Giornale dello Spettacolo - Berlino 2023

GIORNALE DELLO SPETTACOLO - ANNO 78 - N. 6 - NOVEMBRE 2023 -

Giulia Bevilacqua In Un Figlio Maschio, di Neri Parenti

ANCORA INSIEME APPASSIONATAMENTE Bevilacqua / Bodrato / D’Andrea / Forte / Mastroianni / Miyazaki /

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Giornale dello spettacolo

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SOMMARIO

N. 6

IN COPERTINA GIULIA BEVILACQUA CREDITI: FOTO: FABIO LOVINO ABITI: GIORGIO ARMANI STYLING: OTHER AGENCY

NOVEMBRE 2023 IAIA FORTE IL DIFFICILE MESTIERE DELL’ATTORE

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DI TIZIANA BUCCICO

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L’ULTIMO FILM D’ANIMAZIONE DI HAYAO MIYAZAKI DI R.G.

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LUCKY RED PUNTIAMO ALLA QUALITÀ DELLE STORIE DI MARCELLO CECCONI

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INTERVISTA A GIULIA BEVILACQUA METTETEMI ALLA PROVA DI MARCO SPAGNOLI

UNIVERSAL MOLTI GENERI PER UN PUBBLICO PLURALE DI ROBERTO TAGLIERI

IL LIBRO ROMOLO GUERRIERI, O L’ANATOMIA DEL FILM DI GENERE

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DI R.G.

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WISH, LA FORZA DEI DESIDERI TRA INNOVAZIONE E TRADIZIONE

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DI REDAZIONE

MARCELLO UN ARTISTA DISINCANTATO SCEVRO DI DIVISMO E PIENO D’IRONIA E DI UMANITÀ

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DI R.G.

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DI GIUSEPPE COSTIGLIOLA

Periodico di informazione sullo spettacolo in collaborazione con Agis Reg. Tribunale Roma n. 5320/56 del 16/7/1956

IL BUSINESS THEATRICAL DEL DOCUMENTARIO

LA SERIALITÀ IN TV E LA SUA ETÀ DELL’ORO DI R.G.

direttore responsabile Gianni Cipriani direttore: Marco Spagnoli

redazione Giuseppe Costigliola e Tiziana Buccico

Pubblicità cinema Aps Advertising srl Via Tor de’ Schiavi, 355 - 00171 Roma - Tel: 06.89015169;

progetto grafico Paola Gaviraghi

Web: www.globalist.it giornaledellospettacolo.globalist.it

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Giornale dello spettacolo

PER IL CENTENARIO DISNEY, IN ARRIVO UNA NUOVA FAVOLA MODERNA

WISH, LA FORZA DEI DESIDERI TRA INNOVAZIONE E TRADIZIONE di Redazione @gdspettacolo

“La genesi di questo film è tutta ‘colpa’ della produttrice Jennifer Lee, perché mi ha sussurrato all’orecchio cinque anni fa – mentre stavamo ancora finendo Frozen II – “Il 2023 si avvicina, cento anni Disney.

Cosa facciamo? Vuoi essere coinvolto?” E io ho detto: “Sì. Non so cosa faremo, ma sì… E poi abbiamo iniziato a parlarne.”

Così il regista Chris Buck spiega come è nato Wish, il film che il 21 dicembre arriverà in tutto il mondo in un formato simile al Cinemascope per raccontare un’altra favola moderna.

Jennifer Lee spiega “Volevamo realizzare qualcosa che pur guardando indietro alla tradizione, fosse, al tempo stesso, molto contemporaneo e attuale. Musica straordinaria e una storia molto forte costituiscono un mix molto affascinante e così io e il mio co-regista di Frozen, Chris Buck abbiamo pensato che sarebbe stato meraviglioso potere celebrare questo anniversario attraverso un film molto speciale che si concentrasse sul senso stesso del desiderio che è comune a così tanti personaggi dei nostri titoli Disney.” Ricorda Jennifer Lee, Chief Creative Officer dei Walt Disney Animation Studios, autrice di entrambi i film Frozen e Frozen 2 che hanno conquistato l’attenzione del pubblico e un grande successo in termini di Box Office. “Wish è mosso, quindi, dallo stesso sentimento che è comune a così tanti racconti del nostro cinema. La chiave di questo progetto è celebrare la grande eredità Disney e – al tempo stesso – divertirsi ad affrontare un nuovo stile con profondi legami nel passato in virtù della straordinaria tecnologia a nostra disposizione.” Protagonista del film è Asha, una sognatrice che tiene molto alla sua famiglia e alla sua comunità. Si occupa di accogliere i visitatori a Rosas, un’isola fantastica situata al largo della penisola iberica, e il suo è uno dei primi volti che le persone vedono quando arrivano sull’isola, piene di speranze e sogni. Con lei c’è Valentino - Una capretta saccente e sicura di sé che segue Asha ovunque vada e c’è Re Magnifico, la persona più potente del regno di Rosas, dove i desideri diventano realtà. Le persone vengono da

WISH.

tutto il mondo per offrire i propri desideri a Magnifico, un re affascinante e sicuro di sé che promette di esaudire i loro sogni più profondi… un giorno. Soltanto lui può decidere quali desideri si avvereranno e quando. Il produttore Peter del Vecho sottolinea come tutti abbiano sentito con piacere la responsabilità di un film che rappresentava il 63mo titolo d’animazione della Walt Disney Company nell’anno del suo centenario “Siamo riusciti a trovare il connubio perfetto tra abilità artistica e tecnologia senza che né l’una, né l’altra prendessero il sopravvento.”

Nel film un ruolo molto importante come da tradizione Disney, lo gioca la musica e la musicista Julia Michaels osserva “Sono cresciuta come una ragazzina Disney. Era a casa mia: adoro i film Disney e le canzoni Disney e non ho preferenze. Sai, quindi, canto quelle canzoni da quando ero bambina. E penso che la cosa che mi ha preparato di più per questo lavoro sia stato l’amore che avevo per quel mondo e per quella tradizione.

Insieme al mio collaboratore Ben Rice, con cui ho realizzato queste canzoni, ci siamo seduti ogni giovedì in ufficio insieme, esaminando le scene e ciò che vogliamo che un certo personaggio senta e incarni. E come vogliamo che sia il mondo.

E tutto questo si riversa nella canzone e nel processo di scrittura. Ed è stato sempli-

cemente bellissimo.” In qualità di Chief Creative Officer dal 2018, dirigendo i lungometraggi di Frozen con Chris Buck, Jennifer Lee è diventata la regista donna con il maggior incasso di un film, con oltre 1,45 miliardi di dollari e 1,27 miliardi di dollari al botteghino globale rispettivamente per Frozen 2 e Frozen. “Per noi il messaggio racchiuso all’interno del film è molto importante: personalmente devo molto a Cenerentola.

Quel film mi ha fatto superare i momenti più difficili alle scuole medie. Tutti lo sanno, quando sei gravemente vittima di bullismo hai bisogno di modelli e così la sua perseveranza mi ha ispirata. Sono “vecchia”, quindi lo vedevo e rivdevo su VHS, ogni singolo giorno dopo la scuola per aiutarmi ad affrontare, soprattutto la prima media. Quindi grazie, Cenerentola!”

La grande tradizione Disney ha segnato tutti i cineasti coinvolti e la co-regista Fawn Veerasunthorn conclude “Per me, il primo film che ho visto al cinema per la Disney è stato La Bella e la Bestia. E vedere la scena della sala da ballo, le immagini super grandi mi hanno ispirato a voler imparare a disegnare e ad essere come ossessionata dall’animazione. E ho cominciato a pensare che forse un giorno avrei potuto, forse, lavorare alla Disney Animation.

Non sapevo se sarebbe stato possibile, ma sentivo di poterlo desiderare. Un po’ come succede ad Asha la nostra protagonista.”

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INTERVISTA A GIULIA BEVILACQUA

METTETEMI ALLA PROVA DOPO TANTE DONNE FORTI VORREI INTERPRETARE LA FRAGILITÀ di Marco Spagnoli @marco_spagnoli

L’attrice è protagonista delle nuove commedie di Neri Parenti e Leonardo Pieraccioni

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n Un Figlio Maschio, regia di Neri Parenti e prossimamente nel nuovo film di Leonardo Pieraccioni Pare Parecchio Parigi, Giulia Bevilacqua mostra lati differenti del suo grande talento capace di spaziare in ruoli diversissimi tra loro che l’hanno fatta imporre all’attenzione del pubblico come una delle principali attrici della sua generazione. Il suo 2023, poi, non è ancora ‘finito’ ha girato il film Gocce d’Acqua per la regia di Pierfrancesco Poggi, per la tv Una Mamma all’Improvviso di Claudio Norza e la serie Il Maresciallo Fenoglio con Alessio Boni per la regia di Alessandro Casale in uscita a fine anno. “Sinceramente penso di non essere arrivata nemmeno alla metà della varietà dei personaggi che mi piacerebbe affrontare. “ dice l’attrice che ha iniziato la sua carriera diplomandosi al Centro Sperimentale di Cinematografia “Ho avuto l’opportunità di affrontare generi diversi: dalla commedia al dramma in media differenti dal cinema alla televisione al teatro.” Commenta Giulia Bevilacqua “Appena uscita dalla mia scuola, ho affrontato una fiction come Distretto di Polizia che mi ha permesso di fare una grande esperienza e di imparare tantissimo: giravamo in pellicola per undici ore al giorno tutti i giorni per nove mesi. Una palestra incredibile e un lavoro ‘sul campo’ impagabile. In un posto come il Centro Sperimentale impari tantissimo, ma certamente non è paragonabile a quanto accade durante una serie così impegnativa come quella.

Dopo Distretto, poi, ho deciso di fermarmi un po’. Mi offrivano solo ruoli di poliziotte e di donne molto forti, mentre io volevo esplorare altri personaggi e nuovi

caratteri, diversi da quel personaggio lì. La cosa più bella per noi attori è variare, pizzicando nuove corde o – se si è fortunati – riuscendo addirittura che ci sono sconosciute. Mi piacerebbe affrontare dei personaggi più complessi: delle donne irrisolte” Perché?

Ho interpretato così tante donne forti, che, come attrice mi interessa comprendere e interpretare la fragilità. Adoro variare e cambiare sempre. Purtroppo in Italia c’è un po’ la paura di rischiare…le produzioni cercano ‘nomi forti’, ‘nomi di richiamo’…quando ho iniziato, invece, potevo fare tanti provini, mentre oggi non è più così. Non si cerca l’attore che riesca ad esprimere completamente la natura del personaggio, ma il ‘nome’ che ci si avvicina di più. Personalmente non sono d’accordo, perché credo – piuttosto – che si dovrebbe provare a lavorare in direzione di qualcosa di nuovo e sorprendente. Non è vero che tutti gli attori possono fare tutto. Credo, invece, che sia concreta la possibilità che qualcuno arrivi a sorprenderti attraverso la sua genialità inespressa. Il nome forte e di richiamo fa tutto, invece, e questo non credo che sia sano. Perché l’essere famosi non è necessariamente la garanzia di successo per il film o la serie. Il problema è la mancanza di impegno nella ricerca dell’attrice e dell’attore giusti…a dispetto delle dinamiche di mercato che dominano il nostro ambiente.

E come si fa?

Lasciatemi fare i provini: chiamatemi e mettetemi alla prova con un regista per avere quella parte.

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“

Non è vero che tutti gli attori possono fare tutto. Credo, invece, che sia concreta la possibilità che qualcuno arrivi a sorprenderti attraverso la sua genialità inespressa.

”

Lei – come spettatrice - ricorda un’interpretazione di un’attrice che l’ha sorpresa?

Le attrici straniere cambiano tantissimo: adoro Kate Winslett, Cate Blanchett e Jennifer Lawrence sono sempre in grado di sorprendermi: forse è anche è una questione di scrittura. Mi piacerebbe molto essere messa alla prova come loro.

Cosa è cambiato nel corso del tempo: cosa ha imparato?

Oggi rosico un po’ di meno quando vedo certi ruoli interpretati da altre per cui mi sentivo molto adatta.

Adesso, invece, ho capito che in fondo sono il risultato delle mie scelte e che amando così tanto il mio lavo-

ro sono contenta anche in ruoli e film che avrebbero, forse, meritato un po’ più di “cura”. Sono un’attrice che ama recitare e anche se ho imparato a dire molti no, penso che sia giusto lavorare e affrontare personaggi che, forse, non sono perfetti. Anche qui desidero mettermi alla prova ed essere messa alla prova da quanto mi circonda. Mi piace trovare la soluzione di certi ruoli: il set è la mia ‘droga’ che mi fa molto bene.

Preferisco esserci, piuttosto che stare a casa e attendere il progetto giusto. Non potrei stare due anni a casa a fare solo la mamma.

E quindi?

O le cose ti arrivano o te le crei tu. Per questo ho fatto teatro con Cristina Comencini con Due Partite. Dobbiamo essere artefici del nostro destino anche se su certi ‘ingranaggi’ noi attori abbiamo ‘nullo’ potere…

Adesso?

Inizio la nuova stagione di Malinconico con Massimiliano Gallo per Raiuno e qui interpreto una giornalista un po’ cinica. Molto diversa da me che sono attenta e subisco un po’ i giudizi altrui, mentre lei, a differenza mia, se ne frega. È una donna molto schietta che dice in faccia quello che pensa. Un personaggio ottenuto attraverso un provino con Luca Miniero e proprio per questo sono particolarmente contenta di interpretarla. Faccio cose diverse, ma – vi prego – “mettetemi sempre alla prova”, perché voglio uscire dalla mia confort zone riprovando le emozioni di quando ho iniziato.

GIULIA BEVILACQUA. FOTO MIRKO MORELLI.

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IL RITRATTO

MARCELLO UN ARTISTA DISINCANTATO SCEVRO DI DIVISMO E PIENO D’IRONIA E DI UMANITÀ di Giuseppe Costigliola @gdspettacolo

La sintesi della storia “dell’attore italiano per eccellenza”

Tracciare in poche righe un ritratto di Marcello Mastroianni, unanimemente considerato “l’attore italiano per eccellenza”, non è impresa agevole. Enorme per quantità e qualità il corpus delle interpretazioni teatrali, cinematografiche, televisive, fonda di eventi la vita, sterminata l’aneddotica su di lui, alimentata anche dal suo testamento spirituale, Mi ricordo, sì, mi ricordo, documentario firmato dall’ultima compagna, Anna Maria Tatò, poi confluito in un libro.

Uomo provvisto di fascino innato, è già affascinante la sua vicenda di figlio della classe lavoratrice (padre ebanista, madre casalinga) che studia da perito edile, s’impiega come disegnatore al Comune di Roma, s’iscrive alla facoltà di Economia e commercio, e comincia a bazzicare il cinematografo sul finire degli anni Trenta, prima di approdare al teatro, dove recita accanto a Giulietta Masina in Angelica di Leo Ferrero. Il palese talento gli procura un ruolo ne Gli indifferenti di Moravia messo in scena dalla compagnia di Nino Besozzi, per la regia di Mario Landi: è il 1948, anno che lo vede pure esordire al cinema ne I miserabili con la regia di Riccardo Freda. Il destino è ormai segnato, e l’anno dopo Luchino Visconti lo chiama a sé affidandogli la parte di Mitch in Un tram chiamato desiderio, dirigendolo poi in Oreste e in Troilo e Cressida. L’attività teatrale col Maestro milanese è evento formativo d’eccellenza, e la crescita prosegue negli anni Cinquanta, quando si ci-

menta con la crema della drammaturgia occidentale, sino a Zio Vanja (1955-56). A quel punto Mastroianni lascia momentaneamente il teatro, poiché il cinema lo reclama. Le scene torna a calcarle una decina di

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anni più tardi, impersonando l’appropriato ruolo di Rodolfo Valentino nella commedia musicale dei Re Mida del varietà Garinei e Giovannini, Ciao, Rudy (1966), diretta da Luigi Magni, e lo farà sin quasi al termine dei suoi giorni, con l’ultima, commovente interpretazione nella pièce dall’emblematico titolo Le ultime lune di Furio Bordon: è l’anno prima della sua dipartita, il 1995.

Tuttavia, è stato il grande schermo a consegnare Mastroianni all’immaginario collettivo dell’arte attoriale, una carriera cominciata in sordina, via via più esplosiva, con un primo passaggio fondamentale, Una domenica d’agosto di Luciano Emmer (1950), e tra le cui vette spicca il film che lo consegnò a fama imperitura, La dolce vita di Fellini (1960), dove tratteggia un personaggio memorabile.

Per amor di sintesi, converrà seguire il percorso che gli ha procurato i maggiori tra gli innumerevoli riconoscimenti tributatigli: è l’unico attore italiano ad aver ottenuto tre nomination all’Oscar, pur senza vittoria, per Divorzio all’italiana di Germi nel 1962, Una giornata particolare di Scola nel 1977, Ocie Ciornie di Michalkov nel 1987. Nella sua affollata bacheca figurano poi otto David di Donatello, altrettanti Nastri d’argento, cinque Globi d’oro, due Golden Globe, due Coppe Volpi, due Prix d’interprétation masculine al Festival di Cannes, un Leone d’oro alla carriera. Nel 1993 la Francia, sua patria artistica d’elezione, lo insignisce della Legion d’Onore, e ci fermiamo qui. Tra i film che gli sono valsi tali trofei, oltre ai già citati, ci sono

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Giorni d’amore di De Santis (1954), Le notti bianche di Visconti (1958), Matrimonio all’italiana di De Sica (1964), Dramma della gelosia (1970) e Che ora e? (1989) di Scola, Ginger e Fred di Fellini (1986), Sostiene Pereira di Faenza (1995), Verso sera di Francesca Archibugi (1990).

In realtà sono decine le interpretazioni magistrali dove tratteggia figure di autentico spessore umano prima che artistico, come l’indimenticato Tiberio Braschi de I soliti ignoti di Monicelli (1958), o il fragile protagonista de Il bell’Antonio (1960) di Bolognini, il velleitario e partecipato professor Sinigaglia in I compagni di Monicelli (1963), il reduce Antonio ne I girasoli di De Sica (1970), l’insofferente e autoironico Marcello ne La grande abbuffata di Ferreri (1973), l’affascinante professor Bonaccorsi in Per le antiche scale di Bolognini (1975), l’inquietante don Gaetano nel fulminante Todo Modo di Petri (1976), lo struggente vedovo pensionato Matteo Scuro di Stanno tutti bene di Tornatore (1990), e... qui la penna deve fermarsi per motivi di spazio, dacché sarebbe quasi un delitto saltabeccare di film in film e non citarli tutti.

Ma, al di là dei premi e delle eccellenti interpretazioni, quel che ci rimane di Marcello Mastroianni è il ricordo indelebile di un uomo che ha saputo attraversare la propria sfolgorante esperienza terrena scevro da ingombrante divismo, con ammirevole ironia e disincanto, financo con meravigliosa pigrizia, portando il suo talento e la sua arte con veste umanissima, come fosse uno di noi.

MARCELLO MASTROIANNI IN 8 1/2 DI FELLINI.

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INTERVISTA A IAIA FORTE

IL DIFFICILE MESTIERE DELL’ATTORE

LA MIA SFIDA PIÙ GRANDE INTERPRETARE TONY PAGODA di Tiziana Buccico@gdspettacolo

Il Teatro, il Cinema tutti la vogliono per il suo immenso talento

P

luripremiata, scelta da tutti i più grandi maestri del cinema e del teatro, un’icona per il pubblico.

Lei è Iaia Forte.

Il suo ultimo lavoro nelle sale è il film “Nata per te”?

Sì! È un film necessario, perché racconta una storia vera, che sensibilizza su temi che sono fondamentali per l’evoluzione della nostra società come, ad esempio, la possibilità di adottare da parte di single e famiglie non tradizionali. Un tema da affrontare e su cui discutere. Per me una dimensione anche emotiva, mi sono commossa nel vederlo in sala con il pubblico.

Sono orgogliosa di essere parte di un lavoro di questo tipo. È proprio una storia di questo millennio, che mostra quanto la sostanza reale nelle relazioni; penso a Luca Trapanese e sua figlia (la cui storia è raccontata nel film), si sono dati amore a vicenda, senza pregiudizi. Le barriere, i paletti li mettiamo noi, senza che abbiano un senso reale.

In un’intervista recente, parlando della sua recitazione e della sua carriera poliedrica, passando dal tragico al comico, dal surreale al popolare, lei ha usato il termine “trasfigurare”, lo spiega?

Trasfigurarsi è qualcosa che il teatro permette non essendo un luogo naturalistico. A noi attori è stata data la possibilità di uscire da sé e andare oltre il sé più immediato. Penso a quando ho interpretato Tony

Pagoda con Paolo Sorrentino in cui recitavo la parte di un uomo. Penso semplicemente alla possibilità di interpretare vite che non sono le mie.

Lei accetta sfide continue recitando ruoli e personaggi davvero molto diversi tra loro. La sua sfida più grande?

Se pensiamo al termine anglosassone ‘play’ per definire la recitazione, traduciamo con puro gioco, il gioco di cambiare, trasformare la propria voce, il proprio corpo. Essere più personaggi, giocare ad essere qualcosa che non si è. E quindi c’è anche un piacere proprio nel mettersi in gioco, spostare oltre i propri limiti.

La mia sfida più grande è stata diventare Tony Pagoda, il cantane melodico molto maschio di “Hanno tutti ragione” di Paolo Sorrentino. Pagoda ha richiesto una vocalità e un corpo diversi dalla mia attitudine naturale, è stato uno dei personaggi che ho amato di più, mi sono divertita, interpretandolo, anche a prendere in giro un certo tipo di machismo.

Lei ama Roma dove vive, ma è profondamente napoletana. Ha spesso dichiarato che conoscere il napoletano è stato molto importante. Una seconda lingua, perché?

Sì, credo lo sia. L’ italiano è una lingua molto recente, che manca di una memoria antica, l’Italia nel passato era terra di dialetti. Il napoletano è un dialetto, una lingua per molti aspetti, musicale. Per noi attori è un un’arma in più perché è una lingua materna, non matrigna come lo è l’italiano.

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Trasfigurarsi è qualcosa che il teatro permette non essendo un luogo naturalistico. A noi attori è stata data la possibilità di uscire da sé e andare oltre il sé più immediato.

”

“Libera” di Pappi Corsicato è stato un film molto importante nella sua carriera, lei interpreta due donne con vite complicate, un’opera che ruppe molti schemi, mi racconta?

Io direi donne con vite non convenzionali. Con Libera le donne diventano protagoniste, non più solo madri, mogli e fidanzate, ruoli accessori, Pappi ha messo al centro donne virili, eccentriche appunto non convenzionali, una novità assoluta. Raccontare di una donna che trasforma i tradimenti del marito in un business fu davvero una svolta, temi scottanti mai affrontati a cinema. Una femminilità insolita che non passava attraverso lo sguardo maschile.

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Che cosa non ha ancora realizzato?

A teatro, ho incontrato i più grandi registi, penso a Martone, Ronconi, Cecchi, Tiezzi, Emma Dante e molti altri.

Al cinema ho lavorato con Paolo Sorrentino Corsicato, Marco Ferreri, Maurizio Nichetti etc. Lavoro anche in autonomia con mie produzioni, l’ultima a Todi dedicata alla poetessa Patrizia Cavalli, mia grande amica. Sono soddisfatta di ciò che ho fatto e molto curiosa per il futuro che mi attende.

Riferendosi ai suoi lavori con i Teatri Uniti, Lei ha parlato di un’arte comunitaria?

Il nostro è un lavoro che non si fa da soli, è un lavoro comunitario.

Il mondo dello spettacolo è un lavoro di squadra con obiettivi comuni e con lo stesso desiderio di realizzare cose belle. Tutto viene potenziato dal fatto di farlo insieme.

I suoi prossimi progetti, a cosa sta lavorando per il 2024?

Un bel progetto teatrale, Iliade. Il gioco degli dei, una rilettura dell’Iliade di Omero con Alessio Boni. A marzo all’Ambra Jovinelli e in giro in tour per tutta la penisola.

Da qualche giorno ho finito di girare un documentario per la RAI sulla prima donna regista napoletana, del cinema muto, Elvira Notari. Sempre sulla figura della Notari porterò in scena uno spettacolo sulla sua figura rivoluzionaria al Teatro Mercadante di Napoli.

IAIAI FORTE IN UNO SCATTO DI TOMMASO SALAMINA.

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IN SALA DAL PRIMO GENNAIO 2024

L’ULTIMO FILM D’ANIMAZIONE DI HAYAO MIYAZAKI di Redazione @gdspettacolo

Il 1° gennaio 2024, Il ragazzo e l’airone esce nelle sale italiane distribuito da Lucky Red, il nuovo film del maestro dell’animazione Hayao Miyazaki, rinnovando il consolidato rapporto di distribuzione della società di Andrea Occhipinti con Studio Ghibli. La trama vede come protagonista Mahito, un ragazzino di 12 anni, che fatica ad ambientarsi in una nuova città dopo la morte della madre. Tuttavia, quando un airone parlante lo informa che sua madre è ancora viva, entra in un mondo fantastico alla sua ricerca accompagnando il pubblico nell’universo fantastico del grande autore giapponese che durante la consegna del Leone d’Oro a Venezia qualche anno fa rivolgendosi ai giovani autori “Lavorate a crearvi un vostro punto di vista personale. L’arte è una questione di prospettiva. Personalmente Sono molto incerto: da un lato non nutro molta fiducia nel mondo, dall’altro avverto un forte senso di responsabilità nei confronti dei bambini che si affacciano alla vita. Così, attraverso il mio cinema, cerco di lottare per migliorare il posto dove viviamo.”

Arrivato nelle sale giapponesi il 14 luglio, Il ragazzo e l’airone ha conquistato il box office fin dal primo weekend con 11,3 milioni di dollari e battendo i record precedenti dello Studio Ghibli. A poco più di un mese dall’uscita, ha incassato in patria oltre 45 milioni di dollari. Il film sbarcherà a settembre negli Stati Uniti, dove aprirà il Toronto Film Festival con il titolo internazionale The Boy and the Heron.

A dieci anni dal suo ultimo lungometraggio Si alza il vento e dopo aver cresciuto generazioni di spettatori con capolavori come Nausicaä della Valle del vento, Il mio vicino Totoro, Porco rosso, La città incantata, Ponyo sulla scogliera e molti altri, Miyazaki torna con un film che ha già conquistato il cuore del pubblico e della critica internazionale.

Il film è già considerato come l’ultimo capolavoro del grande regista nipponico oggi ottantaduenne che, per la verità, si era già ‘ritirato’ con quello che oggi è - di-

IL RAGAZZO E L’AIRONE.

ventato - il suo penultimo film nel 2013, seguito, però, dalla morte del co-fondatore e regista Isao Takahata. Da notare che il lancio de Il ragazzo e l’airone in Giappone è stato molto peculiare : fino a metà estate era uscito solo un poster: niente Social Media, niente trailer, niente clip, niente formati per Facebook, Instagram e Tik Tok e nemmeno interviste. Una non “campagna” ideata da Toshio Mizuki, cofondatore e Presidente di Studio Ghibli e mente creativa dietro al marketing di tutti i film prodotti dalla società.

Il ragazzo e l’airone avrebbe stimolato l’interesse dei fans, ma anche del pubblico in generale che in Giappone venera il grande regista per i suoi film dagli incassi stellari. Del resto anche se per la maggior parte del pubblico italiano il nome di Toshio Suzuki potrebbe non avere lo stesso livello di riconoscimento di quello dei registi cofondatori dello Studio Ghibli - Miyazaki e il compianto Isao Takahata – nel paese asiatico e nel mondo dell’entertainment nipponico Suzuki detiene uno status di semicelebrità.

Lo scorso giugno Suzuki aveva dichiarato alla rivista Bungei Shunju che il film, provvisoriamente chiamato in inglese “How Do You Live?” e successivamente ribattezzato “The boy and the Heron” non avrebbe avuto una campagna pubblicitaria tradizionale: nessun trailer, nessuno spot televisivo, nessun collegamento con il prodotto, niente di niente. “Nel corso degli anni, abbiamo fatto varie cose per convincere il pubblico a vedere i nostri film”, aveva detto Suzuki a Bungei Shunju. “Ma ho pensato: ‘Adesso basta.’ Non è divertente fare sempre la stessa cosa.” Come osservato anche dal Japan Times, ovviamente si tratta di una boutade e di una vera e propria astuta strategia: Suzuki sapeva benissimo che utilizzando solo la locandina de

“La realtà è che sapevamo bene cosa ci trovavamo dinanzi: e quindi abbiamo pensato che questa volta non fosse necessario fare nulla.” conclude Toshio Suzuki.

I Social hanno fatto il resto celebrando Hayao Miyazaki e il suo film scatenando un enorme attesa virtuale sciolta solo dalle immagini, peraltro straordinarie, del grande regista che sempre a Venezia, nella sua ultima apparizione pubblica in Italia disse “Aspetto di vedere fiorire il talento di tanti giovani.

Il problema è che molti di loro sono cresciuti guardando il mondo non – come me – solo con gli occhi, ma attraverso una lente rappresentata oggi dalla televisione e dai videogiochi. Invece devi guardare il mondo con i tuoi occhi.”

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GABRIELE D’ANDREA – LUCKY RED

PUNTIAMO ALLA QUALITÀ DELLE STORIE di Marcello Cecconi @gdspettacolo Gabriele D’Andrea, Direttore marketing e distribuzione theatrical Lucky Red A quali sfide il mondo del cinema ha dovuto far fronte negli ultimi anni e come hanno inciso sul pubblico?

Le sfide al mondo del cinema sono cominciate con l’avvento delle piattaforme e già da qualche anno prima con l’eventizzazione di molte uscite in sala: questi due fattori hanno influito sulle scelte editoriali delle case di produzione cinematografica, sul volume degli investimenti produttivi, e sul richiamo al pubblico a vivere l’esperienza della sala cinematografica solo in occasioni davvero importanti e imperdibili.

La pandemia poi ha portato all’estremo questa tendenza.

Allo stesso tempo, lo scoppio di gravissimi conflitti internazionali e la conseguente crisi energetica hanno obbligato le stesse sale cinema a lavorare al di sotto del loro potenziale puntando tutto sui film che offrissero un incasso garantito o quasi, con il risultato di un appiattimento dell’offerta data al pubblico.

La combinazione di tutti questi fattori ha portato ad una frequenza ridotta delle sale, con un pubblico sempre più selettivo nei confronti del prodotto da vedere al cinema.

Le strategie di promozione dei film medi e piccoli hanno dovuto concentrarsi sulla necessità di attirare lo spettatore incuriosendolo e facendogli vedere le cose in maniera più approfondita e meno superficiale, ma anche più in generale facendo leva sull’emozione data dall’esperienza della visione collettiva in una sala cinematografica.

to importanti con i nuovi film di Woody Allen, Aki Kaurismaki, Hayao Miyazaki e Wim Wenders. Film molto attesi, che hanno incantato il pubblico nei Festival in cui sono stati presentati e che rappresentano al meglio l’identità editoriale di Lucky Red. Tra Febbraio e Marzo due intense storie d’amore come Past Lives (prodotto da A24) per la regia di Celine Song, e come Pot Au Feau per la straordinaria regia di Tran Anh Hung (non a caso vincitore a Cannes); tra Marzo e Aprile tre opere appartenenti al filone del genere thriller/film scandalo, ossia il teso dramma scolastico The Teacher’s Lounge, ricco di riflessioni sulla società e l’effetto dei social media e candidato all’Oscar per la Germania, il bellissimo May December di Todd Haynes, con due mostruose Natalie Portman e Julianne Moore, e Eileen, dramma psicologico ambientato negli anni Sessanta con Anne Hathaway e Thomasin McKenzie (JoJo Rabbit), distribuito negli Stati Uniti da Neon e che noi faremo uscire in collaborazione con Universal Pictures.

Porteremo poi in sala la commedia corale E La Festa Continua, del marsigliese Robert Guédiguian e Dall’Alto di Una Fredda Torre, diretto da Francesco Frangipane e con

Le strategie di promozione dei film medi e piccoli hanno dovuto concentrarsi sull’attirare lo spettatore Com’è congegnato quest’anno il vostro listino? Quali novità? incuriosendolo e Come sempre cerchiamo di rispondere alle esigenze di pubblici che amano generi facendogli vedere le diversi, ma accomunati dalla grandissima qualità delle storie e del modo in cui ven- cose in maniera più gono raccontate.

Avremo un dicembre e un gennaio mol- approfondita.

gabriele d’andrea.

Vanessa Scalera ed Edorardo Pesce, tratto dall’omonima opera teatrale. Entrambi i film sono stati presentati all’ultima festa del Cinema di Roma.

Non mancheranno i film di denuncia sociale come Batiment 5, di Ladj Ly o film destinati ad un pubblico più adulto come The Great Escaper, del regista inglese Oliver Parker che qui dirige Michael Caine e Glenda Jackson in una storia molto commovente che ha avuto un successo incredibile in Uk. Infine, un cenno anche agli eventi, che fanno ormai parte integrante del nostro listino, e con i quali intendiamo proporre riedizioni di grandi classici della cinematografia (come sarà Il Cacciatore di Michael Cimino a Gennaio) o documentari dedicati a grandi personalità contemporanee (come Anselm di Wim Wenders a Marzo).

C’è un titolo o più titoli in particolare su cui c’è maggiore iniziativa ?

Past Lives, prodotto da A24, un dramma romantico con Greta Lee, Teo Yoo e John Magaro che è già diventato un piccolo cult nel suo genere.

L’ispirazione è quella del film sentimentale che tratta il tema dello scorrere del tempo e del destino, come già fatto magistralmente da registi del cinema indipendente quali Richard Linklater nella trilogia del “Before” o Michel Gondry con Se Mi Lasci Ti Cancello.

Il film, anche questa un’opera prima, è stato presentato al Sundance, a Berlino e al Festival di Roma raccogliendo recensioni entusiaste. Abbiamo deciso di posizionarlo in una data ormai divenuta molto forte che è quella di San Valentino, e di offrirlo al pubblico con un ricco programma di anteprime speciali.

Come sta andando il derby tra sala e piattaforma?

Più che derby, lo definirei ormai una convivenza, certamente accelerata e forzata dagli eventi di cui discusso all’inizio, ma sempre più occasione e stimolo per entrambi i business a rinnovare i contenuti come pure le loro politiche di prezzo.

NOVEMBRE 2023

giornaledellospettacolo.globalist.it

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MARCO D’ANDREA - UNIVERSAL

MOLTI GENERI PER UN PUBBLICO PLURALE di Roberto Taglieri @gdspettacolo

A quali sfide il mondo del cinema ha dovuto far fronte negli ultimi anni e come hanno inciso sul pubblico?

Tante e diverse le sfide che sta affrontando il mondo del cinema in questi ultimi anni e soprattutto continue e repentine. - dice Marco D’Andrea Sales Director Universal Pictures International Italy - Le abitudini stanno cambiando, anche supportate dalle diverse tecnologie che si evolvono con grande velocità.

Ma la sala cinematografica, come dimostrato già a fine 2022 e come sta dimostrando “a gran voce” in questi mesi, resta il fulcro del ciclo della vita di un film.

Dobbiamo dunque dare ad un pubblico, sempre più esigente ed informato, un prodotto originale, continuativo, rivolto ai tanti diversi target, valorizzato da sale cinema con standard qualitativi sempre più alti (grandi schermi, audio immersivo e recliner seats).

Che impatto avranno gli scioperi di Hollywood sul vostro listino, almeno nei prossimi mesi?

Al momento Universal Pictures International non è impattata dallo sciopero, non nell’immediato almeno, ma, dopo la fine dello sciopero degli attori del sindacato Sag-Aftra durato 118 giorni, gli studios, Universal compresa, dovranno fare un punto della situazione e rimettere mano al calendario delle uscite del prossimo futuro.

Nei prossimi giorni e/o mesi dunque potremmo assistere a diversi slittamenti di titoli, le cui riprese cinemeatografiche erano state interrotte.

Come è congegnato quest’anno il vostro listino? Quali novità?

Universal si distingue sempre per la pluralità di pubblico al quale si rivolge, coprendo tanti generi.

Anche quest’anno i titoli saranno molteplici e rivolti a tutti i target.

Avremo ancora tanta ed importante “animazione” grazie a Illumination e Dreamworks. Immancabili gli “horror” grazie alla collaborazione che da anni Universal

porta avanti insieme a Blumhouse. Tanta “qualità” e “titoli d’autore” grazie allo studios Focus Features. ....e poi “Commedie”, “Film d’Azione”, “Biopic”, “Storie d’Amore” e “Mondi Fantastici”.

C’è un titolo o più titoli in particolare qui quali c’è maggiore iniziativa?

Considerando il primo semestre del 2024; apriremo l’anno con una coproduzione James Wan e Jason Blum con un horror soprannaturale Night Swim (4 gennaio), tratto da un cortometraggio e diretto dallo stesso regista Bryce McGuire. Il 22 febbraio The Fall Guy nel quale David Leitch dirige la super coppia record di “Barbienheimer” Emily Blunt e Ryan Gosling, che tra commedia, inseguimenti e acrobazie ci fa anche innamorare del loro amore... A Pasqua, 21 marzo, tornano le simpatiche avventure del panda cicciottello Po in Kung Fu Panda 4. Il 1° febbraio Argylle - La Super Spia è un nuovo Spy/Thriller, intrigante e originale, frutto della mente del regista e produttore Matthew Vaughn, con Henry Cavill, Bryce Dallas Howard e tanto altro cast ancora. Il 18 gennaio in sala Alexander Payne e il suo The Holdovers – Lezioni Di Vita con un magistrale Paul Giamatti nel ruolo del professore affiancato dal talentuoso esordiente Dominic Sessa; ci aspettiamo diverse nominations agli Oscar per questo titolo. Ma non finisce qui: Robert Heggers ci riporta nelle atmosfere cupe e gotiche con il vampiro più famoso Nosferatu, con Bill Skarsgard, Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnoson, Willem Dafoe; ed infine Back To Black biopic sulla traor-

anche quest’anno i titoli saranno molteplici. e rivolti a tutti i target.

marco d’andrea.

dinaria e controversa vita, voce e carriera musicale di Amy Winehouse, interpretata da Marisa Abela.

Come sta andando il ‘derby’ tra sala e piattaforme?

La diffusione dello streaming, unito a connessioni internet sempre più veloci, ha favorito il successo di diverse iniziative online d’intrattenimento, che ha visto rivoluzionare letteralmente le modalità di accesso a film, documentari, serie tv e tanti altri contenuti, tutti a portata di un click.

Ma la sala cinematografica ha dimostrato e continua a dimostrare di rimanere il motore nel ciclo di vita di un film; un’esperienza collettiva irriproducibile da qualsiasi altra forma di intrattenimento. Lo stesso Quentin Tarantino ha detto che secondo lui alcuni film prodotti da piattaforme di streaming è come se non esistessero nello “spirito collettivo”, poiché spariscono troppo in fretta dalle nostre menti.

La sala resta sempre l’unica possibilità per uscire dal contesto casalingo e condividere uno spettacolo sul grande schermo insieme a molte altre persone; vedi i grandissimi successi di questi ultimi mesi e giorni.

Le sale cinematografiche devono essere dunque sempre più competitive con elevati standard qualitativi e il mercato Italia deve e può ancora crescere molto in questo senso; offrendo al pubblico uno spettacolo sempre più immersivo e coinvolgente.

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Giornale dello spettacolo

IL LIBRO

ROMOLO GUERRIERI, O L’ANATOMIA DEL FILM DI GENERE di Redazione @gdspettacolo

Insomma, un libro che si staglia per originalità e riesce a contemperare il rigore filologico dello studioso con la gustosissima aneddotica. Ha ben gioco David Grieco, autore della prefazione, ad osservare: “Il libro è letteralmente scritto a strofe, e ogni strofa è un aneddoto, comico, tragico o malinconico. Aneddoti che spiegano come meglio non si potrebbe perché tutte le persone che hanno fatto la storia del cinema, dal più importante al più umile, sono tutte indissolubilmente legate”. E qui riposa un altro merito di questo lavoro, il recupero di tante figure apparentemente secondarie del cinema italiano, in realtà parti costitutive della sua storia.

Una biografia racconta il percorso artistico del regista romano, filo conduttore di un viaggio nel film di genere Nel panorama dei registi che hanno fatto la storia della cinematografia di genere italiana si notava un’assenza. Alcuni hanno raccontato da sé la propria vicenda (tra i vari, Enzo G. Castellari, Sergio Martino, Mario Caiano, Giulio Questi), per altri hanno provveduto critici e biografi (Umberto Lenzi, Duccio Tessari, Tonino Valerii, Sergio Corbucci e così via). Il vuoto, che riguardava un regista romano della dinastia di cineasti Girolami, è finalmente stato colmato da Giuseppe Costigliola con la biografia ragionata Il cinema di Romolo Guerrieri. Viaggio nel film di genere italiano, pubblicata da Edizioni Il Foglio (pp. 366, € 18).

Come già esplicito nel sottotitolo, il libro offre ben più del percorso lavorativo e di vita d’un regista: “La biografia e il cinema di Romolo Guerrieri sono come una traccia, una guida in un viaggio nel cinema del passato” si legge nell’interessante introduzione dell’autore, che affronta anche lo spinoso problema della diversa percezione da parte della critica del cosiddetto cinema d’autore e di quello di genere.

Dunque, tramite le vicende artistiche di Guerrieri (fratello di Marino Girolami e zio di Enzo Castellari) Costigliola s’inoltra nell’affascinante storia del film di genere nostrano, che ha prodotto pellicole rimaste nell’immaginario collettivo e capaci di creare una floridissima industria in grado di colonizzare i mercati di tutto il globo, portando l’Italia al secondo posto quanto a fatturato dietro gli Stati Uniti d’America – roba da fantascienza, vista dall’oggi.

Tra i motivi di maggior pregio del volume vi è la ricerca di fonti primarie, in particolare dei racconti orali di chi ha partecipato all’intricato universo creativo e imprenditoriale del cinema (artisti, produttori, tecnici, maestranze) nei decenni del suo

Apprezzabile anche il supporto bibliografico, mai invadente, e il rilievo dato alla fitta rete di relazioni tra gli uomini e le donne che componevano la galassia della settima arte, con la precipua attenzione per le relazioni umane e per la Storia – quella che ci vede tutti coinvolti, oltre a quella del cinema – in cui esse presero corpo.

L’opera si articola in due volumi; questo si sofferma sulla “formazione” di Guerrieri, avvenuta sui set di autentici maestri (il fratello Marino, Giuseppe De Santis, Carlo Campogalliani, Mario Bonnard, Franco Brusati, Sergio Corbucci), e sui generi cinematografici di cui si occupò in quella stagione: commedia, musicarello, peplum, storico, parodia, bellico, drammatico, western.

Tra i capitoli è imperdibile quello sulla ricostruzione della laboriosa lavorazione di Italiani brava gente, che vide Guerrieri collaboratore alla regia di Giuseppe De Santis, un film che lo costrinse a rimanere dieci lunghi mesi nell’allora Unione Sovietica, esperienza di vita e d’arte unica, con spunti da spy story: un film nel film. Il secondo volume, di prossima uscita, affronterà invece la filmografia di Guerrieri e i suoi multiformi percorsi artistici.

In queste pagine scorrono vicende fattuali e di cinema, traiettorie sociali, artistiche e culturali, eventi di costume e mondi immaginari, storie di teatro e di televisione d’un Italia ormai scomparsa, presentati con un passo narrativo seducente e a tutti accessibile, come se l’autore si sia proposto di instaurare un dialogo con un lettore ideale, curioso quanto lui, di coinvolgerlo nella sua ricerca e di emozionarlo con le sue scoperte.

A consuntivo della godibile lettura di questo libro si può rintracciarne la vera ragione, l’interesse specifico che è in grado di suscitare: il tentativo del suo protagonista di mettersi in gioco “gettando un ponte per le generazioni future che magari dedicheranno qualche ritaglio di tempo a scoprire come eravamo, e magari, per raffronto, come saremmo diventati”. Passando, naturalmente, per l’affascinante storia del nostro cinema.

maggiore splendore: la viva voce dei protagonisti di quell’epoca lontana, a cominciare ovviamente dai ricordi di Guerrieri.

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Giornale dello spettacolo

NEL 2022 SONO STATI INCASSATI 6.6 MILIONI DI EURO

Il business theatrical del documentario di Redazione @gdspettacolo

Nell’ambito del programma della divisione Mia Doc & Factual del Mercato Internazionale dell’Audiovisivo di Roma, Cinetel ha presentato un rapporto sul documentario in sala offrendo importanti spunti di riflessione. Grazie alla presentazione di Giorgio Bigoni di Cinetel sono stati offerti dati importanti rispetto al 2022 quando sono stati distribuiti in sala 155 titoli di genere «documentario» che rappresentano il 24,3% del numero di titoli totali. Tra questi, 117 documentari sono di nazionalità italiana (il 75,5% del totale) e rispetto al totale dei titoli di nazionalità italiana si tratta del 36,3% delle opere distribuite. Nel 2022 i titoli di genere «documentario» hanno incassato 6.6 milioni di euro per un numero di presenze pari a 995.562 biglietti venduti; si tratta del 2,2% degli incassi e delle presenze totali. È la più alta percentuale registrata dal genere dal 2010. Rispetto al totale di incassi e presenze nel 2022 il 39% e il 34% è stato guadagnato da titoli in uscita «evento».

Si può parlare di potenziale inespresso perché rispetto agli anni pre-pandemia 2017-2019, i ricavi sono inferiori dell’11,2%, ma gli spettatori sono, invece, significativamente cresciuti del 2,5% dimostrando un crescente interesse per il genere visto che, mentre generi popolari come fantasy, animazione e commedia attirano oltre il 60% del pubblico, i docu-

I PRATECIPANTI AL PANEL.

mentari continuano ad attrarre più della fantascienza (1,3%) e dei musical (0,6%) e poco meno di 400.000 spettatori a parte l’horror (1.350.000). Nel 2022 altri titoli doc di punta sono stati Moonage Daydream (508.000 euro), Stavamo bene insieme (294.000 euro), The Velvet Queen (190.000 euro), Nel nostro cielo un rombo di tuono (188.000 euro) e Franco Battiato – La Voce del Padrone (188.000 euro) – in particolare, ad

eccezione di The Velvet Queen, tutti questi sono documenti a tema musicale o sportivo. Al panel hanno partecipato Enrico Bufalini - Cinecittà SpA; Gabriele Genuino, Rai Cinema; Paolo Orlando - Medusa Film, S.p.A.; Gregorio Paonessa - Vivo Film; Andrea Romeo - I Wonder Pictures, Ellida Bronzetti CEO Red Group, Claudia Rodriguez Valencia, Preciosa media, Colombia.

DOPPIAGGIO EDIZIONI s.r.l.

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Giornale dello spettacolo

TELEVISIONE

LA SERIALITÀ IN TV E LA SUA ETÀ DELL’ORO di Redazione @gdspettacolo

Il successo della serialità e la tradizione delle Fiction per un nuovo racconto italiano La serialità televisiva ha vissuto un ventennio di enorme crescita, accompagnato e in gran parte sostenuto da uno sviluppo dei linguaggi della serialità che si sono fatti via via più complessi e diversificati. La televisione in streaming dell’“età dell’oro” ha messo in discussione i generi e le convenzioni narrative, ha affrontato temi impegnativi e consegnato agli antagonisti il ruolo principale ed ha messo a nudo i propri meccanismi narrativi, creando un nuovo coinvolgimento dello spettatore.

Il sistema di distribuzione on demand dello streaming ha liberato la serialità dalla dittatura dell’audience generalista, diversificando strutture e linguaggi, mentre lo stigma che bollava la narrazione di serialità come un prodotto di poco valore o addirittura diseducativo è ormai venuto meno, insieme alla separazione tra lo sceneggiatore cinematografico e quello televisivo.

Le serie della “tv complessa” hanno esplorato percorsi e territori narrativi sempre più ricercati, spesso caratterizzati da una ricerca della “meraviglia” tipicamente postmoderna, che in alcuni casi rischia il manierismo.

Questo percorso è stato accompagnato da una ricca manualistica, perlopiù orientata all’analisi delle strutture narrative e all’insegnamento delle regole per scrivere una sceneggiatura corretta ed efficace. Oggi i modelli a disposizione di chi vuole scrivere una sceneggiatura sono numerosi e utilizzati da scrittori, editor e producer, anche se è sempre più evidente che un approccio meccanicistico ai processi di Ideazione e Sviluppo, tende a impoverire e standardizzare i prodotti. È per questo che le “9 lezioni e 1/2” di un volume in uscita per Dino Audino, ricavate da molti anni di professione e di insegnamento, ho scelto di non proporre l’ennesima variazione di modelli ormai

classici o stilare una lista di “regole”, ma piuttosto tentare una descrizione dei processi creativi e dello “sguardo” della serialità, che per molti aspetti ha una propria originalità che la distingue dalla narrazione cinematografica.

Dalla messa a punto di un’idea adatta a un racconto “a puntate” e alle nuove esigenze e tendenze dei sistemi di streaming Ott, fino alla divisione del racconto in episodi, attraverso la stesura delle linee narrative e dell’arco del personaggio, le lezioni introducono gli elementi chiave che danno vita a questo tipo specifico di narrazione: un racconto fondato su un’estetica della ripetizione che ha radici antichissime e che non tende a una soluzione, ma continua nel tempo, creando una progressione che ritorna sempre al punto di origine e una tensione che rimanda in modo indefinito un finale; il tutto senza perdere mai di vista le questioni che riguardano la partecipazione dello spettatore, un aspetto fondante della serialità, non solo per motivi produttivi, ma anche a livello del linguaggio della narrazione di serialità e del suo stesso significato sociale e antropologico.

Attraverso capitoli dedicati ad elementi “semplici”, come Personaggio, Mondo, Conflitto o Tempo, le lezioni di serialità suggeriscono un approccio alla ideazione e alla scrittura mettendo a confronto aspetti teorici, esempi tratti dalle serie più conosciute e pratiche concrete che riguardano il “mestiere” di sceneggiatore, con l’obiettivo di insegnare a pensare la serialità complessa: una forma narrativa

“9 lezioni e 1/2 sulla serialita” di Piero Bodrato.

Dino Audino editore.

In librearia a novembre.

PIERO BODRATO.

che al contrario di quel che si crede, non deriva da un meccanismo cumulativo o compilativo, ma al contrario si genera ad ogni livello, grazie a un vero e proprio ecosistema narrativo, una Formula che genera episodi, linee e personaggi, in un modo simile a quello di un processo chimico o biologico.

All’interno di questo processo, proposto come metodo fondante della scrittura di un prodotto di serialità, le lezioni sottolineano l’aspetto “liturgico” della serialità e l’importanza del rapporto con la comunità di spettatori, sostenuto da una forma narrativa nella quale la “ripetizione” (la variazione su tema e la ripetizione di strutture) non è un difetto, ma un elemento fondante sia a livello tematico che estetico.

Nonostante l’obiettivo di fornire al lettore indicazioni aggiornate alle ultime tendenze del sistema, come ad esempio un ritorno a modelli di derivazione cinematografica, che in buona parte rinunciano alle caratteristiche tipiche della serialità, non mancano alcuni riferimenti ai consigli e ai modi di dire degli “antichi”: allegri avvertimenti dedicati agli sceneggiatori e tramandati dalla tradizione del cinema che sintetizzano in una battuta anni di esperienza e che in un momento di trasformazione del settore che per alcuni versi potremmo paragonare a quello del passaggio dal muto al sonoro, vogliono ricordare il legame del mestiere di sceneggiatore con una tradizione antica, la sua dignità e la sua importanza, che non consiste soltanto nel realizzare un progetto, ma anche nel metterlo alla prova o addirittura nel contraddirlo. Come accade per la creazione di una battuta memorabile, di una svolta inaspettata o di un buon finale, la soluzione non è quasi mai quella “corretta”, ma per questo prevedibile, ma quella non prevista e quindi paradossalmente, “sbagliata”.

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