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Departamentos ALFONSO REYES 216

Alfonso Reyes 216 Col. Hipódromo Condesa México 06100 DF Informes: 52.56.10.50 ventas@l.org.mx Facebook: Alfonso Reyes 216

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24 Departamentos tipo Loft Diseño de Vanguardia Excelente Ubicación Vigilancia las 24 hrs. 2 Cajones de Estacionamiento Acabados de Lujo Captación de Agua Pluvial Planta Eléctrica de Emergencia

Diseño y Construcción L México S.A. DE C.V. México (52) 55.11. 64.11 Los Angeles (01) (310) 308.6053 www.l.org.mx Fotografía: Beto Adame


Directora General Editora en Jefe Greta Arcila greta.arcila@glocal.mx Editor Adjunto Jorge Eduardo Morales jorge.morales@glocal.mx Directora de Arte Ruth Vázquez Traducciones Alfonso Maldonado Becaria Marina Peniche

RESPONSABLES DE SECCIÓN Trazos Alfonso Maldonado Diseño Rodrigo Fernández Directora Comercial Daniela Luna ventas@glocal.mx

COLABORADORES Fotografía Sófocles Hernández Gabriel González

Diseño de Jean-Marie Massaud para Glocal Design Magazine. Estadio Volcano (Guadalajara, Méx.) y dirigible Manned Cloud.

Yolanda Bravo Saldaña Rodrigo Fernández Adrian Moncada Gabriel González José Luis González Cabrero Marcos G. Betanzos Correa Alfonso Maldonado

CONSEJO EDITORIAL Presidencia Gina Diez Barroso Consejeros honorarios Ariel Rojo Carmen Cordera Juan Carlos Baumgartner Juan Manuel Lemus Juan Bernardo Dolores Fernando Camacho Sagrario Saraid Miguel Ángel Aragonés Carlos Pascal Gerard Pascal Héctor Esrawe Arturo Aispuro Coronel Fernando Rovzar Jorge Gamboa de Buen

Glocal Design Magazine es una publicación de Color y Espacio Editorial S.A. de C.V. Revista Bimestral: Abril-Mayo 2012. Publicación protegida por la Ley de Propiedad Industrial y la Ley Federal de Derecho de Autor. Número de Certificado de Reserva otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2010-112513245300-102. Número de Certificado de Licitud de Título y Contenido 15057. Editora Responsable: Greta Vanessa Arcila Romero. El contenido de los artículos y de los anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. Todos los derechos reservados. Domicilio: Mánchester 13, Piso 1, Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc, C.P. 06600, México, D.F. Distribución: Publicaciones CITEM. S.A de C.V., Av. Del Cristo 101, Col. Xocoyahualco, Tlalnepantla de Baz, Edo. de México. Impresa en: Offset Santiago. Río San Joaquín 436, Col. Ampliación Granada, C.P. 11520, México, D.F.

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Contabilidad Víctor Villareal Arturo Xochipa Contacto: info@glocal.mx Manchester 13, piso 1 Col. Juárez, Delegación Cuauhtémoc México, D.F. Teléfono: 52 (55) 55.33.68.18


Editorial

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ada cuatro años, los ojos del mundo se concentran en el evento deportivo más importante del mundo. Por ello, decidimos dedicar esta edición de Glocal Design a los proyectos de diseño y arquitectura inspirados en el deporte, un par de meses antes de que comiencen las Olimpiadas. Primero, cuatro de las sedes de los Juegos Olímpicos en Londres, Inglaterra: El Centro Acuático de Lee Valley para canoa, el Velódromo, el Centro Acuático y, por supuesto, el Estadio Olímpico y sus propuestas arquitectónicas son los infaltables que había que mencionar. Del mismo modo, varias páginas más de nuestra edición fusionan diseño y deporte en opiniones, objetos y diseños. Es por ello que la portada de autor de esta edición muestra un espacio deportivo que conjuga la funcionalidad y el diseño: el Volcano Stadium de las Chivas, diseñado por Jean-Marie Massaud, quien, en entrevista, comparte su pasión por la creatividad, el diseño y su amor por la calidez mexicana. Por otra parte, orgullosos compartimos con nuestros lectores la reseña de la primera entrega del Premio Noldi Schreck. Con este premio, Glocal Design hace un homenaje a los grandes del interiorismo por partida doble: Primero, a los talentos contemporáneos que están teniendo logros importantes en interiorismo en México y cuyo trabajo ha destacado en los últimos años. Segundo, con este premio, hacemos un humilde pero merecido homenaje al arquitecto Noldi Schreck, quien estableció el término “interiorismo” en México y a quien le debemos la Zona Rosa y, según las propias palabras de Luis Barragán, fue Schreck quien forjó “el estilo Acapulco”. Espero que disfruten de esta edición.

Greta Arcila

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Cas aG 13 loc al Niñ em os, 14 pre ext sa e rior Ind es e pla ustria ilum t s 18 a Nov . M Peñ ina éxi o el A c l i e ó c s. D n o nd ise con rés Lh ño 22 tex en to. ima. L Mé a id Jai xico en m tida Isra Teli dd a 28 e s l . e su Vie Asi wT mil aci he ón llev Aven de Col g for 30 ado ers um ma s . na al c Grá s . Dis ine fico eño . Es s de J o t p ado Il M rge c a 31 s U ómic obi Die ra el nid dep le g o Pre os Etie or Enf view nne te. oqu . de M Mé 32 e J xico ean ilán Núm M ero arie s E Ma l de ssa 36 Agu port ud. Dis stín e en Fra eño nci Ote cifr 38 a Jor gui as. . g Arq M e MA Die éxi par uit co SIS go E 40 a el ectu A. M tie dep ra n é xico ne. ort Esta Pód e V ium eló dio Ol 48 d í Dec Lee rom mpi c o o V o . , , a Aqu lle Hom atic y Wh ena Cen ite je 49 tre Wat Nol Nol . Re er C Pre di S di S ino m e chr 52 chr io E Uni ntre, eck eck l po do 5 6 r Esr qué 60 MY awe S del Pr tud T 6 e 4 m D Che esi i io N rem gn, o, old i Sc Ser 66 hre ran ck o, Dis eño +

Tra zos

Edi tor ial Con ten ido

contenido

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Chi Hab c by ac Mu itació ciden Núm ro R n 1 t, ero ojo 16 y s E .M am éxi es L co H erm ou Tex an nge tile Mil 78 s M ler. Chair. ary E 8 U 0 el e Kat A sta ran Gal 82 mp tzo ería ado u. O Fer flor rigi Tra n a n al. y su ndo duc Gre alidad 84 hom Bot cio c en ia nes ena ero. Ob jeto L je. Col a cris Glo om i cal 86 bia s del a Ma rte t e o Mé xico el oso . Ch 88 rist ian Viv anc 92 o.

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trazos

Jorge Eduardo Morales / Imágenes cortesía firmas invitadas

Librerías EDUCAL Alejandro Rossi Plan Maestro Ciudad de los libros Taller 6A (Bernardo Gómez Pimienta y Alejandro Sánchez) Diseño y propuesta conceptual librerías EDUCAL Ariel Rojo Diseño gráfico en murales Rafael Mayani Colaboradores Antonio García Rodrigo Guadarrama Jessica Mendoza Javier Ricaño Marcos Sánchez Asesoría en proyecto de iluminación Luz en Arquitectura Este proyecto titulado Las puertas del conocimiento se desarrolló gracias a la invitación de Taller 6A, que creó el plan maestro de la Ciudad de los libros y supervisó los trabajos propuestos por el despacho de Ariel Rojo. El diseño está basado en la idea de que los libros representan una puerta al universo del conocimiento, transportando al lector a miles de mundos y ofreciéndoles oportunidades. Leer un libro es un acto muy parecido al abrir una puerta a estos mundos. Por ello, este proyecto incluye libreros que giran 180º, emulando el cambio de página de un libro. El diseño conceptual propone la invitación, de manera periódica, a artistas para intervenir el interior de estos libreros. Esta propuesta funciona tanto para una librería de adultos como una librería de niños, con las respectivas adecuaciones de ambiente y gráficas necesarias, eliminando el exceso de gráficas para un público mayor. Lámparas de cerámica con forma de libro abierto y tecnología LED (de bajo consumo de energía) iluminan los espacios y emulan cómo el conocimiento se transporta a través de las personas y los libros. Al fondo del área de niños, se propuso un espacio de cuentacuentos al que se podrá tener acceso visual desde el exterior por medio de un periscopio, motivando la imaginación de los niños. Otra área, cercana a la caja, incluirá un librero circular con una colchoneta interior para dar a los niños un espacio acogedor y ‘privado’ para dar rienda a su imaginación a través de los libros disponibles en el sitio. www.arielrojo.com

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SiloCenter Sports & Leisure Proyecto: Neostudio Architekci + BPT Jedlinski Ubicación: Poznan, Polonia Superficie: 10,000 m2 Año de diseño: 2010-2011 Construcción: 2012-2013 El edificio SiloCenter, creado en una zona post-industrial construido con silos, fue diseñado en respuesta a las crecientes necesidades de la población de los distritos occidentales de Poznan y Skorzewo. Estas necesidades eran espacios de diversión relacionadas con la relajación y la recreación. La inspiración para el diseño y el carácter de este edificio fueron las “mentes abiertas” y la creación de nuevos desafíos para las personas que buscan un estilo de vida activo. La dinámica del diseño subraya una actitud positiva ante el cambio, lo que fomentará una cultura positiva del cuerpo y la mente. Esto se realiza en el edificio: La disposición central del SiloCenter se basa en un atrio abierto, donde las líneas internas de flujo de personas se intersectan. Un gran tragaluz central permite la entrada de luz natural para llenar el espacio público y las grandes aperturas en la fachada para conectar a la gente de los alrededores. Los niveles de construcción se basan en triángulo equilátero con esquinas redondeadas. La fachada está formada por paneles de hormigón, prefabricados en cinco colores e iluminado por luces LED. El programa funcional incluye un gran y extenso gimnasio, un complejo de canchas de squash, una piscina de recreo con espacios de bienestar y SPA, una escuela de baile y un muro para escalar, todo esto en un espacio abierto de dos pisos. Para complementar estos atractivos, comercios de artículos deportivos, así como servicios y locales adicionales complementan la experiencia. www.neostudioweb.eu

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International Wellness Center El Centro Wellness International tiene la intención de integrar, en un sólo concepto, un SPA sumamente moderno que permite gozar de los beneficios de un club privado. En lo referente al trazo arquitectónico, lo que se buscó fue un diseño que generara un espacio que, por su dinamismo, pudiera integrarse al parque público en el que está inmerso, de tal manera que éste fuese la fuerza del proyecto. Así, el lenguaje arquitectónico se expresa a través del paisaje proporcionando una experiencia cívica y dinámica sin comprometer el carácter exclusivo del programa de construcción.

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El centro ofrece un SPA de alto nivel así como un gimnasio; cocina de gran nivel, y un hoteling o estación de trabajo para los miembros del club con una agitada agenda de trabajo. Este enfoque integrado se extiende a los elementos programáticos del edificio mediante la combinación de los elementos tradicionales de un SPA de lujo y un club con tecnología de punta en lo referente a los estudios y cuidados antienvejecimiento. El International Wellness Center será un destino de clase mundial para la región del Golfo. La fecha estimada de finalización está planeada para el año 2015. www.kmdarchitects.com www.glocal.mx


Museo Amparo El proyecto de actualización del Museo Amparo coincide con su vigésimo aniversario y nace de la necesidad de ofrecer mejores servicios al público cuyas demandas han evolucionado tanto en Puebla como en el mundo entero. El proyecto convertirá al museo en un ícono arquitectónico. El proyecto de TEN Arquitectos, encabezado por Enrique Norten, contará con la ampliación de áreas de exhibición; liberación de capas en acabados realizados en intervenciones previas en el edificio original y, actualización de algunos espacios para aprovechamiento de la luz y para aumentar la funcionalidad en general. Del proyecto, destacan: Nuevas salas con estándares internacionales; actualización de presentación y discurso de las exposiciones permanentes; un vestíbulo óptimo para exhibición temporal de obras; una biblioteca con mayor capacidad y mejor servicio al público; actualización del auditorio; instalaciones adecuadas para acceso de personas con discapacidad; y mayor capacidad en espacios para actividades educativas. La iniciativa del proyecto de actualización es de la Fundación Amparo, como un homenaje a Ángeles Espinosa Yglesias, quien fundó y dirigió el recinto por 17 años. Esta actualización durará 14 meses, aproximadamente, iniciada en enero 2011 y que se espera que finalicen en el segundo semestre de 2012. Fundado en Puebla en 1991 y dedicado a la difusión integral del arte prehispánico, virreinal, moderno y contemporáneo de México, el Museo Amparo es un referente cultural obligado de Puebla y nuestro país. En su acervo, este museo tiene más de mil setecientas piezas, siendo la colección de arte prehispánico más importante albergada en un museo privado de México y recibe aproximadamente 80 mil visitantes al año. www.museoamparo.com

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Creazioni collection por Cristina Gattei,- sideboards Amanda & Alessia+ Flaminia chair mobiliario para vivienda, CREAZIONI 2011

FLOT upholsteries por Simone Micheli puf de poliuretando expandido, CASAMANIA, 2011

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Ba_gigio colection por Simone Micheli biombo modular, MY YOUR 2011

Ideal para los niños son zonas divertidas y llenas de color. Objetos solícitos, incluyentes e interactivos generan relación con los usuarios creando vínculos emocionales, logrando experiencias divertidas. El objetivo es romper con la monotonía y fomentar el desarrollo de los niños a través de productos participativos que exploten sus capacidades.

Monster Dice Nieva Limited Editio cubo serigrafiado, E15 DESIGN GMBH 2011

Etagere Coin por Marie Dessuant estante de MDF laqueado, LIGNE ROSET 2011

RL KIDS COLLECTION: Rocker y WonderBox balancín de madera y plástico rotomoldeado y juego de escritorio de MDF laqueado, RICHARD LAMPERT 2011

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Hola Bandola por Jorgen Platou Willumsen serie de gabinetes, STEK DESIGN COLLECTIVE 2011

Angolo retto por Slide silla de polietileno de alta densidad, SLIDE 2011

Cajoneras Metro por Ariel Rojo, Cecilia León de la Barra y Alfonso Maldonado cajonera de MDF deco 15mm, MASISA 2011

SONRISA Heller por Frank Gehry balancín, HELLER 2011

transportador 360 NEW COLLECTION by JOSÉ A. GANDÍA-BLASCO alfombra educativa, GANDIA BLASCO 2011

Junto con la inocencia infantil, la infancia abre la puerta a todo un mundo de exploración en el diseño a través de un mundo de mobiliario diseñado a otra escala completamente y con intenciones muy definidas. El mobiliario infantil pretende crear ambientes atrevidos y coloristas, pensado en la estimulación de los sentidos de los niños personalizando sus espacios con divertidos y prácticos muebles que aprovechan al máximo el espacio y transmiten conceptos abstracta o concretamente para que ellos puedan soñar despiertos utilizando productos cotidianos que contemplen su seguridad y antropometría.

Rocking Animal por ENKO balancín de madera tratada y espuma de poliuretano, ENKO CREATIO 2011 ABRIL • MAYO 2012

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Lloyd por Serener colección de mobiliario para exterior, FUNCTIONALS 2011

BOSQUE El mobiliario para exteriores debe cumplir con ciertos criterios de diseño en cuanto a resistencia y duración por permanecer en constante o permanente contacto con el medio ambiente. Todo un reto es lograr que el mobiliario se mimetice con el contexto que lo rodea y al mismo tiempo actúe como elemento decorativo en el conjunto visual.

Hopper Table por Dirk Wynants Masa con estructura metálica y tablón de madera, EXTREMIS 2010

Mobiliario y Módulos Revolución by Ariel Rojo & MYT Diseño silla fabricada con aluminio 100% reciclado, hecho y diseñado en México, comisionados por la Autoridad del Espacio Público (AEP) 2010

Grillage por François Azambourg silla hecha con surcos en filas escalonadas en un pedazo de metal de hoja que se dibuja para obtener una malla de alambre que se dobla como el origami, LIGNE ROSET 2011

Kata por Hand Craft Design asiento-mesa producida en hierro, DE CASTELLI EDITION 2011

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Pond por Nendo mesa de centro reflejante, moroso 2011

LOUNGE Linea por Maximiliano Momati estructura tubular metálica y asiento de piel o poliéster, ESENCIAL 2010

ZigZag Collection por Emiliana Design Studio mesa de centro de aluminio y la cerámica que puede ser convertido en una chimenea o parrilla y mobiliario de trenzado de fibras naturales, KETTAL 2011

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Placer, comodidad, relajación y elegancia son unos de los atributos característicos lounge que se destacan en esta corriente del diseño. Aunque ha tomado muchas variantes decorativas y se ha ido transformando conceptualmente, en un principio el lounge consistía en un vestíbulo o salón de descanso. En la actualidad podemos encontrar un concepto lounge en un bar, hotel o incluso una habitación.

Fly por Mark Robson asiento con estructura en fibra de carbono barnizada transparente. Tapizado en tejido Quota, zanotta 2011

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Light fitting. Mehiläispesä (colmena) y Golden Bell por Alvar y Aino Aalto Coleción Alvar Aalto Museum, ARTEK 2011

Round por Marco Bisenzi Lámpara esférica de policarbonato con un acabado pulido, B.LUX 2011

VISIÓN Generalmente el carácter formal de una lámpara es la característica principal por lo que un usuario adquiere el producto; por eso esta cualidad estética adquiere mucha fuerza dentro del diseño. Estamos familiarizados con cierto tipos de formas que nos transmiten la idea de lámpara, jugar y transformarlas conservando la esencia es un recurso muy utilizado en diseño.

Chantal por Stephen Burks Lámpara de mesa de plástico transparente, LIGNE ROSET 2011

Air/Agatha por Ray Power Lámpara de lámina de madera doblada, LUZIFER LAMPS 2011

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Mimesi por Carlotta de Bevilacqua Lámpara de piso con estructura de aluminio reciclado y a un cuerpo de metacrilato, ARTEMIDE 2011

F14 Giunco design Marc Sadler Lámpara de piso de plástico reforzado con fibra de vidrio y polvo metálico pintado a base de gris, FABIÁN 2011

Colibri por Emiliana Martinelli Lámpara de pie LED con cabeza giratoria y soporte tubular giratorio estructura de aluminio anodizado negro, MARTINELLI LUCE 2011

ESPIGAS

F11 Paddle por Benjamin Hubert Lámpara LED de aluminio y madera. Soporte ajustable, FABBIAN 2011

Linnea por Eran Lederman y Elan Leor Lámpara de escritorio de alambre metálico. La estructura es el cable con tensión vertebral flexible, PROMISE DESIGN- NEW DESIGN FROM ISRAEL 2011

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Yumi por Shigeru Ban Lámpara de pie con el interior del soporte es macizo hecha con mezcla de fibras de vidrio, aluminio, fibras de carbono, FONTANAARTE 2011

Al igual que las espigas, este conjunto de lámparas tienen un eje que funciona como base estructural. En iluminación estos elementos estilizados y muy delgados se han convertido en todo un reto. Procediendo la corriente ‘Slim’ estas lámparas luchan por conseguir la estructura más delgada que se pueda conservando proporción, equilibrio y estética. Convertidos en un ícono moderno y aprovechando los beneficios formales que se logran alcanzar con la tecnología LED.

String por Dante Donegani y Giovanni Lauda Lámpara flexibe con dos brazos de extrusión en aluminio sección T, base de aluminio fundido y cabeza ajustable de plástico, ROTALIANA 2011

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diseño + empresa

Holinka Escudero

Sergio Bustamante

Marina Peniche Fotografías Tempus Design Int

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Peñoles 2012 Plata como elemento creador de tendencia en diseño para la vida

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postar en favor del diseño es un método que muchas empresas han encontrado para valorizar (y revalorizar) sus productos encontrando innovación y estrategia a través de la inventiva e innovación que les proporciona este factor. Industrias Peñoles, líder latinoamericano en la producción de minerales, ha encontrado en el diseño el valor agregado necesario para impulsar su producto y favorecer a los creativos nacionales. Por medio del CIMJ (Centro de Información de Moda para Joyería de Industrias Peñoles) y Mónica Benítez, directora del CIMJ, Peñoles se ha encargado de marcar las tendencias en joyería con el fin de que los profesionales del sector partan de una pauta para poder operar competitivamente en el mercado internacional y marcar valores y conceptos de diseño contemporáneos. Las tendencias Peñoles para este año Sobre-Vivir: Diseñando el Futuro, se presentaron con un homenaje al Maestro Sergio Bustamante, quien exhibió su trabajo junto con 15 diseñadores mexicanos. Bustamante, arquitecto, artista y diseñador, entró en su mundo de ensueños e imaginación creando —una vez más— su mágica realidad en plata, abrazando la fantasía e impulsando a los jóvenes diseñadores a darle rienda suelta a sus diseños e inspiraciones. Las piezas desarrolladas por los 15 diseñadores invitados se dio por medio de 3 conceptos diferentes. La primer tendencia fue Hipervida, en donde las sensaciones eran el elemento princiwww.glocal.mx


pal con el objetivo de resaltar texturas y colores. Se utilizó la versatilidad como cualidad de belleza, así como el buen humor como fuerza comunicativa, dejando lo racional apartado de todo. El color en esta tendencia deberá transmitir la energía y fuerza humana sugiriendo el rojo como tono predominante. La segunda tendencia se tituló Futurealismo, que siguió la línea surreal del Maestro Bustamante pero sumándole la pasión tecnológica actual, haciendo cabida para lo imaginario y el misterio entre lo físico y lo digital. Se crearon efectos de movimiento ópticos y geometría contrastada para transmitir lo tridimensional de las piezas, sugerir movimiento y una sensación de innovación es primordial. Como tercer tendencia se propone AgroActitud, que resalta la eficiencia a través de la simplicidad. Estar en armonía con el contexto y lo terrenal a través de calidad, y durabilidad haciendo referente al concepto ‘glocal’ . Las formas orgánicas y colores de la gama café guían estas líneas. Los creativos se apegaron a estos lineamientos para generar una línea que marca la tendencia joyera actual resultando en destacados diseños y colocando a Industrias Peñoles como uno de los principales impulsores del diseño de joyería de plata en México. www.penoles.com.mx

Andrea Ruiz

Jane López

Yosh Ruiz

Brenda Meza

Brenda Ligia

Pineda Damián

Edgar López

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novel

Andrés Lhima La identidad de su propio contexto como referencia de diseño Greta Arcila Fotografías cortesía Andrés Lhima

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a selección de los diseñadores que aparecen cada edición en la sección de novel pareciera cosa sencilla por la cantidad de creativos jóvenes que existen, pero resulta todo lo contrario, ninguno llega a tocar nuestra puerta; a ellos se les caza con el tiempo. Siempre hay un trabajo que resalta por su calidad en alguna feria o exposición, se reconoce el nombre y se queda en la mente, pero en el fondo se sabe que a este tipo de talentos con el tiempo uno se los volverá a encontrar en concursos o en otros eventos; son gente que sabe que para crecer y tener la oportunidad se debe de trabajar, concursar, y simple y llanamente: Estar siempre en el ojo del huracán esperando a que les llegue el momento de desarrollarse como diseñadores.

Así sucedió con Andrés Lhima, joven estudiante del décimo semestre de la licenciatura en Diseño Industrial en el CIDI de la UNAM. La primera vez que “lo descubrimos” fue en la presentación del proyecto Mexico Design Challenge 2011- Desarrollando Talento Mexicano, iniciativa de Gava Design y Kikkerland bajo el brazo creativo de Ariel Rojo. Uno de los productos ahí mostrados y que gustó más al público en su presentación, fue Luchador un destapador que nace de uno de los personajes más representantes de nuestro ideario colectivo, nuestro gran “superhéroe a la mexicana”; en el MUAC, lugar de su exposición, no hubo quien no se detuviera a ver a este personaje, lo mejor de esta pieza es que ha sido, desde que salió a su venta, una de las más vendidas por Kikkerland al tiempo de

convertirse, para Andrés, en su primer objeto como diseñador en la tienda del MoMA —y pensar que es su primer producto comercial…—. Posteriormente, nos encontramos a Lhima en la presentación de Destination Mexico, proyecto organizado por CENTRO y Pro México, el cual logrará que durante toda la primavera de este 2012 el MoMA de Nueva York venda productos de 62 diseñadores mexicanos, y claro está, el comité encargado de la selección, escogió un diseño de este inquieto estudiante. Fidencio es un sillón nómada que también toma elementos de la cultura mexicana, pero con un aire de espontaneidad que lo hace único. Ciertamente estamos ante un diseñador que aportará mucho a la comunidad de diseño de México y el mundo: a la comunidad glocal.

Fidencio

Luchador

Bancos Sentados

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Jaim Telias Cuando la asimilación de dos culturas dispares comprenden la forma. Jorge Eduardo Morales Fotografías cortesía Jaim Telias Studio Lámpara Alè (“hoja” en hebreo)

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aim Telias nació en Chile en 1980 y vivió su juventud entre Chile e Israel, hasta que cumplió dieciocho años de edad, cuando decidió quedarse en Israel, definitivamente. Después de varios años de experiencia en el campo laboral, en 2002 comenzó a estudiar diseño industrial en Jerusalén, donde se graduó con honores. En 2006, se trasladó a Italia después de ganar una beca para una maestría en arquitectura de interiores en el Instituto Europeo de Diseño (IED). Desde entonces, se estableció a residir en Italia. Inmediatamente después de terminar la maestría, fue invitado a trabajar —entre 2007 y 2009— en el M Studio Fuksas D, del famoso arquitecto Massimiliano Fuksas, donde colaboró en proyectos importantes como el aeropuerto de Shenzhen, en China, una silla Poltrona Frau, las escaleras de la concept store Giorgio Armani en Nueva York, el interior del Palacio Benetton en Roma y muchos otros. En 2009, comenzó a dar clases en el IED como conferencista del departamento de diseño interior, además de fundar su propio estudio. Su trabajo se centra entre el objeto y la persona, caracterizado por su diversidad. Sus productos son simples y minimalistas, pero con una disonancia: Una historia detrás de cada pieza que incluye materiales, personas, costumbres y la memoria. www.jaimtelias.com

Librero modular Caramelos

Florero Alef

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view

The Avengers El concepto gráfico de los cómics llevado al cine Jorge Eduardo Morales Imágenes cortesía Marvel

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pesar de las quejas y críticas que los amantes de los cómics han manifestado cada vez que un personaje es llevado a la pantalla grande por actores de carne y hueso, siempre resulta interesante ver el resultado final y, sobre todo, descubrir cómo y por qué se decidieron ciertos colores o ciertos materiales o ciertos escenarios. El resultado que vemos en pantalla es producto del trabajo de los escritores y artistas de los cómics en conjunto con el director de la cinta, el director de arte y el director de vestuario. Una de estas cintas es The Avengers que, además, tiene un grado extra de dificultad al reunir a un grupo de personajes —cada uno protagonista de su propio cómic— y que, en conjunto, forman parte de un universo que ha atrapado la atención de seguidores por varias décadas. Haciendo una comparación de las viejas ilustraciones de los clásicos cómicas de Marvel, podemos decir que el concepto visual de The Avengers respeta completamente la esencia de cada personaje, pero transportándolos a un ambiente moderno y de acuerdo a los avances de hoy en día:

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IRON MAN: El truco era diseñar un traje que pareciera una pieza creíble de tecnología pero que no luciera como un robot. Debía seguir siendo un personaje. Había que trabajar en los movimientos clásicos de Iron Man y distinguir los componentes aerodinámicos y maquinaria, sin olvidar la sutil sugerencia de mostrar la musculatura del héroe sin que fuera obvio. ABRIL • MAYO 2012

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THOR: Es un personaje cuya humanidad destaca sobre sus orígenes divinos —está inspirado en mitos escandinavos—. Su martillo y su carácter, llevaron a Marvel a una nueva dimensión de éxito y su diseño no evolucionó demasiado a través del tiempo. Para esta cinta, había que diseñar un vestuario que proyectara su ligereza y encontrar un actor con una fuerte y, al mismo tiempo, amable personalidad.

NICK FURY: Como el más grande espía del mundo, este personaje que prefiere trabajar solo que bajo los reflectores, debía poseer un uniforme, vehículos y armas dignas del mejor. Para proyectar el espíritu de Nick Fury de los cómics, este personaje que hizo apariciones fugaces en las últimas cintas de Marvel debía mantener sus cualidades de líder, diálogos muy precisos, así como demostrar movimientos con un entrenamiento militar insuperable.

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BLACK WIDOW: Las ilustraciones de Black Widow siempre fueron fantásticas desde el punto de vista de diseño: Una pelirroja en un ajustado uniforme oscuro. Además de aparecer en aventuras con Capitán América, Iron Man y otros, ha protagonizado sus propias series. Haber elegido a la actriz Scarlett Johansson fue un acierto para mantener la sensualidad que este ícono de los cómics ha proyectado por años.

CAPITÁN AMÉRICA: Había que traerlo a la vida con pequeños detalles que lo integraran a la historia americana “real”. Para ello, su traje fue diseñado al estilo de los marines americanos de la Segunda Guerra Mundial, los colores de su traje son menos intensos para darle realismo e, incluso, el cabello y actitud del actor Chris Evans debían reflejar la de un hombre que creció en un mundo de hace 50 años.

Continuando con la serie de grandes aventuras cinematográficas que se inició con Iron Man, El increíble Hulk, Iron man, Thor y Capitán América: The First Avenger, The Avengers de Marvel es la mayor reunión de superhéroes —hasta ahora— en la pantalla grande en una emocionante historia: Cuando un inesperado enemigo emerge para amenazar la seguridad mundial, Nick Fury, el director de la agencia internacional para la paz conocida como SHIELD, se encuentra en la obligación de convocar a todo un equipo de valientes para rescatar a la humanidad de un inminente desastre. El equipo creativo que dio vida a The Avengers incluye al director de fotografía Seamus McGarvey —nominado a un premio Oscar—, al diseñador de producción James Chinlund, a la diseñadora de vestuario —galardonada con un Oscar— Alexandra Byrne; al supervisor de efectos especiales —también con un premio de la Academia— Janek Sirrs, a la productora de efectos especiales Susan Pickett, y al supervisor de efectos especiales —y cuatro veces nominado a los Oscar— Dan Sudick. Y, por supuesto, el director Joss Whedon. ABRIL • MAYO 2012

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columna

Diseño olímpico Jorge Diego Etienne Fotografías cortesía marcas mencionadas

Aunque todavía faltan más o menos 100 días para las próximas Olimpiadas de Londres 2012, los nuevos diseños que utilizarán los atletas ya están dando mucho de qué hablar.

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ada cuatro años, las compañías deportivas estrenan sus más avanzadas innovaciones tecnológicas y novedosos diseños que, de alguna u otra forma, impulsan un mejor desempeño para los competidores durante las olimpiadas. El zapato más ligero, el uniforme más aerodinámico y el traje de baño más delgado, son cosas que nos apantallan y se convierten en una rivalidad más entre marcas como Nike, Adidas y Puma que no sólo pelean en el mercado. También en las pistas, canchas y albercas de los Juegos. Para el organizador (Reino Unido), es especialmente importante ser el mejor vestido durante los Juegos Olímpicos, y para no errar, la marca Adidas encontró una aliada en la diseñadora inglesa Stella McCartney. La función de McCartney como directora creativa del proyecto unió un alto sentido de la moda con la tecnología deportiva de Adidas. Esta colaboración vestirá a 900 atletas con alrededor de 175,000 prendas a lo largo de los Juegos Olímpicos. Adidas también es responsable del balón de futbol oficial, bautizado como The Albert. Este balón utiliza una serie de paneles triangulares unidos térmicamente. El balón también cuenta con una sutil textura que ayuda a tener mejor agarre y contacto al ser pateado. El gráfico que lo acompaña va de acuerdo al logo de los Juegos Olímpicos y su esquema de colores sobre un fondo blanco. El hombre más rápido del mundo, Usain Bolt, continúa siendo el estandarte de la marca Puma quien, además de desarrollar el calzado www.glocal.mx


para este atleta, también colaboró con la diseñadora Cedella Marley (hija del ícono del reggae Bob Marley) para vestir al equipo jamaiquino. Bolt utiliza la tecnología FAAS, desarrollada por Puma para dominar las pistas de los 100 y 200 metros planos. Sus zapatos están construidos de microfibras sintéticas que se ajustan a su pie como un guante, una plantilla de polímero Pebax y una suela de fibra de carbono tejida con tachones piramidales. Todo esto a un sorprendente peso de 5.8 onzas. Aunque Nike no es el patrocinador oficial de los Juegos Olímpicos, su marca vestirá a 87 federaciones en 20 deportes diferentes durante el evento. Sus innovaciones más notorias para Londres 2012 son la tecnología de calzado Flyknit y los uniformes de basquetbol Hyper Elite. Nike reinventó la forma de hacer un zapato, utilizando una sola pieza tejida que se adapta al pie como una segunda piel, en lugar de capas unidas entre sí, dejándolo respirar. Las estrellas de la NBA que jugarán con el equipo de Estados Unidos, utilizarán el uniforme Hyper Elite desarrollado por Nike. Su tela Aerographics pesa tan sólo 11.8 onzas y está fabricada en un 96% con materiales reciclados. La tecnología Dri-FIT ha sido actualizada para proveer de mejor rendimiento y el corte del uniforme permite mayor movilidad al jugador. La mayoría de estas tecnologías desarrolladas para los atletas de alto rendimiento son lanzadas durante los Juegos Olímpicos causando grandes sorpresas y —en ocasiones— influyendo en los resultados. Los Juegos siguen manteniendo a las compañías en una constante lucha de innovación y diseño, y aunque lo que veremos en Londres 2012 parece ser increíble, la mayoría de estos diseños serán prácticamente obsoletos para el 2016.

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il mobile

Entre calles y recinto ferial:

Un pequeño preview del Salone Internazionale del Mobile Greta Arcila Fotografías cortesía despachos mencionados

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na vez más, llegó la cita a la que los involucrados del diseño internacional no pueden faltar: El Salón Internacional del Mueble, por una semana Milán se convierte en un espacio único lleno de conceptos y diálogos... Vemos a la comunidad del diseño en pleno intercambio de creencias. Por siete días se viven las ideas, los objetos sí están pero son sólo la excusa para la generación de sinergías, por siete días mundos e ideologías dispares tejen la historia del diseño. Decir qué vamos a ver es muy osado porque la información que ya tenemos es apenas el 2% de lo que día a día se ve, por lo que presentamos una breve selección de lo que estará en los salones de la feria, en los showrooms, en la Zona Tortona, Brera Design District, Ventura Lambrate. Este año para México es importante dentro de la feria pues veremos trabajos de los alumnos del CIDI en el Salón Satellite, Joel Escalona expondrá por primera ocasión así como Valentín Garal, por su parte Juan Carlos Baumgartner estará en el Temporary Museum For New Design en la Zona Tortona y Pirwi presentará su nueva colección con diseños de Ricardo Casas y Emiliano Godoy entre otros. Así que todo parece indicar, que nos espera una gran feria. Ya les contaremos en nuestra página web y en la siguiente edición.

» Overdose Desk para Bulo por BramBoo, Belgium is Design-Milan 2012

» Plant Chandelier, ‘38 series chandelier’ por Omer Arbel, Omer Arbel- Milan 2012

» Welcome para Kvadrat por Mermelada Estudio, ‘Hallingdal 65’-Milan 2012

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» Fin Light por Tom Dixon, TomDixon-Milan 2012

» Papercuts por Louise Campbell con colaboración de Louis Poulsen Lighting, benandsebastian- Danish Craft -Milan 2012

» Lampe-AD4610 por Romaní Duclos, Meet My Project-Milan 2012

» Elizabeth Mirror para Reflect por Jean-François d’Orfoto P.Verplancke, Belgium is Design-Milan 2012

» All Good Things Come in Threes por Peter Johansen, Danish Craft -Milan 2012

» Mutation Chair Series by Maarten de Ceulaer, Belgium is Design-Milan 2012

» Kola por Mikko

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» Ondule por Mattis

Laakkonen,

Esnault, Meet My

Inno- Milan 2012

Project-Milan 2012

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enfoque

Jean-Marie Massaud

Entre la ingeniería aeronáutica y el diseño industrial…

Silla Flow

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Sillón Outline

Greta Arcila Fotografías cortesía Studio Massaud

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n ingeniero con alma de diseñador, así se considera Jean-Marie Massaud, pues para él las cosas deben funcionar a la perfección y ser útiles, pero deben estar impregnados de sensibilidad y belleza, de lo contrario los diseños sólo se convierten en objetos, y de esos, hay muchos. El año pasado caminando por los pasillos del Salón Internacional de Mueble, me encontré a Jean-Marie Massaud. Sin dudar le pregunté si me podía dar una entrevista, respondió preguntando mi nacionalidad, aspecto que yo creí irrelevante en ese momento, sin embargo, cuando

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le dije que era mexicana, respondió: “Claro que sí, te veo en dos horas en el stand de Dedon, platicamos y me cuentas cómo va el Volcano Stadium”. Regresé a la cita, puntual, y platicamos por casi dos horas. Ya en la entrevista lo primero que preguntó era que si había visitado su estadio y que si conocía Jorge Vergara, respondí que no, a lo que comentó: “Tienes que visitarlo, quedó muy bien, desafortunadamente es el único proyecto construido de complejo JVC, creo que si mi ahora amigo Vergara consigue hacer una pequeña ciudad con arquitectos de gran talento como lo planteó, hará que esa ciudad brille por mucho tiempo… Pero hablemos de diseño… que para mí es difícil ya que yo siempre termino hablando de la gente con la que trabajo, que en realidad ese es un aspecto por el que yo tomo los proyectos pues el alma de un proyecto viene desde ese momento”.

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“Sólo intento ser un catalizador que funciona a partir de la información que la gente de cada lugar me da” JMM

Pues si es tan importante la gente y te interesa que yo sea mexicana, cuéntame cómo es que conociste a Jorge Vergara. Un día mi agente me dijo que un mexicano quería proponerme un proyecto. Acepté la cita, yo estaba en Miami por lo que para él resultaba muy conveniente. Fui a la cita y no llegó. No lo tomé personal, pero me fui un poco molesto. Posteriormente llamó para disculparse. Tuvimos otra cita, y nuevamente canceló. Yo me molesté mucho pues para mis cosas soy un meticuloso. Un día estaba en París, y llamó a mi agente diciendo que estaba en la ciudad; asistí por cortesía pero en realidad no iba con mucha confianza. Llegué, me platicó su historia de cómo hizo su grupo empresarial, me sorprendí gratamente. Siguió hablando y me planteó su plan del complejo JVC… me propuso hacer el

Estadio Volcano

estadio. Yo no creía mucho por lo sucedido pero me arriesgué. Le dibujé cómo me lo imaginaba el estadio, y me firmó sobre una servilleta. Así comenzó ese proyecto, pero más que nada, comenzó mi conocimiento sobre una cultura: la confianza y el valor de la palabra. Entonces estuviste en Guadalajara… Así es. Estuve ahí para la inauguración del estadio de las Chivas hace un par de años. Debo decirte que me encantó la personalidad de la gente mexicana. Al principio no entendía por qué las comidas de trabajo duraban tanto y que hubiera tanta música, ¡Y en ocasiones terminaran en fiesta!, Después comprendí que ahí se establecen lazos de confianza y se conoce la personalidad y la vida de la gente con la que trabajas. Cuando comencé a trabajar con la gente de HOK, despacho que en México se encargó del proyecto, me parecía extraño que me pre-

Sillón Truffle

Mecedora Don’Do

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No soy presumido. No voy por ahí diciendo: ‘Mira, yo diseñé eso’.

Sillón Wallace

I-BEAM Gabinete Isidoro

Sillas Achille

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guntaran por mi salud o por mi familia. Nadie antes me lo había preguntado. Me sentí aceptado como ser humano, más que como diseñador, y eso vale ahora vale muchísimo para mí. Tu trabajo siempre es diferente ¿Cómo mantener el concepto ‘fresco’ (fresh) en este mundo con tanta información? ¿Cómo seleccionar una sola idea y, luego, convertirla en una de tus creaciones? Es muy difícil encontrar esa idea que sirve para tu trabajo. Creo que tiene que ver con el subconsciente. Creo que tener una aproximación con el cliente funciona, para empezar. La forma siempre es simbólica para mí. No me importa, lo que quiero es decir algo. No me importa tampoco estar a la moda, porque la moda varía de lugar en lugar. No me importa ser elegante. No es lo mismo lo que funciona en Europa o lo que funciona en México. Yo hago lo que me gusta y eso, a veces, puede parecer ‘fresco’ a la gente, afortunadamente. Soy típico pero atípico. Hoy en día, eres considerado como uno de los grandes diseñadores del mundo. ¿Cómo hiciste para convencer a tus primeros clientes en tus conceptos? Hacer que confiaran en ti. Ha sido un largo camino. Es difícil contar toda mi historia en pocas palabras. Estudié ingeniería aérea y luego me especialicé en electrónica, en perfiles de alas y varias disciplinas más, muy especializadas. Luego, cuando tenía 20 años, descubrí el diseño industrial y dije: “¡Esto es el mundo que está abierto a la creatividad y al diseño!”. Podía implementar la tecnología y, de acuerdo al proyecto, desarrollar el ingenio. Era la idea de fundir la creatividad y la ingeniería. Entré a la École Nationale Supérieure de Création Industrielle en París. Vino la oportunidad de irme a vivir a Japón, donde desarrollé un submarino, pero era muy joven. No me atrevía a mucho. Al principio era tímido. Dejé de trabajar en Japón para ir a Hong Kong a otra empresa

Showroom B&B Italia en París, Francia.

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para entonces, tratar de dirigir mis propios proyectos y tener un equipo propio de colaboradores. Experimenté mucho. De regreso a Francia, estudié el ‘efecto Starck’ y el estilo italiano de muebles. Ser un especialista en belleza en la mente de la gente. Estudié cómo se podía hacer un gran edificio o un proyecto de diseño industrial, poniendo especial atención la estética y la belleza. Yo era un ingeniero, no un diseñador y ese aprendizaje fue muy útil porque mejoré mi nivel de ‘sensibilidad’. Conseguí mi primer proyecto con Capellini. Luego, hice algunos proyectos para Outline, con ideas muy organizadas, formas limpias y diseños funcionales. Pero puedo ir de lo sinuoso a lo ortogonal. Una empresa con la que me gustó mucho trabajar es con Hansgrohe, pues diseñar algo que transporta agua, para mí me llevaba a mis inicios de ingeniería aeronáutica: diseñar para un elemento tan básico y tan complejo para su transportación, me pareció fascinante. En sí, cada proyecto tiene una historia fascinante detrás. Amo mi trabajo y creo que eso es lo que lo hace apasionante. En Milán, cuando presentaba mis trabajos, la prensa decía: “Mira, ¡un nuevo diseñador que no es minimalista u orgánico!”. Para mí, se trataba de buscar la delicadeza de muebles cómodos que se salieran del arquetipo de los sillones tradicionales. LA ARQUITECTURA Paso a paso, la compañía fue evolucionando para llegar a tener buen nombre. Me pedían ciertos diseños, me preguntaban si podía hacer esto o lo otro. El asunto es diseñar en base a la información que tienes y hacer algo simple, útil, sin ser demasiado ambicioso. Es interesante compartir tus impresiones con los líderes de opinión porque ellos te consideran un experto y,

Silla Fitzgerald

Silla Ad Hoc

Sillón Aspen

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Sillón Auckland

con un diálogo abierto, puedes mejorar tus proyectos dependiendo de lo que la gente busca. En cuanto a los proyectos de arquitectura (¡ni siquiera soy arquitecto!) me gusta mucho la visión de Jean Nouvel. Me sentí muy afortunado de poder hacer algunos proyectos en Barcelona y me sentía honrado de hacer edificios donde también trabajó él, porque Nouvel no se basaba en ideas preestablecidas, sino que usaba conceptos globales en proyectos específicos. Cuando estuve en México, los empresarios estaban discutiendo el lugar para construir el estadio de Guadalajara. Les dije que sólo tenía 15 minutos para hablar del tema porque yo me iba al día siguiente. Si no era yo, era Jean Nouvel. Cuando terminó la reunión, me dijeron que el plan contractual debería estar en un mes. Y lo estuvo. Me dijeron que íbamos a construirlo. Pensé: “¡Esta gente está loca!” porque decidieron que lo hiciera yo. Iba a hacer toda la arquitectura. Surgió la idea de que fuera un volcán (Volcano) que dominara el paisaje, donde la gente pudiera reunirse alrededor a hacer picnics, y en la cima, en el cráter, la cancha. ¿Cómo sabe un diseñador cuando un diseño va a ser un buen negocio? Esta preocupación es irrelevante cuando hay calidad. No hay fórmula, por supuesto. No es posible predecir nada o estar seguro. Cuenta la fidelidad de los clientes, claro, pero debes poner atención en enfocarte en la información que te llega de todo el mundo. Hay que abrir el periódico, ver la televisión. Hay que tener confianza, ser leal a tu trabajo. Darle a la gente cosas buenas para vivir.

Dirigible Manned Cloud (Exterior e interior).

Como francés, ¿qué tan difícil es involucrarte en la cultura, la economía, etc. de cada lugar donde realizas un proyecto? Primero que nada, no debes ser arrogante, no llegar como si fueras un colonizador. La idea es entender la situación específica de cada lugar; pensar en la realidad, el presente y proyectarse hacia el futuro. Tampoco hay que llegar y decir “Voy a hacer esto o lo otro”, sino acercarse con la gente y absorber todo lo que pueda de ellos. Y después, tratar de crear un concepto global que se adapte a una necesidad local. Siempre recordar que soy un proveedor de soluciones. Sólo intento ser un catalizador que funciona a partir de la información que la gente de cada lugar me da. ¿Cómo definirías tu trabajo? Me interesa que sea muy simbólico. Un ejemplo es la aeronave en forma de ballena que diseñé. O el estadio Volcano, cuyo simbolismo representa la energía que ocurre en el cráter. La imagen es muy importante, que tenga un acercamiento simbólico. Se trata de expresarse. www.massaud.com

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Sillas Heaven

Axor-Hansgrohe Massaud Collection Vajilla colecciรณn Vent Blanc

Sillรณn Metropolitan Empaque perfume Paloma Picasso

Sillรณn In Out

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números

Deporte

en cifras

El diseño actualmente debe tener un rol mas crítico y propositivo en cuanto a los productos o servicios que genera. tiene que ser más objetivo y consciente de las consecuencias sociales y ambientales de todo lo que genera directa e indirectamente. En este artículo nuestro enfoque fue crear un “infographic” con elementos referentes a las olimpiadas pero con un doble sentido haciendo una dura crítica al deporte y obesidad en méxico. Una población sana se convierte en materia prima para un mejor país. www.nos.mx

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diseño

Jorge Diego Etienne, entre la honestidad de los materiales y la forma

Sin duda un personaje joven a seguir, es Jorge Diego Etienne, creador de Designaholic, y diseñador de objetos que atienden a lo básico.

Redacción Imágenes cortesía Jorge Diego Etienne

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ara esta edición donde damos especial atención al diseño aplicado al deporte, se le pidió al diseñador industrial Jorge Diego Etienne que se uniera con Masisa para crear un objeto que, en esencia, representara esta filosofía de sana competencia en un proyecto que fuera funcional, estético y viable para espacios deportivos, como un gimnasio o un club. El resultado es una propuesta que apuesta por el ahorro de espacio y la versatilidad. Jorge Diego Etienne trabaja en proyectos que incorporan el diseño en la vida cotidiana, combinando factores culturales con nuevas tendencias, tecnologías y materiales para crear experiencias memorables para todo tipo de usuarios con una perspectiva global del diseño. Egresado del Tecnológico de Monterrey en 2009, Jorge Diego ha realizado cursos en reconocidas escuelas de diseño como Central Saint Martins de Londres, Domus Academy de Milán y Parsons New School for Design en Nueva

York, así como en workshops para compañías como Alessi, Whirlpool, Vitra, CEMEX y el ICSID Interdesign. En 2008, realizó una estancia en el estudio Feiz Design Studio de Ámsterdam, donde participó en proyectos para Nokia y Herman Miller. El año pasado tuvo la oportunidad de participar en el programa Modern Design and Traditional Craftsmanship en Kioto, Japón. Se ha especializado en desarrollar proyectos en las áreas de diseño de producto, diseño de mobiliario y en consultoría de diseño estratégico para crear y convertir compañías o fabricantes en empresas que utilizan el diseño como eje y ventaja competitiva. Jorge Diego ha trabajado con Ofimodul, Tupperware Brands México y ACIXS, galerías como ADN en México DF y 1/1 en Monterrey, así como la producción y comercialización internacional de su diseño Choose your bullets. Sus diseños han participado en exhibiciones de diseño como Talento Local durante el CEDIM DWM, Cantera en CEN-

Molcawarw. Concepto para Tupperware Brand México

TRO y la reciente Fabrica Mexicana: Diseño industrial contemporáneo en el Museo de Arte Moderno de México D.F. Su proyecto alterno Designaholic es un blog donde comparte sus experiencias y puntos de vista sobre diseño, arte y arquitectura y el papel que juegan en la vida diaria de las personas. www.jorgediegoetienne.com

Choose your bullets

Proyecto Ofimodul

Silla Ictali, fotografía por Arturo Lozano

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diseño / OBJETO DECO

» Pódium Deco » CONTEXTO: No importa el lugar en el que se esté, mientras que haya unión entre los competidores, siempre habrá diversión. El Pódim Deco es una pieza de mobiliario conceptual con jerarquía de alturas que puede ser configurado en múltiples posiciones.

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» INSPIRACIÓN: Aunque las piezas también funcionan cuando no están interactuando entre ellas, la intención de este proyecto es simbolizar la competición deportiva sana y justa con la unión del pódium.

» PROPUESTA: El pódium está compuesto de tres piezas que pueden insertarse una con otra libremente, creando un juego de intersecciones y alturas. La más alta, o el primer lugar, es para una plaza, mientras que el segundo es para dos y el tercero para tres, aunque al cambiar sus posiciones cambia el espacio para sentarse. La profundidad de la superficie también cambia de acuerdo a la pieza, haciendo el primer lugar el más cómodo y el tercero una banca angosta.

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* La línea que Masisa ha desarrollado para la fabricación de muebles y arquitectura interior. Estructura en MDF, más versátil y con amplia variedad de diseños. El tablero de MDF permite mayores opciones de transformación en ensambles y uniones, posibilidades de cortes curvos y ‘routeado’. Tiene un alto desempeño a nivel industrial con bajo desgaste de la maquinaria y un corte muy limpio.

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arquitectura

Estadio Olímpico de Londres

Jorge Eduardo Morales Fotografías cortesía Populous

Para lograr un balance entre las necesidades inmediatas de un gran estadio olímpico contra una sede de escala menor a largo plazo, Populous tomó el desarrollo y el lenguaje arquitectónico de este espacio convertible.

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ondres será la primera ciudad en recibir los Juegos Olímpicos por tercera ocasión. El comité organizador pretende exhibir la capacidad de esa ciudad para albergar unos Juegos Olímpicos y Paralímpicos espectaculares, eficientes e innovadores. Para ello, el despacho de arquitectura Populous ha desarrollado una nueva teoría de “abrazar la temporalidad”, explorar la forma, los materiales, la estructura y los sistemas operacionales para llevar una estructurada paleta de elementos hacia un diseño cohesivo del Estadio Olímpico. Es un desarrollo de simples formas legibles, que minimizan el peso físico, el tiempo de fabricación e incorporación de energía de cada componente, así como entrelazando el edificio, unido por conexiones desmontables. Esto no sólo

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permite la capacidad de 80,000 personas durante los espectáculos de inauguración y clausura de los Juegos, sino que permitirá la posibilidad de transformación del estadio –tras las Olimpiadas– a un espacio de 25 mil asientos. El Estadio Olímpico de Londres está situado en una isla en forma de diamante entre dos canales de agua, localizados dentro de la sección sur del nuevo Parque Olímpico. El área de asientos es compacta, llevando a los 80 mil espectadores más cerca de los eventos que en otras sedes de los Juegos. El diseño saca provecho de la ubicación de la isla, proveyendo un circuito completo de la explanada del podio alrededor del estadio, conectado por puentes hacia el parque principal. Esta explanada del www.glocal.mx


Ubicación Londres, Reino Unido. Fecha 2011 Cliente Olympic Delivery Authority Capacidad 80,000 en temporada olímpica. 25,000 en temporada regular.

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podio promueve la naturaleza multitudinaria de las Olimpiadas con un perímetro diseñado con instalaciones para una gran cantidad de espectadores, sobre todo, comercios y venta de alimentos, distribuidos a lo largo de la ribera. Durante las tres horas de un evento deportivo, los asistentes tienen libertad de moverse de su asiento hacia el pódium para visitar estos coloridos conjuntos de locales, y ver a través de los canales las actividades en el parque y sedes adyacentes. La clave del criterio sostenible de reducción, reutilización y reciclaje, fue adoptado para crear un diseño compacto, flexible y ligero. La estructura principal del estadio es liviana y elegante, claramente expresada por la articulación diagonal externa del acero tubular blanco del techo y del estrecho acero interno que soporta la hilera temporal de asientos superiores. Los asientos en blanco y negro proveen un telón de fondo para el color interior de las instalaciones y caminos para los espectadores. La pista de carreras será iluminada con un color llamativo que reflejará la viveza de Londres en 2012. Como pieza central del desarrollo del Parque Olímpico, la construcción del estadio representa un reto para arquitectos y responsables del proyecto olímpico que cumple con los requerimientos estéticos y funcionales para la sede de tan amplia magnitud. www.populous.com

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Velódromo Olímpico Jorge Eduardo Morales Fotografías cortesía Hopkins

El análisis del cuerpo básico estructural y funcional de la bicicleta dan como resultado una arquitectura e ingeniería que hacen alarde de la sencillez vuelta volúmen. 56

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na de las cuatro sedes permanentes del Parque Olímpico, el Velódromo, ofrece un lugar histórico para las pruebas de ciclismo —en pista cubierta— durante los Juegos Olímpicos y los Juegos Paralímpicos de Londres 2012. El edificio es una elegante respuesta a los requerimientos originales mediante el uso de materiales simples de una manera eficiente y, así, satisfacer las aspiraciones del cliente dentro del presupuesto disponible. El ciclismo inspiró el concepto para el Velódromo. La bicicleta es un ingenioso objeto que se perfeccionó con eficiencia. Hopkins Architects buscó que la misma aplicación de la creatividad en el diseño y el rigor de ingeniería que se dedica al diseño y fabricación de una bicicleta se manifestara en el edificio, no como una imitación, sino como una respuesta —en tres dimensiones— a las necesidades funcionales de la sede, cuya forma distintiva ha surgido de un enfoque del equipo de diseño que se centró en el rendimiento y la eficiencia de cada aspecto del edificio. El Velódromo posee 6 mil asientos, tanto para los Juegos Olímpicos como para temporadas regulares y responde a los contextos de una

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manera adecuada con una transformación mínima. Las gradas superiores e inferiores están divididas por la explanada principal que forma el punto de entrada en la arena y permite a los espectadores mantener contacto con la acción en la pista, a medida que circulan alrededor del edificio. Los espacios están totalmente acristalados para permitir vistas tanto dentro y fuera del edificio. Esto ayuda a separar visualmente la planta baja recubierta de cedro Western Red de los espacios inferiores, en gran parte ocultos detrás de los muros de contención que forman un zócalo visual en el extremo este y oeste del edificio. La Olympic Delivery Authority estableció una serie de objetivos de sostenibilidad y materiales, a través de una cuidadosa consideración e integración de los servicios de arquitectura, estructura y servicios del edificio, cuyo diseño ha alcanzado o superado estos requisitos. Las obras se iniciaron el 23 de febrero de 2009 y se completó (antes del programa y dentro del presupuesto) el 13 de enero de 2011. El edificio fue una colaboración con la expedición de Ingeniería, BDSP y Asociados Grant. www.hopkins.co.uk

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Cliente Olympic Delivery Authority Ubicación Parque Olímpico (Norte) Dimensiones 21,700 m2

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arquitectura

Lee Valley White Centre Jorge Eduardo Morales Fotografías cortesía Faulknerbrowns Architects

El primer cuerpo arquitectónico pensado para los Juegos Olímpicos apuesta por resolver, además del espacio, el tema sostenible de una manera sencilla: creando corrientes de agua emulando a las de la naturaleza del contexto.

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ste fue la primera sede completada para los Juegos Olímpicos de Londres 2012 y el único disponible para su uso con antelación a los Juegos. El White Water Centre comprende un recorrido de canoa slalom de 300 m así como una circuito intermedio o para prácticas de 160 m, junto a un edificio que incorpora a la amenidades e instalaciones dentro de un espacio que se ubica al este del río Lee y al norte de la estación de trenes de Waltham Cross. Las instalaciones del edificio proveen un espacio de soporte básico para el manejo seguro y eficiente del White Water Centre en modo de competencia regular y, al mismo tiempo, para satisfacer las necesidades temporales durante los Juegos en 2012. Está incrustado para reducir el impacto visual con el paisaje y está concebido como dos secciones coincidentes con caracteres diferentes que corresponden a las funciones internas y actividades externas de cada nivel. En el nivel inferior, la masa del edificio está parcialmente insertada bajo la piscina de salida hacia el este con la elevación principal de frente a la piscina de meta, hacia el oeste. Este nivel contiene el corazón funcional de las instalaciones de soporte, con vestidores, almacenamiento de equipo y un patio que se abre hacia el espacio de reunión y el área desde donde parten los botes. Este patio provee un área segura y controla-

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ble en el corazón del espacio para el almacenamiento de botes y permite que se den instrucciones a los participantes. Este nivel está caracterizado por materiales como muros de mampostería y concreto que logra un ambiente robusto y termalmente estable en espacios largos de transición. En el nivel superior, vigas de madera envuelven desde arriba para formar un recinto que apunta al área de salida de la alberca. Este nivel contiene las instalaciones para espectadores y servicios, con café, cuarto de operaciones y áreas administrativas que se abren hacia una gran terraza adyacente a la sección de salida. Mientras la forma del nivel inferior tiene la intención de proveer un sólido espacio que protege el patio –en el corazón de las instalaciones–, la forma del nivel superior está concebida más como un área permeable y de bienvenida, con la terraza de madera que fluye hacia el edificio para conectar las áreas internas y externas. Este nivel destaca por materiales como madera y paredes de cristal, así como concreto, que proveen suavidad visual e incorporan al ambiente a los espacios sociales y de trabajo. El reto de sostenibilidad era cómo crear un tipo de corriente de agua (rápidos) asociado convencionalmente con la corriente de montaña en un caudal relativamente plano y que, de cierto modo, fuera sostenible

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tanto en términos de uso de energía y asegurar su viabilidad a largo plazo en competencias posteriores a las Olimpiadas. El equipo de diseño consideró muchos planes y alternativas de generación de energía para resultar en una solución que cumpliera con todos los rigurosos requerimientos para las competencias de canoa slalom y, además, que tuviera una corriente más suave para un uso amateur o de descanso. El resultado es un modelo de sostenibilidad que satisface el objetivo de la inversión y con vida útil económicamente viable. El agua para el lago proviene de un acuífero para reducir la demanda de agua potable. El diseño del lago considera la captación de lluvia, minimizando la evaporación y la gestión de la caída de nivel del agua. El diseño del lago, con un sistema de tratamiento, asegura una calidad de agua extremadamente alta. Una estrategia de rehabilitación sostenible se ha desarrollado con éxito en el esquema, con la construcción de un antiguo vertedero para dejar el relleno sanitario en el lugar donde se demostró que no habría ningún riesgo. www.faulknerbrowns.co.uk

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Ubicación Hertfordshire Fecha 2010-2011 Dimensiones Circuito olímpico de 300 m. Circuito de entrenamiento de 160 m.

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arquitectura

Centro Acuático de Londres Jorge Eduardo Morales Fotografías cortesía Zaha Hadid Architects

La fluidez geométrica del agua en movimiento fue la inspiración que el despacho de Zaha Hadid tuvo para crear el concepto arquitectónico del Centro Acuático de Londres, fusionándose amablemente con los espacios y ambientes del paisaje fluvial del Parque Olímpico. 64

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n techo ondulante se despliega desde el piso, como una ola, encerrado las piscinas del Centro con su movimiento fluido, mientras describe el volumen de las albercas de nado y de clavados. El Centro Acuático de Londres está diseñado para tener la flexibilidad de recibir un evento de la magnitud de los Juegos Olímpicos y, además, para adaptarse al tamaño y capacidad de competencias menores, una vez concluidas las Olimpiadas de 2012. El Centro está situado dentro del masterplan del Parque Olímpico. Está ubicado al extremo este del parque con proximidad directa a Stratford. El nuevo acceso peatonal desde el puente de Stratford City que une aquel desarrollo con el Parque Olímpico, atravesará el Centro Acuático y proveerá una vista inmejorable del Centro desde el puente. Este proyecto está planeado sobre un eje ortogonal que está perpendicular al Puente de Stratford City. A lo largo de este eje, se ubican las tres piscinas. La alberca de entrenamiento está localizada bajo el puente mientras que las albercas de competencias y de clavados se encuentran dentro de un gran salón volumétrico. La estrategia es enmarcar la base del espacio de las albercas con un pódium que lo ‘envuelve’ y se conecta con el puente. www.glocal.mx


Ubicación Londres, Reino Unido Fecha 2005/2011 Cliente Olympic Delivery Authority Dimensiones 20,000 m2

El elemento del pódium permite la contención de una variedad de elementos celulares programáticos diferenciados como un solo volumen arquitectónico que, a la vista, se fusiona con el puente y el paisaje exterior. Desde el nivel del puente, el pódium emerge desde abajo, como una cascada, hacia el salón de piscinas y hacia el nivel inferior. El espacio interior está coronado por un gran techo, que se arquea junto al mismo eje de las albercas. Su forma es generada por la vista que tienen los espectadores, durante el modo olímpico. Geometría de doble curvatura ha sido utilizada para crear una estructura de arcos parabólicos que crean las características únicas del techo. Este techo se ondula para diferenciar una separación visual interna dentro del salón entre el volumen de la alberca de competencia y el volumen de la alberca de clavados. Asimismo, el techo es el encargado de extenderse para brindar la opción del modo de competencia regular, una vez terminada la temporada olímpica. Está basado estructuralmente en tres posiciones primarias. Finalmente, el espacio de la curvatura del techo entre él y el pódium está cubierto con una fachada de cristal, que permite la incorporación del exterior al salón. ABRIL • MAYO 2012

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homenaje

Noldi Schreck innovó al incorporar las palapas a proyectos de playa de lujo. “Noldi ha creado el estilo Acapulco” Luis Barragán

Noldi Schreck

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Alexis Schreck Fotografías cortesía familia Schreck

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rnold ‘Noldi’ Schreck nace en Yakutsk, Siberia, en 1921. Su madre era rusa y su padre suizo. La revolución bolchevique y la muerte de su padre, lo llevaron a Suiza. En Zurich, fue enviado a un buen orfanato. Era un mago con el lápiz. Poseía capacidad espacial y plasmaba sus ideas de tres dimensiones. Trabajó como aprendiz en talleres de arquitectura y decoración. Dibujaba y diseñaba muebles. Por las noches estudiaba arquitectura. Desde los 18 años, trabajó de forma independiente. Ideó ambientes contemporáneos, tan avanzados y exagerados, que sus compañeros lo tildaban de loco. A los 25 años, decidió viajar a Hollywood, donde trabajó varios años. Llegó a México, de vacaciones, en 1949 y decidió quedarse, pero había que adaptarse a la cultura, el idioma y la forma de hacer negocios. En los años cincuenta, la ciudad de México contaba apenas con 1.8 millones de habitantes, y se percató de que no existía una zona turística que fuera elegante y cosmopolita. Miró hacia la calle de Niza, la única transitada en la colonia Juárez y que conectaba Reforma e Insurgentes. Decidió promover ese triángulo por el que debía transitar todo ejecutivo. Comenzó con el Chalet Suizo en Niza y el Focolare. Le siguió La Bôite Jacaranda y el Hotel Presidente. Posteriormente, La Pérgola, el Mauna Loa, La Ostería Romana, La Calesa de Londres y Can-Can, donde Agustín Barrios Gómez le preguntó cómo llamaría a este barrio: “Lo llamaría la Zona Roja, pero como aquí somos muy sofisticados, optaría por llamarlo Zona Rosa”. Así fue como surgió el nombre. El diseño de muebles formó parte importante del proceso profesional de Schreck. Sus creaciones fueron cambiando, de antiguos estilos a conceptos contemporáneos y modernos. Adoptó el carácter distintivo de diversos países y sus diseños lucían sin ejercer dominio visual sobre los demás elementos de los ambientes. También era artista. Fue llamado “El Señor Naranja” por la aplicación de este color en sus pinturas, significativo de su personalidad apasionada. También elaboró esculturas pero sólo para sus obras, ya que las creaba en relación directa a sus respectivos proyectos.

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PREMIO NOLDI SCHRECK [Finalista]

El porqué del Premio

Noldi Schreck

Greta Arcila Fotografías cortesía despachos participantes

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uve la oportunidad de conocer a Noldi Schreck hace más de 10 años en su despacho en la Zona Rosa en la ciudad de México. Asistí a la cita con cierto nerviosismo pues entrevistar a un arquitecto de su talla para mí significaba —además de la preparación previa— un reto personal ya que muchos fines de semana de mi infancia los viví recorriendo esa área de la ciudad. Mis padres asistían a comprar antigüedades, mientras yo compraba fotos de gente extraña y todo tipo de máscaras. Amaba ese rincón de la ciudad que aún tenía impregnado en su ambiente el olor de la intelectualidad que por un tiempo vivió en sus paredes o convivió en sus bares y cafés. En el fondo, siempre me preguntaba quién había hecho muchos espacios… Y en ese momento, la vida

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me regalaba la oportunidad de ver y conocer a ese personaje. El día de mi encuentro, el arquitecto me recibió gustoso, y de inmediato me mostró un gran archivo de fotos en papel de gran valor. Platicamos de muchas cosas, pero lo que más recuerdo era su anhelo de hacer un libro de su obra. Inclusive, tenía uno armado pero sin terminar. No había encontrado a la empresa editorial que realizara tal trabajo pues requería mucho tiempo y dedicación. Yo planteé esa posibilidad a varias editoriales, pero no se logró en el debido tiempo. Siempre supe que el arquitecto se merecía una compilación de su obra. No se tuvo el tiempo de lograrlo. Pero, esta vez, quisimos cambiar un poco la historia en Glocal Design Magazine. Hoy rendimos un homenaje www.glocal.mx


creando el Premio Noldi Schreck. Año con año, entregaremos este reconocimiento a personajes que están labrando historia en el mundo de la arquitectura de interiores: Arquitectos y diseñadores que están logrando, con sus proyectos, hacer y dar identidad a nuestro entorno. Para esta primera ocasión, hicimos una invitación a 29 despachos para enviarnos sus trabajos. Recibimos el trabajo de 17 de ellos. Participaron: KMD-Architects, SPACE, Arquitectura de Interiores de Grupo GVA, MC Design, DIN Interiorismo, Paola Calzada Arquitectos, Uribe+Krayer, USO Arquitectura, C Cúbica Arquitectos, Pascal Arquitectos, Arquitectura en Movimiento, Esrawe Diseño, CheremSerrano Arquitectos, Muro Rojo, Habitación 116, Chic by Accident y Grupo MYT. Para la elección del ganador, el jurado estuvo integrado por: Carmen Cordera, Directora de la Galería Mexicana de Diseño; Ariel Rojo de Rojo Design; Juan Manuel Lemus, Director de L+M; Marcos Betanzos, escritor independiente de arquitectura; Arturo Castro, Director de Desarrollo de Negocios de SteelABRIL • MAYO 2012

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case; Rafael Noriega, Director General de Steelcase México; Bibiana Ruiz Esparza, Gerente de Color en Comex, y Alfonso Maldonado, Socio de ROW Studio. Glocal Design propuso una selección de 10 despachos, pero el jurado determinó y explicó sólidamente que tiene más validez premiar una sola trayectoria que varias en una misma ocasión pues el premio perdería consistencia. El jurado calificó los siguientes aspectos: Consistencia en cada proyecto presentado; propuesta clara, que su lenguaje en cada obra fuera adecuado; limpieza (orden espacial); y uso adecuado del color. Pero lo que más destacaron ellos, era que el ganador tenía que mostrar, en la obra presentada, un desarrollo óptimo dependiendo de los requerimientos del proyecto y que respondiera adecuadamente a su entorno. Pero no decimos más, aquí el ganador: Héctor Esrawe. La mención especial del jurado fue a Grupo MYT al mando de Andrés Mier y Terán. Y los finalistas: Muro Rojo, CheremSerrano Arquitectos, Habitación 116 y Chic By Accident.

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PREMIO NOLDI SCHRECK [Ganador]

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Fotos cortesía Esrawe Studio

Esrawe Studio

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éctor Esrawe nació en la ciudad de México. Estudió Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana, donde también ha sido profesor impartiendo varios cursos y talleres. Creador del concepto de mobiliario “Dimo”, desde 2004 funda su propia firma creativa llamada Esrawe Diseño, donde trabaja actualmente. Su experiencia profesional también incluye la conceptualización y construcción de mobiliario para oficinas, hoteles, bares, restaurantes, espacios comerciales, así como stands y exposiciones. ABRIL • MAYO 2012

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Esrawe ha participado en exposiciones colectivas e individuales y ha sido invitado a importantes congresos nacionales e internacionales. El trabajo de Héctor Esrawe ha sido publicado internacionalmente en revistas especializadas de arquitectura y diseño. En Esrawe Studio, el diseño es un proceso vivo de diálogo y vinculación entre el entorno y el usuario. Es entender las necesidades físicas y emocionales. Entender el momento y el contexto en que éste se desarrolla e intuir la evolución del mismo.

El trabajo del estudio se ha distinguido –a nivel nacional e internacional– por el diseño de fabricación artesanal e industrial, así como por el diseño de espacios interiores. Por su particular punto de vista con respecto al diseño, Héctor Esrawe ha sido invitado a impartir conferencias en ciudades como Nueva York, Praga, Helsinki y Londres. Esrawe Studio también ha sido ganador del premio Best of the Year Awards 2011 –de la revista Interior Design– en colaboración con Rojkind Arquitectos, en la categoría de Hospita-

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lity-Fine Dining, por el restaurante Tori Tori. Fue nominado a este mismo premio por el proyecto Cielito Querido en colaboración con Cadena Asociados el año anterior. Recibió el premio a la excelencia Diseño 2010 otorgado por la revista A! Diseño. Recibió el premio Quórum – en su primera edición– de Diseño Industrial en la categoría de mobiliario, en 2004 la mención plata en la categoría de espacios comerciales y, en 2005. mención bronce de la misma. Recibió un reconocimiento por su trayectoria de 15 años de excelencia otorgado por la International Interior Design Association (IIDA). En la Bie-

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nal Iberoamericana de Diseño, obtuvo la medalla de plata gracias al proyecto corporativo Lar (2008). Sus desarrollos en vidrio en colaboración con Nouvel Studio, se venden actualmente en tiendas como Barneys, Saks, Moss y en el Walker Museum (EU). Sus obras han sido exhibidas en La Galería Bensimon (París, 2011), Galería Mint (Reino Unido, 2011), Palacio de Iturbide, Museo Franz Mayer, El Palacio de Bellas Artes, Galería Mexicana de Diseño, Europalia (Bélgica, 1993), entre otros. www.esrawe.com

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PREMIO NOLDI SCHRECK [Menci贸n especial del jurado]

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Fotos cortesía MYT Diseño

MYT Diseño

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ndrés Mier y Terán realizó su maestría en Diseño Arquitectónico Avanzado en la Universidad de Columbia. Actualmente, dirige su propio despacho de arquitectura y construcción, MYT Diseño, en la ciudad de México, desde 2001. Andrés estudió Arquitectura de Interiores en ESAG Penninghen en París, de la cual se graduó en 2001. Ahí mismo, recibió el premio Meilleur Excellent como sobresaliente en su clase. Además, su tesis fue reconocida con el Premio Penninghen, una distinción que sólo se da en ocasiones especiales en las cuales un proyecto excede las expectativas de la escuela. El premio no se había dado por más de cinco años. Después de sus estudios en Francia, Andrés regresó ABRIL • MAYO 2012

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a México y obtuvo su Licenciatura en Arquitectura de la Universidad Autónoma de México. Durante sus estudios en Francia, Andrés trabajó un verano Tokio, asistiendo en el despacho de Nihon Sekkei, el segundo despacho más grande en el mundo. Al terminar sus estudios en París, Andrés trabajó, durante un año, con el reconocido diseñador y arquitecto Philippe Starck. Al completar sus estudios en México, Andrés funda MYT Diseño. Durante cinco anos, construyó y renovó varios departamentos, seis restaurantes y un par de espacios de oficinas. Sus proyectos más notables son: Diseño de Interiores del Museo Soumaya, el Monumento a la Revolución Mexicana, la tienda Stella Filante, La Imperial, Moshi Moshi,

Taka Taka en Nueva York, LÖX, y los restaurantes Vive La Crêpe. Andrés Mier y Terán ha sido publicado frecuentemente. En 2006, le fue otorgada la Medalla de Oro por su trayectoria en cinco años, en la Asociación Mexicana de Diseño de Interiores. Más recientemente, en 2011, la escuela ESAG en Francia le otorgó el premio Prix Met Penninghen por su trayectoria profesional de 2001 a 2011. Además de diseñar sus propios proyectos, Andrés ha administrado y supervisado la construcción de todos ellos, obteniendo así la invaluable experiencia en el proceso constructivo y gestión de personal. www.mytdiseno.com

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PREMIO NOLDI SCHRECK [Finalista]

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Fotos cortesía CheremSerrano Arquitectos

CheremSerrano Arquitectos

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HEREMSERRANO Arquitectos es un joven despacho de arquitectura e interiorismo. Sus directores, Abraham David Cherem Cherem y Javier Serrano Orozco (qepd), ambos nacidos en 1982 y graduados de la Universidad Iberoamericana, siempre se han involucrado en el desarrollo de los proyectos , trato con los clientes y supervisión de la construcción. Con gran versatilidad, han desarrollado desde restaurantes, cafetería y tiendas de ropa hasta departamentos, oficinas y casas. CHEREMSERRANO Arquitectos busca un equilibrio entre las necesidades del cliente, el presupuesto, la función e integración con el medio ambiente. ABRIL • MAYO 2012

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Ofreciendo siempre una solución arquitectónica a cualquier proyecto, cada uno de ellos representa una nueva oportunidad de aprender y resolver las necesidades de los clientes. Siempre felices de tener nuevos retos que los inspiren y satisfagan. A pesar de realizar diversos tipos de proyectos, han recibido varios reconocimientos por el diseño de restaurantes. CHEREMSERRANO Arquitectos busca dar una solución lógica de la arquitectura e interiorismo, resolviendo más allá de las necesidades del cliente y siempre innovando con materiales amigables con la naturaleza y su

ecosistema. Esforzándose para obtener soluciones únicas y eficiente, utilizan un proceso integral basado en la comunicación para alcanzar la excelencia en el trabajo final. Son conscientes que cada uno de los trabajos realizados influirán no sólo en el cliente, sino en la comunidad, país o planeta. CHEREMSERRANO Arquitectos están orgullosos de demostrar que su país, México, está al miso nivel de diseño y arquitectura internacionales. Javier Serrano falleció el 11 de julio de 2011. Abraham Cherem dirige el despacho. cheremserrano.com

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Fotos cortesía Chic by Accident

Chic by Accident Studio

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ace 11 años, Chic by Accident fue creada por Emmanuel Picault, estableciéndose como la primera tienda-galería especializada en antigüedades del siglo XX en México. Coleccionistas, anticuarios, decoradores, diseñadores y clientes privados conforman la clientela de Chic by Accident y celebran una cierta idea del gusto, del humor y de la vida. Chic by Accident se refiere a las imperfecciones de las piezas cosechadas a lo largo de los años. La galería se enfoca en el diseño mexicano y su encuentro con otros movimientos del diseño del siglo XX, piezas elaboradas de maderas tropicalizadas, piezas icónicas de los ABRIL • MAYO 2012

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veintes o treintas reinterpretadas a través de la geometría prehispánica. Gracias a una selección principalmente realizada en el territorio de los objetos del siglo XX, Emmanuel brinda su estilo por medio de contemporáneos y bellos accidentes visuales, generando en sus clientes, el sentimiento de un encuentro improbable. Basándose en su estructura sólida como anticuario y decorador, provee de sus curiosidades intercontinentales a arquitectos, diseñadores, estetas, coleccionistas, etc. En 2010, creó el despacho de arquitectura, en colaboración con el arquitecto francés Ludwig Godefroy, donde se proyectan casas o edificios sustentados por la memoria prehispánica

de México. A través de Chic by Accident Studio, Emmanuel Picault dirige con su batuta un ensamble compuesto por diferentes actores de la escena del diseño mexicano internacional ofreciendo así, una extensa partitura llena de diseños, colores, luces, materiales y texturas; al servicio de sus clientes, algunos de proyectos realizados se ubican en: Punta Mita, Valle de Bravo, Tepoztlán, ciudad de México, Baja California, París y Nueva York. Hace unos años, Emmanuel publicó su libro Chic By Accident the book, con el prefacio de Philippe Starck, libro dedicado a las piezas de la colección y a sus lugares de inspiración. www.chicbyaccident.com

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Fotos cortesía Rafael Rivera y Javier Claverie

Habitación 116

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n julio de 2002 se materializó un concepto en el que los arquitectos Rafael Rivera y Javier Claverie habían trabajado de manera itinerante en diferentes espacios, al abrir un showroom al público en Campos Elíseos 116, en la Ciudad de México. Un concepto que pretende conjugar en un mismo concepto el diseño de mobiliario fabricado por ellos mismos y la arquitectura de interiores. Habitación 116 propone no sólo un espacio, sino un estilo de vida, mediante una estética particular y clara para redefinir la vida cotidiana a través del interiorismo y su mobiliario. Sus creaciones y propuestas reflejan un proABRIL • MAYO 2012

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fundo estudio de las proporciones espaciales, así como una búsqueda constante de la pureza y de la atemporalidad, líneas simples y materiales nobles, les permiten combinar piezas de distintas épocas y estilos sin caer en un falso eclecticismo. Lograr un equilibrio entre la estética y el confort es el reto diario de las propuestas de estos arquitectos. Entre sus recientes trabajos se pueden mencionar los restaurantes Don Chui, Lobby en el hotel Habita, Central Brasserie, La Sakería Condesa, dulcería El Secreto, gourmet Senses y Delirio, además de numerosos proyectos residenciales. www.habitacion116.com

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Fotos cortesía Muro Rojo

Muro Rojo

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ste despacho se funda en 2008, reuniendo el esfuerzo de tres arquitectos: Elizabeth Gómez Coello, Jorge Medina Robles y Germán Velasco Espinosa, quienes comparten el compromiso de integrar la arquitectura, el diseño y el arte para abarcar sus múltiples sentidos y un mismo afán de plasmar por medio del diseño el espíritu de una época y una forma de significar el espacio donde el elemento mínimo es esencial para la creación de un hábitat. Siempre con el apoyo del staff incondicional ABRIL • MAYO 2012

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conformado por A.I. Fernanda Esquivel Llaguno y el Arq. Mario Báez García. Muro Rojo nace de la inquietud de volver a integrar la arquitectura y las artes plásticas dentro de un entorno cultural y físico determinado. Es un taller conformado con el anhelo de retomar los sentidos clásicos de la arquitectura, para así revelar espacios en los cuales las partes se integran con el fin de crear un espacio habitable, una morada. Para el despacho, la arquitectura y el interiorismo se dejan ver como

el lápiz y el pincel por medio de los cuales los espacios se llenan de significados, de sentidos para crear un lenguaje a partir de planos, volúmenes, colores, luz y texturas en el cual se inscribe la vida misma. Así, en Muro Rojo buscan la integración de un lenguaje arquitectónico y de interiores para definir recorridos y sitios que son significados como un libro conformado por muros, luz, texturas y sombras donde se inscribe la vida. www.murorojo.com

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nĂşmeros

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* José Luis González Cabrero, diseñador industrial originario de San Luis Potosí, actualmente radica en Milán donde trabaja como product designer para diversos estudios, también escribe e ilustra sobre temas de diseño para publicaciones en México e Italia. www.gonzalezcabrero.com @gonzalezcabrero

Bibliografía The Eames Lounge Chair, An Icon of Modern Design, Kirkham+Eidelberg+Hank, Merell, 2006. Journals, Early Fifties, Early Sixties, Allen Ginsberg, 1993. Furniture on the air, Free Union VA, 2001. Oficina de Prensa Herman Miller (EUA Y México), 2011. www.hermanmiller.com www.eamesdesigns.com www.eamesloungechairandottoman.com www.regencyshop.com/a70/10-Amazing-Facts-about-Eames-Lounge-Chair

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texturas

Utopía de color Con una propuesta basada en los patrones florares, Katrantzou logra exaltar la feminidad a través del color y la impresión digital.

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La habilidad de camuflar lo burdo para convertirlo en bellas flores logra confrontar lo humano y lo natural contra lo totalmente industrial

Marina Peniche Fotografías cortesía de RELATIVE|MO

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na primavera más nos llama al despertar de la vida y la diseñadora griega Mary Katrantzou lo acompaña con la colección 2012 que nos ha dejado impresiones de alegría y sorpresa. Con una joven voz en el universo de la moda, su trayectoria ha emprendido un ritmo con una gran inercia que la ha llevado ha posicionarse rápida y fuertemente como una diseñadora que se caracteriza por su contundencia gráfica y conceptual. Impulsada por sus intereses hacia nuevos lenguajes visuales, se ha sumergido en los estampados y la impresión digital, temas que han sido preponderantes en sus diseños. En su colección primavera-verano 2012, presentada en la semana de la moda en Londres, nos muestra una línea llena de flores y colores vibrantes; por más predecible que nos parezca que estos dos factores se encuentren en una línea diseñada para estas estaciones, Mary nos sorprende generat originalidad con los mismos viejos conceptos. Las impresiones digitales y estampados de flores, plumas y aves que encontramos en la colección son diseños variables con patrones y constituciones complejas que se mezclan a través de minivestidos con cola, faldas estilo burbuja, tops corte chiffon y pantalones rectos en una revolución digital de color.

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La fluida paleta de colores que logra generar modelando audazmente con computadora, le permite alcanzar una gama muy brillante que resulta en piezas psicodélicas mostrándonos la fuerza de sus impresos. Apoyándose con esta técnica, la diseñadora nos hace escanear las prendas perdiéndonos en los bordes variando patrones y estampados sutilmente o bien, marcando los límites agudamente con cambios drásticos logrando franjas intensas de textura y tonos. Rompiendo con el plano 2D y en un intento de llevar lo visual a sensorial se presenta un vestido con las “mismas” impresiones florales formadas con objetos metálicos, como latas y autopartes. Esta habilidad de camuflar lo burdo de estos elementos para convertirlos en hermosas flores confronta lo humano y natural contra lo totalmente industrial. Katrantzou revela en su colección el abecedario de las flores. Utiliza las claves ocultas del lenguaje floral, descubriendo sus múltiples patrones y combinaciones secretas logrando cuadros de increíbles composiciones. Alrededor de todo ello, reverdece todo un conjunto de signos poéticos y armónicos como si cada prenda fuese un ramo de flores escogidas cuidadosamente. relativemo.com

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galería

Fernando Botero La crisis del arte Sagrario Saraid Fotografías archivo GEEM

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Piezas de la colección El Circo. Óleos sobre tela

Piezas de la colección El Circo. Óleos sobre tela

Recientemente, se inauguró la exposición más grande del Maestro Fernando Botero. La retrospectiva comprende 177 piezas, las cuales están actualmente exhibidas en el Museo de El Palacio de Bellas Artes.

Maestro, ¿cuál es la situación actual del arte ante el mundo contemporáneo? Nuestro tiempo ha sido testigo de los mayores adelantos en las comunicaciones y la tecnología en toda la historia. Los descubrimientos científicos han contribuido a mejorar la calidad de vida de la humanidad. Sin embargo, en el mundo del arte, por desgracia, ha sucedido todo lo contrario. Al examinar el pasado y fijar la mirada en las postrimerías de cada siglo anterior al siglo XX, podemos comprobar que aquellos eran momentos de asombrosa energía artística, de una insaciable búsqueda estética y de una creatividad audaz y renovadora. Al concluir el siglo XIX, el mundo se enriqueció con las obras de un maestro como Cézanne, así como de todos los grandes pintores del Impresionismo, incluyendo a Monet, Manet, Renoir y Van Gogh. En cambio, al finalizar el siglo XX presenciamos un paisaje triste y desolador en las artes plásticas, y estos primeros años del nuevo milenio, lamentablemente, parecen anunciar la continuidad de esa dramática situación. ¿Es decir que el arte vive una fuerte crisis? En efecto. Hoy, la pintura y la escultura atraviesan por una de las peores crisis de toda su historia. La desintegración del arte mundial debido a un exceso e, incluso, a una saturación de intelectualismo, y a una verdadera confusión conceptual, han producido la época mas pobre y estéril, artísticamente hablando, que se recuerde. ABRIL • MAYO 2012

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La Orquesta (2001) Óleo sobre tela 183x144 cm. (página 80)

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Piezas de la colección El Circo. Óleos sobre tela

Piezas de la colección El Circo. Óleos sobre tela

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Picnic (2001) Óleo sobre tela 113x165 cm.

Hoy, parecería que la sensualidad y el placer estuvieran mal vistos y hasta prohibidos en el arte moderno. Hemos comprobado un alejamiento de la pintura y de la escultura, pues la técnica y la esencia se están perdiendo y se han reemplazado por otras formas de expresión efímeras y pasajeras. Hay quienes aseguran que la pintura como tal se acabó. Que el noble arte de los pinceles ya no tiene espacio ni sentido, y que son los videos, los montajes y las instalaciones las formas predilectas de la modernidad. Más aún, gran parte del arte europeo y americano del momento ha evolucionado hacia representaciones del tipo teatral, como el performance y el happening, un arte que tiene poco que ver con la pintura o la escultura como las hemos conocido durante tantos siglos. Obviamente, sólo el tiempo dirá cuál es el auténtico valor de estas formas de expresión artística, pero sospecho que será breve y fugaz. ¿Aún hay esperanza para el mundo del arte? El arte no avanza en línea recta sino en bandazos, en forma de respuesta y reacción a los ABRIL • MAYO 2012

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momentos anteriores, y por eso espero que esta nefasta tendencia del arte moderno produzca, paradójicamente, un coletazo de revalorización y de reconciliación con las grandes tradiciones de la pintura y de la escultura como tales. El arte es una revolución permanente, y los artistas nuevos no irrumpen para continuar lo que ya está hecho, sino para cambiar de rumbo e implantar un nuevo orden de ideas, casi siempre en oposición al arte anterior. Por eso, confío en que las nuevas generaciones van a redescubrir la importancia de sus raíces, y crearán un arte universal a partir de una visión local, ojalá sin perder de vista las cumbres más altas del arte de todos los siglos. ¿Qué obra podremos ver en esta exposición, Fernando Botero: Una celebración? De toda. Desde mis inicios, obra temprana en la que se refleja la vida cotidiana de Medellín y de América Latina, el clero, naturalezas muertas y las versiones de obras maestras renacentistas que realicé con mi propio estilo. Habrá obra de temas que han marcado mi vida y mi obra como La Corrida, El Circo, Abu Ghraib, dibujos

en diversos formatos, 11 pequeñas esculturas y cinco monumentales que se exhibirán en la explanada del Palacio de Bellas Artes. ¿Cómo se siente con este homenaje? Muy contento. A los 17, tuve mi primera exposición en colectivo, en Medellín; a los 19, la primera en solitario y hoy la exposición más grande mi vida. Así que me siento dichoso.

Fernando Botero: Una celebración Hasta el 10 de junio Museo del Palacio de Bellas Artes Av. Juárez, esquina con Eje Central Centro Histórico, ciudad de México.

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traducciones

Jean-Marie Massaud Between aeronautical engineering and industrial design... p.40 GRETA ARCILA PHOTOS COURTESY OF STUDIO MASSAUD

AN ENGINEER with the soul of the designer, Jean Marie Massaud thinks that things should work perfectly and be useful, but must be imbued with sensitivity and beauty. Otherwise, the design only become objects, and of those, there are many. Last year, walking around the halls of the International Furniture Show, I met Jean-Marie Massaud. Without hesitation, I asked him for an interview, he responded by asking my nationality, something that I thought irrelevant at the time, however, when I said I was Mexican, he replied: “Sure, meet me in two hours on the stand Dedon, to talk and tell me about the Volcano Stadium”. I returned to the meeting point, and we talked for almost two hours. Already in the interview, the first thing he asked was that if I had visited the stadium and if I knew Jorge Vergara. I said no and he told me: “You have to visit it, it’s very good, unfortunately is the only project built in complex JVC, I think if my friend Vergara now get to a small town with great talent putting in architects, he will make this city shine for a long time... But let’s talk about design... it is hard for me because I always end up talking about people I work with and this is an aspect I take projects: The soul of a project comes from that time”. Tell me how you met Jorge Vergara. One day my agent told me that a Mexican wanted to propose a project. I accepted the appointment, I was in Miami so it was very convenient for him. I went to the appointment and he did not appeared. I did not take it personal, but I left a little annoying. Later he called to apologize. We had another appointment, and he canceled again. One day I was in Paris, and my agent called saying he was in the city. I attended but I was not really confident. I got there, told me his story of how he made his business group, I was pleasantly surprised. He kept talking and I raised the complex plan JVC... I proposed the stadium. I did not think much about what happened but I took a chance. I drew what I imagined, and I signed on a napkin. Thus began this project, but most of all, began my understanding of a culture: The trust and the value of the word. So you were in Guadalajara... Right. I was there for the opening of Chivas stadium a couple of years ago. I must say I loved the personality of the Mexican people. At first I did not understand why the lunches lasted so long and had so much music, and sometimes end up in a party! I realized that there are established bonds of trust and know the personality and life of the people I work with. When I started working with people of HOK office in Mexico, the one in charge of the project, it seemed strange to ask me about my health or my family. Nobody had asked me before. I was accepted as a human being rather than as a designer, and that it is now worth a lot to me. Your work is always different. How to keep the concept of ‘fresh’ in this world with so much information? How to select one idea and then make it one of your creations? It is very difficult to find the idea behind your work. I think it has to do with the subconscious. I think having an approach with the client works. The form is always symbolic for me. I don’t care, I just want to say something. I do not mind not being in fashion, because fashion varies from place to place. I do not care to be smart. It’s not the same what works in Europe or what works in Mexico. I do what I like and sometimes it can seem ‘cool’ for people, fortunately. I am typical but atypical. Today, you are considered one of the great designers in the world. How did you convince your first customers to your concepts? Trusting in you. It’s been a long road. It’s hard to tell my story in a nutshell.

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I studied aircraft engineering and I specialized in electronics, wing profiles and various disciplines, highly specialized. Then when I was 20, I discovered industrial design and said, “This is the world that is open to creativity and design”. I could implement the technology and, according to the project, develop the talent. It was the idea of merging creativity and engineering. I entered the Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle in Paris. It came the opportunity to go to Japan, where I developed a submarine, but was very young. I dared not much. At first I was shy. I stopped working in Japan to go to Hong Kong to another company then to try to direct my own projects and have my own team of collaborators. I experienced a lot. Back in France, I studied the ‘Starck effect’ and Italian style furniture. Being a beauty specialist in the minds of people. I studied how they could make a large building or an industrial design project, with special attention to the aesthetics and beauty. I was an engineer, not a designer and that learning was very useful because it improved my level of ‘sensitivity’. I got my first project with Capellini. Then I did some projects for Outline, with ideas very organized, clean shapes and functional designs. But I can go from the orthogonal winding. A company with which I really enjoyed working was Hansgrohe, therefore to design something that carries water, I took my early aeronautical engineering: design for an item as basic and complex for transport, I found it fascinating. As such, each project has a fascinating history behind it. I love my job and I think that’s what makes it exciting. In Milan, when presenting my work, the press said, “Look, a new designer that is not minimalist or organic”. For me, it was to find the delicacy of comfortable furniture that leave the traditional archetype of the chairs. THE ARCHITECTURE Step by step, the company evolved to get to have a good name. I asked for certain designs, I wondered if I could do this or that. The issue is to design based on the information you have and do something simple, useful, without being too ambitious. It is interesting to share your views with opinion leaders because they consider you an expert. You can improve your project depending on what people are looking for. As for architecture projects (I’m not even an architect!) I love the vision of Jean Nouvel. I was very fortunate to do some projects in Barcelona and I was honored to make buildings where he also worked because Nouvel was not based on preconceived ideas, but overall concepts used in specific projects. When I was in Mexico, the businessmen were discussing the place to build the stadium in Guadalajara. I told them I had only 15 minutes to talk about it because I left the next day. If it was not me, it was Jean Nouvel. When the meeting ended, I was told that the contractual plan should be in a month. And it was. They said we were going to build it. I thought, “These people are crazy!” Because they decided to do it. I would do the whole architecture. The idea that it was a volcano that dominate the landscape, where people could gather around for a picnic, and at the top, in the crater, the soccer field. How does a designer know that a design is going to be good business? This concern is irrelevant when there is quality. There’s no formula, of course. You can not predict anything or be sure. It counts the customer loyalty, of course, but you must pay attention to focus on information that comes to you from around the world. We need to open the newspaper, watch television. We must be confident, be loyal to your work. Give people good things to life. As a Frenchman, how hard is to get involved in culture, economy, etc. of each place where you do a project? First of all, You must not be arrogant, don’t act as if you were a settler. The idea is to understand the specific situation of each place, think of the real, the present and into the future. Nor should we come and say “I’ll do this or that”, but get closer to the people and absorb all you can from them. And then I try to create an overall concept that meets local needs. I always remember that I am a solution provider. I just try to be a catalyst that works from the information that people of each place gives me.

How would you define your work? I want to be very symbolic. An example is the aircraft with a whale shape I designed. Or the Volcano stadium, which symbolism is the energy that occurs in the crater. The image is very important to have a symbolic approach. It has to be expressed. www.massaud.com

London Olympic Stadium

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BY JORGE EDUARDO MORALES PHOTOGRAPHY COURTESY OF POPULOUS

TO ACHIEVE a balance between the immediate needs of a large Olympic Stadium and a smaller venue in the long run, Populous took the development and architectural language of this convertible space. London will be the first city to receive the Olympic Games for the third time. The organizing committee pretends to exhibit the capacity of this city to shelter a spectacular, efficient and innovative Olympic and Paralympics games. For that, the firm Populous has developed a new theory to “embrace temporality”, explore forms, materials, structure and the operational systems to bring a structured palette of elements into a cohesive design of the Olympic Stadium. It’s a development of simple readable forms that minimize the physical weight, the construction time and the energy use of each component, interlacing the building, with dismountable connections. It not only allows for a capacity of 80,00 people during the opening an closing ceremonies of the games, but will allow the transformation of the stadium, after the Olympics, into a 25,000 seats space. The London Olympic Stadium is located in a diamond shaped island between two canals, in the southern section of the new Olympic Park. The seating area is compact, bringing the 80,000 spectators closer to the events than in other Olympic venues. The design takes advantage of the island location, providing a full circuit for the podium esplanade surrounding the stadium connected trough bridges to the main park. This podium esplanade promotes the massive nature of the Olympics with a perimeter designed with facilities for a great number of spectators, shops and food stands distributed along the water edge. During the 3 hours of a sporting event, the visitors are free to move from their seat to the podium to visit these colorful clusters of stores and see across the canals the activities at the park and the neighboring venues. The key for the sustainable criteria of reduction, reuse and recycle, was adopted to create a compact, flexible and light design. The main structure of the stadium is light and elegant, clearly expressed by the diagonal outer joints in white structural tubes that support the roof and the tight inner steel that supports the temporary rows of seating in the upper part. The black and white seats provide a drop back to the inner color of the facilities and roads for the spectators. The running track will be lit with an eye-catching color that reflects the liveliness of London 2012. As a central piece of the development of the Olympic Park, the construction of the stadium represents a challenge for architects and organizers of the Olympic project that meets the aesthetic and functional requirements of a venue of such a magnitude. www.populous.com

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Olympic Velodrome

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BY JORGE EDUARDO MORALES IMAGES COURTESY OF HOPKINS

ONE OF the four permanent venues of the Olympic Park, the Velodrome, offers a historic venue for the cycle –indoor– competitions during the Olympic and Paralympic Games of London 2012. The building is an elegant answer to the original requirements. Through the use of simple materials in an efficient manner and therefore satisfy the client aspirations within the available budget. Cycling inspired the concept of the Velodrome. The bicycle is an ingenious object that was perfected with efficiency. Hopkins Architects sought the same application of design creativity and engineering rigor given to a bicycle to manifest in the building, not as an imitation, but rather an insert –in three dimensions– to the functional needs of the venue, whose distinctive form rises from an approach of the design team that centered on the performance and efficiency of each aspect of the building. The Velodrome possesses 6,000 seats, for both the Olympic Games and the regular seasons and responds to the context in an adequate way with a minimal transformation. The upper and lower seats are divided by main esplanade that marks the entrance point to the arena and allows the spectator to keep contact with the action at the track while circulating around the building. The spaces are enclosed with glass to allow views on the inside and outside of the building. This helps to separate visually the ground level covered in Western Red Cedar from the lower levels, greatly concealed behind the contentment wall that forms a visual base at the east and west ends of the building. The Olympic Delivery Authority established a series of sustainability and materials objectives, trough careful consideration and integration of the architecture, structure and services of the building, which design has achieved and exceeded these requirements. The construction began on February 23rd 2009 and was completed (ahead of program and within budget) on January 13th 2011. The building was a collaboration with Engineering Enterprise BDSP and Grant Associates. www.hopkins.co.uk

Lee Valley White Center  p.60 BY JORGE EDUARDO MORALES IMAGES COURTESY OF FAULKNERBROWNS ARCHITECTS

THIS WAS the first venue fully finished for the 2012 London Olympic Games and the only one available for use before the Games. The White Water Center includes a 300m slalom canoe route as well as an intermediate practice circuit of 160m, next to a building that incorporates the amenities and facilities within a space located at the east of the Lee River and to the north of the Waltham Cross train station. The building facilities provide with a basic support space for the safe and efficient use of the White Water Center in regular competition mode and at the same time, satisfy the temporary needs during the 2012 Olympic Games. It is inlaid to minimize the visual impact on the landscape and is conceived as a matching section with different character that corresponds to the inner functions and external activities of each level. At the lower level, the building volume is partially inserted below the start pool towards the East with the main elevation in front of the finish pool at the west. This level houses the functional heart of the support facilities, with dressing rooms, equipment storages and a courtyard that opens to the meeting space and the area where the boats depart. This courtyard provides a safe and controllable area for the storage of boats and as a place to brief the particiABRIL • MAYO 2012

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pants. Materials such as masonry and concrete walls that give it a robust and temperature stable long transition spaces characterize this level. At the upper level, wood beams wrap from above to from a venue that points to the exit of the pool. This level contains the spectators and services facilities, with café, operations room and administrative areas that open to a grand terrace next to the start area. While the form of the lower level tries provides a solid space to shelter the courtyard –in the heart of the facilities–, the shape of the upper level is conceived as a more pervious and welcoming area, with the wooden deck that flows to the building to connect internal and external areas. This level outstands with the use of materials such as wood and glass walls, along with concrete, that provide visual softness and incorporate the ambiance to the social and work spaces. The sustainability challenge was to create a water current (rapids) usually associated with the mountain currents in a relatively flat water body and that, in a certain way, could be sustainable in terms of energy use and warranty its viability on the long term after the Olympic competitions. The design team considered many plans and energy generation alternatives to meet a solution that could comply with all the rigorous requirements for the canoe slalom competition, and also, have a softer current for amateur or leisure use. The result is a sustainable model that satisfies the investment and with a lifespan that is economically viable. www.faulknerbrowns.co.uk

London Aquatic Center  p.64 BY JORGE EDUARDO MORALES PHOTOGRPHY COURTESY OF ZAHA HADID ARCHITECTS

THE GEOMETRIC fluidity of moving water was the inspiration that the firm of Zaha Hadid used to create an architectural concept of the London Aquatic Center, fusing gently with the spaces and ambiance of the fluvial landscape of the Olympic Park. A waving ceiling deploys from the floor, like a wave, enclosing the pools of the Center with its fluid movement, while describing the volume of the swimming and diving pools. The London Aquatic Center is designed to have the flexibility of receiving an event of the magnitude of the Olympic Games and, also, to adapt to the size and capacity of minor competitions once the 2012 Olympics end. The Center is located within the master plan of the Olympic Park. It’s located at the East end of the park in direct proximity to Stratford. The new pedestrian access from the Stratford City Bridge that links that development with the Olympic Park, will traverse trough the Aquatic Center and provide an incomparable view of the city center from the bridge. This project is planned over an orthogonal axis perpendicular to the Stratford City Bridge. The three pools are placed along this axis. The training pool is located under the bridge while the competition and diving pools are placed inside a grand volumetric hall. The global strategy is to frame the base of the hall as a podium when rotating and connecting it to the bridge. This podium element can contain a variety of individual and differentiated elements in a unique architectural volume, completely integrated with the bridge and the landscape. From the bridge level the podium emerges from beneath to fall as a cascade to the pools hall. The pools hall is covered, above the podium level, by a grand ceiling that arches on the same axis as the pools. Its form is generated by the visual lines of the spectators during the Olympic configuration. A double curved geometry has been used to create a parabolic arches structure that constitute the unique features of the ceiling. This ceiling waves to mark a visual separation between the competi-

tion and diving pools. The ceiling wraps the exterior areas by extending beyond the hall and to the entrance bridge. The projection of the ceiling above the bridge entrance announces the presence of the London Aquatic Center when approaching either from Stratford City or the Olympic Park. Structurally, the ceiling is based in three primary positions. Also, the opening between the ceiling and the podium is covered with a glass wall façade. www.zaha-hadid.com

Why the Noldi Schreck Award p.68 GRETA ARCILA

I HAD the opportunity to meet Noldi Schreck more than 10 years ago in his office in the Zona Rosa in Mexico City. I attended the appointment with some nervousness for making an interview to an architect of his stature for me meant, in addition to a personal challenge, because many weekends of my childhood were spent touring that area of the city. My parents attended antiques, while I bought photos of strange people and all kinds of masks. I loved that part of the city was still steeped in its environment and the smell of the intelligentsia who for a time lived in their walls or spent time in bars and cafes. Basically, I always wondered who had done many of those spaces... And in that moment, life gave me the opportunity to see and know that person. The day of my meeting, the architect received me gladly, and immediately showed me a large archive of photos on paper of great value. We talked of many things, but what I remember the most was his desire to make a book of his work. He even had one armed but unfinished. He had not found the publishing company to undertake such work as required much time and dedication. I raised that possibility with several publishers, but not achieved in due time. I always knew that the architect deserved a compilation of his work. He had no time to do it. But this time, we wanted to change history a little in Glocal Design Magazine. Today, we pay tribute to Schreck creating the Noldi Schreck Award. Each year, we will deliver this recognition to characters who are carving history in the world of interior design: Architects and designers who are accomplishing with their projects, making and giving identity to our environment. For this first occasion, an invitation was made to 29 firms to submit their works. We received the work from them 17 of them. The participants: KMD-Architects, SPACE, GVA Interior Architecture Group, MC Design, DIN Interiorismo, Paola Calzada Architects, Uribe & Krayer, USO Architecture, C Cúbica Architects, Pascal Architects, Arquitectura en Movimiento, Esrawe Design, CheremSerrano Architects, Muro Rojo, Habitación 116, Chic by Accident and MYT Group. The jury members who chose the winner were: Carmen Cordera, Director of the Mexican Gallery of Design, Ariel Rojo from Rojo Design, Juan Manuel Lemus, Director of L&M, Marcos Betanzos, architectural freelance writer, Arturo Castro, Director of Business Development at Steelcase, Rafael Noriega, CEO of Steelcase Mexico, Bibiana Ruiz Esparza, Manager of Color in Comex, and Alfonso Maldonado, ROW Studio partner. Glocal Design proposed a selection of 10 offices, but the jury found and explained firmly that has more validity rewarding a single path that several on the same occasion as the prize would lose consistency. The jury described the following aspects: Consistency in each project; clear proposal, that his language was appropriate in each work, cleaning (spatial order), and proper use of color. But what they stressed was that the winner had to show, in the presented work, an optimal depending on project requirements and to respond appropriately to their environment. An here’s the winner: Hector Esrawe. Special Jury Mention went to MYT Group led by Andres Mier y Teran. And the finalists: Muro Rojo, CheremSerrano Architects, Habitación 116 and Chic By Accident.

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traducciones

ESRAWE STUDIO 

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HECTOR ESRAWE was born in Mexico City. He studied Industrial Design at the Universidad Iberoamericana, where he also taught several courses and workshops teaching. Creator of the concept of furniture “Dimo” he founded his own firm in 2004 called Esrawe Creative Design, where he currently works. His professional experience also includes the conceptualization and construction of furniture for offices, hotels, bars, restaurants, shops, and booths and exhibits. Esrawe has participated in solo and group exhibitions and has been invited to major national and international conferences. Hector’s work has been published internationally in architecture and design magazines. In Esrawe Studio, the design is a living process of dialogue and links between the environment and the user to understand the physical and emotional needs. Understanding the timing and the context in which it develops and intuit its evolution. The firm’s work has been distinguished, nationally and internationally for the design of artisan and industrial production, as well as designing interior spaces. For his particular point of view regarding the design, Hector Esrawe has been invited to give lectures in cities like New York, Prague, Helsinki and London. Esrawe Studio has also been winner of Best of the Year Awards 2011-to Interior Design magazine in collaboration with Rojkind Architects in the category of Hospitality, and Fine Dining for the restaurant Tori Tori. He received the Design Excellence Award 2010 by the magazine A! Design. He received the Quorum award in its first edition of Industrial Design in the category of furniture, silver in 2004 mention in the category of commercial space and, in 2005, bronze mention thereof. He was recognized for his career of 15 years of excellence awarded by the International Interior Design Association (IIDA). In the Latin American Biennial of Design won the silver medal thanks to corporate project Lar (2008). His developments in collaboration with Nouvel Glass Studio, currently sold in stores like Barneys, Saks, Moss and the Walker Museum (EU). His works have been exhibited at The Gallery Bensimon (Paris, 2011), Mint Gallery (UK, 2011), Iturbide Palace, Franz Mayer Museum, the Palace of Fine Arts, Mexican Gallery of Design, Europalia (Belgium, 1993) among others.

MYT DESIGN 

CHIC BY ACCIDENT 

p.76

11 YEARS ago, Chic by Accident was created by Emmanuel Picault, establishing as the first shop and antique gallery specialized in Mexico’s twentieth-century. Collectors, antique dealers, decorators, designers and private customers make up the clientele of Chic by Accident and celebrate some idea of taste of humor and life. Chic by Accident refers to imperfections of the harvested parts throughout the years. The gallery focuses on Mexican design and meet with other movements of the twentieth century design, pieces made of wood tropicalised, iconic pieces from the 20’s or 30’s reinterpreted through the pre-Hispanic geometry. Thanks mainly to a selection made in the territory of the objects of the twentieth century, Emmanuel offers through its contemporary style and beautiful visual accidents, resulting in their clients, the feeling of an encounter unlikely. Based on its solid structure antiquarian and decorator provides its intercontinental curiosities to architects, designers, aestheticians, collectors, etc. In 2010, he created the architectural firm, in collaboration with French architect Ludwig Godefroy, where houses or buildings are projected supported by pre-Hispanic Mexico. Through Studio Chic by Accident, Emmanuel Picault with his baton directs an ensemble composed of different actors in the international design scene offering an extensive sheet music full of designs, colors, lights, materials and textures, to serve its customers. Some of projects are located in: Punta Mita, Valle de Bravo, Tepoztlan, Mexico City, Baja California, Paris and New York. A few years ag, Emmanuel published his book Chic By Accident the book, with a foreword by Philippe Starck, a book dedicated to the pieces of the collection and places of inspiration.

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ANDRES MIER y Teran did his Masters in Advanced Architectural Design at Columbia University. He currently runs his own architectural and construction MYT Design in Mexico City since 2001. Andres studied Interior Architecture at Penninghen ESAG in Paris from which he graduated in 2001. Right there, was awarded the Meilleur Excellent as outstanding in its class. In addition, his thesis was awarded with the Penninghen Prize, a distinction that is only given on special occasions where a project exceeds the expectations of the school. The award was not given for more than five years. After studying in France, Andres returned to Mexico and obtained his Bachelor of Architecture from the Autonomous University of Mexico. During his studies in France, Andres worked for a summer in Tokyo, assisting in the office of Nihon Sekkei, the second largest firm in the world. After finishing his studies in Paris, he worked for a year with the renowned designer and architect Philippe Stark. Upon completing his studies in Mexico, Andres founded MYT Design. For five years, he built and renovated several apartments, six restaurants and a couple of office spaces. His most notable projects include: Soumaya Museum Interior Design, the Monument to the Mexican Revolution, Stella Filante Store, The Imperial, Moshi Moshi, Taka Taka in New York, LÖX, and restaurants Vive La Crêpe. Andres Mier y Teran has been published frequently. In 2006, he was awarded with the Gold Medal for lifetime

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achievement in five years, by the Mexican Association of Interior Design. More recently, in 2011, the ESAG School in France awarded him with the Prix Met Penninghen for his career. In addition to designing their own projects, Andres has managed and supervised the construction of all of them, gaining invaluable experience in the construction process and personnel management.

HABITACION 116 

p.78

IN JULY 2002, was materialized a concept in which architects Rafael Rivera and Javier Claverie had worked on the move in different areas, opening a showroom to the public on Campos Eliseos street. A concept that seeks to balance the design of interior architecture and the furniture made by them. Habitacion 116 attempts to propose a way of life, with a particular aesthetic to redefine everyday life through interior design and furniture. Creations and proposals that reflect a deep study of the proportions and a constant search for purity and timelessness, simple lines and quality materials allow them to combine pieces from different eras and styles. Striking a balance between aesthetics and comfort is the daily challenge of the proposals of these architects. Among his recent works can be mentioned Don Chui Restaurant, Lobby at the Hotel Habita, Central Brasserie, The Sakería, El Secreto, Senses gourmet and Delirio, and numerous residential projects.

CHEREM SERRANO 

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CHEREMSERRANO ARCHITECTS is a young architecture and interior design firm. The directors, David Abraham and Javier Serrano Cherem Cherem Orozco (RIP), both born in 1982 and graduated from the Universidad Iberoamericana, have always been involved in the development of projects, dealing with clients and construction supervision. With great versatility, they have developed restaurants, coffee shop and clothing stores, apartments, offices and homes. CHEREMSERRANO Architects offers a balance between customer needs, budget, function and integration with the environment. Always offering an architectural solution to any project, each of them represents a new opportunity to learn and meet the needs of customers. Always happy to have new challenges to inspire and satisfy. CHEREMSERRANO Architects seeks to provide a logical solution architecture and interior design, beyond solving customer needs and always innovating with materials that conserve the environment. Striving for unique and efficient solutions, using an integrated process based on communication to achieve excellence in the final work. They are aware that each of the work will influence not only on the client, but in the community, country or planet. CHEREMSERRANO Architects are proud to demonstrate that his country, Mexico, is the commitment level of international design and architecture. Javier Serrano died on July 11th, 2011. Abraham Cherem leads the office.

MURO ROJO 

p.82

THIS OFFICE was founded in 2008, bringing together the efforts of three architects: Elizabeth Gomez Coello, Jorge Medina and German Robles Espinosa Velasco, who share a commitment to integrate architecture, design and art to encompass multiple meanings and the same desire to capture the spirit of an era and a way to mean the space where the minimum element is essential for the creation of a habitat. Always with the unconditional support staff consisting of AI Fernanda Esquivel Llaguno and Architect Mario García Báez. Muro Rojo (Red Wall) was born from the concern of reintegrating architecture and visual arts within a particular cultural and physical environment. This workshop was formed with the desire to regain the classical sense of architecture, in order to reveal areas in which the parts are integrated to create a living space, a dwelling. For the office, architecture and interior design are to be seen as the pencil and brush through which the spaces are filled with meanings, senses to create a language from planes, volumes, colors, light and texture in the which is part of life itself. Thus, Muro Rojo seek the integration of an architectural and interior language to define routes and sites that are meant as a book consisting of walls, lighting, textures and shadows which is part of life.

Color Utopia 

p.54

BY MARINA PENICHE IMAGES COURTESY OF RELATIVE|MO

A SPRING invites us to the awakening of life and the Greek designer Mary Katrantzou accompanies it with 2012 collection that left us with impressions of joy and surprise. With a young voice in the world of fashion, her trajectory has undertaken a rhythm with a great inertia that has taken it to quickly and strongly position as a designer that are characteristic for their graphic and conceptual boldness. Driven by her interest towards new visual languages she has submerged into de prints, a common theme in her designs.

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In her spring-summer 2012 collection, presented at the London Fashion Week, she shows us a line full of flowers and vibrant colors; as predictable as it might seem in a line designed for those stations, Mary surprises us by generating originality with the same old concepts. The flowers, feathers and birds prints that we find in her collection are variable designs made with complex patterns and forms that mix trough tailed mini dresses, bubble stile skirts, chiffon tops and straight pants in a digital revolution of color. The fluid color palette that she achieves by boldly modeling with computer lets her achieve a brilliant hue that results on psychedelic pieces that show the strength of her prints. Supported with this technique, the designer makes us scan the clothes loosing ourselves in the borders varying patterns and prints in a subtle way or well, marking sharply the limits with abrupt changes that make intense strips of texture and tones. Breaking with the 2D plain and in an attempt to take the visual to sensorial a garment is presented with the “same” floral impressions formed with metallic objects like cans and car parts. This ability to camouflage the bluntness of these elements to transform them into beautiful flowers confronts the human and natural against the completely industrialized. Katrantzou reveals in her collection an ABC of flowers. Using the hidden notes of the floral language, discovering its multiple patterns and secret combinations, to achieve pictures of incredible compositions. Around all of it, a set of poetic and harmonic signs is revived as if each garment where a carefully picked bunch of flowers. relativemo.com

of the brushes has no space or sense, and that the videos, the montages and installations are the favorite forms of modernity. Even more, a great deal of European and American art of the moment has evolved towards theatrical representations, like the performance and the happening, an art that has little to do with painting or sculpture as we’ve known them for centuries. Obviously, only time will tell what is the real value of these forms of artistic expression, but I suspect that it will be short and fleeting. Is there still any hope for the world of art? Art doesn’t advance in a linear continuity but in jolts, in the form of an answer and reaction to the previous stages, and that’s why I expect this terrible trend of modern art to produce, paradoxically, a backlash of revalorization and reconciliation with the great traditions of paint and sculpture as such. Art is a permanent revolution, and new artists don’t break to continue what is already done, but to change the route and implement a new order of ideas, almost always in opposition to the previous art. Therefore, I trust that the new generations will rediscover the importance of their roots, and create a universal art from a local vision, hopefully without losing sight on the highest peaks of art of all the centuries. What works can we see on this exhibition, Fernando Botero: A celebration? All kind. From my beginnings, early works that reflect the daily life of Medellin and Latin America, the clergy, still lives and versions of Renaissance masterpieces that I made with my own style. Works of subjects that have marked my life like The Bullfight, The Circus, Abu Ghraib, drawings in different formats, 11 small and five monumental sculptures, that are exhibited at the plaza of the Fine Arts Palace. How do you feel about this homage? Very happy. When I was 17 I had my first collective exhibition, in Medellin; at 19, the first solo exhibition and now the largest exhibition of life. So, I feel fortunate.

Fernando Botero The Art Crisis

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SAGRARIO SARAID IMAGES GEEM ARCHIVE

RECENTLY, THE biggest exhibition dedicated to Fernando Botero was opened. The retrospective includes 177 artworks, which are currently exhibited at the Fine Arts Palace Museum in Mexico City. What is the current situation of contemporary art? Our time has witnessed the biggest advancements in communications and technology of all history. Scientific breakthroughs have contributed to improve the quality of life. However, in the art world, unfortunately, the opposite has happened. When examining the past and fixing the eye on the legacy of each century previous to the 20th, we can see that those where moments of an astonishing artistic energy, of an insatiable aesthetic search and a bold and renewing creativity. At the end of the 19th century, the world enriched with the works of a master like Cezanne, as well as all the painters of the Impressionism, including Monet, Manet, Renoir and Van Gogh. Instead, at the end of the 20th century, we witness a sad and desolated landscape in plastic arts, and these first years of the new millennium, sadly, seem to announce the continuity of this dramatic situation. So art is living a strong crisis? That’s right. Today, painting and sculpture are going through one of the worst crisis of all its history. The disintegration of world art due to the excess and even saturation of intellectualism, and a true conceptual confusion, have produced the most poor and sterile epoch, artistically speaking, that can be recalled. Today, it would seem that sensuality and pleasure are frown upon or even forbidden in modern art. We have seen an estrangement from paint and sculpture, as the technique and the essence are being lost and replaced by other ephemeral and fleeting forms of expression. There are some that assure that paint as such is over. They say that the noble art ABRIL • MAYO 2012

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Mateo el oso

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GLOCAL DESIGN MAGAZINE No. 8 Portada por / Cover by: JEAN-MARIE MASSAUD  

2012 ABR-MAY. ESPECIAL DE DEPORTE / Premio Noldi Schreck