Familiar Memorable

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FAMILIAR MEMORABLE Curaduría para (Ready) Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México Coordinado por Karla Jasso para el Laboratorio Arte Alameda

PROGRAMA por Grace Quintanilla

DVD 2 Daniel Reyes, HD, 2008, Daniel Reyes para presidente Cremance, Video Hi 8, 2008 Retirando los platos Dalia Huerta Cano, HDV, Carne que recuerda Nuria Fragoso, mini DV, 2008 Habitat Ulises Barreda, mini DV, 2008 Espejo 4 Anni Garza Lau, mini DV, 2008 Manager Drama The Ary Ehrenberg, mini DV, 2008 Ground Alfredo Borboa, DV, 2009 Comeluz Bruno Bresani, Contenedor de los amores imposibles 2009 (trailer) Paola Esquivel, HD, 2009 Ficción familiar Antonio Coello, S16mm Chimbumbe Rodrigo Frenk, DV, 2009 Pedro Páramo Hard Black, Juan Pablo Villegas, DV, 2008 Fernando Frías, HDV-­‐ 16mm, 2007 Jimigration Adriana Trujillo, HDV, Videodiario de un pollero Andrés Padilla Domene, HDV, Ferroproyección Roberto Reyes, DV, 2006 Panóptico Verbobala, HDV , 2009 English

Entrevista a Grace Quintanilla Por Karla Jasso “Familiar memorable” es un ejercicio curatorial que revisa ampliamente toda una producción artística, una serie de obras y distintos casos de ejercicios que se están haciendo actualmente. Cómo se contextualizan estos trabajos y el tipo de acercamiento en un proceso de lectura resulta un proceso muy interesante desde mi posición como artista, una forma de mirar que es muy distinta al de alguien que se dedica al estudio teórico exclusivamente.

Para esta exposición lo que hice fue pedirles a todos mis compañeros colegas, profesores y tutores que me contactaran con artistas emergentes jóvenes, estudiantes, becarios y compañeros de trabajo para que me mostraran su trabajo. De esta forma, tuve el privilegio de tener acceso a una gran e impresionante cantidad de obras realizadas por artistas jóvenes. La experiencia de revisar este material fue muy enriquecedora y me percaté de muchas cosas. Un asunto que llamó mi atención fue el hecho de que los temas tratados por los jóvenes artistas son los mismos de siempre: la memoria, la identidad, algunos acercamientos de la política, de la familia, temas introspectivos acerca de la historia personal. Otros no tienen una temática en especial sino son exploraciones formales acerca de la tecnología; sobre todo, los de algunos artistas que están en contacto con tecnología de punta o que están haciendo proyectos de vida artificial o de robótica.

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En un sentido general siento que, a diferencia de mi generación, los creadores emergentes tienen una madurez destacable. Son activos en el área digital, no se sorprenden con ella. Por lo tanto, lo que sucede es que se están fijando más en el discurso. Su preocupación no parece ser el uso de determinadas tecnologías; sino el cómo elaborar estos temas que ya se han ido tratando. A partir de esto, decidí centrarme en el tema de lo familiar como un lugar común, en el buen sentido de la palabra. Creo que el lugar común es importante, es un lugar al que uno le tiene que poner atención. Generalmente, muchos curadores y críticos descalifican el trabajo porque se encuentra en un lugar común, por determinada temática, y no se detienen a ver ciertas sutilezas. Para mi estas sutilezas en el lugar común de la temática eran importantes, se requiere detenerse y verlas. Relaciono el lugar común con un lugar familiar; un término que cuenta con una menor carga despectiva y que además resuena con lo que es ampliamente conocido. A partir de esto, el proceso se dirigió a ir observando y analizando ciertas sutilezas: ¿qué diferencias hay en las formas de producción, en la formación del discurso, en el uso del medio en estos temas que son tan familiares (temas con la memoria, la conformación de la identidad, leyes primarias de conformación comunitaria y política). Lo ‘familiar’ en mi curaduría se encuentra desde en sentido literal, hay artistas como Paola Esquivel que trabajan con su familia en videoarte y hacen experimentos en los que su familia colabora, en el sentido de la recurrencia temática, en el sentido de que los temas siguen siendo los mismos de siempre. La producción de videoarte y artes electrónicas ha cambiado mucho y ha crecido porque el acceso a la

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tecnología para producir arte electrónico se ha vuelto menos complicado; es importante ver esta diferencia que ofrece este momento histórico.

Aquí es donde entra el tema de lo memorable como aquello que es digno de recodar, lo familiar como memorable. Hoy en día registramos compulsivamente todo y lo publicamos en sitios de Internet como Facebook y Youtube. Ante esto, ¿dónde esta la característica de lo memorable? Hemos perdido la noción de lo que es memorable por una absoluta accesibilidad de los medios. Antes resultaba costoso producir o sacar fotos, además de que llevaba tiempo ir a revelarlas, uno pensaba muy bien que momentos de la vida capturar y que hacer con ellos. Hoy en día con la tecnología digital existe una práctica que vincula, en esta línea, lo cercano a lo desechable; estamos registrando todo y no ponemos atención a lo que para nosotros es memorable frente a todo lo que nos sucede y a su vez registramos. Es en este punto en donde yo empecé a conformar la curaduría, a mirar las obras, reconociendo lo que es parte de aquello familiar que nos atañe a todos, ese lugar común en un sentido positivo.

Y en contraposición, aquello que es memorable dentro de la cotidianidad y se muestra como digno de memorar.

Algunas de las piezas manejan lo familiar de manera literal como en el caso de Paola Esquivel y la serie de sus videos Ficción Familiar. Esquivel convierte situaciones de su propia familia en “montajes” –en el sentido cinematográfico del término-­‐ en los que la realidad y la ficción se mezclan todo el tiempo: sus padres participan en los videos, inclusive en algunos de ellos las situaciones son premeditadas pero guardan la textura de lo

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cotidiano y siempre tienen reminiscencias a esa cercanía inscrita en los gestos familiares: el padre abraza a la hija, la cena, tender la cama. El trabajo de Retirando los platos de Cremance –Daniel Solano–, tiene un espíritu que recoge aspectos de la realidad de la vida cotidiana, lo que nos sucede todos los días y la “re-­‐crea” en todos los sentidos de la palabra: la vuelve a crear pero también es recreativa porque te devela escen as que son comunes a todos, las que hacemos y vemos diariamente. La mamá hace la cama con el papá descansando sobre ella y coloca la sabana mientras que el padre ve la tele, y ella sentada en la televisión canta y el señor la mira y la ignora tomando una cerveza. Son escenas que vemos todos los días, bien sabidas, pero que están montadas de tal modo que nos hacen recordar, nos hacen poner atención de que hay algo memorable dentro de este hecho. Para el video de Ficción familiar la artista contrató al mago Frank para hacer puestas en escena de eventos que a ella le hubiera gustado hacer con su papa quien esta ausente en su vida. Contrata a este actor y lo invita a su entorno familiar, la madre y su hermano participan y recrean estas escenas de enfrentamientos que tiene que ver con la ausencia del padre y la sustitución de una persona que falta en un núcleo. El trabajo de edición es muy importante en esta pieza pues tensiona la temática con la temporalidad y la textura del video.

En la curaduría hay videos que tocan temas familiares y de manera paralela tienen que ver con cuestiones políticas y de integración social. Este es el caso de Roberto Reyes que se apropia de material de cámaras de vigilancia del gobierno del estado de Morelos y en su obra Panóptico, mediante un trabajo de edición, articula un

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discurso memorable de aquello que pasa todos los días en la ciudad de Cuernavaca. Reyes enfatiza sobretodo, los acontecimientos públicos que generalmente vemos en los noticieros, o leemos en los periódicos pero que a nivel individual no registramos como algo digno de guardar en la memoria, de pensar y de no olvidar. Hay una cultura que tiene muy presente la importancia de no olvidar ciertos eventos, y me parece que estos artistas constantemente se están preguntando la manera en que los contenidos de sus trabajos están en esa línea y el proceso mental que requiere hacer una selección de contenidos y ponderar cuál es la información que verdaderamente vale la pena recordar, recuperar y recontextualizar para transformarla en memorable. Roberto Reyes vuelve a tratar esta cuestión en un video titulado El circo. En este trabajo, se ve a dos supuestos presos que logran salir de la cárcel con ayuda de los policías que prácticamente los escoltan fuera de prisión. Este tipo de situaciones son cosas que ya todos estamos tan acostumbrados a ver que perdemos la capacidad de detectar su memoralibilidad. El hecho de tomarlo como temática principal y preparar su edición, cuidar el tiempo narrativo del video y sonorizarlo, ya invoca a un principio de realidad que plantea ver de otra manera. Lo notable de estos trabajos es que te obligan a ver tu vida cotidiana desde una perspectiva mucho mas fresca; todos los trabajos que elegí están en una tonalidad de “señalar/apuntar”, abrir canales, abrir nuevas maneras de ver y percibir lo que es familiar.

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Además de estos videos hay obras de video danza, cine experimental, performance, robótica, arte en la red. Mi tarea era la de poner en diálogo una gran variedad de formatos a partir de los temas relacionados con lo familiar y lo memorable. El trabajo de Emilio Fragoso entra en la categoría de video danza, una obra que tiene que ver con lo doméstico, con la necesidad de un hogar, de encontrarte a ti mismo y de crear un hábitat, un espacio de vida.

Este video también esta magníficamente hecho, es lúdico y desconcertante; obviamente esto se logra mediante la coreografía, en ocasiones parece un espacio virtual y tiene que ver con la conformación de identidad dentro de un espacio doméstico, de algo creado como propio.

Hay otros proyectos que re-­‐crean más desde un lenguaje de cine experimental como el de Antonio Coello que si bien tiene un tinte antropológico no se ajusta de manera total a los parámetros de este enfoque. Coello trabajó con una comunidad en Colombia, que no son actores profesionales y nos relatan una mitología, una leyenda local. Coello lo estiliza de una manera muy interesante, cercana a lo bidimensional, tratando de escapar a la mirada antropológica. Y volvamos al punto más remarcable de este trabajo, y es el hecho de que, como lo mencionamos en líneas anteriores, en Chimbumbe no hay actores profesionales sino personas sin vocación histriónica. Es evidente que existe una planeación, una idea original que se confronta a esta otra realidad de proceso que no esta controlada porque los individuos no son actores profesionales. Lo mismo sucede en el caso de Esquivel y el mago Frank, con Cremance en Retirando los platos y su papas como actores; con los videos de

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vigilancia de Cuernavaca donde la gente no esta conscientes de que los están grabando y están siendo re-­‐ contextualizados para hacernos ver de otra manera lo que sucede todos los días.

Hay otras piezas que se relacionan con el documental como Daniel Reyes para presidente, de Daniel Reyes. Este trabajo es un encuentro muy personal de Daniel Reyes padre con Daniel Reyes hijo. El primero es un hombre encantador esquizofrénico, ex -­‐ preso político del 68, que narra su historia de una manera muy personal y muy íntima; a mi parecer, este tipo de trabajo hecho por hombres en el que se explora la relación del descubrimiento del padre no es muy común. También es un documental que no estaba planeado, que fue parte de un proceso de descubrimiento y ahí el asombro deja una huella muy fuerte. Temas que giran alrededor de la migración también aparecen en la curaduría. Existen dos proyectos que tienen que ver con migración que llamaron mucho mi atención ya que ofrecen visiones muy distintas e incluso encontradas de este fenómeno. En la mayoría de los casos, los documentales de migración hablan de los infortunios de nuestros mexicanos que se van y aunque verídico casi podríamos decir que dentro del documental es casi trillado y obedece a una cuestión político-­‐moral que considero muy peligrosa ya que encierra cierta mirada de victimización. Hay dos documentales de migración que escapan la mirada del migrante como victima y le dan la vuelta. El trabajo de Jimigration de Fernando Frías habla de la migración al revés, de un hombre estadounidense al cual se podría referirse despectivamente como alcohólico, drogadicto, prepotente y demás, que quiere salirse de E.U. porque no aguanta el sistema y quiere

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migrar a México. Fernando Frías hace un documental con él y lo sigue en Estados Unidos, filma a la familia y lo acompaña hasta que llega a México a Playa del Carmen a reventar, porque lo quiere es la libertad para reventarse. Aunque este personaje puede ser visto como alguien completamente nefasto, la mirada de Fernando Frías está alejada del juicio, y desde ahí se acerca al personaje. El otro documental acerca de migración es sobresaliente, es único, Videodiario de un pollero realizado por Adriana Trujillo. La artista habla de la migración desde la mirada del pollero. Trujillo logró convencer al pollero de que diera su testimonio y dejó que ella lo acompañara a lugares donde arreglan las camionetas para meter a los migrantes, donde recogen junkies gringos en Tijuana para que sean los conductores. Este pollero prácticamente se desnudó y dijo todo sobre cómo funciona el tráfico de personas y lo que para él significa, una cuestión meramente laboral. Él se siente un héroe y sí lo es para muchas personas desafortunadamente. Adriana Trujillo también documenta desde esa mirada alejada del juicio, es neutral y la fuerza de su trabajo radica en lograr este tipo de mirada que escapa a todos los estigmas y a las formas que ya conocemos que nos ofrecen las noticias acerca de este tema. Con referencia también a migración, la curaduría toma el registro de un performance que se llama English del colectivo Verbobala quienes realizan trabajos interesantes donde se mezcla la poesía, los multimedia y eventos en vivo. En este caso, Verbobala toca el tema del significado del lenguaje como un lugar de pertenencia, la lengua da pertenencia al individuo. El colectivo esta conformado por Logan Philip, un poeta de Arizona y el mexicano Moisés Regla, encargado de todo lo relacionado a multimedia. Es digno de subrayar que existan personas que

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estén interesadas en este circuito de Vj y artes electrónicas performáticas en vivo que, al mismo tiempo, están poniendo muchísima atención a la cuestión política, social y que están en la búsqueda de una conformación completamente multidisciplinaria.

Acerca de la memoria y el lenguaje, Pedro Páramo de Rodrigo Frenk. Cuando Frenk se fue a vivir a Alemania encontró la traducción de este libro en alemán realizada por su abuela. Estando en Berlín se sintió nostálgico y utilizó un programa bastante sencillo, en el que al ir escribiendo en alemán Pedro Páramo el programa le iba regresando con sonido todo aquello que iba tecleando. Es una manera de honrar la memoria y de lidiar con la nostalgia y la noción de arraigo, desde una perspectiva única y muy personal acerca de su identidad e historia.

Hablando de lugares comunes no podemos dejar de mencionar el trabajo de Bruno Bresani y su Contendor de los amores imposibles. Bresani realizó un pieza donde las personas a través de la red escriben historias de amor imposible que son guardadas y físicamente están impresas en un espacio galerístico. Las personas pueden dejar sus direcciones de correo electrónico y a aquellos que son su amor imposible eventualmente les llega la historia del amor imposible. Me parece un trabajo con una idea muy sencilla que trata un tema que es muy familiar-­‐ memorable porque el amor imposible es justamente, memorable. Es una pieza que encaja perfectamente con lo que esta sucediendo ahora, la gente se esta preocupando por cosas que siempre han recibido atención pero lo

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están presentando de tal forma que va adquiriendo un sentido de memorabilidad, creo que es fundamental reconocer esto.

En el terreno de la animación y el videojuego está la pieza de Anni Garza Lau. Trabajando hacia las expresiones poéticas, la artista hizo un programa de reconocimiento de voz y sus modulaciones que están en el comportamiento de un personaje animado. La pieza se llama The Drama Manager y lo que hace es que va administrando las actitudes y el estado de animo de la protagonista que es ella misma transformada en una especie de juego ya que cuenta con ciertas reglas, hay una llave para entrar a una casa, misma a la que no se puede acceder a menos de que se haya pasado ciertos estados de ánimo. Por lo tanto, tiene una estructura de juego y un guión que cuenta con infinitas posibilidades, una obra abierta. Estoy de acuerdo con la opinión de Garza que el futuro de la literatura de ficción esta en los juegos interactivos, a partir de la realidad y ficción compartida y creadas en lo selectivo con finalidades lúdicas. Lo que me fascina de este proyecto es que rescata y nos deja el trabajo en una cuestión anecdótica, además de que utiliza un medio bastante sofisticado y la animación está muy bien realizada y puede relacionarse perfectamente con el personaje. Hay artistas jóvenes mujeres como ella y Nuria Fragoso que hacen trabajo destacable con tecnología de punta. Fragoso realizó un proyecto llamado Hábitat, inspirado en un poema, con una bailarina que está dentro de un espacio doméstico; en este entorno existe la mujer que en soledad dibuja. Lo que hizo fue alterar un control de Wii para que con sus

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movimientos pudiera ir dibujando las paredes en el espacio físico, es una experiencia muy interesante. Su pieza se relaciona con la video danza, con el tema del hábitat, el espacio íntimo y propio y la actividad de dibujar en tiempo real.

Dentro de esta línea de trabajos también está el trabajo de Ary Ehrenberg también es una instalación que se llama Ground Level. Cuenta con una parte de contemplación lúdica que es interesante, sobre todo puesto que la experiencia es sencilla, familiar, en tanto lo que le exige al espectador; pero hay algo poético, contemplativo. La pieza requiere que el espectador se acueste para verla, y Eherenberg genera la ilusión de que ciertas cosas están cayendo de arriba, del cielo. Una experiencia donde sabemos que lo que esta sucediendo no es real, sin embargo hace una referencia a la realidad. El trabajo tiene características lúdicas y también muy oníricas.

El trabajo de Ulises Barreda, Espejo 4 es una autorretrato en video, un autorretrato totalmente poético que se puede asociar con la instalación de Ary Ehrenberg. Es, simplemente, un autorretrato donde él sopla dirigiéndose al agua, es contemplativo y es para una serie de instalaciones muy sencillas en las que experimentan espacios novedosos para la proyección, una línea que podríamos rastrear en el Expanded Cinema. Es un video mono canal donde a través del soplido en el agua se va viendo y transformando el rostro, un autorretrato que tiene que justamente con la gestualidad y sus transformaciones.

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La curaduría es una especie de mezcla, haciendo una lectura general de todo y la unión de unas piezas con otras a través de asociaciones visuales, temáticas y conceptuales. Espero que la selección del trabajo de estos artistas emergentes ayude a que la gente vea la importancia de su producción, que propone de manera acertada nuevas formas de ver las cosas familiares.

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