Gogha, jak i malarskie przejścia pomiędzy ujęciami tzw. transormacje.

Obecnie jej zainteresowania skupiają się głównie na malarstwie sztalugowym, w którym łączy tradycyjne techniki malarstwa olejnego z farbami akrylowymi i sprayami. Artystka mieszka i pracuje w Trójmieście.

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 7 000 zł

Tytuł: Taniec

Pablo Ibron

/ ur. w 1971 r. /

Po obronie dyplomu w Instytucie Architektury Planowania Przestrzennego Politechniki Poznańskiej w pracowni prof. Jerzego Gurawskiego (architekta w teatrze Laboratorium Jerzego Grotowskiego) kontynuował studia w pracowniach plakatu prof. Waldemara Świerzego, ilustracji Grzegorza Marszałka i rysunku prof. Jarosława Kozłowskiego poznańskiej Państwowej Wyższej Szkoły Sztuk Plastycznych (dziś UAP).

Jest wieloletnim wykładowcą architektury, projektowania graficznego i przemysłowego na Uniwersytecie w Lund, w Szwecji. Wykładał także, prowadził seminaria i warsztaty w Szkole Sztuki i Komunikacji na Uniwersytecie w Malmö, Szwecja; w Królewskiej Akademii Sztuki w Kopenhadze, Dania, a także na Wydziale Przemysłów Kreatywnych i Kulturalnych na Uniwersytecie Hertfordshire, w Hatfield, Wielka Brytania. W 2008 roku otrzymał posadę Ralph Hawkins Distinguished Visiting Professor w Szkole Architektury Uniwersytetu Teksańskiego w Arlington, w Stanach Zjednoczonych.

Tytuł: Oaxaca Red Sky

Rok: 2020

Technika: technika własna, akryl/płyta HDM

Wymiary: 21,3 x 28 cm

Cena: 2 500 zł

Tytuł: La Alcaicería

Rok: 2021

Technika: technika własna, akryl/płyta HDM

Wymiary: 21,4 x 29,8 cm

Cena: 2 800 zł

Anna Jagodová

/ ur. w 1986 r. /

Zajmuje się malarstwem, tworząc głównie obrazy w technice olejnej na płótnie. Studia ukończyła w 2010 r. na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Dyplom magisterski otrzymała w pracowni drzeworytu u prof. Bogdana Migi – jej praca uzyskała wyróżnienie i trafiła na wystawę „Najlepsze dyplomy 2009/2010” w Pałacu Sztuki Towarzystwa Przyjaciół Sztuk Pięknych w Krakowie. Od 2011 r. jest członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków. Otrzymała medal „Salonu 100-lecia ZPAP Okręgu Krakowskiego”. Uczestniczyła w wielu wystawach indywidualnych, zbiorowych oraz plenerach. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem i grafiką. Mieszka i tworzy w Humenné.

Malarstwo Anny Jagodovej przeniknięte jest lekką atmosferą snu i surrealistycznego czy zgoła poetyckiego kojarzenia rzeczy, owoców, zwierząt, ludzi. Jej twórcza intuicja i wyobraźnia działają dyskretnie i skrycie, ale jednocześnie pozwalają młodej artystce na przekraczanie swoistego realizmu. W jej twórczości często pojawiają się motywy związane z cielesnością człowieka, jego emocjami oraz relacjami.

„W sztuce najbardziej cenię możliwość interpretacji. Nie lubię mówić o swojej twórczości i tworzyć filozofii. Wolę, aby za mnie wypowiadały się moje obrazy i aby każdy odbierał i interpretował je na swój sposób”.

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 50 × 75 cm

Cena: 20 000 zł

Tytuł: Akt w czerwieni

Magdalena Malena

Jankowska

/ ur. w 1978 r. /

Urodziła się w Gdańsku. Malarka, muralistka i performerka. Stypendystka Marszałka Województwa Pomorskiego oraz Prezydenta Miasta Sopotu. Obecnie mieszka w Warszawie i Sopocie. Ukończyła studia na Wydziale Sztuk Pięknych UMK w Toruniu. Autorka murali „Mewy Origami” w Sopocie i „Chłopiec portowy” w Gdańsku. Wraz z muzykiem Michałem Sołtanem tworzy autorski performance „MaloGranie”, prezentowany między innymi w Teatrze Boto w Sopocie, podczas Nocy Muzeów w Centrum Promocji Kultury w Warszawie, we Włoszech w Madonna di Campiglio, w ramach obchodów Cudu Nad Wisłą w Warszawie, w Teatrze Atelier w Sopocie, na Cyprze dla Sztabu WOŚP. Prace artystki były prezentowane na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych. Uczestniczyła w festiwalach sztuki i plenerach malarskich, również międzynarodowych. W 2022 roku - kuratorka, pomysłodawczyni i współtwórczyni pierwszego Interdyscyplinarnego Pleneru w Winnicy Nawrot w Mechelinkach, w której udział wzięła czołówka artystów polskich. Obrazy Magdaleny Jankowskiej znajdują się w kolekcjach, m.in. we Francji, Nepalu, Niemczech, Skandynawii, Stanach Zjednoczonych, we Włoszech.

Z cyklu Horyzonty Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 14 000 zł

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 15 000 zł

Tytuł: Z cyklu Plażowicze Rok: 2022

Tytuł:

Jakub Janyst

/ ur. w 1978 r. /

Ukończył studia na wydziale Architektury i Urbanistyki Politechniki Krakowskiej, uzyskał dyplom z akredytacją Royal Institute of British Architects. W 2003 roku studia na wydziale Art and Architecture, University of Tennessee, program wymiany międzynarodowej. Zajmuje się malarstwem, grafiką i designem. Organizuje także projekty artystyczne i kulturalne jak plenery, warsztaty, wystawy, malowanie na żywo. Obecnie mieszka w Warszawie.

Na drodze wieloletnich poszukiwań i konfrontacji różnych estetyk artysta wypracował sposób obrazowania współczesności oddający jej rozedrganie, przeciążenie komunikatami i napastliwość. Dzisiejszy świat artysta postrzega poprzez pryzmat kumulacji danych, szumu informacyjnego i hałasu treści. Ujmuje je w formę niesłychanie prostą i celną: użycie farby akrylowej i krawędzi szpachli, która geometryzuje, ale i zagęszcza, przedstawioną rzeczywistość. Punkt widzenia staje się jednocześnie techniką, a tym samym przedstawiony obraz okazuje się równie ważny, co proces twórczy i finałowa materialność dzieła. Jest w tym akcie coś z ludycznej radości dziecka, ale i zakonnej dyscypliny. W twórczy sposób odnosi się ona również do automatyzacji, druku 3D, mechanizacji. Tradycyjny gest malarski zastępuje poetyką niemal rzemieślniczą: nanoszeniem kolejnych włókien farby, „produkowaniem” jej wiązek i splataniem ich w nowe matryce znaczeń.

Tytuł: SIGNAL-02

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 100 cm

Cena: 13 000 zł

Tytuł: GRAD04

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 60 cm

Cena: 11 000 zł

Marcin Jaszczak

/ ur. w 1975 r. /

Absolwent łódzkiej Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego Wydziału Edukacji Wizualnej. Dyplom obronił w 2013 roku. W 2002 roku ukończył także Studium Techniki Teatralnej i Filmowej w Łodzi.

W swoim dorobku artystycznym ma wystawy indywidualne: „Wystawa malarstwa” w Muzeum El Greco, Fodele, Grecja (2020); „Spojrzenia” w Galerii Małgosia, Wrocław (2020); „Cherez la femme” w Galerii „Dworzec Zachodni” Od Nowa UMK w Toruniu (2020), „Malarstwo” w Galerii Sztuki i Atelier Maya w Toruniu (2019), „Malarstwo” w Miejskiej Bibliotece Publicznej w Tomaszowie Mazowieckim (2007) oraz „Malarstwo i rzeźba” w Poddębickim Domu Kultury i Sportu (2006).

Marcin Jaszczak w swojej twórczości porusza tematy codzienności, jego malarstwo jest realistyczne, lecz

z charakterystyczną dla niego nutka nowoczesności. Jego prace emanują kolorem i energią, zachwycając widza swoją żywiołowością i świetlistością. Artysta maluje portrety, akty i pejzaże oraz martwe natury, które szczególnie sobie upodobał. W dziełach o tej tematyce widać kunszt artysty i świetny warsztat. Każdy szczegół, od tekstury przedmiotów, po grę świateł, jest starannie uwieczniony na płótnie, co nadaje obrazom głębi i realizm przedstawienia. Poprzez precyzyjne oddanie detali i subtelnych niuansów kolorystycznych, artysta potrafi zatrzymać chwilę w życiu martwych przedmiotów, sprawiając, że stają się one niemalże, jak żywe. Sam proces malowania dla artysty jest nie tylko wykonywaniem określonego tematu, ale także źródłem natchnienia i siły.

Tytuł: Martwa natura z figami

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 46 × 55 cm

Cena: 3 800 zł

Tytuł: Martwa natura z pomarańczami

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 60 × 50 cm

Cena: 3 000 zł

Paula Jaszczyk

/ ur. w 1977 r. /

Paula Jaszczyk ukończyła Wydział Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w 2005 r.. Za dyplom otrzymała wyróżnienie rektorskie i nagrodę ufundowaną przez Wojewodę Mazowieckiego z inicjatywy prof. Józefa Szajny i Galerii Studio. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, Mazowieckiego Stypendium

Doktorskiego i programu Młoda Polska.

Doktorat obroniła na Wydziale Grafiki ASP w Warszawie, a następnie habilitację w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Na rodzimej uczelni pracuje od 2006 roku na Wydziale Sztuki Mediów, obecnie jako profesor uczelni. Od 2023 roku, jest również profesorem w Pracowni

Sztuki Wydziału Nauk Humanistycznych Uniwersytetu w Siedlcach.

Paula Jaszczyk to autorka, której zainteresowania biegną wielotorowo. Z jednej strony wybiera geometrię. Prowadzi czysto formalne rozważania nad stykiem kolorów, zestawieniem form, interesują ją napięcia między materiami, wykorzystuje różnorodne faktury.

Dodatkowo wykorzystuje idealne koło jako bazę do swoich poszukiwań. Jej ciekawość i ekspresja nie pozwalają zrezygnować także z poszukiwań w dziedzinie figuracji. I na tym polu ma ogromne doświadczenie.

Od dawna eksplorowała zagadnienie postaci, zwykle kobiecej w jej obrysie, zmultiplikowanej, w ciągłym ruchu, tańcu, przenikającą się z plamą malarską i powtarzalnym często wzorem.

W swoich najnowszych pracach Paula Jaszczyk weszła głębiej, nie tylko w ruch, ale też głęboko w emocje. Na obrazach przedstawia kobietę i mężczyznę w odwiecznym miłosnym tańcu Yin i Yang. Z dużą subtelnością pokazuje parę kochanków. Pokazuje ich relację, napięcie seksualne, bliskość. W subtelny i zarazem dosadny sposób. Tu nie ma wątpliwości, to nie są obrazy bez znaczenia. Te prace wymagały odwagi i dojrzałości. Tych nie brakuje autorce, dzięki czemu prace przykuwają uwagę i prowokują widza do zatrzymania i kontemplacji.

Tytuł: Zmagania z cyklu „Usiłowania” 1

Rok: 2016

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 100 cm

Cena: 6 000 zł

Tytuł: Uwikłania 1 – Ślady

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 100 cm

Cena: 6 500 zł

Natalia Jóźwiak

/ ur. w 1986 r. /

Natalia Jóźwiak ukończyła pedagogikę przedszkolną, wczesnoszkolną i resocjalizacyjną, następnie Łódzką ASP oraz studia Executive MBA w Gdańsku. Obecnie mieszka i tworzy w Warszawie. Z malarstwem ma do czynienia od wczesnych lat dzieciństwa, już jako dziewczynka przejawiała ogromne zainteresowanie pracami manualnymi, malarstwem i jego technikami. Niezwykle uzdolniona tworzyła w szkołach liczne prace i wygrywała konkursy plastyczne. Przez kilka lat prowadziła działalność artystyczną w Płocku . Stworzyła dwie galerie sztuki , dwa stoiska z rękodziełem ludowym , prowadziła warsztaty dla dzieci i młodzieży. Jest mocno zaangażowana w działalność charytatywną. W okresie 21 lat pracy twórczej - malarstwa sztalugowego można obserwować rozwój artystki. Powstały przez ten okres różne cykle obrazów, od tych malowanych szpachelką po pędzle i inne techniki.

Cykl „De Mulieribus. Respect”, nad którym pracuje artystka, składa się z kilkudziesięciu prac i nie jest jeszcze zakończony. Obrazy powstawały na przełomie 2020 - 2024 roku. Twórczość Natalii Jóźwiak oscyluje na pograniczu dwóch skrajnych emocji do kobiet , z jednej strony ogromnego szacunku a z drugiej strony przedstawia ich wady. Podziw do kobiet pochodzi z jej osobistych doświadczeń i historii bliskich jej kobiet, które pozostawione same sobie często z dziećmi potrafiły pokonać niejedną przeszkodę: choroby, sytuacje finansowe, potrafiły się jednoczyć i pomagać innym kobietom. Ale są też inne kobiety, te które sobie mniej radzą i ich oblicza są zupełnie inne, często kobiety potrafią mieć dwie lub więcej twarzy - masek.

Tytuł: Obfitość # 1 Rok: 2024

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 × 70 cm

Cena: 9 000 zł

Kobieta z papugą Rok: 2024

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 70 × 50 cm

Cena: 5 500 zł

Tytuł:

Maria Kiesner

/ ur. w 1976 r. /

Jest absolwentką Wydziału Malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie (dyplom pod kierunkiem prof. J. Modzelewskiego w 2002). W 2009 r. obroniła dok torat pod tytułem „Miasto przed burzą” na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Mikołaja Ko pernika w Toruniu. W latach 2005 i 2007 była stypendystką MKiDN. Pracuje w Kolegium Edukacji Artystycznej Akademii Pedagogiki Specjalnej im. Marii Grzegorzewskiej w Warszawie. W roku 2015/2016 pracowała jako asystent w pracowni Malarstwa i Rysunku Prof. Andrzeja Bieńkowskiego i Prof. Łukasza Korolkiewicza na Wydziale Wzornictwa warszawskiej ASP oraz prowadziła samodzielnie pracownię malarstwa w Katedrze Mody Wydziału Wzornictwa ASP w Warszawie. W roku 2017 decyzją Rady Wydziału Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie uzyskała stopień doktora habilitowanego.

Tytuł: Schody Rok: 2021

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 80 x 80 cm

Cena: 5 000 zł

Tytuł: Dom modernistyczny Rok: 2021

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 × 130 cm

Cena: 7 000 zł

Małgorzata Kosiec

/ ur. w 1975 r. /

Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi, dyplom z wyróżnieniem obroniła w 2000 r. W 2023 roku została odznaczona Medalem za Zasługi dla Miasta Łodzi. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki. Finalistka programu International Young Art 2002 domu aukcyjnego Sotheby’s. Wystawy w Nowym Jorku, Tel-Avivie, Amsterdamie, Denver, Gotheborgu, Malmo, Stockholmie, Londynie oraz liczne w Polsce. Na stałe reprezentowana przez wiodące szwedzkie galerie. Jaj obrazy znajdują się w prestiżowych kolekcjach w Polsce i zagranicą. Tworzy równolegle abstrakcje wielkoformatowe oraz portrety typograficzne, malowane unikatową techniką nawarstwiania znaków graficznych. Obecnie przygotowuje doktorat z dziedziny sztuk plastycznych na Akademii Humanistycznoekonomicznej w Łodzi, w której prowadzi pracownię rysunku i malarstwa.

Znakiem rozpoznawczym malarstwa artystki jest budowanie wizerunku z liter, cyfr, znaków, linii. Użycie typografii wywodzi się z nadmiaru informacji w obecnej rzeczywistości. Ukryte pod warstwami farby słowa to wizualne zagadki, wymuszające na odbiorcy staranny ogląd obrazów, naprowadzające na odpowiednią interpretację.

Tytuł: Sunset Rok: 2017

Technika: akryl, olej/płótno

Wymiary: 73 × 92 cm

Cena: 11 000 zł

Tytuł: Blue Rapsody Rok: 2018

Technika: akryl, olej/płótno

Wymiary: 73 × 92 cm

Cena: 12 000 zł

Bogusław Lustyk

/ ur. w 1940 r. /

Studia w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dyplom z wyróżnieniem na wydziale malarstwa i grafiki w 1965 roku. Uprawia malarstwo rzeźbę i grafikę użytkową.

Miał ponad 40 wystaw indywidualnych w kraju i za granicą. M.in. w Stanach Zjednoczonych (Nowy Jork, Waszyngton, Atlanta, Chicago, Filadelfia, Virginia Beach, ), w Niemczech, Szwecji, Finlandii, Francji, Australii.

Uzyskał 25 nagród za twórczość w dziedzinie plakatu i malarstwa, w tym 8 w konkursach organizowanych przez Polski Komitet Olimpijski. Współpracuje z Teatrem Wielkim Operą Narodową w Warszawie oraz Muzeum Tańca w Saratoga Springs, USA.

Od 2014 roku na Krakowskim Przedmieściu w Warszawie. realizuje instalacje poświęcone pamięci Powstania Warszawskiego 1944. Został uhonorowany odznaczeniami: Złotym Krzyżem Zasługi prezydenta Rzeczypospolitej Polskiej, oraz srebrnym medalem Gloria Artis Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Rok: 2024

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 80 cm

Cena: 35 000 zł

Tytuł: Duet

Allen Mack

/ ur. w 2001 r. /

Allen Mack to artysta młodego pokolenia, który swój malarski warsztat rozwija w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie oraz na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu. Jego obrazy stanowią wnikliwą obserwację rzeczywistości, wyróżniając się tym samym poczuciem humoru, ekspresji, faktury i mięsistości malarskiej.

W twórczości Allena Macka zobaczyć można paradoksy wynikające z krytycznej obserwacji sytuacji społecznej i politycznej świata. Jego malarstwo new reality wskazuje na kluczowe dziś dualizmy: utopia i dystopia, przeszłość i przyszłość, człowiek i maszyna, organika i technologia. Autor nie stroni od popkulturowych odniesień, tworząc postaci, które zawładnęły zbiorową wyobraźnią młodego pokolenia. Znane wizerunki umieszcza w nowych kontekstach zastanego porządku, kreując własny fantastyczny świat.

Allen Mack porusza aktualne problemy

dotyczące kondycji współczesnego świata i społeczeństwa. To podróż prowadzona przez wewnętrznego demona umysłu artysty, poświęcona przekłamaniom historii gatunku ludzkiego, w odniesieniu do aktualnie dominującej ideologii. Do patologii konsumpcyjnego status quo. Są takie momenty, kiedy wszystko wydaje się wspaniałe… W cieniu bombardujących świat kryzysów, myślimy intensywnie o wracaniu do fundamentów życia – do lokalnych surowców, do natury, do pielęgnowania relacji z innymi, do improwizacji, także do nowych źródeł magii. Rozważamy nad możliwościami ludzkich zmysłów. Pesymistyczny klimat naszych czasów, w cieniu katastrofy ekologicznej, koronawirusa, wojny na Ukrainie, to wszystko sprawia, że racjonalizm nie daje rady, że człowiek staje się bezradny. Posthumanizm daje wiele do myślenia. Pyta, czego możemy nauczyć się od roślin, zwierząt, żywiołów. Kryzys jest okazją do zmiany. Zmiana prosi o refleksję – mówi Allen Mack.

Tytuł: Animal party Rok: 2022

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 70 cm

Cena: 9 000 zł

Tytuł: Solaris Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 100 cm

Cena: 10 000 zł

Mikołaj Malesza

/ ur. w 1954 r. /

Po ukończeniu PLSP w Supraślu, studiował w warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych na Wydziale Architektury Wnętrz. Dyplom z wyróżnieniem otrzymał w 1979 r. Zajmuje się malarstwem, scenografią i wystawiennictwem. Miał około 40 wystaw indywidualnych malarstwa, uczestniczył w kilkudziesięciu wystawach malarstwa polskiego w kraju i za granicą, m.in. w Niemczech, Belgii, Holandii, Anglii, Czechosłowacji, Austrii, USA, Japonii, Bułgarii, we Włoszech, Francji, na Litwie i Ukrainie. Jest laureatem licznych nagród i wyróżnień w tej dziedzinie. Jest także autorem około 80 scenografii. W latach 1991-2003 był scenografem teatru „Towarzystwo Wierszalin”, z którym został trzykrotnym laureatem nagrody Fringe First na największym europejskim Festiwalu Teatralnym w Edynburgu.

Od wielu lat współpracuje z teatrami lalkowymi i dramatycznymi na terenie całej Polski. Jest laureatem wielu nagród indywidualnych w dziedzinie scenografii.

W roku 2010 otrzymał Srebrny Medal „Zasłużony Kulturze Gloria Artis”, przyznawany przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego, a w roku 2013 – nagrodę „Henryk” ZASP-u.

Tytuł: Poranek

Rok: 2001

Technika: olej/płótno

Wymiary: 60 x 81 cm

Cena: 5000 zł

Sławomir Marzec

/ ur. w 1962 r. /

Absolwent Wydziału Malarstwa Akademii

Sztuk Pięknych w Warszawie i Freie Kunst Kunstakademie w Düsseldorfie. Obecnie prowadzi pracownię malarstwa na Wydziale

Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Programem prowadzonej przez niego pracowni pozostaje niezmiennie wyposażenie młodych artystów w umiejętności, wiedzę i wrażliwość umożliwiające kompetentne i samodzielne samookreślenie. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem, instalacją, fotografią przetworzoną, performancem i filmem. Jest autorem blisko setki wystaw indywidualnych, m.in. w Muzeum Narodowym w Lublinie, Centrum Sztuki Współczesnej Elektrownia w Radomiu, Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku, Galerii Foksal w Warszawie czy w Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie, oraz licznych publikacji, w tym książek z pogranicza teorii i krytyki sztuki.

Jego artykuły ukazywały się w czołowych polskich magazynach sztuki, a także w pismach zagranicznych (jest wieloletnim recenzentem nowojorskiego „NYArts” i londyńskiego „Contemporary”). Opublikował

pięć książek, m.in. Zabobony sztuki najnowszej oraz Sztuka,czyli wszystko. Krajobraz po postmodernizmie. Inicjator powołania Forum Nowych Autonomii Sztuk działającego w latach 2014–2018. Autor licznych polemik walczących o (nie)możliwą autonomię sztuki. Wicenaczelny redaktor kwartalnika „Aspiracje”.

„Prezentowane obrazy pochodzą z cyklu »Obrazy użytkowe«, w których wykorzystywana jest wiedza różnych kultur o magicznych energiach koloru. Obrazy powstają więc na zasadzie receptury. Dodatkowo pojawiają się w nich zależnie od punktu widzenia barwne kryształki, które tworzą własną strukturę symboliczną. Istotną rolę odgrywają również boczne krawędzie, na których pojawiają się drobne przedmioty odpowiednie dla tytułu. Tytuł (»zastosowanie« obrazu) obecny jest w języku łacińskim jako rodzaj magicznej inkantacji, zaklęcia. Oczywiście nie bardzo wierzę w ich działanie, bardziej intryguje mnie moc krytyczna tych obrazów – ujawniają, że wciąż nadal praktykujemy magię (marketing, polityka etc.), mimo że w nią nie wierzymy”.

Tytuł: Obraz na obniżkę rachunków

Rok: 2020

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 110 × 65 cm

Cena: 14 000 zł

Tytuł: Z cyklu Horyzontalne XIV

Rok: 2024

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 50 × 180 cm

Cena: 17 000 zł

Marcin Miko Mikołajczyk

/ ur. w 1980 r. /

Doktor sztuki, malarz, grafik, projektant. Absolwent Wydziału Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Jest wykładowcą akademickim i promotorem na Wydziale Sztuki, Techniki i Komunikacji w Akademii Finansów i Biznesu Vistula w Warszawie. Prowadził także autorskie zajęcia w School of Form SWPS. W latach 200812 był asystentem na Wydziale Grafiki ASP Warszawa, w pracowni fotografii i projektowania graficznego.

Zajmuje się malarstwem, grafiką, art obiektami, a także projektowaniem graficznym w przestrzeni. Jest współtwórcą Wystawy Stałej Muzeum Historii Żydów Polskich POLIN. Laureat wyróżnienia dla Najpiękniejszej Książki Roku oraz Towarzystwa Bibliofilów Polskich za projekt książki artystycznej ,,Wierszografia„ prof. Zygmunta Januszewskiego. Jego twórczość artystyczna była prezentowana

na wielu wystawach zbiorowych i indywidualnych, w kraju i za granicą: Wystawa indywidualna malarstwa min. w Australii „Exterior interior” White Box Gallery w Brisbane - Queensland oraz w Chinach ,,Horizons”, UJN Shundao Art Museum w Jinan.

Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych w Polsce, Francji, Anglii, Włoszech, Rumuni, Indiach, Australii, a także w Shundao Art Museum w Jinan w Chinach oraz w Muzeum Ksiażki Artystycznej w Łodzi. Jest członkiem Stowarzyszenia Artystów Euforis.

Fascynuje się przestrzeniami w sztuce, projektowaniu i naturze. Bliskimi mu tematami są przenikania, poszukiwania głębi, wzajemne relacje...Jest twórcą idei ,,Kreskomaterii”- budulca materii wszechświata.

Tytuł: Kamienie

Rok: 2019

Technika: olej/płótno

Wymiary: 36,5 x 46,5 cm

Cena: 6 500 zł

Tytuł: Przestrzeń wewnętrzna

Rok: 2022

Technika: olej/płótno

Wymiary: 90 × 70 cm

Cena: 12 000 zł

Piotr Młodożeniec

/ ur. w 1956 r. /

Pochodzi z artystycznej rodziny: jest synem Jana Młodożeńca, jednego z najwybitniejszych twórców tzw. polskiej szkoły plakatu i bratem Stanisława Młodożeńca, malarza mieszkającego w USA. Studiował na Wydziale Grafiki ASP w Warszawie w latach 1976-1981. Dyplom otrzymał w Pracowni Plakatu prof. Henryka Tomaszewskiego. Od lat 80. zajmuje się równolegle malarstwem i grafiką, często je łącząc.

W latach 80. współtworzył zjawisko Nowej Ekspresji w malarstwie, będąc zarazem uczestnikiem ruchu kultury niezależnej, kontestującej oficjalne życie artystyczne w stanie wojennym. Brał udział w wystawach tego nurtu, nade wszystko jest jednak autorem powszechnie znanych, szeroko wówczas kolportowanych kanałami podziemnymi grafik okolicznościowych: kartek świątecznych, plakatów, ulotek, ilustracji, znaków, kalendarzy itp. Wykonywał je w technice sitodruku,

wykorzystując pierwsze graficzne programy komputerowe. Efektem było charakterystyczne liternictwo, uproszczona i płaska sylwetka ludzka oraz gruby raster. Estetyka ta przenikała do obrazów, które artysta wzbogacał elementami collage’u, malarstwem sprayami, jak w graffiti, neonami itp. Cechy te przetrwały w jego sztuce do obecnych lat, ulegając tylko dalszemu zsyntetyzowaniu, co sprawia, że niektóre nowsze obrazy Młodożeńca zbliżają się w wyrazie do abstrakcji aluzyjnej.

W latach 90. kilkakrotnie prezentował swe prace wspólnie z ojcem Janem i bratem Stanisławem, malarzem z Nowego Jorku. Indywidualnie Młodożeniec jest laureatem licznych nagród, m.in. Najlepszy plakat Warszawy 1982 r., Grand Prix Festiwalu Plakatu w Chaumont 1993 r., srebrny medal na Międzynarodowym Biennale Plakatu w Warszawie 1998 r.

Tytuł: Wystawa 4 Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 94 x 67 cm

Cena: 7 500 zł

Tytuł: Wystawa 5 Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 95 x 69 cm

Cena: 7 500 zł

Ewa OstaficzukOlbrychska

/ ur. w 1970 r. /

Skończyła z wyróżnieniem wydział Projektowania Ubioru Akademii Sztuk

Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi oraz Dziennikarstwo na Uniwersytecie Warszawskim. Jest członkiem Mazowieckiego Związku Artystów Sztuk Pięknych. Jej prace malarskie znajdują się w wybranych warszawskich galeriach oraz kolekcjach prywatnych w kraju i za granicą. Artystkę pasjonuje niejednoznaczność, zestawienia skrajności, ale ubrane w subtelne środki estetycznego wyrazu. W malarstwie swój wewnętrzny świat odzwierciedla w minimalistycznej, graficznej kompozycji. Eksperymentuje z formą, geometrią i kolorem.

Wybrane wystawy:

Maj 2024 – wystawa zbiorowa malarstwa, „Noc Muzeów”, Defabryka, Warszawa

Grudzień 2023 – wystawa zbiorowa

malarstwa, finał konkursu „Kobieca Strona

Sztuki IV”, Defabryka, Warszawa

Grudzień 2021 – wystawa zbiorowa malarstwa „Otul się sztuką”, Station of Art Gallery, Warszawa

Styczeń 2021 – wystawa zbiorowa “Feel Good Art”, Dom Aukcyjny Polswiss Art, Warszawa

Czerwiec 2020 – wystawa zbiorowa, Galeria 101 Projekt, Targi Sztuki Dostępnej, Warszawa

Grudzień 2018 – wystawa zbiorowa malarstwa SqArt Gallery, Bytom Marzec 2018 – wystawa indywidualna malarstwa „Close Up” Galeria Officyna Art & Design, Warszawa

Listopad 2016 – wystawa zbiorowa „4xKOBIETA” Instytut Sztuk Pięknych, Kielce.

Tytuł: Sometimes Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 × 120 cm

Cena: 3 200 zł

Tytuł: Mirage 2

Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 110 × 110 cm

Cena: 3 200 zł

Iwona

Ostrowska

/ ur. w 1960 r. /

Absolwentka I Liceum Ogólnokształcącego im. Cypriana Kamila Norwida w Wyszkowie. Ukończyła studia na Wydziale Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu pod kierunkiem prof. Mieczysława Wiśniewskiego. Swoje prace prezentowała na wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i zagranicą. Uczestniczyła w wielu festiwalach sztuki – we Włoszech, Turcji, Belgii, Tunezji, Niemczech, Grecji, Anglii i na Litwie. Współtworzy projekt artystyczny ProjectART, który podejmuje się popularyzacji sztuki różnych artystów w wielu miastach Polski. Jest prezesem fundacji Akademia Malesze, stanowiącej miejsce promocji artystów i ludzi kultury. Należy do Związku Polskich Artystów Plastyków. Otrzymała II Nagrodę Polskiego Radia Cztery Pory Roku w konkursie Vidical 2010 organizowanego przez Muzeum Plakatu w Wilanowie.

„Obrazy Ptaki są bardzo osobiste, malowane konsekwentnie od kilku lat. Możemy obserwować zmaganie się z tkanką obrazu, gdzie oszczędnie operuję kolorem, podkreślając tym ideę przekazu. Malarstwo jest z gruntu emocjonalne, nie opowiadam, ale przekazuję ważne przesłanie. Prawda tych obrazów polega na dotarciu do emocji oglądającego”.

Tytuł: W locie

Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 140 cm

Cena: 17 000 zł

Tytuł: Rozmowa ptaka Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 × 130 cm

Cena: 15 500 zł

Piotr Pasiewicz

/ ur. w 1979 r. /

Absolwent Wydziału Grafiki i Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi, gdzie w 2013 r. otrzymał dyplom z wyróżnieniem w pracowni malarstwa u prof. Andrzeja Mariana Bartczaka. W swojej twórczości wykorzystuje różne media: grafikę warsztatową, malarstwo, rysunek, performance, wideo-art oraz krótkie formy filmowe. Jest autorem ponad 40 wystaw indywidualnych oraz uczestnikiem kilkudziesięciu wystaw zbiorowych w Polsce i zagranicą. W 2011 r. otrzymał stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, a w roku 2013 został finalistą 12. edycji konkursu Artystyczna Podróż Hestii. Mieszka i pracuje w Łodzi. Stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego i Rektora Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi.

„W mojej twórczości skupiam się na poszukiwaniu dialogu między różnymi technikami graficznymi a rysunkiem w korelacji z plamą barwną i fakturą. Język artystyczny, którym operuję, wywodzi się niemal całkowicie z rysunku. Linia jest dla mnie samodzielnym elementem plastycznym, równoprawnym co kolor środkiem wyrazu. […] Wieloformy wpisują się w kolejny etap moich poszukiwań. Tym razem przenikające się wzajemnie płaszczyzny barwi linii wzbogacam strukturą. Nadaję powierzchni płótna przestrzenny charakter. […] ”.

Tytuł: Bez tytułu I

Rok: 2021

Technika: mix media/płótno

Wymiary: 150 × 100 cm

Cena: 19 000 zł

Tytuł: Bez tytułu II

Rok: 2021

Technika: mix media / płótno

Wymiary: 150 × 100 cm

Cena: 19 000 zł

Olga Pelipas

/ ur. w 1988 r. /

Urodziła się w w Symferopolu (Ukraina). Studiowała w Koledżu Artystycznym na Krymie. Absolwentka Akademii Wzornictwa i Sztuk Pięknych w Charkowie. Studiowała na Wydziale Grafiki (Ilustracja książkowa) i na Wydziale Malarstwa Muralowego.

2007-2013 wystawy zbiorowe w Związku Artystów Plastyków (Ukraina),

2009 Festiwal “Street art” Charków , Ukraina

2011 Konkurs plastyczny “Triennale młodych twórców” w Muzeum Sztuki na Krymie , Ukraina (trzecie miejsce)

2016 “The HF ArtsFest 2016” POSK Gallery: “Eastern European Art” Londyn, Wielka Brytania

2018 Wystawa artystów związanych z Akademią Sztuki i Designu w Charkowie „Look West” Galeria ZPAP , Toruń.

2020 Wystawa indywidualna „Cherchez la femme” galeria Dworzec Zachodni, OdNowa UMK, Toruń

2020 „1st International Exhibition” Muzeum El Greco, Fodele, Grecja

2021 Wystawa „Jej Światło” BWA Sieradz

2021 Wystawa w Archanes w Palia Ilektriki pod patronatem prefektury Archanes Asterousia (Grecja)

Tytuł: Z miłością do Secesji. Akt

Rok: 2019

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 120 × 60 cm

Cena: 7 500 zł

Tytuł: Ważka

Rok: 2020

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 70 × 90 cm

Cena: 7 500 zł

Łukasz Rudecki

/ ur. w 1979 r. /

Prof. Łukasz Rudecki jest absolwentem Katedry Sztuki Politechniki Radomskiej (obecnie Wydział Sztuki Uniwersytetu Technologiczno-Humanistycznego w Radomiu), gdzie uzyskał dyplom z wyróżnieniem w pracowni malarstwa prof. Aleksandra Olszewskiego, z aneksem z grafiki warsztatowej w pracowni dr hab. Krzysztofa Wyznera. Wykonuje realizacje w technikach malarskich i rysunku. Zrealizował dwanaście wystaw indywidualnych i uczestniczył w około siedemdziesięciu wystawach zbiorowych. Do najważniejszych wyróżnień jego twórczości należy między innymi: nominacja do nagrody na 22. Festiwalu Polskiego Malarstwa Współczesnego w Szczecinie w 2008 roku, w 2014 na 43. Salonie Zimowym, Ogólnopolskim Triennale Sztuki otrzymał nagrodę Wojewody Mazowieckiego, Prezesa Rady Ministrów oraz Nagrodę Kwartalnika „Format”. Od 2008 roku związany z Katedrą Malarstwa i Rysunku, Wydziału Sztuki Uniwersytetu Technologiczno-Humanistycznego im. K. Pułaskiego w Radomiu.

W 2009 na podstawie rozprawy przygotowanej pod kierunkiem prof. Jana Trojana, zatytułowanej „N-FIGURY. Konkret, aluzja, symbol w moim malarstwie” otrzymał stopień doktora sztuk plastycznych. W 2018 roku otrzymał stopień doktora habilitowanego. Obecnie zatrudniony na stanowisku profesora nadzwyczajnego w Katedrze Malarstwa i Rysunku na Wydziale Sztuki Uniwersytetu TechnologicznoHumanistycznego w Radomiu.

Tytuł: Punkt widzeni (Biedronka)

Technika: olej / płótno

Wymiary: 110 × 81 cm

Rok: 2017

Cena: 6700 zł

Tytuł: Ona

Technika: olej / płótno

Wymiary: 100 × 100 cm

Rok: 2017

Cena: 7500 zł

Dorota Sak

/ ur. w 1962 r. /

Studiowała w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Łodzi (obecnie Akademia Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego, dyplom z wyróżnieniem w 1990 r.).

Pracuje w macierzystej uczelni. W Instytucie Ubioru prowadzi Pracownię kompozycji w projektowaniu ubioru. W latach 1999 – 2002 była członkiem Rady Wyższego Szkolnictwa Artystycznego przy Ministerstwie Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Od 2012 do 2016 roku pełniła funkcję kierownika Katedry Ubioru w ASP w Łodzi. W 2014 roku założyła Galerię LOOK w Centrum Promocji Mody w Łodzi, którą prowadziła do 2019 roku. W latach 2003 – 2010 była tutorem w programie stypendialnym Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego Gaude Polonia. W 2019 roku uzyskała tytuł profesora sztuki. Jest inicjatorką i uczestniczką międzynarodowych konferencji i projektów artystycznych. Współpracuje z Narodową Akademią Sztuki we Lwowie oraz z Akademią Sztuk Pięknych w Wilnie. Tworzy w zakresie sztuki włókna, malarstwa, projektowania ubioru. Prace prezentowała na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą.

Tytuł: Taniec z jednorożcem

Rok: 2020

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 130 × 100 cm

Cena: 19 000 zł

Tytuł: Z cyklu Medieval Garden

Rok: 2019

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 × 100 cm

Cena: 19 000 zł

Marek Sak

/ ur. w 1960 r. /

Urodził się w Tarnowie. W latach 1984-1989 studiował w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Łodzi (obecnej ASP) na Wydziale Grafiki. Dyplom uzyskał w 1989 roku w Pracowni Litografii pod kierunkiem prof. Jerzego Grabowskiego. Tytuł profesora otrzymał w 2015 roku. Obecnie kieruje Pracownią Działań Artystycznych dla Wnętrz i Krajobrazu w Instytucie Architektury Wnętrz Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi. Tworzy w zakresie grafiki, malarstwa i rzeźby oraz różnorodnych działań przestrzennych. Jego prace znajdują się w wielu kolekcjach muzealnych i prywatnych, są podziwiane na wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą. Inspiracje prof. Marka Saka oscylują pomiędzy przyrodą i kulturą. Mimo, że obrazy i rzeźby przybierają abstrakcyjne formy, zawarte w nich treści można odczytać dzięki elementom symbolicznym.

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 16 600 zł

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 × 150 cm

Cena: 21 600 zł

Tytuł: Drogi światła Rok: 2023

Tytuł: Granice ludzkiego czasu Rok: 2023

David Schab

/ ur. w 1973 r. /

David Schab (właśc. Dawid Schab) urodził się w Rybniku, mieszkał wiele lat w Tychach, obecnie mieszka i tworzy w Bristolu w Wielkiej Brytanii. Studiował Prawo, absolwent Politologii na Uniwersytecie Śląskim w Katowicach oraz podyplomowo Malarstwa w pracowni prof. Włodzimierza Karankiewicza na Uniwersytecie Jana Długosza w Częstochowie. Malarstwem sztalugowym zajmuje się od 1999r., ale rysunek towarzyszy mu od najmłodszych lat. Prace Davida charakteryzują się bardzo bogatą i odważną kolorystyką, silnymi kontrastami oraz grą światła i cienia, co jest wyraźnym nawiązaniem do nurtu koloryzmu oraz ekspresjonizmu. David pozostaje pod silnym wpływem takich malarzy jak Matisse, Gauguin, van Gogh czy Jan Szancenbach, Józef Czapski oraz David Hockney.Tematami prac są głównie martwe natury, pejzaże oraz portrety. Uczestnik wielu wystaw indywidualnych i zbiorowych w Polsce i w Wielkiej Brytanii oraz we Włoszech. Uczestnik brytyjskiego show telewizyjnego „Landscape Artist of the Year” w stacji SKY ARTS. Jego prace znajdują się w kolekcjach prywatnych całej Europy, Stanach Zjednoczonych, RPA i Azji. Często udziela się charytatywnie, ofiarując swoje prace na aukcje charytatywne, głównie dla chorych dzieci. Publikacje w: Artysta i Sztuka(nr 31), Tydzień Polski (Wielka Brytania), Gennaio Toscana Nuova (Włochy), Vogue (wydanie brytyjskie) oraz występy medialne w TVP oraz Radio Wnet i Radio Bristol (UK).

Martwa natura z kanką mleka Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 52 × 77 cm

Cena: 6 600 zł

Tytuł: W lodziarni Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 61 x 61 cm

Cena: 6 600 zł

Tytuł:

Alek Slon

/ ur. w 1975 r. /

Ukończył Wydział Malarstwa Accademia di Belle Arti di Roma oraz filozofię na Uniwersytecie Warszawskim. Działa w Stowarzyszeniu Artystycznym Front Sztuki, współtworzy Kamienicę Artystyczną TA3 na warszawskiej Ochocie. Jest autorem wielu wystaw indywidualnych w Polsce i na świecie.

Artysta wizualny i kurator. Główny obszar jego działalności stanowią malarstwo i rysunek, tworzy także instalacje multimedialne, animacje i wideo. Przedmiotem jego zainteresowań jest podświadomość ujawniająca się poprzez wspomnienia, sny i marzenia. Znajdując ich wizualne reprezentacje, dociera do osobistych mitów, które są jednocześnie nierozerwalnie związane z wyobraźnią kolektywną. Są to np. marzenia o lataniu, eksploracji podwodnego świata lub wspomnienia z dzieciństwa związane z oglądaniem wielkich statków. Odszukana we wspomnieniach dziecięca fascynacja światem techniki znajduje analogię w przełomowych odkryciach ery wynalazków. To podwójne odniesienie, z jednej strony – do własnych przeżyć, a z drugiej – do wyobraźni kolektywnej, sprawia, że prace czerpiące z osobistych doświadczeń mogą oddziaływać również w wymiarze uniwersalnym.

Tytuł: NY Delivery

Rok: 2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 60 × 60 cm

Cena: 9 000 zł

Tytuł: In Tram

Rok: 2022

Technika: olej/płótno

Wymiary: 60 × 60 cm

Cena: 9 000 zł

Magdalena Snarska

/ ur. w 1964 r. /

Uprawia malarstwo sztalugowe i rysunek. Od roku 2016 bierze udział w wystawach, konferencjach i projektach międzynarodowego ruchu artystycznego Geometria Dyskursywna. Od trzydziestu trzech lat tworzy, jednocześnie pracując dydaktycznie i naukowo w macierzystej uczelni, obecnie Uniwersytet Humanistyczno-Przyrodniczy im. Jana Długosza w Częstochowie. W roku 2006, w ASP we Wrocławiu zrealizowała przewód habilitacyjny. Od roku 2007 pracuje na stanowisku profesora w Katedrze Malarstwa Wydziału Sztuki UJD. W latach 2014-16 pełniła funkcję prodziekana Wydziału Sztuki. Autorka dwudziestu trzech wystaw indywidualnych oraz uczestnik stu dwudziestu trzech wystaw zbiorowych w kraju i zagranicą. Nagradzana w konkursach malarskich i rysunkowych. Prace w kolekcjach prywatnych w kraju i zagranicą, a także w prestiżowych zbiorach, m.in. w Kolekcji Ireny Hochman i Tadeusza Mysłowskiego Muzeum Narodowego w Lublinie.

Rok:

Technika: olej/płótno

Wymiary: 90 x 70 cm

Cena: 14 000 zł

Tytuł: Lśnienie 1.1

2023

Tomasz Stando

/ ur. w 1953 r. /

Tomasz Stando ukończył studia na Wydziale Malarstwa warszawskiej ASP. Dyplom w 1980 r. w Pracowni prof. Jana Tarasina. Prace w zbiorach Muzeum Narodowego w Warszawie i wielu kolekcjach prywatnych w Polsce i za granicą. Liczne publikacje m.in. w „Słowniku współczesnych malarzy polskich” oraz w piśmie „Koncept of space ancien and modern”. W 1986 r. uhonorowany Grantem Fundacji Pollok – Krasner (Nowy York). 2006–2019 mieszkał i pracował w Londynie, UK, od 2020 w Warszawie. W latach 2010–2014 współpraca z londyńską gazetą „Nowy czas” (publikacje w dziale kultury).

Tomasz Stando to przede wszystkim malarz abstrakcyjny, wypracował własny niefiguratywny język malarskiej wypowiedzi. Artyście zależy na emocjach, od których u niego wszystko się zaczyna. Używa czystych barw, nie miesza ich na palecie,

tylko rzuca prosto na płótno czy papier. Nie hamuje przenikających się w ten sposób kolorów, wydobywa napięcie jakie się między nimi tworzy. W malarstwie Tomasza Stando odnajdujemy poszukiwania odpowiedzi na pytanie jakie znaczenie ma znak i czy jest związany z malarskim gestem twórczym. Artysta rozwija ideę znaku biorącego swoje źródło ze sztuki jaskiniowej. Stando jak ludzie paleolitu lubuje się w odcieniach płomiennej czerwieni, pracuje w półmroku, świadomie odrzuca światło dzienne.

Twórczość Tomasza Stando jest ponadczasowa. Zauważamy tu subtelne odniesienia do przeszłych epok od sztuki naskalnej, przez malarstwo średniowiecznych ikon i malarstwo nowożytne kładące nacisk na symetryczną kompozycję, aż po XX wieczne awangardy. Te obrazy stoją w zgodzie z europejską tradycją malarską.

Tytuł: Bez tytułu 3

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 x 140 cm

Cena: 9 000 zł

Tytuł: Bez tytułu 4

Rok: 2022

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 x 140 cm

Cena: 9 000 zł

Przemysław Suliga

/ ur. w 1983 r. /

Absolwent Uniwersytetu Jana Kochanowskiego w Kielcach, gdzie w 2015 r. uzyskał stopień doktorski w dziedzinie sztuki piękne. Swoje prace prezentował na wystawach zbiorowych i indywidualnych w Polsce (m.in. w Gdańsku, Warszawie, Krakowie) oraz zagranicą (w Paryżu, Madrycie, Normandii). Jego prace znajdują się w polskich i zagranicznych zbiorach muzealnych i kolekcjach prywatnych. Związany z ruchem Geometrii Dyskursywnej. W ramach programu stypendialnego „Kultura w Sieci”, organizowanego przez Ministerstwo Kultury i Dziedzictwa Narodowego, stworzył internetową platformę edukacyjną dotyczącą zagadnień Artificial Life w sztuce współczesnej.

„Jestem artystą intermedialnym łączącym w swojej twórczości nowe media i klasyczne formy artystycznej wypowiedzi. Posiadam

stopień doktora sztuki w dziedzinie sztuki piękne, który uzyskałem w 2015 r. na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Jana Kochanowskiego w Kielcach. Udziałem w szeregu wystawach zbiorowych, indywidualnych oraz konferencjach artystycznych w kraju i za granicą propaguję swoją twórczość na rzecz rozwoju moich badań naukowych związanych z Artificial Life w sztuce. Moja twórczość jest ściśle powiązana z nowymi technologiami a powstają za pomocą generatorów funkcji życia, które są automatami komórkowymi, odzwierciedlającymi zbiorowe zachowania różnych organizmów. Wiąże się to z ideą posthumanistyczną i szeroko pojętą sztuczną inteligencją. Swoje doświadczenie artystyczne zdobywałem w pracy dydaktycznej ramach prowadzenia zajęć na Wydziale Sztuki. Moje prace znajdują się w zbiorach kolekcjonerskich i muzealnych”.

Tytuł: Kadr 033A 05 2019

Rok: 2019

Technika: akryl/płyta mdf

Wymiary: 60 x 60 cm

Cena: 5 000 zł

Tytuł: Kadr 003 11 2019 1

Rok: 2019

Technika: akryl/płyta mdf

Wymiary: 100 x 100 x 4 cm

Cena: 8 000 zł

Katarzyna Środowska

/ ur. w 1971 r. /

Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi na Wydziale Malarstwa i Rysunku. Członkini Mazowieckiego Związku Artystów Sztuk Pięknych. Zajmuje się głównie malarstwem olejnym na płótnie. Bierze czynny udział w wystawach zbiorowych i indywidualnych. Współpracuje z wieloma galeriami sztuki. Elementem kluczowym jej prac jest minimalizm i prostota formy. Malarka tworzy w dwóch stylach. Pierwszy z nich to figuratywizm. Elementem charakterystycznym dla tego stylu są tworzone przez nią pejzaże, które nie posiadają zbędnych elementów. Są to zazwyczaj płasko malowane plamy spokojnego nieba i wody. Pojawiające się na obrazach postacie, zazwyczaj umieszczone są gdzieś z boku całej kompozycji, często stoją tyłem i patrzą w dal. Poprzez swój przekaz, malarka pragnie zaprosić widza do świata zadumy i rozmyślań.

Drugim nurtem jest geometria, w której prym wiedzie kwadrat. Dla malarki kwadrat jest figurą idealną, symbolem doskonałości oraz wszystkiego, co najczystsze. W geometrycznym świecie Katarzyny Środowskiej panuje minimalizm, subtelność, czystość kształtów i stonowanych barw. Uzyskując różne modulacje barwne artystka sprawia, że jej kwadraty nie są pozbawione aluzji. Położenie kształtów geometrycznych podkreślone cieniowaniem, wzmaga odczucie, że jedne fragmenty założenia kompozycyjnego oddalają się w głąb, inne zaś ekspansywnie prą do przodu. Zabieg taki stwarza wrażenie trójwymiaru. Według artystki, malarstwo abstrakcyjne, geometryczne, daje możliwość poszukiwania i analizowania.

Tytuł: Wolność Rok: 2022

Technika: olej/płótno

Wymiary: 150 x 120 cm

Cena: 8 000 zł

Tytuł: Kompozycja geometryczna 10

Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 40 x 30 cm

Cena: 4 000 zł

Tigran Vardikyan

/ ur. w 1962 r. /

Urodził się w Erewaniu w Armenii. Malarz, grafik, ilustrator. Ukończył Liceum Plastyczne i studia na Wydziale Wychowania Artystycznego Akademii Pedagogicznej w Erewanie. Od 1991 roku mieszka w Polsce, obecnie w Bielsku-Białej. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem satyrycznym, ilustracją książkową i prasową. W orbicie zainteresowań artysty znajduje się także projektowanie gier komputerowych i zabawek. Współpracował z bielskimi wytwórniami filmów animowanych przy realizacji dekoracji i animacji postaci rysunkowych. Przez ponad 12 lat związany był z redakcją Dziennika Zachodniego, gdzie zasłynął jako świetny karykaturzysta i autor rysunków satyrycznych.

Obecnie poświęcił się głównie malarstwu olejnemu, tworząc dzieła o tematyce fantastycznej, surrealistycznej, nawiązuje w technice do dawnych mistrzów, spośród których jako wzorce wymienia Leonarda da Vinci, Velazqueza oraz Rembrandta. Miał ponad 30 wystaw portretów satyrycznych i malarstwa, m.in. w Krakowie, Poznaniu, Katowicach i Gdańsku, a także w kilku krajach europejskich. Jego prace znajdują się w m.in. w zbiorach Watykańskich oraz w kolekcji Prezydenta Polski Bronisława Komorowskiego.

Rok: 2020

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 120 cm

Cena: 25 000 zł

Tytuł: Dwa lustra

Małgorzata Walkowiak

/ ur. w 1973 r. /

Dziennikarka i Malarka. Absolwentka filologii polskiej na Uniwersytecie Adama Mickiewicza w Poznaniu oraz Wyższej Szkoły Rzemiosł Twórczych we Wrocławiu na kierunku Konserwacja i restauracja dzieł sztuki w zakresie restauracji dzieł rzemiosła artystycznego oraz w zakresie jubilerstwa i obróbki kamieni. W 2021 r. ukończyła studia magisterskie drugiego stopnia na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu na kierunku Malarstwo. Tematem pracy magisterskiej napisanej pod kierunkiem doktora Andrzeja Wałaszka była: “Kobieta w różnych odsłonach. Przyroda cyklicznością jej życia”. W 2006 i 2008 pracowała w TVP we Wrocławiu. Pisała do Głosu Wielkopolskiego. Uczy rysunku i malarstwa.

Praca artystyczna Malgorzaty Walkowiak trwa od 2004 roku. Dużo uczyła się i doskonaliła warsztat. Ważne w tej twórczości jest wyrażanie emocji poprzez obserwowanie natury. Kolor to emocja i jednocześnie życie. Dużo w tym malarstwie jest odniesienia do miłości i obserwacji świata. Autorka inspiruje się przeżyciami z podróży po świecie.

Tytuł: Morze I

Rok: 2014

Technika: olej/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 2 200 zł

Tytuł: Morze II Rok: 2019

Technika: olej/płótno

Wymiary: 80 × 100 cm

Cena: 2 2000 zł

Paweł Witkowski

/ ur. w 1970 r. /

Absolwent AWF w Warszawie i Art in Practice w Collegium Civitas w Warszawie. W latach 1995-2010 zatrudniony jako rysownik w Wydawnictwie Prasowym

Adama Jezierskiego. Jest wykładowcą na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Technologiczno-Humanistycznego w Radomiu i kuratorem w Mazowieckim Centrum Sztuki Współczesnej Elektrownia w Radomiu. Razem z Łukaszem Rudeckim tworzy murale. Zajmuje się malarstwem, rysunkiem i asamblażem. Prace znajdują się w zbiorach prywatnych i firmowych w Polsce, Anglii i we Francji. Uczestnik wystaw zbiorowych i indywidualnych. Mieszka i tworzy w Radomiu.

Wystawy: 2022 – „Totum Pro Arte”, Galeria Sztuki Współczesnej Elektrownia, Czeledź –wystawa zbiorowa

2022 – „m2 Sztuki” Ośrodek Kultury, Łuków – wystawa zbiorowa

2021 – „Wolność kocham i rozumiem…”

Free Radom Festival – wystawa zbiorowa

2021 – Konfrontacje 4, Galeria System

Radom – wystawa zbiorowa

2020 – „Jaki Znak Twój?” Muzeum Powstania Warszawskiego – wystawa zbiorowa

2020 – XXI Festiwal Sztuki Wysokiej, Bytom – wystawa zbiorowa

2019 – Ogólnopolska Wystawa Sztuki „War Games 1939…” Galeria Łaźnia, Radom –wystawa zbiorowa

2019 – Galeria Sztuki Sfumato, Radom –wystawa indywidualna

2007 – Beckenham Gallery, Anglia –wystawa indywidualna

2006 – Galeria Neo, Zakopane – wystawa indywidualna

Tytuł: First Billion Years

Rok: 2022

Technika:akryl/płótno

Wymiary: 70 × 70 cm

Cena: 3 800 zł

Tytuł: Układ Podwójny

Rok: 2020

Technika:akryl/płótno

Wymiary: 60 × 60 cm

Cena: 3 600 zł

Marek Zając

/ ur. w 1973 r. /

Artysta wizualny, malarz. Od 2023 roku adiunkt na Wydziale Sztuki na Uniwersytecie w Siedlcach. Doktor sztuki w dyscyplinie sztuki plastyczne i konserwacja dzieł sztuki, rozprawa pt. „Miasto doświadczane i wyobrażane” na Uniwersytecie Jana Kochanowskiego w Kielcach, w 2023 r. Absolwent Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dyplom z malarstwa, malarstwa ściennego i sztuki w przestrzeni publicznej w 2000 r. Jeden z założycieli Stowarzyszenia Artystycznego FRONT SZTUKI, którego celem jest promocja sztuki i edukacja. Współtwórca Kamienicy Artystycznej TA3 i Galerii TA3. Pedagog, nauczyciel mianowany. Związany z Zespołem Szkół Bednarska od 2006 r. W 2017 r. uzyskał stopień nauczyciela mianowanego.

Marek Zając w swoim malarstwie szuka form inspirowanych architekturą. Ślad jaki pozostawia po sobie człowiek, w szeroko pojmowanej cywilizacji, jest początkiem rozmyślań malarskich tego artysty. Jego malarstwo to próba odnalezienia energii między nim samym a przestrzenią miasta. Obiekty, do których prowadzi nas w swoich obrazach to oblicza jego doznań i emocji. Nie są to miejsca znane, naznaczone kontekstem historycznym, turystycznym czy interesującym architektonicznie. Zając zabiera nas do miejsc obok których zwykliśmy przechodzić obojętnie. Opisuje w nich relację, między czuciem a widzeniem otoczenia. Tym samym codzienna podróż po zwykłych miejscach w obrazach staje się najważniejszą podróżą, jaką każdy z nas może podjąć. Podróżą w głąb samego siebie.

Rok: 2008

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 x 150 cm

Cena: 8 000 zł

Tytuł: Trzecia jednostka

Ernest Zawada

/ ur. w 1971 r. /

Prof. Ernest Zawada urodzony w 1971 roku w Cieszynie, rodowity Koniakowianin. Mieszka i tworzy w Bielsku-Białej. Dziekan Wydziału Humanistyczno - Społecznego Akademii Techniczno-Humanistycznej w Bielsku-Białej. Studia na Wydziale Malarstwa ASP w Warszawie. Dyplom z wyróżnieniem w pracowni prof. Stefana Gierowskiego (1995). W 2008 roku uzyskał stopień doktora habilitowanego sztuki.

11 maja 2020 roku, decyzją Prezydenta RP uzyskał tytuł profesora sztuki. Zajmuje się malarstwem sztalugowym, grafiką warsztatową i instalacją. Jest autorem działań wizualnych w przestrzeni publicznej. Autor ponad stu wystaw i prezentacji indywidualnych. W bieżącym roku w Rzymie. Brał udział w ponad stu wystawach zbiorowych. Swoje prace prezentował m.in. w Waszyngtonie, Nowym Jorku, Londynie, Brukseli, Wiedniu, Wenecji, Budapeszcie, Paderborn,

Wolfsburgu, Ostrawie, Bratysławie. Na 13 Biennale we Florencji uzyskał drugą nagrodę. Jego prace znajdują się w kolekcjach muzealnych ( Acco – Izrael, Watykan, Bielsko-Biała) oraz prywatnych w kraju i na świecie (m.in. kolekcja Prezydenta RP Bronisława Komorowskiego).

Dwukrotny stypendysta Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Dwukrotnie nominowany do nagrody Ikara. Aktualnie zatrudniony jako pracownik naukowy w Instytucie Pedagogiki ATH w BielskuBiałej. Współpracuje z ośrodkami naukowymi i artystycznymi w kraju i za granicą. Autor książki: „Nauka rysunku - ucz się od polskich mistrzów”, a także artykułów naukowych dotyczących metodyki edukacji artystycznej. Kurator Galerii Akademickiej ATH.

Tytuł: Obrzeża Rok: 2020

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 80 cm

Cena: 9 500 zł

Tytuł: Może morze Rok: 2022

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 120 x 100 cm

Cena: 14 000 zł

Tomasz Zawadzki

/ ur. w 1956 r. /

Malarz, profesor sztuk plastycznych, nauczyciel akademicki na Wydziale Artystycznym Uniwersytetu Marii CurieSkłodowskiej w Lublinie.

W latach 1976–1981 studiował w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych we Wrocławiu (obecnie Akademia Sztuk Pięknych im. Eugeniusza Gepperta) na Wydziale Malarstwa Grafiki i Rzeźby. Dyplom z malarstwa obronił w pracowni prof. Zbigniewa Karpińskiego oraz z malarstwa w architekturze i urbanistyce w pracowni prof. Mieczysława Zdanowicza. Od 1982 r. związany jest z Uniwersytetem Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie. W 2010 r. prezydent Bronisław Komorowski nadał mu tytuł profesora sztuk plastycznych. Od 2019 r. kieruje Katedrą Malarstwa i Rysunku w Instytucie Sztuk Pięknych Wydziału Artystycznego UMCS w Lublinie. Mieszka i pracuje w Lublinie oraz Warszawie. Od końca lat 80. współpracuje z BWA w Lublinie (obecnie Galeria Labirynt). Artysta wizualny, zajmuje się malarstwem, rysunkiem,

fotografią, tworzy także formy przestrzenne. Zorganizował blisko 50 wystaw indywidualnych, uczestniczył w ponad 250 wystawach zbiorowych.

Jego prace znajdują się w kolekcjach instytucjonalnych w kraju i zagranicą oraz w kolekcjach prywatnych, m.in. w Muzeum Narodowym w Lublinie, Muzeum Sztuki w Łodzi, Muzeum Sztuki Współczesnej im. Jacka Malczewskiego w Radomiu, Muzeum Ziemi Chełmskiej Galeria 72 w Chełmie, Museum Modern Art Hünfeld (Niemcy), Gutenberg Museum Mainz (Niemcy), Centrum Sztuki Galeria EL w Elblągu, Sosnowieckim Centrum Sztuki Zamek Sielecki, Galerii Extravagance w Sosnowcu, Państwowej Galerii Sztuki w Łodzi, Galerii Studio w Warszawie, Galerii Labirynt w Lublinie, Lubelskim Towarzystwie Zachęty Sztuk Pięknych, Dolnośląskim Towarzystwie Zachęty Sztuk Pięknych (Katalog Entropii Sztuki 2011–2016), w Fundacji Sztuki Współczesnej In Situ w Sokołowsku, jak również w kolekcjach Jiříego Valocha i Piotra Sendeckiego.

Tytuł: Obraz autonomiczny

Rok: 2015

Technika: akryl, lateks, drewno/sklejka

Wymiary: 160 x 120 cm

Cena: 39 000 zł

Agnieszka Zawisza

/ ur. w 1970 r. /

Agnieszka Zawisza uzyskała dyplom z wyróżnieniem w 2000 r. w Pracowni Profesora Rajmunda Ziemskiego, oraz aneks z Litografii w Pracowni Prof. Władysława Winieckiego w warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Tytuł doktora sztuk pięknych otrzymała w 2019 r., pod opieką Profesor Aleksandry Gieragi, na ASP w Łodzi. Artystka ma na swoim koncie wiele wystaw indywidualnych i zbiorowych, jest też stale aktywna jako animatorka życia kulturalnego. Jest współautorką multimedialnego projektu Matkopolko odnoszącego się do kondycji matkiartystki we współczesnym społeczeństwie. Jako pedagog, współpracuje z wieloma centrami kultury i organizacjami, prowadząc warsztaty i wygłaszając

wykłady. Na stałe związana jest jako wykłądowca z Wyższą Szkołą Artystyczną w Warszawie.

W jej działaniach artystycznych na różny sposób przejawia się zainteresowanie motywem wody, otwartej przestrzeni, a przede wszystkim pejzażu, najpierw ujrzanego w przelocie, następnie reinterpretowanego na płaszczyźnie obrazu. Do stworzenia swojego przekazu malarskiego otaczającej rzeczywistości Artystka posługuje się efektami uzyskiwanymi poprzez eksperymenty formalne, m. in. różnorodne sposoby aplikowania farby, która jest rozlewana, odciskana, nakładana warstwowo, kryjąco i transparentnie.

Tytuł: Na brzegu rzeki Rok: 2023

Technika: olej/płótno

Wymiary: 70 x 90 cm

Cena: 5 000 zł

Tytuł: Valley of dreams

Rok:2024

Technika: olej/płótno

Wymiary: 140 x 110 cm

Cena: 14 000 zł

Anna Karolina Zwoniarska

/ ur. w 1981 r. /

Artystka wizualna i malarka. Doktor sztuki w dyscyplinie sztuki plastyczne i konserwacja dzieł sztuki (2021 r.).

Absolwentka Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie – dyplom z wyróżnieniem dziekańskim. Autorka 27 wystaw indywidualnych i 75 wystaw zbiorowych w kraju i za granicą. Od 2021 adiunkt w Pracowni Sztuki Wydziału Nauk Humanistycznych na Uniwersytecie w Siedlcach.

Po studiach współtworzyła pracownie malarskie na warszawskiej Pradze. W 2009 r. założyła Stowarzyszenie Artystyczne FRONT SZTUKI, którego w latach 20092018 była prezesem, organizując szereg wystaw, plenerów i festiwali w kraju i zagranicą. Od 2012 r. współtworzy Kamienicę Artystyczną TA3 w Warszawie. Obecnie jest jednym z kuratorów Galerii TA3.

Nagrody i wyróżnienia (wybór): 2008 – Finalistka I Międzynarodowego Konkursu AKT, Marquardt Gallery, Łódź

2007 – Wyróżnienie w konkursie Obraz sezonu w Warszawie zorganizowanym przez Sekcję Malarstwa OW ZPAP / edycja pierwsza/

Wystawy indywidualne (wybór): 2022 – TRANSFORMACJA, Dial Gallery, Warszawa

2022 – KORZENIE Karolina Zwoniarska / malarstwo i Jacek Zwoniarski / rzeźba, Salon Sztuki Goldenmark, Łódź 2022 – KORZENIE Karolina Zwoniarska / malarstwo i Jacek Zwoniarski / rzeźba, Salon Sztuki Goldenmark, Lublin

2021 – MADONNA, Elektrownia Powiśle, Warszawa

2021 – MADONNA, Galeria XS, Wydział Sztuki, UJK, Kielce

2019 – NIESKOŃCZONOŚĆ, Galeria Tycjan ZPAP, Kielce

2018 – GODDESS, Chippko.Art Gallery, Doncaster, Wielka Brytania

2017 – SPACE, Berlin Blue art Gallery, Berlin, Niemcy

2017 – Wystawa malarstwa, A Galeria, Siedlce Galeria, Nowy Sącz

Tytuł: Korzenie

Rok: 2022

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 130 cm

Cena: 8 000 zł

Tytuł: Gaja

Rok: 2020

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 100 x 130 cm

Cena: 8 000 zł

SALON MISTRZÓW

Edward Hartwig

/ 1909−2003 /

Jeden z najsłynniejszych polskich artystów jest kluczową postacią polskiej historii fotografii XX wieku. Uhonorowany najwyższym tytułem: Honoraire Excellence FIAP, był też laureatem licznych nagród i odznaczeń państwowych, m.in. Złotym Krzyżem Zasługi czy Gwiazdą Orderu Odrodzenia Polski. Dorobku Hartwiga nie da się przyporządkować do jednego określonego stylu czy nurtu. Ponad 70 lat twórczej aktywności pokazały różnorodny charakter dzieł artysty i jego niezwykłą przenikliwość.

Lata 20. i 30. XX wieku przyniosły mu sławę jako fotografa „impresjonisty” i „fotografa mgieł”. Realizował zdjęcia w typie piktorialnym, tj. łączył tradycyjne narzędzia fotograficzne ze szlachetnymi technikami ingerowania w obraz. Aby później zbliżyć się do polskiej fotografii ojczystej. W 1960 roku w Warszawie opublikowano słynny album „Fotografika”, który określił styl Hartwiga jako wybitnego estety o tradycji malarskiej, a jednocześnie

twórcy grafizującego, nawiązującego się do nowoczesnej, abstrakcyjnej, często plakatowej formy. Czasami ocierał się też o surrealistyczne aluzje i ruchy awangardowe.

W latach 60. wydana została przez wydawnictwo Odeon w Pradze, publikacja „Edward Hartwig” która udokumentowała jego znaczenie na międzynarodowej scenie artystycznej. Ciągłe poszukiwania i eksperymenty były wewnętrzną potrzebą artysty, swojego rodzaju imperatywem.

W latach 90. Hartwig przeszedł, jak sam mówi, fazę „kolorowego zawrotu głowy”. Powstały wówczas cykle barwnych, niemal abstrakcyjnych kompozycji, będące zapisem fragmentów miejskiej scenografii. Konfigurując banalne przedmioty codziennego użytku układa je w plastyczne, wręcz malarskie kompozycje, nadając im niezwykłej wyrazistości. Bezustanny proces twórczy, łączony z poszukiwaniami nowych metod technicznych i plastycznego wyrazu utożsamia nazwisko Hartwiga z synonimem „fotografii artystycznej” –fotografiką.

Tytuł: bez tytułu z cyklu Wierzby

Rok: lata 50.

Technika: fotografia czarno-biała (żelatynowo-srebrowa) life time print

Sygnatura: p .d.: E.Hartwig, na odwrocie: pieczęć autorska ZAiKS

Wymiary: 35,5 × 27 cm

Cena: 6 000 zł

Tytuł: Moja wyobraźnia

Rok: 1990

Technika: fotografia czarno-biała (żelatynowo-srebrowa) na papierze

Sygnatura: l .d.: EH, na odwrocie: opis oraz pieczęć autorska ZAiKS

Wymiary: 27 × 36 cm

Cena: 6 400 zł

Jan Pamuła

/ 1944−2022 /

W latach 1961–1968 studiował malarstwo i grafikę na krakowskiej ASP. W 1967 kształcił się w Paryżu w École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. W 1992 otrzymał tytuł profesora sztuk plastycznych. Zawodowo był związanyz macierzystą uczelnią, gdzie w 1996 doszedł do stanowiska profesora zwyczajnego w Katedrze Sztuk Wizualnych.

W latach 90. pracował także w New York Institute of Technology jako stypendysta Programu Fulbrighta, wykładał również na Politechnice Częstochowskiej. Od 1996 do 2002 pełnił funkcję prorektora ASP w Krakowie. W latach 2002–2008 przed dwie kadencje zajmował stanowisko rektora tej uczelni. Jan Pamuła specjalizował się w grafice (w tym komputerowej). W latach 2010-2013 pełnił funkcję Prezesa Zarządu Stowarzyszenia Międzynarodowe Triennale Grafiki w Krakowie. W swoim dorobku miał ponad 50 wystaw indywidualnych krajowych i zagranicznych, a także udział w licznych wystawach zbiorowych. Jego prace

znalazły się w zbiorach takich placówek jak Muzeum Narodowe w Warszawie, Muzeum Narodowe w Krakowie, Muzeum Architektury we Wrocławiu, Muzeum Wiktorii i Alberta w Londynie, Albertina w Wiedniu i innych. Był członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków. W 2003 roku był odznaczony Krzyżem Kawalerskim Orderu Odrodzenia Polski oraz wyróżniony Nagrodą im. Witolda Wojtkiewicza. W 2005 roku odznaczony Medalem „Zasłużony

Kulturze Gloria Artis”. W 2021 roku Zarząd Stowarzyszenia Międzynarodowe Triennale Grafiki w Krakowie wybrał go Laureatem Grand Prix d’Honneur SMTG za całokształt twórczości oraz szczególne zasługi dla międzynarodowego i polskiego środowiska graficznego, jako wyraz uznania dla prekursorskiego, zarówno w polskiej, jak i międzynarodowej skali, charakteru twórczości artysty w obszarze grafiki cyfrowej, a także jako dowód uznania dla działań organizacyjnych na rzecz polskiego i międzynarodowego środowiska graficznego.

Tytuł: Pole dyskretnych zmian barwnych 2c

Rok: 2019

Technika: druk pigmentowy na płótnie

Hahnemühle

Wymiary: 120 × 120 cm

Cena: 11 000 zł

Tytuł: Seria komputerowa 08

Rok: 2017

Technika: druk pigmentowy na płótnie

Hahnemühle

Wymiary: 120 × 120 cm

Cena: 11 000 zł

SALON RZEŹBY

Sławomir Brzoska

/ ur. w 1967 r. /

Urodził się w Szopienicach (Górny Śląsk). Studia w Instytucie Sztuki Uniwersytetu Śląskiego, filia w Cieszynie w latach 1991-1995, dyplom z rzeźby w pracowni prof. Jerzego Fobera. Profesor zwyczajny, kierownik 4 Pracowni

Działań Przestrzennych w Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, z którym jest związany od 1997 roku, oraz Pracowni

Działań Przestrzennych w Katedrze Intermediów i Scenografii Akademii Sztuk Pięknych w Katowicach (od 2012). Autor ponad 90 wystaw indywidualnych, uczestnik ponad 200 wystaw zbiorowych w kraju i za granicą; zrealizował performanse i akcje artystyczne na kilku kontynentach. Zajmuje się rzeźbą, sztuką instalacji, wideo, landartem, performansem oraz nomadycznym doświadczaniem świata. Jego prace znajdują się w zbiorach prywatnych oraz galeryjnych i muzealnych w Polsce i za granicą.

Artysta znany jest z instalacji, które tworzy przy użyciu sznurka, wełny, światła UV. Jak pisze autor „Konstruowanie i dekonstruowanie instalacji jest dla mnie nie mniej ważne od efektu. To fizyczny kontakt z przestrzenią, rodzaj podróży, podczas której pokonuję kilometry, by uzyskać, utkać formę. Podróż ta jest jak rytmiczne oddychanie, zaś przestrzeń, w której realizuję prace traktuję jak rodzaj naczynia, wypełnianego treścią, co stanowi alchemiczny rys w mojej działalności”. Oprócz efemerycznych działań w galeriach zrealizował kilka rzeźb w przestrzeniach otwartych: w Londynie, Bielsku-Białej i w Poznaniu.

Odbył artystyczną podróż dookoła świata (czerwiec 2007 – czerwiec 2008) od Ameryki Południowej, poprzez Australię i Oceanię po Azję pod hasłem „Rok Wędrującego Życia”, podczas której odwiedził 23 kraje i zrealizował wiele działań artystycznych.

Dla Sławomira Brzoski zarówno proces twórczy jak i powstające instalacje odnoszą się do podróży.

Tytuł: Prawie początek

Rok: 2022

Technika: drewno malowane

Wymiary: 98 cm

Cena: 8 500 zł

Tytuł: Podział koła i czerwony punkt

Rok: 2022

Technika: drewno malowane

Wymiary: 46 cm

Cena: 12 000 zł

Agnieszka Filipek

/ ur. w 1995 r. /

Ukończyła Liceum Plastyczne imienia Piotra Michałowskiego w Rzeszowie na kierunku Snycerstwo. Dyplom zawodowy w Pracowni Prof. Pawła Chlebka uzyskała w 2015 r. Następnie w latach 2015-2020 studiowała w Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie. W 2021 r. uzyskała dyplom Magistra Sztuki w Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku na Wydziale Rzeźby i Intermediów. Od 2022 r. prowadzi autorską pracownię ceramiki artystycznej.

Agnieszka Filipek tworzy głównie abstrakcyjne rzeźby oraz mozaiki ceramiczne, które powstają w jej autorskiej pracowni. Sztuka to dla niej nie tylko zawód,ale również pasja, która stała się jej życiem. Rzeźbiarka czerpie inspiracje z wszelkich zakątków świata – zarówno z natury, jak i z przemysłowych przestrzeni, które potrafią ją zaskoczyć swoją surowością. To połączenie różnych wpływów znajduje odzwierciedlenie w pracach artystki, które mają unikatowy charakter. Forma i kolor to dwa główne składniki, które decydują o ostatecznym wyglądzie rzeźb artystki. Każdy z tych elementów współgra ze sobą, tworząc harmonijną całość, która oddaje emocje i wizje artystyczne. Wszystkie prace łączy dziwny mistycyzm. Są opowieścią o zapomnianym i niezdefiniowanym. O zlepkach elementów rzeczywistości, natury, przedmiotów, oraz snów zapisanych w podświadomości. Skłaniają do zastanowienia nad tym skąd właściwie pochodzą te abstrakcyjne wizje, które wydają się zarówno bliskie „ziemskie” jak i zupełnie obce.

Tytuł: Bez tytułu z cyklu „Bramy”

Rok: 2023

Technika: mozaika ceramiczna, szkliwiona/ sklejka

Wymiary: 97 x 117cm

Cena: 11 000 zł

Tytuł: Wojowniczka z cyklu „Nieznany Panteon”

Rok: 2024

Technika: rzeźba ceramiczna szkliwiona

Wymiary: 55 x 11,5-15 cm

szerokość boku 9,5 cm

Cena: 11 000 zł

Katarzyna Lipecky

/ ur. w 1997 r. /

Ukończyła studia na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie realizując dyplom z Malarstwa pod kierunkiem prof. Teresy Kotkowskiej - Rzepeckiej oraz aneks z Rzeźby w Pracowni prof. Józefa Murzyna. W 2008 roku zrealizowała projekt fotograficzny z planu filmowego Młyn i krzyż w reżyserii Lecha Majewskiego. Jej kolejnym osiągnięciem był projekt Catharsis (2011–2013), który rozwijała i realizowała jako kuratorka grupy artystycznej. Od 2014 roku w ramach Kate Lipecky – The Sculpture Foundation wspiera działania artystów na rynku, promuje sztukę współczesną, zabiega o popularyzację i poprawę dostępu do wiedzy o kulturze wizualnej i jej tradycji. W 2015 roku jej rzeźba była eksponowana w European Museum of Modern Art w Barcelonie.

Prace artystki znajdują się w stałej kolekcji Muzeum Narodowego w Gdańsku oraz w wielu innych kolekcjach sztuki w Emiratach Arabskich, Belgii, Polsce, Litwie, Francji, Stanach Zjednoczonych. Prace prezentowane są nie tylko na targach sztuki, ale także w instytucjach państwowych, m.in. w Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku. Lipecky zdecydowała się na kreację silnie ekspresyjną, ale poddaną pewnym rygorom w ramach balansu między klasycyzmem a awangardą. W 2019 wygrała ogólnopolski konkurs organizowany przez „Gazetę Wyborczą” oraz Sebastiana Kulczyka – Jutronauci, przeznaczony dla artystów i naukowców tworzących przyszłość. Ostatnia wystawa Mark Rotko Art Center, Łotwa.

Tytuł: Roślina

Rok: 2021

Technika: ceramika, stal

Wymiary: 122 x 52 x 43 cm

Cena: 48 000 zł

Tytuł: Architektura natury I

Rok: 2024

Technika: ceramika

Wymiary: 40 x 26 x 21 cm

Cena: 7 000 zł

Jacek Zwoniarski

/ ur. w 1959 r. /

W latach 1979–1984 studiował na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie pod kierunkiem prof. Jana Kucza i prof. Stanisława Kulona. Równolegle z rzeźbą od czasów studiów zajmuje się tworzeniem bonsai, jest jednym z założycieli Klubu Bonsai Polska. Autor wielu wystaw indywidualnych oraz uczestnik licznych wystaw zbiorowych w kraju i zagranicą. Wielokrotny uczestnik międzynarodowych sympozjów, m.in. „Integrart” – największego polskiego sympozjum rzeźby w kamieniu. Jego prace znajdują się w zbiorach prywatnych i w przestrzeni publicznej. W 2000 r. ukazał się film dokumentalny o artyście pt. „Samo życie”.

Jacek Zwoniarski jest rzeźbiarzem, który konfrontuje swoich odbiorców z abstrakcyjnym myśleniem o formie ludzkiego ciała. Jego dzieła są opowieścią o fascynujących możliwościach odrealnionego ukazania postaci ludzkiej. Ulubionym materiałem rzeźbiarskim artysty są różne kamienie. Wykorzystuje ich kolor i fakturę. Pracuje również w brązie i żywicy. Jacek Zwoniarski tworzy żeńskie torsy, które mimo abstrakcyjnej formy zachowują piękno i zmysłowość kobiecego aktu. Jego prace emanują jednocześnie siłą i delikatnością, łącząc formę i treść w niezwykle przemyślany sposób. Artysta eksploruje tajemnicę ludzkiego ciała, zachowując jednocześnie trwałość i szlachetność materiału.

Tytuł: Barokowa płodność

Rok: 2022

Technika: marmur

Wymiary: 37 x 14,5 x 10,5 cm

Cena: 11 000 zł

Tytuł: Płodność

Rok: 2022

Technika: marmur

Wymiary: 38,5 x 18 x 8 cm

Cena: 8 200 zł

SALON FOTOGRAFII

I SZTUKI CYFROWEJ

Tommy Ingberg

/ ur. w 1980 r. /

Tommy Ingberg jest fotografem i artystą wizualnym. Urodził się w 1980 roku w Szwecji. Zajmuje się fotografią i cyfrową obróbką obrazu, tworząc minimalistyczne i autorefleksyjne surrealistyczne fotomontaże, dotyczące ludzkiej natury, uczuć i myśli. Jego prace są prezentowane w kolekcjach na całym świecie, od Narodowego Muzeum Fotografii w Kolumbii po Bibliothèque Nationale de France w Paryżu. W ciągu ostatnich ośmiu lat jego twórczość zdobyła ponad 30 międzynarodowych nagród. W 2012 roku Tommy zdobył nagrodę Lumen za obraz „Torn”, a w 2014 otrzymał tytuł „One to Watch” od Saatchi Art.

Tytuł: Direction

Rok: 2011

Technika: fotografia

artystyczna

Wymiary: 40 x 60 cm

Cena: 2 100 zł

Tytuł: Stone Part 1

Rok: 2011

Technika: fotografia

artystyczna

Wymiary: 50 x 70 cm

Cena: 2 900 zł

Maciej Mańkowski

/ ur. w 1949 r. /

Debiut przypada na lata 70-te. Bierze udział w wielu wystawach krajowych i zagranicznych. Jest laureatem znaczących konkursów fotograficznych. Był kuratorem międzynarodowych wystaw fotografii użytkowej. W latach 70-tych i 80-tych pracował w Telewizji Polskiej jako operator i realizator obrazu. Przez wiele lat zajmował się działalnością dziennikarską propagując światową fotografię na łamach pism ilustrowanych. Od roku 1985 jest członkiem Związku Polskich Artystów Fotografików. W latach 90-tych wykładał fotografię reklamową w Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Obecnie zajmuje się równolegle kilkoma projektami artystycznymi. Bardzo ważnym konceptem jest DAGEGRAFIA autorska metoda łączenia estetyki dagerotypów i współczesnych motywów, co daje niepowtarzalne efekty wydruków na srebrnych blachach. Druga fascynacja to fotografie storczyków, które zostały poddane autorskiej metodzie obróbki cyfrowej, zbliżając wizerunki kwiatów do grafiki czy malarstwa. Trzecim istotnym nurtem w twórczości Macieja Mańkowskiego jest projekt portretowy LOOK AT ME. Jest to klasyczna czarno biała fotografia z charakterystyczną ekspresją osób biorących udział w projekcie. Ludzi bardzo znanych, ale też anonimowych fotografowane w bardzo charakterystyczny łatwo rozpoznawalny sposób.

Tytuł: Bez tytułu Rok: 2012

Technika: fotografia

Nakład:1/15

Wymiary: 50 × 70 cm

Cena: 6 200 zł

Tytuł: Bananas Rok: 2018

Technika: fotografia

Nakład: 1/15

Wymiary: 70 × 70 cm

Cena: 8 200 zł

Michał Ostaszewski

/ ur. w 1995 r. /

Michał Ostaszewski przy pomocy nauki, obserwacji astronomicznych i artystycznej wyobraźni tworzy własne wizje kosmosu widzianego z powierzchni Ziemi. Techniki obrazowania stanowią dla niego medium artystyczne. Poprzez jego działalność twórczą ma udział w wyniesieniu astrofotografii do poziomu sztuki w wyrażaniu emocji – jakie towarzyszą odkrywaniu „niewidzialnego” nieuzbrojonym okiem Wszechświata i jego piękna.

Ikoniczne kadry jego autorstwa zapadają głęboko w pamięć. Rozgłos i uznanie przyniosły mu takie zdjęcia jak Całkowite zaćmienie Słońca w Chile (2019), Księżyc wschodzący nad Giewontem (2018), Deszcz Perseidów na Sokolicy (2018).

Twórca poszukuje wciąż nowych możliwości połączenia obszarów jego zainteresowań: warsztatu, wiedzy z zakresu astrofizyki, a także kariery sportowej. Reprezentował Polskę w dyscyplinie łyżwiarstwa szybkiego na zawodach międzynarodowych, z dorobkiem 22 medali. Obecnie pochłonięty jest pracą nad największym komercyjnym zdjęciem Drogi Mlecznej na świecie.

Tytuł: Perseidy na Sokolicy Remastered 003

Rok: 2018

Technika: astrofotografia, Somerset Museum RAG 300

Edycja: nakład limitowany, 7 szt.

Wymiary: 70 × 100 cm

Cena: 9 700 zł

Tytuł: Orion nad Rysami 003

Rok: 2020

Technika: astrofotografia, Somerset Museum RAG 300

Edycja: nakład limitowany, 7 szt.

Wymiary: 70 × 100 cm

Cena: 8 600 zł

Nikolina Petolas

/ ur. w 1978 r. /

Artystka wizualna z Zagrzebia w Chorwacji. Pracuje w różnych technikach, takich jak kolaż zdjęć, grafika cyfrowa, a także malarstwo olejne i akrylowe. Jak sama podkreśla, swoimi pracami stara się zwrócić uwagę na psychologiczne i społeczne aspekty naszej tożsamości. W swoich metaforycznych prezentacjach, od onirycznych krajobrazów i fantastycznych scenerii po dziwne i mroczne postacie, stworzenia i środowiska, wykorzystuje obserwację wewnętrznych konfliktów i pytań, które z nich wynikają, jako marzycielski i żywy przykład pokazujący złożone ludzkie emocje i popędy. Jak podkreśla, to jej subiektywne osobiste doświadczenie świata.

Wizualne interpretacje bajek zwierzęcych z głębokimi szczegółowymi kompozycjami w jej autorskiej serii „Tale of the Blue Pear” zostały docenione przez prywatnych kolekcjonerów na całym świecie oraz w luksusowych miejscach, takich jak kolekcja autografów Seabourn i Marriot.

Prace Nikoliny zdobyły wiele międzynarodowych nagród i były pokazywane na wielu międzynarodowych wystawach, a także w kilku projektach artystycznych. Jej prace były wystawiane na całym świecie, w galeriach i muzeach Europy,USA i Azji, ostatnio na indywidualnej wystawie w Paryżu. Jej sztuka jest również reprezentowana w różnych książkach, magazynach i publikacjach, w tym w prestiżowym „Lexikon phantastischer Künstlerinnen” Gerharda Habarty.

Tytuł: High and away Rok: 2019

Technika: fotografia artystyczna

Nakład: 2/5

Wymiary: 90 x 64,1 cm

Cena: 4 350 zł

Tytuł: Passing strangers Rok: 2015

Technika: fotografia artystyczna

Nakład: 3/5

Wymiary: 80 x 80 cm

Cena: 4 500 zł

Karolina Skorek

/ ur. w 1985 r. /

Artystka multidyscyplinarna, działająca głównie w technikach fotograficznych, malarskich oraz grafiki warsztatowej. Jest specjalistką w dziedzinie zdjęć portretowych cyfrowo przetworzonych w stylu realizmu magicznego. Urodziła się w Polsce w Sosnowcu, zaś od 2009 roku przebywa na stałe i tworzy w Wielkiej Brytanii. Droga do fotografii wiodła artystkę przez projektowanie szkła i malarstwo. Oba kierunki były przedmiotem studiów Karoliny Skorek w ASP we Wrocławiu, na wydziale Ceramiki i Szkła w pracowni projektowania szkła prof. Małgorzaty Dajewskiej i prof. Zbigniewa Horbowego. Malarstwo studiowała pod okiem prof. Krzysztofa Skarbka, uchodzącego za jednego z ważniejszych surrealistów współczesnego malarstwa polskiego. Już podczas studiów swoje malarskie poszukiwania skierowała w obszar surrealizmu wyrażonego za pomocą technik cyfrowych.

Po ukończeniu ASP we Wrocławiu z tytułem magistra sztuki w 2010 wyjechała do Północnej Walii, gdzie rozpoczęła studia magisterskie na wydziale ilustracji Uniwersytetu Glyndwr we Wrexham. Używając technik łączących współczesne narzędzia cyfrowe z tradycyjnymi metodami warsztatowymi powstawały prace ilustrujące baśnie i słowiańskie podania ludowe. Artystka odnalazła trwałą inspirację w legendach, mitach i opowieściach ludowych. Jej prace zyskały odbiorców i uznanie w świecie, owocując w publikacje, wystawy i liczne nagrody w konkursach fotograficznych. Obrazy Karoliny Skorek mają charakter surrealistyczno-ekspresjonistyczny.

Tytuł: Opodiphthera 1/7

Rok: 2020

Technika: fotografia kolorowa, papier fotograficzny

Fuji Crystal Archive DP II, 250 g/m2

Nakład: limitowany, 7 szt.

Wymiary: 70 × 52 cm

Cena: 9 000 zł

Tytuł: The Soul Compass 2/7

Rok: 2022

Technika: fotografia kolorowa, papier fotograficzny

Fuji Crystal Archive DP II, 250 g/m2

Nakład: limitowany, 7 szt.

Wymiary: 70 × 56 cm

Cena: 9 200 zł

SALON GICL É E

I INKOGRAFII

Jarosław Jaśnikowski

/ ur. w 1976 r. /

Urodzony w Legnicy. Malarstwem zajmuje się od 1991 roku. W połowie lat 90-tych odkrywa surrealizm oraz twórczość Dalego. W 1998 roku, pod wpływem wystawy Wojciecha Siudmaka w Legnickim Muzeum Miedzi i spotkania z samym artystą, postanawia poświęcić się pracy w takich kierunkach jak nadrealizm czy realizm fantastyczny. W tym samym roku rozpoczyna naukę w Głogowskim Studium Sztuk Plastycznych, gdzie poznaje głogowskiego malarza i poetę Telemacha Pilitsidisa. Pod jego kierunkiem zdaje dyplom z malarstwa w 2001 roku.

Jaśnikowski stworzył własną alternatywną rzeczywistość. Poddaje ją odmiennym prawom fizyki, kpiąc sobie z grawitacji i właściwości materii. Choć w wielu miejscach „Światy Alternatywne” Jarka przypominają te, z którymi spotykamy się na co dzień, bardzo szybko spostrzegamy, że to pozorne podobieństwo stanowi filar, na którym artysta buduje swój osnuty mroczną tajemnicą świat. Malarstwo Jaśnikowskiego charakteryzuje się zamiłowaniem autora do fantastycznych pojazdów, machin oraz miłością do gotyku. Obecnie Jarosław Jaśnikowski jest jednym z czołowych twórców Realizmu Magicznego w Polsce oraz głównym przedstawicielem polskiego Steampunku w malarstwie. Jaśnikowski ma na koncie ponad trzydzieści wystaw indywidualnych, m.in. w Narodowym Muzeum Morskim w Gdańsku, Muzeum Lotnictwa Polskiego w Krakowie czy w Muzeum Miedzi w Legnicy. Jego prace są w kolekcjach na całym świecie.

Tytuł: Lot nad deltą Białej Rzeki

Rok: 2019

Technika: giclée / płótno

Edycja: 1/5

Wymiary: 50 × 67 cm

Cena: 2 800 zł

Tytuł: Czerwony samolot

Rok: 2020

Technika: giclée / płótno

Edycja: 2/7

Wymiary: 65 × 100 cm

Cena: 7200 zł

Marcin Kołpanowicz

/ ur. w 1963 r. /

Urodzony w Krakowie. Wychowywał się w środowisku artystycznym. Jego matka jest artystką malarką, mieszka obecnie w Etiopii, gdzie tworzy współczesne malarstwo sakralne inspirowane ikoną koptyjską. Ojciec, Andrzej Kołpanowicz, był także malarzem, jednym z prekursorów polskiej szkoły realizmu fantastycznego, a zarazem pierwszym i najważniejszym nauczycielem Marcina. Pod jego okiem przyszły artysta od najmłodszych lat uczył się malarstwa i doskonalił swój twórczy warsztat.

W 1982 r. Marcin Kołpanowicz rozpoczął studia na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie, już wtedy jednak był uformowanym artystą, świadomie wybierającym eksplorację wyobraźni jako główną inspirację swej twórczości. W 1987 r. obronił dyplom z malarstwa, od tego czasu zorganizował ponad 30 wystaw indywidualnych w Polsce, Niemczech, Francji, Austrii i USA oraz brał udział w wielu wystawach zbiorowych, w tym w najważniejszych międzynarodowych pokazach realizmu fantastycznego oraz w Salonie Paryskim w 2017 r. Jego prace zdobią wiele kolekcji w Polsce, a także w Austrii, Niemczech, Holandii, Francji i USA.

Tytuł: Teatr świata

Rok: obraz 1993, giclee 2020

Technika: giclée/płótno

Edycja: 1/7

Wymiary: 96 × 96 cm

Cena: 11 000 zł

Tytuł: Pokój podróżniczki – No 3

Rok: 2021

Technika: giclée/płótno

Edycja: 3/7

Wymiary: 96 × 112 cm

Cena: 7 200 zł

SALON GRAFIKI

I RYSUNKU

Bartosz Armusiewicz

/ ur. 1980 r. /

Urodzony w Warszawie. Absolwent Wydziału Sztuk Pięknych Uniwersytetu Mikołaja Kopernika w Toruniu na kierunku Grafika. Swoje zamiłowanie do sztuki realizował w różnych dziedzinach, m.in. jako malarz w pracowni scenografii Teatru Wielkiego – Opery Narodowej w Warszawie, współpracując przy produkcji wielu spektakli baletowych i operowych. Uczestniczył również w realizacji nominowanego do Oskara, pełnometrażowego filmu animowanego „Twój Vincent” jako malarz-animator, a także jako artysta cyfrowy przy produkcji animacji malarskiej „Chłopi”. W wolnym czasie zajmuje się grafiką warsztatową, tworząc swoje prace głównie w technice linorytu.

Wybrane wystawy: 2023 – Żywioły: Woda, zbiorowa wystawa w Gdyńskim Centrum Filmowym

2021 – ShakeArt – Wystawa malarstwa w Gdańskim Teatrze Szekspirowskim, 2021 – Gdańsk Przez Pryzmat, edycja II, zbiorowa wystawa malarstwa w Filharmonii Bałtyckiej w Gdańsku

2020 – Wystawa pokonkursowa 11 edycji Międzynarodowego Biennale Miniatury w Częstochowie

2019 – Gdańsk Przez Pryzmat - zbiorowa wystawa malarstwa w Filharmonii Bałtyckiej w Gdańsku

2018 – Painting Relations wystawa zbiorowa w Galerii Mariackiej w Gdańsku

2018 – wystawa obrazów z produkcji animacji malarskiej Twój Vincent”, Flagey, Bruksela

Tytuł: Aquantica

Rok: 2023

Technika: linoryt seria I Nakład: 1/20

Wymiary: 30 × 40 cm

Cena: 900 zł

Tytuł: Galaktyka

Rok: 2021

Technika: linoryt seria I

Nakład: 15/20

Wymiary: 30 × 40 cm

Cena: 900 zł

Ewelina

/ ur. 1981 r. /

Koszykowska

Ewelina Koszykowska urodziła się w Polsce. Jest absolwentką Columbus College of Art and Design w USA, gdzie otrzymała stypendium w zakresie pełnego portfolio, które ukończyła z wyróżnieniem. Wystawia swoje prace w galeriach i muzeach w Stanach Zjednoczonych i Europie. Ostatnio wystawiała w domach aukcyjnych Sotheby’s i Christie’s w Londynie. Wcześniej malowała w swojej pracowni w Nowym Jorku, a następnie w swoim studiu w Londynie w Wielkiej Brytanii. Teraz wróciła do swoich korzeni, przenosząc się do Polski w 2020 roku.

Urodziłam się w tak zwanym „czepku”; bardzo rzadki stan, w którym dziecko rodzi się w worku embrionalnym lub rodzi się częściowo nim pokryte. Urodziłam się pod welonem, i moja historia ma bezpośredni związek z zasłoną. Moje obrazy kładą nacisk na znaczenie ewolucji człowieka poprzez zasłony świadomości reprezentowane przez kontrast między tym, co rzeczywiste, a abstrakcją. W 2012 roku zacząłem pracować nad serią obrazów, które badają związek między człowiekiem a zasłoną w linearnej przestrzeni. Wykorzystując głównie te 3 elementy jako swoje muzy, tworzę scenariusze, które mówią o problemach społecznych i duchowych. Moje obrazy pojawiają się jako wizje, otwierając dialog z tradycyjnymi przedstawieniami zasłony jako przedmiotu dekoracyjnego, a także odpowiadają jej kulturowym konotacjom na przestrzeni dziejów. Używając podobnych klasycznych technik jak dawni mistrzowie, pokazuję formy w realistycznym renderowaniu.

Tytuł: I Z cyklu Dłonie

Rok: 2022

Technika: rysunek/papier

Wymiary: 47 x 37 cm

56 x 46 cm w oprawie

Cena: 3 000 zł

Tytuł: II z cyklu Dłonie

Technika: rysunek/papier

Wymiary: 47 x 37 cm

56 x 46 cm w oprawie

Cena: 3 000 zł

Wojciech TylborKubrakiewicz

/ ur. w 1974 r. /

W latach 1996–2001 studia na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Dyplom w roku 2001 w Pracowni prof. Mariana Czapli. Aneks z grafiki warsztatowej pod kierunkiem prof. Rafała Strenta. Od 2001 roku związany zawodowo z Wydziałem Grafiki ASP w Warszawie. W 2010 roku uzyskał tytuł doktora. W latach 2016–2018 zatrudniony jako Visiting Professor w School of Art, Architecture and Design na Indiana University w Bloomington, USA. W 2019 roku uzyskał tytuł doktora habilitowanego. Profesor ASP.

Jest autorem przeszło dwudziestu wystaw indywidualnych w kraju i za granicą oraz uczestnikiem ponad stu pięćdziesięciu wystaw zbiorowych. Laureat wielu nagród i wyróżnień. W 2024 roku otrzymał wyróżnienie na 20th International Triennial of Graphic Art Frechen

w Niemczech. W 2023 roku zdobył Grand Prix na XIII Quadriennale Polskiego Drzeworytu i Linorytu w Olsztynie, a w 2019 roku otrzymał Pierwszą Nagrodę na XII edycji tego konkursu. W 2018 roku otrzymał Merit Prize na 18th International Print Biennial Exhibit w Tajwanie. W 2017 roku został nagrodzony wyróżnieniem na The 6th NBC Meshtech Tokyo International Screen Print Biennial w Japonii oraz otrzymał Nagrodę Specjalną na 16th Lessedra World Art Print Annual — Mini Print w Bułgarii.

Jego prace znajdują się między innymi w zbiorach Uniwersytetu Alberty w Edmonton w Kanadzie, Międzynarodowego Biennale Grafiki Guanlan w Chinach, Narodowego Muzeum Sztuki na Tajwanie oraz Stowarzyszenia Międzynarodowego Triennale Grafiki w Krakowie.

Tytuł: Augenblick Rok: 2023

Technika: linoryt/papier Hahnemuhle

Wymiary: 70 x 100 cm (zadruk)

Cena: 4 000 zł

Tytuł: Elm Hights Rok: 2024

Technika: linoryt/papier Canson Edition Wymiary: 46,5 x 66,5 cm (zadruk)

Cena: 3 000 zł

Tomasz Winiarski

/ ur. w 1982 r. /

W latach 2003–2008 studiował na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych im. Jana Matejki w Krakowie. Pracę dyplomową obronił w 2008 r. w pracowni wklęsłodruku. Obecnie pracuje na stanowisku adiunkta na Wydziale Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie.W swoich pracach posługuje się głównie technikami metalowymi (mezzotinta, sucha igła).

Jego grafiki były prezentowane na ponad 100 wystawach krajowych i zagranicznych, m.in. Armenia, Austria, Chiny, Francja, Grecja, Hiszpania, Japonia, Kanada, Litwa, Meksyk, Niemcy, Norwegia, Polska, Rosja, Serbia, Szwecja, Turcja, Ukraina, Szwecja, USA). Nagrody i wyróżnienia: Gdynia, 7. Międzynarodowe Triennale Grafiki 2022, Grand Prix, 2022; Katowice, 11. Triennale Grafiki Polskiej, Grand Prix, 2021; Artes, Hiszpania, XII Premio Atlante de Grabado, nagroda – 2021; Jekaterynburg, Rosja, World Culture Heritage, International Triennial of Ex-libris and Small Format Print Graphics, dyplom – 2021; Kanada, XII Biennale internationale d’estampe contemporaine de Trois-Rivières, wyróżnienie – 2021; Rumunia, Székelyföldi

Grafikai Biennálé, Plugor Sandor Prize –2020 – Rumunia, Bucharest International Print Biennale 3, Crossing Borders 2019, III nagroda – 2019 – Katowice, 10. Triennale Grafiki Polskiej, II nagroda – 2018; Valladolid, Hiszpania, VI Bienal Internacional de Grabado Aguafuerte, III nagroda – 2018 – Yerevan, Armenia, First International Print Biennale Yerevan 2017, I nagroda – 2017; Jekaterynburg, Rosja, IV International Mezzotint Festival, „Prize for originality and breaking classical boundaries” – 2017; Riveira (A Coruña), Hiszpania, Atlante VI International Awards, nagroda – 2015; Jekaterynburg, Rosja, II; International Mezzotint Festival, nominacja do nagrody; Riveira (A Coruña), Hiszpania, Atlante V International Awards, nagroda – 2014; Riveira (A Coruña), Hiszpania, Atlante IV International Awards, nagroda – 2013.

Tytuł: Perpetuum mobile XCVII

Rok: 2018

Technika: mezzotinta, sucha igła, papier

Edycja: 16/30

Wymiary: 70 × 100 cm

Cena: 2 700 zł

Tytuł: Perpetuum mobile LXXXI

Rok: 2015

Technika: mezzotinta, sucha igła, papier

Edycja: 11/30

Wymiary: 70 × 100 cm

Cena: 2 700 zł

SALON SZTUKI 2025

Redakcja: Diana Stajszczak

Opracowanie graficzne: AB Studio Weronika Kasperska

Fotografie: Archiwum artystów i Goldenmark

Zdjęcie na okładce:

Tytuł: Musicie patrzeć, przez was wszystkie moje grzechy

Rok: 2024/2025

Technika: olej/płótno

Wymiary: 100 × 90 cm

Chris Hernandez

Tytuł: Basalt

Rok: 2023

Technika: akryl/płótno

Wymiary: 80 x 80cm