EBOOK PAILLET

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DIFERENCIACIÓN COLECTIVA

LA MALA PALABRA

DIFERENCIACIÓN COLECTIVA

Guillermina Paillet // 2024

AGRADECIMIENTOS

Quiero agradecer, principalmente, a mi mamá, papá y hermana; por siempre respetar y apoyarme en mis decisiones, por acompañarme y alentarme a ir siempre por más.

Agradecer, también, a mis amistades. Mis amigas / colegas que hicieron de este proceso una experiencia increíble; y mis amistades más viejas, que a pesar de las distancias y los caminos que cada una toma, siempre están.

Por último, agradecerle a la vida, por las oportunidades y el constante crecimiento.

Agradecer, siempre agradecer.

«La moda es la imitación de un ejemplo y satisface la demanda de adaptación social,[...] al mismo tiempo, satisface no en menor grado la necesidad de diferenciación y la tendencia hacia la disimilitud, el deseo de cambio constante y de contraste» (Simmel, 1971)

«Las modas son lazos que unen a los individuos en un acto mutuo de conformidad con las convenciones sociales» (Finkelstein, 1991)

Introducción

Rol de la moda

Museos de moda

Comunicar moda

Diseño diferencial

La moda interroga

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¿Qué es ser diferente? ¿Qué nos hace

iguales?

Estos, entre otros, fueron algunos de los interrogantes que dieron origen y creación a este E-book; un libro que nace de la curiosidad por entender la necesidad humana de diferenciarse de otros humanos, fusionada con el deseo de encontrarse representado en otros. Una dualidad de discurso tan compleja como la existencia misma. Sin embargo, casi con total seguridad se puede afirmar una cosa: las personas buscan, como fin último, poder ser ellas mismas. Vivir, sentir, expresarse, sin límites ni miedos. Es a causa (o como consecuencia) de este intrincado que, probablemente, no se pueda dar una respuesta específica a dicho comportamiento, pero sí ahondar en los distintos rubros e influencias que lo forjan. Cómo y desde dónde lo forjan es parte del análisis, teniendo en cuenta que así como existen los “grupos de nicho”, que suelen salirse de la norma e incentivan la búsqueda y expresión de la identidad, también existen los grupos masivos (lo “pop”, de popular), que establecen lo que es cool, lo que está “de moda”, y que no dan tiempo a que uno siquiera piense en si le gusta o no: pisan tan fuerte que, por momentos, lo pisan a uno. En este sentido, resulta vital ahondar sobre el rol que tiene la moda como indicativa (u ocultadora) de la identidad: ¿es esta opresiva o liberadora? La literatura sobre moda ha tratado y profundizado esta temática a lo largo de la historia y, como suele suceder con todo lo que la moda conlleva, deriva en profundos análisis relacionados a cuestiones sociales y psicológicas: en este caso, la identidad misma. Es interesante pausar por un momento sobre la definición de esta palabra, establecida por La Real Academia Española (RAE):

1) nombre femenino

Cualidad de idéntico.

2) nombre femenino

Conjunto de rasgos propios de un individuo o de una colectividad que los caracterizan frente a los demás.

El concepto en sí mismo presenta una paradoja, pues implica ser idéntico, a la vez que da características diferenciales a un individuo frente a los demás.

Ante la contradicción sobre la participación de la moda en la revelación e interpretación que se puede hacer de los demás, en función a sus apariencias, Finkelstein (1991) establece que “mientras queremos leer al otro a través de su aspecto y esperamos poder hacerlo con exactitud, al mismo tiempo somos conscientes de que las «apariencias pueden ser engañosas»”. Partiendo de estas bases, ¿se usa la indumentaria como forma de expresión y revelación de la identidad? ¿se usa para ocultar el verdadero ser y crear uno nuevo? O, quizás, para quienes no han logrado encontrar todavía una identidad propia, la moda funciona como impositora de lo que deberían usar, con tal de pertenecer.

La complejidad de esta exploración no tiene límites, y entra en juego con ella la noción de que la moda opresiva es especialmente clara frente a las mujeres. En su libro Adorned in Dreams, Elizabeth Wilson (2003) señala que “la tesis dice que la moda es opresiva: la antítesis, que nos da placer”. Placer u opresión, masiva o de nicho, no se puede negar que la moda forma parte de la vida de todas y cada una de las personas; ya sea construyendo, reinventando u ocultando la esencia de cada quien.

En la actualidad, las manifestaciones de estas ideas y conceptos se suelen ver reflejadas en marcas de moda conceptuales, aquellas que no se interesan particularmente por seguir tendencias sino que, por el contrario, las imponen. A nivel macro-tendencia, en los desfiles de AW 2023/24, firmas como Rick Owens, Balenciaga, Comme des Garçons, Chen Peng, entre otras, presentaron morfologías extraordinarias, desdibujando completamente la silueta humana, para crear una nueva. El negro, como acromático protagónico, no es azaroso. El conjunto de estos elementos, permitió que cada una de estas marcas cree personajes únicos e irrepetibles.¿Son estas figuras respuestas a una nueva manera de afrontar la realidad? ¿Fomentan la expresión individual en su mayor potencia, o apelan a la necesidad de crear nuevas identidades?

Sin embargo, la industria de la moda no es el único espacio que da lugar a estas interpretaciones, respecto a la libertad u opresión que genera sobre la individualidad. La música es, sin lugar a duda, una de las más grandes representaciones de la identidad. Con un funcionamiento similar, la música crea grupos que van desde lo reducido a lo masivo. El rock, el punk y el grunge son, por excelencia, géneros que han revolucionado las calles y la noción de estilo. Y, si bien han comenzado como grupos rebeldes, que van en contra de lo establecido y que permiten una fuerte libertad de expresión, poco a poco han sido adoptados y han llegado a la masividad. Un claro ejemplo de esto es la llegada del grunge a las pasarelas, a través del diseñador Marc Jacobs para Perry Ellis en 1993.

Una relación simbiótica que bien lo expresó la revista Queen (1965), en un artículo titulado “Society: The Index”, donde indicó que “[...]. Las nuevas actitudes sociales dependen de una perspectiva cambiante. Apenas los que no están a la moda descubren a los que sí están, los que sí están salen disparados hacia los que están en la onda hace mucho tiempo antes. Uno nunca termina de transformarse en el otro.”

Así como la moda y la música son grandes exponentes (e influyentes) de la expresión (o no) del ser, hay factores como los medios de comunicación, la publicidad, el cine, las redes sociales e incluso la religión, que crean e imponen ideales, muchas veces ayudando a desarrollar, y otras moldeando a su gusto y preferencia, las distintas identidades individuales y colectivas.

Issey Miyake Look 46 - FW24

Rick Owens Look 17 - FW24

Rick Owens Look 49 - FW24

Chen Peng Look 21 - FW24

Comme des Garçons Look 9 - FW24

Andreas Kronthaler for Vivienne Westwood Look 18 - FW24

Chen Peng Look 25 - FW24

Andreas Kronthaler for Vivienne Westwood Look 37 - FW24

BALENCIAGA Look 33 - FW24

01 ROL DE LA MODA

“La moda está pensada para el cuerpo: es creada, promocionada y llevada por el cuerpo. La moda va dirigida al cuerpo y este último es el que ha de ir vestido en casi todos los encuentros sociales. En Occidente, y cada vez más también fuera de él, la moda estructura la mayor parte de nuestra experiencia del vestir [...]” (Entwistle, 2002).

Cuando se piensa en la palabra <<moda>>, se suele pensar en tendencias. Ropa. Los aspectos más frívolos e insensibles de nuestra sociedad. Cuando las personas piensan en esta palabra, suelen pensarla como algo que forma parte de un mundo ajeno, al que no pertenecen; un mundo que puede resultar aspiracional, o completamente indiferente. Esta línea de pensamiento no es azarosa: la industria se encarga de crear y vender fantasías, mundos imaginarios y realidades distorsionadas que, en un primer acercamiento, establecen dichos preconceptos.

Los estudios de moda suelen fomentar estos ideales, dado a que suelen analizarla como un sistema abstracto en el que, por un lado, se encuentran los aspectos sociológicos, psicológicos y culturales; por el otro, las teorías económicas, industriales y de marketing Pero, a pesar de la gran complejidad que presenta la moda respecto de su relación e influencia a nivel social, cultural, político, tecnológico y hasta económico, hay un factor que no se debe obviar: no es ajena a nadie

“Hay un hecho evidente y prominente sobre los seres humanos, tienen cuerpos y son cuerpos” (Turner, 1985). Y, entendiendo que las normas de la sociedad actual no conciben la desnudez pública, el mundo social resulta formado por un conjunto de cuerpos vestidos. Hay algo que une a todos los humanos alrededor del planeta, independientemente de su raza, cultura, costumbres o religión: el vestir. Todas y cada una de las personas comparten el ritual de la vestimenta; y es, de hecho, a través de esta acción, que el individuo se vuelve social, adquiriendo y

manifestando su identidad.

Un acto que parece tan sencillo, tan común y rutinario, pero que está cargado de una gran simbología y significado El vestirse como a cada uno le gusta, siendo fieles a su estilo, expresando su esencia, le otorga al hombre confianza, autoestima, bienestar y comodidad Más importante aún, le brinda autonomía

Sin embargo, y a pesar de estas afirmaciones establecidas por diversos estudiosos y pensadores, hay un hecho que suele ser pasado por alto pero que, gracias a los avances sociales, cobran mayor relevancia año a año. Esto es, la consideración de las personas con discapacidades motrices a la hora del, a priori, asequible acto del vestir.

Al respecto, el rol de las marcas de indumentaria se vuelve cada vez más importante. La inclusividad es un tema en auge dentro de la sociedad actual; sin embargo, suele ser una inclusión que excluye. Según estudios de la OMS, uno de cada cinco europeos tiene algún tipo de discapacidad; pero pocas son las marcas que hacen algo al respecto.

La motricidad fina, por ejemplo, se encarga de la coordinación de músculos, huesos y nervios para producir movimientos pequeños y precisos; es decir que una persona con alguna incapacidad dentro de este área, encontrará gran dificultad para abotonar un pantalón, atar cordones o abrocharse una camisa

Del mismo modo, a personas con una hiperreactividad táctil, es decir, aquellas que reaccionan de manera desmedida ante ciertos roces y sensaciones, les resultará extremadamente difícil concretar la tarea del vestir, entendiendo que las telas, costuras y etiquetas les provocan un gran malestar

“Moda Adaptada” es el nombre que recibe la moda diseñada específicamente para personas con necesidades diversas. La moda adaptada puede ayudar a mejorar la autonomía y a que se sientan más seguros y capaces de hacer frente a sus dificultades físicas

Una vez abordado el tema, entra en juego el factor estético y de pertenencia. Sin profundizar en este

capítulo al respecto, es relevante destacar que las marcas de moda generan deseos en los individuos, y aquellos con capacidades reducidas no son ajenos a estos. Y, aunque cada vez son más, es todavía limitada la cantidad de marcas de renombre que han tomado acción respecto a esta temática.

Tommy Hilfiger es una de las pioneras dentro del rubro. Con su línea Tommy Hilfiger Adaptive, con prendas tanto para niños como adultos, la marca se propuso facilitar el vestir de manera sencilla y autónoma, sin perder el “clásico y fresco estilo americano”. En palabras del diseñador “[...]cada pieza tiene el mismo espíritu de diseño y calidad que ofrecemos a todos los demás. La ventaja son modificaciones discretas y verdaderamente funcionales que hacen que vestirse sea menos difícil y permiten que tanto los niños como los adultos con discapacidades se sientan bien consigo mismos.”

Con prendas hechas en tejidos suaves, con etiquetas termoimpresas, costuras planas; cierres sencillos; o pantalones adaptados a prótesis y sillas de ruedas, Tommy se encarga de brindar una sencillez funcional, a la vez que permite “estar a la moda”.

Moda inclusiva Moda que permite expresar identidades Moda que democratiza el vestir Son estos los pilares de una moda creada por la sociedad, para la sociedad

“Una perspectiva sociológica sobre el vestir requiere apartarse del concepto de la prenda como objeto y contemplar en su lugar la forma en que el traje encarna una actividad y está integrado en las relaciones sociales.” (Entwistle, 2002)

02 MUSEOS DE MODA

The Vulgar: Fashion Redefined

Galería de Arte Barbican, Londres, Reino Unido 13 de octubre de 2016 - 5 de febrero de 2017

T H E V U L G A R : F A S H I O N R E D E F I N E D

De acuerdo con la Real Academia Española, la palabra vulgar se puede definir como:

1. adj. Perteneciente o relativo al vulgo.

2. adj. Dicho de una persona: Que pertenece al vulgo.

3 adj Que es impropio de personas cultas o educadas

Sin embargo, al recorrer “The Vulgar: Fashion Redefined” , la exhibición presentada en el Barbican Art Gallery de Londres, esta no es la concepción principal que se interpreta de la palabra.

Curada por Judith Clark, en conjunto con su marido el psicoanalista Adam Phillips, la muestra permite ahondar y reflexionar sobre el significado y uso de la palabra “vulgar”; creando así un nexo entre vulgaridad y clase, gusto, consumismo, ambición y riqueza

Phillips desarrolló 11 definiciones diferentes de la palabra, las cuales se utilizaron para separar la exposición en 11 secciones. Dichas definiciones (expuestas al inicio de cada sala) son necesarias para comprender la complejidad y profundidad que connota la palabra de base Es lógico que, en los tiempos que transcurren, al pensar en algo vulgar, se lo asocia a cuestiones relacionadas con el cuerpo, la sexualidad y el exhibicionismo; pero, el objetivo en este caso, es otro Phillips sugiere que lo vulgar es el “otro” necesario contra el que se mide el buen gusto. Como él mismo indica, "la palabra 'vulgar' se usa para vigilar los límites del gusto La moda es donde el buen gusto y el mal gusto se mezclan y combinan" .

Para lograr comunicar esto, Clark creó una maravillosa exposición con prendas que reúnen 500 años de historia (las cuales incluyen couture y prêt-à-porter), junto a más de 40 diseñadores (entres quienes se destacan Walter van Beirendonck, Chloé, Christian Dior, Christian Lacroix, Lanvin, Moschino, Miuccia Prada, Elsa Schiaparelli, Viktor & Rolf, Louis Vuitton y Vivienne Westwood), para explorar las modificaciones en los usos de la palabra, dejando en claro cómo los diferentes contextos y períodos de tiempo influyen en lo que es considerado (o no) vulgar.

Los estudios en arquitectura de Judith Clark logran manifestarse en una elaborada puesta en escena de las diferentes categorías de la muestra. La experimentada curadora logró una exposición elegantemente escenificada, con vitrinas iluminadas que atraen la atención sobre las prendas, y generan un mayor impacto.

Esto, acompañado de las definiciones de Phillips, exponen un pensamiento crítico sobre la relación entre vulgaridad, moda, medios de comunicación y las propias exposiciones de moda.

Una de las habitaciones que más ha dado que hablar, es la titulada “Puritano”. El gran efecto de la misma lo crea la acertada iluminación, dado a que en ella no se exponen más que dos conjuntos (uno perteneciente a John Galliano para Dior y el otro de Alexander McQueen para Givenchy), acompañados por una fila de cuellos de encaje blanco. Estos

collares (propios de los siglos XVIII y XIX) eran considerados símbolos de pureza que funcionaban como adornos de la ropa negra lisa Cuando uno ingresa a la sala puede sentirse ampliamente confundido: ¿cómo algo puritano puede ser vulgar?

Ante esto, la autora indica que "el vestido puritano, con su negación de color y decoración, y su supuesta negación de placer, olvida los placeres de la negación" y que "la vulgaridad está personas necesitan expresar su pureza?

Como se mencionó previamente, noción de que una expo podría ser considerada cuenta que, como producto comercio, la moda en inherentemente vulgar. se transita en el recorrido ser percibida como demasiado sexualizada o kitsch.

A pesar de la gran cantidad los diversos análisis que Vulgar: Fashion Redefined que resultan pertinentes, se puede crear entre ellas book.

En una de ellas, se abarca ambición imposible. La que se burla de la ambición. Es la aspiración la que sobreexpone a lo que aspira" (Adam Phillips). En este sentido, no se hace uso de la palabra en su forma literal, para describir a la gente común, sino para hablar de todos aquellos que intentan ser algo que no son, tratando de pertenecer a grupos en los que no pertenecen, por el simple hecho de sentirse incluidos. Por otro lado, la Sala 1 expresa la relación entre el ser vulgar y no ser original. Un conjunto de prendas inspiradas en Piet Mondrian son utilizados para exponer esta idea. Un vestido de Yves Saint Laurent que utilizó las líneas geométricas de las pinturas de Mondrian, sumado a otras dos copias posteriores (una de YSL de nuevo y otra del diseñador holandés Michael Barnaart Van Bergen), traen a flote la pregunta de

¿cuántas veces podemos reproducir el mismo diseño antes de que se vuelva vulgar?

Al respecto, Phillips establece que “la vulgaridad explota la diferencia entre lo común y lo que tenemos en común. Se vuelve la mesa. Convierte la moda en uniforme”.

"El vulgar" celebra esos momentos en los que la moda alcanza el apogeo de su órbita lejos del buen gusto. Entonces, ¿qué es más vulgar: querer ser diferente, o querer ser igual?

Esta exhibición es una prueba más de, no solo la profundidad y complejidad que abarca la moda, sino también de cómo una simple palabra puede denotar tantas interpretaciones y significados. “The vulgar: Fashion Redefined” es una invitación a la comunidad; para que se dejen de dar por hecho nociones e interpretaciones instauradas socialmente, buscando ir un poco más allá en sus pensamientos.

Judith Clark (18 de octubre de 1967), reconocida curadora y creadora de exhibiciones moda. De origen australiano, Clark pasó la parte de su juventud en Roma, mudándose a para estudiar arquitectura en el Bartlett. Cuenta, además, con una maestría en Historia Cultural e Intelectual 1300-1650 del Instituto Warburg, Escuela de Estudios Avanzados. Actualmente, es profesora de Moda y Museología el London College of Fashion de la Universidad las Artes, y una de las dos cofundadoras Centro de Curaduría de la Moda (CfFC). reconocida internacionalmente en el académico, los museos, las galerías, la industria y la prensa. A lo largo de su carrera, ha curado grande exhibiciones para museos tales el V&A de Londres; el Museo de la Moda en Amberes; Palazzo Pitti, Florencia; el Museo Frida Kahlo, la Ciudad de México; y Cristóbal Balenciaga Museoa, Getaria; entre otros. Dentro de las dichas exposiciones, se pueden mencionar algunas como: The Concise Dictionary of Dress (con Adam Phillips) en Blythe House, Londres; Diana Vreeland después de Diana Vreeland en Palazzo Fortuny, Venecia; y Lanvin: Dialogues (2019), que celebró 130 años de la casa de moda de París en la Fundación Fosun en Shanghai.

En 2020, Clark abrió un nuevo estudio en Londres,

Adam Phillips (19 de septiembre de 1954) es un importante psicoanalista y ensayista británico. Nacido en Cardiff, Gales, estudió inglés en el College, Oxford. Una vez pasó por cuatro años de con Masud Khan y se calificó practicar como psicoanalista a la edad de 27 años.

año 2003, se convirtió en el general de las nuevas traducciones de Penguin Modern Sigmund Freud. También es borador habitual de la London Book; y es considerado “el escritor de psicoanalítica de Gran Bretaña” por The New Yorker.

Actualmente, se dedica tanto a la como a la práctica privada en Notting Hill.

TELETECA

Museo de la Historia del Traje | 21 Julio 2023 // 28 Abril 2024| Curaduría: Costanza Martinez

Teleteca viene a poner la lupa sobre esa riqueza de nuestra cultura material, a darle relieve, profundidad y celebración.

Vicky Salías - Directora del Museo del Traje

En el marco de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur 2024, el Museo del Traje ofrece al público la innovadora propuesta titulada “TELETECA", curada por la diseñadora de indumentaria y textil Constanza Martínez La misma consta en una selección, proveniente de la Colección del propio museo, de patrones textiles, los cuales fueron puestos a disposición de distintas personas, para que a través de nuevas producciones, logren contar nuevas historias.

Además de dichas unidades de referencia, la muestra también incluye documentos, accesorios y prendas; todo propiedad del museo

En este sentido, Teleteca no es solo una exhibición, es una experiencia completa; una “producción de patrimonio instantáneo” El centro de la muestra está enfocado en, precisamente, el diseño textil, ofreciéndoles a los espectadores una nueva manera de interpretar y analizar las piezas de indumentaria.

A nivel estructural, la exposición se encuentra dividida en seis salas. La primera de ellas, y la más grande, se titula “El destino poliamoroso de los patrones”, una instalación participativa colectiva, que muestra no solo el resultado final sino también el proceso de (re)creación de patrones: objeto patrimonial / patrón/ nuevo diseño. El principal foco de la misma se encuentra en la serigrafía y sus múltiples usos, aplicada desde prendas de vestir, hasta almohadones, cortinas y cualquier otro soporte que se pueda imaginar.

Como información adicional dentro de la misma sala, el museo ofrece la posibilidad de descargar los patrones a través de la web, listos para aplicarlos “a lo que quieras crear”, no solo eso sino que también indica y explica el significado de patrón.

La siguiente sección , “Diseñadores de aquí y de allá”, está compuesta por un conjunto Fiorucci, una blusa Pucci, un conjunto Lamarca, un vestido Cacharel, una corbata Pierre Laurent y una chaqueta Fridl Loos.

La característica principal de esta parte de la exposición, es que la escenografía está conformada por las recientemente mencionadas prendas y, junto a ellas, distintos elementos en los que se aplican (y en cierto punto resignifica) las estampas de las mismas. Ambas salas comparten paletas de colores estridentes y vivos.

Una característica que llama la atención de la muestra, es el uso y selección de los maniquíes. No eran de una tipología reloj de arena, la cual se habitúa a usar en este tipo de muestras. Esta decisión puede estar asociada al hecho de que, al ser prendas históricas, reflejan la silueta “hegemónica” de la mujer en dichas épocas (s.XIX y XX).

A continuación, y en relación a lo mencionado anteriormente, se encuentra la sala titulada “Vegetabilia”, donde se puede observar el mismo recurso de exhibición pero con prendas pertenecientes y características del siglo XIX. Aquí la paleta de colores es apagada, y su iluminación tenue y oscura, hace alusión a una época más “formal” e histórica.

La muestra finaliza con las salas tituladas “Perlitas Nacionales” y “Perlitas del Mundo” respectivamente. Ambas reflejan prendas y textiles característicos de las culturas de los países de los cuales son oriundas. Representan fuertes símbolos de las costumbres y tradiciones de cada país.

Así, Teleteca invita a reflexionar acerca de cómo la vestimenta construye un sentido de identidad, no solo a nivel individual, sino también en cada país y cultura. La bombacha de gaucho, el águila comiéndose la serpiente, la chaqueta china, el bordado de Frida, son insignias que identifican y personalizan creencias, épocas, y clases sociales dentro de la sociedad.

CURADORA

CONSTANZA MARTINEZ: Licenciada en Artes, Facultad de Filosofía y Letras, UBA.

Desarrolló su propia marca Muchatela, además se dedicó a la decoración, vestuario y escenografía y piezas textiles escenográficas para el Alcalá de Madrid, Carre de Amsterdam, Moulin Rouge de París, WTA Bienal Arte Textil en Argentina, entre otros.

Se desarrolló en el área de investigación, docente en la carrera de Diseño y Textil FADU- UBA. Desde el 2019 forma parte del equipo de Fundación IDA, institución que se dedica a resguardar el patrimonio de diseño nacional, en donde se encarga de la gestión de patrimonio y curaduría de las piezas.

En 2021 comienza a desarrollar el proyecto TELETECA poniendo el foco en el patrimonio textil del museo.

MET GALA

En el marco de las exhibiciones mencionadas previamente, se demuestra y asegura que la relación entre la moda y el museo es cada vez más fuerte y relevante En este sentido, se vuelve inevitable pensar en el importante evento (sino el más) de la industria de la moda, la cultura y el arte: la Met Gala Iniciada por Diana Vreeland, no se puede negar que sus célebres exhibiciones permitieron popularizar la idea de que la moda, en términos de indumentaria, también era (es) digna y merecedora de presentarse en museos. Del mismo modo, no se puede negar que su perspectiva y acercamiento de la moda al público generaba sentimientos encontrados debido a, lo que muy detalladamente destaca Valerie Steele (2018) en su libro Fashion Theory “[ ] las exposiciones de Vreeland abundaban en anacronismos y que la insistencia de la organizadora en crear una sensación de “tiempo presente” tendía a comprometer la exactitud histórica”

Frente a las críticas Diana Vreeland decía que “Al público no le interesa la exactitud: ¡el público quiere belleza!” (Dwight, 2002) y que “No quiero que me eduquen ¡Quiero que me ahoguen en belleza!” (Newhouse, 2006)

Cuando se habla de la Met Gala, más allá de celebridades y tendencias, se habla de la muestra de la moda desde una mirada diferente. Presentarle al público que el universo de fantasía que la moda crea, también tiene historia, cultura y profundidad. Cada año esta perspectiva se refleja a través de distintas temáticas; en el 2024, se representó a través de la consigna “Sleeping Beauties: Reawakening Fashion”. Un concepto muy interesante, ya que habla de un “redespertar” de la moda: revivir piezas icónicas de diseñadores con una mirada y estilo únicos, que sobresalen entre los demás. Más de 200 prendas y accesorios que reflejan la innovación en la indumentaria: cuatro siglos conectados a través de temáticas que refieren a la naturaleza, que también sirve como metáfora de la transición de la moda. Una exhibición que empuja los límites de la imaginación, e invita a la experimentación sensorial del público. "'Sleeping Beauties' aumentará nuestro compromiso con estas obras maestras de la moda al evocar cómo se sienten, se mueven, suenan, huelen e interactúan cuando se usan, ofreciendo en última instancia una apreciación más profunda de la integridad, la belleza y

la brillantez artística de las obras en exhibición" (Marina Kellen, 2024).

Y así como la exhibición en sí misma es una muestra desde la experimentación, el talento y el factor diferencial en la industria, la alfombra roja de la gala es un espacio de creación pura. Un momento en el que, tanto las celebridades como los diseñadores, pueden expresar su identidad y esencia, a partir de la interpretación propia que hacen de la materia base. “The Garden of Time”, la novela de J.G Ballard, fue la musa inspiradora de los looks que se vieron en el evento del año. Nuevamente, lo interesante no es analizar cuál va a ser el color de la temporada en función a lo más utilizado, sino cómo a partir de una misma consigna, cada ser humano busca (a veces con mayor o menor éxito) poder representar quiénes son. Crear looks que crean identidad.

Resulta interesante, e increíble, que partiendo de un análisis tan complejo y profundo como es la relación entre moda y museo, indefectiblemente todo se termina asociando y vinculando con lo que puede considerarse el fin último del ser: la identidad. “La indumentaria es, por lo tanto, el medio por el que se destacan y conservan las identidades.” (Entwistle, 2002)

COMUNICAR MODA

En los tiempos volátiles del presente que habitamos, es lógico cuestionarse cómo, o a través de qué estrategias de marketing y branding las marcas logran mantenerse relevantes Especialmente, si se tiene en cuenta la llegada de la herramienta aliada y, a su vez, enemiga del mundo: las redes sociales

Las redes sociales han transformado radicalmente la dinámica de la comunicación y el control de la reputación de las marcas; es a causa, y como consecuencia, de esta nueva relación, que las marcas que han sabido aggiornarse, han logrado (en mayor o menor medida) afianzar y desarrollar su identidad virtual

Ante la presencia de un entorno en el que los consumidores valoran la autenticidad, las firmas comunican su ADN y valores, buscando la fidelización de los usuarios. En este sentido, el uso de influencers, la imitación de los “trends” más famosos, o la aplicación de audios virales, han sido algunas de las maneras en que, marcas como Jacquemus, Marc Jacobs y Balenciaga, entre otras con gran trayectoria, han logrado cobrar relevancia entre los públicos más jóvenes.

Respecto a esta nueva forma de comunicación, la relación marca / influencer / público no debe ser tomada a la ligera. La marca, a través de estas personalidades destacadas en las distintas plataformas sociales, le otorga el poder de comunicar por ellas; entendiendo que la voz de estos individuos conecta con la esencia de ellos. Es por eso que, según datos y estadísticas, en lo que va del año el 59% de los marketers han incrementado sus inversiones en esta área.

Uno de los ejemplos más disruptivos e innovadores del marketing de moda en este sentido es la última campaña de Alexander Wang, para promocionar su bolso “Ricco Flap Bag”. Bajo el lema “100% auténtico certificado”, la firma de moda de lujo decidió hacer uso de las influencers imitadoras (casi una especie de dobles) de famosas como Ariana Grande, Beyonce, Taylor Swfit y Kylie Jenner. Una estrategia que causó una gran polémica en el

público, principalmente en Instagram y TikTok; con una variedad de mensajes para interpretar y reflexionar al respecto.

Si bien, quizás, la intención fue representar y jugar con las nociones de duplicados frente a lo auténtico en el mundo de la moda, hasta qué punto un influencer es leal a su propia identidad es un interrogante que florece en la mente del consumidor, quien percibe cada vez más cuando las intenciones por parte de estos creadores son meramente comerciales. Y, en todo caso, cómo el influencer pasa a ser también un producto; perdiendo su identidad para acoplarse a la de la marca.

Hoy día la diferenciación es un debate latente, especialmente entre los más jóvenes que navegan las redes. Ser, imitar, pertenecer o distinguirse: son estos los conceptos que ocupan los pensamientos de una generación consumida por los ideales que se manifiestan en estas plataformas. Cuál es el rol que juegan las marcas de moda en todo esto es un dato no menor: tienen el poder de afianzar la necesidad de pertenecer, o fomentar la expresión del ser.

Cualquiera sea el caso, no es una tarea fácil. Tanto a nivel individual como de marca, es muy sencillo perderse en los ríos de TikTok o Instagram, borrando los límites entre lo real y lo ficticio. Ya sea como casa de indumentaria o como individuo, cabe preguntarse ¿estoy estableciendo mi identidad? ¿O me estoy acoplando a lo que hacen todos con tal de pertenecer en la comunidad virtual?

A raíz de todo lo desarrollado, resumido en la revolución digital, se concluye que cobraron mayor protagonismo las redes sociales y con ellas, la noción y el debate de la democratización de la moda. Ahora bien, una pantalla que visibiliza su universo marcario, ¿eso nos hace pensar que la moda se convirtió en

algo democrático?¿Hasta qué punto la marca verdaderamente democratiza la moda, o es simplemente una vidriera para mostrar una realidad que no es? ¿una democratización ficticia? Una pantalla, marcas y productos; fomentadoras del deseo, la creación y la publicidad de un mundo ideal y una vida aspiracional.

04 LA DOBLE D: diseño diferencial

«La vida moderna muestra un deseo de generalización, de uniformidad, de similitud inactiva de las formas y de los contenidos de la vida, y de diferenciación, de elementos separados que producen el incesante cambio de una vida individual» (Simmel, 1971)

La moda es uno de los espacios donde mayo representación tiene esta noción, establecida hace ya varios años por el sociólogo Georg Simmel; donde existe una uniformidad masiva expresada a través de las tendencias y donde, paralelamente, coexisten grupos de nicho que buscan expresar sus personalidades a través de la indumentaria En este capítulo, se profundizará sobre este segundo concepto no desde la perspectiva del usuario, sino del diseñador

Extensa es la lista de los diseñadores que han revolucionado la industria con sus presentaciones tan expresivas, fuera de lo “común”, con gran esencia e identidad. Entre ellos, es obligatorio mencionar a Rei Kawakubo, Rick Owens, Martin Margiela, Yōji Yamamoto, Alexander McQueen, Vivienne Westwood y Jhon Galliano. Todos, a su manera y con su estilo, apelan a un grupo de personas que buscan diferenciarse de las mayorías, a la vez que forman nuevos grupos de pertenencia.

Dentro de estos creadores, y en la actualidad, la escena asiática juega un rol muy importante como cuna de creadores disruptivos, que alejan poco a poco la mirada de una moda eurocentrista En este sentido, Gentle Monster, una marca creada hace poco más de una década, es digna de mención y análisis.

Disruptivo, ecléctico y sofisticado son los valores que definen a Gentle Monster, una marca de gafas de lujo que nace en 2011, en Seoul Korea. Creada por Hankook Kim, y financiada por Jae W Oh, opera bajo una filosofía y perspectiva únicas, dedicada a una visión de "belleza extraña" a través de la "experimentación de alta gama”. Gentle hace referencia a los diseños sutiles, modestos y fáciles de llevar, y Monster expresa su actitud audaz y su originalidad.

Su propuesta innovadora y futurista le permitió insertarse dentro del mercado asiático, a la vez que la diferenció de la competencia, la cual suele crear productos para el rostro y pensamiento occidental. ¿Cuál fue su diferencial? Las gafas de tamaño oversized. Teniendo en cuenta las nociones de belleza orientales (tener un rostro pequeño), este formato de lentes crean la ilusión de una cara de tamaño más reducido. Asimismo, hay quienes poseen puentes nasales bajos, que hacen que la mayoría de los lentes de sol se deslicen hacia abajo. Gentle Monster fue una de las primeras marcas en ofrecer modelos con «ajuste asiático» diseñados para este tipo de estructuras faciales.

Pero la originalidad no lo es todo para esta marca de gafas la cual, además, busca tener la mejor calidad posible. Los diseños los fabrica Zeiss y están hechos del mismo material ultra nítido de los lentes de las cámaras. Además de sus marcos estándar de acetato de celulosa y acero, Gentle Monster experimenta con cromo, titanio y otros metales de primera calidad.

Las colecciones conceptuales de la marca demuestran la ambición de superar los límites y el arte Gentle Monster es capaz de dar un toque futurista a las siluetas clásicas

Gentle Monster no vende sólo productos, vende una experiencia. De hecho, ellos mismos definen sus bienes bajo el lema “Wow Wonder Weird Beauty”: “Wow Wonder” refiere a la constante innovación que proponen temporada tras temporada; “Weird” implica la mezcla de diferentes inspiraciones y referentes, usualmente poco valorados en la industria de la moda; y “Beauty” habla de la perfección material y armonía con la que se llevan a cabo sus proyectos

Nada resulta aleatorio en esta marca, y sus colaboraciones no escapan a esta noción. Coperni, Maison Margiela, Jennie, Moncler, Heron Preston, SANKUANZ y Ambush, por mencionar tan solo algunas. Todo forma parte de una identidad tan fuerte, marcada y armoniosa, que hace que cobre completamente sentido la elección de cada una de estas marcas / personas con las que, a lo largo de los años, se alió Gentle Monster. Marcas y personas que hablan a grupos que, como ellas mismas, no buscan encajar, ni pertenecer, ni seguir tendencias. Quieren esencia. Quieren carácter. Poder expresar su ser interior a través de su imagen exterior.

Siguiendo en línea con esta idea de creación y representación, los locales también responden a un gran incentivo creativo. Buscan simular una galería de arte, creando algunos de los interiores de tiendas más inventivos e intelectualmente estimulantes del universo comercial. Lo más interesante de todo son las exposiciones de arte gratuitas que se realizan en cada tienda, en las que las piezas exhibidas cambian cada 21 días, lo que crea una experiencia nueva con cada visita. Los temas son variados, pero tienen en común su enfoque sobre conceptos del ser y su evolución, la transformación propia y la espiritualidad.

La tienda insignia de Hong Kong, por ejemplo, reproduce el interior de un vagón de tren y presenta instalaciones de video y figuras de tamaño real.

Finalmente, las campañas buscan reflejar toda esta identidad, con una estética visual cuidadosamente pensada. Desde sus inicios, las imágenes de las campañas de la marca presentan una representación de la realidad estilizada. La colección denominada “13”, por ejemplo, imagina un mundo en el que un cambio en la órbita de la luna conduce a la creación de un decimotercer mes, explorando los impactos sociales y ecológicos de esta nueva y espantosa realidad.

GM x Coperni

GM x Jennie

GM x Ambush

GM x Moncler

Definitivamente, a lo largo de la historia existieron y existen diseñadores con grandes visiones, que apuntan a nuevos y variados públicos Sin embargo, no siempre es necesario recorrer el resto del mundo para encontrarlos En Argentina también están presentes, y son cada vez más

Entre ellos, una marca relativamente nueva, pero con un gran potencial, es digna de ser mencionada y compartida. Se trata de Human Wear Solutions, creada por la diseñadora Agustina Arful. “Tecnológicamente diferente”, como se define a sí misma, esta marca aparece como respuesta a las necesidades específicas de un nicho de personas que, agobiados por la velocidad de los tiempos actuales, necesitan poder expresarse a través de la indumentaria.

Como se puede apreciar, lo primordial de estas marcas y diseñadores no es exclusivamente la indumentaria, sino el sentido de pertenencia que logran crear en torno a ella; la idea de una comunidad y un estilo de vida.

Continuando con el caso de HWS, se trata de una marca que no se rige por las tendencias. una marca que cuenta con una identidad propia, haciendo productos únicos, con uso de nuevas tecnologías. De hecho, si se analiza el propio nombre Human Wear Solutions, puede interpretarse como, literalmente, la solución de vestimenta a estas personas que se mueven a gran velocidad, y que buscan poder representar su ser de manera práctica. La atemporalidad de las prendas y el modelo de producción hablan de un interés por prácticas más bien orientadas a la sostenibilidad (tiene en cuenta lo social / económico / político ) y sustentabilidad (usar los recursos de forma eficaz).

A su vez, busca derribar estereotipos, compartiendo la idea de un ser andrógino y trayendo a la conversación temáticas futuristas.

HWS apela, principalmente, a satisfacer necesidades sociales y de pertenencia, apuntando a un nicho de individuos que no se sienten identificados con lo masivo; representando su naturaleza a través de lo conceptual, de lo andrógino, de la idea de un futuro caracterizado por la tecnología y la incertidumbre.

* * *

Independientemente de la marca, el diseñador, o la audiencia a la cual están dirigidas; indistintamente de si son grupos masivos o de nicho, hay un factor que los (y nos) une a todos: la idea de que la indumentaria, como medio, permite destacar, crear y conservar identidades.

“La moda sirve para protegerse de las miradas entrometidas y permite a la persona mantener una distancia entre ella y el otro, es la «armadura» del mundo moderno. Abre nuevas posibilidades para el disfraz, para la creación de un yo «artificial» en el sentido de una obra de arte.” ( Entwistle, 2002).

Diálogo entre Guillermina Paillet y Delfina Alfaro, con entrevista a la Licenciada en Diseño y Gestión de Estéticas para la Moda, docente en la Universidad de Palermo y asistente del área de arte, comunicación y marketing de la marca “Skinna”, Florencia Barreiros

La selección de dicha invitada está asociada al hecho de poder conversar con, no solo una persona con participación dentro de la industria, sino que además tiene una mirada contemporánea y actual de los sucesos dentro de la misma.

INTRODUCCIÓN

*cortina musical*

1- presentación de las coordinadoras del podcast. Introducción de las temáticas (democratización de la moda y diferenciación colectiva // uso de las introducciones de los respectivos ebooks).

2- Presentación de la invitada, con la intención de formar un diálogo colaborativo frente a dos temáticas tan debatibles.

DESARROLLO

*cortina musical*

Conversación con Florencia Barreiros, Guillermina Paillet y Delfina Alfaro. Listado de preguntas disparadoras:

¿Qué es la moda para vos? ¿Qué relación encontras entre la moda y la identidad? ¿Consideras que la moda puede llegar a ser opresiva o liberadora? ¿ Crees que la indumentaria es una herramienta de expresión? ¿Por qué? ¿Es un parámetro para revelar la identidad de una persona? la identidad? Habiendo reflexionado al respecto, y entendiendo que también sirve para ocultar el verdadero ser y crear uno nuevo, en los tiempos que transcurren actualmente, ¿qué crees que se da más? Una expresión real o una creación de nuevas identidades? (se puede disparar relación con las redes sociales)

¿Qué pensas sobre la democratización de la moda? ¿Tenes alguna postura al respecto? ¿Es posible? ¿Crees que existe realmente una moda democratizada, o que, en caso de que no, se logre llegar a una? ¿Qué vínculo encuentras entre moda y estatus? ¿La moda hace al estatus, o es a la inversa?

CIERRE

*cortina musical*

Breve conclusión respecto a lo conversado.

*cortina musical de cierre*

duración// 20/25 minutos

B I B L I O G R A F Í A

Steele, V. (2018), Fashion Theory, hacia una historia cultural de la moda

Entwistle, J. (2002), El cuerpo y la moda, una visión sociológica

Nelson Best, K. (2020), El estilo entre líneas, una historia del periodismo de moda

https://usa.tommy.com/en/tommy-adaptive

INFOBAE (2018)

https://www.infobae.com/tendencias/lifestyle/2018/04/20/modainclusiva-tommy-hilfiger-lanza-una-coleccion-pensada-para-personascon-discapacidad/

https://sites.barbican.org.uk/talkingvulgar/ gl=1*vycyfj* ga*MTkzODA2N zEzMS4xNzEwNDIwNDM5*_ga_M37GJNL6N0*MTcxMDY4NTEzMC40LjEuM TcxMDY4NTEzNC41Ni4wLjA.

https://fashionexhibitionmaking.arts.ac.uk/the-vulgar-fashionredefined/ https://www.telegraph.co.uk/art/what-to-see/the-barbicans-historyof-the-vulgar-is-delightfully-subversive/

Vivimos en una sociedad producto de la posmodernidad, caracterizada por la prevalencia del “yo”. La noción de la diferenciación no es una novedad: desde la época del dandi (y, probablemente, desde antes también) se puede observar cómo el ser humano busca resaltar, diferenciarse por sobre los demás. De hecho, al respecto, se podría aplicar el concepto desarrollado por Foucault (1988) sobre “las tecnologías del yo”, el cual hace referencia a las formas en las que, históricamente, se nos requiere que nos convirtamos en cierto tipo de seres humanos.

Ahora bien, ¿por qué la necesidad de ser diferente?¿Por qué es considerado <<mala palabra>> ser igual al resto? En una asociación a la moda, las subculturas, la música, los medios de comunicación (redes sociales, publicidad, cine) y llegando, incluso, hasta la religión, este E-Book busca, no dar una respuesta a dichos interrogantes, sino tratar de comprender un poco mejor el funcionamiento del ser humano y su desarrollo dentro de una sociedad cada vez más veloz y cambiante.