Asia Argento

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Asia Argento: Semplicemente Asia

ASIA ARGENTO

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SEMPLICEMENTE ASIA

“Our mission is not only to design beautiful interiors but places where people feel good and fully enjoy the space that surrounds them.”

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LA REDAZIONE

Genius People Magazine n. 16 - Ph. Giovanni Gastel. La mascherina è stata inserita digitalmente

Genius People Magazine

OMAGGIO A GIOVANNI GASTEL

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GRAZIE, GIOVANNI. THANK YOU, GIOVANNI.

L

a redazione di Genius People Magazine ricorda Giovanni Gastel, fotografo straordinario, scomparso lo scorso 13 marzo a Milano, all’età di 65 anni, a causa del Covid-19.

Gastel era un artista: ha collaborato coi più prestigiosi luxury brand internazionali, firmando alcune delle campagne pubblicitarie più celebri e straordinarie degli ultimi quarant’anni, e i suoi ritratti hanno immortalato i volti più importanti del mondo della cultura, della moda, del design, dell’arte, dello spettacolo, della musica e della politica. È stato un onore, per Genius, poter ospitare una delle sue creazioni sulla copertina di Genius People Magazine N. 16 dedicata a Lapo Elkann.

Buon viaggio, Giovanni.

La Redazione

Genius People Magazine’s editorial staff mourns the passing of Giovanni Gastel, an extraordinary photographer, who died in Milan on the 13th of March, at 65 years of age, due to Covid-19.

Gastel was an artist: he worked with the most prestigious international luxury brands, and some of the most famous and brilliant advertising campaigns in the last forty years carry his hallmark. His portraits have captured some of the most important figures of the world of culture, of fashion, design, art, entertainment, music and of politics.

It was an honor, for Genius, to have one of his creations on the cover of Genius People Magazine N. 16, our issue dedicated to Lapo Elkann.

Have a safe trip, Giovanni.

The editorial staff

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SUPREMALAB.COM

APERTURA

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BODY ART E DESIGN: L’ARTE DELLA PERSONA, SU OGNI PERSONA BODY ART AND DESIGN: PEOPLE’S ART, ON PEOPLE di/by VALENTINO MAGLIARO

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hi è l’essere umano?

Una domanda apparentemente banale che ci obbliga a fermarci per un secondo e riflettere sulla bellezza di piccole e grandi cose, come un essere umano ad esempio, un raggio di luce in penombra, l’arcobaleno che esplode in cielo ed un tatuaggio o un colore sulla nostra pelle.

Piccole e grandi belle cose che a volte decidiamo di sperimentare, di dire al mondo che quell’arte con il suo messaggio, la vorrei portare su di me, per sempre.

Un articolo di qualche grande testata lo scorso anno poneva l’attenzione sul fatto che nel 2050, i nonni di circa 3 miliardi di persone, quasi un terzo di tutta la popolazione mondiale, saranno tatuati. Ma che cosa è un disegno sulla pelle se non una ricerca costante di arte da portare con noi, ovunque andiamo?

Per molti il colorare la propria pelle è una necessità, come l’acqua e l’ossigeno, il considerarsi tele bianche e portatori di codici che qualcuno sarà chiamato a decifrare, per molti questi codici saranno esclusivi e accessibili a pochi, altri, invece volutamente esposti come statement per prendere una posizione e dire al Mondo che non solo esistiamo, ma viviamo da protagonisti una partita intensa da giocare fino alla fine.

Mi piace pensare che l’abilità di colorare la pelle, di creare quadri sull’elemento più naturale al mondo, la pelle, sia Arte per pochi. La vediamo in Tv, nei videoclip musicali delle popstar, in internet e nella vita reale di tutti i giorni.

Possiamo quindi dire che se dai Maya all’antico Egitto, fino ad arrivare ai giorni nostri, la nostra pelle è stato il primo oggetto di Design al Mondo, per noi che viviamo nel secolo in cui il tattoo non è più un tabù ma Arte riconosciuta, condivisa e ricercata, possiamo annoverare la body Art le più grandi innovazioni dell’intera esistenza umana.

Human beings, who are they?

This question may seem trivial, but it forces us to stop and to think about the beauty we find in small and in big things, in human beings, for example, in a ray of light in the shadows, in the rainbows that burst in the sky, and in a tattoo or in some color on our skin.

Sometimes we decide to try these small and big beautiful things, we want to say to the world that it’s an art and a message we want to carry on ourselves forever.

Last year I read in an article of an important journal that, in 2050, the grandparents of about 3 billion people, nearly a third of world’s population, will have a tattoo.

And aren’t these drawings we have on our skin a form of art we always want to carry with us everywhere we go?

For many, drawing on their skin is a necessity, like water or air, and they consider themselves as blank canvas, bearers of codes that someone will decrypt; for many, these codes are exclusive and available to only a select few, for others, these codes are statements and a way to take a stand and to say to the world that it’s not just about existing, but it’s about living life as the stars of this extraordinary match we have to play until the end.

I like to think that the talent in coloring skins, in creating pieces of art on world’s most natural element, skin, is an Art for few. We see it on tv, on popstars’ musical videos, on the internet and in everyday life.

If, since the Maya era, ancient Egypt and up until today, our skin has been world’s first piece of design, and we live now in a time in which tattoos are considered as a recognized, shared and sophisticated form of Art, and not as a taboo, we now may say that Body Art is one of the most important breakthroughs in human history.

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ANNA MIYKOVA

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V U O I TAT U A R T I ? C H I E D I T I I L P E R C H É Y O U WA N T T O G E T A TAT T O O ? A S K Y O U R S E L F W H Y di/by ANNA MIYKOVA

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ggigiorno, il tatuaggio ha perduto il significato che aveva fino a venti o trent’anni fa. La stessa società sembra essere diventata più liberale tanto da non etichettare più come ribelli o emarginate, le persone che si tatuano. D’altra parte, anche le ragioni che ci spingono ad imprimere un segno duraturo, se non indelebile, sulla nostra pelle sono cambiate e possono spaziare dal desiderio di seguire la moda e di omologarsi deliberatamente alle tendenze del momento, alla volonta’ di esprimere i propri sentimenti a qualcuno in modo insolito e originale.

Il termine “tatuaggio” deriva dall’inglese “tatoo” che è, a sua volta, un prestito dal polinesiano tatau, “colpire”. Questa pratica fu introdotta nel Vecchio Continente solo nel XVIII secolo dai marinai...e d’altronde, come scordarsi l’ancora che Popeye the sailorman aveva tatuata sull’avambraccio: semplice ma evocativa, che insieme alla pipa e alla latta di spinaci rappresentava il simbolo del marinaio statunitense più celebre dei cartoni animati. Quella che oggi siamo soliti definire body art, ovvero la pratica di dipingere sul corpo umano, è tuttavia molto antica e per i popoli tribali serviva una varietà di scopi ben più ampia di quella che oggi tendiamo ad associare al tatuarsi: mostrare lo status sociale di appartenenza, proteggere dai cattivi presagi, decorare il proprio corpo e persino fungere da prova di resistenza per i giovani uomini.

Nell’età contemporanea il tatuaggio è diffuso all’interno di un’ampia varietà di gruppi sociali o di persone ed è diventato talmente diffuso e comune da non sorprendere più nessuno.

Tuttavia, chi non ama i disegni corporali potrebbe domandarsi quali sono i motivi per cui una persona si sottopone a una procedura tanto dolorosa seppur non necessaria; oppure interrogarsi su un fantomatico significato recondito o inusuale, tanto speciale da bramare di averlo sul proprio corpo per la vita.

Per quanto molto amato, soprattutto in Occidente, dai modaioli sulla trentina o la quarantina, dagli appassionati di motociclismo o dai patiti del bodybuilding (o forse dovrei dire crossfit, perché il primo sembra perfino datato?), c’è ancora una folta schiera di scettici che storce il naso alla vista di corpi ricoperti di disegni. Non bisogna poi dimenticare che un tatuaggio non a regola d’arte, eseguito male o l’ennesima copia di altre centinaia di disegni uguali l’uno all’atro, rischia di banalizzare il suo significato originario, se non addirittura di apparire come un inutile scarabocchio. Scongiurati questi pericoli, dietro a tale forma di arte estetica c’è una simbologia tutt’altro che banale lungi dal puro virtuosismo estetico esercitato per rendere il nostro corpo, magari già tornito e ben formoso, attraente, per alcuni seducente o semplicemente modaiolo.

Nowadays tattoos have lost the meanings they had twenty or thirty years ago. Society seems to have become more liberal and to have stopped labeling those who had tattoos as rebels and outcasts. After all, even the reasons why we decide to have a lasting, and often permanent, mark on our skin have changed and range from the desire to be fashionable and homogenized to the new trends to the will of expressing our feelings for someone in an original and unusual way.

The Italian word “tatuaggio” comes from the English word “tattoo” that comes from the Polynesian word “tatau”, “to hit”. This practice was introduced in the old continent during the XVIII century by sailors…and, after all, we can’t forget about the anchor that Popeye the sailorman had tattooed on his arm: simple but evocative. Together with his pipe and his spinach can, it has become the symbol of America’s most celebrated sailor in cartoon’s history. But what we call today body art, the practice of painting on human bodies, is very ancient and tribal peoples used it for a variety of purposes, way more than the ones we use to associate today to tattoos. They were used to show social status, protect against bad omens, decorate bodies and they were even used as a test of endurance for young men.

Today tattoos have spread among many different social groups and many people have them. It’s so common that it’s a surprise to no one. Anyways, those who don’t like these types of drawings on skin could ask themselves why people chose to go through so much – unnecessary – pain. They could even ask themselves if there’s a special and unusual meaning connected to tattoos, something so powerful that must be kept on our skins forever.

Even though they’re very loved, especially in the West, among trendy thirty and forty-year olds, by motorcycle enthusiasts or by bodybuilding fanatics (or maybe I should say crossfit? Bodybuilders seem a bit outdated!), there’s still a large group of skeptics that turn up their noses at these bodies filled with drawings.

We shouldn’t forget that a tattoo that was poorly made or that’s the last copy of a hundred of identical copies can banalize its original meaning and, sometimes, look like a lame doodle. If you can avoid these dangers, this aesthetic art is connected to a very interesting and deep symbology that has nothing to do with aesthetic virtuosity and our desire to turn our bodies, maybe already finely fleshed and curvy, into something attractive, seductive to some and trendy to others.

Among them, for example, there’s religion. A lot of people choose to get a tattoo of a specific religious symbol because they believe they will be protected by their god or because they want to show their devotion to the world. Crosses, lotus flowers (a Buddhist

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STORIA DI COPERTINA

Tra questi spunta la religione, per esempio. Molte persone scelgono infatti di tatuare un particolare simbolo religioso sui propri corpi perché credono di essere protette da una determinata divinità o semplicemente perché vogliono manifestare la loro devozione al mondo. La croce, il fiore di loto (simbolo buddista) o la luna (simbolo pagano della Dea Madre) assumono per un fedele un significato molto profondo.

C’è poi un ragione legata all’espressione della propria individualità. Per alcuni, infatti, la body art è il mezzo ideale per mostrare se stessi. Attraverso tatuaggi unici e ricercati, ci si vuole distinguere dagli altri, spiccare come individui rari in un insieme quasi informe. Sovente, gli stessi uomoni e donne che scelgono di staccarsi dalla massa amano anche sfidare le ordinarie norme di comportamento o di pensiero ampiamente riconosciute e mediamente adottate, così come le idee della cultura prevalente.

Negli ultimi anni, il tatuaggio è diventato molto popolare anche tra le donne, poiché si è trasformato in uno strumento di espressione o di riconferma della propria indipendenza, la propria emancipazione o la capacità di decidere da sole come apparire.

Nella nostra società, dominata dal modello “Barbie”, ovvero della donna che assume le sembianze di una bambola e dove la chirurgia plastica e la ricerca spasmodica della perfezione del corpo (che ha portato a sdoganare i numerosi disturbi della nutrizione come l’anoressia) sono normali, i tatuaggi sembrano

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symbol), the moon (Mother Goddess’ Pagan symbol) have a very profound meaning for the faithfuls.

Then there’s a reason that’s connected to the expression of our individuality. To some, body art is the ideal medium to show who they truly are. Their unique and refined tattoos turn them into rare and special individuals and they stand out in their shapeless groups. Often, those who choose to stand out and to get away from masses love to challenge common rules of conduct and of thought, they like to challenge the prevailing culture. In this last few years, tattoos have become very common on women as well.

It’s because tattoos have transformed into means to express and reconfirm our independence, our emancipation and the power to decide what to wear.

In a society that’s dominated by Barbie models, where women transform themselves in dolls and where plastic surgery and the search for perfection are just normal (and this brought us to legitimize many eating disorders, such as anorexia), tattoos seem to give women an alternative. But we have to remember that there are so many other ways to defend our individuality.

Then there’s the desire to feel part of a group or of an organization: we want to feel part of something and accepted and we identify with the group’s values. It’s quite common to meet people that believe that being part of a group or that fighting for a cause is important to the point of getting a tattoo with the symbols of their organization. This is the case, for example, of many

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ANNA MIYKOVA

dare una visione alternativa della donna e del suo corpo. Naturalmente, non dobbiamo dimenticare che ci sono molti altri modi per difendere la propria individualità.

C’è poi la volontà di affiliarsi a un determinato gruppo od organizzazione, dove sentirsi integrati o accettati e dove immedesimarsi quasi simbioticamente con i valori delle stesse. Non è inconsueto trovare persone per le quali l’appartenenza a un gruppo o una causa è talmente importante da spingerle a tatuarsi i simboli dell’organizzazione. È il caso, per esempio, di molti militari per i quali il tatuaggio raffigurante il proprio corpo di appartenenza o la bandiera della nazione simboleggia un profondo senso di fedeltà e lealtà verso la patria o la propria professione.

In ultimo, ma non di certo in ordine d’importanza, c’è il trasporto emozionale che spinge molti a tatuarsi quando sono al culmine di una relazione d’amore e vorrebbero mostrare al mondo intero questo tenero sentimento. Naturale, direte! Ma di certo conviene ragionarci più a lungo perché il tatuaggio resta per sempre, ma il sentimento chi lo sa?

military men that believe that tattoos with their Army Corps or with their nation’s flag is a symbol of their loyalty to their homeland and to their job.

Last but not least, strong feelings make people want to get a tattoo when they’re in love and want to show their world their happiness. That’s totally normal, you’d say! But it’s better to really think about it because tattoos are forever, but love…who knows?

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ALESSANDRO BENETTON

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CORTINA 2021: GUARDANDO AL FUTURO CORTINA 2021: LOOKING TO THE FUTURE di/by ALESSANDRO BENETTON Presidente Cortina 2021/ Cortina 2021 President

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d un certo punto qualcuno mi ha detto: “ci manca solo l’assalto delle cavallette!”. Le difficoltà sono state davvero tante nel cammino verso Cortina 2021, soprattutto nell’ultimo anno. L’annullamento dei test event, il tema di spostare o meno la data, la decisione sulle porte chiuse…e poi l’infortunio della nostra Sofia, le grandi nevicate dei primi giorni…

At some point someone told me: “The only thing missing here are locusts!”. The road to Cortina 2021 was long and, especially during last year, extremely hard. Test events were cancelled, the date was discussed over and over again, then we decided to realize a behind-closed-doors event…and our Sofia got injured, and there were those great snowfalls during the first days of the event…

In foto Alessandro Benetton

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IL PUNTO

Ma è sempre una questione di mentalità, bisogna credere fermamente che dietro ai momenti di crisi si nascondono opportunità. È stato un cammino avvincente: l’impegno e la volontà di realizzare dei Mondiali memorabili non sono mai venuti meno e nelle avversità abbiamo maturato ancor di più la consapevolezza di dover lanciare attraverso lo sport un messaggio di fiducia e di speranza al mondo intero.

Cortina d’Ampezzo si è presentata al traguardo dell’appuntamento iridato con piste e impianti completamente nuovi, con infrastrutture moderne ed un’offerta turistica all’altezza della sua fama e soprattutto con un entusiasmo che ha contagiato un’intera comunità decisa a rivendicare la sua storia e i suoi primati e a recitare la vocazione di grande destinazione del travelling internazionale e capitale degli sport della neve.

In molti hanno parlato di nuovo Rinascimento della Regina delle Dolomiti e credo che questo sia sotto gli occhi di tutti. C’è un grande entusiasmo (anche se questa parola appare esagerata in questo momento di Covid), tutti hanno voluto cogliere l’occasione del Mondiale e si spera sempre di più delle Olimpiadi del 2026. Ci sono venti alberghi in rifacimento su una quarantina, nuovi impianti realizzati con una grande collaborazione tra gli impiantisti per avere una massa critica competitiva, esercizi turistici e commerciali del tutto nuovi e l’arrivo di grandi player internazionali dell’ospitalità Ho chiamato “effetto palla di neve” questo clima di energia e di entusiasmo che, tutti insieme, siamo riusciti a coaugulare intorno a Cortina 2021. È il risultato di cui vado sin qui più orgoglioso. I Mondiali sono stati una formidabile vetrina internazionale per Cortina d’Ampezzo, le Dolomiti e tutto il sistema-Italia.

Cortina 2021 ha quindi fatto da apripista e modello per un new normal dei grandi eventi sportivi internazionali dell’era Covid, permettendo ad atleti, squadre, fan e appassionati in tutto il mondo di tornare a vivere l’emozione dell’agonismo internazionale, mettendo in campo capacità di gestione e professionalità.

Sono fiero della squadra che ha lavorato in questi anni, ringrazio i ragazzi di Fondazione uno ad uno ma il mio GRAZIE va anche a cittadini, sportivi, Istituzioni nazionali e locali, imprenditori, albergatori e impiantisti, operatori dei media…e ai tanti sponsor che hanno continuato a credere e a sostenere con entusiasmo il nostro progetto, nonostante il contesto generale.

Guardiamo ora avanti, al grande traguardo di Milano Cortina 2026 augurandoci che l’Italia sia sempre in grado di onorare al meglio i grandi valori dello sport e che, passata la pandemia, il nostro Paese sia modello di sviluppo sostenibile e inclusivo!

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But it’s just about mentality: you need to believe that in time of crisis you may find new opportunities. It was a rewarding path: we wanted to realize an unforgettable event and even in adversity we became more aware of the importance of conveying through sport a message of faith and hope to the entire world.

Cortina d’Ampezzo showed up to the finish line with new slopes and ski resorts, with modern facilities and with a touristic offer that lived up to its own headlines. With an enthusiasm that plagued a community that wanted to reclaim its history and its records and that wanted to be recognized as a great international travelling destination and as ski sports’ capital.

Many talked about Cortina’s new Reinassance and I believe this is in the public eye. There’s a lot of enthusiasm (even if this doesn’t look like the right word to be used in this Covid moment), everyone wanted to take the opportunity with the World Championships and we now hope for 2026 Olympics. We’re rebuilding twenty of the forty hotels in Cortina, we’re creating new ski resorts in partnership with technicians in order to increase our competitive and critical size; tourist and commercial accommodations are new and hospitality’s great international players are coming in town.

I called the enthusiasm and the energy that we built around Cortina 2021 “the snowball effect”. It’s the result I’m mostly proud of.

The World Championships have been an extraordinary international showcase for the city, for the Dolomites and for the entire Italian system.

Cortina 2021 has made the way and has been a model for new normal international great sport events in the Covid era: athletes, teams, fans and enthusiasts from all over the world had the chance to experience the excitement of international competitions, with great management and professional skills.

I’m proud of the work the team did in these last few years. I thank one by one all the members of the Fondazione but my THANK YOU goes to citizens as well, and to sportsmen, to national and local Institutions, to the entrepreneurs, the hotel managers, the technicians, the media operators….and to the many sponsors that believed in and supported our project, despite the general context.

Let us look forward to Milano Cortina 2026 and let’s hope that Italy will always honor sport’s great values and that, once the pandemic will be over, our country will be a model of sustainable and inclusive development.

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UMBERTO LABOZZETTA

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P E N S I E R I E PA R O L E Prima e dopo il Festival di Sanremo 2021 THOUGHTS AND WORDS Before and after the Sanremo Festival 2021 di/by UMBERTO LABOZZETTA

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a oltre un anno, esattamente da marzo 2020, trascorriamo le giornate al limite dell’assurdo, privati del bene primario, la libertà. È passato un anno da quell’ultima occasione di festa fatta di sorridenti e spensierati assembramenti, prima che il vero nemico, il famigerato Covid19 dilagasse nelle nostre vite: nelle nostre case, nelle strade, nelle famiglie e negli ospedali. Si è preso tutto.

Dopo Sanremo, appunto. Da allora, quasi ci fosse stato uno spartiacque, stiamo trascorrendo la maggior parte del tempo fermi, bloccati, come se avessimo siglato un patto di corresponsabilità. Abbiamo la necessità di informarci continuamente, di capire la portata della prigionia: quanto ancora dovremo ritenerci dei potenziali delinquenti reclusi? Già, perché la pandemia, questa strana parola apparsa all’improvviso nella nostra storia, ci ha resi tutti dei potenziali delinquenti. E l’unica soluzione possibile, consigliata da eserciti di esperti e politici spiazzati da questo tiranno che, mai prima d’ora, abbiamo combattuto, è di stare tutti a casa a seconda dei colori delle nostre regioni, sperando di diventare bianchi. “Vedrete che ne usciremo!, andrà tutto bene!” è lo slogan usato da tutti, dai cantanti e dagli sportivi. Qualcuno ne ha persino raccontato le fasi con un libro, soprattutto gli influencer con migliaia di follower che imperversano su i social. Meno male che un anno fa non c’era Clubhouse, vi immaginate quante chiacchiere, da rintanati in casa, avremmo dovuto subirci? È una sensazione che condivido con molti miei amici: anche in redazione le riunioni in presenza sono ridottissime e tutte rigorosamente organizzate con il famigerato Zoom. Intanto l’umore varia a seconda degli interventi degli esperti ascoltati in tv: a volte mi sveglio e mi sento come i Professori Crisanti e Galli (pessimismo alle stelle!), altre ottimista come il Professor Bassetti e Zangrillo, ultimamente distaccato, come Pregliasco o la Capua.

I miei pensieri, avendo ora un tempo illimitato per riflettere, sono tanti e ce n’è uno in particolare che mi assilla spesso: “ Ma sarà mica un segnale della terra che ci ricorda che stiamo qui e siamo da Lei … ospitati?”. Ma poi la mente si allontana da questi pensieri strani e rivede quei momenti trascorsi con gli amici e coi colleghi, sempre in giro a macinare chilometri da una regione all’altra, da un Tour all’altro, e ne sanno qualcosa i miei amici Milo Fantini e Jack Savoretti. Oggi viviamo tutti un po’ sospesi, ognuno privato della sua piccola routine personale. La vita è fatta anche di piccole cose: accompagnare i figli a scuola e la moglie al lavoro; il giornale in edicola, un caffè insieme prima

For over a year now, we’ve been living our days to the point of absurd. We’ve been robbed of our most precious good: freedom.

It’s been a year now from those last festive occasions, from those last cheerful and careless gatherings. The Covid 19 came and it’s now part of our lives: it’s in our houses, in our streets, in our families, in our hospitals. The pandemic has taken over everything.

And it all happened after Sanremo. It was our watershed. Since then, we’ve lived our lives as if we were blocked and as if we’ve had signed a pact of co-responsibility. We feel the need to get all the information in order to understand our captivity status: how long will we still be potential criminals? How long will we still be prisoners? The pandemic, this strange word that’s now part of our personal stories, has made us become potential criminals.

And teams of experts and of politicians, who are all overwhelmed by this enemy we’ve never fought before, have showed us that the only solution we have is to stay home and to wait for our colors to change. And we all hope our region will become white.

“We’ll make it!, everything’s gonna be fine!” is the slogan that we are all using. Singers have used it, sportsmen have used it. Many have even written a book on the pandemic, especially influencers with their million followers on social media. Fortunately we didn’t have Clubhouse at the time! Imagine how much crap we could have listened to!

And this is something many of my friends and colleagues think as well: our meetings are now all on remote and all on Zoom. In the meantime, my mood changes based on experts’ participation to TV shows: sometimes I wake up and I feel like Professor Crisanti and Galli (quite pessimistic!), sometimes I’m optimistic like Professor Bassetti and Zangrillo, often now I feel detached like Pregliasco or Capua.

Now that I have so much time to think, there’s one thought that’s often on my mind: “And if it’s all just a message from Earth? And if Earth’s juts trying to remember us that we’re…guests?”. But then my mind just forgets about it and I see all the moments I lived with my friends and my colleagues on the road, all around Italy, from Tour to Tour, and my friends Milo Fantini and Jack Savoretti know what I’m talking about. Nowadays we live our lives in a sort of limbo and our small routines are just a memory: we took our kids to school and our wife to work; we bought our journal, we drank our coffee; we went to the stadium, we went shopping… and now shopping is not just a necessity, it’s even a distraction, our small transgression. We went from having dinners with our friends to taking out the trash just to get outside our houses.

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FOCUS

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In foto Umberto Labozzetta - Ph. Nicholas Bastianello

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di salutarsi; lo stadio con gli amici, la spesa…che, ora, oltre a essere una necessità, è pure un diversivo, un’azione trasgressiva. Siamo passati dagli aperitivi e dalle cene con gli amici a buttare i rifiuti nel cassonetto per poter uscire almeno in cortile!

Forse è per tutta queste serie di motivi che l’immaginario collettivo invocava a gran voce un “Festival della rinascita”. Ognuno ha e avrà il proprio punto di vista: alla fine è stato il “Festival delle sfide”, per me vinte dal Direttore Artistico. Quest’anno doveva essere coraggioso e lo è stato. Il cast è stato selezionato con estrema cura e non ha tralasciato nessuno, dai nomi che oggi spopolano tra i giovani sulle piattaforme musicali a molti sconosciuti. Parlo della nuova generazione musicale, quella della cosiddetta generazione Z, fatta di rap, trap, indie e indierock, e anche di conferme.

Ci siamo resi conto che, nonostante non fosse un’esordiente, la più intonata di tutti è Orietta Berti, splendida 77enne che ci ha mostrato tutta la sua sicurezza e audacia.

Il resto della macchina festivaliera è stato costruito sulle consuetudini stravolte: mascherine in quantità industriali, tamponi, plexiglas e diffidenza nei confronti di chiunque.

Sparita la ricerca spasmodica del pass (c’è gente che si dà appuntamento di anno in anno solamente per questo), costretti alla quotidianità del tampone e alla gioia della negatività (non propriamente una gita), abbiamo sognato un miracolo ma il miracolo non c’è stato.

Sanremo 2021 non è riuscito a essere l’agognato festival della rinascita e, sia chiaro, non per le colpe specifiche di Amadeus e di Fiorello, che, anzi!, hanno avuto il merito di crederci e di unire le loro forze contro tutto e tutti per far sì che il Festival fosse storico, indimenticabile, incredibile. E nessuno può toglier loro il merito di esserci riusciti pur sapendo bene che sarebbe stata una corsa a ostacoli e dai colpi bassi del tiranno invisibile, sempre presente e in agguato. Vedasi la positività del collaboratore di Irama, oppure la mancata presenza di Simona Ventura a causa del virus, contratto a pochi giorni dalla partenza. Per non parlare, poi, della sterile polemica sulla presenza del pubblico in sala, rilevatasi ingombrante per coloro che prevedevano la difficoltà dei due conduttori, ma dimenticando che entrambi arrivano dalla radio. L’argomento ha fatto discutere al punto che qualcuno avrebbe spifferato, prima del Festival, di un ipotetico abbandono del Direttore Artistico e conduttore. “O con il pubblico o non lo faccio”, news rilevatasi non veritiera.

L’assenza del pubblico, come dimostrato nelle 5 puntate, è stata superata benissimo, pur privilegiando entrambi l’immediata interazione con la platea. È stata una corsa a ostacoli, vero! Ma sempre con numeri stratosferici sia in tv che su i social: al momento della proclamazione della vittoria dei Måneskin, di cui leggerete l’intervista esclusiva in questo numero, lo share su Raiuno ha raggiunto il 78,2%. Erano le due e mezzo di notte (di notte, non di pomeriggio!).

Una nota di merito va aggiunta anche alle presenze fisse, Zlatan Ibrahimovic e Achille Lauro, “che creano indubbiamente molto interesse e share”.

And maybe these are the reasons why we all wanted the Festival to be e Rebirth Festival. Everyone has his own point of view: this has been a Challenge Festival and I think the Artistic Director won it all. He had to be brave and he was. The entire cast was selected with great care and he selected all those names that are all the rage among young people and that many still don’t know. I’m talking about Gen Z’s music. New generation’s music is made by rap, trap, indie and indie rock music, but the Festival was even made by confirms. For example, we figured that, even if she wasn’t a rookie, Orietta Berti was the most in tune. Even though she’s 77, she showed us all her courage and her audacity.

The rest of the Festival was built on distorted habits: on thousands of face masks, on tampons, Plexiglas and on suspicion.

We didn’t have to look desperately for passes (there are people out there who make appointments year per year just to have one), our daily routine was made by tampons and by negativity, and it was not a picnic. We wanted a miracle, but we didn’t get one.

Sanremo 2021 hasn’t been the rebirth Festival we all wanted. And surely it’s not Amedeus’ or Fiorello’s fault: they both believed in the project and they worked together to build a historic, unforgettable and incredible Festival. And no one else can take credit for that. They knew it was going to be hard and they knew that our invisible enemy was going to be there at all times. The virus, for example, has infected Irama’s collaborator and Simona Venture as well, and since she was positive, she couldn’t be part of the Festival.

Then we all heard about the controversy about the public. The debate was caused by those who thought the two TV hosts were going to have a hard time, but they all forgot that they both come from the radio universe. The controversy came to a point where the industry started talking about Amadeus’ abdication. “Or we have a public, or I won’t be there!”, and it turned out to be fake.

Even though both the TV hosts prefer working with an audience, its absence wasn’t a problem. And the Festival proved that. It was an obstacle course, indeed! But the Festival’s numbers, on tv and on social media, were incredible: when Måneskin – you can read about them in this issue - won, Raiuno’s share got to 78,2%.

It was two o’clock in the morning!

I even want to give credit to the Festival’s permanent guests – although someone said: “ at least this year we can forget about all those important guests that, indeed, rise interest in the audience and rise the share” – such as Zlatan Ibrahimovic and Achille Lauro.

Could have they done more? I’ve talked about it with Amadeus in our interview – you can read it in the next pages – and he told me (spoiler alert!): “Sure! You can always do more, but I think we did a lot and we did great. We helped raising 38 millions Euros in advertising for Rai and we gave people five days of distractions. Yes, we can’t do nothing about the virus and about deaths, but I think we gave people hope, and we all need it”. And he’s right!

My frantic, unmotivated (maybe) and silent thought made me think that the situation we live in can maybe be the price we all must pay for our egoistic and insane way of living life. Our lives

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FOCUS

Si poteva far di più e meglio? Ne ho parlato con Amadeus nell’intervista che potrete leggere in questo numero, e la risposta (che spoilero) è stata: “Certo si può fare sempre meglio , ma verrebbe da dire che sia già tanto quello che è stato fatto. Abbiamo contribuito a portare nelle casse della rai 38 milioni di euro di pubblicità e abbiamo regalato agli italiani 5 giorni di distrazione e leggerezza. D’accordo: non hanno fatto calare i contagi o, purtroppo, i decessi, ma credo abbiano dato la speranza di tornare a vivere, e noi ne abbiamo bisogno”. Come dargli torto!

La mia sfrenata, immotivata (forse) quanto silenziosa riflessione mi fa pensare che in fondo, forse, ciò che stiamo vivendo è uno scotto da pagare per il nostro egoismo e il nostro insensato modo di vivere, basato sulla costante competizione. Questo Festival ci ha portato a godere delle piccole cose, e per il solo fatto di esserci stato, dovrebbe farci riflettere su quanto sia realistico e poetico il messaggio verso la vita e di come lo si debba raccontare con semplicità. È la visione di un futuro migliore!

Se siete arrivati fin qui, non fermatevi adesso: continuate fino in fondo!

Questo numero di Genius riserva molte altre sorprese…

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are all about competition. This Festival helped us enjoy small things and we should all convey its message of love and hope towards life. It’s a vision of a better future!

Well, if you have followed me up until this point, don’t stop!

Genius has so many more surprises…

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Issue 17

TU L’HAI CREATO, INSIEME LO PROTEGGIAMO. Per noi di Banca Generali Private, il patrimonio è una cosa viva che ha bisogno ogni giorno di cure. Per questo i nostri consulenti sono sempre al tuo fianco, aiutandoti a dare forma ai tuoi progetti di vita con soluzioni su misura. Accompagnandoti nelle scelte più importanti per il tuo futuro e quello della tua famiglia. Un approccio che ci premia, come conferma il Gruppo Financial Times che ci ha nominato Miglior Banca Private in Italia e l’Istituto Tedesco di Qualità e Finanza, che da cinque anni ci conferisce la medaglia d’oro come miglior rete di consulenti per livello di soddisfazione dalla clientela.

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INDEX

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17 Body art e Design: l’arte della persona, su ogni persona | Body art and Design: People’s art, on people

di/by Valentino Magliaro

18 Vuoi tatuarti? Chiediti il perché | You want to get a tattoo? Ask yourself why di/by Anna Miykova

22 looking Cortina 2021: guardando al futuro | Cortina 2021: to the future

Speciale Genius 17

70 GM 17 è rock! | GM 17 rocks! di/by Redazione Genius da pag. 70 a pag. 253

di/by Alessandro Benetton

24 Pensieri e Parole. Prima e dopo il Festival di Sanremo 2021 | Thoughts and words. Before and after the Sanremo Festival 2021 di/by Umberto Labozzetta

Editoriali

34 Kant: Eva Kant: erotismo, genialità, libertà | Eva eroticism, genialty, freedom di/by Mario Gomboli

38 was Artista? Chi era costui? | An artist? Who he? di/by Fabio De VISINTINI

42 Ci serve più spazio | We need more space

Cover story

258 Ilanatomia codice dell’anima. Asia Argento: lezioni di | Soul’s code. Asia Argento: Anatomy lessons

di/by Carolina Sardelli

260 In una teca di vetro | In a glass case di/by Carolina Genna

262 Fotografando Asia | Photographing Asia di/by Piergiorgio Pirrone

270 Lady Lazarus. Asia Argento: io lo faccio in modo magistrale / lo faccio che fa un effetto da impazzire /

lo faccio che fa un effetto vero | Lady Lazarus.

Asia Argento: I do it exceptionally well / I do it so it feels like hell / I do it so it feels real

di/by Tito Stagno

46 Geoadriatico.

Il simposio internazionale che accende i riflettori sul presente

con uno sguardo al futuro del Pianeta | Geoadriatico. The international symposium that turns the spotlight on the present with an eye to the future of our Planet di/by Redazione Genius

50 La natura è arte! “The Earth without Art is just eh!” | Nature is art! “The Earth

di/by Francesco La Bella - a cura di/edited by Carolina Genna

282 SPECIALE DK Prima stagione - Numero 3 di 4 - Capitolo: Arrivederci

Genius on trend

without Art is just eh!” di/by Alessandro Huber

54 IlCovid-19 bilancio d’esercizio ai tempi del | The financial statements at the

305 Genius on trend

a cura di/by Giorgio Di Bernardo da pag. 305 a pag. 480

time of Covid-19 di/by Pietro Gurian

58 La rilevanza delle donne nei processi internazionali di pace: L’Italia e le attività nel Mediterraneo | The relevance of women in international peace processes: Italy and the activities in the Mediterranean

di/by Federico Vozza

64 New year, new media | New year, new media di/by Federico Graziani

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Issue 17

INTERVISTA ESCLUSIVA AD AMADEUS OUR EXCLUSIVE INTERVIEW TO AMADEUS a cura di Umberto Labozzetta

by Umberto Labozzetta Non perdetevi l’intervista a pagina 156 Don't miss our interview at page 156

COLOPHON

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EDITORIAL

F R A N C E SCO L A BE LL A EDITOR-IN-CHIEF (direttore@genius-online.it) DIRETTORE ON TREND

G I O R G I O D I B E RNARDO (giorgio@visualdisplay.it) ART

AMMINISTRAZIONE

RICCARDA CONTINI - GALLERISTA STEFANO CONTINI - GALLERISTA

R O B E R TA A PO LLONIO (info@genius.it)

TYPOGRAPHY

CAPOREDATTORE

SINEGRAF DOO - VRBJE 8 0 331 0 ŽAL EC - SL OVENIA

CA R O L I N A G E NNA (redazione@genius-online.it)

GRAPHIC

EDITORIAL BOARD

PAOL O SECOL I GRAFICA VISUAL

U MB E R TO L A B O ZZE TTA, C HIARA E ND RIG O, A N D R E A C U MI N I, MIC HE LE ZANO LL A

TRANSLATION

CONTRIBUTORS

REDAZIONE GENIUS

CA R O L I N A SA RD E LLI, CAROLINA G E NNA, E R I K A FAY N I CO LE , F RANC E S CA G ATTI, MAT T E O MAC U G LIA, F E D E RICO G RAZIANI, VA L E N T I N A DA NE S I, F E D E RICO VOZZA, G R E G O R I O D E FE O, RO BE RTO V ITALE , MI C H E L E CASA MO NTI, IL ARIA BIG NOTTI

EDITORIALISTI

VAL ENTINO M AGL IARO, ANNA M IYKOVA , FABIO DE VISINTINI, M ARIO GOM BOL I, AL ESSANDRO HUBER, PIETRO GURIAN, TITO STAGNO

CONTRIBUTORS PHOTOS

PI E R G I O R G I O P IRRO NE , G IG I S O LDANO, B R I G I T T E V I N C KE N, YAN BE RTONI, G A B R I E L E G I U SSANI, NIC K TYD E MAN, CA R L O B O R L E NG HI, MARCO ROS S I, C L AU D I A CA L E GARI, BRAMBILL A S E RRANI, DAV I D E MO SCA , G IU S E P P E RADO , HE I D I H A N SE N , G E NNADY TAS HLITS K I, A N G E L O MA R CO ACCARD I, A L E SSA N D R O RIZZI, G . S QUATRITI, N I C HO L AS B ASTIANE LLI, AND RE A G HIRE LLI, G E O R G E PI E DAD E , F ILIP P O FALCO , PL A N I N SC H E K , MATTHIAS PARILL AU D , MA R I N A B AST I ANE LLO G ALLE RY, A L B E R TO Z A N E TTI, BARBARA SANTORO, DAV I D E PA D E RNI, G IU S E P P E RADO , G I A N PAO L O SERNA AMARCORD S TU D IO , ANNA AIRONE

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GENIUS EDITORE SRL INTERIOR DESIGN CONSULTANT

OM BRETTA DAL ZIN (ombretta.dalzin@lambiente.it)

Genius Editore S. r. l.

Via di Torre Bianca n. 20, 34132 Trieste- Italy Redazione: Cortina D’Ampezzo, Italy www.genius-online.it - info@genius-online.it Registrazione Tribunale di Trieste n. 1233 reg. per. - 3151/2014

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Issue 17

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editoriali

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MARIO GOMBOLI

E VA K A N T : E R O T I S M O , G E N I A L I TÀ , L I B E R TÀ E VA K A N T : E R OT I C I S M , G E N I A L T Y , F R E E DO M

FABIO DE VISINTINI

A R T I S TA ? C H I E R A C O S T U I ?

A N A R T I S T ? W H O WA S H E ?

TITO STAGNO

C I S E R V E P I Ù S PA Z I O W E N E E D M O R E S PAC E

REDAZIONE GENIUS

G E O A D R I AT I C O - I l s i m p o s i o i n t e r n a z i o n a l e c h e a c c e n d e i riflettori sul presente con uno sguardo al futuro del Pianeta G E O A D R I AT I C O - Th e i n t e r n a t i o n a l s y m p o s i u m t h a t t u r n s t h e s p o t l i g h t on the present with an eye to the future of our Planet

ALESSANDRO HUBER

L A N AT U R A È A R T E !

“The Earth without Art is just eh!”

N AT U R E I S A R T !

“The Earth without Art is just eh!”

PIETRO GURIAN

IL BILANCIO D’ESERCIZIO AI TEMPI DEL COVID-19 T H E F I N A N C I A L S TAT E M E N T S AT T H E T I M E O F C O V I D - 1 9

FEDERICO VOZZA

L A R I L E VA N Z A D E L L E DO N N E N E I P R OC E S S I I N T E R N A Z I O N A L I D I PA C E : L ’ I TA L I A E L E AT T I V I TÀ N E L M E D I T E R R A N E O T H E R E L E VA N C E O F W O M E N I N I N T E R N AT I O N A L P E A C E P R O C E S S E S : I TA L Y A N D T H E A C T I V I T I E S I N T H E M E D I T E R R A N E A N

FEDERICO GRAZIANI

NEW YEAR, NEW MEDIA NEW YEAR, NEW MEDIA

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Issue 17

MARIO GOMBOLI

di/by MARIO GOMBOLI

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Eva K an t: erotism o, g en i al i tà, lib ertà

EVA KANT: EROTICISM, GENIALTY, FREEDOM

MARIO GOMBOLI (Brescia, 18 luglio 1947) è architetto, fumettista, illustratore, scrittore, grafico pubblicitario e docente universitario… ma noto soprattutto come soggettista e direttore responsabile nonché editore della serie Diabolik.

Q

uando Diabolik incontra Eva Kant, non trova soltanto la donna della propria vita, ma anche la migliore collega di lavoro possibile. Dal 1963 a oggi, la “figura professionale” di Eva è cresciuta d’importanza e autonomia. Lei ha percorso, un passo avanti, lo stesso cammino della donna italiana nel mondo del lavoro. All’inizio, Diabolik è un capo severo e inflessibile. Che dà ordini, e non spreca tempo in spiegazioni. Poi Eva impara a farsi rispettare, con le parole e soprattutto con i fatti. Ormai è una “socia al cinquanta per cento”. Capace di operare anche da sola, di propria iniziativa. Capace di organizzare un colpo, di rischiare in prima persona, di avere le proprie idee e di difenderle ostinatamente di fronte al suo egocentrico compagno. Così ne parla Patricia Martinelli, sceneggiatrice e, negli anni ’90, Direttore della testata: “Eva è la donna di Diabolik, certo. Ma non è una che lo aspetta a casa e, quando lui arriva, gli chiede come è andato il colpo alla gioielleria.” Nonostante sia intraprendente, geniale, coraggiosa a volte quanto Genius People Magazine

MARIO GOMBOLI (Brescia, 18 July 1947) is an architect, cartoonist, illustrator, writer, graphic designer and university lecturer... but he is known above all as subject-manager and editorin-chief of the Diabolik series.

When Diabolik meets Eva Kant, he doesn’t just find the love of his life, he also finds the best colleague ever. Since 1963, Eva Kant’s professional figure has grown in importance and in autonomy. She has walked, one step ahead, the same path that Italian women have had to walk through their working careers. At first, Diabolik was a stern and inflexible boss. He gave orders and had no time for explanations. But then Eva learns how to stand up for herself, and she does it through words and especially through facts. She becomes his partner, and they’re in this fifty-fifty. She is able to organize the heist, she risks and has her own ideas, and she has the will to fight for them despite her egocentric partner.

In the ‘90s, Patricia Martinelli, editor-in-chief and screenwriter, said:” Eva is surely Diabolik’s woman.

But she’s not the kind of woman that will wait for him at home and ask him how the heist went”. Even though she’s resourceful, brilliant, often braver than her man, Eva’s extremely erotic. And she has become one of Italian men’s wet dreams, even though designers never showed a single inch of her skin. At

EDITORIALE

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Illustrazione di Sergio Zaniboni Genius People Magazine

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MARIO GOMBOLI

– se non più – del suo uomo, Eva sprigiona un’enorme carica di sensualità. Tale da renderla uno dei sogni proibiti degli italiani. E questo senza che i disegnatori della serie abbiano mai dovuto mostrarcela con un centimetro di pelle scoperta di troppo. Al massimo, si è vista Eva fare capolino da una vasca da bagno (di schiena), oppure indossare deliziosi négligé. Eva Kant non ha bisogno di spogliarsi, per sedurre. Le bastano la femminilità, la classe e una malizia quasi subliminale. Eppure, ha un indiscutibile sex appeal che Diabolik, per primo, sa apprezzare, anche se... “Noi ignoriamo come Diabolik faccia l’amore con Eva, esattamente come ignoriamo i loro gusti culinari. Il sesso viene gridato, pubblicizzato, esasperato solo da chi, infantilmente, lo considera traumatizzante.” Parole di Angela e Luciana Giussani, donne dalle idee chiare. Come Eva.

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the most, we saw Eva’s back in a bathtub or we saw her wearing some charming négligé. Eva Kant doesn’t need to get undress to seduce you. She’s feminine, classy and subliminally mischievous. And still, she undoubtably does have a lot of sex appeal, and Diabolik surely appreciates it, even though… ”We don’t know how Diabolik and Eva make love as we don’t know what their culinary tastes are. Sex is often shouted, hyped and exasperated only be those who, childishly, consider it traumatic”. These are the words of Angela and Luciana Giussani, two women with clear ideas. Just as Eva.

EDITORIALE

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Il primo incontro tra Diabolik e Eva Kant nel disegno di Giuseppe Palumbo.

Tavola tratta da L’arresto di Diabolik: il remake. Il Grande Diabolik 1/2012.

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FABIO DE VISINTINI

di/by FABIO DE VISINTINI

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Ar ti s ta?

C h i er a c ostui?

AN ARTIST? WHO WAS HE?

FABIO DE VISINTINI, figura eclettica in un’epoca di transizione. Consulente e docente di Comunicazione, Marketing e Innovazione, in precedenza manager in ambito pubblico e privato, giornalista, fotografo e pittore, oggi si dedica, da imprenditore, ad un suo progetto d’innovazione che recupera la cultura degli inizi, quella di farmacista prima e aromatiere poi: creme di cioccolato emulsionato in acqua.

I

l malanno in agguato e le conseguenze che genera sono il nostro mantra quotidiano, tuttavia qua e là scopriamo che c’è del buono sotto la cenere, nell’attesa di valutare se i nostri comportamenti post pandemia saranno evoluti e in che direzione. Per esempio, tornando a casa con il naso all’insu, ci accorgiamo che molti palazzi storici godono delle facilitazioni offerte per il restauro delle facciate. Un sistema intelligente per tenere aperte attività professionali e un’ottima occasione per un maquillage. Il restauro ci offre la possibilità di osservare meglio cosa ci ha regalato l’architettura di fine ‘800 e primo ‘900, così da poterla paragonare all’inconfondibile ventennio, allo sviluppo abitativo massiccio degli anni ’50 e ‘60, fino alle case tecnologiche o minimaliste progettate di recente. Ognuno avrà la propria risposta in merito alle preferenze, tuttavia ci accorgiamo Genius People Magazine

FABIO DE VISINTINI, an eclectic figure in an age of transition. Consultant and lecturer in Communication, Marketing and Innovation, previously a manager in the public and private sectors, journalist, photographer and painter, today he is an entrepreneur dedicated to one of his innovation projects that recovers the culture of the beginning, that of pharmacist first and then aromas expert: chocolate creams emulsified in water.

The disease lying on wait and its consequences are our daily mantra. However, while we’re waiting to see if our post pandemic behaviors are going to be advanced and towards which direction they’re going to be concentrated, we’re learning that, here and there, good can be found underneath the ashes. For example, when we’re walking home with our nose in the air, we now notice that many historic buildings benefit from the facilities for the restoration of facades. It’s an intelligent way to keep activities open and a great opportunity for maquillage.

Restoration gives us the opportunity to discover what architecture from the ‘800 and ‘900 has left us, and to compare it to the unmistakable buildings of the fascist period, to the massive housing development of the 50s and 60s, and to the technologic and minimal houses realized in these last decades.

We all have our own answers as a result of our

EDITORIALE

che è il Tempo a fornirci molti elementi per giudicare: quale stile lascerà traccia di sé, quale saprà farsi apprezzare nei secoli a venire, ma soprattutto chi avrà cercato di dare un reale impulso creativo all’architettura? La domanda è indubbiamente un azzardo, un tanto per provare a distinguere l’arte dall’impeto della standardizzazione o dall’economia costruttiva. Se però non ne fossimo persuasi, potremmo esagerare l’azzardo e far una visita spensierata ai cimiteri delle nostra città, per vedere l’evoluzione estetica e costruttiva delle tombe.

Infatti, sarà facile trovare che la vecchia stele funeraria o la cappella monumentale, affidate spesso alla cura di artigiani o artisti del tempo, con il passare dei decenni sarà diventata opera di geometri razionali ed efficienti (cioè portatori incolpevoli del sentimento del tempo), più a proprio agio con serramenti in alluminio anodizzato e cemento, che con la longeva pietra e le relative decorazioni, se non sculture.

Ma torniamo alle facciate delle case restaurate che ci riportano indietro nel tempo, quasi entrassimo in una scena da film. Spesso giovanotti nottambuli incappucciati le avranno confuse con spazi intonsi, su cui avranno consumato bombolette di vernice spray per scrivere o disegnare cose che avranno un senso per loro, ma si impongono in un contesto e a una platea che forse non hanno saputo considerare o magari hanno volontariamente affrontato con arroganza. È solo un danno per chi ha appena dipinto la facciata o è una nuova forma d’arte? Se andassimo indietro con i writer e la street art di qualche decennio, arriveremmo fatalmente ad alcuni personaggi, come Basquiat, un geniale vagabondo che al tempo (anni ’80) venne dapprima considerato un imbrattatore, salvo farci capire negli anni che era un talento. Oppure Keith Haring, che non ebbe storie molto diverse, ed entrambi, purtroppo, ebbero vita breve, ma un successo non ancora scemato. Due Maestri.

Tutti gli incappucciati con bomboletta, dopo 40 anni, sono Basquiat-Haring o solo imbrattatori?

Chissà, visto che i Maestri, loro malgrado, hanno fatto scuola: in fondo c’è spazio per tutti, compresi noi nel giudicare.

Tuttavia, oggi, in un mondo sempre più allargato e complesso, se non complicato, stiamo paradossalmente vivendo l’era delle semplicistiche generalizzazioni. In teoria, più elevata è la complessità, maggiore dovrebbe essere il ricorso ai distinguo e invece ogni giorno sentiamo dire che gli uomini (tutti) sono così, le donne (tutte) sono colà, i giovani (tutti) vedono lontano, la politica è fatta di

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tastes, but time gives us all the elements to judge: which style will leave its trace, which one will be appreciated in the years to come, and, moreover, who will be remembered for his efforts to give a creative impetus to architecture? It’s clearly just a gamble, an attempt to distinguish art from standardization and from resource-saving economy. But if we weren’t persuaded, we could overstate our hazard and have a walk through our graveyards and have a look to the esthetic and constructive difference of the graves. If you do so, you’ll find out that the old funerary stele and the monumental chapel, often commissioned to artists and craftsmen of the time, after all these years have become the work of rational and efficient surveyors (innocent bearers of the feeling of the time), comfortable with anodized aluminium and concrete, and not with stone and its decorations or sculptures.

But let’s go back to our houses’ restored facades, they take us back in time as if we were inside a movie scene. Hooded night owls may often have mistaken them for untouched and precious spaces over which consume their spray can and write and draw things that make sense to them, but they’re imposing themselves in a context and to a public they don’t consider or towards which they voluntarily want to show arrogance. Are they just damaging whoever has just restored the facade or is it a form of art? If we turned back time to writers and to street art, we would meet a few artists such as Basquiat, a brilliant tramp who’s work, in the ‘80s, was first considered trash and, through the years, was re-considered as art. And this happened to Keith Haring as well, who’s story’s the same, and both had a short life, but their success hasn’t slackened. They are two Masters.

After more than 40 years, are these hooded kids with their spray can other Basquiat-Harings or are they just spray painters and daubers? Who knows… against their will, Masters have marked a new path: there’s room for everyone, even for those willing to judge.

Anyway, today, in a world that’s more and more complex and wide, if not complicated, we’re living in the era of paradox and of simplistic generalizations. In theory, higher the complexity, higher should be the need for distinguos, but instead everyday we hear that men (all of them) are this way, women (all of them) are that way, kids (all of them) are far-sighted, politicians are corrupt, vaccines cause autism, and on with all the other social culture styled banalities, in a world in which consensus magically makes rubbish become the truth.

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FABIO DE VISINTINI

corrotti, i vaccini provocano autismo e altre banalità in stile cultura social, dove il numero di consensi fanno magicamente diventare verità anche la baggianata più grossolana.

Tatuare uno scarafaggio o un teschio in mezzo ad una coscia adolescente e glabra, poi un ritratto della Madonna sulla spalla e il nome del fidanzato in carattere gotico sul collo hanno un senso artistico? È una logica su cui riflettere per capire se abbiamo di fronte un nuovo Van Gogh, tanto per non coglierne l’ immensità solo dopo i suoi miseri funerali, o è semplicemente una confusione figlia di incultura, improvvisazione, moda e emulazione?

Questa provocazione è il tema di riflessione più difficile e, ovviamente , non ha soluzione semplice. Come al tempo di Van Gogh tendiamo a riempirci la bocca di parole e di azioni che fanno modernità, lasciando indietro chi non le capisce o non le pratica, ma fatichiamo a cogliere il vero impulso d’avanguardia artistica, qualora esistesse.

Quindi, anche tra i tatuatori esistono i Maestri che sanno esprimere una nuova (in realtà è antica!) forma espressiva, ma è più facile dire che tutto il tattooing è una forma d’arte, così nessuno ci darà dell’antiquato. Di nuovo sarebbe il Tempo a fornirci gli elementi per giudicare, ma ora il tempo non c’è, perché domani sarà già cambiata la scena e noi la dovremo, volenti o nolenti, cavalcare.

Oggi è difficile stupirsi di qualcosa, anche perché, attraverso la Rete, si può trovare veramente di tutto, compreso il suo contrario, tanto che la famosa Mucca Viola è diventata l’icona del Marketing contemporaneo. Lo stupore applicato all’arte, come un quadro o una foto di 10 metri per 10 ci faranno sempre dire “ohhh” (o forse “wow!” per essere più americani, che fa moderno), ma sappiamo bene che questo non è ancora garanzia d’arte.

E proprio gli americani non lo sanno bene, mentre noi, nipoti di Leonardo e Michelangelo, figli di Versace e Missoni, abbiamo nel DNA qualcosa che altri non hanno. Sarebbe un peccato disperdere questo tesoro. Chissà se stiamo facendo abbastanza per insegnare il valore della creatività o quello dell’arte, che sia per farla o anche per coglierla. O forse qualcuno ci sta convincendo che è un investimento di scarsa efficacia, dato che l’unico valore riconosciuto oggi sembra quello del denaro…

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Do a beatle or a skull tattooed in the middle of a young and hairless thigh, the portrait of the Madonna tattooed on the shoulder next to the boyfriend’s name tattooed in gothic on the neck have any artistic value? It’s a logic we should all think about in order to understand if we stand in front of the new Van Gogh, and capture his greatness after his lousy funerals, or is it just confusion, a fashion caused by ignorance, improvisation and emulation?

This provocation is the hardest part of this discussion and it clearly doesn’t have an easy answer. As it was in Van Gogh’s time, we tend to pay lip service to words and actions that seem modern, leaving those who don’t understand and don’t do the same behind, but we fail to catch and understand true artistic and avant-gard outbursts, whether they exist or not. So, even between tattoo artists we may find Masters that are able to express this new (but ancient!) form of expression, but it’s easier to say that all tattoos are a form of art, so no one will call us old-fashioned. Time should give us the elements to judge, but we now have no time, since tomorrow everything will change again and, willingly or not, we will have to embrace change once again.

Today it’s difficult to be surprised by something, even because we can find anything on the Internet, so much so that the famous Purple Cow has become contemporary Marketing’s icon. When it comes to art, the amazement we feel through a painting or a picture 10x10 will always make us say “ohhh” (or “wow!” as Americans say, and we should say in order to be modern), but we know we shouldn’t take it for granted.

But Americans do, we are the nephews of Leonardo and Michelangelo, the sons and daughters of Versace and Missoni, we have in our DNA something others don’t. And we shouldn’t give away this treasure. I wonder if we’re doing enough to teach creativity’s and art’s value, wether you do art or you look at art. Or maybe someone is convincing us this is a poor investment, since money seem to be the only value we recognize today...

TITO STAGNO

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di/by TITO STAGNO

C i s erv e più spazio

WE NEED MORE SPACE

Telecronista dell’allunaggio del 20 luglio 1969, TITO STAGNO è stato uno dei più popolari conduttori del telegiornale Rai, dagli anni Sessanta al 1994. Commentatore del volo del cosmonauta russo Jurij Alekseevič Gagarin intorno alla Terra, ha seguito le visite dei Capi di Stato stranieri in Italia nella seconda metà del secolo scorso, comprese quelle dei Reali d’Inghilterra e di John Kennedy. Inviato al seguito dei Papi Giovanni XXIII e Paolo VI, nonché dei Presidenti della Repubblica Antonio Segni e Giuseppe Saragat, è stato conduttore della Domenica Sportiva e per 25 anni il responsabile della redazione sportiva della Radiotelevisione Italiana.

M

issione compiuta per Crew 1, l’equipaggio dei record per gli Stati Uniti. Dopo sei mesi trascorsi sulla Stazione Spaziale Internazionale (ISS), i quattro astronauti sono rientrati a Terra. Si tratta degli americani Shannon Walker, la quale è stata al comando della stazione orbitale, Michael Hopkins, Victor Glover e del giapponese Soichi Noguchi, dell’agenzia spaziale Jaxa.

Se la notizia più importante è che si tratta della missione di durata più lunga per un veicolo spaziale statunitense dall’ultima missione Skylab del 1974, la vera novità è che per la prima volta una Genius People Magazine

Main TV presenter of the moon landing on 20 July 1969, TITO STAGNO was one of the most popular anchors of Rai (Italian RadioTelevision) from the 60s to 1994. He was the TV commentator of the flight of Russian cosmonaut Jurij Alekseevič Gagarin around the Earth and he followed the visits of foreign Heads of State in Italy in the second half of the last century, including those of the Royal Family of England and John Kennedy. Special Envoy of Popes John XXIII and Paul VI, as well as the Presidents of the Republic Antonio Segni and Giuseppe Saragat, he was also hosted Domenica Sportiva. For 25 years he was in charge of the sports editorial office of Rai.

Mission accomplished for Crew 1, the record-breaking crew from the United States. After six months on the International Space Station (ISS), the four astronauts have returned to Earth. They are the Americans Shannon Walker, who was in charge of the orbital station, Michael Hopkins, Victor Glover and the Japanese Soichi Noguchi, of the Japan Aerospace Exploration Agency (JAXA).

If the most important news is that this is the longest mission for a U.S. spacecraft since the last Skylab mission in 1974, the real news is that, for the first time, a long mission in low-Earth orbit was carried out by SpaceX, a private company operating on be-

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In foto Tito Stagno

missione lunga in orbita bassa terrestre è stata compiuta dalla SpaceX, un’azienda privata che ha operato per conto della Nasa, l’agenzia spaziale statunitense. Ma non è tutto: i quattro astronauti, dopo circa sei mesi passati sulla ISS, sono ammarati nel corso della notte di fronte alle coste di Panama City, in Florida, costituendo, di fatto, il primo ammaraggio notturno per un veicolo statunitense sin dai tempi della missione Apollo 8 che, ricordo bene, era avvenuta nel dicembre del 1968.

Occhi puntati, quindi, su quello che accadrà dopo la prima missione operativa della navetta Crew Dragon della SpaceX, ma attenzione deve essere rivolta anche alla missione su Marte. Si tratta di un viaggio lungo che richiede un veicolo spaziale ben diverso da quello utilizzato per la Luna. Tra le criticità c’è il carburante, (e mi riferisco alla quantità di carburante necessaria per raggiungere il Pianeta Rosso) anche se l’elemento fondamentale è l’equipaggio: bisogna comprendere bene quelle che devono essere le caratteristiche fisiche degli

half of NASA, the U.S. space agency. But that’s not all: the four astronauts, after about six months on the ISS, have landed on water in the dark in the Gulf of Mexico, near Panama City, Florida. It’s NASA’s first nighttime splashdown since the Apollo 8 mission, back in December 1968.

The whole world will be closely observing what will happen after the first operational mission of SpaceX’s Crew Dragon capsule, but we mustn’t forget the mission to Mars. This is a long journey that requires a spacecraft quite different from the one used for the Moon. One critical issue concerns the fuel, (and I refer to the amount of fuel needed to reach the Red Planet), although the crew is the mission’s paramount element: we must understand what the astronauts’ physical condition must be, and, above all, their technical-scientific knowledge.

I often wonder what the Mars landing will be like, and inevitably, I think of man’s first landing on the Moon, and I remember it as if it had happened in recent times. With details that seem engraved in my mind. The conquest of the Moon, back in 1969, Genius People Magazine

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TITO STAGNO

astronauti e, soprattutto, le loro conoscenze tecnico-scientifiche.

Spesso mi chiedo come sarà lo sbarco su Marte e, inevitabilmente, penso al primo sbarco dell’uomo sulla Luna rivivendolo come fosse accaduto in tempi recenti. Con dettagli che sembrano incisi nella mia mente. La conquista della Luna, in quel lontano 1969, è stato uno degli eventi più importanti della storia, se non il più importante. Ad ospitare la diretta televisiva fu l’ormai mitico studio 3 di via Teulada: una maratona televisiva che tenne milioni di italiani incollati alla tv per circa trenta ore, facendo registrare ascolti da record e culminata con l’annuncio “ha toccato” che alimentò un battibecco sulla tempistica con l’amico e collega Ruggero Orlando in collegamento da Houston, un’incomprensione frutto delle emozioni dello storico evento, anche se possiamo affermare che entrambi avevamo ragione.

Dopo oltre cinquant’anni dallo sbarco sulla Luna, e dopo l’ottimo successo della missione nello Spazio compiuta Crew 1 per la SpaceX, l’uomo sembra puntare al turismo spaziale, anche se possiamo dire che il viaggio spaziale è già una realtà, anche se altra cosa è l’esplorazione della Luna. Non c’è dubbio che l’uomo tornerà presto sulla Luna perché il nostro satellite farà da trampolino per altre destinazione. Non è escluso che il primo equipaggio a sbarcare sul nostro satellite sarà cinese.

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was one of the most important events in history, if not the most important. The now legendary studio 3 in via Teulada hosted the live television broadcast: a television marathon that kept millions of Italians glued to the TV for about thirty hours, with record ratings and with that final announcement “it landed” that caused a squabble over timing with my friend and colleague Ruggero Orlando in Houston, a misunderstanding due to the emotions of the historic event, although we can say that we were both right.

After more than fifty years since the Moon landing, and after the great success of the SpaceX Crew-1 mission, man seems to aim at space tourism. Although space travel is already a reality, the exploration of the Moon is a different thing. There is no doubt that man will soon return to the Moon, which will soon become our new base for future missions.

And perhaps the next crew to land on our satellite will be Chinese.

Realizzare i tuoi progetti è il nostro obiettivo.

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REDAZIONE GENIUS

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di/by REDAZIONE GENIUS

G EOAD R IAT ICO Il simposio internazionale che accende i riflettori sul presente con uno sguardo al futuro del Pianeta

GEOADRIATICO The international symposium that turns the spotlight on the present with an eye to the future of our Planet

Diplomazia, economia, scienza e religioni sono i temi centrali di GeoAdriatico, il simposio internazionale ospitato a Trieste, città dalla vocazione mitteleuropea, porta verso l’Oriente nonché ponte che unisce il Mediterraneo al nord Europa. L’identità multietnica e multiconfessionale del capoluogo del Friuli Venezia Giulia, costruito attraverso secoli di pacifica convivenza tra diverse culture e religioni, vuole essere un esempio di integrazione e dialogo internazionale, e, con GeoAdriatico, un laboratorio unico al mondo

I

n un periodo di inizio del XXI secolo, caratterizzato non solo dal Covid 19 ma anche da tensioni e fazionalismi esasperati, riportare il dialogo al centro delle scelte politiche, economiche e culturali è una delle priorità di GeoAdriatico (www.geoadriatico). Il simposio internazionale, ideato dalla Vitale Onlus (www.vitaleonlus.it), è per vocazione un contenitore senza bandiere in cui declinare le tematiche di attualità e accendere i riflettori sul presente con uno sguardo al futuro del Pianeta. A GeoAdriatico si discute del ruolo dell’Italia nel nuovo ordine mondiale della geopolitica, nonché dell’importanza del G20 quale piattaforma per cooperare proficuamente su temi globali. Persone, Pianeta e Prosperità sono, infatti, i tre pilastri che “sostengono” il programma di laGenius People Magazine

Diplomacy, economics, science and religions are GeoAdriatico’s main themes. This international symposium will be hosted in Trieste, a city with a Mitteleuropean vocation, a gateway to the East and a bridge that connects the Mediterranean to Northern Europe. The multiethnic and multiconfessional identity of the capital of Friuli Venezia Giulia, built through centuries of peaceful coexistence between different cultures and religions, wants to be an example of integration and international dialogue, and, through GeoAdriatico, a unique laboratory in the world.

With the beginning of the 21st century, characterized not only by Covid 19 but also by tensions and exasperated factionalism, GeoAdriatico’s (www. geoadriatico) priority is to bring dialogue back to the center of political, economic and cultural choices. The international symposium, created by Vitale Onlus (www.vitaleonlus.it), is by vocation a container without flagships in which to decline the current issues and turn the spotlight on the present with an eye to the future of the planet. At GeoAdriatico we discuss the role of Italy in the new world order of geopolitics and of the importance of the G20 as a platform for fruitful cooperation on global issues. People, Planet and Prosperity are the three pillars that “support” Italy’s work program: on December 1, Italy hold the presidency of the interna-

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voro dell’Italia che, lo scorso 1° dicembre, ha assunto la presidenza del forum internazionale dei leader, dei ministri delle finanze e dei governatori delle banche centrali dei Paesi più industrializzati al mondo ai quali si aggiunge l’Unione europea.

TEMI - Partendo dall’esempio del Porto di Trieste, GeoAdriatico approfondisce non solo tematiche relative a trasporti e infrastrutture, ma anche attinenti agli investimenti e alla finanza internazionale. Al centro del dibattito ci sono anche le guerre e le migrazioni, come altri temi di un’Unione europea in declino e non sempre capace di reagire alle nuove sfide della globalizzazione. La comunità internazionale, con le sue problematiche aggravate dalla pandemia da coronavirus, ha la necessità di sviluppare un dialogo comune tra tutte le componenti sociali, ha bisogno di un confronto tra diplomatici, scienziati, accademici, ma anche giovani ricercatori e studenti universitari, ragazze e ragazzi che a GeoAdriatico hanno la possibilità di dimostrare qualità e capacità. Anche in questo senso, GeoAdriatico pone al centro il dialogo,

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tional forum of leaders, finance ministers and central bank governors of the most industrialized countries in the world to and of the European Union.

THEMES - Starting from the example of the Port of Trieste, GeoAdriatico explores the issues related to transport and infrastructure and to investment and international finance. The debate revolves around wars and migrations as well, and around the other issues of a European Union in crisis and unable to react to globalization’s new challenges. The international community, whose problems have been worsten by the coronavirus pandemic, needs to develop a common dialogue among all its social components. A confrontation among diplomats, scientists, academics, but also young researchers and university students, girls and boys, that at GeoAdriatico have the opportunity to show their qualities and skills, is needed. GeoAdriatico places intergenerational dialogue at its center in order to give the youngest the opportunity to measure themselves on an important stage, to gain experience and grow.

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REDAZIONE GENIUS

questa volta intergenerazionale, con l’intento di concedere ai più giovani la possibilità di misurarsi con un palcoscenico di rilievo, acquisire esperienza e maturare.

PARTNER - Direzione Generale della Cooperazione e Sviluppo del ministero degli Affari esteri e della Cooperazione internazionale, Istituto Studi Politica Internazionale (ISPI), Università degli Studi di Trieste (UniTS), Scuola Internazionale Superiore di Studi Avanzati (SISSA), Area Science Park, Centro Internazionale di Fisica Teorica Abdus Salam (ICTP), Istituto Nazionale di Oceanografia e di Geofisica Sperimentale (OGS), Accademia mondiale delle Scienze dei Paesi in via di sviluppo (TWAS), Collegio del Mondo Unito dell’Adriatico (UWC), Autorità di Sistema Portuale del Mare Adriatico Orientale, International Centre for Genetic Engineering and Biotechnology (ICGEB), BCC Staranzano Villesse, Camera di Commercio Venezia Giulia, Corpo Consolare di Trieste, Fincantieri, Accademia mondiale delle Scienze per il progresso scientifico nei Paesi in via di sviluppo (TWAS) e Trieste Airport.

FORMAZIONE - GeoAdriatico ospita un modulo dell’edizione 2021 dell’International Summer School Sustainable Blue Economy in the EuroMediterranean Region che, organizzata da OGS (Istituto Nazionale di Oceanografia e di Geofisica Sperimentale) e da EMUNI (Euro Mediterranean University), ha l’obiettivo di formare ricercatori e giovani studenti che, provenienti da tutto il mondo a Trieste e Pirano (Slovenia), guardano al mare come un elemento imprescindibile per il futuro delle società. Nello specifico, gli allievi della Summer School 2021 che parteciperanno a GeoAdriatico provengono da Albania, Algeria, Bulgaria, Croazia, Egitto, Italia, Libano, Libia, Marocco, Palestina, Spagna, Tunisia, Slovenia e Serbia.

BORSA DI STUDIO - La Vitale Onlus bandisce annualmente la borsa di studio per la Pace Nelson Mandela rivolta agli studenti del Collegio del Mondo Unito dell’Adriatico, i quali, durante la permanenza in Italia, e nel rispetto delle multiculturalità, hanno saputo essere Ambasciatori per la Pace.

La borsa di studio, che prima della pandemia da Covid-19 veniva consegnata al Gran Galà di Primavera della Vitale Onlus sotto l’Alto Patrocinio della Camera dei Deputati, nel 2021 viene consegnata nel corso del simposio internazionale GeoAdriatico. I finalisti 2021 sono Mahmoud Mohamed Genius People Magazine

PARTNERS - General Directorate for Cooperation and Development of the Ministry of Foreign Affairs and International Cooperation, Institute for International Political Studies (ISPI), University of Trieste (UniTS), International School for Advanced Studies (SISSA), Area Science Park, Abdus Salam International Centre for Theoretical Physics (ICTP), Istituto Nazionale di Oceanografia e di Geofisica Sperimentale (OGS), World Academy of Sciences of Developing Countries (TWAS), United World College of the Adriatic (UWC), Autorità di Sistema Portuale del Mare Adriatico Orientale, International Centre for Genetic Engineering and Biotechnology (ICGEB), BCC Staranzano Villesse, Camera di Commercio Venezia Giulia, Corpo Consolare of Trieste, Fincantieri, Accademia mondiale delle Scienze per il progresso scientifico nei Paesi in via di sviluppo (TWAS) and Trieste Airport.

TRAINING - GeoAdriatico presents a module of the 2021 edition of the International Summer School Sustainable Blue Economy in the Euro-Mediterranean Region. It was organized by OGS (National Institute of Oceanography and Experimental Geophysics) and EMUNI (Euro Mediterranean University) and it aims to train researchers and young students from all over the world in Trieste and Pirano (Slovenia): sea is as an essential element for the future of societies. Specifically, the students of the Summer School 2021 who will participate in GeoAdriatico come from Albania, Algeria, Bulgaria, Croatia, Egypt, Italy, Lebanon, Libya, Morocco, Palestine, Spain, Tunisia, Slovenia and Serbia.

SCHOLARSHIP - Vitale Onlus annually announces the Nelson Mandela Peace Scholarship addressed to the students of the United World College of the Adriatic, who, during their stay in Italy, and in respect of multiculturalism, have been able to be Ambassadors for Peace. The scholarship, that before the Covid-19 pandemic was assigned at the Vitale Onlus Spring Gala under the High Patronage of the Chamber of Deputies, in 2021 will be assigned during the GeoAdriatic International Symposium. The 2021 finalists are Mahmoud Mohamed Ahmed Mohamed Ali (Egypt), Naama Reznik (Israel), Abdullah Korra (Gambia), Alexandra Barančíková (Slovakia) and Mateo Sušić (Bosnia and Herzegovina).

FUTURE - Building a safer and more sustainable world seems to be the future goal that will develop in the shadow of American’s transition, from the Trump presidency to the Biden presidency. This

EDITORIALE

Ahmed Mohamed Ali (Egitto), Naama Reznik (Israele), Abdullah Korra (Gambia), Alexandra Barančíková (Slovacchia) e Mateo Sušić (Bosnia ed Herzegovina).

FUTURO – Sviluppare un mondo più sicuro e sostenibile sembra essere l’obiettivo futuro che si svilupperà all’ombra di un’America la cui transizione, con il passaggio dalla presidenza Trump a quella Biden, sarà importante per le cosiddette democrazie liberali, in particolare modo per quelle europee, e, questo, consentirà, altresì, di sostenere la ripresa economica e affrontare le nuove disuguaglianze sociali alimentate dal Covid 19. Una sfida europea che segue un parallelismo con gli annunci fatti nel corso della campagna elettorale delle Presidenziali 2020 negli Stati Uniti d’America, momento in cui i riflettori sono stati accesi sulla transizione energetica per combattere i cambiamenti climatici, nonché sulle immense opportunità offerte dalla digitalizzazione. Con il G20 l’Italia ha una grande opportunità, e cioè quella di gettare il seme di un’autonomia europea, si potrebbe definire un’autonomia strategica, che nel rispetto del solido legame con il Paese a stelle e strisce determinerà un equilibrio nei rapporti multilaterali soprattutto, oggi, quando l’Europa e gli Stati Uniti hanno un comune obiettivo che si declina con lotta alla pandemia e rilancio dell’economia, un obiettivo che dovrà favorire il disgelo dei rapporti su cui costruire una nuova partnership.

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changeover will be important for the so-called liberal democracies, especially the European ones, in order to support the economic recovery and to face the new social inequalities fueled by Covid 19. This European challenge follows the announcements made during the 2020 Presidential election campaign in the United States of America, when the spotlight was turned on energy transition in order to fight climate change and on the opportunities offered by digitalization. With the G20 Italy has a great opportunity: to start European autonomy. A strategic autonomy, that in respect of its strong bond with the United States, will lead to a balance in multilateral relations. Especially today, when Europe and the United States have a common goal: the fight against the pandemic and the revitalization of the economy. In order to reach these goals relationships must be restored and a new partnership must be built.

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di/by ALESSANDRO HUBER

L a n atu r a è arte!

“The Earth without Art is just eh!”

NATURE IS ART! “The Earth without Art is just eh!”

ALESSANDRO HUBER (Bressanone, 4 gennaio 1984), Product Marketing Manager per il Consorzio Skicarosello Corvara e i parchi Movimënt in Alta Badia, membro del comitato della “Maratona dles Dolomites” e collaboratore del OC Ski World Cup Alta Badia.

H

o letto questa frase lo scorso anno durante il periodo di lockdown tra aprile e maggio 2020. Si stava per concludere la prima fase di questa epidemia che ancora oggi, dopo un anno, ci rende la vita difficile. Qui in Alta Badia, a quel tempo, si parlava della possibile ripartenza e dei nuovi progetti per l’imminente stagione estiva. Tra gli argomenti principali di discussione c’era la conferma dello svolgimento della Maratona dles Dolomites - Enel. Per chi non la conoscesse, la “Maratona” è uno dei principali eventi internazionali di cicloturismo. Ormai da più di 30 anni, è un appuntamento ambito e voluto da tutti gli amanti delle due ruote e non solo.

Per noi, che in Alta Badia ci viviamo, la Maratona viene percepita come una festa del ciclismo. Una settimana dedicata alle due ruote, che grazie alla partecipazione di ciclisti da tutto il mondo, porta in valle un’atmosfera particolare, per certi versi magica. Un ritrovo di persone che hanno un interesse comune. Credo che chiamare questo interesse solamente “ciclismo” sia un po’riduttivo. La Genius People Magazine

ALESSANDRO HUBER (Bressanone, January 4 1984), Product Marketing Manager for the Consorzio Skicarosello Corvara and the Movimënt Alta Badia parks, member of the “Maratona dles Dolomites” committee and collaborator of the OC Ski World Cup Alta Badia.

I read this sentence for the first time last year during March’s and April’s lockdown. The first phase of the pandemic that still today is making our living hard was coming to an end.

At the time, here, in Alta Badia, we were talking about our possible new start and about summer season’s projects. One of our main topics was the confirm of Maratona dles Dolomites - Enel.

For those who don’t know it, the “Maratona” is one of cycling’s main international events. For more than 30 years it has been a popular and coveted appointment for two wheels lovers, and not just them.

For us, living in Alta Badia, the Maratona is seen as cycling’s party. A whole week is dedicated to two wheels and, with the participation of cyclers from all over the world, the valley is shrouded in a special atmosphere, it’s magical.

It’s a reunion for people with a common interest.

And I think that saying the common interest is just “cycling” is an understatement. For the over 9.000 participants that each year are at the start, bicycles

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“La natura, con il suo linguaggio unico e per certi versi universale, ha la capacità di comunicare a chi ha la voglia di ascoltarla. Le Dolomiti hanno un messaggio per tutti coloro che le rispettano e le amano.”

“Through its unique and universal language, nature is able to communicate with those willing to listen.”

bicicletta per i 9.000 partecipanti che ogni anno sono al via, è sicuramente la passione della vita. La bicicletta è il mezzo che rende questa esperienza possibile. È il linguaggio comune, che tutti i partecipanti capiscono e sentono parte di loro.

Ma dietro a questo mezzo a due ruote c’è molto di più. C’è un’esperienza da provare insieme ad amici o persone care. C’è la voglia di fare sport, sudare per realizzare qualcosa di unico. Ci sono poi le Dolomiti che circondano il percorso e che sono emozione pura. Le Dolomiti parlano dolcemente a chi pedala nel loro cuore. A mio avviso, solo loro, valgono il viaggio. Per me, queste montagne sono IL vero motivo per partecipare alla Maratona. La fatica di arrivare al traguardo tra queste vette uniche, si trasforma in piacere ed estasi. La natura, con il suo linguaggio unico e per certi versi universale, ha la capacità di comunicare a chi ha la voglia di ascoltarla. Le Dolomiti hanno un messaggio per tutti coloro che le rispettano e le amano.

Ed è a questo punto che, per certi versi, sento la Maratona come un’opera arte. Ed è per questo motivo che possiamo mettere in relazione il linguaggio della Maratona e dei suoi partecipanti con l’arte. L’arte è un linguaggio, la capacità di esprimersi attraverso emozioni. La libertà di esprimersi attraverso la creatività, a volte dura, incompresa, ma sempre sincera. Mi piace pensare alla Maratona come a qualcosa che, tramite la bellezza delle Dolomiti, dia un messaggio a tutti i partecipanti, come l’arte parla a chi la osserva e l’ascolta.

Il mondo è natura e la natura è arte. Il mondo senza arte è solo un sospiro, un “eh” vuoto. Un inter-

are the passion of a lifetime. Bicycles are the means that make this event possible.

It’s our common language, and each participant understands it and feels it as part of themselves.

Behind this two wheel vehicle there’s so much more.

It’s an experience that must be lived together with friends and family.

It’s a moment to do sports, sweat and do something unique. And the Dolomites surround the itinerary and are pure emotion.

The Dolomites talk tenderly to those who cycle in their heart.

To me, they worth the whole journey. These mountains are THE reason to come to the event.

All the fatigue to get to the finish line turns into bliss and pleasure. Through its unique and universal language, nature is able to communicate with those willing to listen.

The Dolomites have a message for those who respect them and love them.

And this is why, in a certain way, I feel the Maratona as a piece of art. And this is why the language of the Maratona and of its participants is related to Art. Art’s a language, it’s a way to communicate through emotions. It’s the freedom to express ourselves through creativity, in a sometimes raw, misunderstood nut sincere way.

I like to think of the Maratona as something that, through the Dolomite’s beauty, is able to convey a message to all its participants, as art does with those who listen and look.

The world is nature and nature is art. A world without art is just a whisper, an empty “eh”.

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calare quando non sappiamo cosa dire, non riusciamo ad esprimerci.

L’arte per me è comunicare, la natura comunica e grazie ad arte e natura ripartiremo ancora più forti.

Con questa voglia in Alta Badia stiamo pensando a una stagione estiva in cui il rispetto è un concetto fondamentale. Magari gli abbracci non saranno ancora consentiti, ma gli sguardi saranno ancora più intensi. Uno sguardo a volte può essere più caldo di un abbraccio. Può fare capire mille cose e farci sentire ancora più uniti. Tra gli spazi immensi della montagna questa estate, quando ci incroceremo tra i sentieri sterrati a piedi o in sella alla propria bicicletta, scambiamoci uno sguardo vero, salutiamoci guardandoci negli occhi. Ci sentiremo ancora più vicini.

Nel 2020 la Maratona, come sappiamo, non ha avuto luogo ed è rimasta un’opera incompiuta.

Purtroppo la situazione, ad oggi (fine marzo 2021), non permette ancora di programmare con certezza il futuro. La speranza per tutti è quella di poter ultimare l’opera. Un segnale di ripartenza con rispetto e consapevolezza verso un mondo che ha bisogno di arte e bellezza.

Genius People Magazine

An exclamation we use when we have nothing left to say, and when we don’t know how to express ourselves.

To me, art is communication and nature communicates, and thanks to art and nature we’ll be able to start again stronger than before.

With these feelings, in Alta Badia we’re thinking about the next summer season and we want respect to be its main focus.

Maybe hugs won’t be allowed, but our eyes will be brighter.

And looks, sometimes, can be better hugs. They can tell us many different things and make us feel more unite.

This summer, in the mountain’s immense spaces, when we’ll meet by foot or on our bikes on a path, let’s look into eachother’s eyes and greet.

We will feel closer.

PIETRO GURIAN

di/by PIETRO GURIAN

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I L B IL AN C I O D’ESERCIZIO AI T EMPI DEL COV ID- 19

THE FINANCIAL STATEMENTS AT THE TIME OF COVID-19

PIETRO GURIAN, dottore commercialista e revisore legale, relatore in corsi di specializzazione, ricopre cariche in consigli di amministrazione e collegi sindacali. Qualificato professionista, con un’esperienza passata in una big four, KPMG, attualmente si occupa di consulenza in materia fiscale, societaria e di revisione legale.

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In questi mesi le assemblee dei soci si trovano a dover approvare il bilancio d’esercizio chiuso al 31/12/2020 e la pandemia Covid-19 ha inciso su molti bilanci societari portandoli così in perdita. Per fortuna la perdita conseguita nell’esercizio chiuso al 31 dicembre 2020 potrà essere “congelata” nei prossimi cinque bilanci d’esercizio e sortire effetti solo a partire dall’esercizio 2025. Ne consegue che per l’esercizio chiuso al 31 dicembre 2020 sono di fatto sospesi gli effetti di tutti gli articoli del Codice Civile che impongono a società con perdite rilevanti l’alternativa tra la ricapitalizzazione o l’accertamento di una causa di scioglimento ex art. 2484 c.c.

Questo è quanto stabilito con la Legge di Bilancio 2021 (L.178/2020) che sostituisce l’art. 6 del D.L. 23/2020. Le disposizioni ordinarie del Codice Civile prevedono (agli artt. 2446 per le S.p.a e 2482-bis per le S.r.l.) che laddove il capitale sia diminuito di oltre un terzo per perdite, gli amministratori debGenius People Magazine

PIETRO GURIAN, chartered accountant and statutory auditor, supervisor in specialization courses, holds positions on boards of directors and boards of auditors. Qualified professional, with past experience in a big four, KPMG, he currently deals with consulting in tax, corporate and statutory auditing matters.

In recent months, the shareholders’ meetings had to approve the financial statements closed on 31/12/2020, and the Covid-19 pandemic has affected many corporate financial statements leading them to a loss. Fortunately, the loss referred to the financial year ended on December 31, 2020 may be “frozen” for the next five financial statements and take effect only starting from the financial year 2025. It follows that for the financial year ended on December 31, 2020 the effects of all the articles of the Civil Code which impose to companies with significant losses the alternative between the recapitalization or the ascertainment of a cause for dissolution pursuant to art. 2484 of the Italian Civil Code are suspended.

This is what is established with the 2021 Budget Law (L.178 / 2020) which replaces art. 6 of the D.L. 23/2020. The ordinary provisions of the Civil Code provide (in articles 2446 for the S.p.a and 2482-bis for the S.r.l.) that where the capital has decreased

EDITORIALE

bano senza indugio convocare l’assemblea per gli opportuni provvedimenti. Se entro l’esercizio successivo la perdita non risulta diminuita a meno di un terzo, l’assemblea ordinaria che approva il bilancio di tale esercizio dovrà ridurre il capitale in relazione alle perdite accertate.

Nei casi più gravi, nei quali per la perdita di oltre 1/3 del capitale questo si riduce al di sotto del minimo legale (ai sensi degli artt. 2447 e 2482 ter del Codice Civile), gli amministratori e nel caso di loro inerzia i sindaci, devono convocare l’assemblea per deliberare la riduzione del capitale ed il contemporaneo aumento, al minimo legale, oppure la trasformazione della società o lo scioglimento della stessa.

L’attuale deroga, in merito alle perdite subite dalle società di capitali nell’esercizio chiuso al 31 dicembre 2020, prevede che queste ultime potranno essere coperte entro i termini di approvazione del bilancio 2025 (il quinto esercizio successivo a quello in cui sono realizzate). Tale termine vale sia per le perdite che superano il terzo del capitale, ma che non portano lo stesso al di sotto del minimo legale, sia che per quelle che, oltre a superare il terzo del capitale, portano lo stesso al di sotto del limite legale. Il termine dell’approvazione del bilancio 2025, ovvero la primavera/estate del 2026, dovrà essere inteso come ultimo termine, salvo diverse nuove disposizioni di legge.

L’auspicio è che nel corso del quinquennio di ”grazia” le Società impattate negativamente dal Covid-19 possano recuperare ricavi e margini assorbendo, in tutto o in parte, la perdita straordinaria generata dalla crisi pandemica globale.

L’assemblea che accerta la perdita rilevante dovrà essere convocata senza indugio, sia nei casi indicati dall’art. 2446 c.c. (2482-bis per le S.r.l.) per rinviare la copertura della perdita di oltre un terzo del capitale, che nei casi previsti dall’art. 2447 c.c.

(2482-ter per le S.r.l.) per il rinvio della decisione di ricapitalizzazione immediata della Società o, in alternativa, della sua trasformazione o scioglimento. L’assemblea potrà legittimamente deliberare di rinviare le decisioni fino alla chiusura dell’esercizio 2025.

Le perdite che beneficiano della deroga in oggetto devono essere distintamente indicate nella nota integrativa con specificazione, in appositi prospetti, della loro origine nonché delle movimentazioni intervenute nell’esercizio.

La logica di quest’ultima disposizione è legata all’obbligo normativo di tenere distinte le perdite che godono della temporanea sospensione quin-

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by more than one third due to losses, the directors must immediately call the meeting for the appropriate measures. If within the following year the loss has not decreased to less than one third, the ordinary shareholders’ meeting which approves the financial statements for that year will have to reduce the capital in relation to the ascertained losses.

In the most serious cases, in which for the loss of more than 1/3 of the capital this is reduced below the legal minimum (pursuant to articles 2447 and 2482 ter of the Civil Code), the directors and in the case of their inaction the statutory auditors, must call the assembly to resolve on the reduction of the capital and the simultaneous increase, to the legal minimum, or the transformation of the company or the dissolution of the same.

The current derogation, regarding the losses suffered by companies in the financial year ended 31 December 2020, provides that the latter can be covered within the terms of approval of the 2025 financial statements (the fifth financial year following the one in which they are realized). This term is valid both for losses that exceed one third of the capital, but which do not bring it below the legal minimum, and for those which, in addition to exceeding one third of the capital, bring it below the legal limit. The deadline for approving the 2025 financial statements, that is the spring / summer of 2026, must be understood as the last deadline, unless otherwise specified by the law.

The hope is that during the five-year “grace” period, the companies negatively impacted by Covid-19 will be able to recover revenues and margins by absorbing, in whole or in part, the extraordinary loss generated by the global pandemic crisis.

The meeting that ascertains the significant loss must be called without delay, both in the cases indicated in art. 2446 of the Italian Civil Code (2482bis for S.r.l.) to postpone the coverage of the loss of more than one third of the capital, which in the cases provided for by art. 2447 of the Italian Civil Code (2482-ter for S.r.l.) for the postponement of the Company’s immediate recapitalization decision or, alternatively, its transformation or dissolution. The shareholders’ meeting may legitimately resolve to postpone the decisions until the end of the 2025 financial year.

The losses benefiting from the exemption in question must be indicated separately in the explanatory notes specifying, in specific tables, their origin as well as the changes that took place during the year.

The logic of this latter provision is linked to the regulatory obligation to keep separate the losses that Genius People Magazine

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quennale dalle altre perdite eventualmente accertate nel corso del quinquennio di sospensione e che non rientrano nello stesso regime. In altri termini, mentre la perdita emersa al 31 dicembre 2020 non determina l’obbligo di ridurre il capitale (ex artt. 2446 e 2482 bis c.c.) o di ricapitalizzazione o liquidazione (ex artt. 2447 e 2482 ter c.c.), eventuali perdite conseguite in successivi esercizi, se rilevanti autonomamente, dovrebbero seguire le regole ordinarie.

La disposizione in oggetto si ricollega all’art. 2427, comma 1, n. 7-bis c.c. che, nel dettare i contenuti della nota integrativa, richiede che le voci del patrimonio netto siano analiticamente indicate, con specificazione in appositi prospetti della loro origine, possibilità di utilizzazione e distribuibilità, nonché della loro utilizzazione nei periodi precedenti. Nel caso in esame è dunque fondamentale dare nei prospetti di nota integrativa riguardanti il patrimonio netto (anche quelli degli esercizi successivi a quello del 2020) separata indicazione della perdita dell’esercizio 2020, e dell’eventuale parziale o totale ripiano, avvenuto tramite utili e/o versamenti dei soci.

Genius People Magazine

enjoy the temporary five-year suspension from other losses that may be ascertained during the fiveyear suspension and that do not fall under the same regime. In other words, while the loss that emerged at 31 December 2020 does not lead to the obligation to reduce the capital (pursuant to articles 2446 and 2482 bis of the Italian Civil Code) or to recapitalize or liquidate (pursuant to articles 2447 and 2482 ter of the Italian Civil Code), any losses incurred in subsequent financial years, if relevant independently, they should follow the ordinary rules.

The provision in question is linked to art. 2427, paragraph 1, n. 7-bis of the Italian Civil Code which, in dictating the contents of the explanatory notes, requires that the items of the shareholders’ equity be analytically indicated, with specification in specific tables of their origin, possibility of use and distribution, as well as of their use in previous periods.

VALORI Messaggio pubblicitario con finalità promozionale.

FEDERICO VOZZA

di/by FEDERICO VOZZA

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L a r il evanza delle donne n ei p r o c essi i n ter n azionali di pace: L’ Ital i a e le attiv ità nel Med i ter r aneo THE RELEVANCE OF WOMEN IN INTERNATIONAL PEACE PROCESSES: ITALY AND THE ACTIVITIES IN THE MEDITERRANEAN

Classe 1998, è nato e cresciuto a Trieste, dove ha conseguito il diploma di laurea in Scienze Internazionali e Diplomatiche, e parla tre lingue fluentemente. Si interessa di relazioni internazionali e comunicazione diplomatica, ed è appassionato di geopolitica dell’Unione Europea e del Mediterraneo, ma anche dell’Asia, con particolare riferimento al contesto sociopolitico della Repubblica Popolare Cinese.

I

Il ventunesimo secolo si sta dimostrando un’epoca rivoluzionaria, intrisa di cambiamenti costanti che coinvolgono soprattutto le diverse strutture sociali e politiche su cui è fondato il mondo che conosciamo. Sono molti, infatti, i risultati raggiunti grazie alla globalizzazione e all’enorme progresso tecnologico. Eppure, per quanto possiamo considerarci avanzati, senza la promozione e il raggiungimento di una piena e onnicomprensiva parità di genere non possiamo definirci realmente evoluti.

Tale concetto è maggiormente comprensibile se si analizza la sua più grande espressione a livello internazionale: il quinto Obiettivo per lo Sviluppo Sostenibile dell’Agenda 2030 dell’ONU. Conosciuto come SDG 5 Gender equality, esso è imperniato sull’affermazione non solo di pari condizioni socioeconomiche e politiche per le donne, ma anche di pari opportunità in tutti gli ambiti. L’SDG 5, Genius People Magazine

Born in 1998, he has been living in Trieste, where he graduated in International and Diplomatic Studies, and he speaks three languages fluently. He is interested in international relations and diplomatic communication, and he is an enthusiast of the geopolitics of the European Union and the Mediterranean, but also of Asia, notably of the socio-political context of the People’s Republic of China.

The 21st century is proving to be a revolutionary age, imbued with persistent changes that involve notably the different social and political structures upon which the world is founded. Indeed, thanks to globalization and to the massive technological progress many goals have been achieved. Still, no matter how much advanced we deem ourselves, without the promotion and the achievement of a full and all-inclusive gender equality we cannot be really evolved.

Such concept is more comprehensible if its greatest expression at the international level is analysed: the fifth Sustainable Development Goal of the UN 2030 Agenda. Known as the SDG 5 Gender equality, it is based on the affirmation of not only equal socioeconomic and political conditions for women, but also of equal opportunities in every field. Moreover, the SDG 5 is even more fundamental if it is studied together with the other SDGs, which trace

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inoltre, è ancora più fondamentale se analizzato insieme agli altri SDG, che indicano la strada da percorrere, definendo le priorità su cui è necessario ora più che mai che tutti, organizzazioni internazionali, Stati, comunità e individui compresi, investano.

Questo vale anche per settori non sempre al centro dei dibattiti pubblici: la diplomazia e la sicurezza internazionale. Nel corso degli ultimi vent’anni, a partire dalla Risoluzione 1325 del 2000, le Nazioni Unite stesse hanno più volte sottolineato l’importanza dell’inclusività delle donne nelle relazioni diplomatiche e in tutti i processi che ruotano attorno ai conflitti armati, dalla prevenzione alla stabilizzazione post-conflittuale. Su tali presupposti si fondano le nuove matrici che indirizzano sempre di più la politica estera di molti Paesi occidentali, e non solo, verso un approccio femminista. Fra questi vi è anche l’Italia, che, grazie al sostegno fornito dall’Unione Europea, è impegnata per la promozione di tale visione in tutta l’area del Mediterraneo.

Ma cosa significa e implica oggi adottare una politica estera femminista? Vuol dire porre al centro dell’azione diplomatica i diritti e l’eguale rappresentanza delle donne e degli altri gruppi marginalizzati, considerati come elementi fondamentali per perseguire in modo strutturale la sicurezza umana e la crescita sostenibile dei contesti in cui si opera. Questa postura si basa sull’evidenza sempre più dimostrata per cui le comunità paritarie godono di un’elevata stabilità interna e di un considerevole benessere socioeconomico. Un modello operativo viene fornito dalla Svezia, che dal 2014 per prima ha implementato questi concetti. In particolare, la politica estera svedese punta sulle tre R: Rights, per sostenere la tutela dei diritti umani e la fine di ogni discriminazione; Representation, per favorire la rappresentanza femminile negli ambiti internazionali; Resources, per finanziare in modo concreto la promozione della completa parità di genere.

Avvalorare tutto ciò può apparire nei fatti poco produttivo o addirittura rischioso per i rapporti internazionali, specie con quegli attori i cui costumi sociali sono diversi da quelli europei e occidentali. Eppure, sempre più organizzazioni e istituzioni, compreso il Parlamento Europeo, affermano a gran voce gli effetti positivi di una diplomazia più inclusiva, non solo per una crescita onnicomprensiva, ma in particolare anche per il mantenimento della sicurezza internazionale. In primo luogo, studi dimostrano come la partecipazione Genius People Magazine

the path to be walked, defining those priorities in which now more than ever everyone, international organizations, countries, communities, and individuals as well, must invest.

This is true also for topics which not always are publicly debated: diplomacy and international security. In the last twenty years, starting from the Resolution 1325 of 2000, the United Nations themselves has repeatedly underlined the importance of women inclusion into diplomatic relations and all processes related to armed conflicts, from prevention to post-conflict stabilisation. These are the bases of the new features that more and more direct Western countries’, not exclusively, foreign policies towards a feminist approach. Among these there is also Italy, which is committed in the enhancement of such vision throughout the Mediterranean, thanks to the European Union’s support.

But today what does it mean and imply to adopt a feminist foreign policy? It means to prioritise the rights and the equal representation of women and the other marginalised groups in diplomatic actions. These elements are considered fundamental to pursue in a structural way the human security and the sustainable growth of the contexts of operation. Such posture is founded upon the increasingly demonstrated evidence that equal communities are characterised by high domestic stability and considerable socioeconomic welfare. An operative model is provided by Sweden, which since 2014 firstly implemented these concepts. More specifically, the Swedish foreign policy aims to the three Rs: Rights, to support human rights protection and the end of every discrimination; Representation, to enhance women representation in international fields; Resources, to concretely finance the promotion of complete gender equality.

Validating all of this may actually appear not so productive or even dangerous for international relationships, especially with those actors whose social customs are different from the European and Western ones. Still, more and more organisations and institutions, the European Parliament as well, loudly affirm the benefits of a more inclusive diplomacy, not only for an all-embracing growth, but particularly also for the conservation of international security.

Firstly, studies demonstrate that women participation in negotiations and in peacebuilding processes significantly contribute to the success and the durability of the produced agreements. As a matter of fact, women are often perceived as “honest negotiators” and so more trustworthy, and data prove that these agreements effectively have fewer chances

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femminile nei negoziati e nei processi di pacificazione contribuisca in modo significativo al successo e alla durabilità degli accordi di pace prodotti. Le donne sono sovente percepite, infatti, come “negoziatori onesti” e quindi maggiormente affidabili, e i dati provano come effettivamente tali accordi abbiano meno probabilità di fallire.

Questo avviene anche nei negoziati su questioni che coinvolgono risorse nucleari. In secondo luogo, l’adozione di norme per la parità di genere in fase contrattuale favorisce l’affermazione di una piena uguaglianza sociale e rappresentativa nelle fasi successive ai conflitti armati. Ciò si traduce in minori violenze, fra cui uccisioni arbitrarie, torture, matrimoni forzati e molestie sessuali, contribuendo alla stabilizzazione e a una crescita lineare delle comunità di riferimento.

Tuttavia, persistono ancora dei limiti per il sostegno all’inclusione femminile. Prima fra tutti, vi è la presenza di norme comportamentali, anche consuetudinarie e ben radicate, che restringono lo spazio di azione sociale delle donne, limitandone per esempio le opportunità lavorative, l’accesso all’istruzione o, peggio, la libertà decisionale individuale. In questo caso, la difficoltà maggiore per la promozione dei principii sopracitati è data dalle diversità assiologiche che possono emergere nei negoziati tra culture sociopolitiche differenti. Per quanto promossi dall’ONU, gli standard paritari sono relativamente innovativi per molte tradizioni popolari, che si basano invece su valori differenti affermatisi e legittimati storicamente. Un ulteriore ostacolo è costituito dalle frequenti discriminazioni dirette che le donne e gli altri gruppi minoritari possono vivere quando tentano di assumere ruoli di leadership in fase di peacebuilding o di ricostruzione postconflitto. Infatti, la possibilità di subire dure minacce ed esperienze traumatizzanti, come violenze sessuali, scoraggia la partecipazione ai processi decisionali. La situazione, dunque, nonostante le recenti novità aiutino ad auspicare un futuro positivo per la parità di genere in questo ambito, rimane ancora problematica.

Dal canto suo, l’Italia si sta adeguando sempre di più per sostenere pienamente i principii fondanti dell’SDG 5. Dal punto di vista interno, si possono osservare i progressi compiuti negli ultimi settant’anni nell’ambito del personale diplomatico.

Si è passati, infatti, dal contesto del Secondo Dopoguerra, quando le prime donne entrarono in diplomazia appena nel 1967, ai giorni nostri, in cui circa il 23% dei diplomatici è donna, ricoprendo

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to fail. This happens also in negotiations on issues involving nuclear resources. Secondly, the adoption of gender equality norms in contractual stages favours the establishment of a full social and representative equality in the period following armed conflicts. This implies less violence, like arbitrary killings, tortures, forced weddings and sexual harassment, contributing to the stabilisation and linear growth of the interested communities.

However, there are still some limits to women inclusion. First of all, there are behavioural norms, even consuetudinary and well rooted, that constrain women’s social action, limiting, for instance, their job opportunities, their access to education or, worse, their individual decisional freedom. Here, the greatest complication for the promotion of the abovementioned principles is provided by the differences in values that may emerge in the negotiations between different socio-political cultures. Although they are promoted by the UN, equality standards are relatively innovative for several popular traditions, which yet are based on other values that have been historically affirmed and legitimated.

A further obstacle is provided by the frequent direct discriminations that women and the other minor groups may experience when they attempt to reach leadership roles in peacebuilding or post-conflict reconstruction stages. Indeed, participation in decision-making processes is discouraged due to the chances to be subjected to harsh threats or traumatising experiences, such as sexual violence.

Hence, even though the recent innovations help to forecast a positive future for gender equality in this field, the situation is still problematic.

For its part, Italy is increasingly adapting to fully enhance the SDG 5 founding principles. From the domestic point of view, in the last seventy years several progresses have been made within the diplomatic staff. Indeed, a lot has been done from the period following the Second World War, when the first women joined diplomacy in 1967, to nowadays, when the 23% of diplomats are women, having leading roles in the Italian Ministry of Foreign Affairs and International Cooperation. Again, despite the positive trend, the context still does not look good. According to the 2020 Global Gender Gap Index by the World Ecomic Forum Italy is placed 44th (out of 153 countries) in the “Political empowerment” category, and only 117th in the “Economic participation and opportunities” one, so being overall ranked at the 76th place. These results are furtherly negative especially considering that Italy is one of the last ranked among the other EU Genius People Magazine

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cariche apicali all’interno del MAECI. Nuovamente, sebbene si registri una tendenza positiva, il quadro non è ancora dei più rosei. Secondo il Global Gender Gap Index 2020 del World Economic Forum il Bel Paese è 44° (su 153 Paesi) nella categoria “Empowerment politico”, e appena 117° nell’ambito “Partecipazione economica e opportunità”, posizionandosi complessivamente, quindi, solo al 76° posto. Questi risultati appaiono ulteriormente negativi soprattutto se si osserva come l’Italia sia uno degli ultimi classificati tra gli stati membri dell’UE, con un indice superiore solamente alla Repubblica Ceca, alla Grecia, a Malta, e a Cipro.

Sul piano internazionale, invece, la sua attività di promozione dell’uguaglianza di genere nelle dinamiche di sicurezza trova un terreno fertile nel Mediterraneo. Da sempre questo è lo spazio naturale dell’azione esterna italiana, e nell’era della globalizzazione il mare costituisce un ponte che permette di collegare comunità, culture e mentalità differenti, favorendo lo sviluppo comune e condiviso. Il riconoscimento di questa rilevanza geopolitica e culturale è alla base della Strategia Italiana nel Mediterraneo, un documento programmatico pubblicato nel 2017 che individua le priorità per la cooperazione e la stabilità nella regione, fra le quali il sostegno alla partecipazione femminile alle iniziative di pace. Per raggiungere un simile obiettivo, l’Italia ha voluto superare i limiti della retorica, dimostrando pubblicamente di essere un’attiva protagonista grazie alla creazione della “Rete di Donne Mediatrici nel Mediterraneo”.

Lanciata ufficialmente il 26 ottobre 2017 a Roma, questa iniziativa costituisce uno dei pilastri per la cooperazione regionale a favore della parità di genere nel settore. Come dice il nome, la Rete raccoglie al suo interno esponenti provenienti da Paesi mediterranei, e la sua missione principale consiste nel supportare ed evidenziare l’azione strategica delle mediatrici per una pace sostenibile sia a livello internazionale, sia nei singoli contesti locali.

Tra i suoi punti di forza vi è la capacità di instaurare una serie di interconnessioni nella regione, coinvolgendo entità di diversa natura, come centri di ricerca, università, governi e organizzazioni della società civile, per coordinare e massimizzare la sensibilizzazione sull’inclusione di genere, anche nei settori collegati collateralmente alla sicurezza, come la scienza o l’imprenditoria.

L’iniziativa gode, inoltre, di un importante sostegno diplomatico, poiché non solo opera a stretto Genius People Magazine

member states, with an index superior only to the Czech Republic, Greece, Malta, and Cyprus.

Internationally, instead, its activity towards the promotion of gender equality in security dynamics finds fertile ground in the Mediterranean. This has always been the natural space for the Italian external action, and in the globalization era the sea plays a connecting role among different communities, cultures, and mindsets, facilitating a common and shared development. The acknowledgement of this geopolitical and cultural relevance is the basis of the Italian Strategy in the Mediterranean, a policy paper published in 2017 that highlights the priorities for the cooperation and the stability in the region, including the support to women participation to peace initiatives. To reach such goal, Italy decided to overcome the limits of rhetoric, publicly demonstrating to be an active protagonist thanks to the creation of the “Mediterranean Women Mediators Network”.

Officially launched on 26th October 2017 in Rome, this initiative constitutes one of the pillars of regional cooperation for gender equality in the field. As the name implies, the Network is joined by representatives from Mediterranean countries, and its main mission is supporting and highlighting the strategic action of women mediators for a sustainable peace both internationally and in the single local contexts. One of its advantages is the capability to establish numerous interconnections in the region, involving various entities, such as think tanks, universities, governments, and civil society organizations, to coordinate and maximise the sensitisation to gender inclusion, even in the sectors collaterally related to security, like science and business.

Moreover, the initiative has an important diplomatic support, for not only it works closely with organizations such as the United Nations, the European Union, the African Union, or the Arab League, but it is also tied to other similar projects in the world. The “Arab Women Mediators Network” or the “Women Mediators across the Commonwealth” are just two of the several networks in the Global Alliance of Regional Women Mediator Networks. Therefore, with this global coordination it is desired to realize those wills which have been expressed since the very Resolution 1325 of 2000 and by the other UN papers regarding women, peace, and security.

However, though it is remarkable, the intensity of the current efforts is not sufficient at all, because the Mediterranean theatre is still highly subjected to seriously instable situations. These are mainly

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contatto con organizzazioni quali le Nazioni Unite, l’Unione Europea, l’Unione Africana o la Lega Araba, ma è accomunata anche ad altri progetti simili nel mondo. L’“Arab Women Mediators Network” o la “Women Mediators across the Commonwealth” sono solo due delle diverse reti inserite nella Global Alliance of Regional Women Mediator Networks. Dunque, tramite tale coordinamento globale si vuole concretizzare quelle volontà espresse proprio dalla Risoluzione 1235 del 2000 e dagli altri atti ONU in materia di donne, pace e sicurezza.

Tuttavia, per quanto buona, l’intensità degli sforzi attuali è tutto fuorché sufficiente, poiché il teatro del Mediterraneo rimane fortemente soggetto a gravi situazioni di instabilità. Queste si concentrano principalmente nell’area Medio Oriente – Nord Africa, dove i tumulti massivi generati dalle Primavere Arabe non sono stati ancora totalmente appianati, come dimostrato dal caso della Libia, lasciando la regione e moltissimi dei suoi abitanti ad affrontare gravi difficoltà nella loro vita quotidiana. Sono proprio questi i contesti in cui è più necessario intervenire per favorire una veloce e corretta ripresa di uno sviluppo pacifico. In questo senso, la partecipazione femminile si è rilevata maggiore e rilevante in Siria, in Israele e nei territori palestinesi, e in Yemen, dove negli ultimi anni si è registrato un sostegno cruciale, ad esempio, al disarmo e alla cessazione delle ostilità tra vari gruppi in combattimento, e al superamento di difficili impasse in alcuni negoziati.

In conclusione, nonostante le numerose difficoltà, l’affermazione degli obiettivi di uguaglianza portati avanti dall’SDG 5 cresce con il passare del tempo, e le esperienze dell’Italia e delle attività di pace nel Mediterraneo lo dimostrano. A maggior ragione in questo periodo di trasformazioni radicali per il mondo intero, che deve comunque confrontarsi con le altre sfide che gravano sul genere umano, in primis quella data dai cambiamenti climatici, la più grande minaccia per la sopravvivenza della società. Dunque, è necessario continuare a investire nell’inclusione di genere, e specificatamente delle donne, non solo nei processi di pace, ma anche a livello strutturale. Ciò significa che, per giungere a una complessiva stabilità delle relazioni internazionali globali e della regione Mediterranea in particolare, bisogna percorrere questa via sul piano esterno congiuntamente a quello interno. D’altronde, non si può promuovere credibilmente un modello senza essere l’incarnazione esemplare del modello stesso.

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regrouped in the Middle East – North Africa area, where the massive turmoil originated from Arab Springs is not totally resolved yet, as demonstrated by the Libyan case, leaving the region and numerous of its citizens to face severe difficulties in their ordinary life. These are the very contexts where it is more necessary to intervene in favour of a quick and fair recovery towards a peaceful development. In this sense, women participation has revealed to be greater and relevant in Syria, in Israel and the Palestinian territories, and in Yemen, where recently there has been observed a crucial support, for instance, to disarmament and to cessation of hostilities between various fighting groups, and to the resolution of difficult impasses in many negotiations.

In conclusion, despite the numerous obstacles, the affirmation of the equality goals enhanced by the SDG 5 increases day by day, and it is proved by the experiences of Italy and peace activities in the Mediterranean. Even more so in the current times of radical transformations for the entire world, which anyway must face the other challenges that burden humanity, notably climate changes, the greatest threat to the survival of society. Hence, we must continue to invest in gender inclusion, and in this case women’s, not only in peace processes, but also structurally. This means that, specifically to reach an overall stability of global international relations and of the Mediterranean region, we must walk that path both externally and domestically.

After all, one cannot credibly promote a model without being an exemplary incarnation of the model itself.

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di/by FEDERICO GRAZIANI

N ew y ear, new m edia

NEW YEAR, NEW MEDIA

FEDERICO GRAZIANI - Giornalista professionista, collabora con Genius People Magazine dal 2017 e con Tgcom24, il canale televisivo all-news di Mediaset. Nato a Rimini nel 1994, dal 2001 vive a Milano, dove si è laureato in Lettere e ha conseguito un master in giornalismo. Nel 2018 ha creato Rassegnagram, la prima piattaforma di informazione giornalistica ideata per i social. La pagina Instagram ha oltre 36mila follower: ogni mattina nelle storie vengono spiegate le principali notizie del giorno. Nel 2021 è stato inserito tra i 100 under 30 di Forbes Italia.

L

a pandemia ci ha fatto riscoprire che l’informazione è un bene essenziale. Dopo anni in cui le nuove generazioni avevano smesso di considerare le news una parte importante della loro vita, ecco che sono esplosi dati giornalieri, chiusure e Dpcm, misure economiche, crisi politiche, vaccini efficaci al tot percento e comportamenti da analizzare, da spiegare.

Fatti e notizie si sono ripresi il centro della vita pubblica. E hanno cominciato a correre come mai prima d’ora. Gran parte del giornalismo, però, è rimasto a guardare se stesso, convinto di andar bene così; anzi, si è ritenuto perfetto senza rendersi conto di essere invecchiato. Perciò non si è rinnovato e non ha saputo rispondere al nuovo, Genius People Magazine

FEDERICO GRAZIANI is a professional journalist. From 2017 he works for Genius People Magazine and for Tgcom24, Mediaset’s all news TV channel. He was born in Rimini in 2004 and since 2001 he lives in Milan where he graduated in Letters and got his master in Journalism. In 2018 he created Rassegnagram, the first news platform realized for social media. Its Instagram page boasts more than 36 thousand follwers; each morning the main news are explained in Instagram’s stories. In 2021 he was listed by Forbes Italia in its 100 under 30 chart.

The pandemic has showed us that information is an essential good. For years, new generations stopped considering news as an important part of their lives.

But with the pandemic, news have exploded with daily datas, closures, Dpcm, economic measures, political crises, vaccines’ efficiency rates and with lists of behaviors that had to be analyzed and explained. Facts and news are now the center of people’s lives. And now they’re faster than ever.

But most part of the journalism universe has just stayed and watched. The industry has told itself that’s ok, it’s fine. Probably, it told itself that its world was perfect…but it’s actually just delusional, and old. For this reason, journalism hasn’t changed and, when the time came it wasn’t able to meet this

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straripante bisogno di informazione se non con i vecchi schemi: l’intervista a questo e a quell’esperto buoni per tutte le stagioni e per tutti gli argomenti, il titolo clickbait per cavalcare le paure di chi voleva capirci di più, l’incapacità di attendere la pubblicazione di un decreto per fornire al pubblico regole chiare e sicure – viviamo nell’epoca in cui le bozze fanno più notizia di un testo definitivo.

Così, quella che poteva essere una grande possibilità di invertire la rotta si sta dimostrando un’immensa occasione persa, l’ennesima, forse l’ultimo treno della Storia per il giornalismo tradizionale.

E il crollo delle vendite dei quotidiani è continuato. Tra il novembre 2020 e il novembre 2013 si va dal -44,2% del Corriere della Sera al -54% della Repubblica, passando per il -47,7% della Stampa e il -49,2% del Messaggero (dati Ads). Siamo intorno alla metà delle copie del 2013 bruciate, e in quello che poteva essere l’anno della svolta la tendenza è rimasta quella: -4,2% del Corriere tra novembre 2020 e novembre 2019, -7,4% della Repubblica, -11,3% della Stampa e -19,2% del Messaggero. L’unico grande quotidiano a salvarsi nel 2020 è stato il Fatto, con un +31,9% che si deve in gran parte al posizionamento politico particolare (di fatto è stato l’unico quotidiano filogovernativo mentre il presidente del Consiglio Conte saliva nei sondaggi).

Tutto questo per dire cosa? Che ormai per chi ha meno di trent’anni è più naturale scrollare con il pollice una pagina virtuale rispetto a sfogliare la pagina fisica di un quotidiano. Questa peculiarità antropologica è un po’ la causa e un po’ l’effetto della scarsa evoluzione del giornalismo cartaceo, che, oltre a quanto detto sopra, raramente è pensato da giovani per giovani lettori e che tende a replicare sui siti o sui social gli articoli ideati per le pagine di un giornale. (Eccezione da sottolineare è quella di Domani, quotidiano che è nato non a caso nel settembre dell’Annus Pandemicus 2020 e che spesso porta sulla carta grafici, illustrazioni e riassunti degni dei migliori siti d’informazione).

Dunque, come risolvere la discrepanza tra informato e informatore? Lo hanno fatto diverse nuove realtà. Non hanno cercato di attirare a sé giovani (e meno giovani) che stanno alla larga dal giornalismo tradizionale, ma, al contrario, hanno provato a portare le notizie nel luogo dove essi si trovavano già: sui social. È così che è nata Rassegna­gram, una pagina di informazione gestita da giornalisti professionisti (fondata da me mesi prima della pandemia; ha convinto Forbes Genius People Magazine

new and huge need of information. Journalism has answered with its old patterns: an interview to this and that expert that’s good in all seasons and for all the subjects in the world, a good old clickbait title to attract those who are scared and want to know more, the inability to wait for decrees’ releases in order to give people clear and sure rules. We live in a time where drafts make the news…more than their final text.

So, what could have been a chance to change, now’s just another wasted opportunity. Again. And this maybe was History’s last train for traditional journalism. And the slump in newspaper sales has continued. Between November 2020 and November 2013 we went from -44.2% of Il Corriere della Sera to -54% of Repubblica, passing through -47.7% of La Stampa and -49.2% of Il Messaggero (Ads data). Around half of the copies of 2013 are gone, and in what could have been the year of the turning point trend didn’t change: -4.2% of the Corriere between November 2020 and November 2019, -7.4% of the Repubblica, -11.3% of La Stampa and -19.2% of the Messaggero. The only major daily that saved itself in 2020 was Il Fatto, with a +31.9% that was largely due to its particular political positioning (in fact, it was the only pro-government daily while Prime Minister Conte was climbing in the polls).

All this to say what? That, by now, for those who are under thirty, it’s more natural to scroll through a virtual page with their thumbs than to leaf through the physical pages of a newspaper. This anthropological peculiarity is partly the cause and partly the effect of the lack of evolution of paper journalism. In addition to what has been said above, dailies are rarely created by young people and thought for young readers: they replicate on websites or social networks the articles created for the pages of a newspaper. (An exception is Domani, a daily newspaper that was born, not by chance, in September of Annus Pandemicus 2020 and that often has graphics, illustrations and summaries on paper that are worthy of the best news sites).

So, how can we solve the discrepancy between informed and informant? Several new realities have done it. And they did it not by trying to attract all those young (and not so young) people who’re not interested in traditional journalism, but by taking the news on social media.

This is how Rassegnagram was born. Rassegnagram is a news page managed by professional journalists (founded by me months before the pandemic and Forbes Italia included me among the

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Italia a inserirmi tra i 100 Under 30 del 2021).

L’innovazione è sia nel contenuto che nella forma. Da un lato l’obiettivo è portare le news sui social e spiegarle con chiarezza e precisione, mantenendo la deontologia professionale e con la guida della notiziabilità. Vengono trattate politica, economia, clima, scienze, Covid, esteri e attualità in generale. Sono bandite la cronaca, le polemiche e le non-notizie (tizio che dice quello, ipotesi varie, studi e decreti non ancora pubblicati...). Dall’altro lato il formato è pensato e adattato da una piattaforma all’altra: le stories, i caroselli e le grafiche, le dirette e le Igtv su Instagram e Facebook, i thread e i video su Twitter, le scenette con una sfumatura di cazzeggio su TikTok, i podcast su Spotify e sugli altri siti di streaming.

Perciò una soluzione c’è. Ed è un ritorno al principio. Come diceva Montanelli, l’unico padrone del giornalista è il lettore. Bisogna parlare la sua lingua, andare sul suo terreno, capire le sue abitudini. Allo stesso tempo va rispettato, assicurandogli l’accuratezza delle notizie, la chiarezza e la praticità dell’esposizione. E recuperando il ruolo di servizio pubblico che dovrebbe contraddistinguere chiunque voglia fare questo mestiere.

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100 Under 30 of 2021). The innovation is in both content and form. On one hand, the goal is to bring the news on social media in order to explain information clearly and precisely while still maintaining professional ethics and newsworthiness. We cover politics, economics, climate, science, Covid, foreign and general news. And chronicles, controversies and non-news are banned (the guy saying that, hypotheses, studies and decrees not yet published...). On the other hand, the format is conceived and adapted from one platform to another: stories, carousels and graphics, live broadcasts and Igtv on Instagram and Facebook, threads and videos on Twitter, sketches with a tinge of bullshit on TikTok, podcasts on Spotify and other streaming sites.

We do have a solution. It’s the return to the origin.

As Montanelli said, journalist’s only master is the reader. You must talk his language and understand his background and behaviors. At the same time you’re also called to respect clarity and practicality.

And news must be accurate. Our role is to recover our vocation for public utility. Isn’t this what our job is all about?

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SPECIALE GENIUS 17

01

GM 17 È ROCK! GM 17 ROCKS!

02

M’OVER: CORTINA PEDALA… E NON SOLO! M’OVER: CORTINA CYCLES… AND NOT JUST THAT!

03

KRISTIAN GHEDINA E VITTORIO BRUMOTTI: L’E-BIKE ARRIVA A CORTINA KRISTIAN GHEDINA E VITTORIO BRUMOTTI: E-BIKES ARE COMING TO CORTINA

04

IO SONO PRONTA A EVOLVERE. E VOI? I’M PREPARED TO EVOLVE. ARE YOU?

05

IO NON HO PAURA Marco Soliman: le soluzioni di D-Air Lab I’M NOT AFRAID Marco Soliman: D-Air Lab’s solutions

06

D-AIR LAB: FARE SPORT IN MODO INTELLIGENTE D-AIR LAB: THE SMART WAY OF DOING SPORTS

07

AUDI Q4 E-TRON Gruppo Audi: sostenibilità e innovazione Audi Group: sustainability and innovation

08

MUST HAVE SPRING - SUMMER 2021 Il rock e gli anni 70 MUST HAVE SPRING-SUMMER 2021 Rock and the 70s

09

IL MERCATO DELL’ARTE POST BREXIT Il ruolo della Francia e la diffusione dell’arte italiana del dopoguerra. Il futuro del mercato post covid: globalizzazione e specializzazione THE ART MARKET POST BREXIT France’s role and the promotion of Italian’s Post-War art. The future of the post Covid market: globalization and specialization

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PER UN PERCORSO NELLE FORME FRANCESCA PASQUALI A PATH TROUGH SHAPES FRANCESCA PASQUALI

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PASSIONE OUTDOOR Edi Orioli e Pratic: soluzioni outdoor intelligenti OUTDOOR PASSION Edi Orioli and Pratic: outdoor smart solutions

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L’ARTE IN UN RUGGITO Zoe Cristofoli: consapevolezza su pelle ROAR ART Zoe Cristofoli: On skin awareness

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MR. T MR. T

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ANTICIPARE I TEMPI Federico Ziviani: la svolta digital della Maison Gerald Charles ANTICIPATE THE TIMES Federico Ziviani: Maison Gerald Charles’ digital turn

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IO SON L’UMILE ANCELLA Sul palco con Kristine Opolais IO SON L’UMILE ANCELLA On stage with Kristine Opolais

LA TRIBÙ HEMINGWAY John, Gregory ed Ernest Hemingway: storie di famiglia THE HEMINGWAY TRIBE John, Gregory and Ernest Hemingway: a family business

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VOLTI Lo sguardo di Brigitte Vincken FACES Brigitte Vincken’s point of view

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MUSICA, MAESTRO! Amadeus: il Signore del preserale MUSIC, MAESTRO! Amadeus: Pre-ward’s Master

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SYMPATHY FOR MÅNESKIN Please allow us to introduce ourselves…

SYMPATHY FOR MÅNESKIN Please allow us to introduce ourselves…

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LAURA GOES TO HOLLYWOOD LAURA GOES TO HOLLYWOOD

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BELLEZZA IN BIANCO E NERO Yan Bertoni e il femminile BLACK AND WHITE BEAUTY Yan Bertoni and the feminine

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GET THE (HACKETT) LONDON LOOK Jeremy Hackett: designer, imprenditore, icona GET THE (HACKETT) LONDON LOOK Jeremy Hackett: designer, entrepreneur, icon

20

FABIO GATTO: “PROFESSIONE? UN APPASSIONATO RICERCATORE DI BELLEZZA” FABIO GATTO: “OCCUPATION? A PASSIONATE RESEARCHER OF BEAUTY”

Genius People Magazine

LA PRATICA RENDE PERFETTI PRACTICE MAKES PERFECT

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TRA LIBERTÀ E BELLEZZA: ARREDARE UNO SPAZIO ESTERNO FREEDOM AND BEAUTY: FURNISHING AN OUTDOOR SPACE

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UN MONDO SEMPRE PIÙ ONLINE MA LA CARTA RESISTERÀ Giornali, web e social media secondo Omar Monestier THE WORLD’S ONLINE BUT PAPER WILL SURVIVE Newspapers, internet and social media according to Omar Monestier

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COME SI INVESTE IN TEMPO DI PANDEMIA? HOW DO YOU INVEST DURING THE PANDEMIC?

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FORMAZIONE, TERRITORIO E SOLIDARIETÀ PER ABBRACCIARE IL FUTURO La sfida di Fondazione Gruppo Pittini TRAINING, TERRITORY AND SOLIDARITY TO EMBRACE THE FUTURE The challenge of Gruppo Fondazione Pittini

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NIENTE TATUAGGI A HOLLYWOOD Ma solo nei film NO TATTOOS IN HOLLYWOOD But only in movies

INTRO ALLE INTERVISTE

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01

GM 17 È ROCK! GM 17 ROCKS! di/by REDAZIONE GENIUS

N

ascondete gli abiti costosi e liberatevi delle pochette 4x8: il vecchio chiodo in fondo all’armadio sta urlando il vostro nome ed è arrivato il momento di dargli una spolverata!

Alzate il volume, scompigliatevi i capelli e lasciatevi andare: Asia Argento, la nostra protagonista di copertina, è qui per ricordarvi che la vita è più bella quando si è liberi e selvaggi.

Sistemate lo smalto nero e date un tocco glam rock a quell’ombretto perfetto, vogliamo portarvi a un concerto! Il palco di Genius non è mai stato così agguerrito: siamo tutti un po’ figli di…Loredana Bertè e dobbiamo cantarlo a squarciagola!

Lasciatevi prendere dal ritmo e imitate con noi il riff dei Måneskin, la band rock vincitrice della 71° edizione di Sanremo di cui tutti stanno parlando!

Stanchi? Lasciamo il pogo ai giovani e lasciamoci riscaldare dalla voce di Laura Pausini e dalle magnifiche arie cantate da Kristine Opolais. Fantastichiamo insieme sulla notte degli Oscar: con Amadeus a presentarci, sarà un’esperienza indimenticabile! E perché non celebrare il momento?

Deboli di cuore, fate attenzione: la bellissima Zoe Cristofoli ci darà due dritte sul mondo del tattoo. E se fa male, sfogliate assieme a noi la nuova gallery fotografica firmata Brigitte Vincken, Yan Bertoni e Piergiorgio Pirrone.

Se quelle vecchie Dr. Martens non vi convincono, non vi preoccupate: Genius non ha mai problemi di stile! Alessandro Squarzi è qui con noi per ricordarci che old is gold. Mettete mano alla brillantina e non abbiate paura: Jeremy Hackett, fashion icon e co-founder di Hackett London, e Fabio Gatto, designer e proprietario di Fabio Gatto Boutique, sono qui solo per voi! E perché non impreziosire un po’ il look? Federico Ziviani, general manager della Maison Gerald Charles, non può che fare al caso vostro!

Mettete in azione quel vecchio giradischi e lasciatevi incantare dalle storie dei nostri grandi sportivi: Rudy Ghiara, surfer di fama internazionale, Kristian Ghedina, campione di sci alpino, Vittorio Genius People Magazine

Hide all your expensive clothes and get rid of those 4x8 pochettes: that old leather jacket in your closet is calling you and it’s time to get him some air!

Raise up the volume, mess with your hair and let yourselves go: Asia Argento, our cover girl, is here to remind you that life’s better when you’re wild and free.

Fix your black nail polish and give your perfect eyeshadow a touch of glam rock, we want to bring you to a concert! Genius’ stage has never been so fierce: we’re all sons of…Loredana Bertè and we have to sing it out loud! Jump into the heat and listen to that riff: Måneskin, the rock band that won the 71st edition of the Sanremo Festival, is here with us and everybody’s talking about them! Tired?

Leave moshing to the youngsters and relax while listening to Laura Pausini’s voice and to the beautiful arias sang by Kristine Opolais. Let’s daydream about the Oscars: Amadeus is presenting us to the audience, it will be awesome! And why shouldn’t we celebrate the moment? Faint-hearted, be ware: the stunning Zoe Cristofoli will give us some tips on tattoos. And if it hurts, you can flip through our new photogallery and have a look at the works of Brigitte Vincken, Yan Bertoni, Piergiorgio Pirrone.

If you’re not sure about those old Dr. Martens, don’t worry: Genius never has style issues! Alessandro Squarzi is here to remind us that old is gold. Get some grease and don’t panic: Jeremy Hackett, fashion icon and Hackett London’s co-founder, and Fabio Gatto, designer and owner of Fabio Gatto Boutique, are at your service! And why shouldn’t we enrich our looks? Federico Ziviani, Maison Gerald Charles’ general manager, is right for you!

Spin the turntable and listen to the stories of our sportsmen: Rudy Ghiara, surf champion, Kristian Ghedina, alpine ski champion, Vittorio Brumotti, bike trail champion and TV host, Powerslidelover’s adrenaline reality and Giacomo De Leidi, Czech national company ballet dancer.

Enjoy Gigi Soldano’s behind the scenes beautiful pictures, dream with Carlo Borlenghi’s photos and

INTRO ALLE INTERVISTE

Brumotti, campione di bike trial e conduttore televisivo, l’adrenalinica realtà di Powerslidelover e Giacomo De Leidi, ballerino professionista della compagnia di balletto nazionale della Repubblica Ceca.

Gustatevi insieme a noi le magnifiche fotografie di Gigi Soldano e del suo inedito dietro le quinte, sognate insieme a noi con le fotografie di Carlo Borlenghi e delle sue avventure sul mare.

Venite a conoscere i nostri ospiti eccezionali: Marco Aliprandi e la realtà ampezzana M’Over, Lisa Tosolini, imprenditrice ed export manager di Bepi Tosolini, Carlo Bach e l’artista Matteo Attruia, Matias Perdomo, chef rock dei Navigli milanesi, Marco Fantinel, presidente del Gruppo vinicolo Fantinel, John Hemingway, scrittore e nipote del premio Nobel Ernest Hemingway, Omar Monestier, direttore de Il Messaggero Veneto e de Il Piccolo, Ombretta Del Zin, co-founder di L’Ambiente, Antonia Montanari, proprietaria di Fil Rouge Jewelry e i nostri esperti di stile Alberto Guazzetti e Paolo Mario Caiazzo.

Stringete bene in vita quella camicia a scacchi e salite a bordo: Francesco La Bella, CEO & Head of Design di Genius People Magazine, è un vero rocker e saprà come farvi divertire! Combattete il sistema con Carolina Genna, la nostra caporedattrice, e i nostri grandi giornalisti: Carolina Sardelli, Matteo Macuglia, Federico Graziani, Anna Miykova, Erika Fay Nicole e Valentina Danesi.

Accordate gli strumenti e dateci sotto coi nostri straordinari editorialisti e collaboratori: Andrea Cumini, Umberto Labozzetta, Alessandro Benetton, Valentino Magliaro, Fabio De Visintini, Mario Gomboli, Michele Casamonti, Alessandro Huber, Roberto Vitale, Susanna Sieff, Pietro Gurian, Tito Stagno e Federico Vozza.

Scaldate il motore della vostra Harley e partite all’avventura con Giorgio Di Bernardo, direttore editoriale di Genius On Trend, e col suo team: Chiara Endrigo, curatrice, Francesca Gatti, Giulia Minozzi e Rune Ricciardelli.

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with his sea adventures, and meet our extraordinary guests: Marco Aliprandi and Cortina’s M’Over, Lisa Tosolini, entrepreneur and Bepi Tosolini’s export manager, Carlo Bach and artist Matteo Attruia, Matias Perdomo, Milan’s rock chef, Marco Fantinel, the president of Gruppo vinicolo Fantinel, John Hemingway, writer and nephew of Nobel prize winner Ernest Hemingway, Omar Monestier, director of Il Messaggero Veneto and of Il Piccolo, Ombretta Del Zin, L’Ambiente co-founder, Antonia Montanari, Fil Rouge Jewelry’s owner, and our style experts Alberto Guazzetti and Paolo Mario Caiazzo.

Tie your plaid shirt to your waist and come on board: Francesco La Bella, Genius’ CEO & Head of Design, is a true rocker and he knows how to have fun! Fight the system alongside Carolina Genna, our editor in chief, and with our brilliant journalists: Carolina Sardelli, Matteo Macuglia, Federico Graziani, Anna Miykova, Erika Fay Nicole, Valentina Danesi.

Tune the instruments and go for it with our extraordinary editorialists and collaborators: Andrea Cumini, Umberto Labozzetta, Alessandro Benetton, Valentino Magliaro, Fabio De Visintini, Mario Gomboli, Michele Casamonti, Alessandro Huber, Roberto Vitale, Susanna Sieff, Pietro Gurian, Tito Stagno and Federico Vozza.

Start the engine of your Harley and go on an adventure with Giorgio Di Bernardo, Genius On Trend’s editorial director, and his team: Chiara Endrigo, editor, Francesco Gatti, Giulia Minozzi and Rune Ricciardelli.

Genius People Magazine’s summer has to be lived at full volume!

L’estate di Genius People Magazine è da vivere a tutto volume!

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INTERVISTA A MARCO ALIPRANDI

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M’OVER: CORTINA PEDALA… E NON SOLO! M’OVER: CORTINA CYCLES…AND NOT JUST THAT! di/by VALENTINA DANESI

In foto Marco Aliprandi Genius People Magazine

VALENTINA DANESI

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Pordenonese, ha solo trent’anni ma è uno sportivo, uno sciatore, un maestro e un allenatore di sci, un dottore in Scienze Motorie con un master in Sport Business, che attualmente ricopre il ruolo di Marketing Manager Italia per un’Azienda dello Sport System. Lui è Marco Aliprandi: un uomo (un ragazzo) che ha saputo fare del suo amore per lo sport, per la montagna e la natura il suo lavoro. Dalla “nascita” con gli sci al lato business, ma sempre partendo dalla passione per il movimento.

Marco Aliprandi is 30 years old, he’s a sportsman, a skier, a ski instructor. He graduated in Sports Science and has a master in Sport Business. Marco managed to turn his passion for sports, for mountains and nature into a job and to live in a healthy and joyful way. He was born on skis but he’s now a business, and it all started with his passion for movement.

Cos’è M’Over?

M’Over è una realtà, un progetto sportivo - imprenditoriale che esiste a Cortina già da alcuni anni. Io e altri professionisti e soci, nonché amici, possiamo dire di averla presa concretamente in gestione circa due anni fa , avviando un processo di rilancio dell’attività.

Qual è la filosofia che si cela dietro a M’Over?

Noi partiamo dalla cultura della montagna e dei suoi spazi per offrire esperienze sugli sci, sullo snowboard, e ancora telemark, free ride, sci nordico, e-mountain bike, arrampicata e trekking.

Organizziamo eventi e tanto tanto altro ancora: non siamo una scuola di sci o di alpinismo, ma un punto di riferimento per i turisti e gli amanti della montagna. Come dicevo prima, il nostro è un vero e proprio club animato dalla condivisione delle stesse passioni. Tutto ciò che offriamo viene ideato per il cliente e personalizzato in base alle sue esigenze, grazie anche alle guide che accompagnano i nostri clienti in queste avventure con le migliori attrezzature possibili.

M’Over: cosa significa? Come nasce? Avete anche un logo molto particolare.

Parto dicendo che in questo momento stiamo attuando una vera e propria strategia di rebranding di cui fa parte anche il logo stesso. I nostri colori sono il nero e l’arancione. Il nero perché è il colore simbolo di sportività, di eleganza, è un colore di carattere; l’arancione perché è il colore di cui si tingono le Dolomiti al tramonto. Il nostro claim attuale è “Exclusive Sport Experience”, ma probabilmente lo andremo a rivedere. Anche questo fa parte di una sorta di tour di innovazione e di messa in atto di nuove idee, di novità che stiamo portando dentro a M’Over.

La nostra missione è sempre stata quella di portare le persone a vivere delle esperienze vere e da qui il nostro nome, M’Over.

Poesia…

Sì. Il logo attuale mostra il profilo delle montagne e da qui si crea tutta quella che è la nostra storia, la nostra particolarità.

What’s M’Over?

M’Over’s a project that exists in Cortina for some years now. I took over alongside other professionals and partners, as well as friends, two years ago and we started a project that aims at relaunching the business.

What’s the philosophy behind M’Over?

We work with the mountain culture and with mountains and we offer people many different activites: skiing, snowboarding, telemark, Nordic ski, free ride, mountain, road and fat bike, trekking, paragliding, rafting, golf, photography courses, events and so much more. We’re not just a ski or Alpine school, we’re a point of reference for tourists and mountain lovers. As I said before, we’re a club and we share the same hobbies. All our offers were thought for clients and are customized, we have guides and the best equipment.

But what does your name mean? How was it born? And, I’ll add, you have a very particular logo as well.

At the moment we’re rebranding, and our logo is involved in this process as well. Our colors are black and orange. We chose black because it’s the color of sportiness, of elegance and it has character, and orange because it’s Dolomites’ color during sunsets. Our current claim is “Exclusive Sport Experience”, but we will change that. This is all part of our innovation process: we have new ideas and a lot of news that we want to bring to M’Over.

Our mission has always been to help people live true experiences and this is where our name comes from, M’Over.

Beautiful…

Yes. Our current logo is made by the mountains’ profile and this is where our story comes from and our peculiarities as well. We’re not just a ski school, we have a name with a complex meaning.

And our uniform, the orange trousers and the black jacket with the “M” on the chest, is very significant. We’re creating our new image but we want it to be new. But I don’t want to say anything more, I want it to be a surprise when the moment comes…

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INTERVISTA A MARCO ALIPRANDI

Noi non ci chiamiamo semplicemente scuola di sci, ma abbiamo un nome che ha un significato complesso. Anche la nostra “divisa” con pantalone arancione e giacca nera con le M sul petto è significativa. Adesso stiamo per creare un’immagine diversa, vogliamo dare un tocco di novità. Abbiamo voluto fare un tuffo in avanti però, per ora, vorrei lasciare l’argomento in sospeso…

Un connubio tra il posto in cui siete, Cortina, e la modernità.

Parlando di novità, quali servizi offrite?

Noi dividiamo i servizi che offriamo in due format: quello invernale e quello estivo. Per quanto riguarda l’offerta invernale abbiamo lo sci alpino, lo snowboard, il freeride, il telemark, lo sci di fondo. Non solo, abbiamo lo ski team con l’agonismo e il M’Over Lab, ossia la possibilità di personalizzare gli scarponi.

Mi spiego meglio: ci occupiamo di tutto, dalla creazione dei plantari alla misurazione. È una cosa molto particolare e a cui tengo molto perché non la si può trovare altrove nelle vicinanze. A tutto questo aggiungiamo poi le offerte estive come il trekking, le ferrate, l’arrampicata, il nordic walking, il noleggio di mountain bike e i tour d’accompagnamento, ossia i tour organizzati.

Beh, un’offerta davvero ampia.

Sì! Abbiamo deciso di ristrutturare la nostra offerta, di ampliarla e di renderla il più possibile amica e rispettosa dell’ambiente, oltre che del cliente. E quando parlo di cliente non intendo solamente la persona fisica che ci chiede un corso di sci ma anche le aziende che ci propongono di organizzare loro un evento o una due giornate di team building, usufruendo di vari servizi all’interno della stessa struttura. È una cosa abbastanza particolare ed è solamente un esempio. Normalmente, infatti, per un’esperienza simile, si dovrebbe far riferimento a più strutture diverse.

Quali sono le novità in merito?

Direi che il servizio di noleggio di mountain bike è uno dei nostri più recenti fiori all’occhiello. L’anno scorso, che è stato il primo anno vero e proprio della nostra nuova gestione, abbiamo fatto una prova coinvolgendo un’azienda di biciclette e avviando il noleggio delle E-Mountain Bike. In questa prima stagione di prova, che era particolare dato che eravamo appena usciti dal lockdown, ci siamo resi conto che lo sviluppo del settore di questa tipologia di bicicletta in montagna d’estate era notevole e quindi abbiamo deciso di ampliarlo e, anche in questo caso, lo abbiamo fatto in un modo tutto nostro, diverso dal solito.

Com’è strutturato?

Ci sono due punti fondamentali: uno è l’attrezzatura e quindi la bicicletta in sé, e non è la “semplice mountain bike”, l’altro è il servizio che offriamo. Un servizio che va incontro alle necessità dei clienti M’Over e degli Enti e delle strutture turistiche della località di Cortina.

It’s a combination between where you are, Cortina, and modernity. Speaking about new…what services do you offer?

We divide our services in two slots: those for the winter season and those for the summer season. Our winter season’s offers are Alpine ski, snowboard, free ride, telemark and cross-country ski.

We also have agonistic ski team and the M’Over Lab so that people can customize their boots. And we’re the only ones that do it in Cortina. I’ll be more specific: we deal with the realization of insoles, with their measures…it’s something very special and I care very much because it’s something you can find elsewhere. In the summer we offer clients these experiences: trekking, rock-climbing, Nordic walking, mountain bike rides, tours.

You have a lot of offers.

Yes, we wanted to rebuild our offers, expand them and make them become friends with nature and with the environment, and with our clients as well. And when I speak of clients I’m not referring only to people that come and book a ski lesson, I’m also talking about companies that ask us to organize an event or a short holiday to focus on team building while doing our activities, and this is something quite particular. And this is just an example.

Usually, to do so, you should call different agencies.

What’s new?

Our mountain bike rental service is our flagship. Last year was our first year we experienced our new management and we involved a bike company to start E-Mountain Bike rentals. This was our trial season: the lockdown was finished and we noticed that this type of bike worked in the mountains in the summer season.

So we decided to expand the activity and we did it as we always do: our way, in a different way.

How does it work?

They’re two important parts: one is the equipment, so the bicycle, and they’re not usual bikes. And then there’s our service. It all starts with their rent but then we wanted to add something more.

We want to meet the needs of our clients, of the institutions and of Cortina’s touristic facilities.

What do you mean? Let’s be specific!

We wanted to give our clients something more and so we involved two important bike, helmet and glasses producer brands to get the right positioning.

What’s the strength of your Mountain Bike activities?

It surely allows to a large target to do sport and to get to locations even if they’re not athletes. They’re not electric, so it’s not like being on a scooter, but they really help you. So, even if you’re not super trained, you’ll be able to ride for 50 or 60 km with 2000 meters of difference in altitude. And this is why bikes have become accessible to a larger target and to kids, couples and sportsmen in the mountains. We also give people the opportunity to come, try and choose the bikes they will use the next day. It’s

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VALENTINA DANESI

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In foto Marco Aliprandi

In che senso? Andiamo nello specifico.

Volevamo dare un qualcosa di più alla nostra clientela e quindi abbiamo coinvolto nel nostro progetto due brand innovativi e importanti del mondo bike per ottenere un posizionamento di altissimo livello.

like it was tailor made. Our new bikes will arrive at the beginning of the next season, and they’re high quality and much more performing. And if you fall in love with them, you may buy them as well. If, when you try a bike on the road, you feel it’s made just for you, you can buy it. It’s called test and buy.

Un punto di forza dell’attività di Mountain Bike?

Beh, sicuramente permette a un target davvero vasto di persone di poter praticare sport e di poter raggiungere determinate location pur non essendo degli atleti. Non sono elettriche quindi non è come avere il motorino, ma ti danno un aiuto incredibile.

In sostanza, anche chi non è super allenato potrà percorrere senza problemi anche 50-60 km con duemila metri di dislivello e questa è una cosa che ha fatto sì che lo sport della bicicletta in montagna diventasse fruibile a una target più ampio di persone, dai ragazzi, alle coppie, allo sportivo. Arriveranno quelle nuove a inizio stagione ma, proprio perché sono di altissima qualità, la prova sarà ancora più performante. E per chi se ne innamorasse, naturalmente, si possono anche acquistare. Mi spiego meglio: se la bicicletta che hai provato su strada, la senti perfetta per te, la puoi anche comprare. Lo chiamiamo test and buy.

Are there specific beautiful paths?

I’ll name you a one: there’s the Percorso dei Cinque Rifugi, but there are many more and they’re all beautiful. And they’re right for everyone, even without a guide. And since the bikes are so light, safe and high quality, you can really have fun while in the nature in a healthy way. But we really do have something for all.

Ci sono dei percorsi specifici molto belli?

Ne cito uno: il Percorso dei Cinque Rifugi, ma ce ne sono tantissimi e tutti davvero stupendi. Ci sono percorsi con e senza guida. E le biciclette, essendo leggere, sicure e di qualità, permettono davvero di divertirsi, stando a contatto con la natura e privilegiando il benessere fisico. Da noi ce n’è per tutti.

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INTERVISTA A KRISTIAN GHEDINA

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KRISTIAN GHEDINA E VITTORIO BRUMOTTI: L’E-BIKE ARRIVA A CORTINA KRISTIAN GHEDINA E VITTORIO BRUMOTTI: E-BIKES ARE COMING TO CORTINA di/by CAROLINA SARDELLI

P

rendete un biker spericolato come Vittorio Brumotti e mettetelo in una stanza con Kristian Ghedina, lo sciatore, che forse più di ogni altro, ha sfidato il pericolo lanciandosi a 140 km orari in spaccata nel salto della Streif, una tra le piste più temute al mondo. Risultato? La loro chiacchierata nel cuore di Cortina si trasforma in un divertente scambio di vedute sull’e-bike, tra il ciclista, entrato dieci volte nel Guinnes dei Primati per le sue folli imprese in sella a una bici, e il Ghedo, che dal mondo dello sci si è lanciato in un’altra impresa: portare le e-bike nella M’Over, la realtà nata come scuola di sci, oggi diventata un punto di riferimento per i turisti e gli amanti della montagna, grazie alla quale vivere esperienze sportive open air sia d’estate che d’inverno. “Ma che ci fai con la bicicletta?” esordisce Brumotti, oggi anche conduttore tv. “Da quest’anno abbiamo iniziato ad accompagnare le persone con le bici elettriche in montagna, è un plus inserito nella nostra scuola”, spiega Ghedina.

“Hai creduto in questo progetto e ne sono veramente felice – commenta Brumotti - Io vengo dal mondo del bike trial, che è una nicchia. L’e-bike può aprire la realtà delle due ruote a tutti. Un tempo le biciclette elettriche venivano usate solo da persone che dovevano fare riabilitazione o che avevano difficoltà motorie. A oggi, creando delle vere e proprie competizioni e un business settoriale, l’e-bike sta diventando la cosa più cool. Il mio sogno – rivela il campione di bike trial - è quello di vedere un giorno una bella signora, vestita con una pelliccia sintetica, su una e-bike”.

Ed è questo l’obiettivo di Ghedina, che con la sua M’Over vuole permettere a tutti di poter vivere la montagna in ogni stagione, sfruttando tutte le sue potenzialità: dallo sci, allo snowboard, fino al Nordic Walking, all’escursionismo e alle bici elettriche.

“Vuoi qualcuno che segua passo dopo passo le tue giornate sulla neve? Vuoi provare il free ride? Vuoi salire su una vetta con l’elicottero per godere di un pendio vergine? Vuoi fare un

Take a reckless biker such as Vittorio Brumotti and put in a room with Kristian Ghedina, the skier that more than anyone else has challenged danger: his split at 140 miles per hour on the Streif’s jump, one of the world’s most dangerous slopes, is memorable.

The result? Their chat in the Cortina evolves in a funny exchange of views on e-bikes. Brumotti is the biker who’s been part of Guinness World Record ten times for his insane projects on top of his bikes. Ghedo, instead, has decided to start a new adventure: he brought e-bikes in M’Over, the small company that was born as a ski school and that today is tourists’ and mountain lovers’ point of reference for open air sport in summer and in winter.

Brumotti, who today’s also a TV host, starts with: “But what do you do with a bike?”, and Ghedina explains: “Since this year we guide people on the mountains with e-bikes, it’s a plus we created for our school”.

“You believed in this project and I’m very happy – Brumotti continues – I come from bike trial’s world, a small niche. But e-bikes can be used by everyone. Once, electric bicycles were used only by people who were on rehab or by people with impaired mobility. But today, thanks to competitions and to the business, e-bikes are becoming the coolest! My dream is to see a beautiful lady in her faux fur…on her e-bike”!

And this is Ghedina’s goal as well. Through M’Over he wants people to live the mountains in every season. And he wants to do so by exploiting their potential: from ski, to snowboard, to Nordic Walking, trekking and e-bikes.

“Do you want someone to follow step by step your days on the snow? Do you want to try free rides? Do you want to get on a helicopter and have a look to untouched slopes? Do you want to take a ride on a fat bike just before sunset? Do you want to feel adrenaline?” These are the questions that M’Over’s team asks to those who want to feel high-altitude emotions.

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CAROLINA SARDELLI - VITTORIO BRUMOTTI

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In foto Vittorio Brumotti

In foto Kristian Ghedina

giro sulla neve con una fat bike prima del tramonto? Vuoi far scorrere l’adrenalina?” Queste le domande che il team di M’Over rivolge a tutti coloro che vogliono vivere emozioni ad alta quota.

Aprendosi anche alle biciclette elettriche, la scuola di Kristian Ghedina strizza l’occhio a un mercato in espansione continua.

Nel corso del 2020, infatti, il settore della bici e soprattutto delle e-bike, nonostante l’emergenza sanitaria e tutte le difficoltà del periodo, ha registrato un aumento delle vendite di oltre il 20% per le due ruote a pedalata assistita, secondo i dati pubblicati da Confindustria ANCMA. La passione per le bici aumenta sempre più e Ghedina insieme ai membri dello staff di M’Over è pronto a soddisfare le richieste di chi vuole vivere la montagna in sella a una due ruote, anche aiutati dalla pedalata assistita.

Tutto questo ha portato nel cuore di Cortina lo stesso Vittorio Brumotti, che per le piste e le strade della città ampezzana, si è sfidato col Ghedo in corse tra sci e biciclette, naturalmente a tutta velocità.

With e-bikes, Kristian Ghedina’s ski school gives a nod to a booming market. During 2020, despite the pandemic and the difficulties of these last months, the bike – and especially the e-bike – sector has grown. According to Confindustria ANCMA, the sell of pedal assisted bikes has increased by 20%.

The passion for bikes is increasing as well, and Ghedina, alongside M’Over’s staff members, is ready to assist whoever wants to discover the mountains while riding a bike, even a pedal-assisted one.

This project has brought Vittorio Brumotti in Cortina where they challenged eachother in ski and bike races in the city’s streets and on its slopes…naturally at whole speed.

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IO SONO PRONTA A EVOLVERE. E VOI? I’M PREPARED TO EVOLVE. ARE YOU? di/by SUSANNA SIEFF

Sociologa dell’ambiente con un master in pianificazione urbanistica, fortemente legata alla Val di Fiemme dove è nata e cresciuta. Dal 2001 lavora su aspetti legati alla sostenibilità ambientale e sociale per i Comitati organizzatori di grandi eventi sportivi e non: Mondiali di Sci Nordico, Olimpiadi invernali, Giochi Asiatici, Universiadi, Expo. Dal 2018 è Direttore della Sostenibilità dei Mondiali di Sci Alpino Cortina 2021. Segue inoltre, come consulente, alcune aziende italiane e straniere nell’attuazione della loro strategia di responsabilità sociale e ambientale.

Susanna Sieff is an environmental sociologist with a master in Urban planning. She’s very fond of Val di Fiemme, where she was born and raised. Since 2001 she works for different committees that deal with large sportive events and with events in general: FIS Nordic World Ski, the Winter Olympics, Asian Games, World University Games, Expo. She manages all those aspects connected to environmental and social sustainability. From 2018 she’s the Sustainability Director for the Alpine World Ski Championships Cortina 2021. She’s also a counselor and she works with Italian and international companies in the implementation of strategies of social and environmental responsibility.

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bbiamo la convinzione tenace di essere immortali.

Che la specie umana, con la sua intelligenza, con la superiorità, con il suo estro e il suo genio troverà sempre una via. Eppure, in fin dei conti, siamo solo ospiti di un pianeta che stiamo consumando.

“Nature doesn’t need people. People need nature.”. È il claim scelto per un progetto di comunicazione e consapevolezza, che ci invita a riflettere ribaltando la prospettiva. Nature is speaking di Conservation International (http://natureisspeaking. org/) si compone di una serie di filmati brevi, ma significativi che ognuno di noi dovrebbe vedere - in cui la Natura e i suoi elementi si rivolgono direttamente all’uomo, ponendo l’attenzione sulla loro grandezza e sottolineando quanto, invece, l’umanità intera sia infinitamente piccola, fragile e annientabile dalla loro forza con un battito di ciglia.

Oltre ad avere immagini bellissime, per questi 11 video sono stati scelti degli ambasciatori d’eccezione che prestano la loro voce all’Oceano, alle Foreste, al Suolo, all’Acqua, al Ghiaccio, alle Montagne, persino alle Sequoie, alle Barriere Coralline e ai Fiori. Harrison Ford, Penélope Cruz, Robert Redford, Kevin Spacey, Edward Norton, Reese Witherspoon e altri, animano con il loro timbro vocale gli elementi della natura e ci invitano,

We’re tenaciously convinced we are immortal. We think that human race, thanks to its intelligence, its superiority, its creativity and its genius, will always find a way. But in the end we’re only guests on a planet that we’re consuming.

“Nature doesn’t need people. People need nature”. This is the claim that was chosen for a communication and awareness project. It wants us to change perspective.

Conversation International’s Nature is speaking is made by short but meaningful videos, and we all should have a look at them. In these footages Nature and its elements speak to men: the movie is focused on Nature’s greatness and on how, instead, men are small, fragile and easily destroyable by its strength.

The movie’s images are beautiful and for these 11 videos they chose extraordinary ambassadors that lend their voices to the Ocean, the Forest, The Earth, to Water, Ice, Mountains, Trees, Coral Reefs and Flowers. Harrison Ford, Penélope Cruz, Robert Redford, Kevin Spacey, Edward Norton, Reese Witherspoon and many others were called to give a voice to Nature’s elements.

Without mincing words, they all invite us to think about what we’re doing.

Julia Roberts is the voice of world’s undisputed queen, Mother Nature. It’s impossible to remain indifferent: the sense of unease

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In foto Susanna Sieff

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senza tanti giochi di parole, a riflettere su quanto stiamo facendo.

A prestare la voce alla regina incontrastata del nostro mondo, a Madre Natura, è, invece, Julia Roberts. Impossibile restarle indifferenti e non provare un senso di inquietudine crescente e una mescolanza costante di emozioni ascoltando il suo monito, che viene poi ripreso in tutti gli altri filmati: “Alcuni mi chiamano Natura, altri mi chiamano Madre Natura.

Sono qui da più di 4 miliardi e mezzo di anni.

22.500 volte più a lungo di voi.

In verità io non ho bisogno delle persone, ma le persone hanno bisogno di me.

Ebbene sì, il vostro futuro dipende da me. ...

Il modo in cui scegliete di vivere ogni giorno, rispettandomi o non rispettandomi non ha davvero importanza per me.

In un modo o nell’altro le vostre azioni determineranno la vostra sorte, non la mia.

Io sono la Natura.

Io andrò avanti.

Io sono pronta a evolvere.

E voi?”

Sono i passaggi di apertura e di chiusura del filmato che punta il dito contro l’antropocentrismo, che abbiamo sposato e che potrebbe compromettere la possibilità all’umanità di domani - un domani che oggi ci sembra lontanissimo, impossibile da immaginare forse e quindi poco tangibile e rilevante - di sopravvivere sul Pianeta Terra.

E proprio Antropocene si chiama l’epoca che stiamo vivendo, nella quale all’uomo e alle sue attività sono attribuite le cause primarie delle trasformazioni climatiche, territoriali ed organiche. Perché se è vero che nella lunga storia della Terra, il clima ha sempre affrontato cambiamenti, a volte anche drammatici, i dati oggi parlano chiaro: il 2020, con il 2016, è stato l’anno più caldo mai registrato, in un decennio che ha visto un aumento di 1,25°C della temperatura media rispetto al periodo pre-industriale. La principale causa è la crescita costante delle emissioni di CO2, che hanno raggiunto un massimo storico di 417 ppm nel maggio 2020. Nonostante anche in altri periodi geologici ci siano stati alti livelli di concentrazione di CO2, un brusco aumento come dal 1850 ad oggi risulta davvero anomalo.

Continua ad aumentare la popolazione e di pari passo continuano ad aumentare le risorse di cui abbiamo bisogno per vivere: suolo, energia, acqua, cibo. L’impatto di questo andamento demografico sull’ambiente naturale è enorme, non solo sulle emissioni di gas serra e quindi sul clima ma anche sull’erosione dei suoli, sull’estinzione delle specie animali e vegetali, sulla produzione di rifiuti che colonizzano parti preziose del nostro Pianeta, come gli oceani. Il fatto più preoccupante è che tutto questo sta avvenendo sotto i nostri occhi, eppure manca ancora una profonda percezione nella gente della dimensione del problema che è epocale e può diventare irreversibile. Si, perché la

increases and emotions mix together as she recites the monito that will be repeated in every movie: Some call me Nature, others call me mother nature I’ve been here for over four and a half billion years Twenty-two thousand five hundred times longer than you I don’t really need people but people need me Yes, your future depends on me …

How you chose to live each day whether you regard or disregard me doesn’t really matter to me One way or the other your actions will determine your fate not mine I am nature I will go on I am prepared to evolve Are you?”

These are the opening and the closure of the video that points the finger at anthropocentrism. We’ve married the cause and we’re undermining the mankind of tomorrow to survive on Planet Earth – and tomorrow now seems so far way, maybe because it’s impossible to imagine and it has little relevance.

Anthprocene is even the name of the era we’re living. Man and his activities are the primary causes of climatic, territorial and organic transformations. Because if it’s true that in Earth’s long history, climate has always faced changes, sometimes even dramatic, datas today speak clearly: 2020 and 2016 were the hottest years ever in a decade that has seen an increase of 1.25 ° C in average temperature compared to the pre-industrial period. The main cause is the steady growth of CO2 emissions, which reached an all-time high of 417 ppm in May 2020. Although other geological periods have also seen high levels of CO2 concentration, the increase from 1850 to the present is anomalous.

The population continues to increase and, at the same time, the resources we need to live continue to increase: soil, energy, water, food. The impact of this demographic trend on the natural environment is enormous. And not only on greenhouse gas emissions and therefore on the climate but also on soil erosion, on the extinction of animal and plant species, on the production of waste that colonize precious parts of our planet, such as the oceans. The most worrying fact is that all this is happening before our eyes, yet people still don’t understand that the problem is momentous and may become irreversible.

Yes, because this trend can’t be reversed, not in the short term at least. We can only reduce the speed and at the same time work on our awareness and then on our evolution.

The first thing to do is to become aware of the problem, because if you are not aware you are not responsible. If we have to face this environmental emergency, we mustn’t look away because “it’s too hard”, “but what can I do?”, “others will take care of it”, “it’s a problem for those who will come after”. We must all take charge of the problem and work on the solution. This is the point from which we must start in order to promote a profound cultural change in our society which will lead to converting a policy of

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tendenza non può essere rovesciata, non nel breve periodo almeno, possiamo solo ridurne la velocità e nel contempo lavorare sulla nostra consapevolezza e poi sulla nostra evoluzione.

La prima cosa da fare quindi è prendere realmente coscienza del problema, perché se non sei consapevole non sei responsabile.

Se dobbiamo fronteggiare quest’emergenza ambientale è fondamentale non distogliere lo sguardo perché “è troppo difficile”, “ma io cosa posso fare?”, “ci penseranno gli altri”, “è un problema di chi verrà dopo”. Tutti dobbiamo prenderci in carico il problema e lavorare sulla soluzione. È questo il punto da cui bisogna partire per promuovere un profondo cambiamento di ordine culturale della nostra società, che porti a convertire una politica del “fare” con una del “fare bene”, trasformando progressivamente le scelte ambientali da divieto ad opportunità, anche e soprattutto per un mondo produttivo che deve modificare i processi attuali e che nell’ambiente può trovare un fattore in più di competitività.

Bisogna prendere atto che siamo obbligati a riprogettare il nostro ruolo di cittadini attivi, imprenditori responsabili, amministratori lungimiranti, decisori coraggiosi per mettere in campo progetti concreti. Non sono sufficienti adesioni a protocolli, convenzioni, Agende. Bisogna agire, ri-pensare, accelerare verso nuovi e più efficienti modelli di sviluppo che mettano al centro – ma veramente al centro – la produzione di energia da fonti rinnovabili, l’efficienza energetica, l’economia circolare con il fondamentale riutilizzo di rifiuti che rifiuti non sono, i trasporti a basse emissioni, le produzioni locali, la conservazione della biodiversità. I nostri territori con le loro peculiarità.

“In un modo o nell’altro le vostre azioni determineranno la vostra sorte, non la mia”.

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“doing” into one of “doing well”, progressively transforming environmental choices from prohibition to opportunity. Also and above all for a productive world that must modify current processes and that can find in the environment an additional factor of competitiveness.

We must realize that we must redesign our role as active citizens, responsible entrepreneurs, far-sighted administrators and courageous decision-makers in order to implement concrete projects.

Adhering to protocols, conventions, Agendas is simply not enough. We must act, re-think, accelerate towards new and more efficient models of development that put at the center - but really at the center - the production of energy from renewable sources, energy efficiency, circular economy with the fundamental reuse of waste that is not waste, low emission transport, local production, conservation of biodiversity. Our territories with their peculiarities.

“One way or another, your actions will determine your fate, not mine.”

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INTERVISTA A MARCO SOLIMAN

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IO NON HO PAURA Marco Soliman: le soluzioni di D-Air Lab I’M NOT AFRAID Marco Soliman: D-Air Lab’s solutions di/by CAROLINA SARDELLI

Marco Soliman è il Business Development Manager di D-Air Lab. Fa parte del team di D-Air Lab dalla fondazione dell’azienda, nel 2016, e ha contribuito all’avviamento dei progetti dall’idea alla commercializzazione del prodotto finito, occupandosi di marketing, sviluppo commerciale e sviluppo prodotto.

Ha conseguito la Laurea Magistrale in Economia a Verona e un Master in Business Administration a Milano presso la 24 Ore Business School. Ha inoltre maturato un’esperienza nella consulenza direzionale presso KPMG Advisory.

D-Air Lab è uno spin-off del gruppo Dainese che si occupa di progettare e diffondere la sicurezza nelle attività quotidiane, inserendo quindi l’intelligenza all’interno dei propri prodotti.

Marco Soliman is D-Air Lab’s Business Development Manager. He’s part of D-Air Lab’s team since its foundation in 2016. He has contributed to the development of the projects from the idea to the marketing of the finished product. He deals with the marketing, the business development and with the product development.

He graduated in Economics in Verona and has a Master degree in Business Administration, awarded by 24 Ore Business School in Milan. He gained experience in management consulting in KPMG Advisory.

D-Air Lab is the Dainese’s spin off that works to develop and promote safety in everyday life and that deals with artificial intelligence.

‘‘I

nnovazione e ricerca sono nel Dna di Dainese. Con D-Air Lab Lino Dainese ha voluto sviluppare quello che lui chiama il concetto di protezione demografica: prendere le sofisticate tecnologie di protezione utilizzate nel mondo del motociclismo e farle diventare accessibili a un numero sempre maggiore di persone”. Così Marco Soliman, Marketing Manager di D-Air Lab, spiega la mission alla base della start up “nata con 45 anni di esperienza” con l’obiettivo di “progettare e diffondere la sicurezza nell’ambito dell’attività quotidiana, dal runner all’anziano in casa, fino ai lavoratori”.

Dal mondo delle moto e dello sci a quello del running, cosa ha spinto Lino Dainese ad avventurarsi in questo progetto?

Siamo arrivati a parlare di Running perché abbiamo capito che qua si poteva estendere il concetto di protezione, non tanto come protezione di impatto, ma come sicurezza personale. Abbiamo visto parecchi casi di runner che subiscono aggressioni o

“Innovation and research are part of Dainese’s DNA. Thorugh D-Air Lab, Lino Dainese has developed his project for demographic protection: he transformed the protection technologies that are usually used on motorcycles into devices that are affordable to an increasing number of people”. This is how Marco Soliman, D-Air Lab’s Marketing Manager, explains the mission of this new start up that was born with “over 45 years of expertise”.

Its goal is to “develop and promote safety in our everyday life, from runners to elders at home, and for workers as well”.

From the world motorcycles and of ski to runners. What pushed Lino Dainese in this new project?

We talked about running because we understood that safety could be extended to this field too. And we’re not talking about impact protection, but about personal security.

As we all know, many runners have been victims of an assault and of harassment.

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In foto Marco Soliman

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INTERVISTA A MARCO SOLIMAN

molestie durante la corsa. Un sondaggio condotto da Runner’s World ha rivelato che il 60% delle atlete ha subito molestie e al 30% vengono spesso rivolti commenti sessuali. Inoltre noi di DAir Lab abbiamo condotto uno studio prendendo come campione 1500 donne in Europa e negli Stati Uniti. Abbiamo chiesto come si sentono quando corrono e si allenano, specie se sono da sole. Il 60% di loro si sente insicura e il 40% teme di non essere soccorsa in caso le accada qualcosa. Il tema della paura esiste e noi possiamo provare a dare una risposta.

A survey made by Runner’s World showed that 60% of women athletes have been harassed and that 30% of them are victims of inappropriate sexual comments. And we have conducted our own studies as well with a sample of 1500 women in Europe and in the USA. We asked them how they felt when they train, especially when they’re by themselves. 60% of them answered that they don’t feel safe, and 40% of them are afraid no one will rescue them in case something happens. Fear exists and we’re trying to give a solution.

In che modo?

Siamo arrivati a un dispositivo che consenta di fare una cosa che sembra banale ma che è fondamentale: mandare i soccorsi, allertando dei numeri di telefono che l’utente ha selezionato. Il D-One Run è un gilet da runner che ha al suo interno una serie di sensori, dotati di accelerometro, che riescono a valutare l’improvviso cambiamento di assetto dovuto a un evento accidentale e a far partire la chiamata di soccorso, geolocalizzando chi lo indossa grazie a delle coordinate in Gps. A questi si aggiungono anche dei led che permettono di rendere il runner il più visibile possibile.

How? We created a device that’s able to do something that may seem trivial but that’s actually paramount: send help. And it does so by alerting the phone numbers that were selected by its user. D-One Run is a runner vest that contains a number of sensors, equipped with an acceloremeter, that are able to assess sudden changes due to accidents.

They call for help and they geolocate who’s wearing the vest thanks to GPD coordinates.

The vest is also equipped with Leds in order to make runners more visible.

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Dopo sei mesi dal lancio del D-One adesso arrivano altri prodotti della gamma?

In molti ci hanno chiesto di lanciare un nuovo D One in versione Trail Vest. Non è esattamente uno zaino, è una sorta di zaino gilet, molto leggero, minimale, destrutturato, progettato per essere molto aderente al corpo. È stato lanciato sul mercato lo scorso 23 marzo. È pensato per i pericoli che possono incorrere nei sentieri di montagna come la caduta imprevista quando si corre in solitaria. La capienza del Trail Vest è pensata per le corse di distanze brevi e medie, quindi può portare acqua, l’antivento, gel e barrette. Ha inoltre due tasche frontali per le borracce e una tasca porta telefono. È dotato anche del fischietto per le emergenze.

Ma non è l’unica novità.

Insieme abbiamo lanciato anche il D-One Lightpack. È pensato come uno zainetto essenziale, molto versatile per vari tipi di utilizzo, fra i quali la bici, ma anche altri contesti d’uso in mobilità come ad esempio nei monopattini elettrici, che stanno spopolando nelle città e che purtroppo sono spesso oggetto di incidenti. È anch’esso dotato di una tasca porta telefono ed è compatibile con i principali sistemi CamelBak fino a 1,5 litri.

Resta forte il vostro legame con il mondo del professionismo.

Per lo sviluppo dei nuovi prodotti, così come del precedente, ci siamo appoggiati a professionisti del settore, atleti e sportivi che ci hanno aiutato a realizzare il prodotto.

D One Trail Vest è stato provato da atleti che praticano il trail running. Ci hanno dato i loro feedback sul prodotto. Avendo una grande esperienza, ci hanno detto dove posizionare le tasche, quanto grandi farle, dove mettere la cerniera, così da poter strutturare lo zaino in modo più professionale possibile.

Stessa cosa anche per il Lightpack. In pieno stile Dainese abbiamo cercato un avvallo da chi utilizza questi prodotti in ambienti più estremi. Tra i vari tester abbiamo avuto anche Elena Bellò, campionessa italiana di atletica leggera, specializzata negli 800 metri. Ha utilizzato il D-One Run durante la Venice Marathon, e l’ha vinta. Per tutti noi è stata una grande soddisfazione.

Qual è stata la risposta del mercato al lancio di questi prodotti?

C’è stato tantissimo interesse, il tema della sicurezza è molto sentito, genera tantissima curiosità. Tutti ci dicono che è un prodotto nuovo, che non si è ancora visto sul mercato. A dirti la verità siamo stati anche sorpresi. La risposta è stata così buona che abbiamo deciso di allargare ulteriormente la gamma. Soprattutto il Lightpack, grazie al fatto di essere molto trasversale, si rivolge a più tipi di utenze. Ce lo hanno richiesto gli utenti più disparati. Ci ha persino chiamato un signore che voleva andare a funghi. Aveva avuto un intervento al cuore e si sentiva più sicuro ad avere uno strumento simile con sé prima di avventurarsi nel bosco.

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After six months from D-One’s launch, have you worked on other products as well?

Many people asked us to create a Trail Vest version of D One. It’s not a backpack, it’s a sort of backpack-vest. It’s very light, minimal, deconstructed and it was designed to be close to the body. We launched it on the market on March 23rd.

It was designed to overcome danger on mountain paths, such as sudden falls when you’re running by yourself.

Trail Vest’s capacity is thought for short and medium distance runs and this means it can contain water, windbreakers, gel and bars. It also has two pockets on the front for water bottles and for your phone. And it also has a whistle for emergencies.

But this is not your only news.

We also created D-One Lightpack. It was designed as an essential backpack. It’s very versatile and it can be used on bikes and on electric scooters, that now are depopulated in cities and can be dangerous.

It has a pocket for your phone and it’s compatible with the main Camelback systems up until 1.5 litres.

You’re still very close to professionalism.

We developed our new products with the help of professionals, athletes and sportsmen, as we did with our first product.

D One Trail Vest was tried by trail running athletes. They gave us their feedback.

Since they have a lot of experience, they told us where to put the pockets and how big they must be, they showed us where to put the zip in order to make a backpack in the most professional way.

And this happened with Lightpack as well.

We did it Dainese syle and we asked for feedback to those who use these devices in extreme environments. Elena Bellò, an Italian athletics champion specialized in the 800 meters, was our tester.

She used D-One Run during Venice Marathon and she won. We were all very satisfied with it.

How did the market react to these products?

People were very interested. Safety is something that’s felt a lot, and people were curious about it. Everyone has told us that it’s something new and that they’ve never seen before.

We were even a bit surprised. Their answer was so good that we decided to expand our range of products. Lightpack, since it’s so transvers, is aimed at many different users. We were even called by a man who wanted it to go pick mushrooms. He just had surgery and he felt safer with this device.

How do you manage to use these extraordinary technologies for the mainstream market?

The research is different. Industrialization leads to the process’ optimization and to the product’s re-engineering.

Our research and development technicians know these technologies and have seen them in extreme environments. They know how to readjust them for people.

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INTERVISTA A MARCO SOLIMAN

Come si riescono a introdurre queste eccellenze della tecnologia, utilizzate nelle competizioni mondiali di alto livello, in prodotti dedicati al grande pubblico?

C’è una ricerca diversa, un’industrializzazione che porta all’ottimizzazione di tutti i processi. Arrivando anche alla reingegnerizzazione del prodotto. I nostri tecnici di ricerca e sviluppo conoscono queste tecnologie alla perfezione, hanno visto la loro resa negli ambienti più estremi e riescono a riadattarli per tutti.

Se facciamo uno studio su Valentino Rossi, possiamo usare una stampa 3d di alcuni componenti, nel momento in cui decidiamo di utilizzare quella stessa tecnologia per altre utenze, si inizia a lavorare a una diversa tipologia di produzione.

In D-Air Lab unite la tradizione manifatturiera italiana alle avanzate tecnologie di Intelligenza artificiale. È l’incontro tra due mondi.

Parliamo sempre di intelligenza artificiale, algoritmi, sensori, ma poi una parte importante del nostro lavoro è riuscire a creare un prodotto di qualità, di stampo quasi artigianale, che sia disponibile per il grande pubblico. La forza dei nostri articoli è anche quella che noi chiamiamo l’intelligenza delle mani: la capacità delle persone che alla macchina da cucire, al taglio laser, alla pressa, sanno realizzare fisicamente il prodotto completo.

Una nuova artigianalità che lavora in maniera sinergica all’intelligenza artificiale. Tutto questo, insieme fa il vestito intelligente.

Ed è sugli smart clothes che D-Air Lab punta per il futuro?

C’è una precisa decisione strategica, presa prima da Lino Dainese e poi condivisa dal management di Dainese e di D-Air Lab. Si vuole puntare sul vestito intelligente come nuovo fattore competitivo, creando prodotti unici sul mercato. Per farlo abbiamo bisogno di credere nella formazione delle persone che lavorano con noi.

Il team diventa fondamentale quindi. Durante tutto il 2020 avete lavorato ai vostri nuovi prodotti. È stato un anno difficile per molti, come siete riusciti ad avere uno slancio così importante in un periodo così complicato?

Tanto entusiasmo e tanta passione, frutto anche della squadra che abbiamo creato. La maggior parte dei membri del team di D-Air Lab sono giovanissimi, il più piccolo ha 20 anni e si occupa della realizzazione dei prototipi. Arrivare a lanciare sul mercato i nuovi prodotti in un anno come questo è stata una bella soddisfazione per tutti. Certo, nei mesi scorsi non sono mancate le difficoltà. Ma non ci siamo lasciati abbattere, anzi abbiamo dato ancora di più per arrivare a pensare a nuove idee tecnologiche. Questo è il nostro spirito, non mollare mai e continuare a progettare cose belle e utili.

If we conduct a study on Valentino Rossi, we could use 3D print technology in some of its parts, but if that same technology is though for other users, we’ll work in a different way.

D-Air Lab joins Italian’s craftmanship tradition and advanced intelligent technology. Two worlds meet.

We always talk about artificial intelligence, algorithms and sensors but an important part of our job is to create a quality product, handcrafted-like and available for the general public.

Hands’ intelligence is our strength: people’s ability in using the sawing machine, lasers, the press is what makes the product physically complete. New craftmanship works with artificial intelligence.

All together it creates an intelligent outfit.

Is D-Air Lab aiming to smart clothes?

We’re following a precise strategic line. Lino Dainese chose it and then it was shared by Dainese and D-Air Lab. We want to focus on smart clothes as our new competitive edge and creating unique products for the market. This is why we need to believe on the training of the people who work with us.

Team work is paramount, then. You worked on your new product during 2020. It was a very difficult year for many companies, how did you manage to do so good in such a year?

We were very passionate and very excited, and this is all child of the team we created.

Most part of our team members are very young. The youngest is just 20 and creates prototypes.

We managed to launch our products on the market in a year that was so difficult, and we’re very satisfied about that. Sure, things got difficult for us too in the last few months.

But we didn’t want to give up and we gave our best to think about new technologic ideas. This is our spirit: we never give up and we create beautiful and useful things.

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D-AIR LAB: FARE SPORT IN MODO INTELLIGENTE D-AIR LAB: THE SMART WAY OF DOING SPORTS

D-Air Lab, fondata nel 2015 da Lino Dainese, è una start-up innovativa con l’obiettivo di individuare nuove applicazioni delle tecnologie sulla protezione sviluppate da Dainese.

D-Air Lab svolge attività di ricerca, sviluppo e produzione di progetti e prodotti riguardanti la protezione e la sicurezza delle persone.

D-Air Lab was founded in 2015 by Lino Dainese. This innovative start-up was created with the aim of finding new applications in Dainese’s security technologies. D-Air Lab conducts research, creates and develops projects and protection products for people’s safety.

Dopo il lancio del D-One Run avvenuto lo scorso settembre, DAir Lab ha presentato i nuovi prodotti della gamma D-One. La prima versione del prodotto ha suscitato un notevole interesse, tanto da essere menzionato da Class Editore tra i migliori 100 prodotti del 2021, e, a pochi mesi di distanza, D-Air ha consegnato i due nuovi prodotti che completano la gamma.

Per realizzare queste due soluzioni, la start-up ha guardato all’utente e ai suoi bisogni per costruirci attorno il milgior prodotto-servizio e “in questo la tecnologia ci viene in aiuto, per farlo sempre meglio e con soluzioni innovative. Difatti, per lo sviluppo dei nuovi prodotti, così come del precedente, ci siamo appoggiati a professionisti del settore, atleti e sportivi che ci hanno aiutato a realizzare il prodotto.” (Marco Soliman, Marketing Manager, D-Air Lab).

After September’s D-Air Run lunch, D-Air Lab has presented its new products of the range D-One. The first version of the product has attracted interest, so much so that it was listed in Class Editor’s best 100 products of 2021. A few months later, D-Air Lab has launched two new products that complete the range.

In order to realize the devices, the start-up focused on users and on their needs. They created the best product-service and “technology has come in handy. We will do it better and better and though innovative solutions. As we did for the first version, for the development of these new products, we put it on professionals, on athletes and on sportsmen. They helped us realizing the product. “ (Marco Soliman, Marketing Manager, D-Air Lab).

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Le funzioni dei prodotti rimangono invariate. In caso di emergenza o se il sistema rileva una caduta alla quale segue l’immobilità, D-One consente di: ● inviare tempestivamente una richiesta di aiuto a tre numeri di telefono decisi dall’utente contattandoli attraverso una chiamata voce e riprovando a chiamarli in loop finché uno dei tre non risponde; ● invia un SMS con geo-localizzazione GPS ai tre numeri di telefono impostati dall’utente; ● accende i led all’intensità massima in modalità lampeggio rapido; ● attiva a volume massimo una sirena tramite il telefono associato; Inoltre, i prodotti mantengono la funzionalità dei LED per essere più visibili in condizioni di luce scarsa.

The functions of the products remain unchanged. In case of emergency or if the system detects a fall followed by immobility, D-One allows you to ● promptly send a request for help to three phone numbers decided by the user by contacting them through a voice call and looping them again until one of the three does not answer; ● it sends an SMS with GPS geo-location to the three telephone numbers set by the user; ● it turns on the leds at their maximum intensity in rapid flashing mode; ● it activates a siren at its maximum volume via the associated phone;

“Abbiamo ascoltato i feedback del mercato, degli operatori del settore, degli atleti e abbiamo progettato due nuovi prodotti per ampliare i contesti d’uso della tecnologia che abbiamo sviluppato”. (Marco Soliman, Marketing Manager, D-Air Lab).

“We listened to feedback from the market, industry professionals and athletes and designed two new products to expand the contexts of use of the technology we developed.” (Marco Soliman, Marketing Manager, D-Air Lab).

In addition, the products retain LED functionality to be more visible in low light conditions.

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D-One Trail Vest è uno zaino da trail running molto leggero, minimale e destrutturato, pensato specificatamente per i pericoli che possono incorrere nei sentieri di montagna come la caduta imprevista quando si corre in solitaria. La capienza del Trail Vest è pensata per le corse di distanze brevi e medie, quindi può portare acqua, l’antivento, gel e barrette. Ha inoltre due tasche frontali per le borracce e una tasca porta telefono. È dotato anche del fischietto per le emergenze.

D-One Trail Vest is a very light, minimalist and unstructured trail running backpack designed specifically for the dangers that can be encountered on mountain trails, such as unexpected falls when running solo. The capacity of the Trail Vest is designed for short to medium distance runs, so it can carry water, windbreakers, gels and bars. It also has two front pockets for water bottles and a phone pocket. It also features a whistle for emergencies.

D-One Lightpack è pensato come uno zainetto essenziale molto versatile per vari tipi di utilizzo, fra i quali la bici ma anche altri contesti d’uso in mobilità come ad esempio nei monopattini elettrici, che stanno spopolando nelle città e che purtroppo sono spesso oggetto di incidenti. È anch’esso dotato di una tasca porta telefono ed è compatibile con i principali sistemi Camelbak fino a 1,5 litri.

D-One Lightpack is designed as an essential backpack. It’s very versatile and it was created for different types of use, including cycling but also other contexts such as electric scooters, which are depopulating in cities and unfortunately are prone to accidents. It’s also equipped with a phone pocket and is compatible with the main Camelbak systems up to 1.5 liters.

Anche D-One Trail Vest e Light pack rimangono interamente “Made in Italy”, realizzati nei nostri laboratori da un team di giovani che stanno sviluppando il progetto a D-Air Lab con grande passione e determinazione.

Sono da oggi disponibili per l’acquisto in negozi selezionati e nel sito dedicato www.d-one.run al prezzo di 299€ per la versione Run, 279€ per il Trail Vest, 239€ per il Lightpack.

D-One Trail Vest and Light pack are entirely “Made in Italy”: they’re made in our laboratories by a team of young people who are developing the project at D-Air Lab with great passion and determination.

They are now available for purchase in selected stores and on our dedicated website www.d-one.run at the price of 299€ for the Run version, 279€ for the Trail Vest, 239€ for the Lightpack.

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D-AIR LAB

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07 Audi Q4 e-tron Gruppo Audi: sostenibilità e innovazione Audi Group: sustainability and innovation di/by FRANCESCO LA BELLA

A pochi mesi dai Mondiali di sci alpino 2021 tenutisi a Cortina, è arrivato il momento di tirare le somme. Le parole chiave sono: sostenibilità e innovazione, due valori di cui il marchio Audi si è fatto portavoce negli ultimi anni, erigendo Cortina a vetrina privilegiata della sintesi fra tecnologia e natura.

Il marchio Audi non ha bisogno di introduzioni: protagonista ancora una volta di uno degli eventi più attesi del decennio, la casa automobilistica tedesca ha mantenuto le sue promesse.

Progresso e rispetto per la montagna e le comunità locali. Tecnologie avanzate e tutela dell’ambiente.

Nel mese di febbraio di quest’anno, Cortina si è fatta testimone di una collaborazione tanto inusuale quanto unica: Enel X e Audi hanno unito le forze per rendere la cittadina ampezzana sempre più sostenibile attraverso la promozione della mobilità elettrica. Una prova importante, per i due colossi e anche per la stessa comunità locale. Cortina si è fatta laboratorio e ha sperimentato un nuovo modo di vivere la quotidianità sotto ai principi della sostenibilità e dell’economia circolare.

Enel X e il brand Audi hanno infatti messo a disposizione dei cittadini ampezzani e dei partecipanti al maxi-evento le loro tecnologie più avanzate: i punti di ricarica per i veicoli elettrici sono stati posizionati nelle zone nevralgiche della città e Audi si è occupato della messa a disposizione per gli stakeholder di una flotta elettrificata di ben venti autovetture per incentivare lo spostamento intelligente in occasione dei Mondiali. I modelli plug-in hybrid come le Audi A6, A7 e Q5, con un’autonomia a zero emissioni e in grado di regalare ai più temerari una performance sportiva, sono stati affiancati dai modelli versione S Audi e-tron ed e-tron Sportback full electric, le prime autovetture di

A few months after the 2021 Alpine Ski World Championships held in Cortina, it’s time to draw some conclusions. The key words are: sustainability and innovation. In the last few years, Audi has become a spokeperson for these values and has made Cortina its privileged showcase to promote the synthesis between technology and nature.

The brand Audi needs no introduction: once again they’ve been the protagonists of one of the most eagerly awaited events of the decade, and the German car manufacturer has kept its promises.

Progress and respect for the mountains and local communities.

Advanced technologies and environmental protection.

In February of this year, Cortina witnessed an unusual and unique collaboration: Enel X and Audi have joined forces to make the Ampezzo town more sustainable through the promotion of electric mobility. An important test for these two giants and for the local community as well. Cortina has become a laboratory and has tested a new way of living everyday life under the principles of sustainability and circular economy.

Enel X and the brand Audi have made their most advanced technologies available to the citizens of Cortina and to the maxi-event’ participants: recharging points for electric vehicles have been positioned in the town’s center and Audi has made available to the stakeholders an electrified fleet of twenty cars in order to encourage intelligent movement during the World Cup. The plug-in hybrid models such as the Audi A6, A7 and Q5, with zero-emission autonomy and still able to offer to the most daring a sporty performance, were joined by the S version Audi e-tron and e-tron Sportback full electric models, the first mass-produced cars equipped with three electric motors, and in this case, branded Enel X.

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grande serie dotate di ben tre motori elettrici, e, in questo caso, brandizzate Enel X. Una flotta ecologica che i turisti e i cittadini hanno potuto toccare con mano sul proving ground di Fiames, l’area, a tre chilometri da Cortina, riqualificata dallo stesso brand tedesco, diventata la bandiera della mobilità sostenibile e dotata di piste su ghiaccio e di percorsi straordinari per poter testare la gamma elettrica e ibrida dell’azienda.

I Mondiali di sci alpino 2021 sono un esempio virtuoso di manifestazione sostenibile, e costituiscono un’altra vittoria per Audi, in città dal 2017. Dal loro arrivo, infatti, il gruppo Audi ha dimostrato più volte di essere il motore propulsivo della transizione sostenibile, costruendo e capitalizzando partnership fondamentali per il processo evolutivo della località ampezzana. Enel X e Audi, infatti, hanno potenziato insieme le infrastrutture dedicate alla mobilità intelligente ed elettrica (al momento il numero di postazioni di ricarica è salito a 13); la partnership con H-FARM ha portato alla realizzazione dell’installazione Cortina e-portrait, un vero e proprio osservatorio ambientale attraverso cui sensibilizzare i fruitori e l’ennesima dimostrazione di interesse e attenzione nei confronti della comunità locale, a cui i progetti sono stati lasciati in eredità.

Cortina D’Ampezzo è stata ancora una volta la location selezionata dal brand per il debutto dell’Audi più potente di sempre: la Granturismo elettrica, e-tron GT. Il prototipo dell’autovettura con la potenza di una supercar, dotata di 646 CV nella sua versione RS e capace di andare a 0 a 100 in 3,3 secondi, è stata esposta proprio in occasione dei Mondiali nella bellissima Piazza Roma, prova inconfutabile della potenza del connubio prestazione e ambiente.

Audi Q4 e-tron Il 17 aprile è stata inaugurata United for Progress, l’installazione realizzata da Mario Cucinella Architects in occasione della seconda edizione di Interni Designer’s Week e all’interno della quale è stato presentato in anteprima mondiale uno dei modelli più attesi del brand tedesco, parte fondante del progetto di elettrificazione del marchio: l’Audi Q4 e-tron, il SUV compatto 100% elettrico che si distingue per l’abitabilità superiore, versatilità, digitalizzazione evoluta e sostenibilità.

Audi Q4 e-tron apre le porte alla mobilità del futuro: autonomia elevata e ricarica semplice e veloce, un nuovo modo di vivere la quotidianità e per affrontare anche i viaggi più lunghi.

An ecological fleet that tourists and citizens were able to touch with their own hands on the proving ground of Fiames, the area, three kilometers away from Cortina, redeveloped by the German brand itself, that has become the flagship of sustainable mobility and that’s equipped with ice rinks and extraordinary routes to test the electric and hybrid range of the company.

The 2021 Alpine Ski World Cup is a virtuous example of a sustainable event: it’s another victory for the Four Rings group, in town since 2017. Since their arrival, Audi has proven to be the driving force behind the sustainable transition, building and capitalizing on partnerships that are fundamental to Cortina’s evolutionary process. Enel X and Audi have jointly increased the infrastructure for smart and electric mobility (at the moment the number of charging stations has risen to 13); the partnership with H-FARM has led to the creation of the Cortina e-portrait installation, a real environmental observatory created to raise awareness among users. Another demonstration of interest and attention towards the local community, to which the projects have been left as a legacy.

Cortina D’Ampezzo was once again the location the brand selected for the debut of the most powerful Audi ever created: the electric Granturismo, e-tron GT. The prototype of the car with the power of a supercar, is equipped with 646 HP in its RS version and goes from 0 to 100 in 3.3 seconds. It was exhibited during the World Cup in the beautiful Piazza Roma, and it’s an undeniable proof of the power of the combination of performance and environment.

Audi Q4 e-tron April 17 saw the inauguration of United for Progress, the installation created by Mario Cucinella Architects for the second edition of Interni Designer’s Week. The German brand presented in world premiere one of its most eagerly awaited models, a key part of the brand’s electrification project: the Audi Q4 e-tron, the compact 100% electric SUV that stands out for its superior roominess, versatility, advanced digitalization and sustainability.

Audi Q4 e-tron opens the doors to the mobility of the future: high autonomy and simple and fast recharging. A new way to live everyday life and to face even the longest journeys.

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Audi Q4 e-tron Potenza2 fino a

Accelerazione (da 0 a 100 km/h) in

150 KW 8,5 secondi / seconds

Power2 up to

Acceleration (from 0 to 100 km/h) in

(40 e-tron)

Autonomia (WLTP) fino a

Emissioni di CO2 nel ciclo combinato

520 km 0-0 g/km

I dati relativi al consumo di energia e alle emissioni

Autonomy (WLTP) up to

CO2 emissions in the combined cycle The energy consumption and C02 emissions depend

di C02 forniti nella gamma dipendono

on the equipment chosen for the vehicle

dall’equipaggiamento scelto per il veicolo

Consumo di energia nel ciclo combinato

19,9-17,0 kWh/100 km

I dati relativi al consumo di energia e alle emissioni

Energy consumption in the combined cycle The energy consumption and C02 emissions depend

di C02 forniti nella gamma dipendono

on the equipment chosen for the vehicle

dall’equipaggiamento scelto per il veicolo

Emissioni di CO2 in g/km

0

I dati relativi al consumo di energia e alle emissioni

CO2 emissions in g/km The energy consumption and C02 emissions depend

di C02 forniti nella gamma dipendono

on the equipment chosen for the vehicle

dall’equipaggiamento scelto per il veicolo

Capienza all’interno dell’abitacolo bagagliaio

24,8 litri / liters 520/1.490 litri / liters

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Capacity inside the passenger compartment trunk

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Performance ed efficienza Gli interni progressivi di Audi Q4 e-tron sono il connubio perfetto di tecnologia, sportività e funzionalità.

Nuova Q4 e-tron è la prima Audi che si avvale del sistema audio premium SONOS: dieci autoparlanti ad alte prestazioni che trasformano la musica in un’esperienza indimenticabile.

Il nuovo head-up display con realtà aumentata, disponibile su richiesta per Q4 e-tron, segna un importante passo avanti nella tecnologia di visualizzazione. Il dispositivo proietta sul parabrezza le principali informazioni su due livelli differenti: quello di stato e quello di realtà aumentata.

Uno sguardo al futuro Grazie al frontale incisivo e al posteriore possente, il design di Audi Q4 e-tron è il manifesto della mobilità elettrica di domani.

All’interno di Q4 e-tron, le unità di comando e la strumentazione si tramutano in veri e propri elementi di design. La vettura offre l’innovazione del comando vocale che comprende le espressioni di uso comune.

Ricarica domestica e su strada Grazie al sistema di ricarica compatto e-tron potrete facilmente caricare Q4 e-tron da casa. Per una ricarica più rapida, potrete ricorrere anche a prese industriali compatibili.

E-tron Charging Service vi offre un contratto, una carta e l’accesso a oltre 200.000 punti di ricarica pubblica in 26 paesi europei.

Servizi esclusivi: personal assistant, installazione domestica, smart wallbox e molti altri ancora.

Batteria ricaricata dal 5% all’80% in ca. 38 min.

Comportamento dinamico L’assetto sportivo, di serie per la versione S line edition, ribassa il veicolo di 15 mm e offre una taratura più dinamica di molle e ammortizzatori, permettendo così un contatto più diretto con la strada.

Progettata per prestazioni superiori Grazie all’Audi drive select, disponibile su richiesta, è possibile modificare le caratteristiche del veicolo a seconda della dinamica della marcia desiderata, scegliendo fra cinque diverse modalità. Inoltre, lo sterzo progressivo opzionale garantisce un rapporto variabile in base all’angolo di sterzata e un’assistenza alla sterzata in funzione della velocità.

Performance and efficiency The progressive interior of Audi Q4 e-tron is the perfect blend of technology, sportiness and functionality.

New Q4 e-tron is the first Audi to feature the SONOS premium audio system: ten high-performance speakers that turn music into an unforgettable experience.

The new head-up display with augmented reality, available as an option for Q4 e-tron, marks a major step forward in display technology. The device displays key information on the windshield on two different levels: status and augmented reality.

A glimpse into the future With its bold front end and powerful rear end, the design of the Audi Q4 e-tron is the manifesto of tomorrow’s electric mobility.

Inside Q4 e-tron, the control units and instrumentation are true design elements. The car offers an innovation on voice control that includes commonly used expressions.

Charging at home and on the road Thanks to the compact e-tron charging system, you can easily charge the Q4 e-tron from home. For faster charging, you can also use compatible industrial outlets.

The e-tron Charging Service offers you a contract, a card and access to over 200,000 public charging points in 26 European countries.

Exclusive services: personal assistant, home installation, smart wallbox and many more.

Battery recharged from 5% to 80% in approx. 38 min.

Dynamic behaviour The sport stance, standard for the S line edition, lowers the vehicle by 15 mm and offers a more dynamic calibration of springs and dampers, thus allowing a more direct contact with the road.

Designed for superior performance Thanks to the optionally available Audi drive select, the vehicle’s characteristics can be changed according to the driving dynamics desired by the customer, who may choose five different modes. In addition, optional progressive steering provides variable gearing based on steering angle and speed-dependent steering assistance.

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Presentazione ufficiale Audi e-tron GT a Cortina 2021 Genius People Magazine

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Presentazione ufficiale Audi Q4 e-tron, Milano 2021 Genius People Magazine

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MUST HAVE SPRING - SUMMER 2021 Il rock e gli anni 70 MUST HAVE SPRING-SUMMER 2021 Rock and the 70s di/by DANIELA KRALER e/and MASSIMILIANO SIMONETTA

S

Se gli anni sessanta hanno in qualche modo visto nascere il rock, sono gli anni settanta quelli della vera consacrazione di questo genere e quelli in cui ha preso le sembianze e le caratteristiche che lo identificano ancora oggi. In questo decennio, infatti, il rock modifica le sue forme, cresce e si sviluppa in modo impressionante: sono molte le band che raggiungono il successo cambiando il volto della musica, dai Pink Floyd, ai Led Zeppelin, ai Rolling Stones, ai Doors. Vengono pubblicati album che diventano pietre miliari e canzoni che si trasformano in veri e propri inni generazionali. A differenza del decennio precedente, caratterizzato da una forma più divertente e scanzonata, il rock degli anni 70 è sperimentazione, è complessità, diventa strumento per esprimere messaggi importanti e si fa specchio della società (non per niente sono gli anni della nascita del punk e del successo di cantautori «scomodi» e senza peli sulla lingua come Bob Dylan o Neil Young).

Gli anni ’70 sono figli della rivoluzione giovanile esplosa negli anni ’60 attraverso la cultura “hippie”: un’autentica controcultura che abbraccia la rivoluzione sessuale L’ideale di pace e libertà è ben espresso nello slogan contro la guerra in Vietnman: “Fate l’amore, non la guerra”. I “figli dei fiori” con il loro “Flower Power” diffondono la rivoluzione non solo sulle idee e sulla cultura: esprimono il trionfo dell’amore e della sperimentazione attraverso una moda, che oggi torna ad imporsi con determinazione, così come attraverso la musica e l’arte in generale.

Saint Laurent e il suo celebre “chiodo” Il chiodo è il nome con il quale in Italia viene indicato il giubbotto di pelle, tradizionalmente di colore nero e lungo fino alla vita, il cui nome commerciale è Perfecto. Questo tipo di giubbotto fu introdotto nel 1928 dalla Schott NYC. Nel 1960 conobbe il successo anche sulle passerelle. Fu, proprio Yves Saint Laurent a presentarlo in una sua collezione anche se, a quel tempo, il chiodo era di dominio dei rocker brittanici.

Negli Stati Uniti il Movimento del Potere Nero, le cosiddette “pantere nere” (organizzazione rivoluzionaria afroamericana marxista-leninista-maoista) , lo utilizzò come divisa. Dopo gli anni ’60, il chiodo in pelle non si limitò ai biker: potevano avere

If the ‘60s were the years that saw rock music and style rise, it’s in 70s that this genre was consecrated and that took the shape and the characteristics we all know today. In those years, rock changed, evolved and developed in an extraordinary way: many bands achieve success and change the face of music, from Pink Floyd to Led Zeppelin, Rolling Stones, The Doors. Their album quicky become miles stones and their songs are raised to actual generational anthems. In contrast to the previous decade that was dominated by a funnier and light-hearted form of rock music, 70s’ rock is experimentation, complexity, a mean to express important messages: it’s a mirror of society, not for nothing those are the years of punk’s birth and of the success of many uneasy and outspoken songwriters such as Bob Dylan and Neil Young.

The 70s are children of that youth revolution that exploded in the 60s with the hippie culture: an authentic counter-culture that moved around the sexual revolution. The ideal of peace and of freedom is well expressed in a slogan used against the war in Vietnam: “Make love, not war”. Those flower children and their Flower Power spread their revolution not just on ideas and on culture: they expressed love’s and experimentation’s triumph through a fashion that still prevails today, and through art and music in general as well.

Saint Laurent and its famous leather jacket “Chiodo” is the name Italy uses to call leather jackets. They’re traditionally black and waist-lengthed, and their trade name is Perfecto. This type of jacket was introduced by Schott NYC in 1928. In 1960 it made its debut on catwalks. Yves Saint Laurent was the one who included it in his collection, even though, at the time, only British rockers used to wear it.

In the USA, the Black Power Movement, with the so called “black panthers” (a revolutionary Marxist-Leninist-Maoist Afro-American organization), used leather jackets as their uniform. But after the 60s, leather jackets weren’t worn only by bikers: they could have a tailor cut or they could look like bombers, they could be long or short. In 1978 Grease, a movie set in the 50s, honored the roaring years of rock’n’roll while telling with tangy notes the story of the States’ first youth subcultures (rockabilly) even through fashion, and leather jackets were those years’ protagonists. Even if its

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Gucci Capsule Collection - un omaggio a Ken Scott

Gucci Capsule Collection

un taglio sartoriale o l’aspetto di un bomber, essere sfilate e lunghe o corte. Nel 1978 Grease, ambientato negli anni 50, omaggiò gli anni ruggenti del rock’n’roll, raccontando in modo frizzante le prime subculture giovanili statunitensi (rockabilly) anche con l’abbigliamento, dove, ovviamente il chiodo in pelle era protagonista. Benché sostanzialmente invariato nell’aspetto, il chiodo ha subito qualche lieve modifica negli anni per potersi adeguare alle mode del momento. Negli anni settanta viene decorato con borchie, catene ed altri accessori per seguire i dettami delle tendenze rockettare in particolar modo punk, da ciò si spiega il nome italiano “chiodo” ad indicare appunto un giubbotto chiodato. Tra le band che fecero del chiodo il loro simbolo, tra la seconda metà degli anni 70 e la prima metà degli 80, ci furono gruppi come i Sex Pistols e i Ramones, così come molti altri gruppi riconducibili al movimento punk.

looks are unchanged, leather jackets have gone through some adaptations through the years in order to be more fashionable. In the 70s leather jackets were decorated with studs, chains and other accessories in order to follow rocker fashion’s dogmas, especially from the punk universe, and this is why Italians call them “chiodo”: it was a spiked jacket.

Among the bands that made leather jacket their symbol in the second half of the 70s and in the first half of the 80s, there were the Sex Pistols and the Ramones, and many other bands who played punk music.

Gucci e la capsule collection in omaggio a Ken Scott Una capsule collection in cui Gucci reinterpreta le stampe di Ken Scott, “il giardiniere della moda”.

Il mondo allegro, colorato e pop dell’eclettico Ken Scott si è unito alla creatività di Alessandro Michele: entrambi hanno dimostrato l’amore per la varietà di colori e fiori, un Universo che prende vita nella capsule collection Gucci Epilogue: Ken Scott.

Gucci’s capsule collection in tribute to Ken Scott Gucci’s capsule collection reinterprets Ken Scott’s, the “fashion gardener”, prints. Ken Scott’s cheerful, eclectic, colored and pop world was combined to Alessandro Michele’s creativity: both have showed their love for colors’ and flowers’ variety, and their Universe was brought back to life in Gucci’s capsule collection Epilogue: Ken Scott. “Ken Scott was an extraordinary fabric creator” - Gucci’s Directive Creator stated – “He romantically represented flowers and he introduced them in the pop culture. He treated flowers as shop signs, he increased them, he made them stand out in his own charming way. I love his work because I’m obsessed with flower prints”.

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“Ken Scott è stato un grande creatore di tessuti” - ha dichiarato il Direttore Creativo di Gucci - “Ha rappresentato i fiori con romanticismo e li ha introdotti nella cultura pop. Trattava i fiori come fossero insegne di negozi, li moltiplicava, faceva in modo che risaltassero in maniera incantevole. Amo il suo lavoro perché sono ossessionato dalle stampe floreali”.

La proposta di capi e accessori ripercorre le stampe degli anni ‘60 e ’70 scovate nell’importante archivio realizzato da Fondazione Ken Scott e oggi di proprietà della famiglia Mantero: un incommensurabile tesoro creativo che può diventare cuore pulsante del rilancio del Made in Italy. Ad avvalorare questo progetto anche un Gucci Podcast, un appuntamento speciale con Shahidha Bari, scrittrice, accademica, critica e professoressa di Fashion Cultures and Histories al London College of Fashion della University of the Arts London, che racconterà della vita dello stilista americano, del suo lavoro e della sua influenza sulla moda contemporanea.

La proposta di capi femminili con stampe floreali tratte dall’archivio di Ken Scott include un cappotto, t-shirt, felpe, lingerie, top, pantaloni, gonne, blazer, camicie e abiti dalle linee fluide.

Tutti i capi sono caratterizzati da colori vivaci e di grande effetto. I capi maschili comprendono un cappotto, una giacca, un completo giacca e pantaloni (acquistabili separatamente), piumini, camicie e tute da ginnastica.

Celine - Gli anni 70 e il mito di Jane Birkin Le vacanze in questo momento sembrano un miraggio, ma ormai c’è chi, alcuni accessori che ricordano il mare e l’estate, li porta nell’ambiente urbano.

La borsa di paglia è uscita dal guardaroba vacanziero per entrare nella quotidianità cittadina: basta sostituire caftano e infradito con un jeans e una camicia bianca e un paio di espadrillas, e il gioco è fatto!

In foto scarpe con tacco firmate Gucci Capsule Collection

Gucci’s garments and accessories offer revisits ‘60s and ‘70s prints found in Fondazione Ken Scott’s archive, now property of the Mantero family: an immeasurable creative treasure that can be Made in Italy’s relaunch focus. In order to reinforce the project, Gucci has created a Gucci Podcast, a special appointment with Shahidha Bari, writer, academic, reviewer and professor of Fashion Culture and Histories at the London College of Fashion della University of the Arts London, who will tell the life of the American designer, his works and his influence on contemporary fashion.

Female garments with flower prints taken by Ken Scott’s archive include a coat, t-shirts, sweatshirts, lingerie, tops, pants, skirts, blazers, shirts and fluid designed dresses. The entire collection is characterized by bright colors and is of great effect. Male’s collection includes a coat, a suit (top and pants can be bought separately), down jackets, shirts and track suits.

Celine – The 70s and the myth of Jane Birkin At this very moment, holidays seem a mirage, but nowadays there are people who wear accessories that remind us of the sea and of summer even in the urban environment.

Straw bags have left our holiday closet and are now part of our daily life: you have to change your caftan and your flip flops with a pair of jeans, a shirt and a pair of espadrillas!

As Hedi Silmane, Celine’s Creative Director, teaches us, 70s perfect look isn’t made by fringed clothes and frills. On the contrary, the decade’s casual and free essence is synthesized in simplicity, in a shirt and pants look: discreet but paramount details, such as a basket bag, some rouches on a low-cut blouse and countersink on your jeans.

It’s a mix that has to be worn with Jane Birkin’s nonchalance: magnetic in her relaxed naturalness.

In foto borsa di paglia firmata Celine

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In foto abito firmato Alexander McQueen

In foto abito firmato Etro

Come ci insegna Hedi Slimane, Direttore Creativo di Celine, il perfetto look anni 70 non è tutto frange e fronzoli. Al contrario, l’essenza casual e libertina del decennio si sintetizza nella semplicità di un look camicia e pantaloni: fatto di dettagli discreti ma fondamentali come una bag a cestino, una balza di rouches sulla blusa scollata, e un accenno di svasatura sui jeans. Un mix da indossare con la stessa nonchalance con cui l’avrebbe portato Jane Birkin: magnetica nella sua naturalezza disinvolta.

Alexander McQueen – the 70s and their cult movies: Saturday Night Fever During the 70s, new and revolutionary ideas and trends came to life through film icons such as Tony Manero (John Travolta), an Italian-American adolescent who’s story is told in one of movie’s most famous cults, Saturday Night Fever (1977); the movie, directed by John Badham, brings on the screen the cultural problems and dynamics of those years: racism, drugs, emigration and sexual assaults.

Through the rhythm of Bee Gee’s pop, the movie has become the symbol of a generation, and the movie is now part of our collective memory. The sinuous movements, the hairstyles, the flashy dressed worn with naturalness were the ingredients of that symbolic and explosive mix.

For this year’s Alexander McQueen’s spring-summer collection, Sarah Burton has come back to London, to the brand’s home, and the collection points to the British maison’s essence: from the amazing and embracing shoulder pads, to the sculpted and light puff sleeves, from the drapes with butterfly wings shapes to top-corsets, and airy and wide ballerina skirts.

Alexander McQueen - Gli anni 70 e le pellicole cult: Saturday Night Fever Idee rivoluzionarie e nuove tendenze si diffondono negli anni ’70 anche attraverso le icone cinematografiche come Tony Manero (John Travolta), adolescente italo-americano protagonista di una tra le pellicole cult più famose La febbre del sabato sera – Saturday Night Fever (1977). Diretto da John Badham, il film porta sullo schermo dinamiche e problematiche culturali di quegli anni: dal razzismo alla droga, dall’emigrazione alla violenza sessuale.

Danzando al ritmo del pop sincopato dei Bee Gees, il film si trasforma in simbolo per un’intera generazione, contribuendo a scolpire La febbre del sabato sera nella memoria collettiva. I movimenti sinuosi, le pettinature, gli abiti vistosi indossati con

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grande consapevolezza sono gli ingredienti di un mix simbolico esplosivo.

Sarah Burton, nella collezione primavera estate 2021 di Alexander McQueen ritorna a Londra, ovvero ritorna a casa, una collezione che punta dritto all’essenza della maison britannica, dalle spettacolari e avvolgenti spalline alle scultoree ma leggerissime maniche a sbuffo, passando per gli inconfondibili drappeggi a forma di ali di farfalla, i top-corsetto, e le ariose e ampie gonne lunghe da ballerina.

Etro gli anni 70 e lo stile boho- gipsy Da quello hippie a quello country e folk, con dettagli etnici e gipsy: un vero e proprio mix fatto di elementi rubati dallo stile anni ‘70 e dallo stile navajo e gitano. Il boho si differenzia dallo classico etno chic perché è più romantico, è differente dal mood hippie perché fa uno sfoggio minore di colori accesi e preferisce tonalità pastello o nuance naturali.

Il termine boho deriva dalla parola bohémien, che vuol dire ‘zingaresco’, e vuole dunque indicare uno stile di vita libero, quasi ribelle; questa ‘libertà gispy’ influenza anche il modo di vestire e si traduce in look mai rigidi o troppo formali, in cui convivono anime differenti, come quella chic e quella gitana..

Abiti floreali da abbinare a giacche scamosciate con frange, stivali a punta, tessuti leggeri raccontati da una palette di colori che vanno dal beige al marrone, dal bianco al rosato, valorizzati dalle stampe elaborate che da sempre distinguono il brand.

Etro – the 70s and the boho-gypsy style From hippie to country and folk, with gypsy and ethnic details in a mix made by elements stolen from the 70s and from the Navajo and Gypsy style. The difference between boho and etno chic is that boho is more romantic, it’s different from hippie style because it doesn’t come with bright colors and it prefers pastel shades and natural nuances. The word boho comes from the word “bohémien” and it means “gypsy like”, for this reason boho fashion wants to celebrate a free way of living life, and rebels; this gypsy freedom influences fashion and the looks are never formal or stiff, they live of different souls, such as the chic one and the gypsy one…

Flower printed dresses must be combined with fringed suede jackets, with pointed boots, light fabric in color palettes from beige to brown, from white to rose, enriched by those elaborated prints that are the brand’s trademark.

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IL MERCATO DELL’ARTE POST BREXIT Il ruolo della Francia e la diffusione dell’arte italiana del dopoguerra Il futuro del mercato post covid: globalizzazione e specializzazione THE ART MARKET POST BREXIT France’s role and the promotion of Italian’s Post-War art The future of the post Covid market: globalization and specialization di/by MICHELE CASAMONTI

In foto Michele Casamonti

Michele Casamonti nasce nel 1970 a Firenze, in una famiglia di collezionisti e galleristi.

Il nonno inizia a collezionare artisti futuristi sin dai primi anni del dopoguerra. Il padre Roberto sviluppa la collezione con le avanguardie del dopoguerra. Michele Casamonti compie studi filosofici e umanistici presso l’Università di Firenze e l’Università di Ginevra, dove ottiene un dottorato in filosofia. Fino al 2006 si dedica alla ricerca e l’insegnamento nel Dipartimento di Filosofia, collabora alla ricerca presso la cattedra di filosofia Teoretica. Nel 1992, fonda la galleria Tornabuoni Art a Crans Montana, in Svizzera, e poi a Parigi nel 2009. Collezionista e gallerista, è specializzato in arte italiana del dopoguerra. Si dedica ad una intensa attività espositiva documentata da numerose monografie che contribuiscono alla promozione e valorizzazione di artisti italiani del dopoguerra come Lucio Fontana, Alberto Burri, Enrico Castellani, Paolo Scheggi, Alighiero Boetti, Emilio Isgró o Alberto Biasi, per citarne solo alcuni. Ha contribuito alla produzione e organizzazione di mostre dedicate all’arte italiana dagli anni 50 ad oggi, come in occasione delle ultime due Biennali di Venezia, in collaborazione con le fondazioni degli artisti Alighiero Boetti nel 2017, Alberto Burri ed Emilio Isgrò nel 2019.

Michele Casamonti was born in Florence in 1970 in a family of collectors and gallery owners.

His grandfather starts collecting futuristic artists’ works in the post-war period. His father, Roberto, increases the collection with the after war avant-garde. Michele Casamonti studied philosophy and humanities at the University of Florence and at the University of Geneva where he obtains his Phd in philosophy. Until 2006, he dedicates to research and to teaching in the Philosophy Department and works on researches and holds the chair in Theoretical Philosophy. In 1992, he creates the Tornabuoni Art gallery in Crans Montana in Switzerland, and then in Paris in 2009. He’s a collector and a gallery owner, and he’s specialized in Post War Italian art. His intense exhibition activities, documented by many monographs, have supported Post War Italian artist’s promotion and enhancement: Lucio Fontana, Alberto Burri, Enrico Castellani, Paolo Scheggi, Alighiero Boetti, Emilio Isgrò and Alberto Biasi, just to name a few. He has helped in the production and in the organization of exhibits dedicated to Italian art, from the 50s to today, such as the last two Biennale di Venezia, in partnership with the artist foundation Alighiero Boetti in 2017 and with Emilio Isgrò in 2019.

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L

o scacchiere internazionale dell’arte ha tre poli: Stati Uniti, Asia, Europa. I cambiamenti interni al mercato europeo, dopo la Brexit, sono sotto gli occhi di operatori e collezionisti. Il mercato europeo è stato negli ultimi decenni un mercato a trazione anglosassone e Londra la capitale europea del mercato internazionale. Sotheby’s e Christie’s tradizionalmente inglesi, vi gestivano tutte le principali transazioni internazionali. La Brexit ha stravolto questi equilibri nel mercato europeo in maniera radicale a favore non tanto di Italia, Spagna o Germania, bensí di quei paesi in Europa in grado di raccogliere questa eredità: in primo luogo la Francia, ed in particolare Parigi.

Ci sono molti fattori che fanno di Parigi la capitale nascente del mercato internazionale dell’arte. In primo luogo è bene non dimenticare che ormai tre delle quattro principali case d’asta al mondo, negli ultimi anni, sono diventate francesi. Christie’s è proprietà di Francois Pinault. Sotheby’s è stata comprata dal Franco-israeliano Patrick Drahi, Phillips è di proprietà del gruppo russo Mercury e il quarto, Artcurial, è francese. Sotheby’s, Christie’s e Artcurial gravitano in quello che è ormai diventato il nuovo polo dell’arte a Parigi, tra Avenue Matignon (Christie’s e Sotheby’s) e, a pochi metri di distanza, il Rond Point des Champs-Elysées (Artcurial).

Non ci sarà più un interesse specifico per svolgere transazioni a Londra, per adesso, sfavorita dalla nuova legislazione. Ormai vi sono una serie di complicazioni per trasferire le opere extra UE: passaggi doganali e costi aggiuntivi (in particolare per l’IVA) che noi europei dovremo pagare per importare un’opera acquistata in Gran Bretagna e che non avremo se la transazione avrà luogo in Europa.

Londra è ormai a tutti gli effetti come Zurigo o Ginevra e non c’è nessun particolare vantaggio per farne la sede delle transazioni europee.

In secondo luogo, mi pare si possa ormai constatare che Londra non ha gestito bene la Brexit: i rinvii negli ultimi 2 anni hanno messo a dura prova la programmazione delle gallerie e la movimentazione delle opere. Il gioco duro di Londra con l’Europa nel periodo di trattativa per la definizione delle condizioni di uscita dalla UE ha danneggiato la posizione di Londra come capitale indiscussa del mercato dell’arte in Europa. La trattativa prolungata per due anni, ha portato per ben due volte ad un Art Brexit. Mostre interrotte, esposizioni bloccate, opere rientrate d’urgenza per la minaccia di dover pagare l’Iva su tutta le opere d’arte che si trovavano in Gran Bretagna al momento in cui questa fosse diventata extra UE. Queste scadenze hanno di fatto penalizzato e persino paralizzato l’attività di molte gallerie.

Ad esempio, la mostra di Lucio Fontana e Alberto Burri nella nostra sede di Albemarle Street a Mayfair (con 70 milioni di euro di opere assicurate), è stata interrotta bruscamente a causa delle incertezze sulla Brexit. La procedura di Art Exit a mezzanotte avrebbe comportato il rischio di pagare il 10% di IVA per il rientro delle opere in Europa a fine mostra. La gestione è diventata molto complicata. Le prospettive incerte, del resto,

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In the international board there are three different poles, USA, Asia and Europe. Collectors and operators are aware of the European market’s changes, especially after Brexit.

In the last decades the European market has been led by the Anglo-Saxon world and London has been its capital city. Sotheby’s and Christie’s, both English by tradition, managed Britain’s most important transactions.

Brexit has upset the existing equilibrium and has not promoted Italy, Spain nor Germany, but those who were able to continue the legacy: France, and particularly Paris.

There are many different factors that make Paris the new leading capital of art’s international market. Firstly, let us not forget that, in the last few years, three out of four of world’s main auction houses have become French. Christie’s was bought by Francois Pinault. Sotheby’s was bought by the French-Israeli Patrick Drahi, Phillips is owned by Russian group Mercury, and Europe’s fourth player, Artcurial, is French. Christie’s and Sotheby’s headquarters are now in Paris’ art center, in Avenue Matignon, and a hundred meters away from Rond Point des Champs Élysées, where you find Artcurial.

At the moment there’s not a primary interest or a particular reason to conduct transactions in London, disadvantaged now by new legislations. It’s also hard to move all works and pieces because Britain is now an extra UE country and relocations will have to deal with new burocracies and customs we never had and that now are essential.

Going to London is like going to Zurich or to Geneva, and there’s no point or benefit in electing London as Europe’s transactions headquarter.

Secondly, we now may say that London mismanaged Brexit: the postponements of these last two years have put a strain on galleries’ programs and on works’ movements. London’s playing hardball with Europe during the negotiations for its exit from the UE has damaged London’s role in Europe’s art market. This two years long negotiation process has led twice to an Art Brexit. The exhibitions that were interrupted, the paintings that were quickly moved back to their countries because of the fear of the taxes that could have been put on every single painting in Great Britain in the moment the country would have become extra UE have penalized and paralyzed most galleries’ activities.

For example, the Lucio Fontana’s and Alberto Burri’s exhibitions held in Albemarle Street in Mayfair, with over 70 million Euros of assured works, were roughly interrupted because of Brexit’s uncertainties. Midnight’s Art Exit would have led to the payment of 10% of the taxes in order to move all the paintings back to Europe. In front of the risk of paying 7 million Euros to be added to IVA, we chose to stop the exhibit. And so did many others, and not just one time, but for three times in the last four years.

Management has become extremely difficult. The uncertain prospects led to a real estate crash in London, especially in Mayfair, and in particular on commercial real estates.

If in 2015 finding a place in Mayfair was like winning the lottery, today it’s spoiled for choice.

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hanno portato anche ad un ribasso consistente dell’immobiliare, soprattutto in Mayfair, ed in particolar modo l’immobiliare commerciale. Se nel 2015 trovare uno spazio espositivo in Mayfair era come vincere una lotteria, oggi c’è solo l’imbarazzo della scelta.

La Gran Bretagna, nonostante le molte carte da giocare (come la concorrenza fiscale) per adesso è ancora visibilmente disorganizzata e le prospettive sono tutt’altro che chiare. La paralisi nei trasporti, le code doganali (a momenti interminabili), cosi come i tempi di consegna che non sono più una certezza. Il Paese sta passando un momento critico, aggravato naturalmente dalla variante pandemica. Sia chiaro, Sarà un periodo breve.

Londra risorgerà… Certo è che, in questo momento, non c’è nessun motivo per investire su Londra ed il mercato dell’arte europeo si sta di fatto riorganizzando a vantaggio di Parigi che, al momento, sembra unica candidata a raccogliere l’eredità della capitale inglese.

Tornabuoni Arte, sceglie di sospendere l’attività espositiva a Londra per tutto il 2021, ed elegge come galleria internazionale di riferimento la sede, totalmente rinnovata, al 16 di Avenue Matignon a Parigi.

In terzo luogo, La Francia ha una politica culturale senza uguali al mondo. Parigi è la capitale europea che negli ultimi decenni più ha investito nella cultura e nell’arte, soprattutto nell’arte contemporanea.

La Francia ha investito non solo nella conservazione del patrimonio storico, ma ha dedicato ingenti risorse proprio per la conservazione e valorizzazione dell’arte moderna e contemporanea. Non solo attraverso la costruzione di grandi poli museali (primo tra tutti il Centro Pompidou), ma anche a livello regionale si è dimostrata estremamente illuminata con i F.R.A.C. (i Fondi Regionali per l’Arte Contemporanea).

La prima missione dei FRAC consiste nel costituire una collezione diffusa e capillare sul territorio. Si tratta di una collaborazione originale e unica al mondo tra lo Stato centrale francese e le 24 regioni periferiche. Ogni FRAC ha una storia diversa, una collezione propria e un programma di attività collaterali che permettono un’identità a sé stante. Diversamente dai Musei o Centri d’Arte, i Frac non sono associati ad un unico luogo di esposizione. Ogni collezione è considerata un patrimonio nomade, ricca di strumenti pedagogici, che si sposta all’interno del paese e all’estero. Questo principio di mobilità le rende principali attori di una ridistribuzione della cultura sul territorio riducendo le disparità geografiche, sociali e culturali e favorisce l’accesso all’arte contemporanea ad un pubblico diversificato. Il ruolo di diffusione dei FRAC spinge i paesi a presentare diversi progetti simultanei nella loro regione grazie all’interazione e i gemellaggi con altre istituzioni pubbliche e private come i musei, centri d’arte, spazi municipali, scuole d’arte, istituti superiori, università, gallerie, parchi, associazioni di quartiere, a volte anche centri ospedalieri.

Un quarto aspetto: la Francia ha una legislazione estremamente attenta al collezionismo di arte moderna e contemporanea.

Great Britain, despite tax competition and its asset extra UE next to Europe, is now completely disorganized and its prospects aren’t clear. Transports are paralyzed, custom lines are endless and shipping are not a given anymore. The country is living a critic moment, and the pandemic has worsen the situation. Maybe it won’t take long and London will rise again…but surely, at this very moment, there’s no reason to invest in London, and the art market is moving to Paris, the city that seems to be able to continue London’s legacy.

Tornabuoni Arte has chosen to suspend its exhibition activities for the entire year and to move back to its old and renewed headquarter in Avenue Matignon 16 and to turn it into international’s reference gallery.

Thirdly, France is a country with an extraordinary cultural policy, unparalleled in the world. Paris is the European country that has invested the most in art and in culture, and in the last decade, in contemporary art.

France has not only invested in the preservation of their historic heritage but has believed in modern and contemporary art’s development. France hasn’t just built museums (starting from the Centro Pompidou): the country has proved to be fore-sighted through the famous F.R.A.C, the Regional Funds for Contemporary Art. FRAC’s mission consists in the making of a collection that will be promoted through public bodies, and in the creation of new forms of sensibilization in order to find new ways to promote culture.

FRAC were born from the collaboration of the State with 24 French regions. Every FRAC has a different story, its own collection, activity program and identity. Unlike museums and art centers, FRAC aren’t associated to one exhibition area. Every collection is seen as a nomadic heritage and as a pedagogic tool that moves throughout the whole country and even outside its borders. Thanks to their mobility, these collections have become the main actors of cultural redistribution, means to reduce geographical, social and cultural disparities and to promote contemporary art to a diversified audience. FRAC makes countries host simultaneously different collections thanks to the interactions and the partnerships with other private and public bodies such as museums, art centers, art schools, colleges, universities, galleries, parks, neighborhood associations and, sometimes, hospitals.

Every single region invests in art. When you build a building, taxes may be reduced up t 1% if the investments are referred to art, and especially to contemporary art. The whole system is attentive towards the promotion and collection of contemporary art on the territory, and especially in Paris.

The legislation on art’s circulation is committed and precise, and not at all ambiguous. France is a rigorous country: when a 50+ year old piece of art is notified, the State gains a three years long right of acquisition, otherwise the piece of work is free to move again. This means works don’t get blocked but bought and they become part of its national cultural heritage.

Italy’s law is completely different and art’s mobility is left to superintendencies (a few years ago) and commissions (more recently).

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Per ogni nuovo edificio è consentito destinare ad opere d’arte (detassando) fino all’1% del costo complessivo dell’edificio. E quindi è un sistema attento alla raccolta di arte contemporanea in tutto il territorio e in particolare Parigi. Inoltre, il paese si è dotato di una legislazione estremamente precisa e non ambigua sulla circolazione di opere d’arte. Quando un’opera con piú di 50 anni viene notificata, lo Stato esercita entro 3 anni il diritto di acquisizione, in caso contrario viene autorizzata la libera circolazione dell’opera. L’opera notificata, quindi, non viene semplicemente bloccata, bensì acquisita ed entra a far parte del patrimonio culturale nazionale. Questa misura disincentiva la fuga clandestina di opere che invece affligge il nostro paese. In Italia, la possibilità di impedire l’esportazione delle opere d’arte è lasciata quasi esclusivamente alla discrezionalità delle sovraintendenze locali (fino a pochi anni fa), e delle commissioni centrali preposte (più di recente). Tuttavia, troppo spesso un’opera viene notificata e -in assenza di fondi per acquistare il bene- la notifica si traduce in una sciagura che non protegge, ma semplicemente devalorizza l’opera oggetto di notifica. Si tratta, in ultima analisi, di una legge (involontariamente) criminogena, cioè rischia di favorire comportamenti non legali di esportazione di opere d’arte.

Quinto aspetto: Parigi è oggi la capitale con la più ricca offerta culturale al mondo. Un appassionato d’arte che decida di fermarsi per qualche giorno a Parigi si trova quasi disorientato dalla vastissima offerta di mostre, eventi, musei, collezioni permanenti e centri espositivi. In primo luogo naturalmente : il Pompidou, il Louvre, la Fondazione Louis Vuitton, la Fondazione Pinault, Musée du Luxembourg, l’Orangerie, le Musée d’Orsay, il Museo d’Arte Moderna, il Palais de Tokyo, per citarne alcuni… La proposta di mostre inedite e di eventi culturali ormai non è seconda a nessuna altra città al mondo ed è in ogni caso più articolata della stessa Londra.

Anche con riferimento alla presenza di gallerie private, ormai la capitale francese non è seconda a New York, Honk Kong o Londra.

La Francia ha capito forse prima di altri paesi europei che la cultura non è un costo, ma il turismo culturale è una risorsa. Non ci sono solo i monumenti da visitare e le collezioni da conservare, ma il turismo legato all’arte contemporanea che, oltretutto, è un turismo d’élite.

Per l’insieme di tutti questi aspetti la Francia è strutturata molto meglio dell’Italia per raccogliere l’eredità della Gran Bretagna. E Parigi in particolare sembra destinata a raccogliere la posizione che Londra ha incontestabilmente assunto negli ultimi decenni nel mercato dell’arte.

L’arte italiana tuttavia ha buone carte da giocare in Francia. I francesi hanno una tradizionale attenzione verso la creatività del nostro paese. Il Pompidou ha certamente la più ricca collezione d’arte italiana del xx sec fuori dal nostro paese. Non penso che l’Italia debba abdicare a un ruolo che fino a poco tempo fa era rilevante anche nel mercato dell’arte moderna e contemporanea. Fino a pochi anni fa, infatti, Milano era tra le prime 10

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Too often pieces of art are notified even when there are no money to buy them, blocking and devaluating art works. This law is (unintentionally) criminogenic and promotes illegal behaviors.

Fifth aspect: France has made Paris world’s richest city in terms of cultural offers.

An art lover who decides to stay in Paris for a couple of days could be disoriented by such a great offer of museums, events, exhibits, permanent exhibits, exhibition centers. Starting from the Pompidou, the Louvre, Jacquemart-André, the Vuitton Foundation, the Pinault Foundation, le Jardin du Luxembourg, the Orangerie, the Gare d’Orsay, the Modern Art Musuem, the Palais of Tokyo, just to name a few…The city is full of new and unseen exhibitions, and Paris is second-to-none, its offer is even more articulated than London’s.

When it comes to private galleries, Pairs is at the same level of New York, Hong Kong and London.

France has understood cultural tourism’s potential. There’s more to monuments and to collections that must be presevered, and Paris’ tourism revolves around contemporary art and its tourism for the elites.

For all these reasons, France is structured to continue Britian’s legacy, and Italy isn’t. And Paris seems to be meant to take on what has been for years London’s role on art’s market.

The investments on modern and contemporary art have turned Paris into world’s main art capital. When it comes to galleries, Paris in an international crossroad: South American, North American, Asian collectors always pass by Paris. and has built a synergy with private galleries’ activities., that we have even here in Italy.

Anyway, Italian art has some cards to play in France. French love Italian art and especially Italian contemporary art.

One of Italian’s best art collections is in Pompidou and it’s second to none, and especially to the collections we host in our museums. We mustn’t forget Italy, and we don’t think Italy should abdicate and leave what once was its decisive role.

Milan was one of the five world’s most important cities for art transactions. Until 2010 Italian and Belgian collectors were known as the most active. And we still have excellence. Our gallery system is good, there are passionate and competent collectors and gallery owners. It may seem trivial, but whoever knows world’s art market, knows that they’re not easy to find: you can’t find them in the USA, in Germany nor in Great Britain. Italians had to become gallery owners and collectors in order to compensate for our State’s lack and in the total absence of a cultural policy on contemporary art. Italy has some cards to play in France and we do have an extraordinary presence on French territory.

Pompidou’s collection was organized by some of the best art lovers, such as Bernard Blistène, today’s director, and many other famous curators. Pompidou’s very attentive to Italian art, the exhibition is permanent and there are always areas dedicated to our art. Italy’s galleries in international fairs held in France is regular.

Tornabuoni Art is the main actor of Italian art promotion in France.

We’ve been in the business for about ten years, we’ve collaborat-

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città al mondo per le transazioni di opere d’arte. Una rete diffusa sul territorio (soprattutto nel nord d’Italia) di collezionisti attenti erano rinomati per essere (insieme ai collezionisti belgi) tra i più attivi in Europa. Da questo punto di vista abbiamo ancora delle eccellenze straordinarie. Abbiamo un sistema di galleristi di buon livello, che sono -in molti casi- loro stessi appassionati collezionisti. D’altra parte, anche la presenza di gallerie italiane nelle fiere internazionali in Francia è costante.

Tornabuoni art ha speso energie negli ultimi anni per la diffusione dell’arte italiana in Francia. In poco più di dieci anni, si è consolidato un rapporto con le istituzioni. Il prestito di opere ai musei è ormai una costante: in questo momento, ad esempio, quasi una decina di opere di Lucio Fontana e Alberto Burri provenienti dalla galleria sono esposte in musei e ad istituzioni francesi. Quello che all’inizio era un rapporto sporadico ora è una costante. Proprio di recente Parigi ha attirato nuovi galleristi italiani e internazionali.

Fino a pochi anni fa per molti colleghi sembrava indispensabile posizionarsi in capitali come Hong Kong, New York o Londra.

Ora la nuova meta è diventata Parigi. Colleghi italiani come Continua o di recente De Carlo si sono stabiliti nella capitale francese, cosi come molti altri nomi internazionali come Gagosian, Levy Gorvy, Almine Rech.

La programmazione parigina di Tornabuoni art è costantemente dedicata all’arte italiana.

La stampa è stata molto generosa verso la nostra attività. Sono stati dieci anni straordinari a Parigi (la galleria è stata inaugurata nel 2009 con una mostra con 70 tele di Lucio Fontana). Credo anche che Tornabuoni Arte abbia svolto un ruolo positivo per cui il pubblico dei collezionisti francesi oggi conosce meglio non solo i nomi delle grandi avanguardie del dopoguerra, ma anche autori meno noti ma comunque decisivi per la scena culturale italiana tra gli anni 60 e 80 del secolo scorso. Fontana, Burri, Pistoletto, Boetti, Manzoni, Pomodoro, Dorazio, sono notoriamente presenti in tutti i musei. Ma anche Scheggi, Dadamaino, Biasi, Ceroli e Mambor, sono artisti significativi che l’attività di galleria ha contribuito a far conoscere al pubblico dei collezionisti d’oltralpe. Inoltre, grazie ad un lavoro costante di programmazione ed esposizione dal 2010 al 2020 opere di Ceroli, Dadamaino, Alberto Biasi, Isgrò, Pomodoro sono entrati a far parte della collezione dello Stato francese.

Emilio Isgrò ha un’opera meravigliosa, il Cristo Cancellatore, al Centro Pompidou. La Cassa Sistina, la famosa opera con cui Ceroli vinse il Premio della scultura alla Biennale di Venezia nel ’66, oggi fa parte della collezione permanente dello stesso museo. Così anche Alberto Biasi, Afro Basaldella e Dadamaino. Arnaldo Pomodoro, che ha quarantasette monumenti nel mondo, compreso Parigi (al Palazzo dell’Unesco di Parigi), non era presente al Pompidou. Da quest’anno, l’acquisizione è in corso : il celebre scultore italiano entra a far parte della collezione permanente del museo con un’opera meravigliosa del 1957. Siamo felici di aver reso possibile questa ulteriore presenza italiana in terra francese.

ed with French institutions, with lent many works to French museums. At the moment, ten of my Fontana and Burri works are in the hands of French museums and institutions.

What once was occasional, now is a tradition. We’ve collaborated with museums in the creation of exhibits and we’ve sold works to French museums, exclusively Italian works.

We’re taking the role that once was galleries’ and that’s not the role museums have, but we do have one. At first we were the only ones, but we opened the way for many other Italian colleagues.

Paris is attracting many international and Italian gallery owners.

Years ago you had to be in Hong Kong, New York or London, now you have to in Paris. Tornabuoni art’s Parisian program is dedicated exclusively to Italian art, despite us being in France.

The press has been very warm and generous with our activities.

There’s a need and a hole that, in some part, we’re helping to fill, but these ten years in Paris have been extraordinary (the gallery was launched in 2009 with an exhibition dedicated to 70 Fontana works) and we grew a lot, and I even think we contributed to the promotion of Italian art and of our activities. But I’m not just talking about Fontana or Burri, we also presented the works of niche artists that would have never been displayed in French museums, and Fontana, Burri, Pistoletto, Boetti and Manzoni or Pomodoro are notoriously exposed in museums.

Scheggi, Dadamaino, Ceroli and Mambor are niche artists and they hardly would have ever made it to France.

We helped completing Italian presence in France and, thanks to our hard work, they’ve become part of French public collections.

We did it through our programs and our exhibitions in a ten-year period time, from 2010 to 2020. Ceroli, Dadamaino, Alberto Biasi, Isgrò, Pomodoro, Afro are now part of the State’s collection.

Emilio Isgrò’s marvelous Cristo Cancellatore is part of Pompidou’s collection. Cerioli’s famous Cassa Sistina, the work with which he won the Leone D’Oro in Venice’s Biennale in 1966, is also part of Pompidou. And so are Alberto Biasi, Afro Basaldella and Dadamaino. Arnaldo Pomodoro, who’s 47 monuments you can find all over the world and in Paris (his twelve meter high statue is in the Unesco Palace), wasn’t part of Pompidou’s exhibit. But this year Pompidou’s buying his work, and his piece of art, dated 1957, will now be part of the collection.

On an international level, in addition to Brexit there are at least two more elements that are going to change art’s market in the next three or five years. The pandemic has contributed in the building of collectors’ remote relationships. Remote relationships will never replace the emotions we feel through physical ones.

But until 2017 or 2018 the world market had us moving to our headquarter in London, Paris, New York or Hong Kong. Today’s answer to post Covid globalization and online relationship’s penetration in art’s market has stopped headquarters’ proliferation and has concentrated on the creation of a specific exposure for each player.

Tornabuoni is known as Italian’s Post-War leader, and so Fontana, Burri, Manzoni, Boetti, Castellani and so on.

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Oltre alla riorganizzazione del mercato dell’arte post Brexit, ci sono altri elementi che concorreranno a cambiare il mercato dell’arte da qui a pochi anni. Con il Covid si è rafforzata la presenza on line delle gallerie e, in ultima analisi, si è sviluppato un rapporto con molti collezionisti anche “in remoto”. Naturalmente la relazione on line non sostituirà mai l’emozione del contatto fisico con l’opera. Sarebbe miope non comprenderlo.

Tuttavia qualcosa sta cambiando e forse sarà un cambiamento irreversibile. Fino al 2018 la globalizzazione imponeva alle gallerie che aspiravano ad una dimensione internazionale l’apertura di sedi nelle principali capitali come Londra, Parigi, New York o Hong Kong, Nel post covid, con la diffusione dei rapporti on line, la risposta alla globalizzazione si darà in termini nuovi. Assisteremo sempre più alla specializzazione di ciascuna galleria in un ambito culturale definito, nel quale il gallerista dovrà emergere some specialista di riferimento.

Viene meno la necessità di moltiplicare sedi in diverse capitali internazionali. La risposta alla globalizzazione, che fino a pochi anni fa era per lo più organizzata attraverso moltiplicazione delle sedi espositive, adesso sembra orientarsi verso un rafforzamento della specializzazione di ciascun operatore e del suo accreditamento sul web. Questo comporta investimenti diversi: editoria, Internet, eventi specifici e quindi un’attività intensa non tanto “in più sedi”, quanto ormai prevalentemente “fuori dai perimetri della galleria”. Dalle fiere, alle collaborazioni con i musei, ai prestiti internazionali nelle istituzioni pubbliche. La specializzazione in un certo ambito, la curatela è fondamentale forse anche più della capacità di raccolta. Le gallerie di mercato secondario dovranno avvicinarsi nel modo di sviluppare la propria attività alle gallerie di mercato primario, moltiplicare gli sforzi di edizione e documentazione anche su artisti storici, alla ricerca di un accreditamento e specializzazione. Per dare un esempio di questo processo posso citare il fatto che in questo momento stiamo lavorando su materiale inedito e un’importante pubblicazione in vista della prossima mostra a Parigi dedicata a Carla Accardi e Dadamaino. Due straordinarie donne, anzi, forse le due principali figure femminili in un panorama tutto maschile in Italia. Allo stesso modo abbiamo lavorato per l’esposizione, bloccata dal Covid, su Salman Alì e Alighiero Boetti. Salman era lo straordinario amico e assistente di Alighiero.

Per ventitré anni Salman è stata una presenza costante accanto all’artista torinese. Abbiamo lavorato un anno per dare vita ad una mostra e pubblicare una documentazione inedita incentrata su questo rapporto. Per l’occasione verrà presentato sia in Italia che in Francia un libro con materiale inedito.

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Globalization is built through each player’s specificity and through exposure’s increase in virtual or physical fairs, during the exhibits or the events help outside the galleries.

There’s no need to open many different galleries, this new specialized art world is moving more and more. Players don’t have to open headquarters all around the world, the trend is inverting.

This is not the clothes or the food industry and we don’t have to increase our sale points. But in a high level market you must be recognizable and make sure buyers will come to you because they want the opinion of a specialist. So our new answer to globalization is brand reinforcement, a specialization. In a nut shell, we’re less spin doctors, galleries must be specialized in one sector and be visible. The means books, publishing, internet, specific events and many out-of-the-gallery activities: from fairs to collaborations with museums, international loans in public institutions, and, in order to be a specialist, you musn’t only own something, and collect something your competitors don’t have, but you must do research. Attention is paramount. Minor market galleries, the ones that buy and sell, must become primary market’s galleries and do more cultural work, more editing and research on historic artists, and this will make galleries known and recognizable, even in Rio de Janeiro or Tokyo.

It’s an accreditation work requires a less commercial role and a more gallery one, and this is what we’re doing with our new exhibits on Piero Dorazio and then on Carla Accardi and Dadamaino, two brilliant women and maybe the two main female figures in an all-male environment.

We’re working on an exhibit that has been stopped by the pandemic, it’s amazing and it’s about Salman Ali and Alghiero Boetti.

Salman was the Alghiero’s brilliant friend and assistant and the exhibit wants to tell their relationship. For 23 years Salman and Alghiero were the one the shadow of the other, and we will have an unpublished book, and the exhibit will be held in Italy and in France.

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PER UN PERCORSO NELLE FORME FRANCESCA PASQUALI A PATH TROUGH SHAPES FRANCESCA PASQUALI di/by ILARIA BIGNOTTI

M

aturato in oltre dieci anni di intensa ricerca, il lavoro di Francesca Pasquali necessita oggi di una analisi sorvegliata e puntuale rivolta ai diversi cicli di opere, ciascuno dei quali si sviluppa sulla base della natura e della conformazione del materiale, più trovato e scoperto che cercato e selezionato dall’artista, in un percorso di meraviglia e stupore che lei stessa vive per prima, per trasmetterlo poi con sensibile incidenza al pubblico.

Così scrivevo qualche tempo addietro, presentando una delle ultime ‘fatiche’ di Pasquali nel contesto della Biennale Giovani Artisti di Monza: “[...] un vero e proprio magma cromatico, rispetto ai toni pacati dei neri, dei grigi, dei bianchi e delle terre delle altre opere proposte, è il lavoro di Pasquali: l’artista osserva il non visto, ne scova la potenzialità, lo raccoglie e moltiplica, in un processo di ricomposizione e riconnotazione dell’esistente”.

Spiderball Clouds, questo il titolo intelligentemente dato alla sua straordinaria creatura artificiale, eppure pulsante di vita, fatta di centinaia di ragnatori colorati: quegli oggetti di uso quotidiano, spesso destinati a restare in disparte rispetto alle primarie attenzioni che riserviamo ad altri più accattivanti, e che Pasquali invece riscopre quali potenziali attivatori di una indagine plastica processuale e conoscitiva. L’esperienza quale scelta obbligata dunque, viaggio periglioso ed emozionante tra la tradizione e l’innovazione, percorso artistico che non ha libretto di istruzioni o sicurezze acquisite, ma che va vissuto nel suo farsi, con accorta lentezza, tra tradizione e innovazione: “[...] come la continua frizione del legno duro della tradizione e di quello dolce del presente: sempre potenzialmente drammatica, ogni volta magicamente viva”.

Il fascino della sua opera è proprio in questa semplice, coraggiosa scelta: l’arte si fa e nel farla la si conosce; il progetto è solo una idea che può essere stravolta nel corso dell’operazione di assemblaggio, composizione, allestimento. Il divenire pertiene alla sua opera e in essa scorre come una linfa tra artificio e natura. Al nostro stupirci si stupisce con noi tanto l’opera quanto l’artista: un abbraccio sinestetico, vitalistico e carico di speranza, capace di dichiarare che la vita continua a scorrere, in un ricciolo inerte di plastica, lungo le sottili cannucce e tra i delicati filamenti di setole.

After over ten years of intense research, Francesca Pasquali’s work requires a proper and complete analysis to understand her pieces of art’s different cycles, since each work develops on material’s nature and conformation, found and discovered by the artist more than looked for and selected, in a journey made of wonders and amazement she lived and then conveyed with great affect to her public.

So I wrote some time ago while presenting one of Pasquali’s last “efforts” at Monza’s Biennale Giovani Artisti: “[…] compared to the calm shades of black, grey, white and of earth tones, her work is a true chromatic magma: the artist observes the unseen, she digs up its potential, she brings it together and she increases it in a reassembling and re-connotation process of the existing”.

Spiderball Clouds is the title she intelligently gave to her extraordinary artificial, yet still pulsing with life, creature made by hundreds of colored cob-web brushes: one of those objects of our everyday life that stands aside if compared to all the attentions we reserve to the more appealing ones, and that Pasquel has rediscovered as potential activators of a cognitive and plastic procedural investigation. Experience is a judgement call, a perilous and exciting journey through tradition and innovation, an artistic path that doesn’t have an instruction book or certainties, and that must be lived in its making, with slowness, in between tradition and innovation; “[…] as tradition’s hard wood continuous rubbing and present’s sweet one: always potentially dramatic, each time magically alive”.

The charm of her work of art consists of this simple and brave choice: art must be made, and you know art in its making; the project is just an idea that can be distorted during its assembly, its composition, its preparation. Becoming is part of the work of art and, like lymph, it flows between artifice and nature. Our amazement amazes the piece of art and the artist as well: a synaesthetic and vitalistic hug, full with hope, capable of saying that life still flows in an inert plastic curl, along the thin straws and the delicate bristle strands.

A lovely and patient act embraces these materials, and symbolically, ourselves: art comes to life where unexpected happens.

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ILARIA BIGNOTTI

Un atto amorevole e paziente accoglie questi materiali e simbolicamente noi stessi: l’arte nasce dove l’inatteso accade.

NET SHAPES I fili di neoprene sono uno dei primi materiali ai quali si è rivolta l’esperienza plastica di Pasquali: avvolti a formare Bozzoli di diverse dimensioni, luoghi protettivi della sua identità e gusci zoomorfi cui affidare una possibile rinascita, oppure intrecciati o colanti da anime metalliche, a creare tappeti e patterns sorprendentemente tesi tra organico e inorganico, o ancora architettonicamente intesi quali spazi vivibili: la forma segue di nuovo la funzione, ma nuove potenzialità di uso sono suggerite al pubblico dalle forme plastiche dell’artista, instancabile alchimista delle cose, profonda conoscitrice dell’anima della materia.

DRINGBELLS SHAPES Ad alcune opere che sono diventate numerose fino a formare dei veri e propri cicli, si confrontano invece singoli progetti in un futuro forse destinati ad evolversi e ad arricchirsi di potenzialità. È il caso di Driiing, presentato per la prima volta nel contesto della mostra personale da me curata al MAR di Ravenna, nel contesto della manifestazione “Critica in arte”. L’occasione era stata dettata da una indagine sul concetto e sul processo musivo contemporaneo che Pasquali aveva declinato anche in questa opera sperimentale, composta da centinaia di piccoli campanelli azionati da un sensore che in base alla vicinanza del pubblico attivava uno scampanellio irriverente e inatteso, facendo vibrare la massa plastica dei piccoli componenti dell’installazione.

STRAWS SHAPES Sicuramente ad oggi il materiale con il quale Pasquali è più riconosciuta, le cannucce sono una straordinaria scoperta del suo operare creativo: tagliate a diverse lunghezze, sono composte su tavole o più recentemente plexiglas specchianti, a formare superfici vibratili che a seconda delle scelte cromatiche – dal monocolore alle trasparenze, alle tavolozze pittoriche vivaci e cariche di tonalità diverse – delle tipologie delle cannucce, più o meno larghe di diametro, nonché delle dimensioni – le opere possono andare da alcune decine di centimetri a metri di lunghezza – acquistano potenzialità plastiche e relazionali con lo spettatore: ora rievocano fondali marini, superfici lunari, croste terrestri in magmatica trasformazione; altrimenti sono occhi curiosi, pareti fonoassorbenti, tessuti volubili e mutevoli davanti ai quali lo spettatore diventa fruitore attivo e stupefatto, curioso e instancabile di giocare con le forme delle opere.

Recente la sperimentazione con proiezioni luminose e un sistema di interazione con il movimento del pubblico di tipo Kinect: in uno spazio oscurato, 39000 Light Straws, questo il titolo dell’installazione che si avvale della collaborazione di una video maker e di un visual deejay, Carlotta Piccinini e Andrea Familari, invita il pubblico a muoversi dinanzi all’opera. Il sensore coglie i movimenti che si traducono in fasci luminosi proiettati

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NET SHAPES Neoprene treads are one of the first materials Paquali used for her plastic experience: wrapped into cocoons of different shapes, they’re the protective spaces of her own identity and the zoomorphic shells rebirth is entrusted to, or they’re woven and leaking from metallic souls and they create carpets and patterns stretched between organic and inorganic, or even architecturally and intended as living spaces: shape follows its function, but its new potential form of use are suggested to the public through artist’s plastic shapes, she’s a tireless alchemist, with a deep knowledge of substances’ soul.

DRINGBELL SHAPES Aside from the numerous pieces of art that have become cycles, the single projects, maybe, in the future, will evolve and will be enriched by potential. This is the case of Driiing which was presented for the first time in a personal exhibit I worked on in Ravenna’s MAR for the “Critica in arte” event. The occasion was provided by an investigation on contemporary mosaic process and on its conception that Pasquali declined in this experimental work made by hundreds of small bells powered by a sensor that, based on audience’s proximity, makes the plastic elements vibrate and creates an unexpected and irreverent jingle.

STRAWS SHAPES Surely, the material Pasquali’s most known for are straws, and they’re an extraordinary discover for the creative process; cut in different lengths, they’re composed on tables or, more recently, on mirrored Plexiglas in order to create vibratile surfaces depending on the chromatic choice – from monochrome to transparency and bright palettes made by different tonalities – on straws diameter, and on their size – the pieces of art range from few hundreds centimeters to meters in length – to gain plastic and relational potential with the audience: they recall seafloors, lunar surfaces, Earth’s crusts’ magmatic transformations; otherwise they’re curious eyes, acoustic walls, volatile and mutable fabrics in front of which the audience becomes an active and amazed user, curious and tireless to play with the work’s shapes.

Her experiment with light projection and with Kinect audience’s movement system is recent: 39000 Light Straws is the name of the exhibit where, in a dark space, in partnership with a video maker and a visual deejay, Carlotta Piccinini and Andrea Familari invite the public to move in front of this piece of art. The sensor is able to catch the movements and to transit light on the work, transforming it into a mutable galaxy that depends on the feelings - on the “being”, to use a phenomenological term – of the audience that stands in front of the object.

FRAPPE SHAPES Just by the title, it’s an identity statement. In the last few years, Pasquali has experimented the Frappe and the curvilinear plastic potential of white, grey and black neoprene industrial offcuts. The Frappe are assembled in wooden spirals and are protected by

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sull’opera, rendendola così galassia mutante in base al sentirsi – all’‘esserci’, per usare un termine fenomenologico particolarmente calzante – dell’altro dinanzi all’oggetto.

FRAPPE SHAPES Dichiarazioni di identità sin dal titolo, le Frappe sono lavori ai quali Pasquali si dedica da qualche anno, sperimentando le potenzialità plastiche curvilinee dei ritagli industriali di neoprene bianco, grigio, nero. Assemblati in volute su anime di legno e protetti da cornici metalliche, le Frappe sono oggi arrivate a un livello notevole di sperimentazione: selezionata tra i finalisti del Premio Henraux posizionatasi al secondo posto, Pasquali ha realizzato in quella occasione una Frappa di marmo bianco, virtuoso modello di transizione materica, exemplum pregiato di una ricerca instancabile e capace di estendersi dal micro al macro, dal materiale industriale a quello della tradizione accademica. Senza frattura alcuna, Pasquali concepisce la sua opera plastica ora per via di levare ora per via di aggiungere, in un coraggioso gianismo creativo che risponde solo in base alle regole non scritte della materia. Un’altra ardita sperimentazione è nella Frappa di pane che recentemente Pasquali ha prodotto per una mostra tematica ovviamente connessa a Expo 2015: eclatante in questo caso, sebbene sempre presente nella sua ricerca, il livello olfattivo delle ruches materiche, testimonianza di quella sensibilità sinestetica cui si faceva cenno in apertura e che mai abbandona l’operare dell’artista.

BRISTLES SHAPES Il lavoro con le setole si colloca in una fase avanzata della ricerca di Pasquali: le setole sono assemblate in contenitori di legno e cornici metalliche, disposte in modo tale da formare una superficie soffice e compatta, monocroma oppure sfumata da una tonalità all’altra, in una transizione coloristica che conferisce un quieto movimento virtuale all’opera. Certo vi respiriamo echi e reminiscenze dei linguaggi poveristi, oramai stabilmente asseriti quali precedenti storici dell’indagine di Pasquali, ma ancor prima direi che nel ciclo delle setole è l’assorto stupore delle spugne di Klein, la densità cangiante dei suoi lavori plastici, quel monotono cromatico carico di ennesime variazioni a seconda del nostro disporsi dello spirito.

Singole o composte in ‘pattern’ visuali, le Setole sono state esposte in allestimenti a parete e a terra: nel primo caso, del quale ricordiamo la mostra al MAR di Ravenna, la composizione giocava sui contrasti cromatici; nel secondo, l’installazione fu realizzata in modo sperimentale allo spazio di OltreDimore, come anche provocatoriamente il titolo suggeriva: scopaMI, invitando il pubblico a una invadente presa di possesso dello spazio modificato dall’operazione plastico-ambientale di Pasquali.

metallic frames, and their level of experimentation is impressive: Pasquali was selected as a finalist for Premio Henraux, where she was listed second, and for the occasion she created a Frappa in white marble, a model of material transition, an exemplum of tireless research, proof of her abilities to extend from micro to macro, from industrial materials to traditional and academic materials.

Without rush, Pasquali perceives her plastic works by adding and by removing, and her creative Jainism responds to the unwritten rules of materials. The Frappa di pane is another example of bold experimentations, she recently created this work for a thematic exhibit connected to Expo 2015: even if it’s always part of her research, the olfactory level of the material ruches is striking and it’s proof of that synaesthetic sensitivity we’ve already spoke about and that never leaves the artist.

BRISTLES SHAPES Her bristles works is part of her research’s late-stage: the bristles are assembled in wooden containers and in metallic frames in order to create a soft and compact surface that can be monochrome or with a degrade gradient effect on the different tones, this color transition gives the piece of art a calm virtual movement. We breathe the echos and the memories of the Poverists’ language, the historic forerunners of Pasquali’s investigation, but even Klein’s sponges’ amazement, the iridescent density of this plastic works, that same chromatic monotone that changes through our spirit.

Whether if single or disposed in visual patterns, the Bristles have been presented in wall and in floor set-ups: for the Ravenna’s MAR exhibit, the installation was created in OltreDimore’s space on an experimental and provocative basis, as suggested by the title: scopaMI. For this experiment the audience was invited to take over Pasquali’s modified space.

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Spiderballs, 2014 [diametro 120 cm]

Pink red spiderballs, 2014 [90x130x25 cm]

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Pink straws, 2015 [diametro 50 cm]

Yellow straws, 2015 [60x50 cm]

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INTERVISTA A EDI ORIOLI

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PASSIONE OUTDOOR Edi Orioli e Pratic: soluzioni outdoor intelligenti OUTDOOR PASSION Edi Orioli and Pratic: outdoor smart solutions di/by CAROLINA SARDELLI

O

re 21, squilla il telefono: è Edi Orioli. Non ci sentiamo da un mesetto circa. Gli chiedo come va con la Pratic, ci eravamo lasciati con i suoi racconti sul CONNECT, l’ultimo prodotto lanciato dalla sua azienda. Un cubo tutto specchiato, da inserire nell’arredamento outdoor, nato con l’idea di creare un’illusione ottica che permette di estendere il concetto di spazio. “Il 2020 ha fatto riscoprire la necessità di stare all’aria aperta. Abbiamo vissuto la casa come non mai e ci siamo resi conto che abbiamo bisogno di sfruttare sempre di più anche gli spazi oltre le mura: terrazze, giardini, tutto vuole es-

It’s 9 p.m., the phone rings: it’s Edi Orioli. It has been a month since I last heard from him. I ask him about his company Pratic and about CONNECT, their latest product. It’s a bioclimatic pergola with mirrored walls that brings together the essence of open-air life with the pleasure of total privacy. “2020 has made us rediscover the importance of outdoor spaces. We’ve realized that we need to use the space beyond the walls of our home, of terraces and gardens” Edi tells me.

“Thanks to tax deductions and new housing needs, our sales have increased. Once, a simple beach umbrella was enough; now

In foto Edi Orioli Genius People Magazine

CAROLINA SARDELLI

sere vissuto al 100% - mi dice Edi - Tra le detrazioni fiscali e le nuove esigenze abitative, abbiamo avuto un incremento importante delle vendite. Prima bastava un banale ombrellone, adesso ci sono nuove necessità, si vuole vivere questi spazi in una dimensione diversa, anche al di là delle condizioni climatiche”.

Da quando si è allontanato dal mondo delle moto Edi Orioli ha portato la sua grinta e tenacia nel mondo dell’imprenditoria. E quando racconta dei suoi progetti, continua a inserire quel non so che di romantico. “Fin da piccoli sentiamo l’esigenza di fare una capanna, una casetta, per nasconderci, per giocare, per entrare in altri mondi. Quando diventi adulto ti rendi conto che ti manca qualcosa, quella protezione che sognavi quando eri bambino. E allora vai a cercarla e la crei. In questo contesto si inserisce il design – una delle grandi passioni di Edi Orioli, insieme all’architettura – Quando decidi di realizzare una struttura in uno spazio all’aria aperta, spesso vicina a qualcosa di pre-esistente devi considerare tutto: le proporzioni, i volumi. Altezza, larghezza, profondità: niente deve essere lasciato al caso”.

Poi si ferma, e mi chiede: “Hai presente la piramide davanti al Louvre? Ecco, quello è l’esempio di come un’opera architettonica può essere inserita in un contesto pre-esistente senza rovinarlo, ma realizzando un effetto di stupore che accresce la bellezza di tutto. Ieoh Ming Pei, l’architetto che l’ha realizzata, era

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people have new needs: people want to experience the outdoor spaces in different ways, regardless of the weather conditions”.

Since he left the world of motorcycle racing, Edi Orioli has brought his grit and tenacity to the world of entrepreneurship.

And when he talks about his projects, he always speaks with great passion.

“When you are a kid, you love the idea of having a shack or a little house where you can go hide and play: it feels like a whole different world. When you become an adult, you realize that something is missing: it’s that same feeling of protection you dreamed of when you were a child. And so you look for it and you create it.

Design is part of this context”, design is one of Edi Orioli’s great passions, along with architecture. “When you decide to build an outdoor structure, often close to something pre-existing, you have to consider everything: proportions, volumes. Height, width, depth: nothing must be left to chance”.

Then he asks me: “Do you know the Louvre Pyramid? Well, that’s an example of how an architectural plan can be included into a pre-existing context without ruining it. It increases the beauty of the whole, and it creates amazement. Ieoh Ming Pei, the architect who designed it, was a visionary. He had the courage to dare and he focused on every detail. Thus, that pyramid made of iron and glass, built in front of the most important museum in France, cen-

In foto Connect by Pratic Genius People Magazine

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un visionario. Ha avuto il coraggio di osare, senza però tralasciare nessun dettaglio. E allora, il ferro e il vetro rendono quella piramide, costruita davanti al museo più importante di Francia secoli dopo la data di realizzazione di quel palazzo, come un perfetto tassello di quel quadro. Non è invasiva, cattura l’occhio, ma non stona. Questo concetto dovrebbe essere applicato anche nelle nostre case. Quando vai a inserire un “oggetto”, lo chiamerò così, che prima non esisteva in qualcosa che probabilmente è lì da anni, tutto deve essere vagliato e studiato nel dettaglio. Per questo spesso diciamo ai nostri clienti di farsi affiancare da un architetto. Perché anche l’inserimento di una pergola in un giardino, di fianco alla nostra casa, può valorizzare tutto il resto, ma se non si sta attenti ai particolari, può anche rovinare quella che per noi è la casa dei sogni. Ogni elemento che si inserisce deve entrare in sintonia con quello che già c’è, che sia in linea o di rottura. Per questo dobbiamo stare attenti ai materiali che usiamo”.

Edi ama alla follia i materiali nobili, da sempre: “Certo, non si può costruire un grattacielo con il marmo travertino, ma pensa alla bellezza della pietra, del ferro, del vetro. Guarda ai grandi monumenti, ci si chiede come possano ancora rimanere lì, eterni, immobili. Il loro fascino, quello di secoli, resta. E ti ammalia”. Resto lì, in ascolto. Stupita di come dalle due ruote al design, Edi riesca a trasmettere una passione travolgente. “Sai il detto ‘Non è bello ciò che è bello, ma è bello ciò che piace’?

Ecco, credo che sia totalmente sbagliato. C’è una bellezza oggettiva, che non può essere disprezzata, a prescindere dai gusti.

Ci sono opere architettoniche che sono e rimarranno per sempre delle icone del design. C’è un’oggettività che dovrebbe essere insegnata nelle scuole. Perché mi rendo conto che alcune cose per essere apprezzate, devono essere spiegate e capite, e da allora sarà amore puro”.

Come quello di Edi per tutto ciò che fa.

turies after its construction, fits perfectly in that picture. It’s not invasive, it catches the eye, but it doesn’t clash. This concept should be applied to our home as well. When you add an “object” to something that’s probably been there for years, everything has to be screened and studied. That’s why we often tell our clients to get an architect to work with them. Because even a pergola in a garden next to our house can enhance everything else, but if you don’t pay attention to details, it can also ruin our dream house.

Every new element must be in harmony with what was already there, and that’s why we have to be careful with the materials we use.” Edi has always loved noble materials: “Of course, you can’t build a skyscraper with travertine marble, but think about the beauty of stone, iron, glass. When you look at great monuments, you wonder how they can still exist, they’re eternal and immobile.

Their charm is timeless, and it bewitches you.” I listen to his words and I’m amazed. From motorcycle racing to design, Edi manages to convey his overwhelming passion.

“You know the saying ‘Beauty is in the eye of the beholder’?

There: I think that’s totally wrong. There’s an objective beauty, and it cannot be ignored, regardless the taste. There are architectural works that are and will forever be design icons. There’s an objectivity that should be taught in schools. Some things, in order to be appreciated, must be explained and understood. This way we can learn to love them”. And that’s the same love Edi puts in everything he does.

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INTERVISTA A ZOE CRISTOFOLI

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L’ARTE IN UN RUGGITO Zoe Cristofoli: consapevolezza su pelle ROAR ART Zoe Cristofoli: On skin awareness di/by FRANCESCO LA BELLA a cura di/edited by CAROLINA GENNA

Classe 1996, veronese, Zoe Cristofoli è un’influencer, una modella e una DJ italiana. Chiamata “la tigre di Verona” per il suo carattere indipendente e per i tanti tatuaggi che la ricoprono, Zoe conta più 800 mila follower su Instagram, e molte aziende, nazionali e internazionali, guardano a lei per promuovere i loro prodotti luxury e il loro brand. Appassionata sin da giovanissima del mondo del tattoo, nel 2020 la modella ha inaugurato Ink Studio Lagrange, uno studio di tatuaggi di alto profilo nel centro di Torino.

Born in 1996 in Verona, Zoe Cristofoli is an Italian model, influencer and Dj. She is called “Verona’s tiger” due to her independent character and to her many tattoos, and, with more than 800.000 followers on Instagram, many luxury brands choose her every day to promote their products and their brand. She has always been in love with body art and with tattoos and, in 2020, she has opened Ink Studio Lagrange, a high-profile tattoo studio in the center of Turin.

Permettici di conoscerti meglio: chi è Zoe Cristofoli?

Zoe è una donna ambiziosa, con tanta voglia di fare e di dimostrare al mondo quanto vale. Fin da piccola è stata una ragazza forte, sia di aspetto, come penso si possa evincere dalla sua immagine, sia caratterialmente.

Una ragazza che ha voglia di arrivare alle persone, cercando sempre di rimanere fedele a se stessa e parlando con i suoi followers con massima trasparenza e sincerità.

Allows us to get to know you a bit more: who is Zoe Cristofoli?

Zoe is an ambitious woman who really wants to do and show the world her worth. She’s always been strong, both physically, as you can imagine through her looks, and temperamentally.

She wants to feel and be felt by people and she always wants to be true to herself, she speaks to her followers with transparency and honesty.

Osservandoti, la prima cosa salta all’occhio sono, chiaramente, i tuoi tantissimi e bellissimi tatuaggi. A che età hai iniziato a tatuarti e da cos’è nata questa passione per la body art?

Ho iniziato a tatuarmi a quindici anni, contro il valore dei miei genitori, per richiamare su di me l’attenzione. All’epoca il mondo della tattoo art non era così sdoganato ed erano molto poche le ragazze con così tanti tatuaggi in Italia. So che, a oggi, la prima cosa che nota di me la gente sono i miei tatuaggi e il mio aspetto fisico. Per questo lotto giornalmente per dimostrare alle persone che oltre quei tatuaggi c’è una persona in carne e ossa, con tanti difetti e altrettanti pregi, che merita di essere conosciuta e apprezzata non solo per l’inchiostro presente sulla sua pelle.

The first things you notice when looking at you are your many and beautiful tattoos. How old were you when you started to get tattoos and how did this passion come to life?

I started when I was fifteen years old, against my parents will. I wanted to call attention on myself. At the time, tattoos weren’t as customs-cleared as they are today, and there were only few girls in Italy with all these tattoos. I know that, today, the first things people notice about me are my tattoos and my looks. And this is why I try to show people that, tattoos aside, I’m a person as well, with my many flaws and my many merits, and I deserve to be known and appreciated for who I am and not for the ink I have on my body.

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In foto Zoe Cristofoli - Ph. Davide Mosca

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INTERVISTA A ZOE CRISTOFOLI

Oltre alla mera questione estetica, i tatuaggi sono un vera e propria forma d’arte e di espressione del sé. Cosa ci raccontano di te i tuoi tatuaggi?

I miei tatuaggi raccontano la mia storia; i momenti importanti, sia quelli belli sia quelli brutti, sono impressi sul mio corpo attraverso i tatuaggi. Ogni qual volta che accade qualcosa d’importante decido di tatuarmi, di ritagliare questo momento e farlo diventare una cosa mia impressa sulla mia pelle, così da poterlo custodire e ricordare per sempre.

Non sempre il soggetto che decidevo di taturarmi era direttamente proporzionato all’avvenimento appena accaduto, era forse la scintilla che mi spingeva a recarmi in uno studio di tatuaggi.

Hai un aspetto che, semplicisticamente e per convenzione, viene spesso definito “trasgressivo” e “fuori dal comune”, ma estetica e bellezza sono principi e canoni in continua evoluzione. Come pensi si sia modificata la percezione della bellezza, soprattutto femminile, in questi ultimi anni?

Penso che il concetto di “bellezza” sia sempre in movimento e in continua evoluzione.

Ad oggi siamo più liberi di essere quello che realmente vogliamo, senza seguire regole o dogmi imposti dalla società.

L’importante non è seguire le mode del momento, ma è rimanere fedeli a quello che siamo e a quello che abbiamo dentro.

Pensi esista ancora uno stigma nei confronti dell’universo del tattoo?

Il mondo del tattoo è un mondo che affascina molte persone che possono anche appartenere a un mondo diverso e che ne sono attratti per mera curiosità.

Oggi il tatuaggio è considerata una vera e propria forma d’arte, difatti ci sono alcuni tatuaggi che sono delle vere e opere d’arte.

Le persone ne sono attratte e, di questo, non posso che non esserne felice.

Il tuo corpo è una tela in continua evoluzione e anche nella vita sembri non fermarti mai. Ne è un esempio la tua ultima avventura imprenditoriale, l’Ink Studio Lagrange di Torino.

Ce ne parli un po’?

Ink Lagrange è stato, ed è tutt’ora, il mio sogno nel cassetto.

Sono super orgogliosa di quello che siamo riusciti a creare io e i miei soci.

È uno studio situato all’interno di un negozio di Via Lagrange a Torino, con un design luminoso, moderno e ricercato.

Quando chiudevo gli occhi e immaginavo nella mia testa come sarebbe dovuto essere Ink, ho pensato che dovessi, anche nell’arredamento, cercare di esprimere una piccola parte di me a tutte le persone che varcavano il negozio.

È uno studio pensato non solo per gli amanti dei tatuaggi ma anche per coloro che si approcciano per la prima volta a questo mondo e che sono curiosi di conoscere e capire le sfacciature presenti dietro il mondo della tattoo art.

Beyond esthetics, tattoos are a form of art and a form of self-expression. What do your tattoos tell us about you?

My tattoos tell my story; the most important moments in my life, the good ones and the bad ones, are imprinted on my body.

Every time something important happens, I get a tattoo, I cut this moment and I transform it into something I can have forever on my skin, so I can guard it and remember it.

Simplistically and by convention, your look has often been referred to as “transgressive” and “uncommon”, but esthetic and beauty are constantly evolving. How has the perception of beauty, especially female’s, in these last years?

The idea of beauty is always on the move and in progress. Today we’re freer to be who we want to be, and we don’t have to follow the rules or the dogmas of society.

It’s not about following the trends, it’s about being true to who we really are and to what we feel inside.

Do you think there’s still a social stigma when it comes to tattoos?

The tattoo world is fascinating many different people, even people who come very different backgrounds and that are attracted to them out of curiosity.

Today tattoos are considered a form of art, and some tattoos really are art. People are attracted by them and I’m very happy about it.

Your body is like an ever-changing painting and so are you.

Your last business adventure, the Ink Studio Lagrange in Turin, is a perfect example of your constant evolution. What can you tell us about this project?

Ink Lagrange has been, and still is, my dream. I’m super proud of what my partners and I did. It’s a tattoo studio in Via Lagrange in Turin and its design is bright, modern and refined.

When I used to close my eyes and I imagined how Ink should have been, I always thought that I had to express myself even through design in order to give people another small part of me.

The studio isn’t just thought for tattoo lovers, it was also made for people who approach this world for the first time and that want to understand and know all the faces behind tattoo art.

Which values to you want your studio to convey and pursue?

Many, but I can condense them in two paramount values: freedom of choice and reliability.

Our tattoo artists are young openminded professionals that want to satisfy and create our customers’ ideas at their best.

I’d want the studio to convey peace of mind and professionalism, even because, to me, tattoos are important, it’s something serious and it has to be given the due weight and value. I’d love people to feel safe and I wish their ideas will take shape on their bodies.

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FRANCESCO LA BELLA - CAROLINA GENNA

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In foto Zoe Cristofoli - Ph. Davide Mosca

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INTERVISTA A ZOE CRISTOFOLI

Quali sono i valori che vuoi che il tuo studio trasmetta?

Sono tanti ma posso riassumerli in due valori fondamentali: la libertà di scelta e la serietà.

I nostri tatuatori sono dei professionisti giovani, open-minded e col desiderio di soddisfare e di realizzare al meglio le idee dei clienti.

Vorrei che trasmettesse ai nostri clienti serenità e serietà, anche perché, per me, farsi un tatuaggio è una cosa importante, seria, che ha bisogno del giusto peso e valore. Vorrei che la gente si sentisse al sicuro e che le idee che hanno in mente possano prendere forma sul loro corpo.

Impresa e Covid: nonostante le difficoltà dell’ultimo anno, l’Ink Studio Lagrange è ormai una realtà. Che effetti pensi abbia avuto la pandemia sull’industria del tatuaggio?

Avevo una grande paura: questa pandemia è stata, e lo è ancora, un momento molto oscuro e buio. Proprio per questo ho deciso di cercare uno spiraglio di luce, rimboccandomi le maniche per seguire e realizzare il mio sogno.

Purtroppo, a causa delle restrizioni, è impossibile creare dei contenuti all’interno dello studio o realizzare tutto ciò che avevamo in mente, ma sono certa che la strada sia tutta in salita.

E sei anche una DJ affermata. Come hai vissuto quest’ultimo anno lontano dalla consolle?

La cosa bella di quando si è in console è l’energia e la carica che le persone ti trasmettono, e senza di essa si perde gran parte dell’emozione che ti spinge a studiare e a lavorare in questo campo. Ho cercato di tenermi aggiornata da casa il più possibile però non nego che sia stato molto difficile non perdere il fuoco che si ha quando ci si trova in una sala piena di persone che ballano e cantano i pezzi che mixi lì per loro. È scontato dire che non vedo l’ora che tutto ritorni alla normalità, anche per poter proseguire questa mia passione.

Business and Covid: despite this year’s difficulties, Ink Studio Lagrange is now a reality. How did the pandemic affect the tattoo industry?

I was really scared: the pandemic has been, and still is, a very dark moment for all of us. And for this reason, I decided to roll my sleeves up and work to realize my dream, my real light. Unfortunately, because of the restrictions, we can’t do everything we had in mind with the studio, but I know things will get better.

You’re even a famous DJ. How did you live this year away from the console?

The best part of being a DJ is the energy people give you, without people you easily lose the feelings that make you want to study and work in this field. I tried to keep updated from home in the best way I could, but I admit that’s hard not to lose that fire you have when you’re performing in front of a ballroom full of people dancing and singing the cues you’re mixing. And I can’t wait for everything to go back to normal, so I can go back to my passion.

We asked the same question to Asia Argento, our cover girl on this issue about women’s beauty and strength. Who are the heroines that have inspired you when you were younger?

And today?

There are two women who have inspired me in my life: my mother and my grandma. From my mother I learned how to be resourceful and to believe in myself. And I always admired my grandma’s strength, she’s been my inspiration as well. Without them, I wouldn’t have become the woman I am today.

When it comes to showbiz, I really admire Hailey Baldwin Bieber because she managed to build a perfect and beautiful private and professional life. She’s a strong and determined woman with a unique and refined style.

Lo abbiamo chiesto anche ad Asia Argento, protagonista di copertina di questo numero dedicato alla bellezza e alla potenza delle donne. Quali sono state le eroine che hanno ispirato la tua adolescenza? E oggi?

Le mie eroine e le donne che hanno ispirato la mia vita sono due: mia madre e mia nonna. Dalla prima ho preso l’intraprendenza e la voglia di credere in me stessa. Della seconda invece ho sempre ammirato la forza, e mi è sempre stata d’ispirazione.

Senza loro due non sarei la persona che sono adesso.

Nello show business invece, una donna che stimo e ammiro è Hailey Baldwin Bieber perché è riuscita a crearsi una bellissima e perfetta vita privata e professionale. Una donna forte, decisa con uno stile unico e ricercato.

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In foto Zoe Cristofoli - Ph. Davide Mosca

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INTERVISTA A ZOE CRISTOFOLI

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In foto Zoe Cristofoli - Ph. Davide Mosca

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INTERVISTA A KRISTINE OPOLAIS

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IO SON L’UMILE ANCELLA Sul palco con Kristine Opolais IO SON L’UMILE ANCELLA On stage with Kristine Opolais di/by CAROLINA GENNA

Kristine Opolais è una cantante lirica lettone. A oggi è uno dei soprano più celebri della scena internazionale: è apparsa sui palchi del Metropolitan Opera di New York, del Wiener Staatsoper, del Deutsche Staatsoper di Berlino, del Bayerische Staatsoper, del Teatro La Scala e della Royal Opera House Covent Garden, e il Telegraph l’ha definita “the leading Puccini Soprano of today”.

Nella scorsa stagione ha debuttato nel ruolo di protagonista nell’opera dell’italiano Francesco Cilea, Adriana Lecouvreur, al Teatro di Bologna, e il 10 marzo, per la prima volta, la produzione teatrale diretta da Rosetta Cucchi ha esordito anche in televisione.

Kristine Opolais is a Latvian opera singer. To date she’s one the most famous and successful sopranos in the international scene: she’s sang on the stages of New York’s Metropolitan Opera, of the Winer Staatsoper, of Berlin’s Deutsche Staatsoper, of Bayerischer Staatsoper, of Milan’s Teatro La Scala and of the Royal Opera House Covent Garden, and the Telegraph has called her the leading Puccini Soprano of today. Last season she premiered in the main role of Francesco Cilea’s opera Adriana Lecouvreur at the Teatro di Bologna, and for the first time, on March 10th, this theatrical production directed by Rosetta Cucchi made its debut on Italian television.

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INTERVISTA A KRISTINE OPOLAIS

La tua ultima fatica porta il nome di Adriana Lecouvreur. Ce ne parli un po’?

Questo progetto che ha preso vita a Bologna è molto importante per me. In primis perché finalmente ce l’abbiamo fatta dopo che era stato inizialmente messo da parte. Non ero sicura che saremmo riusciti a rimetterci mano e, quando ho ricevuto la telefonata dalla mia manager e mi è stato detto che il Teatro Comunale l’avrebbe prodotta, non potevo crederci. È un progetto speciale, ho sognato questo ruolo per ben nove anni, da quando è nata la mia bambina. Ho dato a mia figlia il nome Adriana e, quando è nata, ho promesso a lei e a me stessa che un giorno avrei interpretato questo ruolo e che lo avrei dedicato a lei, è per questo che per me è così importante.

Sapevo che si sarebbe trattato di una produzione televisiva, ed era un’esperienza completamente nuova per me. Nel passato ho realizzato dei DVD e dei live streams, ma questa era una cosa completamente diversa, ed ero davvero emozionata quando ho incontrato la nostra regista, Rosetta Cucchi.

Quando l’ho conosciuta, ho immediatamente capito di voler essere parte di questo progetto e che non potevo chiedere di meglio per il mio debutto in questo ruolo, soprattutto perché c’è molta recitazione – quasi fosse un film – e non vedevo l’ora di provarmici. Ho sempre sognato di essere un’attrice e il progetto mi permetteva di vivere quest’esperienza. Sono davvero felice di averlo fatto! È una strada nuova ed è stato importante per me partecipare, soprattutto per via della produzione televisiva.

Questa primavera la produzione si è prestata anche al mondo della televisione. Che differenza c’è fra una produzione teatrale live e la realizzazione di una produzione televisiva?

Ci sono moltissime differenze. È stato un po’ più difficile di quel che mi aspettassi perché solitamente le voci vengono registrate separatamente e poi vengono aggiunte alla scena in postproduzione: è così che classicamente vengono realizzate le produzioni operistiche televisive. Ma, nel nostro caso, abbiamo dovuto cantare dal vivo e allo stesso tempo dovevamo recitare. Abbiamo dovuto fare diversi takes, diverse riprese e bis, e per la voce non è semplice. Solitamente, in tre ore, si ripete un’aria due o tre volte, ma in questo caso ho cantato la prima aria e poi ci siamo occupati del primo atto sei volte di fila. Questa è un’esperienza che può essere il vanto di veramente poche persone. Nella nostra produzione abbiamo cantato davvero. È tutto vero. È stata una sfida, ma è anche per questo motivo che la drammaticità è maggiore. L’emozione era vera e la voce rifletteva quell’emozione, rendendo così la scena doppiamente drammatica. È stato diverso anche perché non avevamo un pubblico, ma solo il nostro team con le diverse videocamere. Anche se, devo ammettere, non penso al pubblico quando sono sul palco. In alcune interviste ho detto che per me il pubblico corrisponde a due enormi occhi che ti guardano, ti fissano e ti vedono l’anima.

Quindi ho cantato nello stesso modo di sempre, e ho sentito le stesse emozioni di sempre: con due grandi occhi che vedevano la mia anima, il mio cuore, la mia mente, ma con un’energia diver-

Adriana Lecouvreur is your latest work. Can you tell us something about this project?

This project in Bologna was very important to me. First of all, we finally got to do it, because initially it was cancelled. I wasn’t sure we would manage this again, and I was surprised when I received a call from my manager and learned that the Teatro Comunale was going to present it. It was special for me because I’ve been dreaming of this role for nine years, since my baby girl was born.

My daughter has the same name and, when I called her Adriana, I promised her and myself that one day I would sing this role and dedicate it to my child, and this is why it’s so important to me.

I knew that it would be in a film version and it was a new experience for me. I’ve made DVDs and live streams in the past, but this was a different idea, and I was very excited when I met with Rosetta Cucchi, our stage director.

When I met her, I was absolutely sure that I wanted to do this project and that it was the best I could wish for my role debut because there’s a lot of acting - almost like movie acting -, and I really wanted to experience it because I always wanted to become a film actress. It’s a new way, and it’s important for me to be part of this because of the filming.

This spring the project was turned into a television production. What are the differences between a live stage production and the making of a television production?

There are a lot of differences. It was a little harder than I thought because, usually, for classic opera movies, our voices are recorded separately and then they’re added to the acting. But, in our case, we needed to sing for real, and the acting had to be real as well. And as we sang, we were doing many takes and encores, again and again, and for voices it’s not easy. Two or three times for one aria is a maximum in three hours, but I remember that we ran my first aria and then ran through the first act around six times. This is something very few people have as an experience.

In our movie production we still needed to sing like in real life.

Real, live singing. It was difficult and challenging, but that’s why it was more dramatic. The emotions were real and the voice was a response to that emotion, so it’s even more dramatic.

It was also different because we didn’t have an audience, there was only our team around us and cameras. But I actually don’t think about the audience when I’m on stage. I’ve said a few times in interviews that the audience is like two big eyes watching and looking into my soul. So, in this case, I sang exactly the same and felt exactly the same, with these eyes looking into my soul, my heart and mind, but it was different from the live energy of an audience. But I cannot say which one I enjoy the most. In a special way, I connected with this experience: doing a movie version, in a closed setting.

How did you live this experience?

I was in the theater 100%. Every day I had the same schedule for myself. I had a little breakfast, then rehearsals and every day I walked home after rehearsals in the late evening along the same

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In foto Kristine Opolais - Ph. Polina Viljun

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INTERVISTA A KRISTINE OPOLAIS

sa rispetto a quella di un pubblico. Non saprei davvero dire quale esperienza mi piaccia di più! Sono connessa in un modo speciale a quest’esperienza: fare un film, in un set chiuso al pubblico.

Come hai vissuto quest’esperienza?

A teatro ero sempre al 100%. Ogni giorno avevo lo stesso programma: facevo colazione, andavo alle prove, e per il ritorno a casa facevo sempre le stesse strade. Facevo la spesa nello stesso posto, compravo sempre la stessa insalata…effettivamente ero un po’ noiosa! Ma stavo dando tutta me stessa all’arte. Ero completamente immersa nel progetto, e se avessi avuto un letto e un bagno dentro al teatro, sarei rimasta sempre là! Tornare a casa la sera per fare ritorno alla mattina era tempo perso. Dormivo solamente sei ore notte perché le settimane erano davvero intense. Ero immersa, anime e corpo, nel mio ruolo.

La Madama Butterfly, Tosca, Adriana Lecouvreur. Hai dato voce a moltissime storie e a moltissime donne. Qual è l’eroina e l’opera a cui più ti sei sentita legata?

Sono connessa a più ruoli, anche se la lista è piuttosto corta. E Madama Butterfly è fra questi: sono molto connessa a questo ruolo e, quando sono sul palco, io sono Cio-Cio San. Aiuta moltissimo anche la regia. E mi piace molto anche il lavoro di squadra e collaborare coi miei colleghi. Con la Butterfly riesco a entrare completamente nel mio mondo. È come se non volessi essere disturbata. So quel che faccio e soffro assieme a lei, è agonizzante. Quando finisco la Butterfly ho sempre bisogno di un po’ di tempo per riprendermi, ed è per questo che non la interpreto spesso. È uno di quei ruoli che mi assorbe completamente: sono nel ruolo, nella storia, nel suo destino…e soffro veramente.

Sono un’attrice troppo brava per uscire indenne dalla Butterfly!

Un altro ruolo con cui sono particolarmente connessa è Rusalka. La sento nella pelle, la musica, il personaggio.

Ora, dopo l’esperienza di Bologna, posso dire di essere molto vicina anche ad Adriana. Il lavoro fatto con Rosetta Cucchi, con la sua profondità, è stato incredibile. Mi sento molto legata a lei e spero che questa vicinanza non venga spezzata dalle future scelte registiche o canore. Sono anche felice del legame che ho instaurato con Asher Fisher, sentivo la musica nel sangue.

Questi tre sono certamente i ruoli che più ho nel cuore, gli altri sono un segreto…

Quando e in che modo ti sei innamorata dell’opera?

La mia storia è piuttosto divertente. Io non volevo essere una cantante d’opera, volevo essere un’attrice. Ho anche voluto fare la cantante pop, ma poi sono tornata alla recitazione. Ma mia madre, quando avevo diciassette anni, voleva io diventassi una cantante lirica. E figuratevi i drammi: avevo diciassette anni e i cantanti lirici mi sembravano lontani anni luce dal mio mondo, non mi comunicavano nulla. Mia madre, però, mi disse di provare e io ho non ho saputo dirle di no…quindi tutto questo è una sua idea! Era una donna legatissima alla musica, ha persino studiato musica a Riga a un certo punto della sua vita, e ave-

streets. Visiting the same shop for food, getting the same salad…I was very boring in my personal life at that time. But I gave all of myself to art. I was completely living in the process and if I had a bed and a bath inside the theater, I would have definitely stayed there! I didn’t want to disturb myself with walking home and coming back in the morning. I only had six or so hours of sleep each night because weeks were very intense. I lived completely in my role.

Madama Butterfly, Tosca, Adriana Lecouvreur. You gave a voice to many stories and women. What is the heroin and the opera you felt most connected to?

There’s not just one role I feel connected to, but it’s a short list.

Madama Butterfly is one of them, I feel very connected with this role and I feel completely as Cio-Cio San when I’m on stage. It especially helps if there is a great regie, which in my case is very important. I also like teamwork and collaborating with my colleagues. With Butterfly, I’m completely in my world. I feel like I don’t want to be disturbed. I know what I do, and I definitely suffer for this role and it’s very painful. I recover slowly each time I finish Butterfly, and that’s why I don’t do this very often. This is one of the roles in which I jump into completely: the role, the story, her destiny, and this is why I’m suffering for real. I’m probably too much of an actress for this role!

Another role I’m really connected to is Rusalka. I feel her under my skin, the role and the music.

Now that I’ve done Adriana Lecouvreur, I can say that I’m very connected to her too. Thanks to this incredible work with Rosetta Cucchi, who has such a deep way of working, I feel very close to her and I hope that this bond will never be spoiled with a different regie or musical interpretation. I felt good feelings about Asher Fisch, and the music really just circulated in my blood. These three roles are certainly close to me, and a few more, but I’ll keep those a secret…

When and how did you fall in love with the opera?

My story is funny: I didn’t want to be an opera singer, I wanted to be an actress, then a pop singer, and then I wanted to be an actress again. But, when I was seventeen, my mom wanted me to become an opera singer, and it was major drama because I was a teenager and opera singers seemed larger than life, it was big singing and it wasn’t relatable to me. Then, later on, my mom told me I had to try, and I couldn’t say no to her…so this was really her idea. She had a connection to music, she also studied music in Riga later in her life and she had a very strong voice, but it wasn’t easy for her to continue when I was born. She couldn’t continue her education and to travel a lot while going to the Music Academy.

One day she heard me singing at home and then with a microphone on stage in a modeling competition. I was the only one singing and I even wrote my song, and my mom told me that no matter what I needed to go to the Music Academy. She knew a professor and brought me there. I was very unhappy for the first

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va una voce molto bella, ma è stato difficile per lei continuare una volta che sono nata io. Non aveva il tempo di studiare e non poteva nemmeno viaggiare molto mentre frequentava l’Accademia di Musica. Poi, un giorno, mi ha sentito cantare a casa e poi a un concorso per modelle col microfono in mano. Ero l’unica a cantare e mi ero persino scritta la canzone da sola e mia mamma mi ha detto che, senza se e senza ma, avrei dovuto iscrivermi all’Accademia. Mi ci ha portato, e per i primi tre anni ero davvero infelice. Non capivo cosa stessi facendo là e ancora non conoscevo la mia voce, pensavo di star sprecando il mio tempo. Quindi, un giorno, ho mollato tutto e sono tornata a casa, ma la mia insegnato mi ha rincorso e mi ha detto di ascoltare Maria Callas. Mi ha messo in mano un CD e poi ho visto un DVD ed è stata una rivelazione: l’opera era così diversa da come me l’ero immaginata! Quando ho visto la Callas e ho capito che era un’attrice, una vera artista, ho cambiato idea. Era il secondo atto della Tosca a Covent Garden.

Da quel momento ho capito di voler essere una cantante lirica, anche perché volevo essere un’artista dell’opera. Anche oggi mi definisco come opera artist. E per me ha un senso: non posso immaginare il canto senza la recitazione.

three years I was there: I didn’t understand what I was doing, I didn’t recognize my voice and I thought I was wasting my time.

So, at one point, I left and came back, but my teacher told me that I had to listen to Maria Callas. So she gave me a CD and I watched a DVD…and I was absolutely shocked by how different it was from what I thought opera was. When I saw that she was an actress, a true artist, I changed my mind immediately. It was the second act scene from ‘Tosca’ at Covent Garden. From that day I understood that I wanted to be an opera singer because I could be an opera artist. Still, I always say I’m not an opera singer but I’m an opera artist. This makes sense for me because I can’t imagine singing without acting.

Si vocifera che la tua vera passione è la recitazione. Quanto incide la capacità di interpretare un personaggio con l’intera performance?

Recitare mentre canto, e soprattutto fra le pause, è la vera ragione per cui sono nella industry. La recitazione è ciò che mi tiene ancorata e interessata alla professione. Magari sentirlo dire è uno shock, ma se non potessi più recitare, non canterei più.

Cantare non vale nulla se non si interpreta anche il brano. Io prima recito, e poi la mia voce risponde. Questa è ciò che sono.

What makes the difference between a good and a mediocre performer?

I think the personality. You need a strong personality. When someone is on stage like that, you keep your eyes on that person the whole time. People with a strong personality are never boring, even when there’s no singing. Also, if singers have a perfect technique or a beautiful voice - color, timbre -, high notes, a solid technique and something incredible that others can only imagine …it’s just not enough to be a special artist or a great singer. If you only have the technique, it can be boring: it may be beautiful, but you might find the audience falling asleep. What makes an opera singer a star is personality, the whole package: voice, personality, great acting skills and presence on stage.

Our industry tends to have conventionally attractive people on stage, but I’m sure that that’s not the point. I know a lot of people who have different body shapes and looks, and they’re more interesting than those with so-called perfect bodies and faces. The light that comes out from a singer is special. It’s not just about the voice and it’s not only about beauty. And, then, what is beauty about? Beauty is something different to everyone. Charisma, fire, passion, power, sexy attitude, great acting, a powerful voice…it’s a lot but this is what makes an artist special.

Cosa distingue un bravo interprete da un interprete mediocre?

La personalità. Devi avere una personalità forte. Quando si è sul palco, tutti hanno gli occhi puntati su di te. Persone di questo tipo non sono mai noiose, anche se non cantano. E anche se la tua tecnica è perfetta, la tua voce è meravigliosa – il timbro, il colore -, le note sono alte, la tecnica è solida e sei in grado di fare cose che altri possono solo sognare, non per forza potrai essere un artista speciale o un grande cantante. Rischi di essere noioso, nonostante le tecnica magistrale e la voce suadente, e il pubblico potrebbe addormentarsi. Ciò che ti rende una star è la personalità, il pacchetto completo: voce, personalità, capacità recitative, e una buona presenza sul palco.

Il nostro settore tende a voler mettere sul palco persone di bell’aspetto, ma non hanno colto il punto. Conosco moltissime persone con corpi e visi lontani dai canoni convenzionali che sono molto più interessanti dei canonici bellissimi. Sono cantanti che vivono di una luce diversa. Non si tratta solo della voce o solo della bellezza.

Serve carisma, fuoco, passione, potere, sensualità, personalità, capacità attoriali e una voce potente…è molto, lo so, ma è ciò che rende un artista speciale.

Rumors say your true passion is acting. How do acting skills affect the whole performance?

Acting while I’m singing, and especially in-between singing, is the reason I am in this industry. Acting is what keeps me interested in this profession. Maybe this is shocking to know, but if I can’t act, I will stop being a singer. Singing is nothing without acting. I act first, and then my voice responds to my acting. This is how I exist in the opera industry.

You’ve sang on the most important stages of the world. How does the approach to art and to the opera change through all these different scenarios?

I am gaining experiences in great places, and, unfortunately, I’ve occasionally had difficult experiences too. Sometimes colleagues are not connected with you, or you are not thinking the same way as the conductor, or, but it’s rare for me, you don’t have a good connection with a stage director. But this doesn’t happen often.

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INTERVISTA A KRISTINE OPOLAIS

Hai calcato i palchi più importanti della scena internazionale.

Come cambia l’approccio all’arte e all’opera in questa moltitudine di scenari diversi?

Ho lavorato in posti meravigliosi e purtroppo, a volte, qualche brutta sorpresa l’ho trovata. A volte i colleghi non si connettono a te, oppure le vostre idee sono lontane anni luce e, a volte, anche se per me è raro, si possono avere problemi col regista. Questo però non capita spesso.

Per me è meraviglioso poter vivere così tante vite diverse ed è interessante interpretare lo stesso ruolo in produzioni diverse.

Adesso viaggio un po’ meno perché volevo stare vicino a mia figlia: ha iniziato la scuola e sono felice di essere scesa da un treno fenetico che spesso guarda più ai numeri e ai guadagni che alla qualità. Se un manager fa le giuste pressioni, un artista può trovarsi ovunque e in qualsiasi stagione, e questo può essere un bene ma anche un male. Se gli artisti sono grandiosi, il pubblico è felice di vederli così spesso. Tutti hanno dei fan e degli ammiratori, ma a me non piace viaggiare non-stop e cambiare porto troppo spesso. Mi piace lavorare con lo stesso regista e con gli stessi collaboratori, e forse sono un po’ noiosa o un po’ troppo stabile per questo motivo, ma so cosa voglio. Sono stata molto in giro e ora mi piace tornare negli stessi posti e fare le stesse cose, magari provando cose non ho mai provato prima.

Poter trovare del nuovo in ciò che già si conosce, è una bella sfida!

Si ha sempre l’idea che l’opera sia un divertissement elitario.

Pensi sia davvero così? Chi frequenta l’opera oggi?

Spero che il pubblico del futuro sarà diverso perché sempre meno giovani sembrano voler andare all’opera. Dobbiamo creare qualcosa per i giovani. Spero anche la musica non tenti di modernizzarsi ma che si avvalga sempre delle classiche scuole di musica. Renata Tebaldi, Mirella Freni, Renata Scotto, Virginia Zeani, Maria Callas…e tutte le altre icone. Speriamo che l’opera ci sia ancora fra vent’anni. E noi dobbiamo contribuire e salvare questo mondo meraviglioso. È un mondo che ha la capacità di curare i cuori e le anime.

Pensi sia possibile coinvolgere e appassionare maggiormente i giovani? In che modo?

Penso lo si possa fare attraverso l’educazione. I giovani devono iniziare dalla scuola. Sarebbe pazzesco se ogni scuola desse delle vere e proprie lezioni di musica, delle lezioni in cui si parla dei compositori, dell’opera…il sistema scolastico deve farci qualcosa. Se così non sarà l’universo dell’opera, diventerà solo un piccolo mondo. Io sento la mancanza dei tempi dei grandi maestri e di quei cantanti strepitosi, meravigliosi. Ci stiamo perdendo una parte importante ed è molto triste. Ma il mondo sta cambiando e noi dobbiamo educare i giovani a scuola, che si tratti di una scuola di musica o meno. In questo modo, forse, l’opera avrà, nel futuro, una possibilità.

It’s wonderful for me because I can live so many different lives and it’s interesting to play one role in many different productions.

I’m traveling a bit less in the last years because my daughter needed me to be near to her: she started school and I’m happy that I jumped out from this fast train. This business is less about the quality and more about the numbers and how the productions go. If you’re a manager and you’re pushing in the right group, an artist can find himself everywhere at every season. Sometimes this is good, sometimes it’s not. If artists are great, the audience is happy to see the same person many times. Every star has fans and admirers but I don’t like to travel non-stop and I don’t like to change places too often, in general. I always try to go back to the same places. I really like to work with the same directors and conductors. Maybe I’m a bit boring or maybe I’m stable, but I know what I want. I’ve moved for many years and I now like to return to the same places and do the same things, finding something new in things I’ve done before.

It’s a challenge to find freshness and new inspiration in these places.

We still have the feeling that going to the opera is an elitist divertissement. Do you think it’s still the case? Nowadays, who attends operas?

I hope we can change the audience of the future because it seems like less and less youngsters want to come to the opera.

But we must create something for younger generations. I also hope that singing will not become modern, and that we will still use the beautiful classic school of singing. As Renata Tebaldi, Mirella Freni, Renata Scotto, Virginia Zeani, and Maria Callas, and all the icons we know. Hopefully, our industry won’t die in twenty years. We need to help opera and save our wonderful world of music. Opera can heal hearts and souls.

Do you think it’s possible to engage and thrill kids and youngsters? How? I think it’s education. The younger generations need to start in school. It would be amazing if every school could have music lessons where they talk about composers, operas and so on. We need the education system to be helpful. Otherwise, opera will be a very small world very soon. I already miss the golden times we had with great maestri and amazing, legendary singers. We are losing something important and that’s sad. But the world is changing and we need to start educating young people sooner in school, whether it’s a music school or not. At least once a week, they need to learn something about music. We would give more attention to opera this way, in the future.

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VOLTI Lo sguardo di Brigitte Vincken FACES Brigitte Vincken's point of view

Nata a Eindhoven, nei Paesi Bassi, Brigitte Vincken oggi vive e lavora ad Amsterdam.

Negli ultimi anni, il suo lavoro di si è diramato, dal campo della moda, verso l’esplorazione di quei territori in cui arte, moda e grafica collidono.

Fin dall’inizio la sua attenzione si è concentrata sulle forme maschili e sulla ricerca di una sensualità da catturare nelle sue fotografie in bianco e nero e a colori.

I modelli maschili, le sculture antiche, gli atleti, i performer e i ballerini diventano tutte materie prime di una continua ricerca tesa alla sovrapposizione del contemporaneo al classico. Questo dialogo è stato raccontato da gallerie, curatori e professionisti dell’arte, ed esibito in mostre ad Amsterdam, Roma, Basilea, Trieste e Argentina.

Born in Eindhoven, The Netherlands, Brigitte Vincken now lives and works in Amsterdam.

In the last years, Brigitte Vincken’s work has been branching out from the fashion field, now exploring the territory where the worlds of art, fashion and graphics collide.

From the start, her focus has been on the male form and how to capture sensuality in black & white and color photography.

The male models, antique sculptures, athletes, performers and dancers all become raw materials as part of her ongoing research to superimpose the contemporary on the classical.

This dialogue has been picked up by galleries, curators and art professionals, revealed by shows in Amsterdam, Rome, Basel, Trieste and Argentina.

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BRIGITTE VINCKEN

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CHARLIE JAMES (Amsterdam) Genius People Magazine

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GRIEF II Genius People Magazine

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PORTRAITS Genius People Magazine

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CONFESSION 2 (tryptic) Genius People Magazine

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FALLOU GUEYE (Milan) Genius People Magazine

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DAWID AUGUSCIK (Milan) Genius People Magazine

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FACE (from Gods & Heroes) Genius People Magazine

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INTERVISTA A AMADEUS

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MUSICA, MAESTRO! Amadeus: il Signore del preserale MUSIC, MAESTRO! Amadeus: Pre-ward’s Master di/by UMBERTO LABOZZETTA

Amedeo Sebastiani, in arte Amadeus, debutta come dj a Radio Deejay.

In quegli anni lavorerà con Fiorello ,Marco Baldini e Jovanotti e resterà nell’emittente fino al 1994. Nel 1994 approda a Radio Capital e collabora, tra gli altri, con Luca Laurenti e Digei Angelo. Il debutto in tv era già arrivato nel 1988 con la partecipazione a 1 2 3 Jovanotti. Nei primi anni conduce programmi musicali e, nel 1993, anche il Festivalbar insieme a Claudio Cecchetto, Fiorello e Federica Panicucci. Il grande successo della manifestazione gli apre le porte di altri programmi come “Appuntamento al buio” e “The look of the year”. Tra i programmi condotti in quegli anni anche “Buona Domenica”, “Il Quizzone” e “Matricole”. Nel 1999 arriva su Raiuno e diventa il volto del preserale con “Quiz Show” e “L’Eredità”, ideato dallo stesso Amadeus e Stefano Santucci.

Nel 2006 torna in Mediaset e conduce “1 contro 100” accanto a Giovanna Civitillo, che poi diventerà sua moglie. Tra i programmi condotti in quegli anni anche “Canta e Vinci”. Dal 2008 torna in Rai e dopo “Mezzogiorno in famiglia” rinasce grazie a “Tale e Quale show” in qualità di concorrente. Diventa il padrone di casa di “Reazione a catena” e, dalla stagione 2018, torna a condurre in access prime time il game show “Soliti Ignoti”. Amadeus ha inoltre presentato le due ultime edizioni del Festival di Sanremo.

Amedeo Sebastiani, aka Amadeus, debuts as a DJ at Radio DeeJay. In those years he works with Fiorello, Marco Baldini and Jovanotti and he stays in the station until 1994. In 1994 he starts working at Radio Capital and he collaborates, among others, with Luca Laurenti and Digei Angelo. The debut in tv happens in 1988 with the participation to 1 2 3 Jovanotti. At first he leads musical programs and, in 1993, the program Festivalbar with Claudio Cecchetto, Fiorello and Federica Panicucci. The event’s great success opens the doors of other programs such as “Appuntamento al buio” and “The look of the year”. He also hosts “Buona Domenica”, “Il Quizzone” and “Matricole”. In 1999 he starts working on Raiuno and he becomes the face of “Quiz Show” and “L’Eredità”, a program created by the same Amadeus and by Stefano Santucci. In 2006 he returns to Mediaset to host “1 against 100” next to Giovanna Civitillo, who will later become his wife. In those years he also hosts “Sing and Win”.

In 2008 he returns to Rai and, after “Mezzogiorno in famiglia”, he competes in “Tale e Quale show”. He becomes the host of “Reazione a catena” and, from 2018, he hosts in access prime time the game show “Soliti Ignoti”. Amadeus hosted the last two editions of the Sanremo Festival.

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In foto Amadeus - Ph. Marco Rossi

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INTERVISTA A AMADEUS

Ho imparato ad amare sempre di più la mia professione - carattere dopo carattere, corpo dopo corpo, lettera dopo lettera - da quando mi si dà l’opportunità di incontrare, qui su Genius, personaggi del mondo dello spettacolo che ricerco con attenzione.

Sono tutte persone da incontrare e da raccontare. Col numero 16, ho inaugurato una rubrica dal titolo “Le cose che piacciono a me” perché ho sempre amato la possibilità di farlo e di farlo in maniera assolutamente libera: scrivere di chi piace a me, condividendo con voi le storie vere di donne e uomini del mondo della musica e dell’arte in generale, ma con uno spirito diverso, come se venissero sussurrate al vostro orecchio, in amicizia.

In fondo, è tutta questione di curiosità: bisogna scavare e scavare ancora. Ecco perché, in questo numero e con la Redazione totalmente ignara di chi sarebbe stato il mio ospite, incontro Amadeus. È stato un incontro che mi ha appassionato: ci siamo visti subito dopo la fine del Festival e, di sicuro, in un ambiente più rilassato rispetto a quei luoghi vissuti negli ultimi mesi pre e post Festival.

A Milano la giornata è soleggiata, con un clima decisamente primaverile. Ci incontriamo nelle vicinanze della sua abitazione, in un’area non molto distante dal mio ufficio, in una sala con gli ambienti sanificati e adatta a realizzare, in piena sicurezza, la mia intervista.

Beviamoci un caffè, Amadeus! È ottimo anche dalla macchinetta e poi, vuoi mettere? Qui è meglio che in ufficio!

Ha un sorriso aperto e sincero, Amadeus, indice inequivocabile di soddisfazione. È stata dura, ma dopo tutti complimenti ricevuti per l’ottimo lavoro, si merita tutta la gratificazione del momento.

Amedeo Sebastiani, in arte Amadeus, nasce a Ravenna ma cresce a Verona, città in cui i suoi genitori, siciliani di origine, si trasferirono per motivi di lavoro. Dopo aver conseguito il diploma di geometra, inizia a dar voce alla sua vera natura e vocazione: la passione per la musica. Inizia a fare il dj, riscuotendo da subito un buon successo.

Ed è da qui che parte il nostro racconto…

Il luogo è protetto dai curiosi da una saletta privata. Sempre ben vestito, con una giacca blu classica, jeans stretti, senza l’ombra di una piega, e mocassini neri. Avevo l’impressione di trovarmi di fronte un icona British della cultura mod e del pop più raffinato degli anni ’80: un indiscusso gentleman, tra musica e stile.

Since when I had the opportunity to meet, here on Genius, the show business personalities that I choose with great care, I started enjoying my job even more – font after font, body after body, letter after letter –.

They are all people to meet and to know. In the 16th issue, I started a column called “Things I like” because I always wanted to do it and I always wanted to do it freely: I wanted to write about people I like, I wanted to share with you the true stories of men and women of the music world and of the art world in general.

But I wanted to do it in a different way, whispering them at your ear, as a friend.

It’s all a matter of curiosity: you have to dig and then dig deeper.

And for this reason, for this issue, without the editorial staff knowing, I met Amadeus. I really enjoyed our meeting: we met after the Festival and surely in a more relaxed environment if compared to the places we’ve been during the Festival and afterwards.

In Milan, it’s a sunny day, there’s a pleasant spring weather. We meet next to his house, in a place that’s not too far away from my office. We meet in a sanitized room, in complete safety, spaced and with our masks on, and we start our interview.

Let’s have a coffee, Amadeus! It comes from a vending machines, but it’s delicious! And it’s better to be here rather than in our office!

His smile is open and sincere, you can tell he is happy. It was hard, but after all the compliments he got for his work, he deserves all this happiness.

Amedeo Sebastiani, nickname Amadeus, was born in Ravenna.

He grew up in Verona where his parents, of Sicilian origins, moved to for working reasons. After he graduated as a surveyor, he decided to focus on his true passion and vocation: music. He became a dj and he quickly became popular.

And this is where our story starts…

The room we’re in is private so we can be alone. He’s always well-dressed: he has a classic blue suit jacket, tight and ironed jeans and black loafers. I felt like I was talking to a British mod and pop ‘80s icon: a true gentleman, between music and style.

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Ama, ti trovo bene! In fondo Sanremo è stato una passeggiata…

Aaaah! [ride] Magari!

Ti registro, altrimenti chi si ricorda, poi, quello che mi dici!

Fai pure! Mi raccomando, però: togli la pausa! Altrimenti facciamo come quella volta che insieme andammo a Milanello per intervistare Berlusconi per il programma su DeeJay (“Anteprima Disco Sport”) e non registrammo nulla! Nella foga del momento dimenticammo di togliere la pausa…fu un’impresa rifarla, ma ci riuscimmo!

E come ci riuscimmo, non ricordo!

Eh, dicendo all’allora assistente del Presidente, la storica Marinella, la verità: che avevamo sbagliato e che non avevamo registrato nulla, e che se non riuscivo a intervistarlo, Cecchetto mi avrebbe licenziato!

Ah! [e qui rido io] DeeJay, appunto: una radio che ha visto nascere grandi campioni dello spettacolo, ma come ci sei arrivato?

In una maniera un po’ particolare, rocambolesca. Usai uno stratagemma! I miei genitori non avevano nessun legame con il modo dello spettacolo: mio padre era istruttore di equitazione, mamma casalinga e io non conoscevo, allora, qualcuno che potesse aiutarmi. Avevo da sempre dentro di me la passione e la speranza che, da grande, avrei fatto il presentatore, e a qualcuno dovevo pur rompere le scatole… Finsi di essere un giovane giornalista e andai in hotel a Verona, dove vivevo, durante una finale del Festivalbar, e dissi loro che dovevo intervistare Vittorio Salvetti.

Ma eri riuscito a prendere un appuntamento?

No! Improvvisai con una serie di bugie, non tanto per l’intervista in sé, ma per chiedergli di ascoltare un mio provino e di farlo avere a Claudio Cecchetto. Il presentatore di quell’edizione era Gerry Scotti, credo fosse il 1985…ma Claudio era una presenza fissa, l’ideatore di Radio Deejay e un grande talent scout.

E ce l’hai fatta?

Sì! Dopo oltre sei ore di attesa, la persona che era in portineria gentilmente chiamò in camera Salvetti e gli comunicò che c’era un giornalista di una radio locale per un’intervista programmata (non era vero)! Lui rispose garbatamente che sarebbe sceso dopo il pranzo…ma in realtà scese sei ore dopo, alle 18 del pomeriggio!

E tu sei rimasto li ad attenderlo?

Sì, e senza allontanarmi mai! Rimasi davanti alla porta dell’ascensore perché la mia paura era che uscisse e non me ne accorgessi. Non mangiai nulla, neanche andai in bagno!

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Hey, Ama! I found you well, after all Sanremo was a picnic…

Aaah! [he laughs]! If only!

I record you, otherwise I’ll never remember what you told me!

Sure! But be ware: remember when you pause it! Otherwise we’ll find ourselves in the same situation we were in Milanello when we had to interview Berlusconi for that program on DeeJay (“Anteprima Disco Sport”) and we didn’t record anything! We were so excited we clicked pause…doing it again was an adventure, but we managed to do it!

How we managed, I can’t tell!

Eh, we told the President’s assistant, our dear Marinella, the truth: that we did a mistake, that we didn’t record a thing and that, if I didn’t do that interview, I was going to be fired by Cecchetto!

Ah! [and now I laugh] Well, talking about DeeJay: it’s a radio that has seen the birth of many different showbiz champions, but how did you get there?

In a strange and daring way. I used a stratagem! My parents had no connections with the industry: my dad was a riding instructor, my mother was a housewife and at the time I didn’t know anyone that could help me. I always hoped that one day I’d become a TV host and so I had to do my number on someone…

I pretended to be a young journalist and I went in a hotel in Verona, where I lived at the time, during Festivalbar’s finals and I told everyone I had to interview Vittorio Salvetti.

But did you have an appointment?

No! I just said a lot of lies, and not because of the interview but because I wanted him to listen to my audition and to give it to Claudio Cecchetto. That year’s TV host was Gerry Scotti, I think it was 1985…but Cecchetto was a fixture, Radio Deejay’s creator and an important talent scout.

And did you make it?

Yes, I did! After more than six hours, the concierge called Salvetti in his room and told him there was a journalist from a local radio that had an interview planned with him (it wasn’t true)! He answered that he’d come to me after lunch…but he actually came six hours later, at 18 o’clock in the evening!

And you waited for him?

Yes, and I never left! I waited him in front of the elevator because I didn’t want him to get out without me knowing it. I didn’t eat and I didn’t go to the bathroom either!

And how did it go?

When he came out six hours later, he didn’t remember of our interview nor of me, even because it wasn’t actually planned and

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INTERVISTA A AMADEUS

E com’è andata a finire?

Quando uscì sei ore dopo, ovviamente non si ricordava dell’intervista né di me, anche perché non era pianificata, non avevamo un appuntamento. Ma trovai il coraggio di avvicinarmi e gli dissi: “Salve! Sono quella persona che lo ha fatto chiamare a mezzogiorno in camera per l’intervista…” e lui rimase meravigliato e mi disse: “Che costanza! Sei rimasto qui fino a questo momento?”, e io: “Eh sì! Sa per me è molto importante.”, e lui: “Ma sei un giornalista?”, al che io risposi: “No, guardi, era una piccola bugia per poterla incontrare perché, in realtà, vorrei fare il presentatore…”

Lui non si arrabbiò, probabilmente apprezzò questa mia testardaggine e mi disse: “Sto andando in Arena per le prove, vieni con me che ti presento Claudio Cecchetto!”

Mi raccontò, anni dopo, perché incredibilmente riuscii anche a presentare il Festivalbar, che quel suo vieni con me fu un modo carino ed elegante per sbolognarmi!

Però quel passaggio fu fondamentale per la mia carriera, vuoi mettere camminare con Vittorio Salvetti a Verona? Dall’hotel fino all’Arena, con un personaggio così famoso e che tutti riconoscevano? Di riflesso mi sentivo importantissimo! In più, entrai con lui e mi presentò Cecchetto che mi chiese se, oltre a fare lo speaker, vivessi anche a Milano. Lì dissi un’altra bugia, inventandomi che avevo una casa a Milano perché facevo il doppiatore…non era vero niente! Ma ci provai lasciandogli un cassetta registrata con un demo del mio programma nella radio di Verona dove trasmettevo all’epoca. Gli dissi di ascoltarla e di dirmi sinceramente se andasse bene o male. Avrei preso atto di un no, ma avrei voluto evitare di rimanere in attesa per troppo tempo perché non ricevere una riposta era la cosa che più mi faceva soffrire. E credimi: di radio ne avevo girate molte!

Come sai bene, da lì a poco arrivò la chiamata di Dario Usuelli, uno dei responsabili storici e direttore della programmazione musicale. Mi convocò per un appuntamento a Radio DeeJay: arrivai pieno di speranze e con la voglia di spaccare il mondo! Dovetti prendere in fretta una stanza in affitto nella zona di corso Sempione, e poi incontrare Valerio Gallorini, l’amministratore delegato, che mi mise sotto contratto. Quanti ricordi! Ecco: così ebbe inizio la carriera artistica di Amedeo Sebastiani, in arte Amadeus, nome scelto da quel genio di Claudio Cecchetto.

E di strada ne hai fatta… Senti, per rimanere sull’attualità, so che torni in radio a breve con Fiorello. È vero?

Noi abbiamo un rapporto fantastico con radio2 e la direttrice.

Loro sono molto bravi e, tra l’altro, io non ho mai lavorato per una radio RAI pur essendo da tanti anni in RAI. Ci penseremo, magari potrebbe essere un’ottima idea. Ci sono da capire alcune cose: faccio il pendolare da Milano a Roma e ho un programma televisivo quotidiano. Come tu ben sai, la radio non puoi farla nei ritagli di tempo, devi farla con il massimo impegno e dandole la giusta importanza. Con un programma quotidiano è un po’ complicato ma potrebbe essere! Sono comunque felice della proposta.

we never had an appointment. But I found the courage to get near him and I told him: “Hi! I’m that person that called you at noon for the interview…” he was amazed and said: “You’re perseverant! You waited here all this time?” and I replied: “Yes! You know, it’s very important for me.”, and he asked me: “But are you a journalist?”, and I finally told him: “No, I lied because I wanted to meet you because I want to be a TV host…”

He didn’t get mad, I think he liked my stubbornness, and so he told me: “I’m going to the Arena for rehearsals, come with me and I’ll introduce you to Claudio Cecchetto!”

Years after, when I – incredibly – hosted Festivalbar, he told me that his come with me was just an elegant way to get rid of me!

But this moment was paramount for my career, can you imagine me walking next to Vittorio Salvetti in Verona? From the hotel to the Arena with a popular personality that everybody knew? I felt so important! So, then I met Cecchetto and he asked me if I had a house in Milan. I lied again and I told him a had a house there because I was a voice actor as well…they were all lies! But I tried, and I left him a tape with the demo of my radio show in Verona’s radio, where I worked at the time. I asked him to listen to it and then to sincerely tell me if it was a yes or no. I could take a no, but I wanted to know. Not knowing really made me suffer. And believe me: I asked a lot of radios, and I know what I’m talking about!

As you know, shortly afterwards I got a call from Dario Usuelli, one of DeeJay’s historic chiefs and director of music programming. He asked me to come to Radio Deejay: and so I went there filled with hope and wanting to take on the world! I quickly rented a room next to Corso Sempione and then I met Valerio Gallorini, Deejay’s CEO, who hired me. Well, this is the story of how Amedeo Sebastiani’s career started. Amedeo Sebastiani, nickname Amadeus: and it was that genius of Claudio Cecchetto who chose my nickname!

You’ve come a long way…But, talking about the present, rumors say you’ll be back on the radio with Fiorello. Is this true?

We have a wonderful relationship with radio2 and its director.

They’re very good and I’ve never worked on a RAI radio even if I’m in RAI since forever. We’ll think about it, it could be very fun.

But I have to make things work out: I move back and forth from Milan to Rome and I have my daily program on TV. As you know, if you want to be on radio, you have to commit and you have to give it the right importance. With my daily program things get hard, but who knows! I’m happy they asked.

Sanremo: you managed hosting the Festival’s most difficult edition. You made it! Are you happy?

I always thought it had to be done, but at a certain point I thought I was the only one wanting it to happen! It had to be done and Fiorello has supported me, as he always does. It had to be done for many different reasons: for the audience at home, for all those people that in the last few days have told me that for five evenings they forgot what’s happening to us from over a year. They

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Tornando a Sanremo, sei riuscito a portare a termine il Festival più difficile della sua storia e hai vinto, hai vinto la sfida!

Sei contento?

Ho sempre pensato che andava fatto, ma a un certo punto sembrava lo volessi solo io! Andava fatto, e in questo Fiorello mi ha sostenuto, come sempre. Andava fatto per varie ragioni: per il pubblico a casa, per quelle persone che, incontrandomi in questi giorni, mi hanno detto che per cinque sere hanno quasi dimenticato quello che sta accadendo da un anno. Si sono distratti dalle problematiche quotidiane e si sono divertiti: era il mio obiettivo principale. Aggiungi il lato economico: un introito pubblicitario importante, un milione in più rispetto alla passata edizione. Bravissima Rai pubblicità: 38 milioni di euro entrati nelle casse della RAI che non avrebbe introitato se non ci fosse stato. In più sarebbe stato cancellato dall’albo, dal 2020 saremmo passati al 2022. Il nostro settore, fermo da un anno, aveva bisogno di un’iniezione di fiducia e di una ripartenza, seppur graduale e in totale sicurezza. Queste le cose fondamentali…abbiamo vinto tutti: la musica, lo spettacolo, l’intrattenimento, in un’annata di estrema difficoltà.

La musica è un mondo che sta subendo un cambiamento radicale negli ultimi anni. A tal proposito, Roberto Razzini (Mana-

got distracted an entertained: this was my main goal. Then there’s the economical side: a big advertising revenue, a million more compared to its last edition. Rai pubblicità did well: 38 million Euro in RAI’s coffers, and they would have never been there if we didn’t do the Festival. Moreover, the Festival would have been removed from the lists, from 2020’s edition to 2022’s. Our world, that has stopped for a year now, had to receive some hope and we had to start again, even if gradually and in complete safety.

These are the main things I think…we all won: music, showbiz, entertainment, and all in a year that was extremely hard.

Music is radically changing in these last few years. Roberto Razzini (Warner Chappell Musica Italiana’s Managing Director) has written a book called “From vinyl to Spotify - Songs is what remains”: from vinyls intended as cults to streaming’s hit and run listening, from Sanremo to X Factor. The ways we listen to music change, but artists and composers stay. He talks about music platforms and about how the time we dedicate to music has changed in time. Did these changes affect your choices? What do you think about it?

Back in our days, we had vinyls. And, in some cases, they’re in fashion again. Many kids buy them and hang their covers as they were paintings. Some covers are masterpieces! But beside that,

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ging Director di Warner Chappell Music Italiana) ha scritto un libro dal titolo “Dal vinile a Spotify”. Quello che resta è la canzone: dal vinile come oggetto di culto all’ascolto mordi e fuggi dello streaming, da Sanremo a X Factor. Cambia la fruizione, ma le canzoni e gli autori restano. Il tema è quello delle piattaforme musicali e di quanto sia cambiato il tempo che si dedica all’ascolto della musica e al consumo. Questi cambiamenti hanno influito sulle tue scelte? Cosa ne pensi?

Ai nostro tempi c’era il vinile, che in certi casi sta tornando di moda. Molti ragazzi lo acquistano e appendono le copertine come fossero dei quadri. Hanno copertine che sono dei capo­ lavori!

A parte questo, il cambiamento è generazionale: usiamo le classifiche delle piattaforme come Spotify per capire il successo di quel brano e/o di quell’artista, e lo capisci in pochi giorni. Le valutazioni, poi, hanno bisogno di tempo e di un ascolto ripetuto. E questo ti dà la percezione del successo di quel brano. Il fatto che sia certificato in tutte le classifiche e non solo quelle di Spotify, ma anche in quella di RadioMonitor, usata dalle radio con numeri clamorosi, è una vittoria ulteriore per tutti. Io ho accettato di fare il Festival pensando alla musica, non allo show oppure agli ascolti. C’è un mondo musicale reale che non sempre vedevo a Sanremo e ho considerato importante farlo partendo dalla canzoni in gara e non dal nome dell’artista. Infatti, nelle mie due edizioni, ho portato al grande pubblico una quantità di artisti che poi hanno confermato, e non solo sulle varie piattaforme, il loro successo con un’elevata richiesta di concerti che, purtroppo, soprattutto per quelli della passata edizione, non si sono potuti realizzare. Ma mi auguro che, da luglio in poi, tutti possano ritornare a calcare i palchi ed esibirsi dal vivo. Il Festival deve pensare alla musica attuale, ha l’obbligo di pensare al presente e al futuro senza dimenticare il passato, come ha dimostrato la grande Orietta Berti, ritornata in classifica dopo tanti anni. Ci fa capire che la musica non ha età.

Ora è arrivato il momento di metterti la cuffia di entrare in cabina perché, prima di elencarci la tua top ten preferita – Brani che non mancano mai nelle tue playlist personali -, devi rispondere velocemente ad alcune domande brevi…pronto?

Se non fossi stato un presentatore, che cosa avresti voluto fare nella vita?

L’ allenatore di calcio. Mi affascina vedere le partite con mio figlio José e fare la tattica, il modulo, le sostituzioni, anticipando le mosse dell’allenatore. Poi magari entra quello che avevo suggerito e mio figlio mi dice: “ Papà, lo avevo detto quindici minuti fa!”

Oltre a Sanremo quale altro programma tv di altri avresti voluto condurre?

Sinceramente, non c’è! Non ci penso finché non mi viene affidato, nel senso che, per esempio, I Soliti Ignoti lo faceva il grande Fabrizio Frizzi ma, quando lo faceva lui, non pensavo di farlo

these changes are generational: we use the charts made by platforms like Spotify to see if a song or an artist are successful, and this takes just a few days. Ratings, though, need more time and you have to hear the song again and again. But if songs are rated not only in Spotify’s charts but in Radio Monitor’s as well and they’re used by radios, it’s a win win situation. I hosted the Festival focusing on music, I didn’t care about the show or about the share. There’s a real music world out there and sometimes I didn’t see it in Sanremo, so I wanted to do the show based on the songs, and not on the artists. In these last two editions I introduced the public to many artists that have confirmed their success: and not just on digital platforms but through concert requests. Unfortunately, especially for last year edition’s artists, they didn’t happen. But I hope that starting from July we will all go back on stage. The Festival must focus on today’s music, its duty is to concentrate on the present and on the future, without forgetting its past. And Orietta Berti proved that: she’s back on the charts after thirty years! You see? Music is timeless.

Now, the time has come for you to wear your headphones and enter the cabin. Before telling us your favorite top ten – Songs that never miss in your personal playlist – you have to answer these short questions. Are you ready?

If you weren’t a TV a host, what would you be?

A football coach. I love watching matches on TV with my son José and decide the tactics, the formations, the replacements before coaches do. Then, sometimes the player I chose comes into play and my son says to me: “Dad, you said fifteen minutes ago!”

Beside Sanremo, which other TV show hosted by someone else would you like to host?

None! I don’t think about it until they ask me to do it. For example, I Soliti Ignoti was hosted by Fabrizio Frizzi and when he did it, I didn’t want to do it. Then, when they asked me to, I adapted it. I don’t desire the TV show of others!

The last book you read?

I read a lot of books about Sanremo. I wanted to know more about its history, but I read a lot in these last two years. I still have John Vignola’s “Sanremo 70”- Rai Libri on my nightstand.

So, will you host the next Sanremo as well? Since you know so many things now…

You have to ask the network’s director, not me! No, I don’t want to think about it now. I thanked the CEO for asking me to, but I would like to forget about Sanremo for a year. If I’ll do it again, I’d like it to be a total gathering: total! After this edition, I deserve it.

As far as I know, and I’ve known for quite a while, it isn’t true, but some people say you’re shy. Is this true?

Yes, I was born shy! I’m very shy but no one believes me! I started working at the radio because a friend of mine wanted to do an

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io. Poi, quando mi è stato chiesto, l’ho adattato alle mie corde.

Non desidero i programmi altrui!

Il tuo ultimo libro sul comodino?

Ho una serie di libri su Sanremo. Ho avuto voglia di leggere e approfondire la storia del Festival, e ho letto di tutto negli ultimi due anni. L’ultimo ancora sul comodino è “70 Sanremo” di John Vignola - Rai Libri. lo incalzo: allora farai il prossimo Sanremo? Visto anche lo studio continuo…

Ma devi chiederlo al direttore di rete, non a me! No, adesso non ci penso. Ho ringraziato l’amministratore delegato per avermelo proposto ma per un anno vorrei non pensare a Sanremo perché, se avrò la possibilista’ di rifarlo, vorrei fosse con un assembramento totale, non normale ma totale. Dopo un Saremo vuoto, me lo merito.

Non mi risulta e posso dirti di conoscerti bene, ma qualcuno ti ha definito timido, è vero?

Sì, nasco timido! Sono timidissimo ma nessuno ci crede! Ho iniziato a fare radio accompagnando un amico per un’audizione a Verona in una radio locale…ma locale perché si prendeva solo nel quartiere! Il direttore, Mimmo Sgambati, un calabrese doc che purtroppo non c’è più, sentì la mia voce e mi disse: “Anche tu sei qui per il provino?”, dissi di no e lui: “No, devi farlo prova’!”

Alla fine lo feci, presero me e non il mio amico e gli altri diciannove. Persi un amico che non mi salutò più ma trovai un mestiere, e quello mi aiutò a togliermi la timidezza. È una domanda scontata, ma tu e Fiorello siete amici da sempre: dai famosi anni ‘90 di Radio Deejay a DJTelevision e molto altro ancora. Mi definisci Fiore in due parole?

Lui è il numero uno, tu lo sai bene! Non ho mai conosciuto qualcuno così istrionico, geniale e soprattutto altruista! Ci siamo parlati molto prima dell’inizio del Festival, soprattutto perché nessuno dei due aveva mai avuto a che fare con una platea dove mancava il pubblico. Ma devo dire che i nostri trascorsi in radio ci hanno aiutati: in radio sei tu e il tecnico. Devi immaginare di avere migliaia di persone che ti ascoltano, ed è stato, come sempre, indispensabile. Fiorello non si può identificare in due parole: dovremmo fare un’altra intervista e parlare solo di lui!

Promesso! Chiederò a lui direttamente e la faremo doppia, così scopriamo cosa pensa di te!

Ma torniamo alla musica, quella che non deve mai mancare nella tua playlist. Solo dieci brani, però!

Io amo la musica italiana, ti rispondo partendo da qui. E inizierei dalle due canzoni che hanno vinto il mio Festival: Diodato con Fai Rumore e Zitti e buoni dei Måneskin. Sono ovviamente molto felice per loro: Diodato è un cantautore favoloso e purtroppo non ha potuto godere appieno della vittoria a causa del

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audition in Verona’s local radio…and when I say local I mean you could only hear it in our neighborhood! Mimmo Sgambati, its Calabrian director who unfortunately passed away, heard my voice and said to me: “Are you here for the audition as well?”, I answered him I wasn’t but he told me I had to try. So I did it, they chose me over my friend and other fifteen people. I lost a friend, but I found my job, and it helped me be less shy.

It’s quite trivial, I know, but you and Fiorello are longtime friends: from Radio Deejay in the ‘90s to DJTelevision and so much more. How would you describe him in two words?

He’s the number one and you know it! I’ve never met someone so histrionic, brilliant and selfless! Before we started Sanremo, we talked a lot, especially because we were both new to hosting a tv show with no audience. But I have to admit that our radio experience helped us a lot: in radio, it’s just you and the technician. You have to imagine that thousands of people are listening to you, and as always this helped. You can’t describe Fiorello in two words: we should do another interview and just talk about him!

Deal! I’ll ask him myself and then we can do a double interview, so we’ll find out what he thinks about you! But let’s get back to music and to the songs that mustn’t miss in your playlist. Just ten, though!

I love Italian music, I’ll start from there. I’d start with the songs that won my Festival: Diodato and his Fai rumore and Zitti e Buoni by Måneskin. I’m very happy for them: Diodato is an amazing singer-song writer but unfortunately, due to the pandemic, he couldn’t truly enjoy his win (but he surely will!). And then Måneskin (whose interview is in this same issue): I first listened to their song in September and I thought that if they would have won with a song like that, the Festival had really changed…and so it is!

Sticking to Sanremo, I’d also say Inuyasha by Mahmood. I like that song very much, and even Soldi. Since that song, he always got it right. I think he really did change Italian light music after his win: now the industry needs to find new balances.

Those who know me know that I love Neapolitan music for many different reasons. So I’d choose Pino Daniele and his Je so’ pazzo. When I was on holiday with my parents in Sicily at the end of the ‘70s or at the beginning of the ‘80s, we always listened to private radios. And I do remember Radio Palermo Libera, even though I don’t know if it still exists.

No, RPL was born in 1976, it worked for a while but it closed in the ‘80s.

Well, I asked to an on request music program to put on Pino Daniele’s song. I was so excited when I heard my name on the radio for the first time. I never felt that way before.

Then, Renato Carosone’s O saracino. He was a genius, I recently watched the movie they made about him, Carosello Carosone.

This song is so joyful and cheerful. I often listen to it with my son José Alberto (he was named after Inter’s former coach, José Mourinho, because it’s Amadeus’ favorite team) and we sing

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INTERVISTA A AMADEUS

Covid (ma avrà’ tempo per rifarsi!). E poi i Måneskin, (intervistati in questo numero dalla nostra redazione): pensa che quando ho ascoltato il brano era settembre e ho detto, tra me e me, se vincono loro, con un brano come questo, beh il Festival è proprio cambiato…infatti!

Restando in tema sanremese, un altro brano che non deve mancare è Inuyasha di Mahmood. Mi piace molto, ma anche Soldi .

Da quel brano in poi non ha sbagliato nulla, penso che vincendo Sanremo abbia contribuito a un cambiamento quasi rivoluzionario nel panorama musicale italiano della musica leggera: ora è destinata a trovare altri equilibri.

Chi mi conosce sa che adoro la musica napoletana per molti motivi, tra i brani che ascolto sempre volentieri metterei Piano Daniele con Je so’ pazzo. C’è un aneddoto che mi ricorda questo brano: ero in vacanza con i miei genitori in Sicilia, era la fine degli anni ’70, primi anni ’80. Si ascoltavano le prime radio private, “Radio Palermo Libera” che ricordo bene ma non so se esiste ancora.

No, RPL nacque nel 1976, operò per qualche anno ma alla fine degli anni ’80 chiuse definitivamente i battenti.

Beh, chiesi in un programma di musica a richiesta proprio il brano del grande Pino Daniele. Non puoi immaginare l’emozione per aver sentito per la prima volta il mio nome essere nominato in radio, fu una sensazione unica!

Poi, Renato Carosone con O saracino. Lui era un genio, ho visto in televisione il film a lui dedicato Carosello Carosone. Questo brano è di un allegria, è una festa! Lo ascolto spesso con mio figlio José Alberto (chiamato così in onore di José Mourinho, ex allenatore dell’Inter, squadra per cui Amadeus tifa) e la cantiamo insieme. Non dimentichiamoci di quanto sia stato importante per la canzone italiana con Domenico Modugno: entrambi portarono in classifica la musica italiana nel mondo, cantando in italiano. [si mette a cantare] Aggiungo: Sandy Marton, People from Ibiza! Come potrei non inserirla? È il nostro periodo a Radio DeeJay! Anni ’90, DJTelevision: quell’anno la trasmissione fu ambientata a Ibiza, con Fiorello e col titolo DeeJay Beach, un’edizione pazzesca! Che bel periodo! Pensa, ho ritrovato Sandy Marton facendo Tale e Quale. Era il 2013, uscivo da un periodo non proprio bello, feci anche l’imitazione di Sandy Marton cantando People From Ibiza.

Mi servì molto quel programma, rilanciai anche Sandy: dopo la mia imitazione ricominciarono a cercarlo per fargli fare serate in Italia.

Andando avanti, Vita, nella versione di Lucio Dalla e Gianni Morandi. Mi piace da sempre! Presentai L’anno che verrà per RAI 1 con Gianni Morandi, durante le prove Gianni mi disse: “questo brano dobbiamo cantarlo insieme!” e io rimasi di stucco soprattutto perché cantare non è il mio forte. Ma insistette molto e alla fine accettai di farla. Sinceramente fu molto divertente, in una serata non priva di imprevisti…

Un altro brano che non deve mancare è Il Segreto degli Stadio. È il brano di quando ci siamo messi insieme io e mia moglie

along. He, alongside Domenico Modugno, was so important for Italian music: they managed to promote Italian music in the world, while still singing in Italian. [he starts singing] Then, Sandy Morton’s People from Ibiza! I had to put it in! Those were the years are Radio DeeJay! The ‘90s, in DJTelevision: that year the program was based in Ibiza, Fiorello hosted it and it was called DeeJay Beach: it was amazing! What an amazing time! I met Sandy Morton again during Tale e Quale. It was 2013, I had a tough go-over, and I did Sandy Morton’s impression singing People from Ibiza. That program helped me a lot and I made Sany popular again: everyone started calling him to have him here in Italy.

Then I’d say Vita, Lucio Dalla’s and Gianni Morandi’s version. I love that song! When I hosted L’anno che verrà for RAI 1 with Gianni Morandi, during rehearsals he told me: “We need to sing this song together!” and was very surprised…especially because I’m actually not a good singer. But he insisted and we did it. It was very fun, especially in such a night, full of surprises.

Another song that must be there is Il Segreto by Stadio. It’s the song we were listening to my wife Giovanna and I when we got together. We often listened to Stadio’s albums and Il Segreto was their most significant song. I often remember some of their lines and I sing them…do you want to hear?

If you feel like it… [he starts singing…and he’s in tune!]

Dimmi che mi vuoi ancora, che mi cerchi come allora, dimmi che sarà per sempre e non c‘è niente di più grande. Anzi no, non dirmi niente ma dimostralo ogni instante, sempre. Il segreto è tutto lì, condividere io e te ogni cosa: dal caffè, alla musica, ad un film. Il segreto è tutto qui!

Bravo! So this is how you won Giovanna’s heart…

Finally, I’d say Umberto Tozzi’s Ti Amo, a song I’ve listened to so many times! When I was a kid, in 1977 during my holiday in Sicily with my parents, I spent all the money I got in the jukebox near the beach. Ti Amo was the song of the moment.

And it still is. So, you were meant for this! We need one more…

Lorenzo Jovanotti’s Ragazzo Fortunato. I think I am a lucky man because they gave me a dream. I realized my dream and I feel very lucky: I hosted two Sanremo Festivals, and once I could only imagine it while watching Mike Bongiorno or Pippo Baudo. I try to make people feel good when I’m on tv, I hope I can give them peace of mind. I have a beautiful family, I can’t complain. And I hope that all kids, and not just the ones who deal with music, can realize their dreams as well!

Well, Amadeus: our chat is over. But now I have to thank you for your kindness and I have to congratulate you for the amazing job you did with Sanremo (it was no picnic!) thanks to the help and the support of your friends: Fiorello, Manager Lucio Presta, your wife Giovanna and all your staff. And you surely have to clean something off your shoe. “Well, it’s all part of our job” he answers me gracefully, with an elegance that proves he’s in business from

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UMBERTO LABOZZETTA

Giovanna. Ascoltavamo entrambi spesso gli album degli Stadio e la canzone più significativa è Il Segreto e i suoi versi più emozionanti li ricordo e canticchio spesso…vuoi sentirne un pezzettino?

Se credi… [inizia a cantarla…ed è pure intonato!]

Dimmi che mi vuoi ancora, che mi cerchi come allora, dimmi che sarà per sempre e non c‘è niente di più grande. Anzi no, non dirmi niente ma dimostralo ogni instante, sempre. Il segreto è tutto lì, condividere io e te ogni cosa: dal caffè, alla musica, ad un film. Il segreto è tutto qui!

Bravo! Con queste parole hai fatto breccia su Giovanna…

Infine, non può mancare Ti Amo di Umberto Tozzi, canzone consumata letteralmente e ascoltata di continuo. Ricordo che da piccolo, nel 1977 in vacanza con i miei genitori sempre in Sicilia, spendevo la paghetta inserendo tutti i soldi che avevo a disposizione nel jukebox in spiaggia e Ti Amo era il tormentone del momento.

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a while now. His job still makes him feel powerful emotions, like the ones we feel when we are kids. We’ve seen them and felt them during this interview.

“I do my job peacefully, and this is possible thanks to the people who make things this way”.

So now it’s time to rest.

Yes, there’s I Soliti Ignoti, but then I want to dedicate some time to myself, to sport, to my family.

And not to the couch?!

Even to the couch! Ibrahimovic manages the sportive side! He invited me to Milanello: but not to play, to eat!

Anche adesso per la verità. Ma eri un predestinato insomma!

Ne manca una…

Sì, chiudo con Ragazzo Fortunato di Lorenzo Jovanotti. Mi ritengo un ragazzo fortunato perché mi hanno regalato un sogno.

Ho realizzato il mio e mi ritengo fortunato: ho fatto due Festival di Sanremo, immaginando di riuscirci guardando quello di Mike Bongiorno, Pippo Baudo e così via. Provo in tv a far star bene chi mi guarda, regalando momenti di spensieratezza. Ho una bella famiglia, non devo proprio lamentarmi e auguro a tutti i ragazzi, non solo a quelli che fanno musica, di realizzare anche i loro, di sogni!

Ecco, Amadeus: la nostra chiacchierata è terminata ora, però, è arrivato il momento di ringraziarti per la tua disponibilità e per l’impresa enorme ottenuta con l’ultimo Festival di Sanremo (non era per niente facile!) grazie alla complicità e al sostegno degli amici: Fiorello in primis, del Manager Lucio Presta, di tua moglie Giovanna e di uno staff di persone che non ti hanno mai abbandonato. Giustamente, sarebbe anche il caso di togliersi qualche sassolino dalla scarpa.

“Ma è parte del nostro mestiere!” mi risponde col garbo e l’eleganza di chi questo mestiere lo fa da un po’. È un mestiere che riesce ancora a fargli provare emozioni forti, come quelle che si affacciano durante l’adolescenza e qui, in questo racconto, le abbiamo attraversate e ci sono arrivate tutte.

“Faccio il mio lavoro serenamente e non sarebbe così se non avessi vicino le persone che mi mettono in condizione di farlo”.

Quindi adesso pausa.

Sì, I Soliti Ignoti e poi voglio dedicarmi un po’ a me stesso, allo sport e alla famiglia.

E il divano no?!

Sì, anche quello! Per le attività fisiche ci pensa Ibrahimovic che mi ha invitato a Milanello: ma non per giocare, per mangiare!

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INTERVISTA AI MÅNESKIN

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SYMPATHY FOR MÅNESKIN Please allow us to introduce ourselves…

SYMPATHY FOR MÅNESKIN Please allow us to introduce ourselves… di/by CAROLINA GENNA

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ibelli e rockettari, riunitevi! Ho qualcosa da raccontarvi…

Sono fermamente convinta che i grandi creativi di oggi, i liberi pensatori e la crème de la crème degli anticonformisti di successo, avevano – e forse hanno ancora – nella loro stanzetta pile e pile di CD e vinili, poster, magazines e playlist invidiabili. E penso anche che tutte queste cose avessero un solo grande protagonista: il rock. Probabilmente tutti abbiamo pianto sapendo che, no!, non avremmo mai visto un live dei Led Zeppelin, dei Doors o di altri grandi grandissimi del rock and roll. E probabilmente tutti noi, non appena usciva il biglietto per una di queste grandiose band ancora in attività, siamo corsi a comprare un biglietto, due biglietti, tutti i i biglietti, convinti che “ora o mai più”!

So per certo che, personalmente, è così che ho passato gli ultimi quindici anni della mia vita…e so per certo di non essere l’unica.

In questi ultimi anni, però, è successa una cosa un po’ bislacca per noi, amanti senza speranze di una musica irraggiungibile nel tempo: qualcosa, qui, in Italia, adesso, si sta muovendo. E quel qualcosa si chiama Måneskin.

Sono sicura che tutti voi li conosciate già: sono i vincitori della 71a edizione di Sanremo di quest’anno, i rivoluzionari, i vincitori dell’Eurovision Song Contest – a cui, fra le altre, va il merito di aver riportato l’Italia nel dibattito musicale internazionale dopo ben 31 anni! - e gli autori di un paio di canzoni che, ho come l’impressione, abbiate già canticchiato e fischiettato.

Molti non pensano siano veramente rock, ma, come dicono loro, sticazzi! Perché lo sono, eccome!, e noi di Genius vogliamo farveli conoscere meglio. Soprattutto ora, a pochi mesi dall’uscita del loro ultimo album, Teatro d’Ira - Vol. I. Ma andiamo con ordine: la band è composta da Damiano (voce), Victoria (basso), Thomas (chitarra) ed Ethan (batteria). Sono giovanissimi, romani e si sono fatti la gavetta sulle strade di Via del Corso. Il successo è arrivato con la loro partecipazione a X Factor, trampolino di lancio per un tour di ben 70 date fra Italia ed Europa. E Teatro d’Ira - Vol.I è il risultato di una maturazione durata anni: dai tantissimi palchi all’esperienza del tour italiano e del tour europeo e del tempo passato a Londra. In tutti questi anni, questi ragazzi hanno compreso quale fosse “la loro forma più naturale” e cosa li rappresentasse davvero, riuscendo a crea-

Rebels and rockers, assemble! I have something to tell you...

I’m firmly convinced that today’s great creatives, free thinkers and the crème de la crème of successful outcasts had – and maybe still have – piles and piles of CDs and vinyls, posters, magazines and truly enviable playlists in their small bedrooms. I even think that all these things were all about rock. Probably we all have cried when we realized that, nope!, we were never going to see Led Zeppelin, The Doors and all those other extraordinary rock bands go live. And, probably, every time we saw tickets for one of these bands still in activity, we all hurried to buy one ticket, two tickets, all the tickets, sure that it was a “now or never” moment!

Personally, I know this is how I spent the last fifteen years of my life…and I know for sure I’m not the only one. But in the last few years something strange has happened to us hopeless lovers of an unreachable, in terms of time, music: something, here, in Italy, now is happening. And that something is called Måneskin.

I’m sure you all already know them: they’re the winners of the 71st edition of the Sanremo Festival, the revolutionaries, the winners of the Eurovision Song Contest – and they’ll get the credit for making Italy once again the subject of the international musical debate after 31 years! – and the composers of a couple of songs I feel you’ve already hummed and whistled. Many think they’re not rock enough, but as they say, whatever! ‘Cause they truly are and Genius’ staff wants you to know them more. Especially now, a few months after the release of their new album, Teatro d’Ira – Vol. I. But let’s go in order: the band is made by Damiano (voice), Victoria (bass), Thomas (guitar) and Ethan (drums). They’re young, Roman and they paid their dues on Via del Corso’s streets. They got famous after their participation to X Factor, their springboard for their 70 dates tour in Italy and in Europe. Teatro d’Ira – Vol.I is the result of their growth: from the stages they performed on, from their Italian and European tour and from the time spent in London. In these last years, they’ve found out what’s their “natural form” and what truly speaks to them, and they created their own sound, revolving around one key word: rawness.

Their last album is a hymn to their recovered rawness, to their return to analogic and to their will to give each instrument a voice.

One year after the start of the pandemic, Måneskin are all-in on

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In foto i Måneskin

re un sound che fosse loro e ruotando attorno a una sola parola d’ordine: crudezza. L’ultimo album è, infatti, un inno alla crudezza ritrovata, al ritorno all’analogico e alla voglia di dar voce a ogni singolo strumento. A un anno dall’inizio della pandemia, i Måneskin hanno puntato tutto sul power trio e sulla forza del live: l’intero album, infatti, vive di un’ottica live (“Noi nasciamo e moriamo live” hanno detto alla conferenza stampa) e i pezzi sono stati registrati in presa diretta per dar voce a un suono crudo, trasposizione della loro stessa natura. Per dar libero sfogo alla loro creatività non si sono posti limiti e ogni brano è scevro da limitazione temporali, strutturali o linguistiche. Le tracce, quindi, si incontrano e si scontrano fra i loro diversi estremi, conferendo all’album una varietà inedita e invidiabile. Unico leit motive, la natura scarna e l’anima cruda per raccontare “le molte sfaccettature di ciò che sentiamo e di ciò che è la nostra musica”.

Sono giovani, freschi e, piaccia o non piaccia, in grado di dar voce a un’intera generazione e ai cambiamenti che vogliono vedere nel mondo.

“Sempre più ragazzi della nostra età sono informati, e stanno abbracciando tutte quelle categorie che sono state nascoste per anni sotto ai tappeti perché minoranze, troppo ingombranti e per tutta quella lunga serie di motivi. La nostra generazione è interessata e si sentono rappresentati. Parliamo di più di certe cose, ne parliamo meglio. E poi ci spostiamo sul lato pratico: ci

power trio and on live’s power: the entire album was born in a live perspective (during the press conference, they said: ”We were born live and we will die live”), all the cues were recorded live in order to give the right space to their raw sound and to their true nature. In order to free their creativity, they set no limits and every song is free from timing, linguistic and structural limits.

Cues meet and crash through their extremes and give to the album a new and enviable variety. Their gaunt nature and their raw soul are the album’s only leit motives, and they’re here to tell us “the many faces of what we feel and of what our music is about”.

This band is made by youngsters, they’re fresh and, whether you like or not, they’re able to give a voice to an entire generation and to the changes they want to see in the world.

“More and more people of our age are informed, and they’re embracing all those categories of people that have been swept under a rag because part of a minority or because too cumbersome, and for all those other reasons we all know so well. Our generation is well informed and we feel represented. We speak more about certain things and we speak about them in a better way. And we even move on a practical side: we’re getting rid of all those prejudices we were taught. You’re a boy? Well, you have to play soccer, wear your jeans and your sneakers and you have to like girls…but we know this is not how things go! It mustn’t go this way! Now many people know this…and more

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INTERVISTA AI MÅNESKIN

stiamo anche spogliando di quei preconcetti con cui siamo stati educati. Sei un maschio? Giochi a pallone, ti metti i jeans, le sneakers e ti piacciono le donne…ma non è per forza così! Anzi, non dev’essere per forza così! E in molti se ne stanno accorgendo…e più gente se ne accorge e più si informa, più se ne parla e meno ci sarà bisogno di riparlarne perché sarà la nostra nuova normalità. E questa è la nostra speranza!” (Damiano) Dualità, accettazione del contrasto e delle nostre nature poliedriche. Esempio della filosofia di questa generazione potrebbe essere il loro nuovo brano I Wanna Be Your Slave, un pezzo dal testo colorito che, al di là della volgarità delle immagini, vuole descrivere con crudezza tutte le sfaccettature della sessualità e

people know it, more people will be informed; more people talk about it, less we will need to talk about it again because it will just be our new normality. This is what we’re hoping will happen!”

(Damiano) Duality, acceptation of our contrasts and of our multifaced nature. Their new song I Wanna Be Your Slave is a perfect example of their philosophy: its lyrics are colorful but, despite images’ vulgarity, the song wants to roughly describe sexuality’s faces and their influence on our everyday life. It dwells a lot on contrasts:

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l’influenza che hanno all’interno della vita di tutti i giorni. Si gioca molto sui contrasti: il master/lo schiavo; il bravo ragazzo/ il gangster perché “una persona può essere entrambe le cose, senza dover scegliere per forza di cose quale delle due essere”.

Il mondo va avanti e avanti deve andare anche la musica, e per restare in tema, il brano Paura del buio è un’aperta critica verso chi ha paura del progresso musicale, delle novità che i Måneskin, assieme ad altre band del panorama nazionale e internazionale, stanno apportando a un mondo che, di per sé, vive di fluidità e di cambiamento. L’unico, forse, in cui avere paura è vietato.

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the master/the slave, the good boy/the gangster because “a person can be both, we don’t have to choose one”.

The world moves on and so must music, and in order to maintain the theme, Paura del buio is an open criticism to those who are afraid of music’s progress and of alle the news that Måneskin and other national and international bands are bringing in music scenarios and in a world that should live by the rules of fluidity and change. The only world where being afraid is forbidden.

Ph. Gabriele Giussani

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Insomma, il tempo dei poster in camera può anche essere passato, ma non lasciatevi scappare quel senso di euforia dato da un bel riff!

Fidatevi: qualcosa di eccezionale, adesso, in Italia, sta succedendo.

A Sanremo avete fatto la rivoluzione. Condizione, questa, che vi ha permesso, da un lato, di svecchiare un Festival ormai stanco, e dall’altro, di ampliare ulteriormente la vostra piattaforma. Ma che cos’ha da raccontare e da dire il rock contemporaneo oggi?

Victoria: Noi siamo molto trasparenti nella nostra musica. Ciò che abbiamo da dire, lo esprimiamo attraverso le nostre canzoni, e penso che si senta, anche nei testi. Fare questo tipo di musica è stata una scelta particolare, soprattutto oggi…perché non è propriamente il genere da classifica. Però così noi sentiamo di essere liberi di esprimerci al massimo, facendo una cosa che ci piace e che ci rappresenta, fregandocene delle cose comuni e delle imposizioni.

Quale pensate sia il ruolo che, a oggi, la musica, e il rock nello specifico, ha all’interno dei processi di trasformazione ed evoluzione del tessuto sociale e culturale?

Damiano: Nella storia, la musica è sempre stata un veicolo potentissimo per tutti i messaggi, soprattutto per quelli sociali.

Nonostante i cambiamenti, la musica è ancora oggi uno strumento di comunicazione fondamentale, capace di arrivare alle masse e di esercitare un ruolo importante.

Quindi, la musica possiede ancora quel potere propulsivo capace di scuotere gli animi e portare a una maggiore autoconsapevolezza e a un maggior awareness?

Tutti: Sì, sicuramente!

Damiano: Però, forse, adesso, a causa dei social e del fatto che tutti hanno a portata di mano ogni singola notizia, può darsi che non sarà più la musica a dare quella smossa così importante. Ci sono tanti altri strumenti diversi ed è molto più facile accedervi.

Questi ultimi anni sono stati importantissimi per creare un sound che fosse vostro, e Teatro d’Ira Vol.I ne è la dimostrazione. Quali sono gli artisti che maggiormente vi hanno ispirato lungo questo percorso di costruzione identitaria?

Victoria: Decisamente i gruppi storici, a partire dai Led Zeppelin, i Rolling Stones, gli Smiths e via dicendo. Sicuramente, molti degli altri gruppi che ci hanno ispirato moltissimo sono più contemporanei e partirei dai Royal Blood, dagli Slaves, gli Arctic Monkeys, gli Strokes e così via. Tutta questa scena musicale ci è stata molto d’ispirazione e l’abbiamo trovata nelle nostre corde perché è una rivisitazione più contemporanea della musica rock classica.

Da anni ormai, le classifiche italiane sono capeggiate da rapper e da trapper nostrani. Come sta reagendo il mondo dei

Well, poster’s time may have come to an end, but don’t miss that sense of euphoria a good riff gives you!

Trust me: something extraordinary, now, in Italy, is happening.

In Sanremo you made the revolution. This way you were able to renew this old-fashioned Festival and to expand even more your audience. But what does contemporary rock have to say today?

Victoria: In our music we’re transparent. We say what we want to say through our songs and I think everyone can feel it, even in our lyrics. Making this kind of music was an odd choice, especially today…because this isn’t the type of music that rules the charts.

But this way we feel free to express ourselves while doing something we love and that tells something about us. We don’t’ care about common stuff and about impositions.

What’s the role that, today, music, and specifically rock, has in social and cultural transformations and evolutions?

Damiano: Historically, music has always been a powerful mean to convey messages, especially social ones. Despite changes, I think music today still is a fundamental communication tool and still has the power to talk to the masses and to play an important role.

So music still has the power to shake souls and increase self-consciousness and people’s awareness?

Everyone: Yes, sure!

Damiano: But maybe now, due to social networks and to all the information we have at hand, music could lose its leading role.

We’re surrounded by so many different tools and it’s so easy to get to them.

These last few years were paramount to create your own sound, and Teatro d’Ira shows it. What are the artists that have influenced you the most during the building of your new identity?

Victoria: Definitely the classic ones, starting from Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Smiths and so on. Most of the other groups that have inspired us are more contemporary, and I’m talking about Royal Blood, Slaves, Arctic Monkeys, Strokes and so on. We were truly inspired by this music scene and they were in the cards for us because it’s a modern reinterpretation of classic rock.

Since years now, Italian music charts have been ruled by Italian rappers and trappers. How are people your age and youngsters reacting to this – apparently – new wave of rock?

Thomas: “Our peers aren’t used to this type of music because they never had the curiosity or the habit to go to a club, but this is something youngsters do in London: bands play in pubs, they play jam sessions…we surely miss it here. I think youngsters sees us as something new – even if we’re not -, like something they have to discover and so they’re encouraged to discover more”.

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giovani a questa ventata – apparentemente – nuova tutta rock?

Thomas: “I nostri coetanei non sono abituati a questo tipo di musica perché magari non hanno la curiosità o non hanno l’abitudine del locale, così radicata invece a Londra con le band che suonano nei pub, le jam session…sicuramente c’è questa mancanza. Però penso che molti giovani vedano la nostra musica come una novità – anche se non è una novità -, come una cosa da scoprire, e così sono invogliati a scoprire.”

Diamano: “Secondo me i ragazzi sono molto incuriositi, e faccio quest’esempio: ieri un ragazzo con la tuta dell’Adidas e il borsello, cioè l’ultimo che io posso pensare sia un nostro fan, ci ha chiesto la foto e io non me lo sarei mai aspettato. Questo vuol dire che stiamo scavalcando le tipologie, è una musica per tutti.

Non siamo una nicchia”.

Victoria: “Poi, vederci proprio suonare, fa effetto anche se non si è appassionati del genere […]. È vero: forse molti non sono abituati perché non è il genere più in voga in Italia al momento, però anche questa storia dei generi è limitante. E alla gente non interessa: se un brano piace, se lo sentono”.

Main focus di questo numero è la libertà di espressione e tutte quelle forme di comunicazione “inusuali” che esulano dalla comunicazione verbale o testuale. Prendiamo, per esempio, la body art, l’immagine in sé, l’estetica, il look. Cosa volete esprimere, ed esprimete, attraverso la vostra estetica gender fluid?

Damiano: La nostra estetica ci aiuta a regolare il nostro messaggio. Il nostro focus principale è e sarà sempre la musica, però l’occhio vuole la sua parte. E lo facciamo soprattutto attraverso le immagini, l’attitudine, le movenze, il vestiario. Sono tutti strumenti utili per comunicare qualcosa, per esprimere un concetto e un messaggio, e questo è quello che cerchiamo di fare noi coi nostri outfit.

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Damiano: “I think our peers are very intrigued, and I’ll make an example: yesterday I guy dressed with an Adidas suit and with a bag, so the last person I thought could be our fan, asked us to take a selfie, and I never thought it could have been possible.

This means were getting over types and categories, our music’s for everyone. We’re not a niche”.

Victoria: ”And seeing us play live makes an impression even if you’re not fond of rock music […]. It’s true: at the moment they’re not used to us because this isn’t Italy’s favorite type of music, but this whole thing about genres is a limit. I think people don’t care: if they like a song, they just listen to it”.

Main focus of is month’s issue is self-expression and all those other forms of communication that go beyond text and verbal communication. Let’s think about body art, pictures, esthetic and looks. What do you want to express through your gender fluid esthetic?

Damiano: Our esthetic helps us regulate our message. Our main focus is and always will be music, but you eat with your eyes first.

We do this through pictures, our attitude, our moves and our looks. They’re all important tools to tell something, to express a feeling and a message, and this is what we want to do with our looks as well.

Speaking about other groups’ music, what is the song you’re listening to the most and that will remember you about these last few weeks and about your win in Sanremo?

Everyone: “Wow!” Victoria: “Amazing! I’m listening a lot to The Hunter of the Slaves!”

Thomas: “I’m listening to Paranoid Android by Radiohead.”

Ethan: “Personally, I’m listening to a song that’s quite new, Trouble’s Coming by Royal Blood.”

Damiano: “Doorman by Slowthai.”

Parlando di musica di altri, qual è la canzone che più state ascoltando in questi giorni e che più vi ricorderà queste settimane e la vittoria a Sanremo?

Tutti: Wow! Victoria: Pazzesco, io mi sto ascoltando molto The Hunter degli Slaves!

Thomas: Io, un sacco, Paranoid Android dei Radiohead!

Ethan: Personalmente, io ascolto una canzone uscita da non troppo tempo, cioè Trouble’s Coming dei Royal Blood!

Damiano: Io Doorman degli Slowthai!

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REDAZIONALE

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LAURA GOES TO HOLLYWOOD LAURA GOES TO HOLLYWOOD di/by REDAZIONE GENIUS

Ho incontrato per la prima volta Laura il 16 marzo di quest’anno. Assieme a una schiera di giornalisti affezionatissimi, ho partecipato anch’io alla conferenza stampa organizzata dal suo ufficio stampa a pochi giorni dall’uscita delle nomination dei cinque all’Oscar alla Miglior Canzone. All’epoca ci sembrava straordinario, oggi, a poche settimane di distanza, ci sembra naturale, giusto e quasi scontato. Ma in quel momento l’industria era in visibilio. Il brano cantato dalla Pausini, Io Sì (Seen), composto dalla brillante compositrice Dianne Warren, si era già accaparrato il primo importante premio del sistema cinema hollywoodiano, il Golden Globe, e in pochissime settimane era riuscito a scalare le vette delle classifiche statunitensi, stabilendosi nei primi venti posti. Pensateci: è un risultato straordinario per una canzone in lingua italiana. A questo si aggiungeva l’hype per la nomination, la prima, anche in questo caso, per una canzone italiana e col testo scritto nella nostra lingua. Insomma, comunque sarebbe andata, la presenza di Laura agli Oscar del 2021 si configurava come un momento inedito per la nostra storia cinematografica e musicale. Idealmente, un momento alla Dolce Vita o a La Grande Bellezza o, pessimisticamente, un momento da domanda per il Trivial Pursuit del futuro. Da giornalisti, era bello esserci.

La canzone, come ormai tutti sanno, è stata composta per il film La vita davanti a sé, diretto da Edoardo Ponti e con protagonista la nostra Sophia Loren, anche madre del regista. Diane Warren ha composto il brano, redigendo anche il testo in lingua inglese, e poi la stessa Loren ha contattato la Pausini per “farle da voce nell’ultima battuta del film”. Laura ha sempre detto di no al cinema, ma quando la Loren chiama, tu corri. E così è stato: assieme al suo fedelissimo Niccolò Agliardi, in più di un mese di lavoro, Laura ha scritto la versione italiana del testo e…tutto il resto è storia.

La Laura che ci troviamo davanti è una Laura orgogliosa, emozionata e umile. Ancora non ci crede, ancora non sa spiegarselo - “Io ho solo cantato una canzone” dirà nel corso dell’intervista – e, fra conferenze stampa e applausi, ancora tenta di capirci qualcosa, di questo mondo nuovo con le sue convenzioni, regole e tradizioni.

Laura è una donna passionale, sensibile, spontanea e buffa.

Simpatica, davvero. E con un talento che, sempre più, si sta imponendo a livello mondiale. Eppure, davanti a uno dei più importanti riconoscimenti mondiali – nonché l’ennesimo della sua carriera -, la Pausini si fa piccola, quasi non ci crede: “Non so mai come gestire certe emozioni, mi sento piccola, penso di

I met Laura for the first time on March 16th. Together with a choir of devoted journalists, I attended the press conference her press office organized a few days later the nominations of the five of the Best Song Oscar. At the time it felt amazing, now, after a few weeks, it seems natural, right, and predictable too. But at the time the whole industry was going insane. Pausini’s song, Io Sì (Seen), was written by the American brilliant composer Dianne Warren, it had already snapped up one of Hollywood’s most important prizes, the Golden Globe, and in just a few weeks it managed to rise to the top of America’s rankings, settling down among the first twenty positions.

Just think about it: it’s an incredible result for an Italian song.

Then there was the hype for the nomination, even in this case the first one in Academy’s history to be given to a song sang in Italian. In short, however things went, Laura’s attendance to this year’s Oscars was something new to Italian’s music and film history. Ideally, it would have been a Dolce Vita or a La Grande Bellezza moment, pessimistically, it would have been a moment to remember for future Trivial Pursuit questions. As journalists, we had to be there.

As everyone now knows, the song was composed for the movie La vita davanti a sé, directed by Edoardo Ponti and played by our Sophia Loren, mother of the director as well. Diane Warren created the song and its original lyrics in English, and then Loren herself called Laura Pausini to make her “be her voice in the movie’s last line”. Laura never wanted to be part of the movie industry, but when Sophia Loren calls, you answer. And this is what happened: together with her loyal Niccolò Agliardi, in more than a month of hard work, Laura wrote the lyrics to the Italian version and…the rest is history.

The Laura we meet is proud, excited and humble. And yet she still doesn’t believe it, she still doesn’t understand how this was possible – “I just sang a song” she’ll say during the interview – and, between applauses and press conferences, she still tries to figure out this new world with its rules, agreements and traditions.

Laura is a passionate, sensitive, spontaneous and goofy woman.

She’s really charming. And her talent is now seen by the entire world. And yet, in front of this international achievement – one more in her career – Pausini feels small, she still finds it hard to believe: “I never know how to deal with some emotions, I feel small, I think I can’t do it. Even though I’m a woman, I’m still the same girl who eighteen years ago won the Festival: I have that same anxiety, those same fears…but I even have that same joy”.

The question arises: after the Oscars, what else is there? What’s

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In foto Laura Pausini Genius People Magazine

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In foto Laura Pausini e Diane Warren

non essere in grado. Da donna, oggi ho ancora dentro di me qualcosa di quella ragazzina che diciotto anni fa vinceva al Festival: la stessa ansia, le stesse paure…ma anche lo stesso modo di gioire di allora”.

Anche perché la domanda sorge spontanea: dopo l’Oscar, cos’altro c’è? Quale il prossimo obiettivo? Quale la prossima spinta? “Forse di nuovo il pianobar o la mansarda di Solarolo in cui i vicini mi chiedevano di abbassare il volume! Gli Oscar, invece di farmi sentire figa, mi mettono ansia perché è chiaro che, dopo una cosa come questa, la gente si aspetta di più. Io stessa mi aspetterei di più. Ma sarò capace?”. Nel corso dell’intervista più volte Laura, emozionatissima, torna a fare i conti con la sua “condizione”, con la sua unicità. “ La mia voce è qualcosa con cui sono nata, non è un merito. Col tempo, però, ho capito che non è solo fortuna e che, per non continuare a interrogarmi e piangere, devo fare i conti con la paura di essere speciale. È una paura che mi coglie soprattutto in Italia e non all’estero dove le persone convivono meglio coi vari talenti. Dopo 28 anni di carriera, tremo ancora all’idea di parlare con Pippo Baudo, mentre mi trovo a mio agio a parlare con Beyoncé!”.

Laura si lascia andare, ride, scherza, si confida: “Non credevo che la nomination fosse possibile, ma ora che si è realizzata dico vamos! Devo essere sincera: se non vinco, la cosa mi rompe un

the next goal? What’s the next push? “Maybe the piano bar again or my attic in Solarolo where my neighbors told me to turn down the volume! The Oscars aren’t making me feel cool, they give me anxiety. After something like this, people will expect more of me.

I will expect more. But will I be able to?” During the interview a very excited Laura faces her condition, her uniqueness. “I was born with my voice, it’s not a merit. But through time I figured that’s not only about luck and, in order not to question myself or cry anymore, I have to face my fear of being special. It’s something that affects me especially in Italy, abroad people are more used to live side by side with talent. After 28 years in the business, I’m still scared of talking to Pippo Baudo but I can enjoy a chat with Beyoncé”.

Laura lets herself go, she laughs, she jokes, she opens up: “I didn’t think I was going to get a nominee, but now that happened, I say vamos! Honestly, if I don’t win, I’m gonna be pissed. Even Diane Warren wants to win after she lost eleven times!”.

The song’s message is “you may feel protected even if you don’t have a family. It suits perfectly the time we’re living in and is very popular in the USA”. It’s no surprise then if, after a few weeks, many American sources started to point the song out as a front-runner together with the song Speak Out from the movie One Night in Miami. As many have said before me, public opin-

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In foto il Presidente della Repubblica Sergio Mattarella e Laura Pausini

po’. Anche Diane Warren vuole vincere, dopo che nella sua carriera ha già visto sfumare nel nulla undici nomination!”.

Il messaggio della canzone è “ci si può sentire protetti anche senza avere una famiglia. Calza perfettamente coi tempi che stiamo vivendo, negli USA sta spopolando”, e non sorprende quindi se, a qualche settimana di distanza, erano in molte, le fonti statunitensi, a darla fra i favoriti assieme alla canzone Speak Now del film One Night in Miami.

Come sottolineato da molti, spesso l’opinione pubblica, ghiotta di informazioni e chiacchiere sui proprio beniamini, seppur molto ferrata sulle nomination date agli attori e alle attrici (come dimenticare il plauso mondiale alla vittoria di Leonardo Di Caprio qualche anno fa?), difficilmente tiene il conto nelle altre categorie. Secondo gli esperti di nomination – chiamiamoli così -, le candidature per la Miglior Canzone Originale di quest’anno erano da considerarsi come una vera e propria gara aperta, anche se la domanda che tutti si facevano era per lo più: “Ci siamo quasi, ce la farà Diane Warren a vincere l’Oscar?”. Più nel dettaglio: Roger Dickins era reduce da 14 nomination e due Oscar (uno per Blade Runner 2049, l’altro per 1917), Kevin O’Connell ne aveva vinto uno alla sua ventunesima (!!) nomination, Thomas Newman, invece, era a quota zero. Diane Warren, infine, è adorata dall’industry e, di Oscar, avrebbe già do-

ion, that’s often greed of information and gossips about their idols, despite being very familiar with the nominations given to this or that actor (we all – worldwide - remember Leonardo Di Caprio’s win), isn’t that good in keeping track in other categories.

Nominees’ experts – let’s call them that – thought that the Original Song category was an open race. Yet they were all asking themselves: “Here we are, is Diane Warren going to win an Oscar?”. Roger Dickins was nominated fourteen times and had already won two Oscars (one for Blade Runner 2049, and one for 1917), Kevin O’Connor had already won one himself on his twenty-first (!!) nomination, and this was Thomas Newman’s first time.

Diane Warren was loved by all the industry, and many said that she already should have three or four Oscars by now. And between these counts, predictions and hopes, we couldn’t forget that Io Sì was coming to the Oscars with a Golden Globe, a combination that for six times during the last ten years led to the win.

This year’s was Warren’s forth nomination, and many have asked themselves what else could she do to get the Academy’s attention. Long story short: we were all rooting for them!

The Oscar’s 93rd edition happened two months later than usual, and this night seemed to never come. This year’s Oscars were special, especially because they were the first big event in the presence of this last long year. We were all very excited: an illu-

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vuto averne tre o quattro… Poi, fra conteggi, previsioni, speranze, non bisognava dimenticare che Io Sì arrivava agli Oscar fresco fresco di Golden Globe, una combinazione che per sei volte negli ultimi dieci anni ha portato alla vittoria. Mettiamoci pure che, quella di quest’anno, era la quarta nomination di fila della Warren: in molti si sono chiesti, in caso di sconfitta, cos’altro potesse fare la compositrice per attirare le attenzioni dell’Academy.

Insomma, facciamola breve: stavamo tutti tifando per loro!

La 93° edizione degli Oscar si è svolta con due mesi di ritardo rispetto alle date di fine febbraio a cui tutti siamo abituati, e la notte del 25 aprile sembrava non arrivare mai. Gli Oscar di quest’anno sarebbero stati speciali, soprattutto perché si trattava del primo grande evento in presenza di quest’ultimo lunghissimo anno. Per certi versi, quindi, l’emozione era tanta: un’illusione di normalità, condita col glam di sempre. Fra abiti sontuosi, sketch, passerelle ed esibizioni dal vivo, tutto è andato liscio come l’olio. E quindi le vittorie: statuette a gogo per Nomadland (parlando di prime volte, la regista cinese Chloé Zhao è la seconda donna a vincere il premio alla regia e la prima donna asiatica della storia a portarsi a casa il premio), un’altra statuetta a Frances McDormand e al grande Anthony Hopkins (altro primato: è l’attore più anziano (89 anni) ad aver vinto l’Oscar, ben 29 anni dopo il suo Hannibal Lecter), ennesimo premio per la Disney e la Pixar e così via. Tornando alle prime volte e a Laura, quest’anno ha inaugurato le esibizioni dal vivo delle canzoni nominate: un’esperienza che, premio o non premio, potrebbe bastare già di per sé.

E probabilmente così sarà: basterà. A sorpresa di tutti, Io Sì non ha vinto. Pronostici, premonizioni e makumba non sono bastate. Il premio alla miglior canzone originale è andato a Fight For You del rapper H.E.R. per il film Judas and the Black Messiah, e in molti saranno caduti dalla sedia.

Insomma, l’Italia è rimasta a secco: nessun premio al trucco e parrucco per il film di Garrone (Pinocchio) e nessun premio per Laura. Ciononostante, è stata una bella corsa, per noi spettatori e per la stessa cantante. “Torno in Italia felice di riabbracciare la mia bimba, che mi aspetta dopo una settimana di lontananza della nostra vita. Ma le racconterò il sogno di una notte…incredibile! Aver fatto parte di un progetto così speciale come The Life Ahead con Edoardo Ponti e Sophia Loren è stato uno dei regali più belli che la vita potesse farmi. Aver cantato Io Sì sul palco dell’Academy è un sogno che mai avrei potuto sperare si avverasse, ancora di più in un’edizione storica”.

Che dire? Sarà per un’altra volta, e come dice Laura…vamos!

sion of normalcy, with a splash of the glam we all know very well.

Sumptuous clothes, sketches, catwalks and live performances: everything worked out perfectly. But let’s talk about the wins: awards a-plenty to Nomadland (and talking about first times, Chinese director Chloé Zhao is the second woman to win the Best Director award and the first Asian woman to win in the Oscar’s history), to Frances McDormand and to the great Anthony Hopkins (another Guinness world record: he’s the oldest actor (he’s 89) to win the award, 29 years after his Hannibal Lecter), to Disney and Pixar and so on.

Talking about first times and Laura again, the Oscars have introduced live performances of the original songs that were nominated: an experience that, despite the award, could be enough. And, yes: it will do. To everyone’s surprise, Io Sì didn’t win. Predictions, prognostications and makumbas weren’t enough. The award for the Best Original Song went to Fight For You by rapper H.E.R. for the movie Judas and the Black Messiah, and many fell off their chairs. Well, Italy didn’t make it: no award to Garrone’s movie (Pinocchio) and no award to Laura. But despite all that, it was an amazing journey, for us and for the singer as well. “I come back to Italy happy to see my daughter again after a week we were a part. But I will tell her about the dream of an incredible night!

Being part of such a special project like The Life Ahead, with Edoardo Ponti and Sophia Loren, was one of life’s greatest gifts.

Singing Io Sì on the Acadamy’s stage was a dream I never thought I could make true, especially in such a special edition”.

What else can I say? Perhaps another time, and as Laura says… vamos!

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BELLEZZA IN BIANCO E NERO Yan Bertoni e il femminile BLACK AND WHITE BEAUTY Yan Bertoni and the feminine

Udinese. Classe ’88. Fotografo autodidatta.

“Ho scoperto la fotografia durante un viaggio nel 2011. Da quel momento ho iniziato ad appassionarmi alla fotografia di paesaggi: è stato come rinascere. Vedo il mondo con occhi diversi, ricerco la bellezza e cerco di catturarla, in uno scatto.

Col tempo, i miei orizzonti artistici si sono ampliati: mi piace fondere le persone con i paesaggi ed esplorare questa connessione. La mia passione non ha mai smesso di evolvere e, negli anni, sono approdato alla fotografia di bellezza: ho scoperto l’amore per i ritratti e per le riprese in studio, ho collaborato con make up artists e hairstylists per poter ottenere degli scatti sempre migliori. Da poco, invece, sono tornato alla fotografia su pellicola, e spesso gioco con le mie vecchie e le mie nuove macchine fotografiche.

Il mio percorso ha avuto inizio coi paesaggi, e io sono un viaggiatore. Zaino in spalla, preferibilmente in campeggio, o comunque on the road, lontano dai sentieri già battuti: è il modo migliore per scoprire veramente il mondo.

Negli ultimi anni ho viaggiato molto: il Nord Europa, l’Islanda, la penisola scandinava con i suoi paesaggi mozzafiato e la magia dell’aurora boreale, il Perù, la Bolivia, Marocco, Kenya”.

Lo shooting La bellezza è ovunque attorno a noi e io la voglio catturare nei miei ritratti. Con i miei scatti, ogni corpo, ogni volto ha una storia da raccontare. Cerco sempre di creare una sorta di connessione emotiva con chi ho di fronte: prima dello scatto davanti a me c’è una persona con la sua storia e, per chi guarda, ogni storia può essere differente. Vorrei riuscire a trasmettere delle belle sensazioni, le stesse che provo io rivedendo i miei ‘lavori’. Desidero che attraverso i miei ritratti emerga prorompente la bellezza dell’essere umano in tutte le sue sfaccettature, e con il bianco ed il nero credo sia davvero possibile. L’attenzione è concentrata sul soggetto: i tratti dei corpi, la pelle, gli occhi, le bocche sono enfatizzati e fortemente valorizzati, anche le ombre diventano importanti e parte complementare dello scatto. Credo siano più evocative rispetto a uno scatto a colori: spesso veniamo distratti dal colore stesso e perdiamo il senso della fotografia.

Born in 1988. From Udine. Self-taught photographer.

“I discovered photography during one of my trips in 2011.

From that moment I got into landscape photography: it has been a rebirth. I see the world with different eyes, I seek beauty and I try to capture it in my shots.

Over time, my artistic horizons have expanded: I like to blend people with landscapes and explore this connection. My passion has never stopped evolving and, over the years, I’ve moved into beauty photography: I’ve discovered my love for portraits and studio shoots, I’ve collaborated with make-up artists and hairstylists to get better and better shots. Recently, however, I have returned to film photography, and I often play with my old and new cameras.

My journey began with landscapes, and I’m a traveler. Backpacking, preferably camping, on the road, away from beaten paths: it’s the best way to really discover the world. In recent years I’ve traveled extensively: Northern Europe, Iceland, the Scandinavian peninsula with its breathtaking landscapes and the magic of the aurora borealis, Peru, Bolivia, Morocco, Kenya”.

The shooting Beauty is everywhere around us and I want to catch it in my portraits. In my shots, every body, every face has a story to tell. I always try to connect with the person who’s in front of me: before the shooting starts, a person with his own story stands in front of me, and for those who watch, each story is different. I want to convey beautiful feelings, the same I feel when I look at my works.

I want beauty to emerge in all its facets, and I think black and white makes it possible. The attention is focused on my models: their bodies, their skin, their eyes, their mouth are emphasized and valued, even shadows are important and are part of the shot.

I think they’re more evocative than colored shots: colors often distract us, and we lose the sense of the photos.

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In foto Thatiana Fanucchi Genius People Magazine

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In foto Thatiana Fanucchi Genius People Magazine

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In foto Thatiana Fanucchi Genius People Magazine

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In foto Melissa Rizetto Genius People Magazine

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In foto Melissa Rizetto Genius People Magazine

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In foto Thatiana Fanucchi Genius People Magazine

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In foto Meea Rusnaciuc Genius People Magazine

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GET THE (HACKETT) LONDON LOOK Jeremy Hackett: designer, imprenditore, icona GET THE (HACKETT) LONDON LOOK Jeremy Hackett: designer, entrepreneur, icon di/by FEDERICO GRAZIANI

J

eremy Hackett e lo stile british classico sono una cosa sola. Uno chiama l’altro. Tanto che la carriera di Hackett comincia proprio da questo richiamo. Comincia dai suoi giri per i mercatini dell’usato e dal suo fiuto per i capi di qualità nascosti in questi mercatini. Comincia quasi come un gioco – svela lui stesso a Genius – per poi diventare in breve tempo un affare terribilmente serio. Comincia con un negozio nella zona di Fulham, aperto nel 1983 con Ashley Lloyd-Jennings. Qui vende l’abbigliamento di seconda mano che trova durante le sue perlustrazioni. Scopre che la gente ama il suo gusto: il successo è tanto inaspettato quanto esplosivo. Lui e la sua partner acquistano quindi il negozio accanto e nel giro di poco creano una nuova linea di produzione originale. L’etichetta? È la Hackett London, che oggi conta oltre 150 negozi in più di trenta paesi.

In questa chiacchierata con Genius, Mr. Classic – il nome che Hackett ha dato alla sua rubrica sull’Independent – racconta la sua carriera, svela la nuova linea di occhiali in collaborazione con Mondottica e illumina la via del savoir-faire britannico tra abiti, calzini, eleganza e sostenibilità.

Come e quando è nata la Sua passione per l’abbigliamento?

Sono sempre stato interessato ai vestiti fin dalla tenera età.

Ricordo che quando avevo circa 7 anni, i miei genitori mi portarono da un sarto locale per farmi fare un abito su misura da indossare alla mia prima comunione. Ero davvero entusiasta di poter scegliere il materiale e i dettagli, tanto che insistetti per farmi aggiungere una ticket pocket perché la vidi sull’abito del sarto. A scuola adattavo sempre la divisa ai miei gusti e i miei compagni di scuola seguivano il mio esempio.

A sedici anni il sabato avevo un lavoretto in una sartoria di Bristol, dove sono cresciuto. Quando ho miseramente fallito a scuola, il sarto è stato gentile a offrirmi un lavoro a tempo pieno.

Quando avevo 19 anni, mi sono trasferito a Londra e ho lavorato a King’s Road, che allora era molto alla moda, prima di trasferirmi a Savile Row, dove ho realmente iniziato a conoscere il mondo della sartoria e dell’abbigliamento, cosa che mi ha aiutato molto quando ho iniziato a comprare vestiti di seconda mano.

Jeremy Hackett and classic British style are one. One calls to the other. So much so that Hackett’s career began with this very call.

It all began with his flea markets’ tours and his nose for the quality garments that were hidden in these very markets. It started almost as a game - he reveals to Genius - and then it quickly became a terribly serious business. It began with a store in the Fulham area: he opened it in 1983 with Ashley Lloyd-Jennings, and he started selling second-hand clothing that he found on his scouting trips. He soon discovered that people love his taste, and success is as unexpected as it’s explosive. So, he and his partner bought the store next door and, in a very a short time, they created a new original production line. The label? It’s Hackett London, the label that today has over 150 stores in more than thirty countries.

In this chat with Genius, Mr. Classic - the name Hackett has given to his column in the Independent - talks about his career, his new eyewear line in partnership with Mondottica and about British savoir-faire: clothes, socks, elegance and sustainability.

When and how was your love for tailoring and clothing born?

I have always been interested in clothes from an early age.

I remember when I was about 7, my parents took me to a local tailor to be measured for a suit to wear at my first holy communion ceremony. I was so excited to be able to choose the material and details, insisting on a ticket pocket being added because I had noticed one on the tailor’s suit. At school I would always adapt the uniform to my taste and my school mates followed my example.

By the time I was sixteen I had a Saturday job in a tailor’s shop in Bristol where I grew up, and when I failed miserably at school the tailor kindly offered me a full-time job.

When I was 19, I moved to London and worked on the then very fashionable King’s Road before moving to Savile Row where I really began to learn about tailoring and cloth, which stood me in good stead when I started to buy second-hand clothes.

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In foto Jeremy Hackett - Ph. Nick Tydeman

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INTERVISTA A JEREMY HACKETT

Lo faceva andando in mercatini dell’usato a caccia di capi unici in stile british. Come si spiega l’immediato successo della sua attività?

Quando ho aperto il primo negozio dell’usato con la mia partner Ashley Lloyd-Jennings, avevamo pochissimi soldi e la banca ci prestò una somma modesta: il direttore all’epoca diceva che il negozio (allora nel quartiere di Fulham) era un “cimitero dei rivenditori” – non il consiglio più edificante, ma siamo stati felici di dimostrargli che si sbagliava perché nel giro di una settimana eravamo inondati di clienti.

Penso che il successo fosse dovuto al fatto che gli abiti di seconda mano che vendevamo erano stati appositamente scelti per la loro qualità e condizione. Il negozio era strutturato come un negozio di abbigliamento per gentiluomini, a differenza dei soliti negozi di usato dell’epoca. Quello che era iniziato quasi come un divertimento si è trasformato in un’attività vera e propria.

You started your business following this passion. You scouted flea markets looking for unique British clothes, then you sold them in your first store on the King’s Road. How do you explain such an immediate success?

When I opened the first second-hand shop with my partner Ashley Lloyd–Jennings, we had very little money and the bank lent us a modest sum, with the manager saying at the time that the shop which was in Fulham was a ‘retailers’ graveyard’ - not the most uplifting advice, but we were happy to prove him wrong because within a week we were inundated with customers.

I think the success was down to the fact that the second-hand clothes we sold had been specifically chosen and edited for their quality and condition. The shop was laid out like a gentleman’s outfitters, unlike any of the usual second-hand clothes shops of the day. What had started as a bit of fun but, in no time at all had become a serious business.

Poi si è dovuto allargare e ha creato un suo brand personale.

Cosa ha reso Hackett London un simbolo dell’abbigliamento british?

Anche se la vendita di vestiti di seconda mano (ora chiamati vintage) aveva avuto un enorme successo (Ralph Lauren era uno dei primi clienti), ci siamo resi conto che la domanda stava superando l’offerta. Quindi abbiamo deciso di prendere il negozio accanto, aprendo un buco per collegarlo al primo, e di introdurre una linea di vestiti su misura nuovi basati su quelli vecchi: lì avremmo venduto giacche di tweed, abiti di flanella grigi, pantaloni di velluto a coste e camicie realizzate in Jermyn Street, tutto con l’etichetta Hackett. È stato quando abbiamo visto per la prima volta l’etichetta Hackett su tutti i prodotti che ci siamo improvvisamente resi conto che forse avevamo creato un brand. All’epoca tutto ciò che vendevamo veniva prodotto nelle isole britanniche, ma nessuno sembrava evidenziare il patrimonio e la qualità di quella produzione. L’abbiamo chiamato “Essential British Kit”.

Then you expanded your business, opening a store next door, and created your very own brand. What has made Hackett London a symbol of British clothing?

Whilst selling second-hand clothes (now termed vintage) had been hugely successful (Ralph Lauren was an early customer), we realised that demand was outstripping supply so we decided that we would take on the shop next door, knock a hole through and we would introduce a line of new tailored clothes based on the old clothes where we would sell tweed jackets, grey flannel suits, corduroy trousers and Jermyn Str made shirts all under the label Hackett.

It was when we first saw the Hackett label in all the products that we suddenly realised that perhaps we had created a brand. At the time everything we sold was made in the British Isles, but nobody seemed to be highlighting the heritage and quality of British manufacturing. We called it “Essential British Kit”.

Parliamo della nuova collezione di occhiali Hackett Signature realizzata per Mondottica. Da dove nasce questa collaborazione? Cosa l’ha ispirata nella creazione di questa collezione e cosa rende questi occhiali un must have?

Sono stato avvicinato da Mondottica qualche anno fa, proprio quando ho dovuto iniziare a portare gli occhiali da lettura. Non avendo prestato molta attenzione agli occhiali fino ad allora, da quel momento fui più che entusiasta di imparare tutto quello che potevo, perché si tratta di uno dei pochi accessori pratici che gli uomini possono indossare. In un mercato competitivo è importante stabilire un’identità e credo che la nuova gamma “Signature” incarni proprio questa necessità.

Ho sempre avuto una passione per i monogrammi e credo che le iniziali JH incise sui miei gemelli si adattino perfettamente e discretamente alle aste di questa nuova gamma di occhiali, aggiungendosi alla qualità su misura. Personalmente, penso che questo eclissi tutti gli altri occhiali.

Let’s talk about Mondottica and the new Hackett Signature Eyewear collection. How did this collaboration start? What inspired you in the creation of this range and what makes these glasses a must have?

When I was approached by Mondottica a few years back it happened to coincide with my need to start wearing reading glasses.

Not having paid much notice to eyewear until then, I was now more than enthusiastic to learn everything I could because it is one of the few practical accessories men can wear. In a competitive market it is important to establish an identity and this new “Signature” range I believe personifies just that.

I have always had a passion for monogramming and my monogrammed cufflinks with the engraved JH palace script typeface would sit perfectly and discreetly on the arm of this new range of eyewear, whilst adding to the bespoke quality. Personally, I think this puts all other glasses in the shade.

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In foto gli occhiali Hackett Signature realizzati per Mondottica

Ci dà un consiglio su come si scelgono gli occhiali perfetti?

Tendo a essere abbastanza classico nelle mie scelte sugli occhiali e anche se gli occhiali dalla montatura pesante si adattano ai visi più grandi, mi sento più a mio agio con una montatura più leggera: fa sì che sia io a indossare gli occhiali, e non loro a indossare me.

Scelgo i miei occhiali in modo da completare ciò che indosso.

Per esempio, se metto un tweed opto per una montatura tartarugata leggera, mentre quando indosso un abito solitamente scelgo una montatura nera un poco più pesante - tranne quando sono in ritardo per il lavoro, in tal caso prendo il paio più vicino!

Quando non si ha ben chiaro il dress code, è meglio essere overdressed o underdressed?

Non ci si dovrebbe mai vestire in modo eccessivo, ma, come per chi si veste in modo troppo poco elegante quando richiesto, sta diventando la norma ignorare i dress code.

Questo mi ricorda un aneddoto. Fui invitato a una cena in smoking organizzata dal Principe di Galles al Castello di Windsor e notai un collega rivenditore che indossava una maglietta nera

Can you give us a tip on how to choose the right glasses?

I tend to be fairly classical in my choice of eyewear and whilst heavy framed glasses suit larger faces, I am more comfortable with a lighter frame so that I wear the glasses and not the glasses wear me.

I choose my glasses to complement what I am wearing. For instance, if I am wearing tweed I opt for a light tortoiseshell frame, and when wearing a suit usually a black slightly heavier frame except when I am late for work, then I grab the nearest pair around!

When the dress code for an event isn’t clear, is it better to be overdressed or underdressed?

One should never be overdressed and, as for being underdressed, this is becoming the norm with dress codes being ignored.

This reminds me of an occasion when I was invited to a black-tie dinner hosted by the Prince of Wales at Windsor Castle, and I noticed a fellow retailer wearing a black T shirt with a black office suit and trainers. No doubt he thought he was being avant-garde, where I thought he was just being incredibly rude.

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con un completo nero da ufficio e scarpe da ginnastica. Senza dubbio pensava di essere all’avanguardia, mentre io pensavo semplicemente che fosse incredibilmente scortese.

Parlando di “underdressed”, una volta ho letto che Edward, il Principe di Galles, convocato da suo padre, George V, si sentì dire senza mezzi termini di tornare quando sarebbe stato vestito in modo appropriato; il suo crimine sartoriale era stato quello di indossare pantaloni con il risvolto!

Cosa significa essere vestiti bene nel 2021?

Penso che i lockdown avranno degli effetti su come si vestiranno gli uomini in futuro.

Ho notato che i confini tra l’abbigliamento sportivo e quello formale stanno sfumando e che l’abbigliamento sportivo si sta elevando verso un look più raffinato e lussuoso.

Credo che la sartoria diventerà sempre più leggera e rilassata qualcosa che stiamo già introducendo nel negozio JP Hackett di Savile Row. Il loungewear (anche se odio il termine: preferisco la mia espressione “a proprio agio”) è diventato sempre più popolare da indossare in casa, ma ancora una volta vedo che questo si traduce anche nell’abbigliamento quotidiano.

Completo o “spezzato”? Qual è l’abito che preferisce?

Poiché non sono costretto a indossare un completo, mi piace molto lo spezzato.

Tutti i miei abiti sono su misura, quindi sono estremamente comodi e mi sento sempre ben vestito ma non troppo formale.

Indosso anche giacca e pantaloni separati – possono essere una giacca di tweed con pantaloni cachi o un blazer con pantaloni in flanella grigia.

Calzino colorato, in tinta o fantasia?

Vorrei iniziare dicendo che detesto la moda di non indossare i calzini. Penso che sia proprio brutta, dal momento che la maggior parte degli uomini non ha delle belle caviglie. Non solo: credo anche che i rivenditori di abbigliamento si stiano sparando sui piedi a promuovere questo capriccio.

Adoro i calzini colorati, ma penso che sia più un’abitudine britannica. Ricordo che una volta ero a una cena a Sotogrande. Un giornalista spagnolo si è rivolto a me, ha indicato i miei calzini e mi ha chiesto perché gli inglesi li indossino rossi. Non ci avevo mai pensato prima, ma mi ha ispirato a scrivere un pezzo per la mia rubrica Mr Classic (sul quotidiano londinese The Independent, ndr).

Una delle cose che il mio animale domestico odia di più sono i calzini corti - nel continente pensano che sia molto british.

Più di tutti mi piacciono i calzini di lana perché, sebbene possano essere lucidi, essere di lana in qualche modo li fa sembrare più delicati.

A parte i calzini Argyle, non indosso calzini fantasia - li trovo troppo capricciosi.

Speaking of been underdressed, I once read that Edward Prince of Wales, when being summoned to see his Father George V, was told by him in no uncertain terms to return when he was appropriately dressed; his sartorial crime had been to wear turn ups on his trousers!

What does being well dressed mean in 2021?

I think the lockdowns will have an effect on how men will dress going forward.

I have noticed that the lines between sportswear and formal dress are becoming blurred, and that sporting clothing is being elevated to a more refined and luxury look.

I believe that tailoring will become increasingly lighter and relaxed - something we are already introducing at the JP Hackett store in Savile Row. Loungewear (although I hate the term preferring my expression “at ease”) has become increasingly popular for wearing at home, but again I see this translating to everyday wear.

A suit or a two-piece set? Which one do you prefer?

Because I don’t have to wear a suit, I really enjoy the ensemble of a suit.

I have all my suits tailor made, so they are extremely comfortable and I always feel dressed but not dressed up. I do wear separate jacket and trousers, which may be a tweed jacket with khakis or a blazer with grey flannel.

I am really looking forward to wearing proper clothes once this lockdown is over.

How do you prefer your socks? Coloured, matching the suit or patterned?

Let me start by saying I abhor the fashion for not wearing socks, I think it looks ugly as most men do not have a well-turned ankle.

I also believe that clothing retailers are shooting themselves in the foot by promoting this current fad.

I love colourful socks and I think it is more of a British habit. I remember once being at a dinner in Sotogrande and the Spanish journalist turned to me pointing to my socks and asked me why British people wear red socks. I had never thought about it before, but it inspired me to write a story for my Mr Classic column.

One of my pet hates is short socks - on the continent they think it is very British.

I like woolen socks best because, whilst they may be bright, being in wool somehow makes them look more subtle.

Apart from Argyle socks, I don’t wear patterned socks - I find them too fussy.

We are used to seeing you wearing a suit, but do you also wear casual attire? What style is best suited for you?

I do wear casual attire but on the whole I prefer tailoring. I tend to look like a sack of potatoes in casual clothes whereas something tailored gives me a much better silhouette, and I need all the help I can get!

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FEDERICO GRAZIANI

Siamo abituati a immaginarla con un abito, ma la domanda è: Jeremy Hackett si veste anche casual? Quale stile le si addice maggiormente?

Certamente indosso anche abiti casual, ma nel complesso preferisco la sartoria. Tendo ad assomigliare a un sacco di patate in abiti casual, mentre gli abiti su misura mi danno una silhouette molto migliore e ho bisogno di tutto l’aiuto che si può avere!

Il suo inizio come negozio dell’usato era già nel solco della sostenibilità. Quali sono i suoi consigli per vestire sostenibile oggi?

Anche se all’epoca non ce ne rendevamo conto, eravamo in anticipo sui tempi per quanto riguarda la sostenibilità.

Su questo tema la mia opinione è comprare di meno, ma comprare il meglio, privilegiando la moda lenta rispetto a quella veloce. Francamente, ci sono troppe cose là fuori. I designer devono essere più convinti delle loro collezioni e modificare in modo sensato invece di provare di tutto e vedere cosa resta.

Cos’è per Lei la bellezza? E quali sono i mezzi per esprimerla?

Vedo la bellezza in così tante cose che è molto difficile definirla con precisione. Quando vedo qualcosa che è stato realizzato magnificamente e con passione, non posso fare a meno di appassionarmi alla sua bellezza.

Che rapporto ha con la moda italiana?

Ho sempre ammirato la moda italiana. Semplicemente gli italiani hanno il “tocco”, e ce l’hanno in modo innato, per tutta la vita. Sono colpito dal modo in cui interpretano lo stile british, ma in qualche modo riescono a sembrare più british dei britannici.

Per gli italiani vestirsi è una forma d’arte, mentre in Gran Bretagna è più mettersi una divisa.

Pensa che la pandemia da Covid-19 ha cambiato qualcosa nella sua attività? Sia in termini di e-commerce/negozio fisico sia di preferenze dei clienti.

Covid-19 ha sicuramente fatto la differenza nel modo in cui operiamo. I budget sono diventati più ristretti, abbiamo consolidato l’attività, snellito le nostre gamme di prodotti e migliorato radicalmente la nostra presenza online. Tutto sommato, ci renderà un’azienda più forte e che crescerà in futuro. Però sono convinto che lo shopping fisico, quello nei negozi reali, tornerà nuovamente a essere popolare perché noi siamo tutti degli animali sociali.

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Your origins as a second-hand store were great for sustainability. Can you give us some advice for dressing in a sustainable way?

Although we didn’t realise it at the time, we were ahead of the game regarding sustainability.

My thoughts on sustainability are to buy less but buy the best, slow fashion as opposed to fast fashion. Frankly speaking, there is just too much stuff out there and designers need to be more confident about their collections and edit sensibly rather than throwing everything at it and seeing what sticks.

What is beauty for you? And what are the means to express it?

I see beauty in so many things it’s very difficult to pin down. When I see something that has been beautifully made and with passion, I can’t help but also be passionate about its beauty.

What is your relationship with Italian fashion?

I have always admired Italian fashion. Italians just have the touch from the cradle to grave. I am struck by the way they interpret British style, but somehow they manage to look more British than the British.

Dressing for Italians is a form of art, whereas in Britain it is more a uniform.

To what extend has the Covid-19 pandemic changed your business? Both in terms of e-commerce vs physical stores and clients’ preferences.

Covid-19 has definitely made a difference to how we operate.

Budgets have become tighter, we have consolidated the business, streamlined our product ranges and improved radically our online presence. All in all, it will make us a stronger company and one that will thrive in the future. I do believe that shopping in real shops will once again be popular because we are all social animals.

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INTERVISTA A FABIO GATTO

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FABIO GATTO: “PROFESSIONE? UN APPASSIONATO RICERCATORE DI BELLEZZA” FABIO GATTO: “OCCUPATION? A PASSIONATE RESEARCHER OF BEAUTY” di/by VALENTINA DANESI

Fabio Gatto nasce a Treviso e lì vive tutt’oggi. È un esperto di moda a tutto tondo perché in questo mare ha navigato come selezionatore, designer, consulente, ideatore e tanto altro. Ama il proprio lavoro e la mente umana, una fucina di idee che non deve mai smettere di funzionare. La sua benzina sono la famiglia, il territorio e il suo staff. Ha due showroom, uno a Treviso e uno a Milano, e della sua supervisione si sono avvalsi brand famosissimi che ha contribuito a far crescere e le migliori maison a livello internazionale.

Fabio Gatto was born and still lives in Treviso. He’s a true fashion expert and has worked in the industry as a selector, a designer, a counselor and so much more. He loves his job and the human mind, a source of ideas that should never stop working. He gets his strengh from his family, his homeland, his staff. He owns two showrooms, in Treviso and in Milan, and he has worked with many famous brands and with the best international maisons.

Due showroom, numerosi negozi da gestire. Una visione: la ricerca della bellezza partendo dai giovani. Designer, imprenditore, stilista e molto altro Fabio Gatto si racconta. Dai suoi esordi nel mondo della moda con un noto brand fino alle ultime esperienze con Venezia e al noto marchio di cashmere Ballantyne.

Two showrooms and many different shops to manage. One vision: the pursue of beauty starting from youngsters. Designer, entrepreneur, stylist and so much more, Fabio Gatto spills his tea. From his debut in the fashion world with a famous brand to his latest experiences in Venice and with Ballentyne, the well-known cashmere brand.

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INTERVISTA A FABIO GATTO

Come posso definirla? Lei è designer, comunicatore, architetto… Ma sentendola parlare posso definirla “ricercatore di bellezza”?

Beh, direi di sì. È un po’ il frutto della mia passione e di quello che cerco ogni giorno e da più di trent’anni. È la spinta che mi fa amare il mio lavoro e mi fa dare il massimo, che mi fa cambiare e progettare ogni volta cose nuove.

How may I call you? You’re a designer, a communicator, an architect…but now I hear you talk, may I call you a beauty pursuer?

Well, yes. It’s all child of my passion and of what I’m in search every day, and from over thirty years. It’s the drive that makes me love my job and that makes me give my best, that makes me change e and that pushes me towards new projects.

Qual è stato il suo inizio? Lei da dove arriva?

Geograficamente da Treviso, che amo. Adoro New York, Parigi, vado spesso a Milano per lavoro, ma sento la necessità delle mie radici. Della mia terra. Spesso gli amici e i collaboratori più stretti mi dicono che “vivo sugli alberi”, intendendo che un po’ mi isolo da quello che è il frastuono quotidiano. Io ho bisogno di stimoli, di bellezza per creare, cercare, migliorare. Per me anche un albero che sta fiorendo è un input, è qualcosa di nuovo da cui trarre un insegnamento. E spesso lo trovo venendo a casa.

How did you start? What’s your background?

Geographically, I come from Treviso. It’s a city I love. But I also love New York, Paris and because of my work I often go to Milan, but I need to get back to my roots. To my homeland. Often, my friends and my collaborators tell me I “live on trees”, and they mean I tend to isolate myself from the daily grin. I need stimuli and beauty in order to create, search, improve. Even a blooming tree can be an input to me, it’s something I can learn from. And I often find these things when I come back home.

So che il suo “start” è stato con un notissimo marchio simbolo di stile, classe ed eleganza. Lo era all’epoca come oggi.

Sì, e lo ricordo come un’esperienza fantastica. Lavoravo nell’ufficio creativo ed ero molto soddisfatto. Direi che avevo tutto. Ma il ricordo più forte è stato quando ho iniziato ad essere il primo “filtro umano” della maison. Il suo fondatore, che era presentissimo e voleva scegliere qualsiasi tessuto, colore e così via, aveva scelto me come primo selezionatore per i tessuti che lui poi avrebbe approvato. Una grande responsabilità, una grande gioia. Per me, anche solo il toccare un tessuto è un’esperienza indescrivibile. Tutto ciò ha scatenato in me la passione più vera, la sensibilità verso la materia.

Perché allora il distacco?

Assolutamente non perché non mi trovassi bene. Tutt’altro.

Però ho sentito la necessità di fare qualcosa di mio, di dare una mia impronta al settore moda.

Quali sono i canoni proposti dai suoi showroom? Ne ha anche per chi lavora per lei?

Io penso sempre che, chi lavora per me, un po’ mi debba assomigliare. Cercare il bello, ma soprattutto avere passione, voglia di fare, di scoprire, di provare cose nuove. Io, in questo settore, ho fatto di tutto: dal ricercatore di tessuti, al consulente, all’ideatore. Ho lavorato anche per una nota azienda, per circa dodici anni. Questa famiglia, che mi è davvero rimasta nel cuore, mi aveva chiamato per valutare un loro prodotto. Io quasi sovrappensiero ho detto “Ma voi siete bravi a fare quest’altro” e loro poi mi hanno chiamato per curarne il prodotto, l’uscita, il marketing. Fino a quel momento ero stato “solo” un intermediario e lì sono diventato caposaldo di un cambiamento. Mi occupavo della parte commerciale, della ristrutturazione dell’azienda e anche della parte estetica. Da lì, iniziò la mia seconda

I know you started in the business with a famous brand, a symbol of style, class and elegance. It was at the time and still is today.

Yes, and I remember those times as a fantastic experience. I worked in their creative department and I was very satisfied. I’d say I had it all. But my best memory’s when I started being the maison’s “human filter”. Its founder, who was very present and wanted to choose each single piece of fabric, each color and so on, chose me as the first selector of the fabrics that then he would have had to approve. It was a great responsibility, and even a great joy. This experience has unleashed true passion in me, and the sensitivity towards matter.

So why did you leave?

Not because I didn’t fit, it was quite the contrary. But I needed to do something on my own, I wanted to leave my mark on fashion.

What are the canons offered by your showrooms? Do you have some for your staff as well?

I’ve always thought that whoever works for me must even be like me. They must pursue beauty and, mostly, have passion and want to do, to discover and to try new things. In this field, I tried it all: I’ve been a fabric selector, a counselor, a creator. I even worked for an important company for something like twelve years. This family, that I still carry in my heart, called me to examine their product. And, when I was kind of lost in thought, I told them “But you’re good in doing something else”. And they called me to take care of their product, its release, the marketing strategy. Up until that moment I’ve had only been a middleman, but from that point on I became the bearer of change. I took care of the commercial part, of the society’s renovation and of the aesthetic side. Starting from there, I began my second career, creating projects based on emotions: from looking at my closet, knowing people, traveling, observing. All of this was paramount. I saw

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In foto Fabio Gatto

professione, ossia realizzare progetti che nascevano da sensazioni: aprendo il guardaroba, conoscendo gente, viaggiando, osservando. Questo è stato fondamentale. Concretizzare il pensiero, vederlo crescere, osservare il brand diventare qualcosa, sempre di “più”. Loro hanno visto in me la passione, la competenza, la voglia di lanciarmi in qualcosa di nuovo. Io penso che chi prova amore verso ciò che ha di fronte, non può dire di lavorare, in senso negativo. Ma lavora per ciò che ama. Questa è stata un po’ la seconda fase del mio lavoro. Una parentesi molto importante.

Una passione, un obiettivo di vita che però varia sempre.

L’immobilità con lei non esiste.

Direi di no. Anche al mio staff e a chi viene a trovarci richiedo amabilità, familiarità, voglia di buttarsi. Una velocità del pensiero e un modus operandi che ritrovo anche nei miei figli, che ora lavorano con me. Per farle un esempio, mia figlia solo ora dopo lauree, master ed esperienza in grandi maison si è sentita pronta a venire a lavorare con me. Ma non per presunzione mia, proprio perché ha potuto fare esperienza. Per aprire la mente. A volte, anche per le cose più semplici, si deve avere l’occhio attento per notarle.

thoughts become concrete, I saw my ideas grow and the brand become something “more”. They saw my passion, the expertise, and my desire to jump into something new. I think that if you love what you do, you can’t say it’s work, in that negative sense. You work because you love. This was like the second phase of my working career. A very important one.

A passion and a goal that always changes. Immobility has nothing to do with you.

You’re right! I demand my staff and whoever comes to us to be lovely, to convey a sense of family and to jump into things. This is a speed of thought and a modus operandi that I see in my kids, and they now work with me. For example, my daughter, with her degrees, her Master and her experiences in different maisons, was ready only now to come and work for me. And not to be presumptious, but she had to experience. She had to open her mind. Sometimes, even when it comes to small things, you got to have a trained eye to notice details.

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INTERVISTA A FABIO GATTO

Questo amore per il settore è così forte che lo abbraccia a 360 gradi. Parliamo di marketing, social, non solo moda e design nel senso stretto del termine.

Esatto. Si deve essere aperti e ricettivi. Pensi che io faccio quasi fatica a trovare dei collaboratori. Ma la dedizione a questo mondo è tale che vorrei aprire una scuola, fare dei corsi per formare a questa modalità di pensiero. Devi credere in quello che fai, fino in fondo. E non è retorica: credici e troverai le soluzioni.

Oltre ai vari negozi di cui mi occupo, io ho attualmente due showroom, a Treviso e a Milano. Ma davvero non scherzo quando dico che ho difficoltà nel trovare e formare persone, ecco perché mi piacerebbe pensare a una scuola ad hoc. Il ragazzo giovane, ieri ma ancora di più oggi, non deve solo pensare alla vendita in showroom, ma a fare anche marketing online, ai social; dal virtual showroom alla comunicazione, anche in pandemia. Ecco, proprio la pandemia è stata l’esempio lampante dell’importanza di sapersi reinventare. Tanti ci chiedono, per esempio, di curare la loro pagina Instagram. La nostra figura non è solo quella di chi seleziona e offre un prodotto, noi offriamo tanti altri servizi. Altrimenti sarei quello di trent’anni fa. La bellezza è anche possibilità di allargarsi, di crescere, di volare.

You love for his field is so strong, you embrace it at 360°. You deal with the marketing, with social media and not only with fashion and design.

That’s true. You need to be open and receptive. I hardly find new collaborators. But my dedication to this world is so strong, I’d love to open a school and train people and teach them my philosophy. You have to believe in what you do. And it’s not just a catchphrase. If you believe in it, you’ll find the solutions you need. Aside from the shops I own, I have two showrooms, one in Treviso, and one in Milan. And I’m not joking when I tell you I have a hard time in finding and in training people, and this is why I’d like to build a school. The young generations of today mustn’t only think about selling in showrooms, they need to focus on online marketing, on social media…from the virtual showroom to communication, even during the pandemic. You see, the pandemic has been the proof of the importance of knowing how to reinvent ourselves. For example, many people ask us to take care of their Instagram page. We don’t just select and sell one product, we offer many different services. Otherwise, I’d be the same man of thirty years ago. Beauty is also growth, evolution, being able to fly.

Un esempio?

Il mio fiore all’occhiello è stata Venezia. Una città meravigliosa ma che, fino all’anno scorso, ha vissuto di turismo. Poi è arrivata il Covid-19, e così il turista si è “perso”. E “cosa si può fare?”, mi sono chiesto. Ci si deve concentrare sul veneziano, su chi è lì.

Si va di ottimismo e mai scoraggiarsi. Ho pensato a un messaggio diretto ai veneziani, ma non a un messaggio per tutti. Un messaggio che fosse diversificato in base alla fascia d’età. È stato un successo perché il cliente veneziano si è riconosciuto e l’ho catturato. Certo, si spera in un ritorno alla normalità e quindi anche in un turismo florido ma, in attesa di un qualcosa che al momento non abbiamo, ci si deve ri-focalizzare. C’è sempre un pertugio da trovare. Ma sempre con il sorriso, con la voglia di fare. Davvero, devi credere in quello che fai. La risposta veneziana è stata impensabile.

Can you give us an example?

My flagship is Venice. It’s a beautiful city, but, until last year, it lived with tourism. And then Covid-19 came, and the city lost its tourists. “So, what can we do?” I asked myself. We need to focus on Venetians, on those who are there. You have to stay positive and never get discouraged. I thought about a message for the people in Venice, but that wasn’t for everyone. I wanted it to be different based on age groups. And it was a success because they understood it. We all hope to go back to normal, and in the return of tourists of course, but while we’re waiting, we need to focus on something else. We need to find a niche. And we have to do it with a smile on our faces and wanting to do. You really have to believe in what you’re doing. Venice’s answer was completely unexpected.

Un successo, sì! Soprattutto visti i tempi.

Sì, perché io, sia nei miei negozi, sia in quelli che affianco, devo ricercare, capire il prodotto e crederci. È essenziale. Come fai a proporre o migliorare se non conosci e tu stesso non ci credi?

Non parlo di ostinazione, eh!, ma solo di credere in quello che fai e in quell’energia forte che ti motiva a trovare formule e soluzioni.

It was a total success. Especially because of the time we’re living in.

Yes, even in my own shops or in the ones I assist, I need to do my research, I need to understand the product and believe in it. It’s paramount. How can you recommend or improve if you don’t know and if you don’t believe in the project? I’m not talking about stubbornness, it’s about believing in what you do and in that strong energy that helps you find solutions and new formulas.

Una delle ultime soddisfazioni è proprio legata a un tessuto che è uno dei massimi esempi di bellezza e ricercatezza: il cashmere di Ballantyne.

Sono stato chiamato dal marchio Charme e da Montezemolo.

Avevano bisogno di traghettare la vendita mettendo in ordine varie cose, e conoscevano il mio lato pragmatico, di sognatore concreto. Necessitavano di una sistemazione del brand per poi

One of your last successes is connected to a fabric that’s an example of beauty and refinement: Ballantyne’s cashmere.

I was called by the brand Charme and by Montezemolo. They needed to support the sale and had to put in order a couple of things. And they knew me and my pragmatic side, they knew I’m a concrete dreamer. They needed to fix somethings in the brand and then sell it. But when the time came, one year later, I was al-

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venderlo, ma quando dopo poco più di un anno è giunto il momento, io ne ero già innamorato. Questo è un brand incredibile, per cui ho fatto in modo di acquisirlo insieme ad altre persone che hanno creduto in me, anche se non fanno parte del mio mondo. Hanno creduto in Fabio. Nelle precedenti operazioni ho sempre fatto il consulente, certo fare l’industriale è un’altra cosa. Ho dovuto formarmi su tantissime cose. Prima dovevo inventare marchi, mettere in piedi le imprese. Qui invece avevo un marchio con cento anni di vita. Avevo la responsabilità di un brand blasonatissimo e dovevo ricondurlo a quello che siamo oggi. Non è stato facile. Ho messo credibilità e rispetto per questo marchio. Dovevamo essere all’altezza e l’abbiamo fatto con la massima umiltà. Ho detto ai miei soci che, per il centenario, mi sarebbe piaciuto riportare la produzione in Scozia, ho voluto ascoltare la gente che ha lavorato per questo brand. Per loro è una bandiera, Ballantyne Scozia. Poi ho cercato di portare un pezzetto anche di noi.

E per questa occasione speciale cosa avete fatto?

Ho parlato con il mio staff, con i miei ragazzi che, ripeto, sono essenziali. Come possiamo dare un pezzo di noi a questo brand pur rispettando la sua storia? Abbiamo voluto riproporlo con la sua storia vera, la storia della fibra di cashmere. Mi sono guardato la storia di Ballantyne e mancava la verità su questa fibra: un filo che, quando nasce, non è così dolce, è un normale filo di lana. La sua dolcezza deriva dalla manipolazione dell’uomo. Mi sono chiesto chi mai avesse raccontato la storia del cashmere dal primo giorno di vita. I miei collaboratori mi hanno subito detto che nessuno avrebbe comprato una maglia in cashmere che non sembrasse tale. Ci volevo provare e sono andato a prendere i clienti più grandi e difficili come Dior, Balenciaga e così via. Ho raccontato la storia e ho trasferito l’energia che questa maglia emanava. E non essendo stressata, la fibra, anche loro percepivano la sua energia. L’hanno accolta con grande entusiasmo. E ho voluto andare io in prima persona a proporla. Nessuno ha detto di no, ma mancava la reazione del consumatore finale. Per di più io avevo scelto pochi clienti. È stato un trionfo, anche se lo voglio dire sottovoce. Il fascino era in quell’energia.

E ai miei collaboratori ho detto: “Non smettete mai di scavare dentro di voi”.

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ready in love with the brand. It’s an incredible brand and I managed to buy it alongside other people who’re not in the business.

They believed in Fabio. I was used to be a counselor, and being an entrepreneur is something completely different. I trained in so many different things. Usually I had to create brands, build the company. In this case, instead, I had a brand which was a hundred years old. It was emblazoned and I had to take to where we are today. It hasn’t been easy. I put respect and reliability in the brand. We had to be worthy and we did it humbly. For the centenary, I told my partners I’d want to bring the brand back to Scotland, I wanted to hear what its workers said about the brand. It’s their flagship. And I even tried to put something of us as well.

And what did you for this special occasion?

I spoke to my staff, and I’ll say it again, they’re essential. How can we give a piece of us to the brand respecting its history? We decided to propose it again with its true story, through the story of cashmere’s fiber. I looked at Ballantyne’s story and I didn’t find the truth about this fiber: it’s a thread that doesn’t come so soft, it’s just a normal wool thread. Its softness is the result of men’s manipulation. I asked myself who told the cashmere’s story since day one. And my collaborators told me that no one would have bought a cashmere sweater that didn’t look like cashmere. But I wanted to try and so I went to the toughest clients of all, to Dior, Balenciaga and so on. I told them the story and I showed them the energy that came out from our sweater. Since the fiber wasn’t stressed, they felt that energy. They welcomed it with great enthusiasm. I went to every meeting to propose my product. Everyone said yes, but I needed the answer of final consumers as well.

And I chose very few clients. But it’s been a triumph, even if I want to say it in a whisper. I told my collaborators they should never stop digging in themselves.

So, you’re a concrete dreamer, and not just a beauty pursuer.

Yes, I’m so happy of my job, of my house, of my family. Everything I do makes me feel good. What’s life without peace of mind and passion?!

Un sognatore concreto quindi, oltre che un ricercatore di bellezza.

Sì, sono davvero soddisfatto del mio lavoro, della mia casa, della mia famiglia. Tutto ciò che faccio mi fa stare bene. Senza serenità e passione, che vita è?!

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INTERVISTA A MR. T

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MR. T MR. T di/by MATTEO MACUGLIA

È un pilota misterioso quello che vediamo sfrecciare tra le cime delle Dolomiti Cortinesi sulle supercar delle più grandi case automobilistiche. Di lui si sa pochissimo, ma quel che è certo è che gli piacciono i traversi e Francesco De Gregori.

There’s a mysterious rider who’s darting through Cortina’s Dolomites on the supercars of the world’s greatest car manufacturers. We know little about him, but he surely enjoys slides and Francesco De Gregori.

In foto Mr. T Genius People Magazine

MATTEO MACUGLIA

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È un pilota misterioso quello che vediamo sfrecciare tra le cime delle Dolomiti Cortinesi sulle supercar delle più grandi case automobilistiche. Di lui si sa pochissimo, ma quel che è certo è che gli piacciono i traversi e Francesco De Gregori.

There’s a mysterious rider who’s darting through Cortina’s Dolomites on the supercars of the world’s greatest car manufacturers.

We know little about him, but he surely enjoys slides and Francesco De Gregori.

Com’è nato powerslidelover?

Fin da piccolo, ho avuto una grandissima passione per le auto, in modo anche esagerato. Pensavo sempre e solo alle auto: anche quando correvo facevo il rumore delle macchine con la bocca. Una malattia! A 18 anni circa (avevo appena fatto la patente), ho aperto un sito internet dove mettere i video delle macchine, un po’ come faccio oggi con PowerSlideLover. Solo che quella volta non c’erano ancora né YouTube, né i social.

L’ho fatto perché ero appassionato. Cercavo macchine belle e costose ma non c’erano mai video di queste auto guidate di traverso. Nei video che trovi su Internet, l’auto può sfrecciare anche a 300 all’ora ma la macchina sembra sempre ferma. Fai un giro di pista e sembri sempre lento. Invece con un bel video di traverso puoi andare anche a 40 all’ora però ti dà l’adrenalina, l’emozione. Trasmette il rischio di poter andare a sbattere. Non trovando nulla del genere e amando questo genere di cose… da qui è nato tutto.

How has powerslidelover born?

Since I was a kid, I loved cars, even in an exaggerated way. I just thought about cars: even when I’d run, I’d do the sound of cars with my mouth. It was insane! When I was 18 – and I just got my license – I opened an Internet site so I could upload car videos, a bit like I do today with PowerSlideLover. But at the time there was no Youtube nor any social media. I looked for beautiful and expensive cars but I never found videos of slides. On the videos you can find online, cars can be driven 190 miles per hour and still look still. But when you slide, you can drive at 40 km per hour and get adrenaline, you feel it. You feel you could crash and you feel the risk. I couldn’t find anything like it and I was so passionate about it…and this is how it all started.

Poi cos’è successo?

Ho continuato in questo modo fino al 2010, poi ho chiuso la pagina. Venivano fuori troppi articoli con il mio nome e cognome, sulle mie macchine. Non volevo che ci fossero scritte queste informazioni e che si ricollegasse tutto a me, alla mia faccia, al mio nome.

Però poi ci hai pensato.

Passano due anni e nel 2012-2013 un amico mi dice: “Ma perché non ricominciamo oggi che c’è Instagram, piacerebbe un sacco!”. Allora mi sono inventato quest’altro nome, “L’amante dei traversi”, e da lì siamo ripartiti. Il mio amico si diverte a farmi le foto e io invece sono quello che guida: non si tratta di una cosa organizzata in cui dico: “Usciamo per fare delle foto”. Si tratta invece di andare a fare un bel giro sul Falzarego, poi una volta su magari vediamo che c’è un bel tramonto, una bella curva o qualcosa del genere e facciamo una foto, un video. Nasce tutto in totale naturalezza, dalla passione. Non siamo mai partiti da casa con l’idea di creare un content per i social.

Cosa cambia tra i power slide, i traversi, e un classico drift?

Il power slide succede tutto in uscita di curva: power, potenza, slide, traverso. Dai un colpo di gas e la macchina ti parte e fai il traversone. Io godo quando lo faccio. Il drift invece è arrivare già di traverso da prima della curva, di solito usando il freno a mano. Per me usare il freno a mano è barare. Io non lo uso, tra l’altro sulle sportive nemmeno c’è. Lo può fare chiunque con qualsiasi macchina. Che tu abbia un Ducato o una Porsche, arrivi in curva, tieni il freno a mano tirato e la macchina ti parte.

Basta quasi solo controsterzare e il gioco è fatto. Per il traverso

Then what happened?

I went on until 2010 and then I stopped. There were too many articles with my name and surname coming out and no one talked about the cars. I didn’t want all this attention and I didn’t want everything to be connected to me, to my face and my name.

But then you changed idea.

Two years pass and in 2012/13 a friend of mine tells me: “But why don’t we do start again now that Instagram exists? People would love it!”. So I invented my name, “Power Slide Lover”, and we got back to business. My friend has fun taking pictures of me and I drive: it’s never something we plan, I never say: “Let’s go out and take some pictures”. We go on a ride on Falzarego and when we get there, we see the sunset, a nice turn or something like this and we take a picture or make a video. It all comes naturally, from passion. We never get out planning to make contents for our social media.

What’s the difference between power slides, slides and drifts?

Power slides happen in turn: power and slides. You give gas and your car slides. I love doing it. Drift happens when you slide before you turn, you usually use your handbrake. And for me it’s like cheating. I don’t use handbraks, and you usually don’t have one on sportscar. Anyone can do with any car. Whether you have a Ducato or a Porsche, you get to the turn, you use your handbrake and your car slides. You counter-steer and that’s it. When you slide you need to know your car, you need to manage its weight, and when you give gas you have to deal with a car out of control and react.

When did you start with slides?

I’ll be honest: immediately, when I was 18. You know what’s passion? Something that burns inside you? My father was shocked,

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invece bisogna conoscere bene la macchina, saper gestire il peso, se lo fai di gas devi saper tenere una macchina che perde il controllo, reattivamente.

Quando hai cominciato con i traversi?

Sono sincero: subito, a 18 anni. Sai cos’è una passione, quando qualcosa ti brucia dentro? Mio papà è rimasto scioccato, me lo ricordo ancora. Eravamo in zona industriale, accelero sul bagnato, avevo ancora il foglio rosa. La macchina è partita e l’ho tenuta. A 18 anni poi ho avuto una macchina, l’M3 della BMW: è una macchina molto adatta a fare queste cose e quindi che te lo dico a fare… a 18 anni, patente appena fatta, hai subito la macchina fatta apposta… Ogni stop, ogni semaforo, ogni partenza da fermo, anche in centro città, la buttavo di traverso. Lo fai tutti i giorni, dieci volte al giorno, finisce che ti diventa naturale. Poi ho avuto la fortuna che mio papà aveva macchine potenti e quindi, se ti abitui a tenere auto di questo genere, impari velocemente. Riassumo: tanta passione e la fortuna di avere macchine adatte in casa.

Tra le auto con cui hai cominciato quale ti è rimasta nel cuore?

Penso a una in particolare, una gran macchina, una Ferrari Enzo. A parte la rarità della macchina e quello che rappresentava al tempo, parliamo di qualcosa di incredibile. Un’auto che per il periodo storico non aveva gomme molto performanti, aveva un traction control così invasivo che tenendolo acceso non riuscivi ad andare veramente forte. Spegnendolo però si doveva per forza essere in grado di fare i traversi. E quindi io che li sapevo fare, avevo le palle per spegnere i sistemi automatici, con quella macchina andavo fortissimo. La differenza con quelli che non erano piloti si vedeva bene in strada. Una grande soddisfazione.

Tu sei un pilota di professione?

No, mi occupo di tutt’altro. La pagina per me è un divertimento. Posto per piacere mio personale, quando mi fa piacere.

Con Powerslidelover che genere di risposta hai avuto da pubblico e sponsor?

Dal lato sponsor sono stato contattato da Pirelli che mi ha fornito alcuni treni gomme. Gli appassionati invece mi hanno scioccato. C’è moltissima gente che apprezza quello che faccio, mi segue e soprattutto capisce il mio account e questo suo mood “giocoso”. C’è gente che fa un lavoro simile al mio sui social postando anche barche, proprietà, eccetera; gli scrivono un sacco di escort mandandogli foto e numeri di telefono. A me nulla, mi contattano solo appassionati di macchine e va benissimo così.

Non ho nemmeno haters e tutte quelle cose e quelle dinamiche che poi si innescano sui social network quando dimostri di avere una certa disponibilità economica. Diciamo che io faccio quello che secondo me fanno già e sognano tutti gli appassionati di macchine, solo che io ho la fortuna di farlo con macchine costose. Solitamente chi possiede auto di questo tipo le lascia o

I still remember him. We were in the industrial area, I accelerate on the wet, and I only had my pink slip. My car moved and I managed to control it. At 18 I had a car, BMW’s M3: it’s the perfect car to do these things, and so…I was 18, I just got my license, I had the right car…and at every stop, at every traffic light, at every standing start, even in the city, I had to slide. You do it every day, ten times a day, and it just becomes natural. I was very lucky ‘cause my father had powerful cars, and if you manage to control these cars, you learn quickly. In a nut shell: I had the passion and the luck to have these cars at home.

Which of these first cars is still close to your heart?

There’s one in particular I really liked, a great car: a Ferrari Enzo.

It was rare and had a special meaning at the time, but we’re talking about something incredible. For the time, the car didn’t have high performing tires, and its traction control didn’t allow you to go fast. But if you turned it off, you really had to know how to slide. And since I knew how to slide, I had the courage to turn off all those automatic systems, and I really went fast. You could tell pilots from those who weren’t, on the road. It was very satisfying.

Are you a professional pilot?

No, I do other things. My Instagram page is just for fun. I do it for my personal pleasure, when it gives my pleasure.

How did the audience and the sponsors respond to Powerslidelover?

On the sponsor side, I was contacted by Pirelli and they gave me some tires sets. But car enthusiasts really shocked me. A lot of people out there likes what I do, they follow me and they understand my account and my playful mood. There’s a lot of people that does the same on social with boats, estates and so on: a lot of escorts contact them and send them photos and phone numbers. But this never happens to me, I get contacted only by car enthusiasts and I’m okay with that. I don’t have haters or any of those stuff you have on social media when people see you have money. I’d say I just do what other car enthusiast do or wish they could do, I just do it with expensive cars. Usually, those who own these cars, leaves them in their garage or washes them on Sunday mornings. I do what you should do with them.

Did you ever have an accident while sliding?

I had many accidents. But never while sliding or while doing other things. All the accidents I had were at a low speed and because I was distracted. So, for mine and for other’s safety, maybe it’s better if I go fast.

How do these supercar work on snow?

It depends on the car. For example, some Lamborghinis are perfect on snow. Ferraris, since they’re to back traction like BMW M3s, are slower. So they do work, but if it starts snowing and I find myself with 40 cm of snow in one day, I just leave them in my

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In foto le imprese di Mr. T

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in garage o le lava la domenica mattina. Io le uso come devono essere usate.

Ti è mai capitato di fare incidenti facendo i traversi?

Mi è capitato di fare incidenti nella vita, vari. Ma mai facendo i traversi o pirlate simili. Tutti gli incidenti che ho fatto, li ho fatti sempre a velocità molto basse oppure perché mi sono distratto. Quindi, per la sicurezza mia e degli altri, forse è meglio che corro.

Ma queste super car come si comportano sulla neve?

Ci sono macchine e macchine. Per esempio ci sono delle Lamborghini che sulla neve vanno benissimo. Le Ferrari, essendo a trazione posteriore come la BMW M3, ovviamente va molto più piano. Quindi per andare bene vanno bene, ma se trovi la nevicata epocale che ti fa, in un giorno, 40 cm di neve, le lascio in garage. Immaginati i commenti dei cortinesi se ti impianti con l’auto in centro a Cortina: “Ma che **** ci fa con questa macchina in giro”. Con una situazione di neve normale, diciamo 5 cm sull’asfalto, vai ovunque, magari solo un po’ più piano, con la macchina che parte di traverso.

Un’auto che ti ha stupito sulla neve?

Porsche 992 turbo S: una fantastica “daily” con prestazioni da super sportiva. Avendo gomme larghe e tanti cavalli immaginavo andasse benino sulla neve ma che non riuscisse a scaricare i cavalli a terra. Invece mi sono trovato ad andare molto più forte e con molta più trazione di macchine fatte apposta per andare sulla neve. Non me lo immaginavo proprio…

Ho visto che una volta hai trainato uno sciatore sulla strada con una Lamborghini Aventador, com’è successo? È stato divertente. Col senno del poi, pensi: “È un pazzo, lo sciatore”. Non conosceva Cortina, non conosceva la strada dove eravamo. Stava sui bordi della strada per avere più neve rispetto alla parte centrale della carreggiata. Se sotto ci fosse stato un cartello stradale o un paracarro, le sue gambe sarebbero ancora lì! Bellissimo, divertente. Io non so sciare come lui quindi ovviamente mi sono limitato a guidare e non c’ho mai pensato a fare una cosa del genere. Quando riguardo il video penso sempre: “Mmh! È andata bene e siamo contenti di essere tutti a casa se ne salvi”.

A chi è venuta l’idea di fare questa pazzia?

Nasce perché la famiglia Porsche ha organizzato un evento che facevano tanti anni fa nella città in cui vivono, dove trainavano gli sciatori con le auto d’epoca, facendone una gara. Abbiamo partecipato a questo evento e lì ho conosciuto questo ragazzo che mi ha detto: “Sai, sto cercando qualcuno che mi traini”. E io ho detto: “Perfetto, io sto cercando qualcuno da trainare”. Siamo entrati in sintonia e amicizia e un giorno gli ho detto: “Ciao, la Lamborghini mi ha dato in prestito la Aventador perché vogliono che io la compri. Qui a Cortina è prevista neve, sali?“. La

garage. Just think about the comments of the people in Cortina if you get stuck with your car in Cortina’s center: “What the **** does this car do here?!”. When snow is normal, let’s say 5 cm high on the road, you can go everywhere, maybe a bit slower and while sliding.

Which car amazed you on the snow?

Porsche 99 turbo S: an amazing daily with sports supercar performances. It has large tires and horse-power and I thought it could do ok on snow but that couldn’t unload them on the ground. Instead, I went faster and with more traction than many other cars that are designed to be driven on snow. I had no clue...

I saw that once you pulled a skier on the road with a Lamborghini Aviator. How did that happen?

It was fun! Now I’d say: “That skier is crazy!”. He didn’t know Cortina, he didn’t know the road we were on. He stayed on the borders of the road to get more snow, and if there would have been a sign or a kerbstone, his legs would still be there! Amazing, fun. I can’t ski as he does and so I just drove, and I never thought about doing something like that. When I look at the video, I always think: “Mmh! We did fine and we’re happy we came home safe!”.

Who had this crazy idea?

The Porsche family organized an event they used to do many years ago in the city where they live: they used to pull skiers with their vintage cars and they turned it into a race. We went there and I met this guy who told me: “You know, I’m looking for someone who will pull me”. And I said: “You know, I’m looking for someone who wants to be pulled!”. We got along and one day I called him and said: “Hi, Lamborghini lent me their Aviator because they want me to buy it. They say it’ll snow here in Cortina, do you wanto to come?”. In two hours he was in Cortina and we had this car that never before had been given to clients, all new, very particular and with a cost of half a million Euro…and they lent to people only if they’ve bought many other Lamborghinis before. A lot of people think these cars must be kept in their garage and that they must be used only in special occasions, but we used it on snow, pulling a skier with a cable attached to the car’s carbon spoiler (and a tissue in order not to ruin the car).

Amazing! It was incredible, and all our fans enjoyed it!

What did your followers say?

This experience taught me I don’t know social media that well: if you look at the likes I got with this thing compared to the likes I got when I made circles with a minivan in a parking lot, numbers say the minivan was more successful than the Aventador experience. It’s very difficult for me to understand [he laughs]. Those circles were so stupid, you just have to give gas. I’m so shocked.

Do you have other stories like this one to tell?

I think we started the fashion of pulling people on rubber donuts with race cars. We wanted to have fun and maybe we’ve been the

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figata è che lui in due ore è salito e abbiamo avuto a disposizione questa macchina che ancora non era stata consegnata ai clienti, nuovissima, particolarissima, da mezzo milione di euro, che non tutti possono avere se non hai già comprato tante Lamborghini. E mentre tutti pensano che la tua macchina migliore sia da tenere in garage per sfoggiarla in pochissime occasioni, noi l’abbiamo usata sulla neve, trainando sull’alettone in carbonio con un cavo (e un fazzoletto per non rovinare la carrozzeria) e l’abbiamo usata così, sulla neve. Pazzesco. È stata una cosa incredibile per noi, gli appassionati hanno goduto.

La reazione dei tuoi followers qual è stata? È stata un’esperienza che mi ha insegnato che non conosco bene il mondo del web: se devo guardare i like che ho ricevuto con questa cosa qui rispetto a quelli che ho fatto non monovolume facendo dei cerchi in un parcheggio, i numeri mi dicono che ho avuto più successo il van che fa i tondi rispetto alla Aventador con lo sciatore. Davvero difficile da capire per me [ride].

Erano veramente dei tondi stupidissimi, quelli che ho fatto con il van, basta dare gas. Sono sconvolto.

Hai qualche altra storia simile a questa da raccontare?

Credo di aver lanciato sul web anche la moda di trainare le persone sul ciambellone sulla neve con una macchina da corsa… È una di quelle occasioni in cui abbiamo fatto una cosa per divertirci e forse eravamo i primi a farlo. Oggi, invece, di video così se ne trovano tanti su Internet. Era il classico pomeriggio in cui non sapevamo cosa fare e ci siamo inventati qualcosa per divertirci. La mia soddisfazione è magari di aver dato l’idea ad altre persone che ci si può divertire, si possono fare delle cose goliardiche anche con macchine come queste. Salire sulla pista da sci chiusa con una Lamborghini è un altro esempio di cose di questo genere che ho fatto. Ovviamente, bisogna conoscere il gestore della pista per poterlo fare. Ma di nuovo, sono tutte idee nate sul momento oppure al massimo mezz’ora prima.

Cortina e le sue montagne sono il principale sfondo dei tuoi contenuti, come mai?

Io passo a Cortina 5-6 mesi l’anno normalmente. Nella città in cui vivo per il resto del tempo tendo a non usare le mie auto perché sono molto esposte a danni e a furti. Io amo guidare per il piacere di guidare. Se devo andare a Cortina in autostrada, non mi interessa proprio. Anzi, in quel caso se c’è qualcuno che guida al posto mio sono anche più contento. A Cortina invece è pieno di bellissime strade panoramiche ed è proprio qui che do il meglio di me. Tutte le sere vado a farmi un giro quando sono a Cortina. Poi ovviamente c’è anche il legame affettivo che mi lega a questa città dove comunque abbiamo una casa di famiglia dove ho vissuto un sacco di anni della mia vita e gioventù.

Partecipi pure al Ferrari challenge, giusto? È nato tutto grazie a una bellissima iniziativa di Ferrari che si chiama Club challenge. Nel weekend di gara, con la tua macchi-

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first to do it. Today there are so many videos like this one online.

It was a typical afternoon and we didn’t know what to do, so we came up with something that could be fun. I’m happy I taught people that you can have fun even with these types of cars. Going on closed ski slopes with a Lamborghini is something else I did. You obviously need to know who manages the slope. But, again, all these ideas were born in the moment or 30 minutes earlier.

Cortina and its mountains are your usual and main background, why?

I usually live in Cortina for five or six months every year. I tend not to use my cars in the city I usually live in ‘cause they could be damaged or stolen. I just like driving. If I have to go to Cortina on a driveway, I don’t care and I’ll let someone else do it. But in Cortina there are lots of beautiful roads and it’s here that I do my best work. When I’m in Cortina, I go for I ride every night. Then I’m surely very connected to this city: our family has a house here and I’ve been here since I was a kid.

You also take part to the Ferrari challenge, right?

It all came about through a wonderful initiative by Ferrari called Club challenge. On race weekend, with your race car, you have six hours of non-competitive track day. I had the time of my life.

But I noticed that my times were always in the top three of the class that did the real challenge races (not the Club challenge).

So I wanted to give it a try. I knew I was among the fastest but I was hoping to win. That was all I was thinking. Instead, in my category (under50, non-professional) I started winning races right away and I was competing with those in the professional category who had already won other competitions with years of experience behind them. It was an incredible emotion. As a lifelong lover of cars and driving, to see that you are very close to the level of the pros was amazing. And a surprise.

At which editions did you take part?

2019 and 2020.

Which cars did you use?

The Ferrari 488 Challenge. You can only race with this car in my category. So the cars are all the same, you can’t modify them, except for the set-up. There’s a lot of satisfaction in doing well in a race like that.

Is there a team following you?

Rosso Corsa of Milan, which is also a Ferrari dealer.

Can you say how many cars you own?

I’d rather stop at: “A few.” Or: “Some”.

What brands primarily?

I love and get excited about Ferrari. And I like Porsches a lot. But I’m not biased, I’m not a fan. I’m not one of those who hates one

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In foto le automobili di Mr. T Genius People Magazine

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na da corsa, hai sei ore di Track day non competitivo. Mi sono divertito da morire. Però vedevo che i miei tempi erano sempre tra i primi tre della classe che invece faceva le vere gare di challenge (non il Club challenge). Quindi ci ho voluto provare. Sapevo che ero tra i più veloci ma speravo di giocarmi il podio.

Non avrei mai pensato a nulla di più. E invece nella mia categoria (under50, non professionisti) da subito ho cominciato a vincere le gare e me la giocavo con quelli della categoria professionisti che avevano già vinto altre competizioni con anni di esperienza alle spalle. È stata un’emozione incredibile. Da cultore da sempre del mondo delle auto e della guida, vedere che sei molto vicino al livello dei professionisti per me è stata un’emozione magnifica. E una sorpresa.

A che edizioni hai partecipato?

2019 e 2020.

Che auto usi tra quelle ammesse?

La Ferrari 488 Challenge. Puoi correre solo con quella il Ferrari Challenge nella mia categoria. Le auto quindi sono tutte uguali, non puoi modificarle se non per quanto riguarda l’assetto. Tanta soddisfazione ad andare bene in una gara così.

C’è un team che ti segue?

La Rosso Corsa di Milano, che è pure un rivenditore Ferrari.

Si può dire quante macchine hai?

Preferirei fermarmi a: “Un po’”. Oppure: “Alcune”.

brand over another. I like beautiful and fun to drive cars and they can be called anything. Except when it comes to Ferrari, in which case it’s right to say they’re in my heart. When it comes to cars, for me you have to go for the substance, the heart. To tell you the truth, I just bought a Toyota to have fun in the snow and I’m very happy with my purchase.

Ferrari and Porsche, two manufacturers and two very different driving philosophies.

Absolutely, even though the Porsches I buy, except for the turbo S, which I call a “daily”, are like the Gt2, Gt3: the ones with the most track-oriented cars, the ones with the spoiler, the air intakes, the ones with the most attitude. Surely Porsches are more stable than Ferraris, but we are talking about cars that like to race a lot.

Why did you choose anonymity?

Nowadays it’s full of enthusiasts: of people who’re always trying to show on the internet that they are better. So, if someone finds out who you are, he will tell someone else who then will tell someone else, and eventually everyone knows your identity. In word of mouth people know who I am, it’s a small world. Sometimes I’ve been recognized but I was very pleased that no one has ever invaded my privacy. Fans have always stayed away, maybe they’ve given me a nod by calling me “Power” or they just don’t come to me because they’ve understood that I don’t do it to show off. I want to share the passion, I don’t want to go to a restaurant and be recognized.

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Quali marche principalmente?

Io amo e mi emoziono per Ferrari. E mi piacciono tanto le Porsche. Però non sono di parte, non sono un tifoso. Non sono di quelli che avendo una marca ne odia un’altra. A me basta che la macchina sia bella e divertente da guidare e poi può chiamarsi in qualsiasi modo. Tranne quando si parla di Ferrari che in quel caso ce l’ho proprio nel cuore. Se si tratta di auto, per me bisogna puntare alla sostanza, al cuore. Per dirti, ho appena comprato una Toyota per andarmi a divertire sulla neve e sono contentissimo dell’acquisto.

Ferrari e Porsche, due costruttori e due filosofie di guida diversissime Assolutamente, anche se le Porsche che compro io tranne la turbo S che io definisco una “daily”, sono tipo la Gt2, Gt3: quelle più pistaiole, quelle con l’alettone, le prese d’aria, quelle più tamarre insomma. Sicuramente le Porsche rispetto alle Ferrari sono più stabili eccetera ma comunque parliamo di macchine a cui piace correre parecchio.

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You have kids, right? Do they have that same passion as you?

During lockdown I bought a special go-kart called Crazy kart for my three-year-old daughter. It’s a kart that’s specifically made to go sideways and we started playing in the garage at home. Now my daughter is four years old and she flies around, driving her younger daughter in the middle of the garage between cars. My friends are sometimes afraid to use that kart! One day Kristian Ghedina came by my house and I put him and my daughter in the garage chasing each other with the kart. My daughter gave him the smoke... if Kristian put his mind to it, he would probably get his revenge.

The right soundtrack to make power slides?

I’m going to lose all my followers now: I love 60s-80s Italian songs. So, my answer is: Sapore di sale. If you put it on, I’ll give you the lap record. If you put on Rimmel by Francesco de Gregori, it’s done: I’ll go to Formula 1 and beat Hamilton.

Perché hai scelto di non comparire?

Al giorno d’oggi è pieno di appassionati. Sono persone che cercano sempre di far vedere che sono più bravi su internet e quindi quello che scopre chi sei poi lo dice a qualcuno che poi lo dice qualcun altro alla fine sanno tutti la tua identità. Nel passa parola quindi la gente sa chi sono, il mondo è piccolo. Qualche volta sono stato riconosciuto ma mi ha fatto molto piacere che nessuno ha mai invaso la mia privacy. I fan sono sempre rimasti lontani, magari mi hanno fatto un cenno chiamandomi “Power” oppure proprio non mi vengono incontro perché hanno capito che non lo faccio per mettermi in mostra come persona.

Io voglio condividere la passione, non voglio andare al ristorante ed essere riconosciuto.

Tu hai figli, giusto? Hanno questa tua stessa passione?

Durante lockdown ho comprato un go-kart particolare che si chiama Crazy kart per mia figlia di tre anni. È un kart fatto apposta per fare il traverso e abbiamo cominciato a giocare nel garage di casa. Adesso mia figlia ha quattro anni e vola, fa i traversi portando dietro la bambina più piccola in mezzo garage tra le macchine. Pensa che qualche volta hanno paura i miei amici a usare quel kart! Un giorno è passato a casa mia Kristian Ghedina e li ho messi in garage lui e mia figlia a inseguirsi col kart. Mia figlia gli dava il fumo… Poi chiaro che se Kristian si mettesse d’impegno probabilmente si vendicherebbe.

Colonna sonora giusta per fare i Power slide?

Adesso perdo tutti i follower: io amo le canzoni anni ’60 - ’80 italiane. Quindi la mia risposta è: Sapore di sale. Se me la metti ti faccio il record sul giro. Se mi metti Rimmel di Francesco de Gregori non ce n’è per nessuno, vado in Formula 1 e batto Hamilton.

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ANTICIPARE I TEMPI Federico Ziviani: la svolta digital della Maison Gerald Charles ANTICIPATE THE TIMES Federico Ziviani: Maison Gerald Charles’ digital turn di/by FEDERICO GRAZIANI

In foto Federico Ziviani Genius People Magazine

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Orologi da collezione e community social. Due realtà che apparentemente sembrano agli antipodi, ma che nel marchio Gerald Charles convivono e si alimentano a vicenda. Merito dell’intuizione di anticipare i tempi e di puntare sul digitale molto prima che la pandemia rendesse obbligatorio farlo. Così, un’azienda che in passato produceva per una nicchia ristretta, con pezzi sostanzialmente tailormade, oggi espande il suo pubblico sfruttando i social network e potenziando il rapporto one-to-one con i clienti. Ma senza dimenticare la sua storia, che anzi viene celebrata anche con l’ultima collezione Premier 2021, composta da due esemplari: il cronografo Maestro GC3.0 e l’automatico Maestro GC2.0, prodotti in venticinque pezzi ciascuno. Tra i responsabili della transizione digitale c’è sicuramente Federico Ziviani, classe 1995, general manager dell’azienda, con cui vogliamo esplorare il mondo Gerald Charles.

Collection timepieces and social community. These two realities seem poles apart, but they do coexist in the brand Gerald Charles and they feed off each other. This happened because Gerald Charles has chosen to jump the gun and to focus on the digital world way before the pandemic forced us to do so. So, a company that once made tailor-made products for a niche, now has expanded its public through social networks and by enhancing one-to-one relationships with its clients. But they didn’t forget their history. Quite the opposite: they celebrate it through their last collection Premier 2021 made by due new models: the stopwatch Maestro GC3.0 and the automatic watch Maestro GC2.0. There are only twenty-five pieces of each model. Surely, Federico Ziviani, the company’s general manager who was born in 1995, was part of this digital transition, and we will explore Gerald Charles’ universe with him.

Partiamo dalla fine. Perché il nome “Premier 2021”?

Il nome e la produzione limitata si devono al fatto che è un’anteprima. È un po’ come quando i clienti migliori vengono invitati a vedere un film di Hollywood prima che questo esca nelle sale. È una collezione che anticipa la nostra produzione in oro, che seguirà in futuro, e la vuole anticipare con questa combinazione di oro e verde che resterà unica nel suo genere. Questi pezzi sono un passo importante nello sviluppo del nostro design, con un’ergonomia migliorata al punto che quasi non li senti addosso. In questo, vogliono essere l’apoteosi dell’elegante sportivo che rappresenta la nostra maison.

Sono disegni originali di Gerald Charles Genta?

Sì, queste nuove casse riprendono la cassa Maestro ultrasottile nell’automatico e la cassa coronografo nel GC3.0. Il Maestro fondò l’azienda nel 2000 dandole i suoi due nomi di battesimo e ci rimase come designer fino alla sua morte nel 2011. Lasciò, quindi, un tesoro di disegni originali e inediti inestimabile, se pensiamo che molte aziende hanno avuto il loro successo con solo uno di questi disegni. Non a caso, Genta è considerato il più importante designer di orologi dell’ultimo secolo.

Com’è cambiata la Gerald Charles negli ultimi tempi?

Il punto di svolta è stato tra la fine del 2019 e l’inizio del 2020, con il lancio del Maestro Anniversary in occasione del venten-

Let’s start from the end. Why did you choose the name “Premier 2021”?

Its name and its limited output were chosen because it’s a preview. It’s like when the best clients are invited to Hollywood’s premiers to see a movie that’s not in cinemas yet. This collection anticipates our gold collection and it does so with this one of a kind gold and green combination. These models are an important step in our design development: we’ve improved the ergonomics and you barely feel them when you wear them. They’re the blaze of glory of sportive elegant watches and of our maison.

Were the original sketches made by Gerald Charles Genta?

Yes, they are. These new watch cases refer to Mestro’s ultra-thin watch case in the automatic watch and to the chronograph case in the GC3.0. Our Master founded the company in 2000 and he gave the firm his birth names; he was Gerald Charles’ designer until his death in 2011. He left us original, new and priceless sketches: a true treasure if you think that many companies owe their success to just one sketch. No wonder Genta is considered the most important watch designer of the last century.

How did Gerald Charles change in these last years?

We had our turning point at the end of 2019 and at the beginning of 2020 with Maestro Anniversary’s launch for the maison’s twentieth anniversary. For the first time, this edition presented the fa-

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nale dalla nascita della maison. È un’edizione che per la prima volta presentava la famosa cassa Maestro in acciaio, in modo da avere un prezzo più accessibile e da aprirsi a un più ampio ventaglio di collezionisti. Contemporaneamente a questa scelta produttiva, c’è stata la trasformazione digitale. Quindi da un lato abbiamo un prodotto elegante e sportivo, semplice da indossare ma di alta qualità, dall’altro lato c’è stato un cambio nella gestione delle relazioni in senso digital.

Qual è il vantaggio?

Che il rapporto con il cliente diventa diretto. La presenza sui social ci consente di mostrare come l’orologio può essere indossato nella vita reale. E permette anche di rispondere alle richieste specifiche dei collezionisti.

Per esempio?

Abbiamo una squadra che si occupa di rispondere entro 24 ore a qualsiasi tipo di domanda. Inoltre, quando un prodotto arriva da un rivenditore, facciamo la storia per mostrare che in quel determinato luogo si può provare quel determinato pezzo. L’obiettivo è sempre comunicare nel modo più diretto e immediato possibile. Allo stesso tempo, c’è un lavoro di gestione del profilo e di creazione di contenuti che punta a costruire una community intorno al marchio Gerald Charles. Lo facciamo anche coinvolgendo direttamente i clienti, che da tutto il mondo ci taggano nelle loro gallerie social: chi vuole, vede poi le sue fotografie ripostate sulla nostra pagina. Questo crea una sorta di club aperto, costruito sull’idea di un lusso inclusivo e non esclusivo.

Questa gestione ha avuto risultati anche sulle vendite?

I 250 orologi Anniversary durante il 2020 sono andati sold-out con il 50% venduto direttamente al cliente finale. Anche grazie ai social. I collezionisti hanno apprezzato molto la possibilità di relazionarsi con noi anche in un anno di pandemia come il 2020.

Diciamo che ci siamo fatti trovare pronti e ben posizionati, grazie a una serie di rivenditori che ci hanno supportato soprattutto in Europa e grazie al lavoro sul digital cominciato qualche mese prima delle chiusure.

Dove nasce l’intuizione di puntare forte sul digitale?

Il progetto era già quello di vendere online orologi da 10.000 euro senza problemi, supportati da una serie di attività che vanno dall’uso dei social alla relazione one-to-one via Whatsapp, fino alla possibilità di mostrare al cliente l’orologio indossato in tutti i modi senza farlo uscire di casa. Quindi questa strategia non è stata una risposta al Covid, ma un’anticipazione dei tempi.

Tra i personaggi pubblici che indossano Gerald Charles ci sono il vincitore dell’Nba Marco Belinelli e l’ex calciatore Claudio Marchisio.

Noi li consideriamo amici del marchio. Sono conoscitori dell’alta orologeria e si sono appassionati alla nostra azienda perché

mous steel Maestro case. The price was more affordable and we opened to a wider range of collectors. Concurrently to this productive choice we dealt with digital transformation. On one side, then, we have a sportive, elegant and quality product that’s easy to wear and on the other we changed our relationship management and we focused on digital.

What’s the advantage?

That the relationship with clients is direct. Social media allows us to show our clients how watches can be worn in real life. And it also allows us to answer to collectors’ specific requests.

Can you give us an example?

Our team is responsible for answering every type of question within 24 hours. Then, when a product arrives to a dealer, we make stories to show people that in that specific place you can try that specific model. Our goal is to communicate in the fastest and most direct way possible. At the same time, we work on the profile’s management and we create content in order to build a community around our brand. We do so by involving our clients, they tag us from all around the world on their social galleries: who wants to, may see their pictures on our page too. We’re building a sort of open club that’s based on inclusive luxury, not an exclusive one.

Did this management have an impact on sales too?

During 2020, all our 250 Anniversary watches were sold out and 50% of them were sold directly to final customers. And this is because of social media too. Collectors have appreciated the possibility of relating with us despite the pandemic. Let’s say we were on our toes and well positioned thanks to all the dealers that have supported us in Europe and to the work we did on digital platforms before the lockdown.

How was the intuition of focusing on digital platforms born?

We were already planning to sale 10.000 Euro watches online through activities that involved social media, one-to-one relationships, Whatsapp. We wanted to show people every single way you can wear a watch without making them leave the house. This strategy wasn’t our answer to Covid, but an anticipation of what future brought us.

Among the public personas that wear your brand there’s Nba winner Marco Belinelli and the former soccer player Claudio Marchisio.

We consider them friends of the brand. They’re experts of Haute Horologerie and they became passionate of our company because they believe in what we do and they know who our designer is.

They’ve both sportsmen who have won everything but they have their own projects other than sports. Marchisio has written his book, Il mio terzo tempo, and he has told his new life as an entrepreneur. They both perfectly represent our clients: they’re successful and classy people, and they know what’s behind our watches.

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FEDERICO GRAZIANI

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In foto Premier 2021 della Maison Gerald Charles Genius People Magazine

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INTERVISTA A FEDERICO ZIVIANI

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In foto Premier 2021 della Maison Gerald Charles Genius People Magazine

FEDERICO GRAZIANI

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In foto Premier 2021 della Maison Gerald Charles Genius People Magazine

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INTERVISTA A FEDERICO ZIVIANI

credono in quello che facciamo e sanno chi è il designer. Sono sportivi che hanno vinto tutto, ma che hanno anche progetti dopo lo sport. Marchisio ha scritto un libro, Il mio terzo tempo, in cui racconta proprio la sua nuova vita di imprenditore. Perciò entrambi rappresentano alla perfezione i nostri clienti, che sono persone di successo, di classe e che conoscono molto bene ciò che c’è dietro ai nostri orologi.

What are your customers like?

We deal with historical clients that know Gerald Charles Genta because they saw his successes – such as Royal Oak and Nautilus -. Our clients have fifty years or more but we’re spreading to a younger audience as well now. We deal with a high quality audience, but very transversal. It’s international too: Italy is our target market but our brand has an international vocation.

Qual è il pubblico-tipo di Gerald Charles? È formato sia da clienti storici, che conoscono Gerald Charles Genta perché hanno vissuto i suoi successi – pensiamo al Royal Oak e al Nautilus – quindi diciamo un pubblico dai 50 anni in su, sia da un pubblico più giovane a cui lo stiamo facendo conoscere adesso. Insomma, parliamo a un pubblico di alta qualità, ma molto trasversale. E internazionale, perché per noi l’Italia è un mercato di riferimento, però la nostra è una maison che ha una forte vocazione internazionale.

How many pieces do you produce?

Less than a thousand a year. Our products are present, but we’re still a niche.

Quanti pezzi producete?

Siamo al di sotto dei mille pezzi all’anno, quindi un prodotto certamente presente, ma ancora di nicchia.

In che direzione andate da questo punto di vista?

Ci sono molti mercati considerati fondamentali nel mondo del lusso, ma noi abbiamo deciso di puntare soprattutto sull’Europa, che è trendsetter e ci dà molte soddisfazioni. Perciò la produzione potrebbe certamente aumentare rispetto alla domanda in relazione all’eventuale entrata in nuovi mercati, ma si parlerà sempre di poche migliaia di unità all’anno.

Qual è il vostro orologio di punta?

Noi diciamo sempre che facciamo solo best-seller. Facciamo pochi pezzi. La nostra priorità è la cassa Maestro, che fu disegnata proprio dal Maestro Gerald Charles Genta nel 2006 e che lui stesso chiamò “Maestro”, quasi come un suo testamento spirituale. E quindi per noi questa cassa è rappresentativa della maison.

Nel 2021, con smartphone e computer ovunque, cosa significa e a cosa serve indossare un orologio?

Innanzitutto, l’orologio serve ancora a controllare l’ora, perché soprattutto con questa pandemia non ne possiamo più di stare sempre attaccati agli schermi e ai telefoni. Soprattutto quando sono in vacanza, io lascio in camera tutti gli apparecchi elettronici, mi metto il mio bell’orologio e mi godo la giornata finalmente lontano dagli schermi. Secondo me, in un’ottica detox dagli strumenti elettronici che ormai fanno parte delle nostre vite, l’orologio può recuperare le sue funzioni originali: guardare l’ora e cronometrare il tempo. E poi non smette mai di essere l’apice dell’accessorio da uomo, da indossare anche solo per la bellezza di farlo. Al giorno d’oggi il mondo occidentale è sempre concentrato sul fine. In questo caso il fine può anche essere solo quello del gusto e del piacere personale.

In this sense, in which direction are you moving?

There are many markets that are paramount in the luxury world but we chose to focus on Europe because it’s a trendsetter and is giving us much satisfaction. So the production could increase compared to demand because we could invest in new markets.

But we’re still talking about a few thousands more a year.

What’s your leading product?

We always say we only produce best sellers. We make few pieces. Meastro case is our priority: it was designed by Maestro Gerald Charles Genta in 2006 and he named it “Maestro”. It’s sort of his spiritual testament. For this reason, the case is representative of the maison.

In 2021, with computers and smartphones everywhere, why should we need a watch? And what does wearing a watch mean?

First of all, watches are used to tell time because, especially now with the pandemic, we’ve had enough of telephones and monitors. Especially when I’m on holiday, I leave all my electronic devices in my room, I wear my watch and I enjoy my day finally away from monitors. In my opinion, especially from a detox point of view, we have to get away from all the electronic devices we use every single day. And watches can reclaim their original function: tell time. Also, watches are still men’s most important accessory, we should wear them just because is nice to do so. In this case its purpose can be related to taste or to personal pleasure.

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INTERVISTA A JOHN HEMINGWAY

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LA TRIBÙ HEMINGWAY John, Gregory ed Ernest Hemingway: storie di famiglia THE HEMINGWAY TRIBE John, Gregory and Ernest Hemingway: a family business di/by ROBERTO VITALE

John Patrick Hemingway (1960) è uno scrittore e giornalista. Nipote del Premio Nobel per la Letteratura Ernest Hemingway, è nato a Miami, in Florida, ma ha vissuto circa vent’anni, a partire dagli anni ‘80, in Italia. Suoi articoli e racconti sono apparsi su giornali e riviste americani, italiani e spagnoli, e il suo racconto Uncle Gus è stato il pezzo in evidenza per il rilancio del Saturday Evening Post. Ha pubblicato per la casa editrice americana Lyon Press il libro Strange tribe: a family memoir che è stato tradotto in Spagna, Repubblica Ceca, Bulgaria, Cina, Taiwan e in Italia. È un libro che tratteggia il complesso rapporto tra Mr Papa Ernest Hemingway e il figlio Gregory, padre di John.

John, cosa significa appartenere alla dinastia, o se preferisci alla tribù, degli Hemingway?

Sono orgoglioso di essere un Hemingway e cerco di fare il mio meglio come scrittore e, questo, non solo per fare onore al cognome che porto. Non è semplice essere nipote di Ernest Hemingway il giornalista, lo scrittore, l’avventuriero, il cacciatore, il pescatore e anche il grande amatore che più comunemente veniva definito macho. Si potrebbe sintetizzare affermando che mio nonno era, e probabilmente lo è ancora, una celebrità, il vincitore del Premio Pulitzer e del Premio Nobel per la Letteratura, ma prima di tutto Papa era il padre di mio padre Gregory.

Ecco, pensando a cosa significa essere un Hemingway non posso scostare il mio pensiero da mio padre: io sono figlio di Greg, un uomo non certo perfetto, come tutti gli Hemingway, ma una persona che aveva cercato di fare del suo meglio per essere all’altezza del proprio padre e di essere, per me, un buon padre.

Mr Papa Hemingway è un’icona della letteratura del XX secolo e ancora oggi ha un’importante popolarità!

Una delle cose che più richiama l’attenzione nei confronti di

John Patrick Hemingway (1960) is a writer and journalist. He is the grandson of Nobel Prize winner for Literature Ernest Hemingway. He was born in Miami, Florida, but he lived for about twenty years, beginning in the 1980s, in Italy. His articles and short stories have appeared in American, Italian, and Spanish newspapers and magazines, and his story Uncle Gus was the featured piece for the Saturday Evening Post’s relaunch. He published for the American publishing house Lyon Press the book Strange tribe: a family memoir; the book has been translated in Spain, Czech Republic, Bulgaria, China, Taiwan and Italy. Strange Tribe describes the difficult relationship between Mr. Papa Ernest Hemingway and his son Gregory, John’s father.

John, what does belonging to the Hemingway dynasty, or, if you prefer, tribe mean?

I’m proud to be a Hemingway and I try to do my best as a writer, and not only to honor the last name I bear. Being the grandson of Ernest Hemingway the journalist, the writer, the adventurer, the hunter, the fisherman and the great lover - who was more commonly referred to as macho - is not easy. One could condense it by saying that my grandfather was, and probably still is, a celebrity, the winner of the Pulitzer Prize and of the Nobel Prize for Literature. But, first and foremost, Papa was the father of my father, Gregory. So, thinking about what being an Hemingway means, I cannot distance my thoughts from my father: I am Greg’s son, a man who was certainly not perfect, like all Hemingways, but who tried his best to live up to his father’s standards and to be a good father.

Mr. Papa Hemingway is an icon of 20th century literature and he is still very popular today!

One of the things that mostly draws attention to my grandfather is how popular he still is today. I’m thinking of Italy and, in particu-

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ROBERTO VITALE

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In foto John Hemingway

mio nonno è quanto la sua popolarità ancora sopravviva. Penso anche all’Italia e, in particolare, a quel Veneto che lui amava tanto. Sono molti gli scrittori nordamericani vincitori di un premio Pulitzer o Nobel, ma credo che nessuno di loro abbia raggiunto questo livello di acclamazione pubblica, di cui ancora oggi Ernest Hemingway beneficia. La sua immagine come il pilastro della virilità era, e continua a essere, intoccabile. Ma la bisessualità, il lesbianesimo e la metamorfosi sessuale sono stati temi che hanno interessato sia Ernest sia altri artisti di quel periodo. Da intellettuali, non poterono che bagnarsi nelle questioni culturali dell’epoca, e le differenti pratiche sessuali erano parte, senza alcun dubbio, di quel crogiuolo di idee.

I tuoi genitori si possono definire una strana coppia!

Gli italiani hanno un modo di dire per descrivere una coppia insolita: Dio li fa e poi li accoppia. È un’espressione ironica per spiegare quanto di apparentemente inspiegabile vi sia. Mio padre che desiderava essere donna e mia madre che odiava gli uomini, ma che certamente amava mio padre. Fu un matrimonio voluto dal cielo.

lar, of the Veneto region that he loved so much. There are many North American writers who have won a Pulitzer or a Nobel Prize, but I don’t think any of them has reached Ernest Hemingway’s public acclaim. His image as the pillar of manhood was, and continues to be, untouchable. But bisexuality, lesbianism, and sexual metamorphosis were themes that interested both Ernest and other artists of the period. As intellectuals, they dealt with the cultural issues of the time, and different sexual practices were, without question, a part of that melting pot of ideas.

Your parents were an odd couple!

Italians have a saying to describe unusual couples: God makes them and then pairs them. It’s an ironic expression to explain things that seem unexplainable. My father wanted to be a woman and my mother hated men, but she certainly loved my father.

Their marriage was willed by heaven.

How was your relationship with your father Gregory?

When I was a child my father was the man who challenged the fury of the sea and that lived to tell about it. Only I could sense his

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INTERVISTA A JOHN HEMINGWAY

Qual era il rapporto con tuo padre Gregory?

Quando ero bambino mio padre era l’uomo che sfidava la furia del mare e viveva per raccontarlo. Solo io percepivo il suo lato buono: la sua generosità e il suo humour, la sua gentilezza e la sua capacità di non deludermi mai nel rendermi felice. Lui era l’uomo che ammiravo di più, nonostante lunghi momenti bui nel nostro rapporto, e lo fu ancora più tardi quando cominciai a rendermi conto di come avesse ereditato più sventure di quanto meritasse. Soffriva di una psicosi maniaco-depressiva, si travestiva e fini per sottoporsi a un’operazione per il cambio di sesso.

Con la nascita di tuo figlio Michael il paesaggio psicologico della famiglia Hemingway si trasforma!

Era il 1997, vivevo a Milano, e in quel momento avevo smesso di essere solo il figlio di Greg e il nipote di Ernest Hemingway, ed ero diventato padre. Era chiaro che i ruoli erano cambiati e che non avrei potuto continuare a lamentarmi di ciò che mio padre aveva fatto o smesso di fare per me. Dovevo pensare a Michael e a ciò di cui aveva bisogno. Era una responsabilità tremenda ma, allo stesso tempo, un’opportunità. La relazione tra padre e figlio, spesso complicata, che avevo sperimentato con mio padre Greg, e lui a sua volta con nonno Ernest, non avrebbe dovuto necessariamente ripetersi con mio figlio. Potevo rimediare ai danni e mettere un freno a un vecchio dolore. Questo ho promesso a mio figlio alla sua nascita non dimenticando mai di essere un Hemingway.

good side: his generosity and humor, his kindness and his ability to make me happy. Despite the long dark moments in our relationship, he was the man I admired the most. And it continued to be so even when I began to realize that he had inherited more misfortune than he actually deserved. He suffered from manic-depressive psychosis, he cross-dressed, and eventually ended up having a sex-change operation.

With the birth of your son Michael, the psychological landscape of the Hemingway family evolved!

It was 1997, I was living in Milan, and in that moment I stopped being just Greg’s son and Ernest Hemingway’s grandson: I became a father. The roles had changed and I couldn’t go on complaining about what my father had done or had stopped doing for me. I had to think about Michael and about what he needed. It was a tremendous responsibility, but, at the same time, an opportunity. I didn’t have to repeat with my son the often complicated father-son relationship I had experienced with my father Greg, and he in turn with grandfather Ernest. I could undo the damage and stop this old pain. I promised it to my son at his birth, and, still, I never forgot I’m a Hemingway.

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INTERVISTA A GIACOMO DE LEIDI

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LA PRATICA RENDE PERFETTI PRACTICE MAKES PERFECT di/by MATTEO MACUGLIA

Giacomo De Leidi - classe 1992 - balla da sempre; ha cominciato a farlo davanti alla tv, imitando i ballerini dei video musicali, poi a 6 anni è cominciato il percorso che lo ha portato, giovanissimo, all’estero, prima in Estonia, oggi in Repubblica Ceca, passando per Israele. Dietro i suoi movimenti delicati e decisi, anni di duro lavoro, fatica, dolore, sopportati grazie a una passione senza mezzi termini.

Giacomo De Leidi - born in 1992 – always danced; he started dancing in front of his TV, he imitated the dancers he saw in music videos. Then, when he was six, the journey that brought him abroad began. First in Estonia, today in the Czech Republic, passing by Israel.

Behind his delicate and decisive movements, there are years of work, struggles, pain. But he made it thanks to his passion.

Partito da Udine, oggi ti trovi a lavorare per il balletto nazionale ceco, ci racconti come ci sei arrivato?

Il mio percorso inizia a Tarcento dove cominciai a ballare all’età di sei anni. Successivamente mi sono trasferito a Udine con la mia famiglia dove continuai lo studio della danza fino ad arrivare ad essere ammesso alla scuola di ballo del teatro alla Scala a 14 anni. Dopo essermi diplomato come ballerino professionista, e dopo una breve esperienza lavorativa in Italia, approdo prima a Tallinn, poi a Tel Aviv e infine a Praga. Ho scelto di spostarmi in Repubblica Ceca perché conoscevo già la compagnia di balletto e perché sentivo l’esigenza di rientrare in Europa dopo aver trascorso tre anni in Israele.

A 14 anni ti sei trasferito a Milano per studiare all’Accademia della Scala, com’è stato quel periodo tra scuola e danza?

Non nascondo che il mio percorso milanese non è stato facile, ma anche molto gratificante e fondamentale per la mia formazione artistica. Senza una preparazione come quella che ho avuto, non avrei certo potuto fare di quest’arte il mio mestiere.

E da un punto di vista degli allenamenti? A quell’età non dev’essere stato facile.

All’Inizio è molto dura, soprattutto psicologicamente. L’Accademia è anche una scuola di vita: ti insegnano a essere forte e a non farti abbattere facilmente. Ti preparano per la carriera da professionista.

Hai mai pensato di mollare, di percorrere un’altra strada?

Ho pensato di mollare solamente durante i primi mesi milanesi: ero un ragazzino di 14 anni da solo in una grande città dove non

You started in Udine and today you work for the Czech national ballet. How did you make it?

My journey starts in Tarcento where I started dancing when I was six. I then moved to Udine with my family and I continued dancing until, when I was 14, I was admitted in La Scala’s dance school.

After I graduated as a professional ballet dancer, and after I briefly worked in Italy, I went to Tallinn, Tel Aviv and then Prague. I decided to move to the Czech Republic because I knew their ballet company and because I wanted to come back to Europe after three years abroad.

So, when you were 14, you moved to Milan to study at the Accademia della Scala, how did you live those years, between school and ballet?

I don’t deny that those years in Milan were difficult, but they were even very satisfying and paramount for my artistic training. Without it, I couldn’t have turned this art into my work.

And what about the training? You were very young and it surely wasn’t easy.

When you start, it’s very hard, especially from a psychological point of view. The Academy is also a school of life: they teach you to be strong and to not let yourself down. They prepare you for your professional career.

Did you ever want to quit, to change path?

I thought about quitting only during the first months in Milan: I was a kid, alone, in a big city, and I didn’t know anyone. And then there were the expectations and the competition, but my passion for ballet pushed me forward.

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MATTEO MACUGLIA

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In foto Giacomo De Leidi - Ph. Gennady Tashlitsky

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INTERVISTA A GIACOMO DE LEIDI

conoscevo nessuno. In più le aspettative e la competizione si facevano sentire, ma la vera passione per la danza mi ha sempre spinto ad andare avanti.

Ad ogni modo la fatica ha pagato perché da Milano ti sei ben presto spostato ancora…

Il segreto secondo me è non mollare mai, la tenacia e il duro lavoro ripagano sempre. Per me era fondamentale fare delle esperienze all’estero, quindi dopo il diploma sono subito partito.

Dopo l’Estonia ti sei spostato in Israele e quindi in Repubblica Ceca, cosa ci puoi dire di queste esperienze e della vita che hai vissuto in questi posti?

Lavorare per il balletto nazionale estone è stata un’esperienza unica: lì ho potuto ballare quasi tutti i titoli classici e fare l’esperienza di cui avevo bisogno. Andavo in scena tutte le settimane!

Successivamente ho sentito l’esigenza di cambiare, di sperimentare nuovi stili e mi sono trasferito a Tel Aviv dove con l’Israel ballet ho potuto esplorare maggiormente la danza contemporanea. Essendo una persona che ha bisogno spesso di nuovi stimoli, in tempi più recenti sono entrato a far parte del balletto nazionale ceco, dove ho la fortuna di prender parte ad una stagione teatrale molto variegata. In questo modo ho la possibilità di spaziare tra il classico e il contemporaneo, lavorando continuamente con coreografi diversi. Sono state tutte esperienze che mi hanno arricchito molto e se potessi tornare indietro le rifarei tutte.

Si racconta sempre, quando si parla dell’Italia, di un mondo della cultura in crisi, che non ce la fa, ma la tua esperienza sembra raccontare una storia diversa.

In realtà è vero: in Italia “farcela” nel mondo della cultura è molto difficile, il Paese non investe in questo settore quindi spesso le condizioni lavorative non sono ottimali. Non a caso vivo all’estero da 8 anni. L’Italia ha ottime scuole e tanto talento, ma purtroppo gran parte degli artisti si vedono costretti a spostarsi all’estero per vedere queste doti riconosciute.

Il luogo e il balletto che ti hanno emozionato di più nella tua carriera?

Il luogo che mi ha emozionato di più è stato il teatro alla Scala all’età di 14 anni: presi parte allo spettacolo Lo Schiaccianoci e lì capii che ero nel posto giusto al momento giusto, non me la dimenticherò mai quella sensazione. È stato il momento in cui ho capito che era quello che volevo fare nella vita. Recentemente ho potuto ballare in Gods and Dogs di Jiri Kylian, ed è una coreografia che porterò sempre nel cuore. ...e invece quelli che vorresti ancora fare?

Mi piacerebbe ballare Romeo e Giulietta, è uno dei pochi classici che non ho ancora ballato, e lavorare con la coreografa canadese Crystal Pite, un genio della danza contemporanea.

Well, your hard work has paid off and you quickly went away from Milan…

I think the secret is to never give up! Persistence and hard work always pay off. I needed to make my experiences abroad, and as soon as I graduated, I immediately left.

After Estonia, you went to Israel and then to the Czech Republic. What can you tell us about these experiences and about the life you lived in these places?

Working for the Estonian national ballet was amazing: I managed to dance all the classic titles and I gained the experience I needed. I went on stage every week! But then I felt I needed to change, to try new styles, and so I moved to Tel Aviv where, with the Israel ballet, I explored contemporary dance. I’m a person who often needs new stimuli, so I recently became part of the Czech national ballet and I’m lucky enough to take part to a very diverse theatre season. I can choose between classic and contemporary dance, and I constantly work with different choreographers.

These experiences taught me a lot and if I could turn back time, I’d do it again.

When we talk about Italy, we always talk about the crisis of the world of culture as if it couldn’t make it. But your experiences tell a different story.

Actually, it’s very true: in Italy you can’t make it, or it’s very hard to do so. Italy doesn’t invest in culture and the working conditions aren’t the best. And this is why I’ve lived abroad for eight years.

Italy has great school and lots of talents, but unfortunately many artists have to go abroad to see their talents and skills recognized.

What’s the place and the ballet that you liked the most during your career?

They place that excited me the most was La Scala when I was fourteen: I took part to Lo Schiaccianoci and in that moment I knew I was in right place at the right time. I’ll never forget that feeling. In that moment I knew this was what I wanted to do. Recently I danced in Jiri Kylian’s Gods and Dogs and it’s a choreography that will always be close to my heart. …and the ones you would like to dance?

I’d love to dance Romeo and Juliet, it’s one of the few classics I haven’t danced yet. And I’d like to work with Canadian choreographer Crystal Pite: she’s a contemporary dance genius.

At what point of your career do you think you are? Which goals do you want to achieve?

I don’t know exactly at what point I am, I just know that I’m happy of working in this ballet company. In the future, I’d like to be promoted, it’s the recognition for all the work I’ve done. At the moment, I’m a dancer in the corpes de ballet, but I hope I’ll become a solo dancer.

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MATTEO MACUGLIA

A che punto della tua carriera pensi di trovarti? Quali traguardi intendi raggiungere?

Non saprei dire a che punto della mia carriera io sia, so solo che sono soddisfatto dalla compagnia in cui lavoro attualmente.

Non nascondo che, in un futuro, spero in una promozione, come riconoscimento del lavoro svolto. In questo momento faccio parte dei ballerini del corpo di ballo, spero di riuscire ad arrivare a essere un ballerino solista.

Quale credi che sia il futuro del settore nel quale lavori? Tradizione o innovazione?

Il futuro della danza è già chiaramente visibile: accessibile a tutti, anche via streaming, causa pandemia, non solo per un pubblico di nicchia. Sicuramente innovazione, con tantissimi nuovi coreografi che hanno stravolto il concetto di danza. Bisogna far passare il messaggio che anche la danza è qualcosa di indispensabile. Potreste immaginare una vita, magari in quarantena, senza arte? Senza poter leggere un libro, vedere un film o uno spettacolo alla tv?

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What do you think the future of ballet will be like? Tradition or innovation?

Dance’s future is clear: accessible to all, even on streaming (due to the pandemic), and not just for a niche audience. We’re surely talking about innovation, with many choreographers that have completely changed the meaning of dance and ballet. We must convey the message that dance is essential. Could you ever imagine your whole life, maybe in lockdown, without art? No books, no movies, no TV shows?

Do you ever think of coming back to Italy?

Yes, I do but it won’t happen soon. I want to live abroad until I quit dancing. But never say never. After all, life’s about what happens to you while you’re making other plans.

Pensi mai al rientro in Italia?

Penso a un rientro in Italia ma non in un futuro imminente, conto di continuare a vivere all’estero almeno fino a quando smetterò di ballare. Poi mai dire mai nella vita. Dopotutto la vita è ciò che ti accade mentre sei intento a fare altri piani.

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INTERVISTA A OMBRETTA DAL ZIN

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TRA LIBERTÀ E BELLEZZA: ARREDARE UNO SPAZIO ESTERNO FREEDOM AND BEAUTY: FURNISHING AN OUTDOOR SPACE a cura di/edited by L’AMBIENTE

Con l’arrivo della stagione primaverile si respira la necessità di vivere gli spazi abitativi esterni alla casa. Tutto ciò è risultato ancora più evidente con il presentarsi dell’evento pandemico, in seguito al quale abbiamo riscoperto le nostre case e ripensato a come vivere outdoor. Creare uno spazio di relax oppure di convivialità è importante, ma lo è ancor di più arredare l’esterno in modo tale che rispecchi l’identità di ognuno di noi. Le emozioni da soddisfare sono quindi due: il senso di libertà e quello estetico, oppure, più semplicemente, la bellezza di vivere.

Per capire meglio quali sono le tendenze nell’arredo di uno spazio esterno, ci siamo affidati ad Ombretta Dal Zin, imprenditrice con una trentennale esperienza nel mondo del design e co-founder del Gruppo L’Ambiente, realtà di riferimento per l’Italia e per l’Estero, sia che si tratti di soluzioni per la casa, che per il mondo dell’hospitality. Questa realtà può contare ben 3 aziende tra L’Ambiente, Floormix e Archimede; 7 punti vendita; 1 unità produttiva; 150 Top Brand Partners; 2 Divisioni Estero e poco meno di 60 collaboratori.

With the coming of the spring season comes the need to experience the living spaces outside our homes. The pandemic has made this need more evident since we all had to rediscover our homes and rethink our ways of living outdoor. Creating a In foto Ombretta Dal Zin space for relaxation or for conviviality is important, but it’s even more important to furnish the outside in a way that reflects the each of us’ identity. The must satisfy two different emotions: the sense of freedom and the aesthetics, or, more simply, the beauty of living.

To better understand what the trends are in the furnishing of an outdoor space, we have relied on Ombretta Dal Zin, an entrepreneur with thirty years experience in the world of design, and co-founder of Gruppo L’Ambiente, a leading company in Italy and abroad, both for home and hospitality solutions. L’Ambiente can count on 3 companies including L’Ambiente, Floormix and Archimede; 7 stores; 1 production unit; 150 Top Brand Partners; 2 Foreign Divisions and nearly 60 employees.

Come sei entrata nel mondo del design? È stata l’opportunità giusta al momento giusto.

Nel ’90, a vent’anni e da poco diplomata, Marco Astolfo mi ha proposto di fondare con lui L’Ambiente, per cui ho colto al volo l’occasione ed abbiamo cominciato così la nostra avventura, spinta da una grande voglia di indipendenza ed affermazione. È stata quindi una scelta più d’istinto, che di ragione. Ciò che più mi ha attirata è stato proprio il fatto che il design rappresentasse un mondo nuovo, diverso dal solito, da esplorare. Un’occasione per approcciarsi al commercio in un modo diverso. Il design, per me, ha rappresentato una sfida sotto molti aspetti.

How did you get in the world of design?

I caught the right chance at the right moment.

In 1990, I was twenty years old and I just graduated. Marco Astolfo asked me to found with him L’Ambiente, and so I took this opportunity and I started this adventure driven by a great desire for independence and affirmation. It was therefore a choice more of instinct than of reason. What attracted me the most was the fact that design represented a new world, different from the usual, that I could explore. It was an opportunity to approach business in a different way. Design, for me, has been a challenge in many different ways.

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L’AMBIENTE

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Ho sempre avuto una passione per l’arte e l’estetica e l’obbiettivo di portare questi aspetti nelle abitazioni delle persone è stato uno stimolo importante nella scelta.

I’ve always had a passion for art and aesthetics. The idea of bringing these elements into people’s homes was very important when it came to my choice.

In 30 anni, come sono cambiate le cose sia all’interno del gruppo che per te?

Nel corso degli anni molto è cambiato. L’Ambiente è nato con un negozio, mentre oggi si sviluppa in una realtà articolata e complessa che, oltre al resto, comprende un’unità produttiva (Archimede), uno show room dedicato al contract e la società con Floormix, azienda nel commercio di elementi per edilizia e sanitari, offrendo al cliente un servizio davvero completo, che si tratti di un’abitazione privata oppure una struttura dedicata all’ospitalità.

In questi anni è cambiata anche la vendita: i nostri collaboratori non sono dei semplici venditori, ma dei consulenti d’arredo.

Non ci limitiamo alla vendita del mobile, ma progettiamo lo spazio abitativo a partire dai materiali di rivestimento, fino allo studio illuminotecnico ed alla progettazione degli interni.

Per me la crescita professionale c’è stata e continua ad esserci.

All’inizio non è stato affatto semplice dato che il settore del mobile è un mondo prevalentemente maschile, all’interno del quale le relazioni commerciali sono gestite da uomini. La determinazione e il perseguimento degli obiettivi mi hanno permesso di emergere ed è grazie a questa forza che oggi posso affermare che ho esperienza sia nella consulenza per l’arredo sia nella pianificazione aziendale economica e finanziaria.

How have things changed, both within the group and for you, in these last 30 years?

A lot has changed over the years. L’Ambiente started with a store, but today it’s a complex and articulated reality: in addition to the rest, it includes a production unit (Archimede), a showroom dedicated to contracting and the company with Floormix, a company trading in building elements and sanitary ware. We offer customers a complete service, whether it’s a private home or a facility dedicated to hospitality.

In recent years, sales have also changed: our collaborators are not just salespeople: they’re furnishing consultants. We don’t manage just the sale of furniture, we design the living space starting from the covering materials, up to the lighting study and the interior design.

For me, there has been, and continues to be, professional growth.

At first, it wasn’t easy beacuse the furniture industry is a predominantly male world and all business relationships are managed by men. Determination and the pursuit of objectives allowed me to emerge and it’s thanks to this strength if today I can say that I have experience both in furniture consulting and in economic and financial business planning.

Parli di Gruppo, ma cosa significa sviluppare una realtà imprenditoriale come la vostra?

L’Ambiente è una realtà sempre in evoluzione: la crescita è graduale, ma molto rapida.

Abbiamo avuto una buona espansione territoriale in Italia ed creato degli avamposti all’estero per ottenere una territorialità più estesa. Così facendo, è possibile sopperire alle difficoltà e diversificare i rischi. Più presenza corrisponde a più fiducia, la quale determina un maggior numero di rapporti.

Puntiamo molto sull’aspetto consulenziale. Quando siamo partiti eravamo solo dei punti vendita di arredo: oggi invece siamo un gruppo in grado di seguire segmenti di clientela diversificata, tramite un’offerta completa di servizi che spaziano dall’ideazione, passano per la progettazione ed arrivano fino realizzazione degli spazi abitativi. Le persone hanno riconosciuto la nostra professionalità e, con molte di loro, abbiamo stabilito dei rapporti di fiducia profondi.

Qual è la tua definizione di design?

Secondo la mia idea, il design è una forma di rappresentazione delle emozioni umane, rappresenta ciò che siamo: è soggettività allo stato puro. Tendiamo verso alcuni prodotti piuttosto che altri perché essi ci rappresentano e non necessariamente perché sono di gradimento comune. Questa è la filosofia che adottiamo anche con i nostri clienti.

You talk about the Group, but what does it mean to develop a business like yours?

Ambiente is a constantly evolving reality: growth is gradual but very quick.

We’ve expanded in Italy and we created some foreign outposts in order to achieve a greater area coverage. In this way, we can overcome difficulties and diversify risks. More coverage means more trust, which leads to more relationships.

We put a lot of emphasis on consulting. When we started out, we were just a furniture store. Today, however, we are a group that is able to serve diversified customer segments through a complete range of services that go from conception to design and up to the realization of living spaces. People have recognized our professionalism and, with many of them, we’ve established deep relationships of trust.

What is your definition of design?

According to my idea, design is a form of representation of human emotions. It represents what we are: it’s pure subjectivity.

We tend towards some products rather than others because they represent us and not just because we like them. This is the philosophy we also use with our clients.

Designing means looking carefully at the whole complex world that revolves around the realization of the idea, and the designer is the professional who guides it through all its evolutionary stages and that coordinates all the professionals needed to execute it in the best possible way.

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INTERVISTA A OMBRETTA DAL ZIN

Fare design significa avere uno sguardo attento a tutto il complesso mondo che ruota intorno alla realizzazione dell’idea ed il designer è il professionista che l’accompagna in tutte le sue fasi evolutive, coordinando le varie figure professionali necessarie per realizzarla nel migliore dei modi.

Oltre al design, che è anche la tua dimensione lavorativa, quali sono le altre tue passioni?

Amo tutto quello che ha a che fare con la natura e con la libertà.

In particolar modo amo la vela. Essa per me costituisce una vera e propria sfida con il cosmo o, forse, con me stessa. Questo sport mi permette di vivere la natura in libertà. L’acqua è per me un elemento naturale: più il mare è agitato, più si entra nell’onda e più mi unisco a questo elemento. Mi permette di conoscermi meglio, aumentare la mia autostima e ritrovare il sorriso.

La vela è un altro modo per entrare in relazione con l’ambiente, un altro modo per sentirsi liberi: è pace assoluta. Questo approccio ad un elemento indomabile mi ha permesso di vincere anche un’altra sfida raggiungendo l’obiettivo di diventare comandante abilitata a portare barche a vela o a motore oltre le 12 miglia.

Parliamo di arredare gli ambienti esterni. Cosa significa per te?

Se ci pensate è quasi come avere la possibilità di apportare dei dettagli all’interno di un affresco che ha come soggetto un paesaggio naturale. Mi vengono in mente i pittori impressionisti che, in tante loro rappresentazioni, attraverso giochi di pigmenti, rendevano vitali e sognanti gli ambienti en plein air.

Ogni tanto mi immagino così, dove alla maestria dei grandi interpreti, sostituisco la possibilità di creare composizioni d’arredo per l’esterno.

L’evento pandemico che ci sta colpendo da oltre un anno ha sensibilizzato molte persone verso il mondo outdoor. Essere privati della libertà di movimento e costretti a rimanere chiusi nelle proprie abitazioni ha permesso una rivisitazione dell’esterno ricercandone la bellezza e godendone degli spazi in modo piacevole.

Bisogna per forza avere spazi esterni grandi per pensare a come arredarli?

Assolutamente no. A mio avviso vale la stessa regola che si utilizza nell’ambiente interno: conoscersi e ricreare uno spazio in grado di farci star bene. Forse la cosa più difficile da fare è quello di mettersi in ascolto con se stessi, scegliere tra uno spazio più orientato al relax o alla convivialità, ed arredarlo in modo che tutto possa regalarci piccoli momenti di felicità in libertà.

Ci fai qualche esempio di arredo da esterni che proponete voi come Gruppo l’Ambiente?

Se penso al senso di libertà legato al vivere uno spazio aperto, aggiungendo ad esso il comfort e la ricerca estetica, queste sono le caratteristiche distintive dei prodotti B&B Italia Outdoor.

Besides design, which is also your working dimension, what are your other passions?

I love everything that has to do with nature and freedom.

I especially love sailing. It’s a real challenge with the cosmos or, perhaps, with myself. This sport allows me to freely experience nature. Water is my natural element: the wilder the sea is, the more I get into the waves and the more I connect with this element. It allows me to get to know myself better, increase my self-esteem and smile.

Sailing is another way to relate to the environment, it’s another way to feel free: it’s absolute peace. This attitude towards an untameable element has also allowed me to overcome another challenge and I became a captain. I’m qualified to take sailing or motor boats beyond 12 miles.

Let’s talk about decorating the outdoors. What does this mean to you?

If you think about it, it’s almost like being able to add details to a fresco of a natural landscape. It reminds me of the impressionist painters who, through the use of pigments in so many of their representations, made open air environments vital and dreamy.

Every now and then I imagine myself in this way: I replace the mastery of those great artists with the creation of outdoor furniture compositions.

The pandemic that has been affecting us for over a year has made people more aware of the outdoor world. We were robbed of our freedom of movement and forced to stay closed in our homes and this has allowed to review outside spaces. We look for beauty and we want to enjoy space in a pleasant way.

Must outdoor spaces be large to think about how to furnish them?

Absolutely not. In my opinion, the same rule of interior design applies to outdoors spaces as well: we must know ourselves and create a space that makes us feel good. Perhaps the most difficult thing to do is to listen to ourselves and choose a space that’s suited to relaxation or conviviality, and the to furnish it in a way that will make us feel happy.

Can you give us some examples of outdoor furniture that you offer as Gruppo l’Ambiente?

The sense of freedom associated to living in an open space, comfort and aesthetic research are the distinctive features of B&B Italia Outdoor products. Objects that can inspire you, but that can also be functional. Form and substance that convey emotions. Like the Canasta sofas, the Crinoline chairs or Ayana, the outdoor collection by Naoto Fukasawa, which, among other things, has won the prestigious Wallpaper* Design Awards 2021 in the “Best Outdoor Entertaining” category.

Is color important in the outdoors?

Furnishing an outdoor space is like having the opportunity to color a drawing about nature. So, when I think of art and colors, I

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Oggetti in grado non solo di ispirare, ma di essere funzionali al loro utilizzo. Forma e sostanza, che trasferiscono emozioni.

Come i divani Canasta, le sedute Crinoline o Ayana, la collezione da esterno di Naoto Fukasawa, che tra l’altro è stata insignita del prestigioso premio Wallpaper* Design Awards 2021 per la categoria “Best Outdoor Entertaining”.

Il colore è importante nell’outdoor?

Arredare uno spazio esterno è come avere la possibilità di colorare un disegno di natura viva. Perciò se penso all’arte e ai colori non posso che ricondurre il tutto a colei che interpreta a meraviglia tutto ciò: Paola Lenti. La collezione Frei con i pannelli di bambù utilizzati per la struttura e i cuscini dall’imbottitura completamente naturale e disponibili sia in lino sia in canapa, sono quella pennellata artistica che hanno a disposizione solo i grand. Sulla stessa linea la collezione Hiro, la quale prevede anche una chaise longue capace di dare pienezza a una composizione che è già di per sé un’opera d’arte.

E quanta immaginazione deve esserci nell’arredare spazi esterni?

Arredare spazi esterni significa soprattutto avere una buona dose di immaginazione e da questo punto di vista Gervasoni Outdoor è l’interlocutore dalle molteplici risposte. Suggestioni esotiche si alternano a elementi di sofisticata essenzialità. Soluzioni differenti in grado di far emergere l’anima di un ambiente nel quale rispecchiarsi. Come le collezioni InOut42, InOut49 o InOut143, solo per citarne alcune, in grado di dare una personalità importante alla nostra composizione artistica dedicata all’esterno.

E un pezzo iconico per l’outdoor?

Ci sono aziende che trattiamo che hanno fatto dell’arredo per l’esterno una filosofia di vita, una ricerca terapeutica legata all’outdoor. Una di queste è Varaschin. Le poltroncine della collezione Emma Cross, sono la ciliegina sulla torta di una straordinaria opera d’arte. Quell’intreccio in tessuto che prende ispirazione dalla corolla di un fiore non è solo il gesto creativo di una talentuosa designer come Monica Armani, ma il segno tangibile di una sensibilità estetica capace di dare un tocco di originalità complementare all’ambiente naturale.

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also think about the woman who wonderfully expresses all of this: Paola Lenti. The Frei collection, with the bamboo panels used for the structure and the cushions made with natural padding - available in both linen and hemp -, is that artistic brushstroke that only the grands have. In the same vein is the Hiro collection, which also includes a chaise longue that gives fullness to a composition that’s already a work of art.

And do you need imagination in order to furnish an outdoor space?

Furnishing outdoor spaces means, above all, to have a good amount of imagination. From this point of view, Gervasoni Outdoor is a company that’s able to offer their customers different interesting solutions. Exotic suggestions are combined with essential and sophisticated elements. Their solutions bring out the soul of an environment and they reflect the customers’ identity.

Like the InOut42, InOut49 or InOut143 collections, just to name a few: they provide an important signature to an outdoor artistic composition.

What about an iconic outdoor piece?

There are companies we deal with that have turned outdoor furniture into a philosophy and a therapeutic research. One of these is Varaschin. The small armchairs of the Emma Cross collection are the icing on the cake of an extraordinary work of art. That weave of fabric that takes inspiration from the corolla of a flower is not the creative effort of a talented designer like Monica Armani and it’s the tangible sign of an aesthetic sensitivity that gives a touch of originality to all natural environments.

Before we finish, what’s your secret for furnishing an outdoor space?

Furnishing an outdoor space means finding a way to reconnect with yourself. To experience the beauty of nature. The freedom to get in tune with it. A bit like what happens to me when I go out sailing.

Prima di concludere, qual è la tua ricetta segreta per arredare uno spazio esterno?

Arredare uno spazio esterno per me significa trovare una modalità per riconnettersi con se stessi. Far rivivere quello stupore dato da una bellezza chiamata natura. La libertà di entrare in sintonia con essa. Un po’ quello che mi accade quando esco in barca a vela.

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Ayana di B&B Italia

Canasta di B&B Italia Genius People Magazine

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Soluzioni outdoor di Gervasoni

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Soluzione outdoor di Varaschin Genius People Magazine

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Soluzione outdoor di Varaschin Genius People Magazine

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Frei Shibui di Paola Lenti

Hiro chaiselongue di Paola Lenti Genius People Magazine

#TheCassinaPerspective 8 sofa designed by Piero Lissoni Lady armchair designed by Marco Zanuso Mexique table designed by Charlotte Perriand cassina.com

www.lambiente.it

MOTTA DI LIVENZA (TV) Via Pordenone, 27 T. (+39) 0442 863 768 info@lambiente.it

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BUSCHE DI CESIOMAGGIORE (BL) Via Nazionale, 13 T. (+39) 0439 390 232 feltre@lambiente.it

INTERVISTA A OMAR MONESTIER

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26 UN MONDO SEMPRE PIÙ ONLINE MA LA CARTA RESISTERÀ Giornali, web e social media secondo Omar Monestier THE WORLD’S ONLINE BUT PAPER WILL SURVIVE Newspapers, internet and social media according to Omar Monestier di/by FRANCESCA GATTI

Classe 1964, originario di Belluno, Omar Monestier dirige dall’inizio di quest’anno due quotidiani del Gruppo Gedi: oltre al Messaggero Veneto, di cui è direttore dal 2016 e prima ancora dal 2012 al 2014, anche Il Piccolo di Trieste.

Una lunga e veloce carriera nel mondo dei quotidiani che negli ultimi quindici anni lo ha portato a dirigere anche il Mattino di Padova, il Corriere delle Alpi e Il Tirreno.

Omar Monestier was born in 1964 in Belluno. From this year he runs two Gruppo Gedi’s newspapers: the Messaggero Veneto, of which he’s editor since 2016, and before that from 2012 to 2014, and Trieste’s Il Piccolo.

In the last fifteen years, his long and fast career in todayis business led him to Padua’s Il Mattino, Il Corriere delle Alpi and Il Tirreno.

Partiamo dal presente: la doppia direzione.

Ormai è prassi nel mondo dell’editoria che un direttore diriga più testate. I quotidiani locali spesso coprono aree geografiche talmente variegate che di fatto ogni edizione territoriale della stessa testata rappresenta un giornale a sé. Un esempio su tutti: Il Tirreno che ho diretto per circa 2 anni e che racconta la Toscana da Livorno a Grosseto a Prato. Ogni città è un mondo completamente diverso. È sempre la qualità dei contenuti a fare la differenza.

Let’s start from the present: your dual directorship.

Today, in the newspaper business, editors often run different publications. Local newspapers cover a variety of geographical areas and each publishing is to be perceived as its own thing. I’ll give you an example: I ran Il Tirreno for two years and that newspaper covers all Tuscany, from Leghorn to Grosseto and Prato.

Every city is a different world. And contents make the difference.

Come è cambiato il lavoro?

Di fatto l’impegno è raddoppiato, mi appassiona, è molto stimolante. Unire la direzione dei due giornali era una scelta ormai necessaria, ma che non è mai stata fatta per una presunta inconciliabilità dei territori. Le testate sono diversissime per geografia e vissuto storico, hanno però molti punti di contatto, l’editore è lo stesso e in più posso contare su due condirettori profondamente radicati sui rispettivi territori: Roberta Giani al Piccolo e Paolo Mosanghini al Messaggero Veneto. Garantiscono

How did your job change?

Now I push it doubly hard. I’m passionate about my job and I find it stimulating. These two newspapers had to be joined but no one did it for a long time because of their either/or territorial dichotomy. They’re very different from a geographical and historic point of view but they do have laision points: they have the same editor and I have the help of Roberta Giani in Il Piccolo and of Paolo Mosanghini in Il Messaggero Veneto, they’re my two co-directors and they’re both rooted in the area. They ensure depth in each newspaper’s work and fruitful relations on common themes. The editorial offices stay separate, but we have

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In foto Omar Monestier

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INTERVISTA A OMAR MONESTIER

profondità nel lavoro svolto da ciascuna testate e relazioni proficue sui temi comuni. Le redazioni restano distinte, da subito abbiamo, però, rimescolato le carte sui due siti web che adesso sono permeabili.

Messaggero Veneto e Il Piccolo. Udine-Pordenone e TriesteGorizia-Monfalcone. Stessa regione ma città completamente diverse per storia, geografia, mondi di riferimento.

Non sono due mondi così inconciliabili, anzi, perché la linea di fondo del lavoro è vigilare sui contenuti. Fare un buon giornalismo sul territorio nel rispetto dei lettori è un valore più forte delle distinzioni geografiche.

Il Friuli e l’area giuliana sono molto diversi, ma hanno un’unità amministrativa regionale forte che li avvicina. Sono rimasto impressionato dal numero di friulani che vivono e lavorano a Trieste e da quanti interessi triestini ci siano in Friuli. Mi danno del friulano a Trieste e del triestino a Udine. Questo mi diverte perché non sono nessuna delle due cose: quando sei direttore l’appartenenza geografica non conta. Le separazioni territoriali spesso sono muri costruiti proprio dai giornali, non dai lettori e con la crescita esponenziale dell’informazione online, le barriere cadono ancora più facilmente.

Carta stampata e digitale. Genius ha fatto il percorso inverso: è partito dal web per diventare un periodico cartaceo. Qual è il futuro dell’informazione su carta?

L’informazione tradizionale, la cronaca in particolare, è molto soggetta alle trasformazioni digitali e al supporto con cui viene veicolata: basti pensare che ormai il primo mezzo attraverso cui ci si leggono le notizie è il telefonino.

Questo, però, non significa la fine del cartaceo che resta importante per giornali di lunga storia come Il Piccolo o per quelli che si mantengono forti in edicola come il Messaggero Veneto.

Non credo nella teoria della scomparsa della carta. Chi ha fatto previsioni in tal senso le ha sbagliate, come quella sulla fine dei libri stampati che non è mai avvenuta.

Il quotidiano cartaceo rimarrà, si ridurrà in dimensione e costerà di più, lasciando sempre di più la cronaca in senso stretto all’online e diventando invece strumento di approfondimento e riflessione o di divertimento.

Diverso lo scenario per i periodici come Genius: un prodotto con contenuti di qualità, stampato bene e con cura nella scelta delle foto è ancora ricercato sia dalle aziende che investono in pubblicità sia dai lettori di livello alto. La vostra testata offre una impaginazione che genera sensazioni tattili e olfattive che a me piacciono molto. Non le ho trovate nell’edizione digitale.

Cosa rende competitivi nel mondo dell’informazione?

Prima di tutto affidabilità e attendibilità. Sono da sempre valori fondamentali per chi fa il nostro lavoro, spesso disattesi per ottenere il titolo ad effetto, le presunte esclusive o un alto numero di click.

immediately mixed things on the two websites, which are now permeable.

Messaggero Veneto and Il Piccolo. Udine-Pordenone and Trieste-Gorizia-Monfalcone. The region is the same but the cities are completely different in terms of history, geography and worlds of reference.

These two worlds aren’t mutually exclusive. On the contrary: the bottom line of our work is to watch over the contents. Doing good journalism on the territory while respecting the readers is a stronger value than geographical distinctions.

Friuli and the Julian area are very different, but they have a strong regional administrative unity that brings them closer together. I’ve been surprised by the number of Friulians living and working in Trieste and by how much Triestine interest there’s in Friuli. I get called a Friulian in Trieste and a Triestine in Udine. This amuses me because I am neither: when you are a director, geographic belonging doesn’t count. Territorial separations are often walls built by newspapers and not by readers. And with the exponential growth of online information, barriers fall even more easily.

Printed paper and digital information. Genius has done the opposite: it started from the internet to become a printed magazine. What is the future of information on paper?

Traditional information, and news in particular, is very much subject to digital transformations and to the medium through which it is conveyed: suffice it to say that by now the first medium through which news are read are cell phones.

This, however, does not mean paper’s over. It’s still important for newspapers with a long history, such as Il Piccolo, or for those that are still strong on newsstands, such as Messaggero Veneto.

I don’t believe in the disappearance of paper. Those who have made these predictions were wrong. They said the same about printed books, but it never happened.

Printed newspapers will survive, but they will shrink in size and cost more. They’ll leave more and more news to the online world and they’ll become a tool for in-depth analysis and reflection, or for entertainment.

The scenario for periodicals such as Genius is different: a product with quality content, well printed and with considered choices for photos is still sought after both by companies that invest in advertising and by high-end readers. Your layout generates tactile and olfactory sensations and I really like them. You don’t find them in a digital edition.

What makes you competitive in the world of information?

First of all, reliability and trustworthiness. These have always been fundamental values for those who do our work, but they are often disregarded in order to obtain a headline, an exclusive or a high number of clicks.

Instead, first of all, we must be reliable: the pandemic has contributed to consolidate the fundamental need to respect the pact with our readers.

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Invece si deve essere prima di tutto totalmente affidabili: la pandemia ha contribuito a consolidare questa necessità fondamentale per rispettare il patto con i propri lettori.

Poi c’è anche il fattore della sostenibilità economica. Una volta questo aspetto non era fondamentale perché i grandi editori erano imprenditori i cui interessi economici erano rivolti altrove. L’informazione li aiutava ad accreditarsi negli ambienti finanziari e istituzionali.

Oggi, invece, i giornali sono sempre più anche imprese con una vera gestione manageriale, grande attenzione alla razionalizzazione dei costi e costante spinta verso innovazione e capacità di investimento.

Il Gruppo Gedi, per esempio, sta investendo per rifondare la propria infrastruttura digitale e avvicinare nuovi lettori alle testate rendendo sempre più coinvolgente l’esperienza di lettura online.

L’informazione online va pagata?

Sì. Ci sono molti modi per farlo, non c’è solo l’abbonamento.

Non si possono più regalare contenuti ai social. Le piattaforme hanno distrutto il valore dell’informazione mettendola sullo stesso piano di un post scritto dal primo urlatore che passa e lasciando percepire all’opinione pubblica che non c’è differenza tra l’informazione di una testata giornalistica e il commento di un propagatore di disinformazione o, peggio ancora, di un seminatore di fake news.

Come si combattono le fake news “dall’interno del sistema?”

Credo che la loro capacità offensiva finalmente stia calando: il lettore si pone domande, mentre i giornalisti stanno riprendendo in mano il focus della loro professione anche intesa come battaglia contro le bugie. Chi disprezza il sistema e l’informazione resterà della propria idea (come i complottisti, i negazionisti, i no mask, ecc.). Ho fiducia, però. La realtà prima o poi irrompe anche nella vita di chi non vuol sentire.

I grandi network come Google o Facebook stanno cominciando a riconoscere valore ai contenuti di qualità, ma è un percorso molto lento e appena abbozzato che richiederà tempo e, forse, l’impegno delle istituzioni.

Parliamo di social: cosa è cambiato per l’informazione?

I social sono una grande occasione di democrazia perché danno accesso all’informazione e al dibattito pubblico a milioni di persone. Il grande limite è che la visibilità dei contenuti è elaborata da algoritmi che filtrano le informazioni a seconda dell’utente fino a trasformarsi in qualcosa di molto diverso dalla democrazia. Un uso spregiudicato dei social può facilitare la manipolazione di massa. Succedeva anche prima, ma non con queste velocità e pervasività. È successo col referendum sulla Brexit, o con le intrusioni di Cina e Russia nelle elezioni statunitensi. Non è accettabile che società private abbiano un tale potere di condizionare l’opinione pubblica, a prescindere dal fatto che lo facciano volutamente o che siano usate da altri a loro insaputa: il sistema deve essere regolamentato.

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Then there’s also economic sustainability. Once, it wasn’t important because big publishers were entrepreneurs whose economic interests were directed elsewhere. Information helped them to gain credit in financial and institutional circles.

Today, newspapers are becoming businesses with a true managerial approach, with great attention to cost rationalization and a constant drive towards innovation and investment capacity.

The Gedi Group, for example, is investing in rebuilding its digital infrastructure and bringing new readers to its newspapers by making the online reading experience engaging.

Should online information be paid for?

Yes. There are many ways to do it, there’s not just subscriptions.

You can no longer just give content to social networks. These platforms have destroyed information’s value, putting it on the same level as a post written by screamers, and letting the public think that there’s no difference between newspapers’ information and the comments of a propagator of disinformation or, even worse, of fake news.

How do you fight fake news as an insider?

I think their offensive capacity is finally waning: readers ask questions, while journalists are taking back the focus of their profession as a battle against lies. Those who despise the system and information won’t change idea (like the conspiracists, the deniers, the no mask, etc.). I have faith, though. Sooner or later, reality just breaks into the lives of those who don’t want to hear.

The big networks such as Google or Facebook are beginning to recognize the value of quality content, but it’s a very slow and barely sketched out path that will take time and, perhaps, the commitment of institutions as well.

Let’s talk about social media: what has changed for information?

Social networks are a great opportunity for democracy because they give access to information and public debate to millions of people. Thier great limitation is that the visibility of content is processed by algorithms that filter information according to the user to the point of turning into something very different from democracy. An unscrupulous use of social can facilitate mass manipulation. It has happened before, but not with this speed and pervasiveness. It happened with the Brexit referendum, or with the intrusions of China and Russia into the US elections. Private companies mustn’t have the power to influence public opinion, regardless of whether they do it deliberately or are used by others without their knowledge: the system must be regulated.

Have social media also changed the relationship between editorial staff and readers?

Yes, both positively and negatively. Social platforms are an important vehicle for content: readers land on our site thanks to posts on Facebook, Instagram, Twitter, and people come closer to newspapers and to those who provide information, looking for

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INTERVISTA A OMAR MONESTIER

I social hanno cambiato anche il rapporto tra redazione e lettori?

Sì, in positivo e in negativo. Le piattaforme social sono un importante veicolo di contenuti: i lettori atterrano sul nostro sito grazie ai post di Facebook, Instagram, Twitter e i cittadini si avvicinano di più ai giornali e a chi fa informazione cercando interlocuzione, segnalando storie, chiedendo risposte. Il lato negativo è che spesso le persone usano i social e i siti dei giornali per deridere e insultare commentando notizie che nemmeno compaiono nell’articolo. Sovente riscontro il desiderio di esprimere rabbia e dissenso prima ancora di aver letto e compreso.

Oggi l’umanità ha la possibilità di essere più connessa che mai.

Molti di noi stanno sprecando questa occasione per tirare fuori il peggio.

E più nel personale invece, che rapporto ha un direttore con i canali social?

Ho sempre avuto profili su tutti i principali network e fino all’incarico della doppia direzione ero attivo nel posting e nella moderazione, adesso non ho abbastanza tempo per farlo. Non come vorrei, almeno.

In generale ritengo che giornalisti debbano avere un rapporto con i social. Ma devono essere consapevoli che attraverso il loro profilo personale vengono identificati con il giornale per cui lavorano e quindi debbono mantenere un atteggiamento prudente, toni appropriati e rispettosi nel dialogo, anche con chi li attacca.

dialogue, reporting stories, asking. The downside is that people often use social media and newspaper sites to mock and insult by commenting on news that don’t even appear in the article.

Many often want to express their anger and dissent before even reading and understanding.

Today humanity has the opportunity to be connected more than ever. Many of us are wasting this opportunity and bringing out the worst in each other.

And personally, instead, what relationship does a director have with social media?

I’ve always had profiles on all the major networks and until my dual director’s position I was active in posting and moderation.

Now I don’t have enough time to do that. Not as much as I’d like, at least.

In general I think journalists need to have a relationship with social. But they must be aware that through their personal profile they are identified with the newspaper they work for and therefore must maintain a prudent attitude, appropriate tones and a respectful dialogue, even with those who attack them.

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INTERVISTA A MICHELE ZANOLLA

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COME SI INVESTE IN TEMPO DI PANDEMIA? HOW DO YOU INVEST DURING THE PANDEMIC? di/by FEDERICO GRAZIANI

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ome si investe in tempo di pandemia? Diversificare e puntare su aziende con ottimi criteri di sostenibilità sono i due consigli principali che ci dà Michele Zanolla, consulente finanziario di grande esperienza che ci aiuta a interpretare gli scenari globali scaturiti dalla crisi che stiamo ancora vivendo: “Dopo la recessione del 2020, l’economia mondiale sta dando ottimi segnali di ripresa. Gli indicatori economici degli Stati Uniti, in particolare, sembrano aver invertito la rotta. Anche l’Europa si sta riprendendo, sebbene in modo più lento rispetto ai concorrenti”.

Ma facciamo un passo indietro. Entrato nel mondo della finanza poco più che ventenne, nel 1987, oggi Michele Zanolla è Senior Private Banker in FinecoBank. Sposato con Francesca e padre di due gemelli di sei anni, segue le dinamiche economico-finanziarie seguendo le stelle polari di un consulente finanziario: “Si tiene sempre aggiornato e si mette al fianco dell’investitore, comprendendo le sue esigenze e accompagnandolo nei momenti difficili, per evitare che ceda agli eccessi. Un buon consulente si riconosce soprattutto nei momenti di panico dei mercati, dal modo in cui tiene la barra dritta e impedisce al cliente di compiere gesti puramente emotivi, dettati dalla paura”.

How should you invest during the pandemic? Diversify and focus on companies with good sustainability criteria. These are the two main advices that the experienced financial advisor Michele Zanolla has given us. He’s here to help us interpret the worldwide scenarios that were created by the crisis we’re living in. “After 2020’s recession, world’ economy is recovering. Especially USA’s economic indicators are turning the tide. Europe’s also recovering, but it’s slower than its competitors”.

But let’s take a step back. Michele Zanolla entered the world of finance in his twenties. It was 1987. Today he’s Senior Private Banker in FinecoBank. He’s married to Francesca and he’s father to two six years old twins. He follows economical and financial dynamics with financial advisors’ maps: “We must always be informed and we have to be on the side of the investor. We need to understand the investor’s needs and we have to guide him trough difficult moments. We have to make sure investors don’t exceed.

You can recognize a good financial advisor when markets panic: he has to keep calm and has to keep investors from taking wrong and emotional decisions”.

La nostra prima domanda non poteva che essere sugli errori più grandi che vengono commessi da chi investe. Quali sono?

Ci sono molti errori grandi e purtroppo comuni. Alcuni sono di tipo psicologico comportamentale, come l’uscita dal mercato al primo accenno di panico. Altri riguardano il lato squisitamente tecnico, come il basso livello di diversificazione.

Our first question could only be about the biggest mistakes that are made by investors. What are they?

There are many common mistakes people make. Some of them are psychological and behavioral, for example when people panic and exit the market. Others are more technical, and this is the case of low levels of diversification.

Per i non addetti: cosa significa diversificazione e perché è importante?

La diversificazione è la strategia di costruzione di un portafoglio attraverso la quale si acquistano più attività per ridurre e controllare il rischio complessivo. Investire l’intero patrimonio o parte rilevante in un solo titolo, o in una sola asset class può rivelarsi molto rischioso. È importante cercare sempre la massima diversificazione per classi di investimento (azioni, obbligazioni, liquidità, ecc.), per Paese o area geografica, per settori (energia, utility, finanziari, ecc.), stile di investimento (ad

For those not familiar: what does diversification mean and why is to so important?

Diversification is a strategy for the construction of a portfolio. You buy different activities in order to reduce and to control risks. Investing your entire estate or a big part of it in one stock or in one asset class in very risky. It’s important to diversify in general investment classes (Energy, Utility, Financial, and so on), investment styles (grow or value) and in the time-frame. Even though diversification can’t assure you there’ll be no losses, it’s the best mean to reach long term financial goals. With today’s tools, big

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In foto Michele Zanolla

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esempio grow o value) e orizzonte temporale. Sebbene non garantisca in assoluto la possibilità di incorrere in perdite nel breve periodo, la diversificazione è la componente più importante per raggiungere obiettivi finanziari a lungo termine. Con gli strumenti oggi a disposizione, qualsiasi investitore, piccolo o grande che sia, ha la possibilità di diversificare il proprio portafoglio in modo semplice ed efficace.

and small investors have the opportunity to construct a portfolio in a simple and effective way.

A proposito, esiste un portafoglio di titoli adatto a tutte le esigenze?

No, è il portafoglio che deve adattarsi all’investitore e non viceversa. La strategia deve prendere in considerazione le esigenze professionali e le esigenze personali: il consulente finanziario le separa e infine le soddisfa predisponendo soluzioni distinte.

You have an EFPA certificate, a European qualification, and you won many prized as a top performer. How do financial advisors keep informed? How do you avoid missing market’s developments?

Each week we make quality controls on the financial tools we use for portfolios. We use softwares that are very precise and that give us an idea of their efficiency. And we also have a continued relationship with Italian an international investment houses and with analysts in order to understand and to create the best portfolios and to use the most efficient financial tools. In these moments we also discuss markets and their perspectives.

Lei è certificato EFPA, una qualifica europea, e ha ricevuto numerosi premi a livello di Top Performer. Come si mantiene aggiornato un consulente finanziario? Come fa a non perdersi gli sviluppi del mercato?

Tutte le settimane vengono fatti dei controlli qualitativi sugli strumenti finanziari che vengono utilizzati per la gestione dei portafogli, usando software che danno un’idea precisa della loro efficienza. Inoltre, c’è un continuo rapporto con le case di investimento, estere e italiane, e con vari analisti per capire come costruire i migliori portafogli e quali sono gli strumenti finanziari più efficienti. In queste occasioni ci si confronta anche sull’andamento dei mercati e sulle loro prospettive.

I mercati arrivano da oltre un anno di pandemia. Come stanno andando?

Dagli Stati Uniti i segnali di ripresa si stanno consolidando giorno dopo giorno, tanto che la Federal Reserve ha rivisto al rialzo le stime di crescita del Prodotto Interno Lordo a 6,5% per il 2021, al 3,3% e al 2,2% per 2022 e 2023. A risalire, però, sarà anche l’inflazione, che segnerà un +2,4% entro la fine dell’anno, secondo le stime aggiornate diffuse al termine del FOMC. Centrale il tema del tasso di disoccupazione previsto in calo al 4,5% quest’anno, per poi toccare il +3,9% nel 2022 e il +3,5% nel 2023. Le nuove previsioni sono la conseguenza dell’importante pacchetto di stimoli fiscali messo in campo dall’amministrazione Biden. Sul piatto ci sono interventi del valore pari a 1.900 miliardi di dollari, finalizzati a sostenere imprese e famiglie messe in difficoltà dalla pandemia, e un nuovo piano dedicato alle infrastrutture da 2.300 miliardi di dollari. La Cina, invece, è l’unico paese che nel 2020 è riuscito ad avere una crescita del PIL positiva a +2,3%, con una previsione per il 2021 del +8,1%. Per l’India addirittura si ipotizza un + 11,5% nel 2021.

Qual è la situazione in Europa?

L’Europa sconta importanti ritardi sul fronte della campagna di vaccinazioni che, in modo inevitabile, si riflettono anche sulla ripresa economica. Ritardi anche sul fronte Next Generation EU, con le risorse economiche destinate ad arrivare solo verso la fine

Is there a stock portfolio that meets all needs?

No, portfolios must suit the investor. The strategy must be based on professional and personal needs: financial advisors separates them and then meets them with different solutions.

After one year of pandemic how are the markets doing?

As I said, the USA is recovering and the Federal Reserve has revised upwards its estimates for the growth of Gross Domestic Product to 6.5% for 2021, 3.3% and 2.2% for 2022 and 2023.

Inflation, however, will also rise, reaching +2.4% by the end of the year, according to the updated estimates released at the end of the FOMC. The unemployment rate is expected to fall to 4.5% this year, before reaching +3.9% in 2022 and +3.5% in 2023. The new forecasts are the consequence of the important fiscal stimulus package put in place by the Biden administration.

On the plate there are interventions worth 1,900 billion dollars, aimed at supporting businesses and families in difficulty by the pandemic, and a new plan dedicated to infrastructure by 2,300 billion dollars. China, on the other hand, is the only country that in 2020 managed to have a positive GDP growth of +2.3%, with a forecast for 2021 of +8.1%. We predict India will be +11,5% in 2021.

What’s the situation in Europe?

Europe’s late on its vaccination campaign and inevitably this affects even its economic recovery. We’re also late on the Next Generation EU side, money will arrive only by the end of this year. the change in GDP is estimated at -7.2% (in Italy even worse, -9.2%) compared with -3.4% in the United States. For 2021 estimates are on the rise, but far from those of the States: Eurozone GDP will rise by 4% this year, then by 4.1% and 2.2% in 2022 and 2023. The rise in inflation in Europe could reach 2% in 2021, but is considered a temporary phenomenon by the ECB. Beyond the figures, which have changed often and significantly in recent months, there are still trends that see Europe (and Italy in particular) in difficulty compared with its main global competitors.

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del 2021. Questo comporta che il calo del 2020 sia stato maggiore nel Vecchio Continente: la variazione del Pil è valutata al -7,2% (in Italia ancora peggio, -9,2%) contro il -3,4% degli Stati Uniti. Per il 2021 le stime sono al rialzo, ma lontane da quelle degli States: il Pil dell’Eurozona segnerà un +4% nell’anno in corso, poi +4,1% e +2,2% nel 2022 e nel 2023. Il rialzo dell’inflazione in Europa potrebbe toccare il 2% nel 2021, ma è considerato dalla BCE un fenomeno passeggero. Al di là delle cifre, che in questi ultimi mesi sono cambiate spesso e in misura significativa, restano linee di tendenza che vedono l’Europa (e l’Italia soprattutto) in difficoltà rispetto i principali concorrenti globali.

Cosa occorre fare per sostenere la ripresa?

Vista l’eccezionale incertezza devono proseguire le politiche di sostegno che finora hanno ammortizzato l’impatto della crisi. Il recupero può essere compromesso da nuove ondate di infezioni, dalle varianti del Covid e dai ritardi nelle campagne di vaccinazione. Perciò c’è ancora bisogno di aiuti per famiglie e imprese dove il virus è ancora attivo: bisogna garantire mezzi di sussistenza agli individui ed evitare il fallimento di aziende altrimenti in utile. Allo stesso modo, c’è ancora bisogno di politiche monetarie accomodanti per garantire stabilità finanziaria, facendo attenzione a contenere il rischio intrinseco ai bassissimi livelli dei tassi di interesse. Occorre, insomma, prepararsi ad affrontare l’aumento dei fallimenti che si verificherà quando verranno ritirate le misure straordinarie adottate durante la pandemia.

Con le conseguenti difficoltà per sistemi bancari già fragili.

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What should we do to help recovering?

With all these uncertainties support policies must continue. They have cushion the crisis’ impact. Recovery can be compromised by new waves of infections, by Covid’s variations and by vaccination campaigns’ delays. We still need to help families and companies: means of support for people must be granted and we mustn’t let companies that would have been in profit go bankrupt. On the other side, we still need accommodating money policies in order to ensure financial stability. We must be prepared to face all the companies that will go bankrupt when we will stop all these extraordinary measures. And we must also be prepared to their consequences on banks.

You’ve spoken about a rise in inflation. What will be the consequences on investments?

In the last twelve months, markets have gone up and have touched their all-time high thanks to Central Banks’ liquid asset and to states’ financial policies. Financial market’s recovery is good news. The choice of a percentage that will be bound to these markets must be based on diversification. Bond markets deserve more attention and it’s time to develop a flexible strategy that must be based on duration management, and with low duration stocks in order to be protected by rate hike. I’d also advice the purchase of emerging countries’ government bonds.

Lei ha parlato di aumento dell’inflazione. Quali saranno i suoi effetti sugli investimenti?

La ripresa della crescita economica per i mercati finanziari azionari è una notizia positiva, anche se negli ultimi dodici mesi i mercati sono saliti molto, raggiungendo i massimi storici, grazie alla liquidità immessa nel sistema dalle Banche Centrali e grazie alle politiche fiscali dei vari governi. Nella scelta della percentuale da destinare a questi mercati, è molto importante ricordarsi sempre di diversificare gli investimenti. Serve, invece, più attenzione sui mercati obbligazionari, dove è il caso di iniziare a utilizzare una strategia flessibile, incentrata su una gestione attiva della duration, anche con investimenti in titoli con duration bassa che protegge dal rialzo dei tassi. Consiglierei anche l’acquisto di titoli governativi dei Paesi Emergenti.

What are the risks related to a duration that’s too high?

Duration is the average financial duration of the tools of the basket: it’s an important information because as it grows, prices get sensitive to yields’ changes. This is certainly not a problem that is being discovered today, because for years the average maturity of securities (and portfolios) has been getting longer and longer.

Therefore, the problem, in addition to high valuations and low (often even negative) rates of securities inherited from years of ultra-expansive monetary policies, also lies in the composition of indices and, therefore, also of bond portfolios. A similar combination - high duration and yields at minimums - represents a potentially explosive cocktail for savers. Hence the importance of aiming at diversification and selection of bonds, if we want to protect ourselves from the double attack brought by the viruses of low rates and increasingly long durations of securities. In the hope that this vaccine, valid for all seasons, will prove effective this time as well in immunizing bond portfolios.

Qual è il rischio di una duration troppo alta?

Ricordiamo intanto che la duration rappresenta la durata finanziaria media degli strumenti che compongono il paniere di riferimento: un dato importante perché, al di là dei tecnicismi, man mano che cresce si amplia anche la sensibilità del prezzo alla variazione dei rendimenti. Non è certo un problema che si scopre oggi, perché da anni la scadenza media dei titoli (e dei portafogli) si sta sempre più allungando. Dunque il problema, oltre alle valutazioni elevate e ai tassi ai minimi (spesso addirittura negativi) dei titoli ereditati da anni di politiche monetarie

During the 2020 pandemic, the attention on different ethical, environmentally conscious and sustainable ways of understanding investing has increased. What do you think about this?

There’s an increasing need for a medium-long term oriented investment strategy that, in the evaluation of companies and institutions, integrates the financial analysis with the Esg (environmental, social and governance) instances, related to environmental impact, social impact and company management, in order to create value for the investor and for society as a whole. From the end

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ultra-espansive, sta anche nella composizione degli indici e quindi, anche dei portafogli obbligazionari. Una combinazione simile - duration elevate e rendimenti ai minimi - rappresenta un cocktail potenzialmente esplosivo per i risparmiatori. Da qui l’importanza di puntare alla diversificazione e alla selezione dei bond, se ci si vuole proteggere dal doppio attacco portato dai virus dei tassi bassi e delle durate sempre più lunghe dei titoli.

Con l’auspicio che questo vaccino, valido un po’ per tutte le stagioni, si riveli efficace anche stavolta per immunizzare i portafogli obbligazionari.

of March 2020 onwards, the rise in stocks has focused on companies that have made, and are making, environmentally friendly investments. Those that use or produce fossil fuels are beginning to represent an unwelcome investment compared to those that are moving toward non-polluting energy. The result: a powerful new wave of buying into alternative energy.

Nel corso del 2020, durante la pandemia, è cresciuta l’attenzione verso un modo di intendere gli investimenti diverso, etico, attento all’ambiente e sostenibile. Cosa ne pensa? È sempre più necessaria una strategia di investimento orientata al medio-lungo periodo che, nella valutazione di imprese e istituzioni, integri l’analisi finanziaria con le istanze Esg (environmental, social and governance), relative a impatto ambientale, impatto sociale e gestione dell’azienda, al fine di creare valore per l’investitore e per la società nel suo complesso. Da fine marzo 2020 in poi, la risalita delle azioni si è concentrata sulle aziende che hanno fatto, e che stanno facendo, investimenti rispettosi dell’ambiente. Quelle che usano o producono combustibili fossili cominciano a rappresentare un investimento non gradito rispetto a quelle che si stanno orientando verso l’energia non inquinante. Risultato: una nuova e potente ondata di acquisti nell’ambito dell’energia alternativa.

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Non siamo ancora i primi, ma ci stiamo lavorando.

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FORMAZIONE, TERRITORIO E SOLIDARIETÀ PER ABBRACCIARE IL FUTURO La sfida di Fondazione Gruppo Pittini TRAINING, TERRITORY AND SOLIDARITY TO EMBRACE THE FUTURE The challenge of Gruppo Fondazione Pittini di/by FRANCESCA GATTI

La Fondazione Gruppo Pittini è nata nel 2020 dall’esperienza internazionale dell’omonimo gruppo industriale di Osoppo (UD) specializzato nella produzione di acciai lunghi destinati all’edilizia e all’industria meccanica con 18 strutture tra produzione e logistica e 1800 collaboratori.

A quasi un anno dalla sua creazione, la vicepresidente Simona Ferri Pittini, racconta i primi traguardi e tutti i progetti per il futuro della Fondazione.

The Pittini Group Foundation was born in 2020 from the international experience of the homonymous industrial group of Osoppo (UD). Gruppo Pittini is specialized in the production of long steel for construction industries and mechanical engineering: it has 18 production and logistical facilities and over 1800 employees.

Almost one year after its creation, the vice-president Simona Ferri Pittini has told us about their first achievements and about the Foundation’s future projects.

Con quali obiettivi è nata la fondazione Gruppo Pittini? È nata con l’idea di valorizzare il territorio partendo dalle persone che lo vivono attraverso progetti, attività culturali e iniziative artistiche.

Il cuore della fondazione è in Friuli Venezia Giulia ma la sua operatività è in grado di raggiungere tutto il territorio nazionale, in particolare le aree in cui il Gruppo Pittini è presente con i propri stabilimenti: FVG, Veneto, Basilicata e anche all’estero in Austria e Slovenia.

La Fondazione è nata proprio nel 2020, un anno molto difficile che ha segnato per sempre la nostra realtà. È vero, è nata in un momento inaspettatamente difficile. Un anno pieno di tristezza e dolore ma anche un anno di affetti, umanità ritrovata, relazioni preziose, impegno e solidarietà oltre l’ordinario che hanno dato un valore inestimabile alle persone. La Fondazione è nata ufficialmente a metà 2020, esattamente un anno dopo l’atto di costituzione.

What are the goals of the Gruppo Fondazione Pittini?

The aim is to promote the territory starting from its people. We want to do so by promoting local projects, cultural activities and artistic initiatives.

The Foundation is based in Friuli Venezia Giulia but it operates throughout the country, in particular in the areas where the Pittini Group has its industrial plants: FVG, Veneto, Basilicata and also abroad, in Austria and Slovenia.

The Foundation was born in 2020, a very difficult year that marked our history forever.

It’s true, it was born at an unexpectedly difficult time. A year full of sadness and pain, but also a year of tenderness, rediscovered humanity, precious relationships, commitment and solidarity that have given immense value to people. The Foundation was officially born in mid-2020, one year after its act of establishment.

The start-up process took longer and was more difficult than usual because of the epidemiological situation caused by Covid, but

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In foto Simona Ferri Pittini, vicepresidente della Fondazione

Il percorso di avvio è stato più lungo e difficoltoso del normale proprio per la situazione epidemiologica dovuta al Covid, ma abbiamo potuto contare sull’aiuto e la collaborazione di tutti gli enti coinvolti sebbene fossero impegnati sul fronte dell’emergenza. La Prefettura di Udine, in particolare, ha seguito con dedizione tutto l’iter per farci ottenere la piena operatività e farci diventare, a fine giugno, una Fondazione. Ricorderò sempre la telefonata che annunciava con entusiasmo la sua nascita: “È nata la Fondazione nr. 433”. La Fondazione, finalmente, aveva acquisito il riconoscimento giuridico.

Quante persone lavorano in Fondazione? Qual è il suo ruolo?

Siamo una realtà giovane, appena partita e stiamo man mano crescendo e strutturandoci al meglio.

Personalmente, nel ruolo di vicepresidente, curo la gestione operativa definendo le strategie e gli orientamenti in tema di partenariato con altre realtà, sostegno nei confronti di attività sociali e allocazione di fondi. Mi occupo inoltre dello sviluppo e

we were able to count on the help and on the collaboration of all the institutions involved, even though they were facing the health emergency. The Prefecture of Udine, in particular, followed the whole process that made us fully functional until we became a Foundation at the end of June. I will always remember the phone call that enthusiastically announced its birth: “Foundation no. 433 is born”. The Foundation had finally acquired legal recognition.

How many people work at the Foundation? What is your role?

We are a young reality, newly born and we are gradually growing and we’re structuring ourselves at our best.

Personally, in the role of vice-president, I supervise operations management by defining strategies and guidelines in terms of partnership with other realities, as well as social activities and allocation of funds. I also deal with the development and promotion of innovative projects addressed to the community, paying particular attention to three specific areas: territory, solidarity and

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INTERVISTA A FONDAZIONE GRUPPO PITTINI

della promozione di progetti innovativi indirizzati alla collettività, ponendo particolare attenzione verso tre ambiti specifici: territorio, solidarietà e formazione. Infine collaboro all’ideazione e all’implementazione di iniziative a scopo benefico e solidaristico con l’obiettivo di rispondere ai bisogni delle persone, delle comunità e dei diversi territori in cui opera il Gruppo Pittini.

Al mio fianco c’è Micaela Di Giusto, figura di rilievo e spessore in Fondazione, che all’interno del Gruppo Pittini occupa il ruolo di responsabile gestione e sviluppo risorse umane. Siamo un gruppo di tutte donne accomunate dalla passione e dal desiderio di raggiungere traguardi sempre più ambiziosi. Sono le idee le protagoniste della Fondazione Gruppo Pittini, ogni progetto viene osservato con curiosità ed energia, la stessa energia che ci spinge ad abbracciare nuove esperienze e condividerle con le persone e con il territorio in cui si trovano le aziende del Gruppo Pittini.

Qual è il valore aggiunto di una fondazione che nasce da storia, esperienza e competenza di un grande gruppo industriale?

Siamo una fondazione d’impresa fortemente voluta dal presidente Federico Pittini, presidente anche dell’omonimo gruppo nato nel 1955 a Gemona del Friuli che nel 1961 creò il suo primo stabilimento produttivo, nella nascente zona di Rivoli di Osoppo, le Metallurgiche Pittini, le prime in Italia per la produzione di reti e di tralicci.

Il successo e la leadership d’impresa sono nati da un mix di pratica diretta, esperienza sul campo, operato sempre responsabile e dallo studio di moderne e pionieristiche idee sull’industrializzazione dell’edilizia che ne hanno decretato la crescita costante nel panorama internazionale senza mai dimenticare un valore fondamentale: l’attività d’impresa deve assicurare i giusti profitti ma deve anche contribuire allo sviluppo sociale, culturale e umano delle persone che ci lavorano e del territorio in cui opera.

Da questa visione di responsabilità d’impresa è nata la Fondazione, dalla complementarietà che ci deve essere tra azienda e no-profit, tra profitto e sviluppo sostenibile nel futuro.

Per questo il vostro pay-off è “abbracciare il futuro”?

Sì. È una frase molto semplice e diretta che racchiude l’obiettivo per noi più importante: valorizzare le persone e il territorio per costruire comunità coese, unite, che sappiano guardare al futuro in maniera propositiva e trovare risposte innovative ai bisogni di oggi e domani. Questo sguardo proiettato sempre in avanti, al domani e alle nuove generazioni, è presente in ogni attività della Fondazione Gruppo Pittini. Un esempio su tutti riguarda la formazione che vogliamo fornire, dedicata all’utilizzo delle nuove tecnologie, con approcci e metodologie innovative dell’insegnamento e che punti a far diventare i giovani dei veri e propri ideatori, agenti del pensiero.

Formazione, territorio e solidarietà, infatti, sono i nostri tre pilastri.

training. Finally, I collaborate in the planning and implementation of charitable and supportive initiatives, with the aim of meeting the needs of people, of the communities and of the territories in which Pittini Group operates.

At my side there’s Micaela Di Giusto, a very important figure in the Foundation, who’s the Head of Human Resources Management and Development within the Pittini Group. We are a group of solely women who share the passion and the desire to achieve ambitious goals. Innovative ideas are the heart of the Pittini Group Foundation, and each project is analyzed with curiosity and energy. That same energy makes us embrace new experiences and share them with the people and the territory where the companies of the Pittini Group are located.

What’s the added value of a foundation that stems from the history, the experience and the expertise of a large industrial group?

Our foundation was strongly desired by our president Federico Pittini, who’s also the president of the homonymous group born in 1955 in Gemona del Friuli. In 1961 he created its first production plant in the developing area of Rivoli di Osoppo: the metallurgical industry Pittini (Metallurgiche Pittini), the first manufacturer of electrical grids and transmission lines in Italy.

The company’s success and leadership are the result of a mix of direct practice, experience in the field, responsible work and the study of modern and pioneering ideas on construction industry’s industrialization. This model has ensured its steady growth on the international scene without forgetting its most important value: business must ensure fair profits but must also contribute to the social, cultural and human development of the people who work there and to their territory.

The Foundation was born from this vision of corporate responsibility, from the complementarity that there must be between business and non-profit, between profit and sustainable development in the future.

Is this why your pay-off is “embracing the future”?

Yes. It’s a very simple and direct sentence and it sums up our most important goal: to give value to people and to the territory in order to build cohesive and strong communities that are able to look to the future in a proactive way and to find innovative answers to today’s and tomorrow’s needs. This forward-looking approach, towards the future and the new generations, is part of every activity of the Pittini Group Foundation. An important example is the training that we want to provide: it will focus on new technologies, with innovative approaches and teaching methods that will help young people become creators and agents of thought.

Training, territory and solidarity are our three building blocks.

Can you tell us about them?

Each building block has its own vision. Training: we want to help shaping minds capable of building innovative answers to today’s

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In foto Simona Ferri Pittini con Micaela Di Giusto

Ce li illustra?

Ogni pilastro ha una propria precisa visione. Formazione: vogliamo contribuire a dar forma a menti in grado di costruire risposte innovative alle problematiche di oggi e domani, capaci di immaginare, creare e sognare. Ci rivolgiamo quindi prevalentemente ai giovani talenti di oggi.

Territorio: vogliamo contribuire a creare territori dove i cittadini si sentano protagonisti di uno spazio che è loro, contribuendo alla sua crescita. Territori dove tutti gli stakeholder siano chiamati ad agire insieme. La rivalutazione del territorio e dei suoi beni si accompagna all’utilizzo dell’arte, in tutte le sue forme, insieme alla crescita delle risorse umane, che passa per la fruizione di cultura, arte e sport.

Solidarietà: promuoviamo la solidarietà verso gli individui più in difficoltà, rispondendo alle disuguaglianze, alle fragilità reddituali e alle destabilizzazioni sociali, sostenendo progetti che rispondano alle esigenze del quotidiano, dal supporto alla natalità e genitorialità alle problematiche relative agli anziani, senza sostituirci all’intervento pubblico, ma ponendoci come soggetto partner con cui lavorare.

Parliamo nello specifico di formazione: ci racconta il progetto Pittini Challenge?

and tomorrow’s issues, of imagining, create and dream. We are therefore mainly addressing today’s young talents.

Territory: we want to promote the creation of territories where citizens feel protagonists of a space that’s theirs and contribute to its growth. Territories where the stakeholders are called to act together. The revaluation of the territory and of its assets is accompanied by the use of art, in all its forms, together with the growth of human resources, the enjoyment of culture, art and sport.

Solidarity: we promote solidarity towards individuals in need, responding to inequalities, fragile incomes and social instabilities, supporting projects that meet the needs of everyday life, supporting natality and parenthood as well as the elderly, without replacing government intervention, but acting as a partner to work with.

Let’s talk specifically about training: can you tell us about the Pittini Challenge project?

The Pittini Challenge is referred to students in their fifth year of the Mechatronics course and consists in the creation of an innovative project related to the Pittini Group. The students will put into practice their school training in manufacturing activities with concrete projects: they will have to develop, write and propose

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INTERVISTA A FONDAZIONE GRUPPO PITTINI

Pittini Challenge è la sfida rivolta agli studenti delle classi quinte di indirizzo meccatronico e consiste nella realizzazione di un Progetto innovativo legato alla realtà del Gruppo Pittini. I ragazzi mettono quindi in pratica la propria formazione scolastica all’interno delle attività produttive con progetti concreti: dovranno sviluppare, scrivere e proporre la propria idea attraverso un elaborato scritto ed eventuali prototipi sviluppati. Per questo potranno contare non solo sul supporto del proprio professore ma anche di un referente esperto aziendale che sarà a disposizione per rispondere a particolari quesiti e per eventuali approfondimenti tecnici. Alla fine tutti i lavori verranno valutati sulla base di chiarezza, pertinenza, rilevanza dei contenuti tecnici, originalità, creatività dell’idea, efficacia e capacità d’impatto e alla fine si decreteranno i vincitori che riceveranno in premio una borsa di studio individuale.

L’obiettivo è favorire l’interconnessione tra scuola, aziende e strutture produttive. Ad oggi sono 63 gli studenti coinvolti tra Istituto Salesiano G. Bearzi e I.S.I.S. Arturo Malignani di Udine, Istituto Salesiano San Zeno di Verona e il S.I.S. N. Miraglia di Potenza.

Ci racconta un altro vostro importante progetto? Il Peripheral Memories? È il progetto più legato al tema del territorio, un progetto di IoDeposito, Current e finanziato dalla Regione Friuli Venezia Giulia, nato per valorizzare le eccellenze del FVG la cui produzione è legata a tradizione, storia e cultura ma che, allo stesso tempo, hanno saputo aprirsi all’innovazione e all’arte sviluppando collaborazioni con artisti di fama internazionale.

Otto artisti internazionali saranno chiamati a raccontare otto imprese del territorio vivendo l’azienda, la produzione, la quotidianità e le persone per creare un’opera d’arte che faccia emergere il background storico e culturale dell’impresa.

Gli artisti saranno concentrati sulla ricerca degli immaginari collettivi dell’industria “made in Friuli” coinvolgendo le persone e le imprese del territorio dei tre settori siderurgico, tessile e nautico/navale.

La Fondazione Gruppo Pittini e il Gruppo Pittini saranno parte del progetto che ospiterà, appena la situazione sanitaria lo permetterà, Anitra Hamilton, la visual artist canadese i cui lavori sono stati presentati all’8^ Biennale dell’Avana e alla 5^ Biennale di Marrakech e in tutto il mondo tra Grecia, Stati Uniti, Europa, Cina. Anitra Hamilton vivrà in prima persona la quotidianità, la produzione e le persone dell’azienda per creare un’opera d’arte site-specific legata al settore siderurgico che racchiuda l’identità e i valori del territorio che l’azienda ha saputo sprigionare. L’artista visiterà anche i siti di archeologia industriale del FVG come Torviscosa, l’ex Amideria di Ruda e il Portovecchio di Trieste, protagonisti storici dello sviluppo economico e sociale del FVG nel ‘900.

Dall’esperienza in azienda vissuta come residenza d’artista, per cercare al meglio l’ispirazione e l’atmosfera, nascerà l’opera che racchiuderà la complementarietà tra imprenditore ed artista,

their ideas in the form of a written paper and prototypes. To do so, they will be able to count not only on the support of their professor, but also on the support of a company expert who will be at their disposal for any technical issues and in-depth analyses.

Then, all the submissions will be evaluated based on clarity, pertinence, relevance of the technical contents, originality, creativity, effectiveness and potential application; as a prize, the winners will receive an individual scholarship.

Our goal is to encourage the interconnection between schools, companies and production facilities. To date, 63 students are involved and they come from the Salesian Institute G. Bearzi and I.S.I.S. Arturo Malignani of Udine, the Salesian Institute San Zeno of Verona and the S.I.S. N. Miraglia of Potenza.

Tell us about another important project of yours? The Peripheral Memories?

This project is the one that’s mostly related to the territory: the project of IoDeposito, Current is financed by the Friuli Venezia Giulia Region and was born to enhance the top products of FVG based on tradition, history and culture that were able to open up to innovation and art by developing collaborations with internationally renowned artists.

Eight international artists will be invited to tell the story of eight companies in the area by experiencing the company, its production, its daily life and its people and to create a work of art that will tell the company’s historical and cultural background.

The artists will focus on the research of our collective imagery of the industry “made in Friuli” involving people and local companies of the three industrial sectors: steel, textile and nautical/naval.

The Pittini Group Foundation and the Pittini Group will be part of the project that will feature, health emergency permitting, Anitra Hamilton, the Canadian visual artist whose works have been presented at the 8th Havana Biennial and the 5th Marrakech Biennial and all over the world including Greece, the United States, Europe and China. Anitra Hamilton will personally experience the daily life, the production and will meet the people of the company in order to create a site-specific work of art designed for the steel industry that will encapsulate the identity and the values of the territory that the company promotes.

She will also visit sites of industrial archaeology in FVG such as Torviscosa, the former Amideria in Ruda and Portovecchio in Trieste, the historical protagonists of the economic and social development of FVG in the 20th century.

From the experience in the company lived as an artist’s residence, so as to find the best inspiration and atmosphere, the work will enclose the complementarity between entrepreneur and artist, two sides of the same creative process: the first stimulates creativity in a productive way, while the second develops aesthetic appeal. Once completed, the works will be unveiled to the general public through a final exhibition.

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Fondazione Gruppo Pittini: momento di formazione durante un progetto in una realtà del Gruppo

due lati di uno stesso processo creativo: il primo trasforma la sua creatività in modo produttivo, il secondo lo fa in senso estetico.

Una volta realizzate, le opere verranno svelate al grande pubblico attraverso una mostra conclusiva.

Avete altri progetti nel cassetto?

Le idee sono davvero tantissime ma dobbiamo fare i conti con l’emergenza che tende a rendere ogni iter più difficoltoso e lungo nella realizzazione. Ma questo non ci ferma, siamo propositivi perché la nostra responsabilità è proprio il fare. Abbiamo finalizzato e già messo in campo un progetto di bonus genitorialità che riconosce nella maternità/paternità un grande valore a livello personale e lavorativo. Se la nascita di un figlio può portare con sé timori e preoccupazioni, il proprio bagaglio di competenze può venire in aiuto e fare la differenza in famiglia e nel lavoro. È un sostegno economico che intende aiutare e promuovere l’essere genitori.

In più la Fondazione sostiene e sosterrà la Fondazione Telethon e il Comitato San Floriano di Illegio che quest’anno, insieme al Comune di Udine, organizza la grande mostra “La forma dell’infinito” che porta, oltre che a Illegio, anche a Udine, a Casa Cavazzini, i capolavori dei grandi maestri da Van Gogh a Picasso. Altri progetti relativi alla formazione sono in attesa di essere sviluppati e non mancano le idee su nuovi, ma è ancora presto per parlarne.

Do you have any other plans for the future?

We have many ideas but the pandemic has complicated things and has slowed every process down. But this won’t stop us, and we’ll continue to be proactive because it’s our responsibility to do so. We have finalized and already put in place a parenting bonus project that recognizes maternity/paternity as a great value on a personal and work level. If the birth of a child can be a source of concern, people’s skills can come to the rescue and make a difference in the family and at work. This economic support was created to help and promote parenthood.

In addition, the Foundation supports and will support the Telethon Foundation and the San Floriano Committee of Illegio that this year, together with the Municipality of Udine, is organizing the great exhibition “La forma dell’infinito” that features the works of great masters such as Van Gogh and Picasso, not only in Illegio but also in Udine, at Casa Cavazzini. Other projects related to training are waiting to be developed and there is no lack of new ideas, but it’s still too early to talk about them.

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#EmbraceTheFuture Issue 17

CINEMA

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NIENTE TATUAGGI A HOLLYWOOD Ma solo nei film NO TATTOOS IN HOLLYWOOD But only in movies di/by CAROLINA GENNAdi/by CAROLINA GENNA

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no dei rischi maggiori che corre un qualsiasi attore è quello di essere typecasted, ovvero di ritrovarsi, suo malgrado, a interpretare sempre lo stesso ruolo in una sorta di eterno ritorno nietzschiano. In poche parole, ciò che accade è che l’attore si ritrova improvvisamente ingrovigliato fra i fili del pubblico-burattinaio, incastrato fra le aspettative di una platea pregiudizievole e l’immagine che di lui ci si è ormai fatti, senza possibilità di redenzione e senza possibilità di fuga. È successo a moltissimi: Doris Day era la reginetta delle commedie tutte miele, Marilyn Monroe la bionda sexy, ingenua e svampita da accudire e salvare, Humphrey Bogart il macho, l’uomo tutto d’un pezzo. E succede ancora: di film in film, l’attore non cambia e non evolve mai, e diventa lo stereotipo di se stesso.

Disgraziatamente per gli attori, tutte le storie hanno bisogno di stereotipi, e il cinema se ne nutre spesso e volentieri per semplificare una storia, per banalizzare il troppo complesso e per creare un senso di familiarità. E quel che succede per l’uomo, non può che accadere per gli altri artefatti scenici e per quei dettagliucci che, negli anni, si sono trasformati in elementi fortemente caratterizzanti.

One of actor’s major risks is to be typecasted, this happens when an actor, reluctantly, finds himself playing the same role over and over again, like in Nietzsche’s eternal return. In short, actors find themselves scrambled in the strings of their public-puppeteer, stuck in between the expectations of an injurious audience and the image that we’ve built of him in our minds, with no hope of redention and no means of escape. It happened to a lot of them: Doris Day was America’s sweetheart, Marilyn Monroe was this sexy, naïve and airheaded blondie that the American audience wanted to save and protect, Humphrey Bogart was the macho, the man of integrity. And this happens still now: in film to film, actors can’t change and can’t evolve, and so they became their own stereotypes.

Unfortunately for actors, all stories need stereotypes, and movies use them to simplify a story, to banalize what’s too complicated and to create a sense of familiarity. And what happens to men, must happen to stage artifacts and to all those details that, through the years, have become strong distinguishing features.

The examples, especially when it comes to movies, abound, but because of this issue’s focus, I would like all of us to concentrate on one of these details: tattoos. From its very beginning, cinema

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CAROLINA GENNA

Gli esempi, soprattutto in campo cinematografico, si sprecano ma, in virtù del focus di questo numero di Genius, vorrei che ci concentrassimo tutti su uno di questi famosi dettagliucci: il tatuaggio. Sin dai suoi albori, il cinema è stato specchio non tanto della realtà, quanto delle storie di una società in continua evoluzione e ne ha assimilato pregiudizi, stereotipi e scorciatoie. Non dovrebbe stupire che, un po’ per riflesso, un po’ per semplicità, il tatuaggio sia in fretta diventato l’elemento distintivo di cattivi, ribelli, outsiders, reietti, eccentrici. Insomma, il cinema è riuscito a trasformare questi simboli in veri e propri indicatori della personalità di un personaggio…e non stiamo di certo parlando degli eroi. Nei primi capolavori della Hollywood classica, i tatuaggi erano il segno distintivo di galeotti e di cattivissimi: ne La morte corre sul fiume (The Night of the Hunter, 1955), Robert Mitchum sfoggia le scritte “LOVE” e “HATE” sulle nocche, e ciò basta per sapere che è meglio stargli alla larga! Muovendoci di qualche anno in avanti, Steve McQueen interpreta un altro celebre galeotto in Papillon (1973), storia vera di un uomo ingiustamente incarcerato e che deve il suo nome alla farfalla che ha tatuata sul petto. E sempre di carcere si parla in Cape Fear (1991), quando un tatuatissimo e crudele Robert De Niro muove i fili della sua vendetta. Uomini e tatuaggi: il cinema ha sempre messo in guardia le giovani e indifese fanciulle! Le donne tatuate, invece, soprattutto nel cinema più recente, sono sempre donne al di fuori dell’ordinario.

Donne combattenti dal passato tragico che hanno deciso di dire “no” alla vita comune per trasformarsi in eroine determinate e dal grilletto facile. Ed è meglio stare alla larga anche da loro, dice il cinema. Si pensi al personaggio di Angelina Jolie in Wanted o alla Domino di Keira Knightley: meglio non mettersi sulla loro strada. O, ancora, si pensi a uno dei maggiori film svedesi di successo degli ultimi anni che, sebbene tratto dalla saga Millennium, ha per protagonista una delle donne tatuate più celebri della storia contemporanea. Anche in questo caso, Lisbeth Salander non è la fidanzatina che i genitori sognerebbero per il proprio figlio: è una donna dal passato tragico, oscura e difficilmente approcciabile, e il tutto condito con un enorme drago tatuato sulla schiena!

Ciò detto, all’alba di questo nuovo decennio, viene da chiedersi se il cinema non sia rimasto un po’ indietro. Se, in un mondo in cui estetica e bellezza sono in continua evoluzione e in cui i tabù delle generazioni passate fanno un po’ sorridere, non ci sia davvero altro da dire in merito a quest’universo d’inchiostro. Le storie delle generazioni più giovani sono capeggiate da eroi ed eroine vestiti di mantelli indelebili. Nelle storie del domani, Jack Dawson si innamorerà di una Rose Dewitt Bukater fresca fresca di Bepanthenol e Gordon Gekko porterà Daryl Hannah e Charlie Sheen nel suo ink studio privato, ad assaggiare la bella vita. Il Woody Allen del futuro non andrà dall’analista, ma dal suo tatuatore e Julia Roberts e Richard Gere si giureranno amore eterno con un piccolo tatuaggio uguale e così ricorderanno i bei giorni assieme.

Cinema, non è il momento di svecchiare…almeno un po’?

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has been a reflection not of reality, but of the stories of an ever-changing society and it has absorbed our injuries, stereotypes and shortcuts. So, it shouldn’t surprise us if, for the sake of simplicity and by reflection, tattoos have become the distinctive feature of bad guys, rebels, outsiders, pariahs, eccentrics. Movies have transformed these symbols in personality indicators…and this surely has nothing to do with our heroes. In the first Hollywood’s masterpieces, tattoos were jailbirds’ and antagonists’ distinctive features: in the Night of the Hunter, Robert Mitchum flaunts his knuckles tattoos, “LOVE” and “HATE”, and this is enough to understand you better stay the hell away from him! A few years ahead, Steve McQueen plays another famous convict in Papillon (1973), a movie based on the true story of an imprisoned innocent man whose name comes from a butterfly he has tattooed on his chest. And we still talk about jails in Cape Fear (1991), the movie in which a tattooed and cruel Robert De Niro tries to take his revenge. Men and tattoos: movies have always warned all the young and helpless girls of the world! Tattooed women, on the other hand, especially when It comes to recent films, are always portrayed as out of ordinary. They’re all fighters with a tragic past who’ve said “no” to an ordinary and normal life to become trigger-happy heroines. And you should keep the hell away from them too, the movies tell us. Just think about Angelina’s character in Wanted or at Keira Knightley’s role in Domino: you better don’t get on their way. Or think about one of Swedish most successful movies of the last few years which, despite being taken from the Millennium saga, tells the story of one the most famous tattooed women in contemporary history. Even in this case, Linsbeth Salander wouldn’t be parent’s favorite: she has a tragic past, she’s dark and hardly approachable, and all this is seasoned with a big dragon tattooed on her back!

All this be said, at the dawn of this new decade, don’t you think motion pictures have just fallen behind? In a world in which beauty and esthetics and evolving and in which older generation’s taboos make to smile, is there really nothing new to say about the ink universe?

Our generation’s stories are led by heroes and heroines dressed in permanent capes. In tomorrow stories, Jack Dawson will fall in love with a new Rose Dewitt Bukater freshly minted out of Bepanthenol, and Gordon Gekko will bring Daryl Hannah and Charlie Sheen in his private tattoo studio, in order to get a glimpse of the good life. Our future Woody Allen won’t have a psychologist, he’ll have a tattoo artist, and Julia Roberts and Richard Gere will declare their eternal love by choosing the same tattoo, and together they’ll remember their days together.

Cinema, isn’t this the time to change and renew…just a bit?

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ASIA ARGENTO

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ASIA ARGENTO

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CAROLINA SARDELLI

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IL CODICE DELL’ANIMA Asia Argento: lezioni di anatomia SOUL’S CODE Asia Argento: Anatomy lessons di/by CAROLINA SARDELLI

Giornalista, conduttrice. Toscana verace. Nasce nel chianti fiorentino nel 1990. Si laurea in scienze internazionali a Siena. Nel 2016 arriva a Milano per frequentare il Master di giornalismo alla Iulm, grazie al quale diventa professionista. Inizia a lavorare per Tgcom24 e altre realtà Mediaset, divisa fra le sue grandi passioni: i viaggi, la politica estera, il teatro e la moda.

Journalist, anchorwoman. Real Tuscan. Born in the florentine chianti in 1990. She graduated in international science in Siena. In 2016 she arrives in Milan to attend the Master of Journalism at Iulm, thanks to which she becomes a professional. She began working for Tgcom24 and other Mediaset realities, divided between her great passions: travel, foreign policy, theater and fashion.

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iglia d’arte, cresciuta tra i set di suo padre, Dario. Figlia dell’Arte: attrice, cantante, sceneggiatrice, regista, scrittrice. Asia Argento ha tante vite da raccontare e lo ha fatto con “Anatomia di un cuore selvaggio”. Il suo cuore selvaggio, che spesso ha cercato un conforto, rifugiandosi in amori anche tormentati, per colmare vuoti e mancanze.

“Ci vuole coraggio a prescriversi da soli una autoautopsia completa - così scrive nelle prime pagine del suo libro - Non so in quanti sarebbero soddisfatti dell’esito, dell’analisi spietata di se stessi. E allora coraggio, questa è la mia e, prima di giudicare, vi invito a fare altrettanto”.

Asia si racconta, tira fuori la parte più profonda di sé, imprimendola con l’inchiostro. Racconti che fanno male e che oggi rende eterni.

L’infanzia difficile, le violenze subite, la separazione dei genitori, icone del cinema, le lontananze e le paure, le assenze di punti fermi. Tutto questo diventa parte integrante di lei, che a cinque anni già scriveva poesie, a nove recitava davanti a una macchina da presa. Per esprimere ciò che era, per sfogare le sue emozioni. Rabbie e dolori, accumulati negli anni, diventati resilienza e forza. Una corazza creata col passare del tempo. Uno scudo, come quel tatuaggio dipinto sulla schiena.

Lei che ha trasformato il suo corpo nella tela per raccontare la sua vita. Ogni tratto tatuato simboleggia un attimo, un momento, un’emozione.

Come quel serpente, realizzato dopo la morte di

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Daughter of art, Asia Argento grew up on her father’s, Dario, movie sets. Daughter of the arts: actress, singer, screen writer, director, writer. Asia Argento has many lives to tell and she did so with “Anatomia di un cuore selvaggio”. Her wild heart has often looked for comfort, it has taken refuge in love, even in tormented love, in order to bridge the gap and fight her failings.

“It takes courage to prescribe your own complete anatomy – so she writes in the first pages of her book – I don’t know who would be satisfied with the result, with your own merciless analysis. Well, come on: this is mine and, before you judge, I urge you to do the same”.

Asia tells herself, she brings out the deepest part of herself, and she shields it with ink. Her stories hurt and she has made them eternal.

Her difficult childhood, the violence she suffered, her parents’ - movies icons - divorce, the distances and her fears, the absence of benchmarks. All this became part of her: when she was five, she wrote poems, when she was nine, she stood in front of a camera. She wanted to express who she was, she wanted to release her emotions. All the anger and pain accumulated for years have become resilience and strength. She built her armor in time. A shield, like that tattoo she has on her back.

To tell her life, she transformed her body in a canvas.

Every tattoo is referred to a moment, to an emotion.

The snake she made after the death of her partner Anthony Bourdain, after the disappointment of X

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Anthony Bourdain, il suo compagno, e la delusione di X Factor. Per Asia era arrivato il momento di cambiare pelle, trasformarsi in qualcosa di diverso.

Si trovava di nuovo di fronte all’accettazione del lutto, come per la scomparsa di sua sorella avvenuta tanti anni fa. Passano due anni e perde anche sua madre. Quella mamma artista, il cui rapporto conflittuale e violento racconterà nelle pagine del suo libro. Asia con la morte ci ha avuto a che fare tante volte. A ogni perdita il suo cuore selvaggio si è spezzato. Ma a tenere insieme i pezzi è l’amore per le sue opere d’arte migliori: i suoi figli.

Quanto è cambiata Asia Argento nel tempo?

Basta guardare al passato, a quegli anni ’90 fatti di successi e trasgressioni, premi e droghe. Asia era una ribelle in cerca d’amore. Un amore scoppiato con tutta la sua forza, con la nascita di Anna Lou. Da allora, forse, qualcosa è cambiato dentro di lei.

Un’evoluzione costante e continua. L’essere madre, il riuscire a dare tutto quell’amore, quella tenerezza, quella comprensione che a lei erano mancate è stato il suo riscatto.

Una donna che nella vita ha combattuto tante battaglie, pronta a sguainare la spada per difendersi da un mondo più pericoloso di quello che dovrebbe essere. Ha alzato la sua voce, quando c’era bisogno di farlo. Come con il MeToo, dando vita a un racconto condiviso, quello delle violenze, per fare in modo che altre persone possano riconoscersi nella sua storia, e sentirsi meno sole. Accettare il dolore e il trauma subito. Un percorso lungo, faticoso.

Una vita, la sua, parlata, raccontata, da tutti, troppi. Sempre al centro dei riflettori. Sempre sottoposta al giudizio, di cui però, Asia se n’è sempre fregata.

Di errori e scelte sbagliate ne ha fatti, e lei è onesta con il passato. La sua anima, libera, continua a osservare il futuro, consapevole di chi è stata, incosciente di cosa diventerà. Lei, che guarda a ciò che verrà, con quella timidezza, oggi nascosta, che però è sempre presente come un velo nei suoi occhi. L’anatomia del suo cuore selvaggio è iniziata, forse, però, non è ancora conclusa.

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Factor. She needed to change skin and to transform into something new. She needed to accept her loss, like she did years before with the loss of her sister.

Two years later, her mother passed away. Her mother was an artist, and in her book Asia will tell their conflictual and violent relationship. Asia has dealt with death many times. And with every loss, her wild heart broke. Her pieces are kept together by her masterpieces: her children.

How much has Asia changed in time?

Just look at the past, at the ‘90s: success and transgressions, awards and drugs. Asia was a rebel searching for love. A love that burst in all its power with the birth of Anna Lou. From that moment something has changed inside her. She evolved. She became a mother, and she gave all the love, all the tenderness and the sympathy she didn’t get when she was a kid: it was her redemption.

She’s fought many battles. She’s always ready to draw the sword and fight against a world that’s much crueler than what it’s supposed to be. She raised her voice when she had to. She did so for the MeToo movement, and she gave life to a shared narrative as she reported the violence she suffered. She wanted people to identify themselves in her story, she wanted people to feel less alone. You must accept pain and your traumas. And it’s a long and hard way.

She made her mistakes and she took the wrong decisions, and she’s honest about her past. Her free soul looks at the future: she knows who she has been, she doesn’t know who she will be. She looks at what will come with that same shyness – a shyness she hides but that you can still see in her eyes.

The anatomy of a wild heart has started but, maybe, it’s not over.

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CAROLINA GENNA

IN UNA TECA DI VETRO IN A GLASS CASE di/by CAROLINA GENNA

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el dicembre del 2018, in occasione della mostra dell’amico e artista tatuatore Marco Manzo, svoltasi all’interno del Complesso del Vittoriano a Roma, Asia Argento si è fatta arte.

Più banalmente, a sorpresa, è entrata in una teca e, al pari di una statua o di un dipinto, è stata esposta davanti a un pubblico meravigliato e stupito.

Ebbene, che Asia si occupasse di arte, lo sapevamo un po’ tutti: è figlia d’arte, è un’attrice di successo dall’età di nove anni, è una musicista con un album solista alle spalle e con un duetto con nientepopodimeno che Brian Molko dei Placebo, è una regista dal talento indiscusso, una scrittrice. Insomma, Asia è, da sempre, sinonimo di espressione artistica e di genio.

Ma l’aneddoto ormai datato, per certi versi, dell’apertura riporta Asia Argento a una dimensione che, almeno per me, è nuova: Asia non si occupa di arte, ma è lei stessa arte.

La mostra a cui ha preso parte in quel che ormai sembra un lontanissimo 2018 si concentrava, come ho già detto, sulle opere su pelle di Monzo e di cui Asia, in parte, è teca permanente. Ma al di là di ciò che è visibile agli occhi, ciò che colpisce di più quando si ha la possibilità di accostarcisi per qualche minuto è quanto l’arte le scorra proprio dentro. Poche volte, infatti, soprattutto in Italia, si è dato così tanto spazio a una donna dalla sensibilità artistica così spiccata. Bastano poche battute e lo si sente, lo si percepisce: lei, l’arte, ce l’ha dentro. La comprende, la respira, la fa sua. Non si può fingere quel tipo di sensibilità, così lontana dalle lagne accademiche e dal semplice nozionismo. È puro istinto: desiderio di essere riempiti e di riempire.

A certa parte del mondo perbene, le Asia fanno paura. Sotto sotto tutti sappiamo che il mondo è diviso fra chi le mostre d’arte le vede e chi ci entra soltanto, e diciamocelo: nonostante gli applausi entusiasti, sono in molti quelli a tornare a casa un po’ straniti e con la scopa inserita…beh, avete capito! Ma a me piacciono molto le Asia e, anzi!, credo che al mondo ce ne vogliano di più. La loro libertà e la loro forza ci insegna, anche involontariamente, a essere liberi e a essere forti. La loro indipendenza, col tempo, diventa la nostra indipendenza. E la loro capacità di guardare, un giorno, ci aiuterà a sentire e a capire meglio.

In un momento storico in cui le donne sembrano avere tutto, in realtà, avendo niente (o poco), Asia è una boccata d’aria fresca e un voce da ascoltare: sii chi vuoi essere, sii felice. E l’arte insegna, a chi sa guardare, la stessa lezione. Chi parla bene, pensa bene. Chi pensa bene, probabilmente, lo deve anche all’arte.

Ecco, Asia Argento è fatta d’arte. Per certi versi vorrei custodirla in una teca, ma chi ha l’arte dentro ha bisogno di respirare – vento fra i capelli, distese di orizzonti del possibile.

In December 2018, at the exhibit of her friend and tattoo artist Marco Manzo in Rome’s Complesso del Vittoriano, Asia Argento has become art.

More simply, and at everyone’s surprise, she entered a glass case and just like a statue or a painting she was exhibit in front of a surprised and amazed audience.

Well, we all know that Asia deals with art: she’s daughter of art, she’s been a successful actress since she was nine, she’s a musician and a singer with a released solo album and a duet with Placebo’s frontman Brian Molko, she’s a talented director and a writer. In other words, Asia has always stood for artistic expression and genius.

But this – maybe – old story has led Asia Argento to a dimension that was completely new to me: Asia doesn’t just deal with art, she is art.

As I said, the exhibit she took part in back in 2018 focused on Marco Manzo’s tattoos. And Asia is his permanent glass case. But beside what you can see, the thing that’s more striking when you manage to get near her for a couple of minutes is the way art’s swells inside her. It’s not often, especially in Italy, that so much space is given to a woman with such a great and strong artistic sensitivity. In just a few lines, you feel it, you sense it: art’s inside her. She understands art, she breathes art, she embraces art.

You can’t act that type of sensitivity, it has nothing to do with those academic whiners or with sterile notionism. It’s pure instinct: it’s the desire of being filled and of filling.

To some part of that respectable world, Asias are frightening.

Deep down we all know that the world is divided in those who actually look at the exhibits and those who just get in. And let’s face it: despite the enthusiastic applause, lots of people go home creeped out and with a bug upon their…well, you get it! But I really like Asias, and I think there should be more of them in the world. Even unintentionally, their freedom and their strength teach us to be free and strong. Over time, their independence becomes our independence. And one day their ability to look will help us feel and understand more.

In a time where women seem to have a lot when they still have nothing (or not much), Asia is a breath of fresh air and her voice must be listened: be whoever you want to be, be happy. And art teaches the same lesson to those willing to look.

Who speaks well, thinks well. Probably, who thinks well owes it to art as well.

Well, Asia Argento is made of art. In some way, I’d like to guard her in a glass case. But those who have art inside of them, must breathe – with the wind blowing through their hair, with the orizons of possible.

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INTRODUZIONE ALL’INTERVISTA

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In foto Asia Argento - Ph. Piergiorgio Pirrone Genius People Magazine

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FOTOGALLERY

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Piergiorgio Pirrone nasce a Roma nel 1976. Appassionato dalla fotografia sin dagli anni della giovinezza, Pirrone accantona la carriera in campo legale per lavorare, nel 2003, per l’agenzia fotografica di Franco Lefevre, Team.

Tra il 2004 e il 2008 collabora con l’agenzia Grazia Neri e, a seguito della sua chiusura, con Lapresse, realizzando, in quegli stessi anni, svariati progetti sociali e commerciali per clienti di portata nazionale e internazionale.

Specializzato nella ritrattistica e nel reportage di viaggio, i suoi servizi vengono pubblicati in Italia ed entrano a far parte del circuito internazionale.

Le esposizioni fotografiche Pubblicittà a Palazzo Venezia ed Errances poétiques a Parigi in occasione del Mois De La Photo contribuiscono ulteriormente al suo riconoscimento nel mondo della fotografia d’arte.

Ha partecipato a numerosi premi fotografici, ottenendo importanti riconoscimenti: è del 2011 la vittoria del primo premio al Venice Movie Stars Photography Award per la miglior fotografia del Festival di Venezia del 2011 e, più recentemente, la vittoria del Premio Pietro Coccia 2019, il premio ufficiale del Festival assegnato alla mostra del cinema di Venezia per la migliore fotografia della rassegna.

Piergiorgio Pirrone was born in Rome in 1976. Since he was a kid he was passionate about photography and for this reason, in 2003, he abandons his legal career to work for Franco Lefevre’s photo agency, Team.

From 2004 to 2008 he collaborates with Grazia Neri agency and, after its closure, with Lapresse. In these years he realizes many different social and commercial project for national and international clients.

He is specialized in portraits and in travel reports. The exhibition of his works in Italy, gave him an entrée in the international circuit.

His exhibits Pubblicittà in Palazzo Venezia and Errances poétiques in Paris for the Mois De La Photo contribute to his recognition in art photography’s world.

He has participated to many photographic prizes: in 2011 he won the first prize at the Venice Movie Star Photography Award for the best picture of the Venice Festival in 2011; more recently he won the prize Pietro Coccia 2019, the Venice’s official prize for the best picture of the Festival.

www.piergiorgiopirrone.it @piergiogiopirrone

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PIERGIORGIO PIRRONE

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FOTOGRAFANDO PHOTOGRAPHING ASIA ASIA

Scattare fotografie con Asia Argento è come andare a vedere un’esposizione di quadri in una galleria di arte… o, meglio, partecipare a un’installazione dinamica imprevedibile di arte contemporanea.

Asia è un’artista vera. È una di quelle persone che offre energia creativa anche solo con la sua presenza.

E fotografarla è un vero privilegio per un fotografo.

Non abbiamo programmato praticamente nulla: la luce, gli ambienti, gli outfit… tutto un “work in progress” .

Io sono stato ancor più fortunato perché sono stato accolto a casa sua e sono stato immerso in una realtà intima che mi ha permesso di cogliere (spero) quelle sfumature emotive personali che Asia ha liberato concedendosi al mio obiettivo. È stato un giorno particolarmente speciale perché è coinciso anche con la visione pomeridiana di un’intervista molto personale che Asia aveva rilasciato qualche giorno prima in un importante studio televisivo. Intervista seguita in tv da Asia, dai figli e da me: tutto questo ha contribuito a farmi sentire, in qualche modo, uno di loro, per un giorno.

Nulla accade per caso, così sembra e così credo sia successo.

Piergiorgio Pirrone

Doing a shooting with Asia is like looking at paintings in an exhibit… or, better, it’s like participating to a contemporary art installation: unpredictable and dynamic.

Asia is a true artist.

You can feel her creative energy through her presence.

Taking pictures of her is a privilege.

We didn’t plan anything: the lights, the location, the outfits…it was all a work in progress.

I was lucky because I was welcomed in her house and I found myself in her private reality and I hope I had the chance to catch the personal and emotional nuances that she showed my camera lens.

It was a very particular day because it coincided with the airing of a very personal interview Asia released a couple days before our meeting in an important TV studio. We saw the interview together with her children: in some way, for one day, I felt one of them.

Nothing happens by chance, so it seems and this is what happened.

Piergiorgio Pirrone

Credits Make up artist: Fill Conte Hair stylist: Mirella Conte Stylist: Stefania Sciortino Gioielli/ Jewels: Bernard Delettrez

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In foto Asia Argento - Ph. Piergiorgio Pirrone Genius People Magazine

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In foto Asia Argento - Ph. Piergiorgio Pirrone

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LADY LAZARUS Asia Argento: io lo faccio in modo magistrale / lo faccio che fa un effetto da impazzire / lo faccio che fa un effetto vero

Lady Lazarus Asia Argento: I do it exceptionally well / I do it so it feels like hell / I do it so it feels real

di/by FRANCESCO LA BELLA a cura di/edited by CAROLINA GENNA

È uscita nelle librerie la tua autobiografia, Anatomia di un cuore selvaggio, scritta per Piemme. Cosa significa avere un cuore selvaggio?

Il titolo è una citazione sia del film di David Lynch, sia di Clarice Lispector, che a sua volta riprendeva James Joyce, citato, infatti, alla fine del libro. Il cuore selvaggio è un cuore che si è dovuto fare forte davanti alle tante intemperie della vita e che, ciò nonostante, non rinuncia a essere coraggioso e ad affrontare il mondo senza protezioni. Si è inselvatichito dopo decenni di peripezie.

Your autobiography, Anatomia di un cuore selvaggio, written for Piemme, is now available in bookstores.

What does having a wild heart mean?

The title is a quote from David Lynch’s movie and from Clarice Lispector, and she, in her turn, refers to James Joyce, who’s quoted at the end of the book. A wild heart is a heart that was made strong by life’s challenges, but that’s still brave and faces the world with no protections. After years of adventures, it has gone wild.

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In foto Asia Argento - Ph. Piergiorgio Pirrone Genius People Magazine

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Asia Argento è un nome che racchiude al suo interno tantissime anime diverse: sei stata un’attrice, una cantante, una sceneggiatrice, una scrittrice e anche una regista. Come nutri l’arte e come ha nutrito, l’arte, te?

Nutrirsi d’arte significa coltivare la propria curiosità, quell’aspetto un po’ infantile che abbiamo tutti, ma che alcuni, non coltivandolo, finiscono per atrofizzare. In questo senso io sono rimasta molto bambina: mi sorprendo davanti alla bellezza del mondo. In realtà sono una persona che guarda pochi film, ma ascolta tantissima musica, che poi sono anche i film migliori che io abbia mai visto. Quando ascolto la musica, io vedo delle immagini. E anche i libri sono cinema: quando leggo un libro, un romanzo, io mi immagino i personaggi, vedo le scenografie, i luoghi, e la lettura mi trasporta in un luogo lontano.

Sono una donna attaccata agli schemi della vita e sono anche molto organizzata, però ho la fortuna di coltivare le mie curiosità artistiche e, così, riesco a elevarmi.

Il cinema è stato il primo percorso artistico di una vita immolata alla libera espressione del sé. Cosa ti ha affascinato della settima arte?

Beh, quando ho iniziato ero una bambina, ma ero già una cinefila. Guardavo i film in maniera ossessiva, e a quei tempi c’erano le betamax e le videocassette. Poi a nove anni ho iniziato a lavorare con Sergio Citti semplicemente perché mi aveva scelta. Insomma, fare l’attrice non era il mio sogno di bambina, io volevo fare la scrittrice. Però, quando mi sono ritrovata sul set e tutti erano così attenti a quello che dicevo e a quello che facevo, mi sono resa conto che era un buon modo per essere al centro dell’attenzione. Avevo bisogno di un’attenzione, forse, che non pensavo di ricevere, almeno non quanto avrei desiderato da bambina. Diciamo che è stato del tutto casuale, ma mi sono ritrovata a fare qualcosa che mi piaceva e che mi riusciva, e ho continuato perché hanno iniziato a chiamarmi sempre di più.

Insomma, è andata così!

Per un breve periodo hai deciso di accantonare la professione attoriale per cimentarti in quella registica. Cosa ti offre la regia in più rispetto alla recitazione?

Premettendo che in questo momento sto girando un film in qualità di attrice, direi che, dopo tanti anni di mestiere, e avendo lavorato con dei grandi registi, avevo e ho raggiunto quelle che potevano essere le mie ambizioni da ragazza. Poi ho avuto due figli e sono diventati la mia priorità, relegando la mia carriera in una posizione secondaria. Quello dell’attrice è un mestiere che ti può portare lontano da casa per dei mesi, e, crescendo due bambini da sola, non potevo permettermelo. Ma, per esempio, ora che sono più grandi ho ricominciato a recitare e sto facendo un film francese in Svizzera, e ci starò per sei set-

Asia Argento is a name made many different souls: you’ve been an actress, a singer, a screenwriter and a director. How do you feed art and how does art feed you?

Being fed by art means to cultivate curiosity. It’s a childish feature we all have. But if you don’t cultivate curiosity, it just atrophies. In this sense, I stayed a child: I’m amazed by the world’s beauty. I’m a person that doesn’t see many movies, but I listen to a lot of music and in music I’ve seen the best movies of my life. When I listen to music, I see pictures. And even books are my private cinema: when I read a book, I see the characters, the setting, the locations. And reading takes me far away.

Pattern of life is very important to me and I’m a very well organized woman, but I’m lucky because I know how to cultivate and feed my artistic curiosity, and so I rise.

You’ve dedicated your whole life to self-expression, and cinema has been your first artistic path. What fascinates you most about the seventh art?

When I started I was just a child, but I was a cinephile already. I was obsessed by movies, and at the time we had Betamax and videotapes. When I was nine, I started working with Sergio Citti just because he chose me. Being an actor wasn’t my dream, I wanted to be a writer. But when I found myself on set and I saw that everyone was so careful to what I did and said, I thought it was a good way to be the focus of attention. I needed attention and I didn’t think I got enough, or at least not as much as I wanted. I have to admit it was totally random, but I found myself doing something I liked and that I was good at. I continued because they started calling me more and more. This is just how things went!

For a short period of time, you decided to put aside your acting career in order to become a director. What does directing give you that acting didn’t?

In this very moment I’m acting in a movie, but I’d say that after all those years and after I worked with so many great directors, I had met all the goals I had when I was younger. Then I had my two children and they’ve become my priority, and my acting career has become secondary. Acting takes you away from home for months, and since I’m a single mom, I couldn’t have that. But now that my kids are old enough, I started acting again and now I’m filming a French movie in Switzerland and I’ll stay here for six weeks. Now that my kids are old enough, I can fall in love again with the profession I’ve done since I was a child.

I became a director when I was twenty-three with my first feature film, Scarlet Diva, after I worked with Abel Ferrara, who has been my teacher and my mentor. He has freed me: on his sets we could improvise and we studied characters. Improvising never happens on movie sets. I treasured it and he encouraged me, and

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In foto Asia Argento - Ph. Piergiorgio Pirrone

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timane. Ora che i miei bambini sono più grandi, posso riappropriarmi del lusso di amare questo mestiere che faccio da quando era bambina.

La regia è entrata nella mia vita quando avevo ventitré anni, col mio primo lungometraggio Scarlet Diva, dopo aver lavorato col regista che è stato il mio grande maestro e il mio mentore, Abel Ferrara. Lui mi ha molto liberata: sui suoi film si improvvisava tantissimo, si facevano grandi studi sui personaggi, e la libertà di improvvisare è una cosa che capita di rado al cinema. Io ne ho fatto tesoro e lui mi ha incoraggiata, e anche mio padre. “Devi fare la regista!”, mi dicevano. Perché ho tante storie in mente.

Sai, recitare è un mestiere esecutivo: si dev’essere una pagina bianca. È come mangiare il dolce: un dolce molto buono, pieno di nutrienti, ti può riempire. Ma fare la regia è un pasto completo. La regia ha a che fare con tutte le arti: con la fotografia, coi costumi, con la musica, con la recitazione.

Quali sono i progetti cinematografici che, al di là delle premiazioni e dei riconoscimenti, più porti nel cuore? È strano a dirsi, ma i film che ho amato di più fare, proprio per il loro processo creativo, sono stati New Rose Hotel di Abel Ferrara, in cui avevo solo ventun anni, Compagne di viaggio con Michel Piccoli e di Peter Del Monte, in cui ne avevo solo diciannove, e poi Transylvania di Tony Gatlif e La Sindrome di Stendhal di mio padre. E non voglio dire che gli altri siano da meno, che non abbia dato il massimo o che non siano stati degli incontri importanti che mi hanno arricchita, ma questi sono i film che mi hanno dato più gioia e che mi hanno insegnato di più.

Sono state delle grandi collaborazioni, c’era una grande unione e affinità elettiva coi registi e mi sono sentita arricchita al punto che, la mattina, al momento di andare a lavorare, saltavo giù dal letto dalla gioia.

Ora che mi sono presa una lunga pausa dal mestiere attoriale, sono tornata sul set con una gratitudine e una concentrazione diversa, forse anche perché sto facendo un film che mi piace molto, con un regista talentuoso. Quindi forse avevo bisogno di prendermi una pausa: dopo tantissimi film, era diventata una routine. E noi siamo davvero fortunati a fare questo mestiere e non dovrebbe mai essere solamente una routine. È stata una giusta pausa per potermi innamorare di nuovo.

Body art: una vera e propria forma d’arte e un veicolo potentissimo per la libertà d’espressione personale. I tatuaggi possono essere cura, celebrazione, nascondiglio. Cosa sono e sono stati per te?

Il tatuaggio è un arte. Io desideravo tatuarmi sin da bambina e ricordo che, verso i nove anni, ho detto a mia madre: ”Io mi tatuerò!”, e lei:” Per carità!”. Mi feci il primo tatuaggio a quattordici anni, il famoso angelo a diciassette. In un tempo, poi, in

so did my dad. “You have to be a film maker!”, they used to tell me. And they did because I have a lot of stories in my mind. You know, acting is an executive job: you have to be a blank page. It’s like eating a dessert: it’s good, it’s filled with nutrients and it fills you. But direction is a full meal. Direction has to do with all arts: with photography, costumes, music, acting.

Which film projects, despite recognition and prizes, are closer to your heart?

Strangely, when it comes to the creative process, the movies I loved doing the most are Abel Ferrara’s New Rose Hotel, and I was just twenty-one, Peter Del Monte’s Compagne di viaggio with Michel Piccoli, where I was just nineteen, Tony Gatlif’s Transylvania and my father’s La Sindrome di Stendhal. And this doesn’t mean the other ones I made were less important, that I didn’t give my best or that I wasn’t enriched by these projects.

But these are the movies that have taught me the most and that have brought more joy. They were important collaborations, I felt very connected with the directors and I felt we had an elective affinity. I felt so enriched that in the mornings, when I had to go to work, I’d jump out of the bed filled with joy.

After this long break, I went back on set and I was very focused and grateful. Maybe it’s because I really like the movie and I’m working with a very talented director. And maybe I really needed to take a break: after so many different movies, it was just normal routine. We’re lucky to do this job and it should never be about routine. This break allowed me to fall in love again.

Body art: a true form of art and a powerful tool for self-expression. Tattoos can be a cure, a celebration, a hideout.

What have they been, and are today, to you?

Tattoos are an art. Since I was a child, I wanted to get a tattoo. I remember that, when I was nine, I said to mom: ”I’m gonna get a tattoo!” and she replied: “Oh, for God’s sake!”. I got my first tattoo when I was fourteen, and I did my famous angel when I was seventeen. At that time actors had no tattoos because, as I told you before, they have to be blank pages on which directors can write whatever they please. Tattooed people were looked as jailmen and inmates, they weren’t well seen. Maybe, in Italy, I’m the one who has cleared tattoos, promoting them as a form of art and of self-expression. I really started getting tattoos in 2013, while I was filming my movie Incompresa and after I made some movies as an actor I really didn’t like. At the time I even told myself I didn’t want to be an actress anymore. And so I met Marco Manzo, a tattoo artist and a Master, and I got a small tattoo…and then, you know, we got carried away! I got my biggest tattoos when I was 38. I see them as a protection. I have an angel on my stomach because my chakra is weak and it needs protection, and it has nothing to do with sex. The tattoo I have on my back is like a

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cui gli attori non avevano tatuaggi perché, per l’appunto, devono essere delle pagine bianche su cui un regista può scrivere di tutto. I tatuati venivano visti come una sorta di galeotto, di carcerato, non era ben visti. Poi, forse sono stata proprio io a sdoganare, qui in Italia, il tatuaggio come una forma d’arte e di espressione.

Ho iniziato a tatuarmi pesantemente nel 2013, quando feci il mio film Incompresa, e dopo aver fatto una serie di film che non mi erano piaciuti come attrice, tant’è che mi ero detta: “Io non voglio più recitare!”. E in quel periodo ho conosciuto un grande maestro, il tatuatore Marco Manzo, e mi sono fatta fare un piccolo tatuaggio…e poi, non lo so, ci siamo fatti prendere la mano!

In realtà, ho iniziato a 38 anni a farmi i tatuaggi più grossi che ho. E, per me, sono una sorta di protezione, è così che li vedo.

L’angelo, che non ha nessuna connotazione sessuale, ce l’ho sulla pancia perché è il mio chackra più fragile e ha bisogno di protezione. Poi, il tatuaggio sulla schiena è anche uno scudo, un simbolo spirituale. E lo sono soprattutto i tatuaggi che fa Marco Manzo: ornamentali, con figure sacre e geometriche. E anche i tatuaggi che ho fatto in seguito con la tecnica giapponese tebori, soprattutto il serpente. Ho deciso di tatuarmelo dopo un periodo burrascoso, con la morte del mio compagno e dopo avere perso ingiustamente il lavoro di giudice di X Factor, e ho deciso di tatuarmi il serpente perché è il simbolo del cambiamento, con la pelle diventa altro, e un po’ perché mi sembrava di essere circondata da serpenti. Ho pensato che se me ne fossi fatta uno amico, mi avrebbe protetto da tutti i mali e da tutti coloro che in quel periodo mi attaccavano.

I tuoi tatuaggi cos’altro ci possono raccontare di te?

I tatuaggi che ho addosso simboleggiano delle cose che fanno parte del mio intimo e del mio giardino privato. E che non vengo a raccontare a voi!

Attraverso il tuo coraggio, moltissime donne dell’industria cinematografica hanno trovato una voce. Pensi che il movimento Me Too avrebbe mai visto la luce se non ti fossi fatta avanti?

Ma sì, sicuramente sì. Ci sono talmente tante donne che hanno denunciato, non solo Weinstein, ma anche altri. Io ho semplicemente dato una piccola spinta, ma qualsiasi altra donna avrebbe potuto farlo. È una cosa che è servita, per quanto mi riguarda, a mandare quella persona in carcere, dove, con tutta probabilità, passerà il resto della sua vita, visto che rischia altri 104 anni col processo che inizierà a Los Angeles. È servito a mandare in carcere una persona pericolosa, un predatore seriale. Io non mi sento una paladina e non mi sento di aver iniziato niente. Mi sento di aver fatto la cosa giusta, dettata dalla mia coscienza, e l’ho fatto insieme ad altre donne.

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shield, it’s a spiritual symbol. All of Marco Manzo’s tattoos are as well: they’re ornamental, with sacred and geometrical figures and shapes. And the same is for the other tattoos I got made with Japanese tebori technique, especially the snake. I got the snake in a very dark moment of my life, my partner passed away and I unfairly lost my a job aa judge on X Factor. I chose a snake because it’s a symbol of change, it becomes something else each time it changes its skin. And even because I felt I was surrounded by snakes. And I thought that if I could be friends with one, I was going to get protection from the evils and from the people who were attacking me at the time.

You’ve never been afraid to tell everyone who you really are, without moralism and pretense. What else can your tattoos tell us about you?

All my tattoos are a symbol of things that are part of me and of my secret and private garden. And I’m not going to tell anything to you guys!

Through your courage, many women in the industry have found their own voice. Do you think the Me Too movement would have ever come to life without you?

Yes, definitely. So many women have reported not only Weinstein, but many other men. I just gave the movement a little push, but any other woman could have done the same. Personally, I think it helped sending that person in jail, and probably that’s where he’ll spend the rest of his life since he may face other 104 years in prison in Los Angeles’ next trail. It helped sending a dangerous person to jail, a predator. I don’t feel like a champion and I don’t think it all started because of me. I did what I thought was right, and I did it alongside many other women.

How did things change, both nationally and internationally, after your reveals and allegations on the cinema system and its extortions?

In a sense, the movement has moved forward and now men will think twice before behaving in those ways or before abusing of their power. But, especially in America, a new puritanism has come to life, and I can’t relate. People seem to be focused on famous people’s sexual life and this has nothing to do with abuse of authority. It takes one post to ruin innocent people’s life, and disappointing boyfriends aren’t predators. It’s the cancel culture: one post on Instagram can destroy an artist. And I don’t agree.

At the time, they said that the line between seduction and harassment, a limit that to me is so clear, was going to get confusing, and this is what’s happening. This whole situation is confused. But I hope that, as it happens to new things, we will soon come to illumination and that women’s position in society will change.

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Com’è cambiata la situazione a livello nazionale o internazionale a seguito delle tue denunce e delle tue rivelazioni sul sistema cinema e sui suoi ricatti?

Da un certo punto di vista, il movimento è andato avanti e adesso, sicuramente, gli uomini avranno più paura di comportarsi in questo modo e di abusare del loro potere. Però, soprattutto in America, è iniziato una sorta di nuovo puritanesimo nel quale non mi riconosco. La gente sembra quasi essere più attenta alla vita sessuale delle persone famose, e questo non c’entra niente con l’abuso di potere. Basta fare un post e vengono prese di mira anche le persone innocenti, magari i fidanzati deludenti, che però non sono predatori. Si chiama cancel culture: basta un post su Instagram e fanno sparire gli artisti. E io non sono d’accordo. Improvvisamente, ciò che era stato profetizzato, ovvero che si sarebbe confuso il limite, che per me non è affatto labile, fra seduzione e molestia, sta succedendo. La situazione è davvero molto confusa, ma, come per tutte le cose nuove, spero si arrivi a una vera illuminazione e che si proceda verso l’avanzamento della donna nella società.

A oggi, quali pensi siano le battaglie che, da donne, dobbiamo ancora combattere?

Tutto! Tutte le battaglie che abbiamo combattuto cinquant’anni fa, non è cambiato molto. La posizione della donna, il gender gap, i posti di lavoro, i salari, tutto! La donna, oggi, avendo conquistato la sua emancipazione, si ritrova a dover essere sia madre, sia colei che deve portare il pane in famiglia. Non c’è eguaglianza. E non so neanche quando ci si arriverà. Il patriarcato e la misoginia sono stati talmente interiorizzati negli ultimi due millenni, che sembra difficile scrollarseli di dosso. Sarà un lavoro faticoso, per mia figlia e, probabilmente, anche per la figlia di mia figlia.

Anche in Anatomia di un cuore selvaggio non hai avuto paura di raccontarti con sincerità. Com’è stato mettere nero su bianco la tua vita? È stato faticosissimo. Non avevo idea di quanto sarebbe stato necessario per la mia rivoluzione personale e per cambiare il mio karma. Però, dopo il primo mese e poi quando è uscito, mi sono accorta che ero molto cambiata, anche nei miei comportamenti. I miei difetti di carattere si sono attenuati. Forse perché tirare fuori da dentro le proprie sofferenze, i propri sbagli, i rancori le paure – e proprio tirarle fuori! -, è un modo per togliersele, per liberarsene. E poi, con la pubblicazione del libro, ho sentito come se non appartenessero più a me. E ho pensato a un valore più alto: questa storia, per quanto sia strampalata, è la mia storia, però altre persone potevano riconoscercisi e sentirsi meno sole. Potevo raccontare ai diversi che ci sono altri diversi intorno a loro. A me ha aiutato, e da quello che mi hanno scritto

And what are the battles that, as women, we still have to fight today?

Everything! All the battles we fought fifty years ago, ‘cause nothing has really changed. Women’s position, the gender gap, jobs, salaries, everything! Women gained their right to emancipation but we still find ourselves being mothers and, at the same time, breadwinners. There’s no equality. And I can’t tell if we’ll ever get there. For over two thousand years, we have internalized Patriarchate and misogyny and I don’t think we will easily get rid of them. It will be hard, for my daughter and, probably, even for my granddaughter.

Once again, in Anatomia di un cuore selvaggio you had the courage to sincerely tell who you are. How was putting your life pen to paper like?

It was really hard. I had no idea that it would have been so important for my personal revolution and for my karma. After the first month, and then we it was released, I realized I was changed.

Even my behaviors were changed. My defects of character were beginning to ease. Maybe, when you take your grief, your mistakes, your grudge and your fears from the inside and you throw them all away, you get rid of them. You break free. When the book was released, I felt that all those feelings weren’t mine anymore.

And I focused on their true value: the book’s story is my story, and even if it’s a bit wacky, other people can recognize themselves in what I wrote and feel less alone. I could tell weirdos that there are other weirdos in the world. It helped me a lot, and I get a lot of messages from people, men and women, who tell me I helped them too. This is the best thing that could happen to me and I never thought this could happen because I started writing the book for myself, to heal.

Writing can be used to think, process, forgive, make a point.

How was your desire to investigate your own life born?

I was very reluctant at first. I started writing because I listened to my therapist, and she was telling me this for years. And, for years, I had writer’s block and I didn’t know if I still had a voice of my own. But I did it, and I did as virgos do it: consistently. Everyday, at the same time, in the same place I wrote. I knew what I wanted to talk about but my mind was running too. I told things I wanted to keep for myself.

When you were young, who were your...

I really liked Madonna. When I was younger, Madonna was a legend, and she still is today. She did so much, more than you can imagine, for the women cause, against racism, sexism, for women’s power. She always wanted to convey important messages.

And, as an artist, she’s always stayed hungry, she’s changed a lot. I find her inspiring. And then I’d say the writers I always loved,

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tante persone, donne e uomini, i lettori si sono riconosciuti e penso di aver aiutato anche loro. Questo è quanto di meglio potesse accadere, e non lo immaginavo perché, inizialmente, l’ho scritto esclusivamente per me stessa, per poter stare meglio.

La scrittura è un mezzo per riflettere, elaborare, perdonare, concludere. Da cosa è nata la voglia di indagare la tua vita e la tua infanzia?

Ho iniziato a scrivere con grande reticenza. L’ho fatto perché ho ascoltato il consiglio della mia terapeuta, che me lo diceva da anni. E, da anni, io avevo un po’ il blocco della scrittrice, e non sapevo nemmeno più se ancora avevo una mia voce. Però l’ho fatto, e l’ho fatto nel modo tipico delle vergini come me: in modo sistematico, ogni giorno, a quell’ora, in quel luogo, mi mettevo a scrivere e scrivevo un tot. Sapevo più o meno gli argomenti che volevo trattare, anche se poi la mente mi portava anche altrove. Ho raccontato delle cose che non avrei voluto raccontare e che non pensavo che avrei raccontato.

such as Marina Cvetaeva and Sylvia Plath. Both their stories are very sad, but I feel their words and their poems.

What would you like to teach and tell to young women around the world?

I’m not sure I have something to teach. But I can tell what happened to me, and I know that life will knock you out a hundred times, but you must get back on your feet every single time. Each time I stood back up, I knew I was stronger. You must be resilient.

Life would want us women to be silent, obliging and dominated but we can express ourselves and we know we’re not all the same. And it applies to races, to all ages: we must assert our identity. And we mustn’t let critiques and the people who want to tear us apart win. We must remember who we truly are. And we must remember who we were as children and of the eternal puer, as Hillman says. If we had the chance to have a look to all the stages of our life (us as children, as teenagers, as women, as old women), we would reach piece of mind and we would have the strength to accept life’s challenges.

Durante l’adolescenza, chi erano le tue eroine? E oggi?

Io guardavo sempre a Madonna. Quando ero ragazzina, Madonna era un mito, e lo è tutt’ora. Lei ha fatto tantissimo, più di quanto si possa immaginare, per poter avanzare la posizione della donna nella società, contro il razzismo, contro il sessismo, per il potere alle donne. Il suo messaggio è sempre stato forte. E poi è un’artista che è sempre rimasta curiosa, è evoluta, cambiata. È un grandissimo modello, per me, e mi ci sono sempre ispirata. E poi ci sono le scrittrice che amo sin da quando ero piccola, come Marina Cvetaeva, Sylvia Plath. Sono storie piuttosto infelici, le loro. Ma le loro parole, le loro poesie sono dei ritratti nei quali mi riconosco ancora.

Cosa vorresti insegnare e dire alle giovani donne del mondo?

Io non me la sento di insegnare niente. Posso solo dire quello che è successo a me, e cioè che so che la vita ti fa cadere cento volte e bisogna sapersi rialzare cento e una. E, ogni volta che mi sono rialzata, sono sempre stata più forte. Serve resilienza. La vita ci vorrebbe ammutolite, servizievoli e succubi e invece, attraverso la libertà di espressione, non siamo tutte uguali. È trasversale, e vale per tutte le razze e per tutte le età: dobbiamo affermare la nostra identità. E non dobbiamo permettere alle critiche o alle persone che vogliono tirarci giù, per le loro insicurezze, di farcela. Dobbiamo ricordarci sempre chi siamo e qual è la nostra vera essenza. E dobbiamo farlo ricordandoci di noi da bambine, avendo ben in mente questo puer eterno, come diceva Hillman. Se avessimo modo di vedere noi stesse in tutte le fasi della vita (noi bambine, noi ragazze, noi donne, noi vecchie), saremmo un po’ più serene e accetteremmo un po’ di più gli ostacoli che la vita ci mette davanti.

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Copertina di Matteo Buffagni

Il vostro piano non funzionerA’!

E tutte le persone coinvolte nei falsi colpi?! Prima o poi, qualcuno di quelli che sanno parlerA’!

Giusto. Avrebbe potuto essere un problema...

ARRIVEDERcI

“Ma qualcuno lo sta risolvendo, proprio mentre noi siamo qui a parlarne.”

9/1

“Il mare puO’ essere pericoloso.

Accadono tanti incidenti...”

Subito, signor Bolland.

Qui va bene.

Calate l’ancora.

9/2

“Ma anche la citta’ e’ piena di pericoli, ispettore.

Lo sappiamo bene...”

“Con tutta questa criminalita’...”

Bravo, signor Hansen. Non avete opposto resistenza.

Peccato, per voi, che i soldi non siano il nostro vero obiettivo...

AAH!

9/3

Coraggio, amico. Il cloroformio non E’ poi cosI’ terribile...

“Insomma, E’ un mondo difficile. E anche i ricchi possono avere momenti di depressione...”

E ha il vantaggio di non lasciare tracce.

Questi morti, tutti nella stessa notte... collegati alle recenti rapine! Una coincidenza sospetta... ci sarA’ un’inchiesta!

No... vi prego!

Addio...

State di nuovo sottovalutandoci.

Depistare, insabbiare, confondere prove e indizi E’ la NOSTRA prassi... la NOSTRA forza!

9/4

Il problema aperto siete solo voi, ispettore...

Ebbene, ve lo chiedero’ solo una volta... siete disposto a unirvi a NOI? ALL’INFERNO! Adesso!

9/5

Quel maledetto e’ un grosso pericolo, certo... tuttavia, da li’ dentro NON puo’ scappare. E lo stesso discorso vale per l’ispettore.

Si e’ liberato!

Ma come ha fatto?

Lo scopriremo dopo.

Manteniamo la calma.

Entreremo usando ogni precauzione.

Chiamate anche i vostri due colleghi.

Si’, giudice!

Sto per aprire.

Tenetevi pronti.

Che accidenti...

9/6

MALEDETTO! Se siamo finiti qui, e’ colpa tua! Sei stato TU a tendere questa trappola!

Nnngh...

TU hai lasciato che quella donna ci usasse come marionette! Ora io moriro’... ma dopo avere ammazzato te!

NO! LASCIALO!

Grandissimo bastardo!

Sentiamo se ci sono pulsazion...

9/7

Attenta!

Una mossa falsa... e ti spacco il collo!

che...?

AH!

9/8

Tutto si gioca in una manciata di secondi...

Ferma...

9/9

AH!

ora basta!

Tieni!

Usciamo di qui, adesso.

Muovetevi.

Ve ne pentirete...

9/10

Non mi piace... ma dovro’ improvvisare.

... Con l’aiuto dell’ispettore, che ora non ha alternative...

Quanti altri ce ne sono?

COSA?

Avanti, Giudice, non perdiamo tempo.

Sono certo che c’e’ ancora qualcuno, qui fuori, e voi ci state facendo conto.

Quindi, ripeto la domanda... quanti ce ne sono la’ fuori?

Due. Sono in due.

Sentendo gli spari, avranno pensato che io e l’ispettore siamo stati uccisi, secondo i programmi.

Ora chiamateli... dite loro di entrare.

9/11

Stone, Gregor, venite qui!

D’accordo, Giudice.

Abbiamo capito... arriviamo subito.

Ma che...

Giudice!

Cosa e’ successo?

E l’ispettore?

9/12

Sono qui.

Mani in vista e niente scherzi. Non vi conviene.

Oh, accidenti!

Per vostra informazione, la pistola in mano alla vostra “padrona” e’ priva di caricatore.

Ispettore, ora devi scegliere...

9/13

Tu hai in mano la responsabile di furti, omicidi... e di un’ondata di panico.

Consegnala ai giudici, quelli VERI, e tutto tornera’ alla normalita’.

Potresti anche spingerti piu’ in la’, raccontando quello che hai scoperto su di me... sulla mia effettiva esistenza.

Ma cosa otterresti?

Semineresti comunque la paura collettiva... e cosi’, di fatto, porteresti avanti il piano che abbiamo appena sventato.

Saranno LORO a parlare di te, se non lo faro’ io!

In tal caso li smentirai, sostenendo che si tratta di una menzogna inventata per dare una specie di giustificazione alle loro azioni!

9/14

Potrai dimostrare che hanno creato un falso mito, usando complici di ogni genere.

Sta a te convincere tutti che l’ombra della notte non e’ mai esistita. Che e’ un’invenzione, creata per loschi fini.

Discorsi interessanti.

Ma sto valutando un’altra ipotesi...

Aspetta.

Prima ascoltami.

abbasso la voce perche’ gli altri non possano sentire.

E gli spiego...

Non ti conviene cercare di usare quella pistola contro di me.

9/15

Prima di gettartela, l’ho manomessa infilando nella canna un pezzetto del cuoio strappato dalle cinghie che ci bloccavano i polsi, in modo da ostruirla.

Quindi ora e’ meglio, per te, lasciarmi andare indisturbato.

BASTARDO...

Addio, ispettore...

NO. Arrivederci.

Ora conosco il tuo volto.

9/16

Questo volto?

Uno dei tanti, ispettore...

Dannazione!

UH!

9/17

9/19

NNNGH!

Giudice, pensavi veramente di farmi credere di avere portato soltanto i DUE scagnozzi a cui hai ordinato di entrare?

Bene.

Adesso vado. Se ce ne saranno altri, me ne occupero’ io.

9/20

Ispettore!

State lasciando fuggire quel criminale!

Non capisco, giudice...

Di chi parlate?

Quale criminale?

Gli unici criminali che vedo siete voi.

“La battaglia fra me e LUI e’ solo cominciata.

La combatteremo in segreto, noi due soltanto.”

9/21

... durante la conferenza stampa, l’ispettore ha presentato i risultati della perquisizione nello studio del giudice, che...

Ho fatto la scelta giusta, non uccidendola.

La rovina e la prigione saranno per lei peggio della morte.

Eppure ho una sorta di... rimpianto.

Per quello che lei avrebbe potuto essere.

Ripenso al fascino che percepivo, dietro la folle ossessione da cui era posseduta.

Se mai incontrassi una donna cosi’, con quel volto, quella forza, quell’intelligenza... ma diversa... dentro.

9/22 continua...

LOREDANA BERTÈ

MATIAS PERDOMO Tutta colpa dei ravioli ricotta e spinaci ...

It’s all the fault of the ricotta and spinach ravioli…

MATTEO ATTRUIA Comunque vada sarà un successo

Genius on Trend a cura di / by Giorgio Di Bernardo

It’s a women’s world

INDEX

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INDEX 1

C&C: “Ci prendiamo cura di chi ogni giorno decide di sceglierci” C&C: “We take care of those who choose us every day”

Italia Independent presenta la nuova 390 collezione e la Campagna di Comunicazione SS 2021 firmata Cristiano Ronaldo - CR7 Eyewear Italia Independent presents the new collection and the new SS 2021 Communication Campaign signed by Cristiano Ronaldo – CR7 Eyewear

PEOPLE ON TREND Comunque vada sarà un successo Carlo Bach intervista Matteo Attruia Comunque vada sarà un successo

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Carlo Bach interviews Matteo Attruia

It’s a women’s world 318 Loredana Bertè: madre, padre e figlia della libertà It’s a women’s world Loredana Bertè: freedom’s mother, father and daughter

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Non chiamateli hotel. Ecco i luoghi della nuova ospitalità Don’t call them Hotels! Here are the places in the new hospitality industry

344

Mille maledizioni e mai uno strappo alla camicia L’arte della camicia secondo Alberto Guazzetti A thousand curses never tore a shirt

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TRAVEL ON TREND Bvlgari Hotel Milano La prima gemma dei Bvlgari Hotels & Resorts Bvlgari Hotel Milano

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Bvlgari Hotels & Resorts’ first gem

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BRAND ON TREND Valsport: il marchio iconico che guarda alla Generazione Z Valsport: the iconic brand that looks at the Generation Z

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Gigi Soldano: Moto GP behind the scenes

Big wave riding, sfida contro se stessi Big wave riding, a challenge against yourself 358

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SPORT ON TREND

Sfide oltre i miei occhi Gigi Soldano: il dietro le quinte della Moto GP Challenges beyond my eyes

Knot’s science

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Carlo Borlenghi tells how his photos come to life

The art of wearing shirts according to Alberto Guazzetti

“Why Knots?”

La scienza del nodo alla cravatta “Why Knots?”

Generazione grappa Intervista a Lisa Tosolini: l’arte del distillato in Bepi Tosolini Grappa generation

Scatto foto in mezzo all’oceano, ma non so nuotare.

Carlo Borlenghi racconta come nascono le sue foto I take pictures in the middle of the ocean, but I can’t swim.

EXPERIENCE ON TREND I ribelli di oggi Today’s rebels

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Clara C’. Le bollicine premium secondo Clara Carpenè Clara C’. Premium bubbly according to Clara Carpenè

To be a “ROC” chef according to Matias Perdomo

Antonia Montanari’s Fil Rouge Jewelry

Fantinel, il Friuli Venezia Giulia nel mondo Fantinel, Friuli Venzia Giulia in the world

Interview with Lisa Tosolini: distillate’s art in Bepi Tosolini

Tutta colpa dei ravioli ricotta e spinaci…

322 Essere un cuoco “ROC” secondo Matias Perdomo It’s all the fault of the ricotta and spinach ravioli…

Il linguaggio segreto dei gioielli Fil Rouge Jewelry di Antonia Montanari Jewelry’s secret language

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SHOP ON TREND Seize the (Cumini) Summer

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Genius Style

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ART ON TREND Igor Mitoraj Imponenti e silenti bronzi vegliano sulla cattedrale di Noto Igor Mitoraj

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The silent and majestic bronzes guard the cathedral of Noto

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PEOPLE

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Comunque vada sarà un successo Carlo Bach intervista Matteo Attruia Comunque vada sarà un successo Carlo Bach interviews Matteo Attruia a cura di/edited by Francesca Gatti

Matteo Attruia Carlo Bach, artista e direttore creativo, presenta Matteo Attruia. Originario di Sacile (PN), Attruia utilizza per la propria arte i più diversi mezzi espressivi, a partire dal linguaggio per spaziare nella pittura, nella fotografia e nel riutilizzo di oggetti comuni. Ha lavorato in diverse parti del mondo ed esposto a Roma, Milano, New York, Nova Gorica, Parigi, Trieste Nel descriversi però preferisce la seguente nota biografica: “nato ad un certo punto, vive e lavora ovunque”.

Artist and Creative Director Carlo Bach presents Matteo Attruia. Attruia was born in Sacile (PN) and his art is made by different means of expression: from language to painting, from photography to common objects’ re-use. He has worked all around the world and he has showed his exhibits in Rome, Milan, New York, Nova Gorica, Paris and Trieste.

He describes himself as a man “born at some time, who lives and works everywhere”.

In foto Matteo Attruia con la sua opera “Aureola (beato te)” - scultura in filo neon - 30 cm diametro - 2014

Tutto è iniziato nel 2008 con una lettera minatoria in cui mi intimavi di lavorare insieme a te. Lo hai fatto con tutti?

Sì, con le persone con cui volevo intraprendere un percorso professionale. In quegli anni inviai una serie di lettere a chi lavorava nel mondo dell’arte: critici, collezionisti, curatori. La richiesta era sempre la stessa: iniziare a lavorare insieme. La maggior parte delle lettere, realizzate proprio alla vecchia maniera con i ritagli di giornale, fu cestinata. Ci fu anche chi, spaventato, chiamò i carabinieri. Ma non tutte finirono nel vuoto.

Da alcune, come nel tuo caso, nacquero collaborazioni durature

It all started in 2008 with a threatening letter in which you ordered me to work with you. Do you regularly do this?

Yes, I do it with all those people I want to work with. In those years I sent letters to people who worked in the art world: to art critics, collectors, curators. I always had the same request: I wanted to start working together. Most part of those letters, that I made in the old-fashioned way with newspaper clippings, were just thrown away. I even scared some people and they called the police. But not all of them ended in the bin. As in your case, some of them gave life to long-term partherships. But I was

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PEOPLE ON TREND / MATTEO ATTRUIA

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BAU BAU - fine art print - 30 x 30 cm - 2017 - ed. di 9

e poi quello che mi interessava più di tutto era l’esercizio del fallimento, il riconoscimento del proprio lavoro che passa attraverso il proprio lavoro, il momento in cui contenuto e contenitore si sovrappongono.

Ecco un perfetto esempio del dubbio, della domanda che i tuoi lavori spontaneamente fanno scaturire in chi li guarda: non si capisce se è scherzo, gioco, minaccia.

Faccio nascere dubbi ma nel modo più semplice possibile. Da sempre cerco un linguaggio che sia immediato nella compren-

mostly interested in failure exercise, in the recognition of my work through my work, in that moment in which content and container overlap.

This is a perfect example of the doubt, of that question that spontaneously your work brings forth in who’s watching: you don’t understand if it’s a joke, a game, a threat.

I give life to doubt in the simplest way ever. I’ve always looked for a language that was immediately understandable and that wouldn’t speak just to an exclusive and elitist audience. My work

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L’opera per me è completa quando la persona addirittura se la dimentica: è una partenza per un viaggio altrove.

A piece of art is complete when the audience forgets about it: it’s the starting point for a journey.

sione, che non parli ad un pubblico esclusivo o elitario. Realizzo opere che contengano un senso facilmente afferrabile da tutti.

Chi vede il mio lavoro deve capirne sempre il senso. Poi il significato è un’altra cosa, ognuno se lo creerà in modo personale.

Facile comprensione da un lato ma, dall’altro, sempre un bivio, se non addirittura molteplici interpretazioni.

Vero. Non mi interessa capire cosa sia o meno un’opera d’arte.

Mi interessa che l’oggetto ponga sempre il fruitore di fronte a

is easily understandable and it’s made for everyone. Whoever sees my work must understand it. Meaning is something else, everyone has one of his own.

Easy comprehension on one side, but on the other there’s always a crossroad or multiple understandings.

It’s true. I’m not interested in understanding what a piece of art should or shouldn’t be. I want art to raise one or infinite questions. A piece of art is complete when the audience forgets about it: it’s the starting point for a journey. Contemplation isn’t foreseen: comprehension is immediate, but our inner amplification can might take some time. Even when we’re no longer in front of the piece of work. This rule doesn’t apply to all art: you can’t run away from paintings because they engage you, they get the eyes.

But you can run away from my work and you must get away in order to create something personal and different. I am pop.

As other pop artists, you use common objects and you transform them in something that generates surreal reflections.

I work with things that already exist. The transformations I trigger are minimal: it takes one comma, a new space and the meaning changes. It’s pop because it involves iconographic and recognizable objects and elements we use everyday: classic pop artists completely transformed them with fierce interpretation and am-

Questa casa non è un albergo - 4 stelle lightbox luminose - 60 x 280 cm - 2019 - ph. Giovanni De Roia Genius People Magazine

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Io abito - abito sartoriale in coperta isotermica - ed. di 5 2015 / 2019 - ph. Giovanni De Roia Genius People Magazine

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A TE - lightbox - 180 x 35 x 11 cm ed. 1 2019 - ph. Matthias Parillaud Genius People Magazine

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COMUNQUE VADA SARÀ SUCCESSO - fine art - 30 x 40 cm - 2020 - ph. Matthias Parillaud Genius People Magazine

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POVERAARTEPOVERAARTE - installazione ambientale - courtesy Marina Bastianello Gallery

POVERAARTEPOVERAARTE - installazione ambientale - courtesy Marina Bastianello Gallery Genius People Magazine

PEOPLE ON TREND / MATTEO ATTRUIA

uno o infiniti interrogativi. L’opera per me è completa quando la persona addirittura se la dimentica: è una partenza per un viaggio altrove. La contemplazione non è prevista nel mio lavoro: la comprensione è immediata ma l’amplificazione interiore di ciascuno può arrivare molto dopo, anche quando non ha più di fronte l’opera. È una regola che ovviamente non vale per tutta l’arte: è difficile “fuggire” dalla pittura, per esempio, perché la pittura ti coinvolge, ti cattura. Dalle mie opere invece si può ed è necessario allontanarsi per creare qualcosa di diverso e di personale. È il mio essere pop.

Come gli artisti pop usi oggetti dell’immaginario collettivo ma li trasformi in qualcosa che genera una riflessione surreale.

Io agisco su cose che esistono già. La trasformazione che innesco è minima, basta una virgola, uno spazio aggiunto e il senso cambia. È pop perché coinvolge oggetti ed elementi iconografici subito riconoscibili e di uso comune: i classici artisti pop li trasformavano profondamente con feroce interpretazione e amplificazione. Io invece sono uno specchio più che una lente, rifletto una piccola variazione in un oggetto che determina il pensiero di chi guarda.

L’artista è proprio colui che ha il coraggio di mostrare agli altri ciò che ha realizzato, il pensiero divenuto oggetto.

Non è solo coraggio: l’opera è sempre una somma di errori dall’idea iniziale da cui si è partiti. C’è anche vanità, presunzione e il narcisismo dell’artista che crede di avere il compito di mettere in pratica questa idea. E di fallire sempre meglio.

Ogni processo trova nell’errore la forza creativa, come nella genetica così come nell’arte. Come ti avvicini al sacro nel tuo lavoro?

Essendo italiano ho una formazione cristiana. Il sacro per me ha un fascino iconografico: penso al mio primo lavoro al neon che fu la scritta Ave Maria che avevo visto fuori da una mensa dei poveri a Roma.

Poi ci fu l’aureola.

Quel lavoro si intitola “beato te”. L’aureola era un’installazione ad altezza uomo per potersi posizionare al di sotto. Beato te apre a diversi significati: la beatificazione religiosa ma anche il riferimento al collezionista fortunato che si aggiudica l’opera. Ancora una volta due parole che tutti possono “riempire” del significato che preferiscono.

C’è il dubbio, c’è l’interpretazione personale ma c’è spesso anche il sorriso di fronte alle tue opere: ti dispiace?

Al contrario. Non ho timore né dell’essere compreso né del generare sorriso: che sia ironico, meditativo o amaro, il sorriso è comunque una cosa meravigliosa. È altrettanto importante del creare un pensiero più intellettuale. Mi fa felice.

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Non ho timore né dell’essere compreso né del generare sorriso: che sia ironico, meditativo o amaro, il sorriso è comunque una cosa meravigliosa.

I’m not afraid of being understood or of making people smile: whether it’s ironic, meditative or bitter, smiles are amazing.

plification. I’m more a mirror than a lens. I reflect an object’s small variation and it creates a thought in those who look.

An artist is someone who has the courage to show others what he created, thought becomes an object.

It’s not just about courage: a piece of work is the sum of all the mistakes that happened since its original idea. It’s even about vanity, presumption and narcissism. Artists believe they’ve been charged to carry out an idea. And they believe they can fail better and better.

Every process finds creative strength in mistakes. It happens in genetic, it happens in art. How do you approach sacredness in your work?

Since I’m Italian, I have a Christian education. I’m fascinated by its iconography: I’m thinking about my first neon work, Ave Maria was written outside a soup kitchen in Rome.

And then you made the halo.

That work is called “beato te”. The halo was an installation I made on a human level so that the audience could go underneath it. Beato te has several meanings: religious beatification but it’s also a message to the lucky collector who won the work.

Once again, these two words can be filled with the meaning you prefer.

There’s doubt, personal interpretation but often your works make people smile. Do you mind?

Absolutely not. I’m not afraid of being understood or of making people smile: whether it’s ironic, meditative or bitter, smiles are amazing. It’s as important as generating an intellectual thought. It makes me happy.

“Io abito”. Where does this project stand in your creative path?

I got the idea from Joseph Beuys’ felt suit (1970). It’s a tailored men’s suit I made with a space blanket. It’s an object that imme-

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once upon a time - scritta filo neon - 155 x 12 cm - 2014 ed. di 5

e.g.o. (help! new collector wanted) - scritta su plexiglass - 100 x 100 x 200 cm - 2020 - courtesy Marina Bastianello Gallery Genius People Magazine

PEOPLE ON TREND / MATTEO ATTRUIA

“Io abito”. Come si inserisce quel lavoro nel tuo percorso creativo?

La suggestione arrivò dal vestito di feltro di Joseph Beuys (1970).

Si tratta di un abito sartoriale da uomo realizzato con la coperta isotermica, un oggetto che evoca immediatamente parole come emergenza, protezione accoglienza e si trasforma in “io abito”.

Abito può essere semplicemente un sostantivo, ma è anche il verbo che dice “sono qui, esisto e voglio vivere qui”: il significato dell’accoglienza. È un progetto a cui tengo moltissimo, ci ho messo molo tempo a realizzarlo perché tagliare e cucire quel materiale è stato davvero complicato.

In più è un lavoro che racchiude un esempio interessante della diversa interpretazione che possono avere i miei lavori: la grande maggioranza delle persone che hanno visto l’opera hanno immediatamente pensato ad un abito d’oro, al lusso, non al tema drammatico a cui realmente si riferisce.

Come stai vivendo questo periodo particolare?

Ho avuto la fortuna di essere coinvolto in diversi progetti interessanti. Una mostra collettiva negli spazi della galleria Michela di Rizzo di Venezia (dove ho presentato il nuovo ciclo dal titolo E.G.O. cartelli trasparenti di protesta personale) e, soprattutto, un progetto curato da Alessio Vigni per la Marina Bastianello Gallery (che tratta i miei lavori in esclusiva per il mercato italiano) che ha coinvolto noi artisti in una esposizione a 80 metri d’altezza sul più grande led-wall d’Italia.

Anche qui, ho cercato di utilizzare un mezzo espressivo diretto, facilmente adattabile al mio messaggio: una gif che senza soluzione di continuità trasmette le parole ARTE e POVERA, così da lasciarne aperta l’interpretazione: ARTE POVERA o POVERA ARTE? Ora sto lavorando per le prossime personali a Milano e a Mestre.

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diately recalls the words emergency, protection, acceptance and that I transformed in “io abito”.

Abito, in Italian, can be a noun, but it’s also the verb for “I’m here, I exist and I want to live here”: it’s acceptance’s meaning.

I really care about this project. It took me a lot of time to create it because cutting and sewing that material was really complicated.

It’s also an interesting example of the different meanings of my works: most part of the people who have seen it, have thought about a golden suit and about luxury, they didn’t get the dramatic theme it refers to.

How are you living this strange time?

I was lucky enough to get involved in many different interesting projects. In a group exhibition in galleria Michela di Rizzo in Venice (where I presented my last work called E.G.O., personal protest transparent signs) and especially in a project edited by Alessio Vigni for the Marina Bastianello Gallery (they deal with my work for the Italian market). He has involved us in a 80 metre-high exhibit on Italy’s biggest led-wall.

Even in this case I tried to use a direct medium that could suit my message: a seamless gif that transmits the words ARTE and POVERA. So, the meaning can be: ARTE POVERA or POVERA ARTE. Now I’m working on my exhibits in Milan and in Mestre.

Either way, you made it?

There’s a past participle and a noun. Leaving a question, stimulates people. I don’t have an answer and I don’t know what’s best. One meaning is contained in the other; both exist in my reality.

Comunque vada sarà un successo o sarà successo?

Esiste un participio passato ed esiste un sostantivo. È proprio lasciare l’interrogativo che stimola. Io non ho la risposta, non so cosa sia meglio. Un significato è contenuto nell’altro, esistono entrambi nella mia realtà.

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It’s a women’s world Loredana Bertè: madre, padre e figlia della libertà It’s a women’s world Loredana Bertè: freedom’s mother, father and daughter di/by Giorgio Di Bernardo - a cura di/edited by Carolina Genna

Loredana Bertè Loredana Bertè è una cantautrice, attrice e ballerina italiana. Incoronata come vera e propria Regina del rock nostrano, i suoi cinquant’anni di carriera nel campo musicale ne hanno fatto un’icona e un faro per tutte le donne libere e selvagge del mondo.

La sua carriera è cosparsa di successi: ha pubblicato ben 17 album in studio, 5 album live, 2 EP e 4 raccolte ufficiali. Il suo album Traslocando, rilasciato nel 1982, è stato inserito da Rolling Stone nella classifica dei migliori dischi italiani della storia alla 24° posizione e, ancora oggi, è l’unica donna a essere presente nei primi trenta posti. Si è fatta amare dal grande pubblico coi singoli di successo Sei bellissima, E la luna bussò, Non sono una signora e quest’anno è tornata sotto ai riflettori con la sua nuova hit Figlia di…, presentata al Festival di Sanremo, un vero e proprio inno alla libertà e all’emancipazione femminile.

Loredana Bertè is an Italian singer-songwriter, actress and dancer. She was crowned as Italian’s rock queen and her fifty years long music career has made her an icon and a point of reference for all the free and wild women around the world.

Her career is filled up with success: she has published 17 studio albums, 5 live albums, 2 Eps and 4 official compilations.

Her album Traslocando, released in 1982, was included in Rolling Stone’s Italian’s top albums of all time in 24th position, and to date she’s still the only woman included in the first 30 positions. She got to the public’s heart with the singles Sei Bellissima, E la luna bussò, Non sono una signora, and this year she got back in the spotlight with her new hit Figlia di…, an ode to women’s freedom and emancipation, presented in this year’s edition of Sanremo’s Festival.

A Sanremo hai presentato il tuo nuovo brano Figlia di…, un inno alla libertà femminile, ma anche sintesi perfetta di chi è e di chi è stata Loredana. Quindi, chi è Loredana oggi? Qual è stato il motore propulsore della nascita del brano?

Figlia di… è un inno alla libertà femminile e anche un mio autoritratto. Il testo è autobiografico. L’ho scritto con Pula, su musica e con la produzione di Luca Chiaravalli.

During this edition of Sanremo, you performed your new song Figlia di…, a hymn to women’s freedom and a synthesis of who you’ve been and of who you’ve become. So, who’s Loredana today? How was this song born?

Figlia di… is a hymn to women’s freedom, and it’s my self-portrait as well. The lyrics are autobiographical. I wrote them with Pula on music and with Luca Chiaravelli’s production.

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PEOPLE ON TREND / LOREDANA BERTÈ

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In foto la versione cartoon di Loredana Bertè realizzata da I Conigli Viola

È nato riflettendo sul mio vissuto in occasione del traguardo dei ’70, ho fatto un bilancio e non poteva che venir fuori Figlia di…

Perché ho dovuto sempre bastare a me stessa, essere padre, madre, figlia di me stessa e rinascere sempre da me stessa, come la matrioska del video.

Il singolo è solo un assaggio di un progetto musicale molto più ampio al quale stiamo lavorando e che uscirà per Warner Music.

The song is the result of my considerations now that I’m turning 70. I summed everything up and Figlia di… has come to life. Because I’ve always been my own person: I was my own father, mother and daughter, and every time I had to reinvent myself, I did it on my own, like the matrioska in my music video. The song is just a small part of a bigger project I’m working on and that will be soon released by Warner Music.

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Figlia di… è stato anche eretto a vero e proprio manifesto femminista. Quali sono, a oggi, le battaglie che, da donne, dobbiamo ancora combattere?

Figlia di… è un grido di emancipazione femminile, nel segno di tutte le donne che si sono fatte da sole e bastano a se stesse.

Ho portato le scarpette rosse sul palco di Sanremo, la battaglia contro il femminicidio è un priorità.

Le scarpette sono il simbolo della lotta al femminicidio, per non dimenticare, mai. Proprio in questo anno di pandemia, con il lockdown, c’è stato un incremento assurdo di femminicidi e bisogna sempre tenerlo presente.

E mi raccomando: al primo schiaffo, denunciare! Denunciare subito o girare i tacchi ed andarsene.

Da artista, quale pensi sia il ruolo della musica, e dell’arte in generale, all’interno del processo di trasformazione ed evoluzione culturale e sociale?

La Musica è arte ed entrambi permettono di esternare un giudizio consapevole del contesto sociale in cui sono inserite, rappresentando le condizioni e il cammino che hanno portato ad esse.

Alcuni mi vedono come un’influencer ante litterram, proprio perché gli artisti vengono emulati in quanto chiaro specchio della società che li circonda e della direzione in cui sta andando.

Quali sono le battaglie che hai combattuto in tutti questi anni e di cui sei, ancora oggi, orgogliosa?

Ho combattuto tutte le battaglie che ci son state da fare e ora sto combattendo per il DDL ZAN. I figli di...Loredana sono le persone libere, emancipate, anticonformiste. Sono le persone che lottano e hanno lottato contro i pregiudizi, che non hanno paura della diversità. Tutti quelli che si sono fatti da soli e che sono se stessi e che camminano sempre a testa alta, fregandosene di quello che dice la gente.

Asia Argento, Barbara Alberti, Chiara Ferragni, Elodie, Emma Marrone, Franca Leosini, Myss Keta, Platinette e Vladimir Luxuria sono tutte figlie di Loredana. Cos’hanno in comune queste grandi donne?

I Coniglio Viola hanno cartoonizzato me, questo “manipolo” di donne che stimo tantissimo, ognuna per le sue caratteristiche, e la special guest Chiara Ferragni, che per coincidenza era davvero in dolce attesa di una bimba. Mi ha chiesto espressamente di vestire i miei panni in “Re” del Sanremo ’86, quando mi presentai con una finta pancia.

Il messaggio che volevo far arrivare era che una donna, quando è incinta, non è malata, ma anzi è più forte perché sta per dare la vita a un nuovo essere umano. All’epoca fui totalmente fraintesa.

Ci ho riprovato con la Ferragni: vediamo se oggi che siamo nel 2021 qualcuno lo capisce.

Figlia di… is being raised to feminist manifesto. What are, to date, the battles that women must still fight?

Figlia di… is all about women’s emancipation: I made it for all those women who are their own person and who provide for themselves. On Sanremo’s stage, I wore my red shoes: fighting against feminicide is a priority. Red shoes are its symbol. We must do everything possible not to forget. During this last year, with the pandemic and the lockdowns, feminicides have increased and we must always keep that in mind. And remember: when he hits the first time, report it! Report it immediately and walk away!

As an artist, what do you think is music’s and art’s role in social and cultural transformation and evolution process?

Music is art and they both allow people to express their informed opinion on the social context they live in, expressing the conditions and the path that led to them. Some see me as an influencer ante litterram because artists are often emulated. They’re the clear mirror of the society that surrounds them and the direction in which society’s going.

Of which battles you fought are you still proud today?

I fought all the battles I had to fight and now I’m fighting for the DDL Zan. Loredana’s sons and daughters are free, emancipated and unconventional. They’re the people who have fought and who still fight against prejudice and that aren’t afraid of diversity.

They provide for themselves and they are true to themselves.

They stand tall and they don’t care about other people’s opinions.

Asia Argento, Barbara Alberti, Chiara Ferragni, Elodie, Emma Marrone, Franca Leosini, Myss Keta, Platinette e Vladimir Luxuria are Loredana’s daughters. What do all these amazing women have in common?

The Conigli Viola cartoonized me, all these extraordinary women I look up to, and my special guest Chiara Ferragni, who, coincidentally, was pregnant. She specifically asked me to assume my role in my performance at Sanremo ’86, when I got on stage with a fake belly. At the time I wanted to convey the message that pregnant women aren’t sick: they’re stronger because they’re giving life to another human being. Back then, people misconstrued it. So, I tried once more with Chiara Ferragni: let’s see if today, in 2021, people will get this right.

Asia Argento is very close to you, do you share the same wild heart?

Asia Argento is my rock daughter!

Asia Argento è una delle donne particolarmente vicine al tuo cuore, condividete lo stesso cuore selvaggio?

Asia Argento è la mia figlia rock!

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PEOPLE ON TREND / LOREDANA BERTÈ

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One year celebrating

Tanti progetti e attività per celebrare i 70 anni dell’Artista One year celebrating New projects and activities to celebrate the Artist’s 70th birthday di/by La Redazione/Editorial Staff Esce il 18 settembre la prima di cinque iconiche pubblicazioni, “LOREDANABERTÈ” 70Bertè Edition, per il 40esimo dell’album omonimo, in formato Picture Disc inedito e da collezione.

Il 20 settembre 2020 Loredana Bertè compie 70 anni e sarà un grande compleanno da ricordare con una festa che durerà un anno intero: tanti progetti e attività che ci accompagneranno fino al 20 settembre 2021.

Il giorno del suo compleanno si parte subito con un nuovo logo e il restyling del sito e di tutti i canali social. Il 18 settembre invece, come anteprima uscirà l’esclusiva ristampa in vinile di “LOREDANABERTÈ”: il primo appuntamento della “70Bertè - Vinyl collection” con l’esclusivo logo ideato dalla stessa Artista. Cinque iconiche pubblicazioni in edizione limitata per celebrare il talento unico ed inimitabile di una fuoriclasse della musica italiana.

“LOREDANABERTÈ” è uno degli album più belli e rappresentativi di Loredana e contiene la superhit “In alto mare”. L’esclusiva ristampa in vinile (disponibile dal 18 settembre su Amazon.it, BTF.it, IBS.it, Mondadori.it e nei migliori negozi di dischi) esce per la prima volta in Picture Disc, formato 12”- 180 gr., in due versioni: “Standard” con card e “Deluxe” con card autografata dall’artista in serie limitata e numerata a 1000 copie.

L’immagine della card riproduce la copertina originale del 45 giri “In alto mare”, diventato uno dei brani simbolo della cantante con oltre 200.000 copie vendute in pochi mesi.

“LOREDANABERTÈ”, pubblicato originariamente nel 1980, riscosse un enorme successo di pubblico e di critica e può essere considerato l’album di svolta “funky” della cantante. Una vera pietra miliare, con sonorità all’avanguardia nel panorama musicale italiano dell’epoca ma tuttora attuali. Prodotto da Mario Lavezzi (che firmava anche gran parte dei brani) “Loredanabertè” è composto da canzoni indimenticabili tra cui spicca “In alto mare” e “Buongiorno anche a te”, quest’ultima scritta da un giovane Pino Daniele, così come “Un po’ di tutto”, mentre “Diverse libertà” porta la firma di Ron. Alberto Radius, Roberto Colombo, Oscar Avogadro, Daniele Pace, Rosario Jermano e Gianfranco Baldazzi sono gli altri prestigiosi compositori e autori di questo importantissimo disco, la cui iconografica copertina è opera del pittore Romeo Borzini.

La serie “70Bertè - Vinyl collection” prevede la pubblicazione in vinile di altri quattro dischi da collezione ognuno dei quali in occasione di particolari ricorrenze o eventi: a novembre 2020 (Giornata Internazionale per l’eliminazione della Violenza Contro le Donne) uscirà il 45 giri di “Fiabe / Anima vai”; ad aprile 2021 (Record Store Day 2021), “T.I.R.”, l’album che consacra l’artista “Rivelazione dell’anno 1977”; a giugno 2021 (Pride 2021) l’album “Traslocando”, inserito dalla rivista Rolling Stone nella classifica dei 100 dischi italiani più belli di sempre. Infine, a settembre 2021, per il 71esimo compleanno di Loredana, sarà pubblicato il vinile “Bandabertè”, quarto album della sua discografia contenente “…E la luna bussò”, altro grande successo di Loredana.

Ogni pubblicazione sarà arricchita di una speciale fascia con il calendario di tutte le uscite della serie evento. La distribuzione è affidata a BTF S.r.l.

Per celebrare nel migliore dei modi questo straordinario anniversario seguiranno tanti altri progetti che saranno svelati dalla stessa artista, man mano nel corso dell’anno.

On September 18, for the 40th anniversary of the album, the first of five iconic publications, “LOREDANABERTÈ” 70Bertè Edition, will be released in an exclusive and collectable edition in Picture Disc format.

On September 20, 2020 Loredana Bertè will be 70 years old and her birthday will be remembered with a party that will last an entire year: many projects and activities will be with us until September 20, 2021.

On the day of her birthday, her logo, her website and all her social channels will be restyled. On September 18 instead, as a preview, the exclusive vinyl reissue of “LOREDANABERTÈ” will be released: it’s the first appointment of the “70Bertè - Vinyl collection”, with the exclusive logo designed by the artist herself. Five iconic publications in limited edition will follow us to celebrate the unique and inimitable talent of a champion of Italian music.

“LOREDANABERTÈ” is one of Loredana’s most beautiful and representative albums and it includes the superhit “In alto mare”. The exclusive vinyl reissue (available from September 18 on Amazon.it, BTF. it, IBS.it, Mondadori.it and in the best record stores) is released for the first time in Picture Disc, format 12”- 180 gr., in two versions: “Standard” with card and “Deluxe” with card signed by the artist in a limited and numbered series of 1000 copies.

The image on the card features the original cover of the 45 rpm “In alto mare”, which has become one of the singer’s symbolic songs with over 200,000 copies sold in a few months.

“LOREDANABERTÈ”, originally published in 1980, was a huge success with the public and the critics, and is considered the singer’s “funky” turning point album. It’s a true milestone, the avant-garde sounds were new to the Italian music scene of the time and are still relevant today. Produced by Mario Lavezzi (who also signed most of the songs) “Loredanabertè” includes unforgettable songs such as “In alto mare” and “Buongiorno anche a te”, written by a young Pino Daniele, “Un po’ di tutto” and “Diverse libertà”, signed by Ron. Alberto Radius, Roberto Colombo, Oscar Avogadro, Daniele Pace, Rosario Jermano and Gianfranco Baldazzi are the names of the other prestigious composers and authors of this important record, whose iconographic cover was made by the painter Romeo Borzini.

The series “70Bertè - Vinyl collection” foresees the publication other four collector’s records on vinyl, each of them will be released on the occasion of particular recurrences or events: in November 2020 (International Day for the Elimination of Violence Against Women) the 45 rpm of “Fiabe / Anima vai” will be released; in April 2021 (Record Store Day 2021), “T.I.R” will be released, for this album she was named the “Revelation of the year 1977”; June 2021 (Pride 2021), will be time of the album “Traslocando”, included by Rolling Stone magazine in the list of the 100 most beautiful Italian records of all time. Finally, in September 2021, for Loredana’s 71st birthday, the vinyl “Bandabertè” will be released: it’s the fourth album of her discography and it contains “...E la luna bussò”, another of Loredana’s great successes.

Each publication will be enriched with a special band with the calendar of all the releases of this event series. Distribution is entrusted to BTF S.r.l.

To celebrate this extraordinary anniversary in the best possible way, many other projects will follow: they will be unveiled by the artist herself as the year progresses.

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Tutta colpa dei ravioli ricotta e spinaci…

Essere un cuoco “ROC” secondo Matias Perdomo It’s all the fault of the ricotta and spinach ravioli…

To be a “ROC” chef according to Matias Perdomo di/by Francesca Gatti

Matias Perdomo Nato in Uruguay nel 1980, lo chef Matias Perdomo vive e lavora in Italia da 20 anni. Ha conquistato Milano trasformando un locale storico dei Navigli in un’osteria contemporanea da 1 stella Michelin, ne ha conquistata un’altra con il ristorante Contraste e non si è più fermato, nemmeno in pandemia.

In foto Matias Perdomo - Ph. Andrea Ghirelli

Chef Matias Perdomo was born in Uruguay in 1980. He has lived and worked in Italy for over twenty years. He has changed a historical place in Navigli in a contemporary tavern with a Michelin star and he has won Milan’s heart. With his restaurant Contraste he has won another Michelin star and, despite the pandemic, he never stopped.

Raccontaci la tua storia, parti dall’inizio.

A 14 anni in Uruguay lavoravo insieme a mio zio nella sua falegnameria che produceva giocattoli in legno: stare seduto al banco di scuola non faceva per me, preferivo il lavoro manuale, l’idea di creare qualcosa. Uscito dal laboratorio, frequentavo un corso di cucina che ovviamente all’epoca – parliamo del 199697 – era una cosa da donne e casalinghe. Ma a me piaceva: ama-

Tell us your story. Start from the very beginning.

When I was 14, I worked in Uruguay in my uncle’s joinery. We created wooden toys. I’ve never been a school type of person, I’ve always preferred manual labor. I like creating things. When I finished my work at the lab, I went to cooking class. At the time – in 1996/97 – it was something only women and housewives did.

But I liked it: I liked getting my hands dirty, I liked creating, con-

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Perdomo e il gruppo di lavoro Contraste - Ph. Andrea Ghirelli

Il trio di Empanadas del Flaco: Perdomo, Press e Piras Genius People Magazine

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necting with raw materials and transforming them into something of my own. I started sending my curriculum to work as a cook: I even applied to El Condor, Uruguay’s first five-star hotel, and they called me back. I was so happy, I fired myself from the joinery, and I still had to do my interview. Unfortunately, I was only 16 and they couldn’t hire me. So I went back home, without a job.

Io non faccio il cuoco, io sono un cuoco.

I don’t cook, I am a cook.

vo sporcarmi le mani, creare, avere affinità con la materia prima e trasformarla in qualcosa di mio.

Iniziai a mandare curriculum per trovare lavoro come cuoco, anche a El Condor, il primo hotel 5 stelle dell’Uruguay, e mi chiamarono. Preso dall’euforia, mi licenziai dalla falegnameria ancora prima di fare il colloquio: peccato che avevo solo 16 anni e non potevano assumermi. Così tornai a casa, senza un lavoro.

Non sei tornato sui tuoi passi però…

No. Volevo cucinare. Iniziai nella rosticceria di una donna cilena: portavo con me un libro di cucina e lei iniziò a mettermi alla prova con varie ricette, brasato, gnocchi, sughi. Fino al giorno in cui mi chiese di fare i ravioli ricotta e spinaci: la ricetta sul libro era incompleta, mancava una pagina. Panico. Non esisteva YouTube, non sapevo cosa fare. Mi fece pulire tutta la cucina e subito dopo mi licenziò.

Ma non hai mollato.

No. Trovai lavoro in una ditta francese di catering di alto livello: lì ho iniziato davvero a imparare il mestiere, a gestire ingredienti, misure e organizzazione per servizi che arrivavano fino a 5mila persone alla volta.

Dopo 1 anno e mezzo iniziai in un ristorante italiano: il proprietario era maître e cuoco e aveva lanciato un format di pasta e panini. Presi in mano la cucina e lavorai per lui per 3 anni aprendo altri due ristoranti per un totale di circa 60 dipendenti.

Non era quello che volevo però: ero troppo impegnato nell’organizzazione e nella gestione e stavo perdendo la passione, il contatto con la materia, l’emozione del creare.

Arrivò una chiamata dall’Italia, giusto?

Più di una. Un caro amico che viveva in Italia da tempo mi chiamò più volte per raggiungerlo. Atterrai finalmente a Milano una mattina del maggio 2001 e nel pomeriggio ero già a lavorare nella cucina del Pont de Fer. Il primo pensiero fu “che ci faccio qua”: mi aspettavo una città piena di grattacieli invece mi ritrovai in mezzo ai Navigli, un quartiere popolare e un po’ bohémien.

Anche in cucina non fu facile all’inizio: capii che dovevo ripartire da zero, dimenticare quello che sapevo e ricominciare da capo. Ci ho messo anni a capire come mangiate in Italia.

In che senso?

(Ride) Mangiate tantissimo: antipasto, primo, secondo, contor-

But you didn’t turn back…

No, I wanted to cook. I started in a Chilean woman’s rotisserie. I always had with me a cookbook and she started challenging me with new recipes: pot roast, gnocchi, sauces. Then one day she asked me to cook ricotta and spinach ravioli but the recipe I had on my book was incomplete, a page was missing. There was no Youtube at the time, I didn’t know what to do. She made me clean all the kitchen and then she fired me.

But you didn’t quit.

No. I found a job in a French exceptional catering. I really started to learn the ropes, to deal with all the ingredients, the steps and the organization for services thought for over five thousand people at the time. After one year and a half I stared working in an Italian restaurant: the owner was a maître and a chef and he had launched a pasta and sandwich format. I was in charge of the kitchen for more than three years. We opened two more restaurants and had more than 60 employees. But this wasn’t what I wanted: I was too busy with management and I was losing my passion, the contact with raw materials, the emotion of creating something.

And then a phone call from Italy came. Am I right?

More than one, actually. A dear friend of mine who was in Italy called me to get there. I finally landed in Milan in a morning in May 2001 and, in the afternoon, I was working in Pont de Fer’s kitchen. My first though was “what am I doing here”: I was expecting the city to be full of skyscrapers but I found myself in Navigli, a working-class and bohémien district.

Working in the kitchen wasn’t easy neither: I had to start from zero and forget what I knew. It took me years to understand how you eat in Italy.

What do you mean?

[He laughs] You eat a lot: starters, first and second courses, side dishes, bottles of wine. Italian menus are unique in the world: first courses don’t exist outside this country.

You learned a lot but you’ve also worked on your idea of cooking.

After five years, I was in charge in Pont de Fer’s kitchen: I was 25 and I managed an internationally known tavern with a long history. I wanted to experiment, break the rules, get out from normality and put a bit of South America in my dishes: this was my approach in the kitchen. And this is why Pont de Fer was one of the first tavern to get out from the stereotype and to win a Michelin

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Rosticceria Origine Contraste, delivery box

Ristorante Contraste, dettaglio Genius People Magazine

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Donuts alla bolognese - menu Contraste

Pulp Fiction - menu Contraste Genius People Magazine

PEOPLE ON TREND / MATIAS PERDOMO

no, bottiglie di vino. Il menù all’italiana è unico al mondo: non esiste al di fuori di questo paese il concetto del primo piatto.

Hai imparato molto ma hai anche impresso la tua idea di cucina.

Dopo 5 anni, ero a capo della cucina del Pont de Fer: avevo 25 anni e gestivo un’osteria con una lunga storia, conosciuta a livello internazionale.

Sperimentare, rompere le regole, uscire dalla normalità e mettere un po’ di Sudamerica nei piatti, tornando a giocare con la materia prima: questo era il mio approccio in cucina. E infatti il Pont de Fer divenne una delle prime osterie ad uscire dal proprio stereotipo e ad ottenere la Stella Michelin con tovaglie di carta e 150 coperti al giorno ma piatti capaci di innovare la tradizione, ingannare gli occhi e parlare un nuovo linguaggio. Come il risotto alla milanese dentro al raviolo, o la Cipolla di zucchero soffiato ripiena di formaggio di capra fresco e cipolla caramellata. Lavoravamo lo zucchero soffiato come fosse vetro di Murano traendo ispirazione da altri mondi artistici e dagli artigiani.

Quando hai capito che era il momento di cambiare di nuovo?

Quando mi resi conto che il percorso era compiuto, che non si poteva snaturare l’identità di quel locale ormai forte e ben definita. Dopo 15 anni bisognava fare un salto, avevo la maturità per amplificare la mia predisposizione.

Così, insieme ai colleghi e amici Thomas Piras e Simon Press, mi licenziai per creare il nostro ristorante: non avevamo alcuna credibilità finanziaria e le banche non ci davano credito. Finché un amico mise insieme un po’ di investitori e a maggio del 2015 iniziarono i lavori di ristrutturazione in via Meda. Ci eravamo innamorati di quel posto: era la villa di un dottore milanese che una volta all’anno apriva i cancelli e dava da mangiare ai poveri e li curava gratuitamente. La targa che lo commemora è ancora visibile sul muro esterno. Era perfetto. A settembre di quell’anno aprì Contraste.

Che significato ha il nome Contraste?

Non volevamo un nome che richiamasse quello dello chef perché il ristorante è fatto da tutte le persone che ci lavorano. Contraste è il contrasto che diventa equilibrio: equilibrio tra sala e cucina, tra lo staff e i clienti, tra vita privata e professionale.

Le persone in sala (massimo 30) devono stare bene e perdere la cognizione del tempo mentre sono a tavola. È un ristorante che mette al centro di tutto l’esperienza, l’emozione: lavoriamo affinché rimanga un ricordo indelebile in ogni cliente.

Come hai affrontato un anno in cui proprio l’esperienza è stata travolta dalla pandemia? È stato come un pugno in faccia. A inizio 2020 Contraste dava da lavorare a 22 persone (1 stella Michelin dal 2017), teneva aperto 7 giorni su 7 per ridurre a 3 mesi la lista d’attesa che altrimenti arrivava a 6 e non volevamo essere percepiti come un luogo elitario.

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Il mio sogno è continuare a sognare.

Ne ho realizzati tanti e voglio continuare, anche se sono felice di quello che ho.

My dream is to continue dreaming.

I’ve made a lot of them come true and I don’t want to stop, even though I’m happy with what I have.

Star. We had paper tablecloths and 150 guests a day but our dishes were innovating tradition, they deceived men’s eyes and spoke a new language. Like the Milanese risotto inside the raviolo, or the Blown Sugar Onion filled with fresh goat cheese and caramelized onion. We processed blown sugar like it was Murano glass drawing inspiration from other artistic worlds and artisans.

When did you figure it was time to change again?

When I realized my life path was complete and that I couldn’t distort the tavern’s identity: it was too strong and well defined.

After 15 years I had to change, I was mature enough to work on my predisposition. Alongside my friends and colleagues Thomas Piras and Simon Press, I fired myself in order to create our own restaurant: we had no financial credibility and banks wouldn’t help us. But a friend managed to put together some investors and the renovation work in Via Meda started in May 2015. We fell in love with that place: it was a Milanese doctor’s villa and once a year it opened its gates to feed and cure poor people for free. His commemorative plaque is still on the outside wall. It was perfect.

And in September we opened Contraste.

What does Contraste mean?

We didn’t want the name to recall the chef’s name because a restaurant is made by all the people who work there. Contraste is a contrast that becomes balance: it’s a balance between the restaurant’s room and the kitchen, between staff and clients, between private and professional life.

Our guests (thirty at the most) must feel good and must lose all the sense of time while they’re eating. Our restaurant focuses on the experience and on emotions: we work to build memories for our clients.

How did you face a year in which experiences have been penalized by the pandemic?

It was a bucket of cold water in my face. At the beginning of 2020, Contraste gave work to 22 people (and we had a Michelin Star since 2017). We were opened seven days a week in order to

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La pandemia ci ha fatto chiudere da un momento all’altro. Ci siamo seduti ad un tavolo e abbiamo deciso di diversificare i nostri progetti per diventare raggiungibili da più persone possibile con dei modelli di cucina totalmente nuovi che non snaturassero la filosofia di Contraste.

Cosa è nato?

Da un’idea di Simon Press, argentino d’origine, è nato a fine 2020 il progetto di take away e delivery Empanadas del Flaco, i “panzerotti” tipici del sudamerica: una sfida enorme perché in un piatto da 3 euro mettiamo tutta la nostra anima, le nostre origini, la conoscenza e anche la nostra umanità senza però avere il rapporto umano tipico della ristorazione. È un format che sta andando bene, facilmente replicabile che può espandersi in Italia e in Europa e, perché no, tornare fino a casa oltreoceano.

Non è finita qui però…

Con il secondo lockdown ci siamo ispirati all’idea di rosticceria anni ’80 che a Milano si è persa negli ultimi decenni con proposte spesso di scarsa qualità. Ci siamo impegnati per mettere la nostra filosofia in un prodotto completamente diverso ed è nata Roc, Rosticceria Originale Contraste. Nel nostro menù da asporto i piatti sono fatti con un unico ingrediente protagonista e di facile rigenerazione, il packaging è curato e funzionale e completamente biodegradabile. È un format che può continuare ad esistere anche nel “dopo” e che adesso ci permette di far lavorare il personale del ristorante che altrimenti sarebbe a casa. Siamo un team, siamo una famiglia che cerca di restare unita durante la tempesta.

Quanto ti manca la tua cucina?

Totalmente. Io non faccio il cuoco, io sono un cuoco. Mi manca tutto, la quotidianità, l’adrenalina del servizio, i gesti, il contatto con le persone. Sono capace di reinventarmi ancora se la realtà me lo chiede, ma il mio ristorante è il mio sangue, il mio dna e la pandemia non mi lascia essere chi sono.

Hai un sogno nel cassetto?

Il mio sogno è continuare a sognare. Ne ho realizzati tanti e voglio continuare, anche se sono felice di quello che ho. Il sogno più grande e semplice, adesso, è lavorare come prima, tornare a quella libertà che oggi ci manca così tanto.

reduce waiting times to three months, otherwise waiting times were up to six months and we didn’t want to be seen as an elite place. The pandemic has made us close all of a sudden. We sat down and we decided to change our projects in order to attract as many people as possible with new cooking models: new, but in line with Contraste’s philosophy.

What did you create?

Simon Press, who’s of Argentinean origin, came up with the idea of creating a take away and delivery project at the end of 2020.

Empanados del Flaco focuses on South American’s typical panzerotti: it was a challenge because we put our heart, our origins, our knowhow and our humanity in a three Euro dish but we can’t live true human relationships with our clients.

This format is doing well. It’s easily repeatable and it can be expanded to Italy and Europe, and why not, even back home.

But there’s more…

With the second lockdown we took inspiration from Milan’s ‘80s rotisseries. It’s an idea that in the last decades has been sidelined because of poor quality proposals. We worked hard to put our philosophy into something completely different and this is how Roc, Rosticceria Originale Contraste was born. Our take away menu is made by dishes cooked with one same ingredient, the packaging is nice, practical and biodegradable. It’s a format that can survive even in our “after” and that gives work to all those people that, otherwise, would have stayed at home. We’re a team, a family that sticks together during the storm.

How much do you miss your kitchen?

So much. I don’t cook, I am a cook. I miss everything: everyday life, the adrenaline, the gestures, the relationship with our guests.

I’m able to reinvent myself once again if life asks me so, but my restaurant is my blood, my DNA. And the pandemic isn’t letting me be who I am.

Do you have a dream?

My dream is to continue dreaming. I’ve made a lot of them come true and I don’t want to stop, even though I’m happy with what I have. My biggest and most simple dream now is to go back to work as we did before, I wish we could be free as we were before.

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Il linguaggio segreto dei gioielli Fil Rouge Jewelry di Antonia Montanari Jewelry’s secret language Antonia Montanari’s Fil Rouge Jewelry a cura di/edited by Francesca Gatti

Antonia Montanari Antonia Montanari ha trasformato la sua passione per l’arte antica e per il design in un lavoro e in un marchio che si chiama Fil Rouge Jewelry. Classe 1991, nel suo laboratorio di Udine crea gioielli unici e personalizzati che raccontano storie e memorie.

Antonia Montanari has turned her passion for ancient art and design into her job and in a brand called Fil Rouge Jewelry. Montanari was born in 1991 and in her lab in Udine she creates unique and customized jewels. Her jewels tell stories and give a voice to memories.

I tuoi gioielli attirano lo sguardo, hanno un’anima magnetica capace di narrare storie. Come ci riesci?

Forse perché prendono forma dai ricordi, dai sentimenti, dalla vita delle persone. I gioielli - anelli, collane, bracciali, spille – sono unici, creati unendo pezzi antichi, ciondoli, simboli e immagini che diventano i capitoli di un libro per raccontare una storia, fissare un momento importante.

Your jewels catch the eyes, their magnetic soul tells stories.

How do you do that?

Maybe it’s because they come from memories, feelings and from people’s lives. All the jewels – rings, necklaces, bracelets, pins – are unique and I make them by combining ancient pieces with pendants, symbols and images that than turn into the chapters of a book. They tell stories. They stop time and guard important moments.

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PEOPLE ON TREND / ANTONIA MONTANARI

Da dove nasce la tua passione per gli oggetti antichi?

Dai miei genitori e dal loro amore per l’antiquariato. Ho trascorso la mia infanzia tra i mercatini: all’inizio mi annoiavo, ma poi, col tempo, mi sono appassionata anch’io, in particolare ai gioielli antichi. Mi è sempre piaciuta l’idea di recuperare qualcosa che è già stato vissuto da altri e dargli una seconda possibilità; mi affascina quella magia unica di acquistare un oggetto e scoprirne la storia, il significato, gli usi antichi facendo ricerche, studiando, documentandomi.

E tu da dove vieni?

Da una vita complicata e da un percorso fatto di due sentieri paralleli: il design di prodotto e la curiosità per la simbologia e l’arte antica. Dopo il liceo artistico, mi iscrissi a Conservazione dei beni culturali ma la gravidanza mi fece sospendere gli studi.

Quando ho ripreso, dopo la nascita di mia figlia, ho preferito la facoltà di architettura e mi sono laureata in design di prodotto.

Quando hai creato il tuo primo gioiello? È nato d’impulso quando ho perso mio padre, qualche anno fa: ho sentito il bisogno di raccontare il nostro legame e la nostra storia “mettendone insieme i pezzi” nei ciondoli di una collana.

Era un modo per fissare i ricordi e per fare i conti con il dolore allo stesso tempo. Realizzai altre tre collane, le fotografai e le pubblicai su Instagram quasi per gioco: una ragazza le acquistò tutte insieme. Era una cosa inaspettata che mi diede coraggio: era l’inizio del mio lavoro.

Poi sono nate le “Creazioni su storia”…

Esatto. Mi affascina l’idea di poter narrare le storie degli altri attraverso i gioielli. Le persone mi contattano e decidono di aprirsi e di raccontarsi: con il Covid avviene quasi sempre via mail, ma non è un limite come può sembrare, anzi spesso è un modo per non provare imbarazzo e per essere ancora più trasparenti e diretti nel raccontare sé stessi.

Ho scoperto in me il dono dell’empatia, quella capacità di ascoltare, di comprendere, di immedesimarsi e andare nel profondo, oltre la superficie del racconto.

Che cosa vogliono raccontare le persone di solito?

Un’esperienza, un momento importante, un viaggio, una persona che non c’è più, molto spesso il legame con qualcuno. Ho realizzato un anello di fidanzamento che racchiudeva la storia della coppia, oppure la collana per una ragazza da indossare il giorno del suo matrimonio: lei e il marito si erano si erano conosciuti alle elementari, si sono ritrovati molti anni dopo e subito innamorati. La collana racconta le tappe importanti del loro amore: si è creato un legame così intimo durante la sua creazione, che la sposa mi ha invitato al matrimonio. È per questo che hai chiamato il tuo progetto Fil Rouge?

Sì, e non solo. Fil Rouge è il filo che collega me e le persone che scelgono di raccontarsi, ma è anche il filo che unisce il passato

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Fil Rouge è il filo che collega me e le persone che scelgono di raccontarsi, ma è anche il filo che unisce il passato degli oggetti al loro presente. È il filo dei ricordi che collega persone, cose e memorie.

Fil Rouge is the thread that connects me to all the people who want to tell me about themselves, but it’s even the thread that connects the objects’ past to the present.

It’s the memory thread that connects people, things, memories.

Where does your passion for ancient objects come from?

From my parents and their love for antique. I spent all my childhood in markets: at first I was bored but then, as time went by, I got passionate about them too, especially when it comes to ancient jewels. I always liked the idea of re-using things that had already been used by others and giving them a second chance; I’m fascinated by the magic of buying an object and of learning its story, its meaning and its use through research and studies.

And where do you come from?

I come from a complicated life and from a path that was made by two different trails: product design and curiosity for symbology and ancient art. After I finished Art school, I enrolled in Conservation of Cultural Heritage but due to my pregnancy I had to interrupt my studies. After my daughter was born, I chose to study Architecture and graduated in Product Design.

When did you create your first jewel?

It came naturally when my father passed away a few years ago. I needed to tell our bond and our story and I put together all the pieces with the pendants for a necklace. It was my way to capture my memories and to deal with my pain. I made three other necklaces, I photographed them and I posted them on Instagram, just for fun: a girl bought them all at once. It was completely unexpected and it gave me courage: it was the start of my job.

Then the “Creazioni su storia” came to life…

Yes, exactly. I like telling people’s stories through pieces of jewelry. People call me and then they tell me things about themselves.

Since the pandemic, this usually happens by email, but it’s not a limit: it’s a way to avoid embarrassment and to be more transparent and direct. I discovered I’m empathic and that I’m a good

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Fiori, piante, animali, simboli egizi ed antichi, icone sacre, santi protettori, significati esoterici e misteriosi: la simbologia è un mondo sterminato di conoscenza.

Flowers, plants, Egyptian and ancient symbols, sacred icons, saints, esoteric and mysterious meanings: symbology is an immense world.

degli oggetti al loro presente. È il filo dei ricordi che collega persone, cose e memorie.

Come avviene la creazione di un gioiello Fil Rouge?

Tutto inizia con il racconto che mi inviano le persone. Mentre leggo, nella mia mente già prende forma l’idea del gioiello che voglio creare, i simboli da utilizzare. Ci sono clienti che mi fanno richieste precise, ma molto spesso invece si affidano totalmente e mi danno carta bianca. Mi servono circa 2 settimane di tempo per trovare e acquistare i pezzi giusti che non ho nel mio archivio personale.

Acquisti sempre nei mercatini?

Di solito sì, ma con la pandemia sono chiusi da tempo. In questo ultimo anno mi sono dovuta reinventare, cercando in siti specializzati e aste online di antiquariato: compro in Europa, soprattutto da Francia, Inghilterra, Belgio, Grecia e a volte anche dall’Africa. L’esperienza del mercatino però mi manca, mi manca spulciare nei banchetti, il momento della trattativa e anche il contatto umano: ormai con alcuni venditori si era instaurato un rapporto di fiducia, mi tenevano da parte quello che sapevano poteva piacermi.

Dove tieni i tuoi tesori?

A casa ho una stanza laboratorio dove lavorare, conservare il mio archivio e dove incontrare i clienti e far vedere le mie creazioni.

Quali sono le storie che preferisci raccontare con i tuoi gioielli?

Ho amato tutte le storie, racconti di passioni, di dolore e di gioia, di famiglie e di amicizie, di rotture o nuovi inizi. Quelle che mi toccano di più sono quelle in cui mi rispecchio, storie di sofferenza, di rinascita e di forza interiore che mi fanno sentire meno sola in quello che io stessa ho dovuto affrontare nella mia vita. Amo molto le storie tra sorelle o quelle che i figli decidono di regalare alla propria madre.

listener. I’m good at understanding people, at identifying with them and going deeper, beyond the surface.

What do people usually tell you?

An experience, an important moment, a trip, a person that passed away, their bond with someone. I made an engagement ring that encapsuled a love story and I made a necklace for a girl that wanted to wear it on her wedding: she met her husband when they were kids, when they met again many years later and fell immediately in love. The necklace encapsulates the milestones of their love. We got so close that I was invited to the wedding.

Is this the reason why your project’s called Fil Rouge?

Yes, but it’s not the only reason. Fil Rouge is the thread that connects me to all the people who want to tell me about themselves, but it’s even the thread that connects the objects’ past to the present. It’s the memory thread that connects people, things, memories.

How do you create Fil Rouge’s jewels?

It all starts with people’s stories. When I read their stories, the idea takes shape and I already know what jewel I want to create and which symbols I will use. Some clients have specific requests but they usually trust me and I have carte blanche. It usually takes me two weeks to find and buy the pieces I don’t have in my archive.

Do you always buy pieces in markets?

Usually I do, but due to the pandemic they’re all closed. In this last year I had to reinvent myself and I had to find specialized sites on the internet and online auction of antiques. I buy in Europe, especially in France, United Kingdom, Belgium, Greece and sometimes in Africa. But I miss markets, I miss combing through all the benches, negotiating precise and human contact: by now I’ve established a relationship of trust with many sellers, they used to set aside what they thought I could have liked.

Where do you keep your treasures?

I have a lab in my house and I work from there. I have my archive and there I meet my clients and I show them my works.

What are the stories you prefer telling through your jewels?

I loved every single story: they were about passion, pain, joy, families, friends, breakups, fresh starts. I mostly touched by the ones that are close to me: stories of suffering, of rebirth and inner strength that make me feel less alone and that help me face what I’ve been through. I like stories about sisters and those that sons and daughters.

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PEOPLE ON TREND / ANTONIA MONTANARI

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Ciondoli creati da spille antiche in microcosmico di origine fiorentina

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Orecchini creati con due fiches da gioco antiche cinesi in madreperla

3.

Collana multicharms composta da medaglia vintage, reliquiario contenente un pezzettino di tessuto, corno con lavorazione in filigrana e ciondolo francese a tema floreale

4.

Anello con serpente - periodo vittoriano, di origine inglese

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Come scegli le simbologie e gli elementi?

A istinto e studiando allo stesso tempo. Fiori, piante, animali, simboli egizi ed antichi, icone sacre, santi protettori, significati esoterici e misteriosi: la simbologia è un mondo sterminato di conoscenza. Le storie dei gioielli antichi sono affascinanti e l’epoca vittoriana è quella che preferisco perché la più ricca di simbologie, come il linguaggio segreto dei fiori o il gioiello che, a quel tempo, gli uomini regalavano all’amata con il dipinto del proprio occhio.

Facciamo un salto nel tempo, dal passato ai social media di oggi: sono importanti per il tuo lavoro?

Direi fondamentali, in particolare Instagram attraverso cui posso postare le mie creazioni, essere contattata o proporre io stessa i miei gioielli ad altri profili, blogger o giornaliste che poi decidono di scrivere un articolo su di me. Grazie alle stories, ogni giorno pubblico un video in cui spiego la storia e il significato di un simbolo diverso e mostro come lo utilizzo nelle mie creazioni.

Hai un sogno nel tuo forziere?

Sogno di aprire un negozio di antiquariato in cui vendere anche le mie creazioni. Chissà…

How do you choose symbols and elements?

On instinct and by studying at the same time. Flowers, plants, Egyptian and ancient symbols, sacred icons, saints, esoteric and mysterious meanings: symbology is an immense world. Ancient jewels’ stories are fascinating and the Victorian Age is the one I prefer because is rich in symbols such as flowers’ secret language or those jewels that at the time men gave to their darlings and that had their eye painted.

Let’s do a time jump, from the past to social media: are they important for your job?

Yes, I’d say they’re paramount. Especially Instagram because I can post my works, be contacted by my clients or propose my jewels to other profiles, bloggers or journalists that can write something about me. Thanks to Istagram’s stories, everyday I post a video in which I explain the story and the meaning of a symbol and I show people how use it in my creations.

Do you have a dream?

I’d like to open an antique shop and sell my creations. Who knows…

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EXPERIENCE

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I ribelli di oggi Today’s rebels di/by Matteo Macuglia

Alessandro Squarzi è una persona in grado di parlare per ore della moda degli anni ’50. Conosce ogni dettaglio del vintage di quegli anni: dai capi più iconici fino ai dettagli delle fabbricazioni che oggi propone con la sua Fortela, un’etichetta rigorosa e senza mezzi termini. In questo numero vi proponiamo un viaggio tra macchine da cucire, orli d’altri tempi e lo stile intramontabile dei chiodi e dei Jeans che hanno segnato un’epoca.

Alessandro Squarzi could talk for hours about the fashion of the ‘50s. He knows every detail of the vintage of those years: from the most iconic garments to the production’s details that he proposes through Fortela, a rigorous and flat out brand. In this issue we’ll bring you in a journey through sewing machines, vintage hems, timeless leather jackets and the jeans that have left their mark on an era.

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EXPERIENCE ON TREND / ALESSANDRO SQUARZI

Gli Anni ’50 sono nel mood di tutti gli stilisti. Parliamo di uno stile intramontabile, tra materiali e lavorazioni, imitato in lungo e in largo ma rimasto sempre fedele a se stesso. Sono trent’anni che mi occupo di queste cose, andando in giro da tutti i vintagisti.

Quando penso a questo stile ribelle fatto di chiodi e denim mi viene sempre in mente il film il Selvaggio con Marlon Brando.

Lui portava giubbotto di pelle Perfecto della Shot: il chiodo per eccellenza. Quando pensi al chiodo, è proprio quello di cui stiamo parlando, la perfezione. I jeans invece erano Levi’s Big E, accompagnati da una T-shirt bianca e gli stivali Engineer. In questo quadro magari il cappello lo lascerei stare: c’è già tanta carne al fuoco e Marlon Brando è sempre Marlon Brando, ha uno stile tutto suo. Il giubbotto, il Perfecto, oggi è ancora in produzione dopo 70 anni. È il giubbotto di pelle all’ennesima potenza. Moltissime case lo hanno rifatto, è un pezzo intramontabile. Da Zara a Yves Saint-Laurent. Quello di Buco è il mio chiodo preferito in assoluto ma è introvabile. Un pezzo vintage così va dai 5.000 agli 8.000 Euro, giusto per capire di che livelli parliamo. Mi piace moltissimo anche con le borchiette, che tra l’altro possono essere aggiunte o rimesse in base al gusto personale. Anche noi di Fortela abbiamo fatto la replica del chiodo di Buco, pari pari, rispettando religiosamente l’originale. Esiste anche la versione col pelo sul collo ma non è quella classica: era la versione che avevano dato in dotazione alla polizia. Con le sue zip orizzontali, la pelle di grandissima qualità e la cintura parliamo di un giubbotto che ha una vestibilità fantastica.

Sembra di no, ma sulla maglietta bianca c’è molto da dire. Sembra la cosa più semplice da fare ma la vera t-shirt viene fatta con il corpo tubolare. Il nome deriva proprio dal fatto che originariamente erano fatte a T, un dettaglio

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The ‘50s are in every stylist’s mood. It’s a timeless style because of its materials and its processing, it has been imitated in every possible way but it has stayed true to itself. I deal with these things from thirty years, I know a lot of vintage shops.

When I think about this rebel style made by leather jackets and denim, I always think about the movie The Wild One (1953) with Marlon Brando. He wore a leather jacket, a Perfecto made by Shot: the leather jacket. When you think about this type of jackets, you think about Perfectos, they were perfect. His jeans were Levi’s Big E, and he wore a white T-shirt and Engineer boots.

Maybe I would leave the hat aside: there’s a lot to say and Marlon Brando is Marlon Brando, he has a style of his own. After seventy years, Perfectos are still in production. As I said, it’s the leather jacket. Many different maisons have made it, it’s a timeless piece.

From Zara to Yves Saint-Laurent. Buco’s my favorite but it’s nowhere to be found. These vintage garments can cost 5.000 or 8.000 Euro, just so you know what we’re talking about. I even like it with studs, that can be added or taken off based on your taste.

Even Fortela has made a verbatim copy of Buco’s leather jackets, we religiously respected the original. We also have its version with fur on its neck, but it’s not the original: it’s the version they gave to police officers. Due to its horizontal zips, its high quality leather and its belt, we’re talking about a jacket with an incredible wearability.

You may not seem like it, but there’s a lot to say on white t-shirts as well.

It looks like the easiest thing to make but real t-shirts were made tubular bodies. Their name comes from the fact that they were originally “T” made, it’s a detail connected to their production: the tube came out the t-shirt, then they made the holes for the sleeves and for the neck and they had seams only on shoulders and on the sleeves. This is where t-shirt comes from. So a true t-shirt In foto Marlon Brando ne Il Selvaggio (1953)

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legato alla produzione: veniva fuori il tubo della t-shirt, quindi veniva fatto il buco delle maniche e quello del collo e aveva la cucitura solo sulla spalla e nelle maniche; da lì viene il nome tshirt. Una t-shirt che si rispetti quindi deve avere il corpo tubolare e il collo montato di sbieco. Il cotone deve essere un bel cotone sostenuto, non quelli delle magliette di adesso che vanno da tutte le parti, quelli fanno un po’ ballerina…o pigiama.

Proprio per rispettare quella che era la t-shirt originale, noi di Fortela le facciamo fare in Giappone, perché solo in Giappone la lavorazione è ancora quella tubolare. Per un semplice fatto: lì hanno ancora le macchine tubolari. In Italia non le ha più nessuno. Parliamo della T-shirt con un sapore anni ’50, come le felpe che a quel tempo erano prodotte con lo stesso procedimento. Anche le vestibilità sono cambiate perché la maglietta confezionata così è una maglietta più quadrata, più grossa. Veniva chiamata addirittura t-box perché sembrava una scatola. I giapponesi in passato sono stati i più bravi a riprodurre tutto il mondo degli anni ’30, ’40 e ’50 occidentale perché avevano, da un lato, una grandissima capacità di riproduzione dei prodotti, dall’altro avevano i macchinari forniti dagli stessi americani dopo la pace del ’45 per dare a questo Paese la possibilità di ri-

must have a tubular body and a neck assembled sideways. Cotton must be firm and not like the one we find in t-shirts nowadays: that fabric makes you look like you’re a ballerina…or in your pajamas. In order to make original t-shirts, Fortela makes them in Japan because they still use tubular workmanship. And they do so because they still have tubular machines. Nobody has them in Italy. We’re talking about ‘50s t-shirts, as well as sweaters that at the time were made in the same way. Even wearability has changed because this type of t-shirts are more squared, thicker.

They used to call them t-box because they looked like boxes. In the past, Japanese were the best producers of ‘30s’, ‘40s’ and ‘50s’ west fashion because of their ability in reproducing products and because the Americans gave them their machines after 1945 to give the country the chance to rise from the ashes of the bombing and of their military defeat. Today they still guard their frames, the materials and the sewing machines to make things as in the past. And this also why Fortela buys in Japan: their products are made with ‘50s’ taste. My private vintage collection is amazing, so I can say I know a thing or two. I tried to make those same t-shirts in Italy, but it’s not the same. In Japan they can do it ‘cause they still own the machines they used at the time to

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nascere dalle ceneri dei bombardamenti e della sconfitta militare. Ancora oggi conservano i telai per fare i tessuti, i materiali e tutte le macchine da cucire per fare le cose come si facevano una volta. Ed è proprio per quello che noi di Fortela acquistiamo in Giappone: perché i loro prodotti hanno lo stesso sapore di quelli fatti negli anni ’50. Io ho una selezione di vintage pazzesco, quindi qualcosa ne capisco diciamo. Ho provato a far fare delle magliette così in Italia ma non vengono uguali. In Giappone invece ci riescono perché hanno le macchine di una volta per fare il prodotto di una volta. Oltre a noi di Fortela, dei grandi marchi per t-shirt di questo tipo sono Warehouse, oppure The Real McCoy’s, che poi pure lui ha fatto la replica del chiodo di Buco in maniera molto fedele: sono realtà in grado di darti una maglietta fatta a regola d’arte.

Anche sul Jeans possiamo aprire un mondo: il re in questo caso è il Levi’s Big E. Lo si distingue dagli altri perché sull’etichetta spiccava la grande E rossa. Oggi, se compri un paio di Levi’s, la E è in corsivo. Fino a metà degli anni ’60 - parliamo del ’64 se non sbaglio - la Levi’s faceva i jeans con la E grande. Da qui il nome Big E. La particolarità era la lavorazione del tessuto, che non veniva sanforizzato. In questo modo il tessuto “girava” attorno alla gamba, con la cucitura della gamba destra che arrivava all’interno della caviglia, mentre la cucitura della gamba sinistra, quella interna, ti veniva davanti e quella esterna arrivava sul retro del pantalone. La produzione di questi jeans nasce negli anni ’40. Durante il periodo della guerra, la sacca della tasca era fatta con il tessuto delle camicie da militare. Per un jeans così ci vogliono 10.000 - 15.000 Euro, sempre che tu riesca a

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E non parlarmi dei pantaloni stretti sulla caviglia, ti prego. Ti capita mai di vedere quegli uomini che appena scesi dalla macchina si tirano giù i pantaloni perché gli sono saliti al polpaccio? Non si possono guardare.

And don’t talk to me about those trousers around your ankle, please! Have you ever seen those men that, when getting out their car, need to fix their pants because they’ve gone alle the way up to their calf? It’s unwatchable.

make the same products of that time. Besides Fortela, other great brands that do the same are Warehouse or The Real McCoy’s, that did a very nice copy of Buco’s leather jacket as well.

Their t-shirts are very well made.

And we can talk for hours about jeans too: Levi’s Big E is the best.

It’s different from the others because it has a big red E on its label.

Today, if you buy a pair of Levi’s jeans, the E is in italic. Until the ‘60s – 1964, I think – Levi’s made jeans with a big E. They were

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Chi vuole indossare un jeans con la J maiuscola, importa i jeans fermi, non elasticizzati, con le cimose laterali. Questi sono quegli stessi jeans che deve indossare un vero ribelle: duri e puri, senza troppi fronzoli.

If you want to wear real jeans, buy jeans that aren’t elastic and with lateral selvedges.

These are the jeans that a rebel should wear: out-and-out, no frills.

trovarlo. Parliamo di un prodotto straordinario, con una bellissima vestibilità, la vita alta, la gamba dritta, un bel volume morbido. I jeans di Fortela che abbiamo riprodotto sono proprio così. Per farli, compro il tessuto in Giappone, un tessuto che si chiama Twister perché appunto gira e non è sanforizzato.

Quando parlo di sanforizzazione vorrei che si capisse di cosa parliamo: si tratta di una lavorazione tipica della produzione in massa che permette di evitare che il denim, un tessuto naturale, si restringa troppo con i lavaggi. Si è trattato di una grande svolta per la produzione su larga scala. Però fino agli anni 50 il tessuto non veniva trattato in questo modo: non esisteva assolutamente il concetto di elasticità quando si parlava dei jeans e sarebbe meglio continuare così. E non parlarmi dei pantaloni stretti sulla caviglia, ti prego. Ti capita mai di vedere quegli uomini che appena scesi dalla macchina si tirano giù i pantaloni perché gli sono saliti al polpaccio? Non si possono guardare. Il jeans, quello vero, è il jeans cimosato, punto. È un jeans tutto d’un pezzo, durevole e di un certo spessore. Viene prodotto con un telaio alto 75 cm; per un jeans normale con un metro di tessuto fai un paio di pantaloni. Per un jeans cimosato, come quelli degli anni ’50, ci vogliono tre metri di tessuto. Evidentemente c’è uno scarto pazzesco perché devi fare combaciare le cimose ed è proprio per questo che è terminata la produzione, per via dei costi. Se ci pensi, per dei jeans giapponesi come quelli che indosso io, solo di tessuto parliamo di 45 Euro di materiale (15 Euro di tessuto al metro x3), poi devi confezionarlo, tagliarlo e tutto... Chi vuole indossare un jeans con la J maiuscola, importa i jeans fermi, non elasticizzati, con le cimose laterali. Questi sono quegli stessi jeans che deve indossare un vero ribelle: duri e puri, senza troppi fronzoli.

E volendo parlare di dettagli sciccosi, possiamo parlare pure dell’orlo: dev’essere fatto a “catenella”, una lavorazione molto particolare fatta con una macchina da cucire che si chiama

special because of the fabric processing, fabrics weren’t preshrunk. In this way, the fabric turned around your leg, the seams on your right leg came all the way down to your ankle, the seams on your left leg, the inner ones, were on the front and the external ones on the back. These jeans were first made in the ‘40s. During the war, pockets were made military shirts’ fabric. They can cost you 10.000 or 15.000 Euro, if you find them. We’re talking about an amazing product: with a good wearability, high-waisted, straight leg, with a good and soft volume. Fortela’s jeans are like this. To make them I buy the fabric in Japan: it’s called Twister because it turns and it’s not preshrunk. But I would like to tell you more about preshrunk fabrics: it’s a processing that’s typical in mass production. It avoids denim, a natural fabric, to shrink when you wash it. It was a revolution for large-scale productions. But in the ‘50s fabric weren’t treated this way: elastic jeans didn’t exist and we should have stayed that way. And don’t talk to me about those trousers around your ankle, please! Have you ever seen those men that, when getting out their car, need to fix their pants because they’ve gone alle the way up to their calf? It’s unwatchable. Real jeans are selvedge jeans. That’s it. They’re durable and thick. They’re made with 75 cm high firms; with one meter of fabric you make two pairs of pants, but to make selvedge jeans, like the ones in the ‘50s, you need three meters of fabric. There’s a lot of waste because you need to match the selvedges and this is why we don’t make them that way anymore, it costs too much.

If you think about it, the Japanese jeans I’m wearing, cost a lot: it’s 45 Euro for the fabric (15 Euro for the fabric x3), then you have to make it, cut it and so on… If you want to wear real jeans, buy jeans that aren’t elastic and with lateral selvedges. These are the jeans that a rebel should wear: out-and-out, no frills.

But if we want to talk about chic details, we could talk about hems: it must be with a chain-switch. It’s a very special processing and it’s done with a sewing machine called Union Special that was created specifically for hems. Levi’s stopped using them in the ‘70s because in their opinion, after jeans were worn out, small “gnocchettini” started forming on the edges; the company thought it was a defect and started using linear hems. All the Union Special were demobilized and guess where they put them?

In Japan. They cost something like 5.000 Euro today. In our Fortela shops, we have them and we short our clients’ pants like they used to do in the past. I could talk about these things for hours, I like them so much!

There’s another very rare seam and it’s called banana stich. It also has cooper rivets inside. The first Big E, in the ‘50s, had rivets on their back pockets, but then they eliminated them. Even buttons have changed, and this is for true connoisseurs: at the beginning, the R in Levi’s Struss&Co. was stretched, and that made them special. But then they changed the button and the font is now all the same.

Talking about the shoes: Marlon Brando wears Engineer boots with a side buckle. You can wear cowboy boots, a Vans, with jeans you can wear what you want. I usually wear jeans with high All Stars, better if Chuck Taylor’s.

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Union Special, fatta apposta per fare l’orlo. La Levi’s ha smesso di usarla negli anni ’70 perché, secondo loro, quando il pantalone, cominciava a usurarsi si creavano degli “gnocchettini” sul bordo; l’azienda lo riteneva un difetto e quindi smise di fare quell’orlo passando a quello lineare che vediamo ancora oggi.

Tutte le Union special vennero smobilitare e l’80% di quelle macchine indovina dov’è finito? In Giappone. Una macchina così oggi costa 5.000 Euro. Noi di Fortela, in negozio ce l’abbiamo, ai nostri clienti accorciamo i pantaloni come una volta. Potrei parlartene per ore di queste cose, mi fanno impazzire.

C’è pure un’altra cucitura molto rara ormai che si chiama banana stich. Ha pure i rivetti di rame dentro. I primi Big E, fino agli anni ’50, avevano i rivetti nella tasca posteriore, poi, successivamente li hanno eliminati. Anche i bottoni sono cambiati, qui parliamo di un dettaglio da veri intenditori: inizialmente la R di Levi’s Strauss&Co era allungata, il segno distintivo dei Big E. In un secondo momento il bottone è cambiato, uniformando tutto il font.

Manca la scarpa: quella di Marlon Brando è un Engineer boots, uno stivale con la fibbia laterale. Ci si può mettere anche un texano, una Vans, col jeans va bene tutto. Io spesso metto i jeans con le All Star, meglio se alte, meglio ancora se Chuck Taylor.

Gadget? Lascerei il cappello di Marlon Brando a Marlon Brando, oggi come oggi sembri mascherato per Venezia. Se invece parliamo di bracciali / braccialetti, i miei non li cambio mai: uno ce Fortela John Denim Vintage Genius People Magazine

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l’ho al polso da quindici anni ed è uguale a quello di un mio carissimo amico, poi c’è un bracciale Navajo fatto con un dollaro battuto con un turchese triangolare incastrato, comprato a New York dieci anni fa. È un oggetto con una storia divertente perché quel giorno non avevo gli occhiali e pensavo costasse 260$. Invece quando ho pagato con la carta di credito mi hanno scucito 2.600$. Me ne sono accorto chiedendo come mai ci fosse una differenza di prezzo così ampia con il bracciale accanto che costava 1.800$. Solo a quel punto il negoziante mi ha fatto capire che avevo letto male, ma non sono riuscito a farmi restituire i soldi perché era un vintage e non c’era la possibilità di darlo indietro. Quel giorno ho maledetto gli occhiali ma oggi, se mi chiedessero di venderlo per il doppio della cifra che l’ho pagato, non lo farei mai.

Per chiudere il discorso, nel mondo dei motociclisti, in quegli anni si usavano molto gli orologi montati su un bracciale d’argento, anche della cultura navajo, e molti ce l’avevano. Anche Tom Cruise in Barry Seal ne ha uno così in argento con i turchesi, meraviglioso (così come sono stupendi tutti i costumi di quel film!). Una curiosità: la diffusione di questi bracciali con l’orologio è legata alla guerra nel Pacifico. Per non essere intercettati dal nemico, gli americani cominciarono a usare i nativi americani e le loro lingue per i messaggi in codice, in questo modo le comunicazioni non venivano decifrate. Proprio di quel periodo storico, ci sono diverse fotografie di soldati nativi americani con indosso il bracciale con orologio di cui ti sto parlando. Personalmente li trovo molto fighi e ne ho una collezione meravigliosa anche io a casa. Sono orologi fantastici i Waltman, i Bulova. Peccato che non li puoi mettere a lungo perché dentro hanno il radio per far vedere i numeri di notte e quindi sono radioattivi. Come il contachilometri della mia Porsche 356 Speedster del 1995.

Gadgets? I’d leave the hat to Marlon Brando. Today you’d look like you were wearing a costume in Venice. If we talk about bracelets, I never change mine: I’ve had one of them for fifteen years and my dearest friend has the same one; then, the other one I have is a Navajo bracelet I bought in New York ten years ago, and it’s made by a dollar and a turquoise. It’s a funny story: that day I didn’t have my glasses on and I though it costed 260 $, but when I gave them my credit card I understood it was 2.600 $. I noticed when I asked the seller why my there was such a price difference with another bracelet that costed 1.800 $. He told me I read wrong, but I didn’t get my money back because it was vintage and couldn’t be returned. That day I cursed my glasses, but today, if they asked me to sell for twice the price I paid it, I’d say no.

Finally, in motorcycle clubs, in those years, people used to wear watches that were assembled on silver bracelets. Many were Navajo, and a lot of people had them. Even Tom Cruise had one in Barry Seal, it’s in silver with turquoises. It’s amazing, as all the other costumes in the movie! Small fan fact: these watches became popular with the Pacific war. In the attempt to intercepted by the enemy, Americans started using Native Americans and their language for their coded messages. There are a lot of pictures of that time with Native Americans that wear the watch I’m telling you about. I personally find them very cool and I have an amazing collection back home. Waltman and Bulova are extraordinary watches. Unfortunately you can’t wear them for too long because they contain radio to make numbers visible at night, and they’re radioactive. And so is my 1995 Porsche 356 Speedster’s odometer.

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Non chiamateli hotel.

Ecco i luoghi della nuova ospitalità Don’t call them Hotels!

Here are the places in the new hospitality industry di/by Giulia Minozzi e/and Rune Ricciardelli

Giulia Minozzi e Rune Ricciardelli Giulia Minozzi - friulana “quasi” doc - e Rune Ricciardelli - salentino con radici nordiche – si sono incontrati a Milano nel 2010 nello studio della designer Paola Navone dove Rune lavorava da tempo nel dipartimento di interior design.

Diventati da subito coppia creativa, nel 2016 entrano nel team dello studio “Visual Display - interior, identity, stories” come senior designer, lei, e creative director, lui. Oggi sono soci junior dell’azienda che si occupa di progettazione di interior in ambito commerciale o residenziale, a livello internazionale.

ph. Rocco Taglialegne

Giulia Minozzi – an almost true-blue Friulian - and Rune Ricciardelli - from Salento, but with Nordic roots – met in Milan in 2010, in the studio of designer Paola Navone where Rune had been working for some time in the “Interior design” Department. They became a creative pair right from the start, and in 2016 they joined the team of the studio “Visual Display - interior, identity, stories” as senior designer, she, and creative director, he. Today, they are junior partners in the company that deals with interior design in commercial or residential settings, internationally.

Dopo oltre un anno dall’inizio della pandemia, la voglia di tornare a viaggiare è sempre più grande.

Finalmente si può fantasticare su quale sarà la prossima meta.

Ma quali sono le nuove tendenze in fatto di hotellerie?

Negli ultimi anni, Il mondo dell’ospitalità è cambiato nel tentativo di rispondere ad un mercato sempre più ampio e in costante evoluzione.

After more than a year since the start of the pandemic, the urge to travel is getting bigger and bigger.

You can finally daydream about your next destination. But what are the new Hotel trends?

In recent years, the hospitality industry has changed in an effort to respond to an ever-growing market that is constantly evolving.

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EXPERIENCE ON TREND / GIULIA MINOZZI - RUNE RICCIARDELLI

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In una società fluida, in cui i ritmi e i luoghi di lavoro tendono a mutare con grande facilità, il tempo da dedicare ai viaggi non è più solo quello delle ferie programmate: anche un week end o un paio di giorni liberi sono un’ottima occasione per organizzare una vacanza.

D’altro canto, sono sempre di più le persone che, potendo lavorare da remoto, partono per lunghi viaggi durante i quali alternare vacanza e lavoro.

Mossi da uno spirito avventuroso, alla ricerca di esperienze uniche e coinvolgenti, sempre più turisti ricercano strutture dalla forte personalità, che rappresentino esse stesse una destinazione da vivere e conoscere.

Se una volta la funzione dell’hotel era semplicemente quella di essere punto d’appoggio per l’esplorazione di un luogo, ora è la struttura stessa ad essere parte integrante dell’esperienza di viaggio con il compito di valorizzare la realtà socioculturale e ambientale nella quale è inserita e offrire al cliente un ricordo memorabile.

I nuovi luoghi dell’ospitalità sono spazi ibridi, architetture nate con altre funzioni da quella ricettiva e in seguito riadattate per venire incontro alle necessità dell’abitare temporaneo.

Castelli, Ville, Locande, Dimore, Masserie, Monasteri…

In a dynamic society, in which both the workflow and the workplace can easily shift, the time to dedicate to travel is no longer just the statutory annual leave: even a weekend or a couple of days off are an excellent opportunity to organize a holiday.

On the other hand, more and more people, being able to work remotely, go on long trips during which they can alternate vacation and work.

Driven by an adventurous spirit, and in search of a unique and exciting experience, a growing number of tourists is looking for hotels with fascinating features, which represent themselves a destination to be experienced and visited.

If in the past a hotel was simply a temporary accommodation while visiting a place, now the establishment itself is a key element of the travel experience, enhancing the local socio-cultural and environmental reality and offering the customer a memorable experience.

The new places of hospitality are hybrid spaces, buildings and structures born with other functions than that of accommodation and then adapted to meet the needs of temporary living.

Castles, Villas, Inns, Residences, Farms, Monasteries...

A CASA DI …

In italiano, come in diverse altre lingue, “ospite” indica sia la persona che viene ospitata che quella che ospita. Questo perché la sua origine va inserita in un contesto storico e culturale in cui i rapporti che si instauravano tra chi accoglieva e chi era accolto erano così stretti e vincolanti da generare un legame di reciprocità. Oggi la figura del padrone di casa, anche grazie al fenomeno Airbnb, è tornata ad essere molto importante e in alcuni casi fondamentale nella scelta della struttura. In un mondo incentrato sulla tecnologia, infatti, il ruolo dell’interazione umana cresce sempre di più e il piacere di sentirsi “ospiti di” implica anche la voglia di scoprire i luoghi attraverso gli occhi, le esperienze e i racconti di chi li ha vissuti per tanto tempo.

AT HOME OF ...

In Italian, just like in several other languages, the word “ospite” (guest) stands for both the person who is hosted and for the one who hosts. The reason for this is found in its historical and cultural context in which the relationship between the host and the guest was so close and binding that it would generate a reciprocal bond. Today, also thanks to Airbnb, the role of a host has regained importance and, in some cases, it is fundamental in the choice of the accommodation. In a world that revolves around technology, human interactions have become more important, and the pleasure of feeling like “true guests” implies the desire to discover the history of a place and the stories of those who have lived there for so long.

L’Agnata è una piccola locanda immersa nella natura incontaminata dell’entroterra gallurese. Antica casa padronale con tipico stazzo, divenne a metà degli anni ’70 la dimora del cantautore De Andrè, che visse qui con la compagna e futura moglie Dori Ghezzi.

Una casa semplice e libera da ogni ostentazione, carica di musica e di poesia dove soggiornare piacevolmente alla scoperta di una delle aree meno note della Sardegna. www.agnata.com

Agnata is a small inn surrounded by unspoiled nature in the Gallura hinterland. An ancient manor house also called “stazzo”, which became in the mid-70s the home of famous Italian singer-songwriter Fabrizio De Andrè, who lived there with his partner and future wife Dori Ghezzi.

A simple house free from any ostentation, full of music and poetry, an ideal place for a pleasant stay in one of the lesser known areas of Sardinia. www.agnata.com

Quella di Villa La Madonna è una vera e propria storia d’amore.

Una tenuta del XVI secolo, situata tra i vigneti senza tempo del Piemonte, che negli anni è passata di mano in mano, a che per un decennio è stata la residenza italiana della Famiglia Eklund.

Proprio qui, dove il tempo si è fermato e ogni cosa sembra essere come dovrebbe, le sorelle Annica e Marie Eklund, proprieta-

That of Villa La Madonna is a true love story.

A 16th-century estate, located among the timeless vineyards of Piedmont, which over the years has changed several owners, and for a decade it has been the Italian residence of the Eklund Family.

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L'Agnata di De André, boutique hotel

Villa La Madonna Genius People Magazine

EXPERIENCE ON TREND / GIULIA MINOZZI - RUNE RICCIARDELLI

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rie dell’azienda svedese di design BOLON, decisero di tornare nel 2014, un po’ per amore della propria famiglia e un po’ per l’affetto che le legava a queste terre.

Iniziarono con il risistemare e perfezionare la vigna per poi riportare la tenuta ai vecchi splendori di una volta rendendola un lussuoso sogno bohémien e un boutique hotel a pieno titolo.

“Questo, per tanti aspetti, è un sogno che diventa realtà. Non osavo immaginare di poter gestire un vigneto, se non fosse per il fatto che questo luogo, queste persone e la storia che condividiamo creano un meraviglioso senso di sicurezza a cui appoggiarsi. Venire qui è per me e la mia famiglia come tornare a casa e credo sinceramente che questo sentimento si trasmetta ai nostri ospiti”, racconta Marie Eklund. villalamadonna.com

There, where time stood still and everything seems to be as it should, sisters Annica and Marie Eklund, owners of the Swedish design company BOLON, decided to return in 2014, partly out of love for their family and partly because of the affection that bound them to these lands.

They began by restoring and refining the vineyard and then returning the estate to its former glory by turning it into a luxurious bohemian dream and a fully fledged boutique hotel.

“It’s a dream come true, in so many ways. I never thought I would manage a vineyard; this place, these people, and the history we share create a wonderful sense of security to lean on. Coming here is like coming home for me and my family, and I truly believe that this feeling is carried over to our guests,” says Marie Eklund. villalamadonna.com

Diversa è la storia se il padrone di casa oltre ad accogliere gli ospiti è anche uno chef stellato.

Ex convento del ’500 immerso nella natura del Parco Nazionale d’Abruzzo, Casadonna è il quartier generale dello chef Niko Romito. Qui si trovano il ristorante Reale***, la scuola di cucina professionale “Accademia Niko Romito” e 9 camere di charme perfettamente integrate nel contesto. Il linguaggio degli am-

It’s even more exciting when your host is a Michelin starred Chef.

A 16th-century former convent surrounded by nature in the Abruzzo National Park. Casadonna is the headquarters of chef Niko Romito. Here you will find the 3 Michelin stars restaurant Reale ***, the culinary academy “Niko Romito Formazione”, and 9 charming guest rooms perfectly integrated with its atmosphere.

The whole environment is perfectly combined with the delicious

Casadonna, stanza - Ph. Alberto Zanetti

Casadonna, detail - Ph. Barbara Santoro

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bienti richiama l’essenzialità emozionante che caratterizza i piatti dello chef che ha partecipato attivamente al progetto di riqualificazione. Un racconto unico ed armonioso che utilizza l’architettura come punto d’incontro tra la natura circostante e le creazioni portate in tavola. www.nikoromito.com/casadonna

essential nature of the food courses prepared by the chef, who also actively participated in the redevelopment project. A unique and harmonious story that uses architecture as a meeting point between the surrounding nature and the culinary delights brought to the table. www.nikoromito.com/casadonna

VIVERE IL TERRITORIO In Italia è facile parlare di riqualificazione del patrimonio storico: ovunque ti giri, scopri luoghi di incredibile fascino. Tutt’altra storia è trasformare una riqualificazione in un progetto capace di valorizzare un intero territorio, meta di viaggio per i turisti più attenti alle ultime tendenze, alla ricerca di luoghi di classe ma autentici nel loro sapore. Una ristrutturazione incredibile ha portato il Castello di Reschio, nelle campagne fuori Perugia, a diventare una di queste mete, un luogo millenario dove si respira un’aria di altri tempi senza rinunciare agli agi della contemporaneità.

Ristrutturato dal proprietario stesso nel rispetto delle tradizioni e con un occhio attento al design, il conte Bolza ha curato ogni minimo dettaglio, trasformando un rudere in un hotel di lusso, dove per lusso si intende godere in tranquillità un luogo davvero magico e senza tempo, immersi nella natura ma con tutti comfort di un hotel 5 stelle. www.reschio.com

LIVING THE TERRITORY In Italy, the redevelopment of historic sites is a common topic: wherever you look, you will see places of incredible charm. But it’s a different story when a redevelopment project is capable of promoting an entire territory, becoming a tourist destination for those who are in search of fashionable, classy places, imbued with authentic local flavours. An extensive renovation completely transformed the Castello di Reschio in the countryside region near Perugia, turning it into a trendy destination; a thousand-year old settlement where you can breathe ancient air while enjoying all our modern comforts.

Restored by the owner himself, following tradition and with a keen eye for detail, Count Bolza looked after every design process, transforming a ruin into a luxury hotel, where luxury means enjoying the peaceful and timeless atmosphere of a magical place, surrounded by nature, but with all the comforts of a 5 Star Hotel. www.reschio.com

Si tratta di una delle tre ville costruite tra Talamone e la costa di Giannella, a pochi chilometri dal promontorio del Monte Argentario.

Residenza storica risalente al XVIII secolo, circondata dalla natura incontaminata della Maremma Toscana, Villa Talamo offre una spettacolare vista dei tramonti sul porto dell’antico borgo medievale e scorci mozzafiato sulle isole dell’arcipelago, Giglio, Giannutri e Montecristo.

Con i suoi rigogliosi giardini, i raffinati interni e la spiaggia privata, è una location ideale in ogni stagione. www.villatalamo.com

It’s one of three villas built between Talamone and the Giannella coast, a few kilometers from the Monte Argentario promontory.

Villa Talamo is a historical residence that dates back to the eighteenth century. It’s surrounded by Tuscan Maremma’s unspoiled nature and it offers a spectacular view of the sunset on the port of this ancient medieval village and of the islands of the archipelago, Giglio, Giannutri and Montecristo.

With its beautiful gardens, its refined interiors and the private beach, it’s the ideal location for every season. www.villatalamo.com

Altrettanto ammirevole è il progetto del gruppo Sextantio.

Un modello di ospitalità che mira a ridare vita a quei centri storici in parte abbandonati dei borghi più belli d’Italia attraverso la formula dell’albergo diffuso. Un lavoro di recupero quasi estremo capace di conservare l’integrità storica e caratteristica del costruito, ma anche di integrare gli arredi originari, a volte ricostruiti grazie alla memoria di anziani artigiani, con elementi dal design minimalista, ricercando con questo, oltre che una essenziale eleganza, una semplicità formale capace di valorizzare il patrimonio originario. Indescrivibile la sensazione di svegliarsi in una delle 18 Grotte della Civita situate nella parte più antica dei Sassi di Matera, a strapiombo sul torrente Gravina, di fronte alla drammatica scenografia del Parco della Murgia e delle sue chiese Rupestri. www.sextantio.it/legrottedellacivita/matera

Equally admirable is the project of the “Sextantio” group.

A model of hospitality that aims to give new life to the partly abandoned historic centers of the most beautiful villages in Italy through the formula of the “Albergo Diffuso”. An almost extreme restoration project able to preserve the local historical identity, combining the original furnishings, sometimes restored by highly skilled craftsmen, with minimalistic elements, so as to maintain an essential elegance and a formal simplicity which enhance the authentic heritage. The feeling of waking up in one of the 18 Grotte della Civita (ancient caves) is indescribable; they are located in the oldest part of the Sassi of Matera, overlooking the Gravina stream, in front of the beautiful “Parco Della Murgia” and its rocky churches. www.sextantio.it/legrottedellacivita/matera

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EXPERIENCE ON TREND / GIULIA MINOZZI - RUNE RICCIARDELLI

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Villa Talamo

Villa Talamo, interni Genius People Magazine

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Castello di Reschio, camere. Ph. Philip Vile

Sextantio, grotta Genius People Magazine

EXPERIENCE ON TREND / GIULIA MINOZZI - RUNE RICCIARDELLI

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SENTIRSI IN UN SET (dove tutto è perfetto) Luoghi degni di un film Hollywodiano di altri tempi. Spazi progettati con cura maniacale, dove tutto è pensato nei minimi dettagli. La scelta dei materiali, gli arredi disegnati su misura, la selezione di ogni singolo oggetto e decoro. Luci e atmosfere che dialogano con il panorama e immergono gli ospiti in un racconto immaginifico.

Casa estiva di Franco Zeffirelli, incastonata nella scogliera di fronte a Positano.

JUST LIKE IN A MOVIE SET (where everything is perfect) Places worthy of an old Hollywood movie. Spaces designed with maniacal care, where everything is done right down to the last detail. The choice of materials, the custom-designed furniture, the selection of every single object and decoration. Kaleidoscopic lights and a peaceful atmosphere that blend with the rural scenery and make the guests feel as if they were in a fantasy tale.

Franco Zeffirelli’s summer home is situated on the cliffs right in front of Positano.

Villa Treville è stata per decenni crocevia di intellettuali e artisti internazionali del calibro di Liz Taylor e Maria Callas e, a detta di alcuni, rappresentazione terrena di quello che dovrebbe essere il paradiso. Il regista iniziò ad arredarla alla fine degli anni 60 con l’intento di renderla sempre più bella, lavorando su ogni dettaglio come in una scenografia degna dei suoi migliori film.

Negli ultimi 16 anni è passata di mano due volte, ma tutte le proprietà ne hanno sapientemente custodito lo splendore, mantenendo intatti i rigogliosi giardini, le verande, i saloni ricolmi di marmi, avori, specchi e madreperle, i pavimenti in maiolica lasciati dal maestro e le ceramiche napoletane del ‘700 raccolte nel tempo dagli antiquari della costiera. Oggi è un lussuoso resort di charme dove trascorrere una vacanza da sogno. www.villatreville.com

For several decades Villa Treville has hosted international intellectuals and artists of huge calibre, such as Liz Taylor and Maria Callas, and some people believe it to be a real heaven on earth.

The famous director began furnishing it at the end of the 60s, with the intention of making it more and more beautiful, taking care of every detail as if it was the set of one of his best films. In the last 16 years Villa Treville changed owner twice, but its splendor was wisely preserved; the luxuriant gardens, the verandas, the magnificent halls adorned with marble, ivory, mirrors and mother-of-pearl, the majolica floors left by the director, and the 18th-century Neapolitan ceramics collected over time by antique dealers. Today it is a luxury resort where you can spend a dream vacation. www.villatreville.com

Villa Treville vista aerea Genius People Magazine

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Palazzo Experimental

Palazzo Experimental, dettagli

Venezia è una città unica al mondo e il gruppo Experimental questo lo sa bene. Noti per aver rinnovato la cultura dei cocktail bar parigini e per aver aperto i propri hotel e ristoranti in alcune delle location più cool del mondo, i quattro imprenditori francesi non potevano farsi sfuggire l’occasione di portare il proprio stile tra le calli. Posizionato nel sestiere di Dorsoduro con vista sul Canale della Giudecca, Il Palazzo Experimental è leggermente fuori dai principali percorsi turistici.

Aperto ai visitatori e agli abitanti del luogo, al suo interno si trovano un ristorante, un cocktail bar e un giardino segreto che affaccia su un canale secondario. La decorazione degli interni è un omaggio alla tradizione veneta con un tocco di stile postmoderno.

Tutti i dettagli, dagli ambienti comuni, alle camere e perfino nei bagni, rivelano un sapiente utilizzo di materiali nobili e di colori tipici della città e della laguna. Alle finestre gotiche e alle doppie altezze, cifra stilistica dei più antichi palazzi veneziani, si affiancano le imponenti testiere dei letti, specchi che sembrano finestre del Palladio, decori a strisce in omaggio alle maglie dei gondolieri, tappeti e pavimenti in terrazzo che richiamano le sfumature dell’acqua. Un insieme di dettagli e di accortezze progettuali che contribuisce a creare un’atmosfera quasi magica, in bilico tra la vita a palazzo e un luogo di fantasia. it.palazzoexperimental.com

Venice is unique in the world and the Experimental Group knows it well. Celebrated for bringing the cocktail bar culture to Paris and opening their own hotels and restaurants in some of the world’s coolest locations, the four French entrepreneurs couldn’t pass up the opportunity to bring a touch of their style to the “calli” (streets of Venice). Located in the heart of Venice’s Dorsoduro quarter on the Canal Della Giudecca, Palazzo Experimental is slightly off the main tourist routes.

Open to visitors and locals alike, its interior features a restaurant, a cocktail bar, and a secret garden overlooking a secondary canal. The interior decoration is a tribute to the Venetian tradition with a touch of postmodern style.

All the decorations in the common areas, guest rooms and even bathrooms, reveal a clever use of precious materials and typical colors of the city and the lagoon. Gothic windows and double heights, a stylistic feature of the oldest Venetian palaces, are flanked by majestic bedheads, mirrors that look like Palladian windows, striped decorations in homage to the Gondoliers’ shirts, carpets and terrazzo floors that recall the shades of water.

A set of details and design tricks that contributes to create an almost magical atmosphere, poised between real life in a palace and a fantasy place. en.palazzoexperimental.com

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NOTHING ELSE

Iseo • Aquariva Super • Rivamare • Dolceriva

a Ferretti Group brand www.riva-yacht.com

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Mille maledizioni e mai uno strappo alla camicia L’arte della camicia secondo Alberto Guazzetti A thousand curses never tore a shirt The art of wearing shirts according to Alberto Guazzetti di/by Alberto Guazzetti

Cuore pulsante della nighlife del Nord Italia da quarant’anni, Alberto Guazzetti non ha mai smesso di dettare le regole dell’eleganza e dello stile. Cultore del classico e della tradizione sartoriale, nemico giurato dell’approssimazione: questo è il Codice Penale di Alberto Guazzetti.

The beating heart of Northern Italy’s nightlife for forty years, Alberto Guazzetti has never stopped dictating the rules of elegance and style. A lover of classics and of sartorial tradition, a sworn enemy of approximation: this is Alberto Guazzetti’s Criminal Code.

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EXPERIENCE ON TREND / ALBERTO GUAZZETTI

Pochi sono i veramente “nati con la camicia”, molti di più sono quelli così definiti perché fortunati, però tutti dovrebbero sapere quanto è importante la camicia nel guardaroba di un uomo e come essa costituisca un elemento imprescindibile nel percorso dello stile. La camicia è l’unico capo che non ha cambiato radicalmente foggia, una veste che ha viaggiato nei secoli restando un indumento intramontabile. Lo sviluppo della sua forma attuale prese avvio verso la fine del XIX secolo quando la ditta Brown, Davis & Co di Aldemanbury depositò il primo modello con l’abbottonatura sul davanti, sino ad allora la camicia veniva infilata dalla testa e da poco tempo veniva considerata un capo d’ abbigliamento; per tutto il XVIII secolo era considerata ancora un indumento intimo e si indossava sotto una sopravveste lasciando spuntare solo il colletto. Il fatto che si consideri tuttora una mancanza di stile - soprattutto in presenza di signore - togliersi la giacca, indica che la camicia non può dissimulare la sua vera origine. Posto che è quasi impossibile emulare la capacità di scegliere e indossare una camicia come faceva Beppe Modenese, cliente e amico di una storica camiceria milanese dallo stile rigoroso e calvinista, oggi la camicia può essere declinata con più scioltezza: può essere portata in certe occasioni senza l’indispensabile giacca, addirittura senza cravatta.... A una condizione: che sia un “Fior di Camicia”! In alcuni casi si possono acquistare camicie pronte, ma per provare l’emozione di una seconda pelle la camicia deve necessariamente essere fatta su misura, possibilmente da un laboratorio di collaudata esperienza e dimostrata affidabilità.

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Few of us were really born, as we say in Italy, “with a shirt on”, the majority of us was just born lucky but, anyways, we should all know how important shirts are in men’s wardrobe and how essential they are in style’s history. Shirts are the only clothes that haven’t changed that much. They have traveled through centuries and yet they’re still timeless. Their actual shape was born at the end of XIX century when Aldemanbury’s company Brown, Davis & Co. deposited its first model with the buttoning on the front. Until then shirts were pulled over the head and weren’t really considered clothes; through all the XVIII century they were considered as undergarments and they were worn underneath surcoats, and only collars sticked out. Even nowadays taking our suit jackets off - especially in front of ladies – is considered a lack of style: in some way, shirts never got rid of their origins. Given that it’s impossible to choose and wear a shirt as Beppe Modenese did – he was a dear friend and a client of one historical, rigorous and Calvinist Milanese shop -, today shirts can be worn with more agility: you can wear them without suit jackets, and even without a tie… But on one condition: it must be a “Fior di Camicia”! Sometimes you can buy already made shirts, but if you want to try the feeling of wearing it as a second skin, they have to be tailored. And possibly in an experienced and reliable lab.

The world is full of legendary shirt shops – and they’re less expensive than you think – that sell unique products that will last in time and that can even be handed down, if treated with care.

The most important artisans provide spare collars and cuffs. In this way shirts last longer: you’ll just have to wash them together

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I bottoni rivelano subito se la vostra camicia è importante, non è necessario un occhio molto allenato per stabilire se sono di madreperla australiana, l'unico materiale consentito per una camicia seria, vanno scelti del giusto spessore e cuciti a giglio.

Buttons immediately tell if your shirt is important. You don’t need trained eyes to see if they’re made of Australian mother-of-pearl: they’re the only material that can be used on a real shirt and thay have to be of the right size and sewn a giglio.

Al mondo esistono camicerie leggendarie, meno costose di quel che si pensi, capaci di fornire un prodotto unico, destinato a durare nel tempo, addirittura da tramandare se mantenuto con cura. Gli artigiani più importanti, infatti, forniscono le loro opere assieme a collo e polsini di ricambio, il capo quindi ha una durata superiore, basta avere l’accortezza di lavare ogni tanto i ricambi assieme al capo indossato. Conservare con cura vale più di comprare a caso. Il principe De Curtis diceva che l’educazione, come una camicia bianca, non passa mai di moda, ma fate attenzione a non usarla sempre (la camicia). Qualsiasi sia la scelta, comunque, esiste un imperativo: la camicia deve essere perfettamente stirata...sempre! Una camicia stazzonata è ciò di peggio si possa vedere, al pari di quei prodotti moderni e pratici che non necessitano di stiratura. Lasciate queste aberrazioni a chi possiede il gusto di un Visigoto e sarà presto imprigionato. E lasciate ad altre orde di barbari quelle camicie strette con infinite pinces, che fanno assomigliare chi le porta a una salsiccia ambulante, anche a discapito delle ore passate a sudare in palestra, la loro condanna è già in atto: l’esposizione al pubblico ludibrio. A proposito, un consiglio: evitare i tessuti troppo leggeri e trasparenti nelle stagioni calde, il rischio di evidenziare le “pezzature” aumenta in modo esponenziale assieme a quello di finire ai lavori forzati in Caienna. Stessa pena, con l’aggiunta dell’isolamento notturno, per coloro i quali osano sfoggiare camicie con volant degne di Freddie Mercury (lui poteva) o scure o a righe diagonali, fantasie improbabili, colletti sproporzionati, polsini da spadaccino, asole con filo a contrasto, “pettorate” (camicia aperta con più di un bottone slacciato) degne di un attore di telenovela brasiliane e bottoni che non siano bianchi.

with what you’re wearing. Preserve with care is better than buying randomly. The prince De Curtis used to say that good manners and white shirts never go out of fashion, but be careful: you mustn’t always use them (the shirts). Whatever your choice is, there’s one rule: your shirt must be perfectly ironed…always!

Crumpled shirts are unwatchable as much as those modern products that don’t need to be ironed. Leave these aberrations to those who have the taste of a Visigoth and they’ll soon be imprisoned! And leave to all the other barbarian hordes those tight shirts full of pinces that make people look like huge sausages, even if you go to the gym. Penalty: public ridicule. Speaking of which, an advice: avoid fabrics that are too light and transparent during the hot season, your pit stains could become way too noticeable and you will find yourselves condemned to forced labor in Cayenne.

The same, with the addition of night isolation, for those who dare to wear shirts with ruffle worthy of Freddie Mercury – but he could – or dark shirts or in diagonal stripes, with horrible patterns, collars out of proportion, swordsman cuffs, buttonholes with contrast stings, “pettorate” (shirts with more than a button opened) like telenovelas’ actors or buttons that aren’t white. Buttons immediately tell if your shirt is important. You don’t need trained eyes to see if they’re made of Australian mother-of-pearl: they’re the only material that can be used on a real shirt and thay have to be of the right size and sewn a giglio. It goes without saying that neck and cuffs must be hand made with canvas and stitches must be at least 8 per cm. You can tell a shirt’s quality by two other details: the last buttonhole at the bottom must be cut horizontally to allow movements and the so-called mouche, a fabric sewn by hand between the two side flaps. This actually isn’t a chic detail: it was created in the families of farm workers to prevent the side from unbuttoning. It must be pentagonal, not triangular.

On formal shirts avoid pockets, you could die and this would still be a sentence.

Short-sleeved shirts are banned and if you wear them, you could get fired for cause even if you’re a bus driver. Just one exception: Hawaiian shirts. You can wear them only at the beach and only if they’re vintage, hopefully Alfred Shaheen ones, he was Aloha shirt’s prophet. White collars and colored shirts, the so called Winchester, can be worn only by rich and cruel people such as Gordon Gekko: if you don’t own most part of Anacott iron, just don’t. You’ll earn the firing squad. Denim shirts are now back in fashion but they could make you look like Brubaker. If you know how to wear them naturally and with the right combinations, remember it has to look lived-in and that its fabric must be thicker than the ones they use today. Plaid shirts can be worn only by those who can prove they own a truck. And the same goes for Guayaberas, beautiful Cuban shirts that some traveler, sometimes, wears in the city. You can wear them if you know the Habanos S.A. works by heart and if you’ve smoked at least a hundred culebras. One last note: the monograms, the initials that are sewed on your left side, half the way from the chest and the waist, 7 cm from the buttoning came to life for practical reasons: they had to be found in the laundry of large families or in the ones

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I bottoni rivelano subito se la vostra camicia è importante, non è necessario un occhio molto allenato per stabilire se sono di madreperla australiana, l’unico materiale consentito per una camicia seria, vanno scelti del giusto spessore e cuciti a giglio.

Dato per scontato che il collo e i polsi devono essere intelati a mano e i punti devono essere almeno 8 per cm.

Altri due particolari, meno visibili, rivelano la qualità e la cura con la quale è stata realizzata una camicia: l’ultima asola in basso che deve essere tagliata orizzontale per consentire un miglior movimento senza sbottonarsi e la cosiddetta mouche, l’inserto di stoffa cucito a mano tra i due lembi laterali. In verità un particolare non chic poiché nasce nelle famiglie dei braccianti per evitare che il fianco si scucisse. Deve essere pentagonale, non triangolare come si vede spesso.

Sulle camicie formali evitare il taschino, si rischia di lasciarci le penne nel vero senso della parola e questa è già una condanna.

La camicia con le maniche corte non esiste e comporta il licenziamento per giusta causa anche per un autista di autobus. Unica eccezione per la camicia hawaiana, consentita solo al mare e solo se vintage, magari di Alfred Shaheen il profeta della Aloha shirt.

Il colletto bianco in contrasto con il resto della camicia, cosiddetto Winchester, solo se siete ricchi e spietati come Gordon Gekko e possedete la maggioranza della Anacott acciaio, altrimenti rischiate la fucilazione. La camicia in denim, tornata di grande attualità, potrebbe farvi assomigliare a Brubaker purché la sappiate portare con disinvoltura e con i giusti abbinamenti, deve avere un’aria vissuta e scelta in un tessuto più pesante di quelli che si trovano in commercio oggi. Le camicie a quadroni si possono usare solo se si dimostra di possedere un trattore, così come è consentita la Guayabera, bellissima camicia cubana che qualche viaggiatore sfoggia in città, a patto che chi la indossa conosca il vitolario di Habanos S.A. a memoria e abbia fumato almeno 100 culebras. Una ultima annotazione: le cifre, il termine utilizzato per indicare le iniziali che vanno ricamate sempre sul fianco sinistro a metà circa tra il petto e la vita e a circa 7 cm dalla abbottonatura, nascono da una esigenza pratica. Quella di riconoscere il capo nei bucati delle famiglie numerose o nei collegi. Le iniziali erano il modo migliore per farlo, nel tempo, questo uso si è trasformato in un vezzo. Manica e colletto sono vietati perché troppo visibili, un vanto da esibire non è più una finezza da celare, vanno ricamate ovviamente a mano con il punto erba o il punto catenella, colori sobri, carattere a scelta, ma sempre seguite dal punto. Nelle camicie da cerimonia meglio il tono su tono, al massimo un grigio tenue. Coloro i quali trasgredisco questa regola o fanno ricamare le camicie pronte magari a macchina meritano...la camicia di forza!

E adesso mi fermo, non vorrei mi auguraste la... Camicia di Nesso.

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of colleagues. Initials were the best way to do so and today they’ve become a habit.

Sleeve and collar are forbidden because they are too visible, a boast to be exhibited is no longer a refinement to be concealed, they must be embroidered by hand with grass stitch or chain stitch, sober colors, character of your choice, but always followed by the point. For ceremonial shirts, tone on tone is better, at the most a soft gray. Those who transgress this rule or have their shirts embroidered ready perhaps by machine or deserve ... the straitjacket!

And now I stop, I don’t you to wish me a new...shirt of Nessus.

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“Why Knots?”

La scienza del nodo alla cravatta “Why Knots?”

Knot’s science di/by Paolo Mario Caiazzo

Paolo Mario Caiazzo È nato in Cile, classe 1965, ma ha sangue napoletano.

Ha frequentato la facoltà di ingegneria elettronica ma poi si è buttato nel mondo dell’economia facendo per 30 anni il consulente finanziario. Tuttora è consulente aziendale e si autodefinisce uomo di stile italiano classico con un grande interesse per i nodi alle cravatte che si mantiene al di fuori dei confini della passione e del fanatismo per la materia.

Fondatore del progetto Knot in Italy.

ph. Giuseppe Rado

He was born in Chile, class of 1965, but he has Neapolitan blood. He attended the faculty of electronic engineering but then jumped into the world of economics, working as a financial consultant for 30 years. He still works as a business consultant and considers himself a man with a classic Italian style and a great interest in tie knots that keeps himself outside the boundaries of passion and fanaticism for the subject. Founder of the Knot in Italy project.

La tecnica del nodo: un’introduzione scientifica Annodarsi la cravatta è prima una scienza e poi un’arte. Quanti nodi si possono fare con una cravatta? La risposta è tutt’altro che semplice, tanto da aver “scomodato” Mao e Fink, due fisici di Cambridge, che hanno studiato il tema a fondo calcolando quanti intrecci e pieghe si possano realizzare. Grazie a formule matematiche, tra cui «la teoria del nodo», ci dimostrano che una cravatta lunga 145/150 cm può essere annodata in 85 modi diversi.

Knot techinque: a scientific introduction Tieing ties is first a science and then an art. How many knots can you make with a tie? It’s not a simple answer. In order to answer this question, two physicists in Cambridge, Mao and Fink, have calculated how many wovens and folds you can make. Thank to math formulas, including the “knot theory”, they proved that a tie long 145/150 cm can be tied in 85 different ways.

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Annodarsi la cravatta è prima una scienza e poi un’arte.

Quanti nodi si possono fare con una cravatta?

La risposta è tutt’altro che semplice.

Tieing ties is first a science and then an art. How many knots can you make with a tie?

It’s not a simple answer.

Ogni nodo è il risultato di una precisa successione che inizia da destra o da sinistra e che passa per il centro. Il numero dei passaggi ne determina la dimensione. Per esempio, il Pratt, nodo a 5 passaggi, ha una dimensione minore del Cavendish che è a 8 passaggi. La forma del nodo, invece, dipende da come sono miscelati i passaggi che ne determinano simmetria ed estetica.

Il nodo è il “messaggio” Il nodo è una figura geometrica, dotata di volume, densità e forza. È il risultato di una trasformazione: grazie al talento e alla volontà di creazione personale, si dà forma ad un oggetto che attende di essere scelto dal cassetto per vivere una “giornata di gloria”. È una trasformazione che lancia un messaggio chiaro di chi sei, cosa vuoi, come ti vedi e come vuoi che gli altri ti vedano.

L’angolazione, per esempio, è inversamente proporzionale alla vocazione ai cambiamenti e alle sorprese. Un nodo vagamente rettangolare come il Four in Hand può trasmettere rilassatezza e disponibilità. Mentre un nodo marcatamente triangolare, largo in alto e ben chiuso alla base, è riservato agli uomini determinati, che vogliono assumersi responsabilità e porsi obiettivi (come alcuni leader politici e capi di stato).

Every knot is the result of a specific sequence that starts from left or from right and that moves through the center. The number of steps determines its size. For example, the Pratt, a knott made in five steps, depends on how the different steps are combined, and they will determine its symmetry and its aesthetics.

The knot is a message Knots have a geometric shape: they have a volume, density and force. They’re the result of a transformation: thanks to talent and personal creative will, we give shape to an object that waits to be chosen in our drawer to live its day of glory. This transformation tells people who you are, what you want, how you see yourself and how you want others to perceive you.

For example, the angle is inversely proportional to talent for change and to enjoying surprises. Rectangular knots such as the Four in Hand conveys a feeling of peacefulness and helpfulness.

Very marked and triangular knots, large on top and closed on the bottom, is reserved to determined men, to those men that want to take responsibilities and set new goals (such as politic leader and heads of state).

L’occasione giusta non esiste Non esiste un’occasione giusta o sbagliata: il nodo racchiude il messaggio che la persona vuole trasmettere. In generale si pensa che alcuni nodi, come il Windsor, siano adatti ad eventi formali, ma non è così. L’occasione deve influenzare solo la scelta del tipo di fantasia e di colore della cravatta, non il modo in cui la annodate. Un esempio? I colori della cravatta devono seguire le fasi della giornata, chiari la mattina, più scuri la sera.

The right occasion does not exist There’s no such thing as right or wrong occasions: knots enclose the messages that people want to convey. Generally, people think that knots like the Windsor are appropriate for formal events, but they’re wrong. Occasions must only influence our choices in matter of the tie’s pattern or color but they have no power on our choices on how to tie our ties. An example? Ties’ colors must always follow the different phases of the day: light colors in the morning, dark colors in the evening.

JERRY PRATT, il nodo che fece accendere la scintilla Il Pratt è l’unico che ha ricevuto attenzione internazionale facendo accendere i riflettori su arte e tecnica del nodo. Fino alla sua scoperta (1989) se ne conoscevano diffusamente soltanto tre: lo Scappino o Windsor, il mezzo Windsor e il Four in Hand.

Il nodo Pratt ha una bella tenuta e ci vogliono 5 passaggi per realizzarlo.

Nel 1989 il «New York Times» ed il «Daily Telegraph» rivelarono che Jerry Pratt, l’inventore americano da cui il nodo prende il nome, lo usasse da oltre 20 anni prima che Don Shelby, perso-

JERRY PRATT, the knot that lighted the sparkle The Pratt is the only knot that has attracted international attention and that has moved people’s interest on knots’ art and techniques. Up until its discovery (1989), people only knew three knots: the Scappino or Windsor, the half Windsor and the Four in Hand. The Pratt has a strong hold and can be made in five steps.

In 1989 the New York Times and the Daily Telegraph revealed that American’s Pratt inventor Jerry Pratt, who gave the name to this knot, used this knot for over twenty years before Don Shelby, a television personality, got public with its construction. One par-

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Inquadra il QR code per scoprire come realizzare un nodo Cavendish a regola d’arte e abbandonare il Four in Hand.

Inquadra il QR code per scoprire come realizzare un nodo Pratt a regola d’arte.

Frame the QR code to discover how to make a perfect Pratt knot.

Frame the QR code to discover how to make a perfect Cavendish knot and give up Four in Hand.

Photo e video: Giuseppe Rado

naggio televisivo, rendesse di dominio pubblico la sua costruzione. Una particolarità: per fare il nodo Pratt bisogna mettere la cravatta intorno al collo alla rovescia.

La forma del Pratt è triangolare, dovuta ai 2 passaggi per il centro su 5 totali. Ha un’angolazione che si sviluppa in ampiezza e quindi ha bisogno di un colletto semi aperto che lo “abbracci” in modo da non sollevare le vele e le punte, cosa che accadrebbe con un colletto stretto (all’italiana).

CAVENDISH, il nodo della nostalgia Il Cavendish è un nodo a 8 passaggi totalmente diverso da tutti gli altri formato dalla concatenazione di due cosiddetti Four in

ticularity: to do a Pratt knot, ties must be worn backwards around the neck.

Due to its two steps that pass in the center, Pratt’s shape is triangular. Its angle grows in amplitude and for this reason it’s better to wear a half-opened neck in order to “wrap it” without raising its sails or tips as it happens with closed necks (all’italiana).

CAVENDISH, the nostalgia knot The Cavendish is a knot made in 8 steps. It’s different from the others and it’s made by the concatenation of two Four in Hand or Tiro a Quattro. Its final appearance depends on the execution and on the tie’s weight.

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EXPERIENCE ON TREND / PAOLO MARIO CAIAZZO

Hand o Tiro a Quattro. L’aspetto finale del Cavendish dipende sia dall’esecuzione sia dal peso della cravatta.

Se utilizzate un tessuto leggero, sarà più piccolo e facilmente scambiato per un Tiro a Quattro.

Se invece scegliete cravatte di trama fitta, di lana o maglia, enfatizzeranno la dimensione del nodo.

La forma del nodo Cavendish è allungata, asimmetrica e con una leggera angolatura, determinata dai soli 2 centri sugli 8 passaggi totali. Il colletto giusto dipende dalla trama della cravatta: per un nodo grande meglio un colletto semi aperto; per uno piccolo, invece, il colletto all’italiana sarà perfetto.

If you use a light fabric, the knot will be smaller and similar to a Tiro a Quattro.

If you use a tie with a thick texture, such as wool or knit, its size will be emphasized.

Its shape is stretched, asymmetric and slightly angled because of the two centers in eight steps. The right neck depends on the tie’s texture: in order to have a big knot, half-opened collars are better; for a small knot, all’italiana collars will be perfect.

Alla ricerca degli antenati della cravatta.

Piccolo viaggio nella storia.

Non si sa con certezza quando sia nato l’antenato della cravatta, ma da sempre gli uomini hanno sentito il bisogno di portare qualcosa intorno al collo. Quattromila anni fa i faraoni sfoggiavano collane di pietre preziose, le popolazioni primitive del Brasile indossavano strisce di cuoio porta amuleti, i Tuareg si avvolgono tuttora in una sciarpa.

Se andate a Roma, vicino a piazza Venezia, potete osservare una colonna alta 39 metri fatta erigere nel 106 d.C. dall’Imperatore Traiano per celebrare le vittorie con i Daci.

Sulla superficie sono raffigurati i momenti più importanti delle battaglie: molti legionari imperiali portano un pezzo di stoffa annodato al collo (focale) e tenuto sotto la corazza. È una testimonianza inconsueta perché è raro trovare nelle sculture romane altri esempi. Trecento anni prima dei romani anche altri soldati solevano cingersi il collo con un pezzo di stoffa. Lo documenta l’incredibile esercito di terracotta riportato alla luce nel 1984 presso Xi’an, l’antica capitale della Cina unificata. Per esorcizzare la morte, Shih Huang Ti, il primo imperatore, si era fatto costruire una splendida tomba custodita da arcieri, cavalieri e ufficiali plasmati nella creta, uno diverso dall’altro, ma tutti raffigurati con un’ampia sciarpa sul collo. Questi reperti archeologici, se da una parte negano ai Romani l’invenzione della sciarpa, dall’altra lasciano insoluto l’annoso problema delle sue origini. Confermano, però, come essa abbia avuto un utilizzo esclusivamente militare in climi rigidi. In oriente altre testimonianze dell’uso della sciarpa o di indumenti simili si ritrovano nel costume religioso. Un residuo di quella sorta di scialle, non più stretto intorno al collo ma portato sulle spalle, che orna certe statue di Budda del I secolo, potrebbe essere, infatti, il katà tibetano, che i visitatori usano donare al sacerdote di un tempio o al padrone di casa. Non è un pezzo di stoffa qualsiasi, ma un taglio di seta o garza di cotone lungo 1,5 – 2 metri. Una lunghezza particolare che fa pensare a una sua derivazione dalla sciarpa dei guerrieri Ch’in, ipotesi avallata dalla discendenza dei Tibetani emigrati nell’attuale Tibet intorno al 200 a. C., quindi in tempo per aver forse visto le sciarpe dei soldati presi a modello per le statue di terracotta.

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In search of ties’ ancestors.

A small journey in history.

We don’t know exactly when ties’ ancestors were born, but men always had the need to wear something around their neck. Four thousand years ago, pharaohs wore necklaces made by precious stones, Brazil’s primitive people wore amulet-bearing leather straps, Tuaregs wear scarfs.

If you go to Rome, next to piazza Venezia you’ll find a 39 meters high column raised by Emperor Traiano in 106 d.C. to celebrate his victory against the Dacians. The most important battle moments are represented on its surface: many Imperial legionaries wore a piece of fabric around their neck (focale), under their armor.

It’s a rather unusual representation, it’s rare to find this detail in other Roman statues. Three hundred years before the Romans, even other soldiers used to wear a piece of fabric around their neck. This is documented by the incredible Terracotta Army found in 1984 next to Xi’an, China’s ancient capital. In order to fight death, the first Emperor Shih Huang Ti built an amazing tomb that was guarded by archers, knights and officers made in clay. These findings prove Romans didn’t invent scarfs, but they don’t give us any advice on their origin. They do though confirm they were used by militaries during winters. In the East there are other example of similar garments in religious environments. The Tibetan katà we find on some Buddha’s statues of the first century could be an example and a residual of those shawls that are now worn on shoulders and not around necks. It’s not a common piece of fabric, it’s a 1,5-2 meters long piece of silk or a cotton gauze. Its length made archeologists think that these shawls could come from Ch’in’s warriors’ scarves. This theory is backed up by Tibetan’s emigration in Tibet in 200 a.C., just in time to see the scarves that the warriors that were used as models for the clay statues were wearing.

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TRAVEL

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Bvlgari Hotel Milano La prima gemma dei Bvlgari Hotels & Resorts Bvlgari Hotel Milano Bvlgari Hotels & Resorts’ first gem di/by Erika Fay Nicole

Quando si trascorre del tempo in un hotel, che sia per qualche ora o per diversi giorni, la soddisfazione delle aspettative è certamente importante ma non è l’unico fattore che conta.

Come essere umano prima di tutto, per me diventa imprescindibile la necessità di sentire un senso di appartenenza, una connessione a livello emotivo, pur riservando estrema importanza alla mia libertà e indipendenza individuali.

Ed è proprio il legame con lo staff che mi fa tornare, ancora e ancora, ogni volta che ne ho l’occasione e l’hotel diventa quindi più di un semplice posto dove stare; diventa un luogo di comfort in cui mi sento meglio che a casa.

Ho sempre pensato che la capacità di accogliere calorosamente, di mettersi nei panni altrui, di saper ascoltare, di anticipare le emozioni, i bisogni e i desideri, rappresentassero il vero lusso ed è questo che per me fa la differenza, in ogni ambito della vita. Al giorno d’oggi ciò che scarseggia è il tempo e la possibilità di riconnettersi a se stessi e quindi il godimento dipende da un abile abbattimento di tutto ciò che è superfluo, proteggendo l’essenziale. Ed è per questo motivo che l’ambiente in cui scegliamo di stare dovrebbe permetterci di vivere esperienze più stimolanti, aiutandoci a diventare la persona che aspiriamo ad essere.

Autenticità, pura presenza, l’essere raggianti, grazia, integrità, eccellenza. Sono questi i valori sui quali i Bulgari Hotels & Resorts hanno basato il loro ingresso nel mondo dell’ospitalità di lusso. Il 18 maggio 2004 è stato inaugurato il primo Hotel Bvlgari a Milano e da quel momento si è voluto mettere al centro le persone, i loro valori e bisogni autentici.

Il Bvlgari Hotel Milano sorge all’interno di un giardino privato di quattromila mq vicino all’Orto Botanico, in una delle zone milanesi più prestigiose: lo splendido quartiere di Brera. La posizione e il design, curato dallo Studio di Architettura Antonio Citterio & Partners, ne fanno una vera oasi rigenerante di serenità e il giardino e la SPA, luminosa e accogliente, ne amplificano l’aura di benessere.

Una volta varcata la soglia si percepisce immediatamente che nulla è stato lasciato al caso e che tutto fa parte di un

When you spend some time in a hotel, whether it’s for a couple of hours or for days, you want the hotel to meet your expectations, but this is not the only important factor.

As a human being, I need to feel a sense of belonging, a connection on an emotional level while still giving the right importance to my freedom and my individuality.

My relationship with the staff is what makes me coming back, over and over again, every time I can. In this way, a hotel isn’t just a place in which I stay: it becomes my comfort zone, a place that feels better than home.

I always thought that real luxury is made by the staff’s ability to warmly welcome guests, putting themselves in other people’s shoes, anticipating people’s emotions, needs and desires. This is what makes all the difference for me, in every sphere of life. Nowadays we have little time and we have really few chances to reconnect with ourselves, thus pleasure depends on the elimination of all the things that are unnecessary, and on the protection of what’s essential. This is why the environment we choose to stay in should make us live exciting experiences and should help us become the person we want to be. Authenticity, pure presence, freshness, grace, integrity, excellence. These are the values on which Bulgari Hotels & Resorts has built its entrance in the world of luxury hospitality. Milan’s first Bvlgari Hotel was inaugurated on May 18th, 2004 and from that moment on the brand has put people, their values and their authentic needs first.

Bvlgari Hotel Milano stands in a private garden of four thousand square meters private garden near the Botanical Garden, in one of the city’s most prestigious areas: in Brera’s beautiful district.

Thanks to its location and its design, handled by the Studio di Architettura Antonio Citterio & Partners, the hotel is a renvigorating oasis, and its garden and its light and welcoming SPA amplify its aura of fineness.

Once you get in, you perceive that nothing was left to chance and that its project was studied in every detail. And yet, its impeccable service is combined to an informal environment and in the years Bvlgari Hotel Milano has become a very popular meeting point, for tourists and for the same Mila-

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Autenticità, pura presenza, l’essere raggianti, grazia, integrità, eccellenza.

Sono questi i valori sui quali i Bulgari Hotels & Resorts hanno basato il loro ingresso nel mondo dell’ospitalità di lusso.

Authenticity, pure presence, freshness, grace, integrity, excellence. These are the values on which Bulgari Hotels & Resorts has built its entrance in the world of luxury hospitality.

In foto il Bulgari Hotel di Milano

progetto basato su dettagli assolutamente precisi. Eppure, quel servizio impeccabile si inserisce in un ambiente informale che negli anni ha fatto del Bvlgari Hotel Milano un luogo di ritrovo molto richiesto, non solo per i viaggiatori, ma anche per i milanesi che lo hanno scelto per godersi una colazione, un pranzo, un aperitivo o un trattamento estetico.

A prendere le redini del Bvlgari Hotel Milano nel 2019 è stato Vincenzo Falcone, che con grande competenza e lungimiranza ha saputo continuare il lavoro di Attilio Marro, Direttore Generale dal 2004 e oggi impegnato a gestire l’intero gruppo e le nuove aperture.

nese that chooses it to enjoy breakfast, lunch, an aperitif or a beauty treatment.

In 2019 Vincenzo Falcone took over the Bvlgari Milano and with his expertise and foresight he has continued the work of Attilio Marro, General Manager since 2004 and now in charge of the entire group and of the new openings.

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Intervista a Vincenzo Falcone - Direttore Generale Interview to Vincenzo Falcone - General Manager As a manager, what are the values you want to convey?

We based our notion of hospitality on authenticity, pure presence, radiosity, grace and on a tradition of excellence. All these values put together commit that our guests can fully enjoy a unique experience.

La tua esperienza come Direttore Generale qui al Bvlgari è iniziata tre anni fa, come ti sei sentito in quella occasione?

Iniziare a lavorare per il gruppo è stato motivo di grande orgoglio. Questo è un albergo iconico seppur ancora giovane. È stato molto bello e molto emozionante con molte sfide anche perché io venivo da un’esperienza molto diversa, da una destinazione di mare.

Ma devo dire che ho trovato molte similitudini con un resort pur essendo nel centro di Milano.

Which are the main aspects you focused on during your daily work?

Genuinity, first of all. We want to be authentic and spontaneous in every situation. Then dialogue with the team is very important to me: it helps us build true human relationships. Finally, I want to anticipate our guests’ need and expectations, and my staff’s as well.

Quali sono i valori che vuoi trasmettere nel ruolo di Direttore?

I valori sui quali noi fondiamo il nostro concetto di ospitalità sono l’autenticità, la pura presenza, l’essere raggianti, la grazia e la tradizione di eccellenza ovviamente. Sono tutti valori che messi insieme garantiscono ai nostri clienti un’esperienza unica.

Vincenzo Falcone - Ph. Claudia Calegari

Quali sono gli aspetti più importanti sui quali ti sei concentrato nel tuo lavoro quotidiano?

Innanzitutto la genuinità, quindi l’essere davvero autentico e spontaneo in tutte le situazioni. Poi sicuramente per me è importante il dialogo con il team perché questo aiuta a creare dei rapporti umani veri. E infine l’anticipare le necessità e le aspettative dei nostri clienti ma anche delle persone che lavorano con me.

Genuinità e semplicità sono due parole fondamentali per voi. In che modo le trasmettete alle persone che scelgono di trascorrere del tempo qui da voi?

Beh, noi chiediamo al nostro team di essere il più spontaneo possibile con i nostri clienti. Ad esempio, il personale risponde in maniera diversa al telefono, oppure tutti hanno un approccio diverso durante il servizio. Ogni persona ha la sua identità e per noi è importante preservarla.

Your experience as Bvlgari’s General Manager started three years ago, how did you feel at the time?

When I started working for the group, I was very proud. Although this hotel is still young, it’s iconic. It’s been a beautiful and exciting journey, full of challenges because I came from a completely different experience, from a sea location. But I did see many similarities with resorts, even though we’re in the center of Milan.

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Authenticity and simplicity are very important to you.

How do you convey these values to your guests?

Well, we ask our staff to be spontaneous with our guests.

For example, each member of the staff answers the phone in a different way and has a different approach during service. Every single person has its own identity, and we want things to stay this way.

If you had to describe your service in two adjectives, what would they be?

Good question. I’d say “impeccable and informal”. First of all, we created and environment that is informal because we wanted our guests to feel like they were in their own living rooms. But of course

TRAVEL ON TREND / BVLGARI HOTEL MILANO

Se dovessi descrivere con due aggettivi il vostro servizio, quali sarebbero?

Ottima domanda. Io rispondere “impeccabile e informale”. Diciamo che innanzitutto l’ambiente che abbiamo voluto creare aiuta ad essere informali perché desideriamo che i nostri clienti si sentano come se fossero nel loro salotto di casa. Ma ovviamente tutto parte dalla personalità dei nostri ragazzi perché già dalla selezione del personale, noi andiamo a ricercare delle persone che abbiano delle attitudini innate per essere genuini e spontanei. Poi allo stesso tempo prestiamo molto attenzione alla formazione tecnica e quindi il risultato è l’essere “impeccabili e informali”.

Le persone che lavorano qui sono più di centocinquanta, quanto è importante trasmettere al personale un senso di famiglia?

A mio avviso è fondamentale.

Se ci pensi, i ragazzi passano qui moltissime ore rispetto a quelle trascorse a casa, perciò è doveroso da parte nostra farli sentire a loro agio, felici e realizzati. Ognuno di noi dev’essere un esempio per gli altri, aiutandoli e valorizzandoli. Per me è importante proteggere la creatività dei miei ragazzi perché spesso le loro idee sono quelle più rilevanti.

A proposito di questo, mi racconti cos’è la Bulgari Experience? È un progetto pensato per tutto il personale neo assunto, il quale è invitato assieme al partner, o comunque una persona a sua scelta, a vivere

da cliente l’hotel per ventiquattro ore. Diamo quindi loro la possibilità di provare i nostri trattamenti nella SPA, la colazione, la cena o qualsiasi nostro servizio. L’obiettivo è quello di far conoscere veramente i nostri valori affinché il personale poi possa a sua volta trasmetterli a nostri clienti.

Il mondo dell’ospitalità in Italia sta cambiando e le strutture ricettive sono viste ormai come luoghi da vivere a trecentosessanta gradi. I milanesi che trascorrono il loro tempo da voi sono moltissimi. Secondo te, per quale motivo vi hanno scelti?

Sicuramente la nostra posizione ci aiuta. Se ci pensi siamo ubicati nel centro di Milano ma allo stesso tempo l’accesso da una strada privata garantisce grande privacy.

Il nostro giardino, un vero e proprio polmone verde, trasmette davvero l’idea di essere lontano dalla città. A questo si aggiungono tutti i servizi: l’offerta gastronomica firmata Niko Romito, la SPA con i trattamenti La Mer, la palestra con l’esclusivo Workshop training method di Bvlgari e infine il servizio di parrucchiere curato dal Salone Roberto D’Antonio di Roma.

Quali altri servizi avete deciso di offrire per rendere ancora più unica l’esperienza da voi?

Partiamo dal presupposto che secondo me il lusso dev’essere anche la libertà per i nostri clienti di organizzare la propria giornata come meglio credono, senza dover sotto-

everything starts from our staff’s personality: starting from the staff selection, we look for people who are genuinely authentic and spontaneous. And, at the same time, we focus on technical training. So, the result is “impeccable and informal”.

More than 150 people work here. Would you say it’s important to convey a sense of family?

I think it’s paramount. If you think about it, our staff spends more time here that at home, and we must make them feel comfortable, happy and fulfilled.

We all must be an example for others, we must help them and appreciate them. I even think it’s important to protect my staff’s creativity: often their ideas are the best.

Speaking of which…can you tell us what Bulgari Experience is?

It’s a project referred to newly employed staff: alongside their partner, or a person they choose, we invite them here to live the hotel as our guest for twenty-four hours. We give them the opportunity to try our beauty treatments in the SPA, to have breakfast, dinner and to try every service we offer.

Our goal is to teach them our values so that the staff will then be able to convey that same message to our guests.

In Italy, hospitality is changing and accommodation facilities are seen as places that must be lived at 360°.

Many Milanese spend their time here. Why do you think they chose you?

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I think our location helps.

We’re located in the center of Milan but we’re also in a private road and this assures us some privacy. Our garden is a true green lung and it gives you the idea of not being in the city.

Then we have our services: Niko Romito’s gastronomic offer, La Mer’s treatments in the SPA, our gym with exclusive Bulgari’s Workshop training method and Salone Roberto D’Antonio di Roma’s hairdresser service.

Which other services do you offer in order to make the experience even more unique?

I’d start by saying that luxury also means that our guests are free to spend their day as they please, and they shouldn’t have any time limit.

For example, we serve breakfast twenty-four hours a day.

Well, less rules you give your clients, the more the experience is free, real, as if they were at home.

Before Christmas we realized a corner for Bulgari’s precious handmade chocolate collection: the chocolate is made with the best cocoa and with the most refined ingredients of Italian tradition.

We’ll soon launch our pastry: it will be under the care of Niko Romito and it will focus on Italian desserts.

We will also inaugurate the new Bulgari Suite on the last floor with an amazing view of Milan’s skyline.

In the last three years what have been your greatest satisfactions?

First of all, I’m happy I built such an amazing relationship

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In foto il giardino del Bulgari Hotel di Milano

stare a delle limitazioni di tempo. La colazione, ad esempio, è servita ventiquattro ore su ventiquattro. Insomma meno regole imponi ai clienti e più l’esperienza è libera, è vera, come a casa.

Poco prima di Natale abbiamo creato un angolo dedicato alla preziosa collezione di cioccolatini artigianali Bvlgari, realizzati utilizzando le migliori qualità di cacao e i più ricercati ingredienti della tradizione italiana.

A breve lanceremo anche “la pasticceria” curata da Niko Romito che interpreterà i dolci tipici della nostra penisola.

Organizzeremo una vera e propria bakery e le persone potranno venire a prendere ogni giorno paste o torte da mangiare in famiglia.

Prossimamente verrà inaugurata la nuova Bvlgari Suite all’ultimo piano con una vista mozzafiato sullo skyline di Milano.

In questi tre anni quali sono state le tue soddisfazioni più grandi?

Innanzitutto l’aver creato un bellissimo rapporto con il gruppo Bvlgari e con il team.

Abbiamo raggiunto risultati importanti e tutti insieme stiamo affrontando questo periodo ricco di sfide ma anche di stimoli.

Quando ti svegli al mattino e sai che devi cominciare una nuova giornata di lavoro, dove trovi la carica e il sorriso che ti contraddistinguono?

La carica me la danno sicuramente il luogo, la passione per il mio lavoro e il lavoro di squadra. La consapevolezza di venire qui e trovare un team di collaboratori pronto a seguirmi nel raggiungimento degli obiettivi mi regala un carica senza eguali.

with the Bulgari group and with my staff. We’ve achieved important goals and we’re facing together this challenging – and yet exciting – moment.

When you wake up in the morning and you have to start a new day, where do you find your characteristic energy and smile?

My energy comes from the place, the passion for my work and from team work. Knowing that I’ll come here and I’ll find partners that will help me reach my goals gives me a lot of energy.

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Intervista a Krishanta Manoj Wettasinghe - Food & beverage manager Interview to Krishanta Manoj Wettasinghe - Food & beverage manager Sei qui dall’apertura del 2004, cos’ha significato per te iniziare questa avventura?

Per me è stato davvero importante perché se, ci pensi, questo è stato davvero il primo hotel del gruppo Bvlgari nel mondo. Ho iniziato come Group leader del Food & Beverage e con tanta passione e impegno per questo lavoro sono cresciuto e sono diventato F&B Manager.

Secondo te com’è cambiato questo settore? E oggi i clienti quali aspettative hanno?

Adesso la clientela ricerca la semplicità, il lato umano, il rapporto personale. Insomma tutte quelle cose che non possono essere comprate ma che ti fanno stare bene.

Quali sono le competenze che deve avere il F&B Manager?

Le conoscenze tecniche ovviamente sono alla base del nostro lavoro, sono fondamentali. Ma allo stesso tempo è molto importante la capacità di creare un gruppo di persone intorno a te. Il manager deve saper scegliere i giusti collaboratori. Questo fa sì che si crei un ambiente sano e tutto diventa più semplice da gestire.

Quali sono gli aspetti più importanti da salvaguardare durante un servizio?

Tu lo sai, quando un cliente arriva in un hotel come il nostro, si aspetta che tutto ciò che lo circonda sia perfetto.

Ma questo è normale, quasi scontato. Per questo credo

Krishanta Manoj Wettasinghe - Ph. Claudia Calegari

che sia il tipo di accoglienza a fare la differenza. La clientela va coccolata prima, durante e dopo il servizio e va soprattutto ringraziata. Nulla di questo dev’essere dato per scontato.

Io credo che sia molto importante ciò che viviamo all’interno di un hotel o di un ristorante, ma parlando di emozioni e sensazioni, spesso ciò che ci portiamo a casa lo è molto di più perché sarà quello a far nascere il desiderio di tornare in quel luogo. Che tipo di ricordo volete creare nelle persone che vengono da voi?

Un piatto buono è fondamentale, un drink ben realizzato anche, ma molte volte pensiamo che questo basti. Oppure che basti la precisione nel servirli. Ma il cliente non si ricorderà mai solo di questo. Lui si ricorderà della persona che lo ha servito e di come questa si è comportata nei suoi confronti. Si deve creare un rapporto autentico tra le parti, rispettoso ma vero. Ed è proprio quel lega-

You’ve worked here since its launch in 2004, what did this adventure mean to you?

It was very important for me because this is the first Bulgari group hotel in the world. I started as the Food & Beverage Group Leader and, thanks to my passion and my hard work, I’ve become the F&B Manager.

How do you think this industry has changed? What are clients’ expectations?

Clients want simplicity, humanity, a personal relationship. All those things that can’t be bought but that make you feel good.

What are the skills you have to have to be a F&B Manager?

Technical knowledge is, of course, the base of our job, it’s paramount. But being able to create a team of people is also important. A manager must know how to choose his collaborators. This makes the environment healthy and things are easier to manage.

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What are the most important aspects to safeguard during a service?

You know, when a guest comes in a hotel like ours, he wants everything to be perfect. And this is normal, it goes without saying. I think that reception is what makes all the difference. Clients must be pampered before, during and after service and they must be thanked. Nothing of this should be taken for granted.

I think that what we feel when in a restaurant and in a hotel is very important, but, on an emotional level, it’s more important what we take back home: those feelings will make us want to come back. What memory do you want to leave to your guests?

A good dish is paramount, and so is a well-made cocktail, and we often think that this is enough. The same with accuracy in serving. But clients won’t remember these things.

They’ll remember about the person who served them and how he/she behaved. We must build an authentic relationship between both parts, respectful and sincere. Once home, clients will remember this bond.

What did you want to convey to your team? Do you set goals? And, if you do, is there a prize for those who make it?

When we hire the staff, we look for people who are in line with our philosophy and our way of working. We choose “people”, and only afterwards Issue 17

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me che il cliente ricorderà una volta tornato a casa.

sarà un regalo, un incentivo a fine mese.

Quali sono gli aspetti importanti che hai voluto trasmettere al team? Ponete degli obiettivi da raggiungere? E se è così, chi li raggiunge viene premiato?

Quando noi assumiamo il personale cerchiamo qualcuno che possa andare bene con la nostra filosofia e il nostro modo di lavorare. Noi scegliamo “persone”, solo dopo lavoriamo sulla tecnica. Ed è per questo che abbiamo ideato la Bvlgari Experience per il personale. Se ci pensi, molte volte, quando si è presi dal lavoro, non ci si accorge di alcune cose. Ma se invece si osservano, da cliente, i propri colleghi mentre lavorano, allora a quel punto è possibile accorgersi di piccole sfumature. Quando il personale, vivendo il Bvlgari da cliente, capirà cosa vuol dire sentirsi coccolati allora saprà trasmettere le stesse emozioni a sua volta.

Al nostro team ovviamente diamo degli obiettivi. Questo perché prima di tutto ci permette di stimolarli e soprattutto perché così possiamo premiarli. Inoltre abbiamo ideato una piattaforma in cui i clienti possono esprimere le proprie opinioni riguardo al servizio e in cui possono segnalare esattamente il nome della persona che si è occupata di loro. Ci sono messaggi positivi e negativi. Se un cliente si ricorda addirittura come si chiama uno di noi, allora questo vuol dire che davvero quella persona ha creato un bel (o brutto nel peggiore dei casi) ricordo in lui. Allora in questo caso per il collega ci

Secondo te come si esprime il lusso nel Food & Beverage e qual è lo stile Bvlgari in questo ambito?

Si esprime attraverso la semplicità. Il nostro stile è l’essere impeccabili e informali, in tutto. Generalmente queste due cose non vanno d’accordo perché sono totalmente diverse ma noi lavoriamo ogni giorno per essere così. Noi rispettiamo le necessità, i bisogni dei nostri clienti, non passiamo informazioni. Proteggiamo la nostra clientela.

Hai più volte sottolineato l’importanza di creare un rapporto vero e genuino con i vostri clienti. Allo stesso tempo però hai ribadito che bisogna rispettare i ruoli senza essere invadenti o inappropriati. Come riesci a gestire questo confine?

Molte volte capita che, dopo tanti anni di conoscenza, un cliente diventi un amico: ci esci a mangiare la pizza, ci vai in vacanza con la famiglia ad esempio. Ma io ripeto sempre ai miei ragazzi che è fondamentale capire che quando si ritorna qui al Bvlgari quella persona prima di tutto è cliente da rispettare. È un confine sottilissimo, dobbiamo essere degli psicologi. Noi parliamo di “pura presenza” ai nostri ragazzi e con questa frase vogliamo far capire che bisogna essere pronti a captare tutti i segnali che ci diranno che tipo di distanza mantenere. Tenendo a mente questo, chiunque può garantire un servizio adeguato.

we work on technique. This is the reason why we created Bulgari Experience for the staff. When you’re with the head in your job, you miss a lot of things. But if have the chance to look at your colleagues as a guest, then you notice all the small nuances. If the staff, as a guest, understands what feeling pampered is like, they’ll do the same with our guests.

We do set goals for our staff.

We do so because we want to stimulate them and because this allows us to reward them.

We created a platform on which our clients can express their opinion on service and report the name of the person who served them. There are both positive and negative messages. But if a person remember your name this means you left a mark (in a good way or even in a bad way). In these cases, we reward our colleague with a bonus at the end of the month.

How do you think luxury is expressed in Food & Beverage and what’s Bulgari’s style?

Through simplicity. Our style is impeccable and informal, in everything. Generally these two things don’t get along because of their differences but we work hard everyday to be that way. We respect our clients’ needs, we don’t give up information. We protect our clients.

You’ve underlined the importance of creating an authentic and genuine relationship with your clients.

But at the same time, you said that’s important to respect roles and to not be in-

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trusive or inappropriate.

How do you manage this boundary?

It often happens that, after many years, a client becomes a friend: you go out and have a pizza, you go on holiday with his family. But I always tell my staff that, once you come back to Bulgari, that person is first of all a client. It’s a fine line and we often must turn into psychologists. We speak about “pure presence” and by this we mean that we always must be ready to understand all those small signs that tell us how much distance we must take. If you keep this in mind, anyone can serve properly.

What do you think is Bulgari’s magic? Why do people choose you?

In these years we managed to build a familiar, friendly and genuine environment, and we owe to the people who work here. Magic happens when a place offers an impeccable service in an informal context.

Our location helps, but I think all luxury hotels are located in amazing places. If you want magic, you have to invest on people. And we made it: we turned Bulgari Hotels & Resorts in a brand to love.

What do you like about your job? What makes you start your days with a smile on your face?

Everything. This is not my job, it’s my passion. I get up, I try not to use my phone and I do some sport, I have breakfast and I dedicate to my passions.

Then I get my car, I come here and I feel home again. I see no difference. Sometimes I have to prepare myself but usually I improvise because this field is

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In foto il ristorante del Bulgari Hotel di Milano

In foto il bar del Bulgari Hotel di Milano Genius People Magazine

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Secondo te qual è la magia del Bvlgari? Perché le persone vi scelgono?

In questi anni siamo riusciti a creare veramente un ambiente familiare, accogliente, genuino e questo grazie alle persone che lavorano qui ogni giorno. La magia si crea quando un luogo offre un servizio impeccabile all’interno di un contesto informale. La location ovviamente aiuta, ma penso sia scontato che un hotel di lusso offra degli ambienti meravigliosi. Se si vuole creare la magia allora bisogna investire sulle persone. E noi ci siamo riusciti, facendo dei Bvlgari Hotels & Resorts un marchio da amare.

Cosa ami del tuo lavoro?

Cosa ti spinge a cominciare con il sorriso la tua giornata qui?

Tutto. Per me questo non è un lavoro, è una passione. Io mi alzo, cerco di non prendere subito il cellulare in mano e di fare un po’ di sport, di fare colazione e di dedicarmi alle mie passioni. Poi esco di casa, prendo la macchina, arrivo qui ed entro di nuovo a casa.

Non vedo la differenza. Su alcune cose di lavoro mi preparo, ma spesso improvviso perché questo settore è dinamico, non ci si può nascondere dietro a rigidi programmi.

Bisogna avere una mente molto aperta e aspettarsi che un programma possa cambiare ogni 5 minuti.

due anni ho capito che non era il lavoro per me, non mi dava soddisfazioni. Quindi ho cercato di uscire da quell’ambiente e mi sono recato in Italia e qui ho capito che volevo lavorare nel settore Food & Beverage. Mi sono impegnato, ho imparato la lingua, il pensiero, il modo di comportarsi, le abitudini e poi con grandi difficoltà sono riuscito a trovare lavoro. Ho fatto avanti e indietro per molto tempo finché ho trovato l’amore, mi sono sposato e mi sono trasferito definitivamente in Italia.

Ogni giorno il fatto di entrare qui a lavorare mi ricorda di quanto devo essere grato per questo percorso che ho intrapreso. Sono consapevole di quello che sono riuscito a costruire in questi anni insieme ai miei colleghi e della clientela meravigliosa che ci ama.

Questo posto mi ha dato tanto, mi ha insegnato tanto e ancora sto imparando, non finisce mai. Noi lavoriamo per il futuro, non copiamo, e anticipiamo i tempi. È un rischio, ma noi siamo così ed è questo che ci differenzia perché il cliente di oggi non sarà mai il cliente di domani. Nel lusso le persone si abituano facilmente e il nostro compito è quello di continuare a sorprenderle.

dynamic, and it can’t be done with strict programs. You have to be open minded and expect that things may change within five minutes.

What are your greatest satisfactions? And here in Bulgari?

Well, I went to hotel school in Sri Lanka and then I started working as an accountant. After two years I understood that wasn’t job for me, it wasn’t satisfying. So, I got out of that field and I came to Italy and here I understood that I wanted to work in the Food & Beverage industry. I worked hard, I learned your language, your culture, your behaviors and habits and the I finally found a job. I did back and forth a lot until I found love, I got married and I moved here in Italy.

Every time I come here, I remember I must be grateful for the things that I’ve done. I’m aware of what I built in these years with my colleagues and that our amazing clients love us. This place has given me a lot, it has taught me a lot and I’m still learning. It never stops.

We work for the future, we don’t copy and we anticipate time. It’s a risk but this is who we are and this has made all the difference: today’s client won’t be tomorrow’s client. In luxury, people get used to things easily, our job is to amaze them.

In questi anni quali sono state le tue più grandi soddisfazioni? E al Bvlgari?

Beh, io ho fatto la scuola alberghiera in Sri Lanka e poi ho cominciato a lavorare nell’ufficio contabilità. Dopo

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Bulgari Hotels & Resorts: le nuove aperture Bulgari Hotels & Resorts: the new openings

Un nuovo Bvlgari Hotel aprirà a Parigi nel 2021. Questa sarà un’aggiunta notevole alla Bulgari Hotels and Resorts Collection, che conta già sei proprietà a Milano, Londra, Bali, Pechino, Dubai, Shanghai e che sarà ulteriormente ampliata, tra il 2021 e il 2024, con inaugurazioni a Roma, Mosca, Tokyo e Miami Beach.

In occasione dell’annuncio del progetto Bvlgari Hotel Roma e per celebrare la sua ineguagliabile costellazione di hotel e resort unici ed esclusivi, Bvlgari ha creato un gioiello unico, che riflette l’eccezionale creatività e competenza della leggendaria gioielleria.

In armonia con l’eterna magnificenza della sua città natale, Roma, musa ispiratrice di ciascuna delle sue originali e audaci creazioni, Bvlgari presenta “The Bvlgari Ospitalità Italiana Necklace”, un girocollo Tubogas in oro bianco arricchito con dieci diverse pietre preziose, ognuna delle quali accuratamente abbinata a una delle destinazioni di lusso della collezione Bvlgari Hotels & Resorts. Quest’opera d’arte è un pezzo unico realizzato su ordinazione.

A new Bulgari Hotel will be opened in Paris in 2021. It’s an important addition for Bulgari Hotels & Resorts Collection: it already features six estates in Milan, London, Bali, Beijing, Dubai, Shanghai and, in between 2021 and 2024, the Group will inaugurate its resorts in Rome, Moscow and Miami Beach.

On the occasion of the announcement of the Bvlgari Hotel Roma project and to celebrate its unparalleled collection of unique and exclusive hotels and resorts, Bvlgari has created a unique piece of jewelry that reflects the exceptional creativity and expertise of the legendary jeweler.

In line with the eternal magnificence of its hometown, Rome, the muse behind each of its original and bold creations, Bvlgari presents “The Bvlgari Ospitalità Italiana Necklace,” a Tubogas choker in white gold embellished with ten different gemstones, each carefully matched to one of the luxury destinations in the Bvlgari Hotels & Resorts collection. This work of art is a unique piece made to order.

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Intervista a Niko e Cristiana Romito Interview to Niko and Cristiana Romito Che cosa hai pensato quando ti è stato proposta questa collaborazione?

Ero molto contento e felice che un gruppo come Bvlgari avesse pensato a me per un progetto così importante e di respiro mondiale. Se ci pensi la responsabilità che mi stava dando era enorme però allo stesso tempo il ritorno di immagine sarebbe stato incredibile. Grandi emozioni, grande entusiasmo e grande responsabilità ma soprattutto avevo la possibilità di portare nel mondo il mio concetto di cucina italiana partendo dai classici. Ho avuto e ho a disposizione una piattaforma internazionale che mi consente di sintetizzare tutto il lavoro di anni sulla creazione di modelli ripetibili in diversi segmenti di ristorazione.

E tu Cristiana? Quali erano i tuoi pensieri?

All’inizio diciamo che lo step più importante era la cucina. Successivamente abbiamo spiegato la nostra visione del servizio in sala. Certo, si tratta di un’occasione unica che abbiamo accolto con grande entusiasmo. Anche se a livello operativo non sono ovviamente presente in giro per il mondo, posso dire che però tutti i clienti che provano la nostra cucina nei vari Bvlgari vengono poi a trovarci qui a Castel di Sangro e quindi è un po’ come se li conoscessi tutti. Quando vengono qui possono vivere davvero la nostra dimensione.

Avviata la collaborazione, quali sono state le tue prime

can say that the clients who try our cuisine in Bulgari’s hotels and resorts then come here to Castel di Sangro, and it feels like I know them all. When they come here, they can truly experience our dimension.

Niko and Cristiana Romito - Ph. Brambilla Serrani

mosse? Pensavi che la clientela milanese fosse difficile da conquistare?

Non penso che la clientela milanese sia diversa da quella di un tre stelle a Castel di Sangro, anzi. È molto più difficile costruire un menù per il nostro ristorante dove c’è una clientela che decide di venire per vivere un’esperienza gastronomica piuttosto che per delle persone che hanno bisogno di una cucina fatta benissimo ma di un approccio molto semplice e meno creativo che allo stesso tempo però valorizzi e rispetti la materia prima italiana.

Quindi sicuramente siamo partiti da una cucina che si può mangiare tutti i giorni con il recupero di alcune ricette intramontabili - pensa alla cotoletta, al risotto alla milanese, a un tiramisù - attualizzate però secondo la mia testa e il mio metodo.

Hai mai dovuto adattare qualche piatto perché magari non era stato compreso?

Ma certo, in tutte le attività che si fanno quando si serve il

What did you think when this partnership was proposed to you?

I was very pleased and happy that a group like Bvlgari had thought of me for such an important and worldwide project.

If you think about it, the responsibility was huge, but at the same time the return in terms of image would have been incredible.

Great emotions, great enthusiasm, great responsibilities but I had the chance to bring to the world my idea of Italian cuisine starting with its classics. I had and I still an international platform at my disposal that allows me to synthesize my work on repeatable models in different restaurant segments.

And how about you, Cristiana? What did you think?

The first important step was cuisine. Then we explained what our idea of restaurant service was. It surely was a great opportunity and we caught it with enthusiasm.

Even if I’m not present worldwide at an operational level, I

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What were your first moves?

Did you think that Milanese guests were difficult to win?

I don’t think that Milanese clients are different than the ones in a three-starred in Castel di Sangro. On the contrary, it’s harder to create a menu for our restaurant and for those clients who want to try our gastronomic experience rather than for people that want wellmade dishes, simple and less creative but in line with Italian’s ingredients.

We started from an everyday cuisine with the recovery of some timeless recipes - think of the schnitzel, risotto Milanese, a tiramisu - but updated according to my head and my method.

Have you ever had to adapt your dishes because they weren’t understood?

Sure, in our job is important to understand who you have in front of you. That was the hardest part because my taste is different from yours, but not because one is better or worse but simply because we have different gastronomic experiences and we were born in different territories. So, the Milanese, who prefer a cuisine that’s a bit softer, creamier and sweeter, would appreciate less dishes designed for China. My main job was to make small

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La collaborazione con lo chef Niko Romito The partnership with chef Niko Romito Dopo le aperture di Pechino, Shanghai e Dubai, lo chef Niko Romito è approdato al Bvlgari Hotel Milano. Il rispetto della cucina italiana è alla base della sua filosofia e il suo intento è stato quello di creare per i Bvlgari Hotels & Resorts un’offerta gastronomica nella quale il protagonista sia il gusto e in cui si percepisca l’essenza del “Made in Italy” in ogni elemento che la compone.

La collaborazione tra Niko Romito e la realtà Bvlgari è uno “sposalizio creativo” perfettamente riuscito perché entrambi hanno la stessa visione: tutto quello che sembra apparentemente semplice, in realtà è il frutto di una ricerca profonda e costante. Il cibo è un’esperienza totale per lo chef Niko e si estende ben oltre ciò che è nel piatto. Fa perno sull’atmosfera, sul servizio, sull’eleganza e soprattutto sul comfort.

Nella creazione dei piatti, lo Chef è partito da un affinamento delle procedure classiche, alla ricerca di un nuovo metodo che esprimesse al meglio la cultura italiana. In questo modo gli ospiti vengono accompagnati in un eccezionale viaggio tra i sapori unici e raffinati della penisola, che include piatti tipici di Niko Romito, come l’ “Antipasto all’Italiana”, e versioni “ricodificate” di classici come la lasagna, il vitello alla milanese, i ravioli di patate con gamberi rossi e seppie, e il tiramisù.

Niko ha ideato personalmente i menu e formato uno ad uno tutti gli Chef alla guida delle location Il Ristorante by Niko Romito presenti nel mondo. Non cessa, tutt’oggi, di supervisionare le cucine dei vari ristoranti, garantendone l’impeccabilità e facendo dono dei suoi consigli e della sua preziosa consulenza.

After the openings in Beijing, Shanghai and Dubai, chef Niko Romito has landed at Bvlgari Hotel Milano. His philosophy is based on the respect for Italian cuisine: he created for Bulgari Hotels & Resorts a gastronomy in which taste is its main protagonist and in which Made in Italy’s essence is found in every element.

The collaboration between Niko Romito and Bvlgari is a perfectly successful “creative marriage” because they both have the same vision: everything that seems apparently simple is actually the result of deep and constant research. Food is a total experience for Chef Niko and it extends far beyond what’s on the plate. It pivots on atmosphere, service, elegance and, above all, comfort.

In creating the dishes, the Chef started from a refinement of classic procedures in search of a new method that would best express Italian culture. In this way, guests are taken on an exceptional journey through the unique and refined flavors of the peninsula, including typical Niko Romito dishes, such as the “Antipasto all’Italiana”, and his “recoded” versions of classics such as lasagna, veal Milanese style, potato ravioli with red shrimp and cuttlefish, and tiramisu.

Niko personally designed the menus and trained all the chefs of the Il Ristorante by Niko Romito locations around the world, one by one. To this day, he continues to supervise the kitchens of the restaurants, guaranteeing their impeccability and offering his advice and precious consultancy.

Chef Niko Romito Originario dell’Abruzzo, Niko Romito è rimasto fedele alle sue radici mentre reinventa i sapori dell’Italia con un’audacia e una semplicità che riscrivono le regole della cucina classica. Il suo ristorante Reale a Castel di Sangro ha ottenuto tre stelle Michelin per i suoi straordinari piatti italiani contemporanei.

Lo chef Niko è noto per la sua precisione e maestria e il suo “metodo millimetrico”, sviluppato esclusivamente per Bvlgari Hotels & Resorts, garantisce la “stessa firma e la stessa mano” a tutta l’offerta gastronomica che esprime la cultura, l’eleganza e la vivacità del Made in Italy.

Da agosto 2018, lo Chef Claudio Catino è divenuto il Resident Head Chef de Il Ristorante - Niko Romito al Bvlgari Hotel Milano, vigilando con il suo prezioso contributo sullo standard di eccellenza messo a punto dallo Chef tristellato.

Originally from Abruzzo, Niko Romito has stayed true to his roots as he reinvents the flavors of Italy with a boldness and simplicity that rewrite the rules of classic cuisine. His restaurant Reale in Castel di Sangro has earned three Michelin stars for its extraordinary contemporary Italian dishes.

Chef Niko is known for his precision and mastery. His “millimetric method,” developed exclusively for Bvlgari Hotels & Resorts, ensures the “same signature and hand” to all gastronomic offerings that express the culture, the elegance and the vibrancy of Made in Italy.

Since August 2018, Chef Claudio Catino has become the Resident Head Chef of Il Ristorante - Niko Romito at Bvlgari Hotel Milano. He oversees the standard of excellence set by the three-starred Chef.

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Bigné alla crema con salsa di cioccolato caldo

pubblico è importante capire chi si ha di fronte. Quella è stata la difficoltà più grande perché il mio palato è ovviamente diverso dal tuo, ma non perché uno è migliore o peggiore ma semplicemente perché abbiamo esperienze gastronomiche diverse e siamo nati in territori distinti.

Quindi il milanese, che è più legato ad una cucina un po’ più morbida, cremosa e dolce, apprezzerebbe di meno i piatti pensati per la Cina.

Quindi il mio lavoro principale è stato quello di fare delle piccole modifiche per riuscire ad abbattere il muro tra la nostra cucina e il palato del cliente pur rispettando la nostra filosofia. Questo poi ci ha permesso piano piano di

far sì che la clientela si avvicinasse a noi e capisse il nostro metodo.

Quali sono i valori più importanti che lo staff del Bvlgari deve trasmettere al cliente finale quando presenta i tuoi piatti?

Oggi secondo me è sempre più importante conoscere la provenienza e la filiera produttiva delle materie prime.

Poi perché abbiamo deciso di servire quel piatto e quindi la filosofia che c’è dietro quella trasformazione perché ogni nostro piatto è coerente con l’intero progetto. Questo vuol dire che dev’essere collegato a tutto ciò su cui lavoriamo ogni giorno: leggerezza, diminuzione dei grassi, valoriz-

changes to break down the wall between our cuisine and the customer’s taste while respecting our philosophy. This then slowly allowed us to get our customers to approach us and understand our method.

What are the most important values that the staff of Bvlgari must convey to its final customer when presenting your dishes?

Personally, I think that today it’s important to know the origin and the production chain of raw materials. Then why we decided to serve that dish, and therefore the philosophy behind that transformation because each of our dishes is consistent with our whole project. This means that it must

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be connected to everything we work on every day: lightness, reduction of fat, enhancement of raw materials and seasonality, respect for small producers and for the territory. But first of all, a dish must be good and we all agree on that.

Cristiana, I know that some people from the Bvlgari staff spent almost two weeks with you, what did you teach them?

In fourteen days we managed to involve them totally in what is our dimension. They were truly able to experience service. This is the only way to understand how we are and what we convey, and also our relationships. From there it’s easy to draw one’s own con-

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Antipasto all'italiana - Ph. Brambilla Serrani

zazione della materia prima e delle stagionalità, rispetto dei piccoli produttori e del territorio. Ma prima di tutto un piatto dev’essere buono e su questo siamo tutti d’accordo.

Cristiana, so che alcune persone dello staff del Bvlgari hanno trascorso da voi quasi due settimane, quali insegnamenti hai voluto condividere con loro?

In quattordici giorni siamo riusciti a coinvolgerli totalmente in quella che è la nostra dimensione. Hanno potuto veramente vivere completamente il servizio. Solo così è possibile capire come siamo e quello che trasmettiamo ma anche i rapporti tra di noi. Da lì poi è semplice trarre le pro-

prie conclusioni. Mi rendo conto che le persone che trascorrono del tempo da noi, poi vanno via con una consapevolezza davvero diversa rispetto a quando sono arrivate, che parte dalla cucina fino ad abbracciare la nostra idea di sala.

Io penso che l’accoglienza sia un sesto senso, si può studiare ma credo si tratti di un qualcosa che o si ha dentro oppure non si ha. Bisogno sentirla. La sensibilità e l’empatia con il cliente non si possono imparare. Certo, uno può impostare il servizio come meglio crede ma questo non garantisce la riuscita se parliamo di accoglienza nella sua totalità.

Il lusso non deve diventare sinonimo di freddezza e distac-

clusions. The people who spend time with us leave with a very different awareness, starting from the kitchen and ending with our idea of what a dining room should be like.

I think that hospitality is about sixth sense: you can study it, but I think it’s something you either have inside or you don’t.

You have to feel it. You need to feel it. Sensitivity and empathy with the client cannot be learned. Of course, you can set up the service as you wish, but this doesn’t mean you’ll be successful, if we’re talking about hospitality in its entirety.

Luxury doesn’t mean coldness and detachment. The staff must interact with guests. I am self-taught and therefore I’ve never sought that vertical hier-

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archy: I’ve always based the relationship with my staff on collaboration, dialogue and trust.

The collaboration with the hotels in the group covers the entire gastronomic offer, from breakfast to after dinner, how important is this?

At the beginning, we only covered the restaurant menu, then we slowly realized that the experience must be global in order to convey the philosophy of the project. From toast to brioche to jams, everything has to be consistent. For me, and above all for the clients who experience the hotel they sleep, have breakfast, take their afternoon tea and then dine – it’s fundamental to Issue 17

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Calamaro al tegame con salsa al pompelmo - Ph. Brambilla Serrani

camento, da noi tutto lo staff deve interagire con l’ospite.

Sono autodidatta e quindi non ho mai ricercato quella gerarchia verticale, anzi ho sempre basato il rapporto con i miei ragazzi sulla collaborazione, sul dialogo e sulla fiducia.

La collaborazione con i vari Hotel del gruppo copre l’intera offerta gastronomica, dalla colazione al dopo cena, quanto è importante questo?

Allora inizialmente la mia collaborazione copriva solo il menù del ristorante, poi piano piano ci siamo resi conto che l’esperienza deve essere globalizzante per trasmettere la filosofia del progetto. Dal toast alla brioche, alle marmellate, tutto dev’essere coeren-

te. Per me e soprattutto per i clienti che vivono l’albergo a trecentosessanta gradi - ci dormono, fanno colazione, prendono il tè delle cinque e poi cenano - è fondamentale garantire la stessa firma e la stessa mano. Perché sennò il messaggio finale è diverso e si crea solo confusione.

Quali sono state in questi anni le più grandi soddisfazioni per te?

Milano era per me il progetto più difficile perché ho ereditato un ristorante che aveva già quindici anni di storia mentre gli altri sono stati aperti da zero con me. Quindi entrare con un pubblico fidelizzato e cambiare tutta l’offerta con la mia identità all’i-

guarantee the same signature and the same hand. Because otherwise the final message is different and it only creates confusion.

enjoy a gastronomic experience.

Then, I was very proud when, after sixty days from the opening, we gained a Michelin star.

What have been your greatest satisfactions over the years?

Milan was the most difficult project me because I inherited a restaurant that already had fifteen years of history while I opened the others myself.

I was scared by the idea of changing the offer with my identity because its loyal clients. But today, after almost three years, its regular clientele continues coming and is very happy, plus the Milanese who don’t stay see our restaurant as a place where they can

How important are these collaborations between starred realities (and not only) and hotels?

I had other proposals in the past, but I never accepted because all the projects were limited to consulting. Here, on the other hand, we started with the idea of bringing my cuisine into the world by collaborating with one of the most important brands in the luxury hospitality industry. In this case, we’re talking about a project of great growth and development with a hotel chain that, for the first

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nizio mi spaventava molto.

Mentre devo dire che oggi dopo quasi tre anni la clientela abituale continua a venire ed è molto felice e in più i milanesi che non soggiornano riconoscono nel nostro ristorante un luogo dove vivere un’esperienza gastronomica.

Un’altra grande soddisfazione - parlando di estero - è il fatto che a Shanghai a sessanta giorni dall’apertura abbiamo preso la stella Michelin.

Per te quanto sono importanti queste collaborazioni tra realtà stellate (e non solo) e strutture alberghiere?

Io avevo già avuto in passato altre proposte ma non avevo mai accettato perché erano dei progetti limitati alla semplice consulenza. Qui invece si è partiti dall’idea di portare la mia cucina nel mondo collaborando con uno dei marchi più importanti del settore hospitality di lusso. Stiamo parlando quindi in questo caso di un progetto di grande crescita e di sviluppo con una catena alberghiera che ha affidato per la prima volta nella storia della ristorazione tutto il suo modello gastronomico ad una singola persona e ad un’unica testa, volendo inoltre che esso fosse uguale in tutte le sue strutture. Era impossibile per me rifiutare un’offerta che mi dava la possibilità di avere un palcoscenico così, dove la mia identità è ben rispettata e dove si parla di cucina italiana vera senza compromessi.

Un altro dato importante è che qui non ho mai dovuto dimostrare di saper cucinare, io non dovevo avere il mio riscatto professionale. Avevo già il mio ristorante tristellato

e altre realtà, ero già un imprenditore. Il lavoro che ho fatto per i Bvlgari Hotels and Resorts puntava a creare davvero un menù che desse soddisfazione in primis al cliente. Se io ho scelto di inserire la pasta al pomodoro o la cotoletta è perché la creatività in questo caso sta nel ragionamento tecnico di realizzazione di quei piatti. Secondo me questo è il nuovo lusso italiano perché per fare quei piatti bisogna aver seguito tutto un processo di maturazione e di sintesi molto complesso.

Sei nel tuo letto e vedi Niko di vent’anni, che cosa gli dici?

Sicuramente con distacco gli direi di pensare un po’ meno al lavoro e di godersi un po’ più la vita e i suoi hobby preferiti. Però se parliamo di Niko di vent’anni fa non ascolterebbe.

Mi piacerebbe riprendere a giocare a tennis e viaggiare per piacere, magari andare in Giappone.

time in the history of catering, has entrusted its entire gastronomic model to a single person and a single head, also wanting it to be the same in all its structures. It was impossible for me to refuse an offer that gave me the possibility to have such a stage, where my identity is well respected and where we talk about real Italian cuisine.

Another important fact is that here I never had to prove that I could cook, I didn’t have to have my professional redemption. I already had my own three-starred restaurant and other businesses, I was already an entrepreneur. The work I did for Bvlgari Hotels and Resorts was aimed at creating a menu for customers first. If I chose to include pasta with tomato sauce or schnitzel, it’s because creativity lies in the technical reasoning behind the creation of those dishes. This is the new Italian luxury, because in order to make these dishes, one must

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have followed a very complex process of maturation and synthesis.

You’re in your bed and you see 20-year-old Niko, what would you tell him?

I would tell him to think a little less about work and to enjoy life and his favorite hobbies a little more. If we’re talking about that Niko, though, he wouldn’t listen.

I would love to take up tennis again and travel for pleasure, maybe go to Japan.

Fettuccelle al ragù di carne e pomodoro - Ph. Brambilla Serrani Genius People Magazine

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Valsport: il marchio iconico che guarda alla Generazione Z Valsport: the iconic brand that looks at the Generation Z

IL MARCHIO Il marchio Valsport nasce nel 1920 da un’idea di Antonio Valle che, diciottenne padovano, avvia un’azienda di calzature e attrezzature sportive. Valle unisce all’attenzione artigianale per il dettaglio la ricerca dal punto di vista tecnico: una visione che, in pochi anni, porterà il marchio Valsport a essere uno dei primi produttori di calzature sportive a livello nazionale.

In breve tempo il brand riesce a fare la storia non solo della sua città, ma delle attrezzature sportive italiane nel mondo. Si lega indissolubilmente ad alcuni dei momenti più indimenticabili del nostro sport nazionale, in particolare del calcio, ma anche box, formula uno, atletica e molti altri. Le calzature Valsport vengono, infatti, indossate dai grandi campioni del calcio degli anni sessanta e settanta (Gigi Riva, Fabio Capello, Josè Altafini) e Valsport diventa anche sponsor ufficiale di team di livello internazionale.

Nei decenni successivi Valsport si trova a competere con i grandi player mondiali di scarpe sportive e la famiglia Valle decide di vendere una parte dell’azienda. Il cambio di direzione segna lo scostamento dal mondo sportivo e un progressivo avvicinamento al mondo della moda.

Nel 2016 Valsport viene rilevata dall’azienda Padovana Rewind Srl, realtà già attiva nella produzione di calzature. Rewind coinvolge nell’operazione Guido Valle e decide di ripartire dai modelli storici come le Tournament (il grande classico Valsport), la Olimpia e la Davis (la classica “scarpa da tennis”) per poi aggiungere alla proposta nuovi modelli in chiave moderna ma ancora con la grande attenzione alla qualità e al dettaglio che ha sempre contraddistinto Valsport. Quello che non cambia è la manifattura artigianale e tutta italiana. Come il boomerang che ne è il simbolo, le Valsport tornano a farsi notare e in breve tempo trovano sempre maggior spazio presso i retailer di tutto il paese.

Il brand oggi si discosta dalla sua tradizione sportiva e si afferma come marchio fashion, con un passato importante e un futuro tutto in divenire.

Sempre nuovi modelli entrano ogni anno a fare parte della famiglia Valsport. Nel mantenere la ricercatezza che l’ha contraddistinta in passato, oggi l’azienda punta anche all’innovazione tecnologica dei materiali e a uno stile sempre nuovo. Se da una parte c’è la volontà di non tradire il proprio passato ma di farne un punto di forza riproponendo in modo costante i classi-

THE BRAND Valsport brand was born in 1920 from an idea of Antonio Valle who, as an eighteen years old from Padua, started a company of footwear and sports equipment. Valle combined artisan attention to detail with technical research: in a few years, his vision turned the brand into one of the most important producers of sports footwear in Italy.

In a short time, the brand managed to make the history not only of its city, but of Italian sports equipment in the world. Valsport is indissolubly linked to some of the most unforgettable moments of Italian sport, in particular soccer, but also boxing, formula one, athletics and many others. Valsport shoes were worn by the great soccer champions of the Sixties and Seventies (Gigi Riva, Fabio Capello, Josè Altafini) and the brand became the official sponsor of top international teams.

In the following decades Valsport started competing with word’s top sport shoes players and the Valle family decided to sell part of the company. This change of direction marks its departure from the sports world and its progressive approach to the world of fashion.

In 2016 Valsport is taken over by the Padua company Rewind Srl, a company that actively produced footwear. Rewind involves Guido Valle in the operation and decides to start from Valsport’s historical models such as the Tournament (Valsport’s great classic), the Olimpia and the Davis (the classic “tennis shoe”). He then adds to the proposal new models designed in a modern key but made with that same attention to quality and detail. Craftsmanship and all-Italian manufacture never change. Like the boomerang that is its symbol, Valsport shoes come back to the fore and in a short time they find more and more space in retailers all over the country.

Today, the brand deviates from its sports tradition and is now a fashion brand with an important past and a future in the making.

Every year new models become part of the Valsport family. While maintaining the refinement that has distinguished it in the past, today the company also focuses on material’s technological innovation and on new styles. If on one hand there’s the will not to betray its past and to turn it into its point of strength by proposing the classics that have made the history of the brand (and that still today are among the most appreciated models), on the other hand there’s the desire to reach an audience that’s always more demanding in terms of quality and style. The last Valsport collec-

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Valsport Tournament

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ci che hanno fatto la storia del marchio e che tutt’oggi sono tra i modelli più apprezzati, dall’altra c’è una forte volontà di rinnovarsi per raggiungere un pubblico sempre più esigente dal punto di vista della qualità e dello stile. In particolare, con le ultime collezioni, Valsport sta conquistando un pubblico sempre più giovane e attento alle tendenze internazionali.

La produzione Valsport è affidata ancora oggi a piccoli laboratori artigianali italiani. I materiali utilizzati vengono esclusivamente da manifattura made in Italy. Un punto di forza irrinunciabile per anche per l’azienda di oggi.

Il primo tentativo di “rompere” con la tradizione da un punto di vista stilistico è stata la Magic, una running dal mood heritage che però ritrova i colori e i pattern di oggi. La particolarità della Magic è la suola prefresata a mano. Un tentativo di rinnovamento che è stato apprezzato tanto da farne ad oggi una delle linee di punta e una costante nelle collezioni Valsport.

LA NUOVA COLLEZIONE La collezione Primavera - Estate 2021 punta ancora di più a uno stile disinvolto pur mantenendo la sua anima artigianale. Le palette di colori trovano nuovi accenti, accanto ai toni più naturali si aggiungono colorazioni e materiali di tendenza che strizzano l’occhio al pop.

Quest’anno, la Tournament, il grande classico Valsport, esce in una versione inedita, la Torunament XL, con il Boomerang del logo che si fa più grande. Dal contrasto del boomerang nero sulla tomaia bianca nasce un modello “di rottura” che ad oggi è il più apprezzato della nuova collezione.

Questa collezione ha un’attenzione particolare per la donna, alla quale ha riservato un certo numero di modelli. Dietro a questa scelta c’è la volontà di dare più equilibrio ad un pubblico che, in virtù del passato sportivo, è tradizionalmente maschile.

tions have attracted a new and younger audience, close to international trends.

Valsport production is still entrusted to small Italian artisan laboratories. The materials used are exclusively made in Italy: a strength of today’s company as well.

The Magic was Valsport’s first attempt to break with tradition from a stylistic point of view: Magic is a running shoe with a heritage mood that meets today’s colors and patterns. The peculiarity of the Magic is the hand pre-milled sole. It’s an attempt at renewal that has been appreciated: today it’s one of Valpsort’s leading lines and a constant in its collections.

THE NEW COLLECTION The Spring - Summer 2021 collection aims at a casual style while still maintaining its artisanal soul. The color palettes find new accents: alongside its more natural tones, Valsport has added trendy pop colors and materials.

This year, Valsport’s classic, the Tournament, comes out in a brand new version: the Torunament XL. On this model, Valsport’s logo, the boomerang, is bigger. This model is the most popular of the entire collection thanks to the contrast of the black boomerang on the white upper: it’s Valsport’s “breaking” model.

This collection focuses on women and it has reserved them a number of models. Behind this choice there’s the will to give the audience more balance after a past that has focused mainly on men.

Venite a scoprire la nostra collezione sulla nuova sezione Shop di Genius People Magazine, Genius Style.

Find out more about our collection on Genius People Magazine’s new Shop section, Genius Style.

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Valsport Davis

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C&C: “Ci prendiamo cura di chi ogni giorno decide di sceglierci” C&C: “We take care of those who choose us every day” di/by Redazione Genius

La pandemia non ha fermato i sogni di gloria di C&C, l’Apple Premium Reseller italiano più grande della Penisola che quest’anno compie 20 anni e lo fa sotto una buona stella. La stessa buona stella che ha illuminato il 2020 del reseller pugliese. Numeri da capogiro, quelli dell’azienda guidata dai fratelli Gigli, che ha registrato un +34% delle vendite della galassia di prodotti Apple, determinando un fatturato complessivo di 215 milioni, tra e-commerce e rete retail. Merito delle nuove aperture e delle acquisizioni che hanno portato C&C a contare oggi 40 store distribuiti in 13 regioni italiane, da nord a sud: in Trentino Alto Adige, Friuli Venezia Giulia, Veneto, Lombardia, Piemonte, Liguria, Emilia Romagna, Abruzzo, Campania, Basilicata, Lazio, Sardegna e Puglia.

The pandemic hasn’t stopped the dreams of glory of C&C, the largest Italian Apple Premium Reseller in Italy that this year celebrates its twentieth anniversary and does so under a lucky star.

The same good star that has illuminated the 2020 of this Apulian reseller. The numbers of the company led by the Gigli brothers are staggering: the +34% increase in sales of Apple products resulted in a total turnover of 215 million Euro from e-commerce and retail network. Thanks to new openings and acquisitions, C&C now owns 40 stores in 13 Italian regions, from north to south: Trentino Alto Adige, Friuli Venezia Giulia, Veneto, Lombardy, Piedmont, Liguria, Emilia Romagna, Abruzzo, Campania, Basilicata, Lazio, Sardinia and Puglia.

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Luca Gigli, CdA C&C S.p.A. Amministratore

Michele Gigli, CdA C&C S.p.A. Presidente del Consiglio di Amministrazione

Proprio dalla Puglia parte la storia del brand dalle tre sfere colorate che, negli ultimi 365 giorni, è passato da 29 a 40 negozi, per un totale di oltre 5mila mq totali di show-room, dove ogni giorno i fedelissimi della mela morsicata entrano in contatto con gli esperti Apple per acquistare, fare formazione, ricevere assistenza e avere consulenza dedicata, oltre a fruire di numerosi servizi.

Nata da una bella intuizione, C&C festeggia oggi 20 anni insieme ai suoi 300 collaboratori, premiati per gli obiettivi raggiunti nel 2020. L’azienda, infatti, ha erogato loro un premio bonus di 750mila euro totali, riconoscendo a ciascuno la quindicesima mensilità. A determinare il valore del premio sono stati due parametri: il risultato economico, unico per tutta l’azienda, e il risultato gestionale, collegato invece all’andamento di ogni punto vendita.

It’s precisely from Apulia that the story of this three colored spheres brand begins. In the last 365 days the company has grown from 29 to 40 stores, for a total of over 5,000 square meters of showroom space. Every day Apple loyalists meet Apple experts to purchase, train, receive assistance and dedicated consulting and to benefit from our numerous services.

C&C was a good catch and today the company celebrates 20 years together with its 300 employees who have been rewarded for the goals achieved in 2020: the company paid them a bonus prize for a total of 750 thousand euros and gave to each one them their fifteenth month’s pay. The bonus’ value was determined by two parameters: the economic result, for the whole company, and the management result, connected to the performance of each store.

Employee Retention: l’altra faccia delle strategie aziendali di business “La vera ricchezza delle aziende 2.0 sono i propri collaboratori - racconta Luca Gigli, anche HR Director di C&C S.p.A. - Si chiama employee retention, e viaggia insieme alla customer retention, e grandi brand come Netflix, Google, Apple e Starbucks ne hanno capito l’importanza prima d’altri, mettendo al centro i propri dipendenti, una delle risorse su cui investire per

Employee Retention: the other side of corporate business strategies “2.0 companies’ true wealth is their collaborators – says Luca Gigli, C&C S.p.A.’s HR Director - It’s called employee retention and it goes together with customer retention. Important brands such as Netflix, Google, Apple and Starbucks have understood its importance before others and they have put their employees at the heart of the company: they’re one of the resources in which

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avere successo. Anche noi, nel nostro piccolo, abbiamo voluto dare un segnale concreto, convinti che le risorse umane che condividono e credono nella vision dell’azienda per cui lavorano saranno i primi brand ambassador di rilievo. Un team di lavoro composto da dipendenti competenti, motivati e soddisfatti è il primo passo verso il successo”.

to invest to be successful. In our own small way, we wanted to give out a concrete signal because we believe that the human resources who believe and share the vision of the company they work for will be the company’s first important brand ambassadors. A work team made by competent, motivated and satisfied employees is the first step towards success”.

Credere in ciò che non si vede Avere la capacità di credere in ciò che non si vede è uno dei requisiti che un CEO d’azienda deve possedere, per consacrare al successo la propria impresa. “Innovare, inventare e avere lungimiranza - spiega Michele Gigli, CEO di C&C S.p.A. - ci ha permesso di “architettare” il nostro futuro. Spesso è la fantasia e l’immaginazione che consente di raggiungere risultati importanti, non senza una buona dose di disciplina, rigore organizzativo, competenze e ferma volontà di realizzare il progetto in cui si crede. Certamente il successo non è mai determinato dall’attività di un singolo: occorre saper motivare e coinvolgere le persone nella propria storia, per far sì che la sposino e ne diventino parte integrante, siano esse i collaboratori o i clienti. Da qui nasce il nostro claim: C&C, people around technology”.

Believe in what you don’t see Having the ability to believe in what you can’t see is one of the requirements that a company CEO must possess in order to make his company successful. “Innovating, inventing and having foresight - explains Michele Gigli, CEO of C&C S.p.A. - has allowed us to “concoct” our future. Often, fantasy and imagination allow us to achieve important results, especially when combined to a fair amount of discipline, organizational rigor, skills and the will to realize the project in which we believe. Certainly, success is never determined by the work of a single person: you must know how to motivate and involve people in your story, they have to marry it and become a part of it, whether they are employees or customers. Hence our claim: C&C, people around technology”.

I clienti e la customer satisfaction, il quid in più In C&C, la customer satisfaction è misurata con estrema accuratezza e precisione ed oggi sfiora il 100%, grazie alle ottime performance di un customer service dedicato, costituito da un team di dieci persone. Alla domanda posta ai clienti su come valutano il servizio clienti di C&C, il 78,7% degli intervistati risponde “eccellente”. La customer care è uno dei punti fermi dell’azienda, che destina una parte delle sue risorse ad una business unit in cui crede fortemente. Al punto tale da istituire una nuova figura aziendale a disposizione dei propri clienti: il personal shopper. Il lockdown, come noto, ha limitato gli spostamenti dei cittadini, pertanto, un Apple Specialist in carne e ossa, su richiesta, assiste il cliente che, comodamente da casa, come se fosse in store, e in totale sicurezza, vorrà consigli e dritte sui propri acquisti. Un plus totalmente gratuito che si inserisce perfettamente in una strategia di marketing vincente dove bisogni e desideri dei clienti ne rappresentano le fondamenta.

Customers and customer satisfaction, the extra quid At C&C, customer satisfaction is measured with extreme accuracy and precision and today is close to 100% thanks to the excellent performance of a dedicated customer service team made by ten people. When we asked our customers to rate C&C’s customer service, 78.7% of respondents answered “excellent”. Customer care is one of the cornerstones of the company, a portion of its resources are allocated to a business unit in which we strongly believe. So much so that we established a new corporate figure for our customers: the personal shopper. As you know, the lockdown has limited the movement of citizens and therefore an Apple Specialist, in the flesh and on request, now assists all those customers who, from the comfort of their home, as if he were in store, and in total safety, will need advice and tips on their purchases. A totally free plus that fits perfectly into a winning marketing strategy, our customers’ needs and desires are its foundation.

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Italia Independent presenta la nuova collezione e la Campagna di Comunicazione SS 2021 firmata Cristiano Ronaldo - CR7 Eyewear Italia Independent presents the new collection and the new SS 2021 Communication Campaign signed by Cristiano Ronaldo – CR7 Eyewear di/by Redazione Genius

Italia Independent è orgogliosa di presentare la nuova collezione firmata CR7 Eyewear che vuole rappresentare sempre di più il mondo, il look e lo stile di Cristiano Ronaldo.

Una release estremamente eterogenea ma, al tempo stesso, estremamente riconoscibile perché capace di raccontare, attraverso dettagli inconfondibili, il mondo di riferimento di Cristiano Ronaldo.

L’uomo che va considerato – grazie agli innumerevoli record già conseguiti – un vero patrimonio del “pianeta calcio”.

L’uomo che – attraverso sacrifici, dedizione, passione e ricerca continua del risultato - ha cambiato e sta cambiando la storia del calcio a livello mondiale.

L’uomo che resterà nella memoria non solo per gli innumerevoli gol fatti ma anche per la firma personale che sta lasciando.

Il campione, la leggenda.

In una parola:CR7.

Spensierata, divertente e originale, capace di abbinarsi con armonia a ogni tipo di look, la nuova collezione CR7 Eyewear introduce – accanto alla modellistica sole - per la prima volta gli occhiali da vista.

Due famiglie di prodotto accomunate da modelli unici, ricchi di particolari volti a celebrare la Leggenda del calcio mondiale. Si distinguono per materiali, forme e colori.

Italia Independent is proud to present the second signed CR7 Eyewear collection that wants to increasingly represent the world, the look and the style of Cristiano Ronaldo.

An extremely heterogeneous release but, at the same time, extremely recognizable because it is able to tell, through unmistakable and unique details the world of Cristiano Ronaldo.

The man who must be considered – thanks to countless records already achieved – a true heritage of the “soccer planet”.

The man who – through sacrifices, dedication, passion and a continuous search for results – has changed and is changing the history of soccer worldwide.

The man who will remain in the memory of many people not only for the countless goals he has scored but also for the personal signature he is leaving.

The champion, the Legend.

In a word: CR7.

Carefree, fun, original and able to combine harmoniously with any type of look, the new CR7 Eyewear collection introduces – alongside the sun model – the optical eyewear for the first time.

Two product families united by unique models and rich of details, aimed at celebrating the Legend of World Soccer, distinguish themselves for materials, shapes and colors.

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In foto Cristiano Ronaldo per CR7 Eyewear by Italia Independent

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BD Famiglia premium targata CR7 Eyewear offre modellistica sole e vista interamente realizzata in acetato e impreziosita da dettagli in metallo inseriti all’interno della montatura.

Silhouettes dal design senza tempo si caratterizzano per una spasmodica ricerca di dettagli che rendono il prodotto unico: i fregi con il numero 7 sui musi e sulle aste e il logo CR7 inseriti sotto lacca. Completano la personalizzazione del prodotto le lenti – piene, sfumate o polarizzate - impreziosite dalla firma di Cristiano realizzata con tecnica laser.

Modelli da sole e da vista declinati in eleganti varianti colore capaci di soddisfare le più sofisticate esigenze.

BD Premium family by CR7 Eyewear offers sunglasses and ocular models entirely made of acetate and embellished with metal details inserted on the internal part of the frame. Silhouettes with a timeless design are characterized by an occasional search for details which make the product unique such as the decorations under the lacquer of the number 7 on the temple tips and the CR7 logo on the temples. The customization of the product is completed by the lenses – full, gradient or polarized – embellished by Cristiano’s laser- engraved signature.

Sunglasses and eyeglasses models available in elegant color variants able of satisfying the most sophisticated needs.

MVP Famiglia sporting- chic firmata CR7 Eyewear offre modelli – vista e sole – dal carattere audace, realizzati in TR90 materiale extra versatile che rende gli occhiali al contempo leggeri e confortevoli. Immancabili il 7 e il logo CR7 sui musi e sulle aste realizzati con una colorazione che, contrastando con il frontale, conferisce carattere all’occhiale.

Modelli da sole e da vista declinati in diverse varianti colore ed impreziositi da contrasti fluo per un look che non passa inosservato.

La nuova collezione CR7 Eyewear è disponibile sullo Store online ufficiale www. cr7- eyewear.com, nella Boutique Italia Independent situata in Via Fiori Chiari a Milano, nei migliori ottici del mondo e su selezionate piattaforme ecommerce.

MVP Sporting-chic family signed by CR7 Eyewear offers – vision and sunglasses – models with a bold character, made of TR90, an extra versatile material which makes the glasses both light and comfortable. The collection cannot miss the number 7 and the CR7 logo on the temples and the hinges, made in a contrasting color with the frame, providing character to the glasses.

Sunglasses and optical glasses’ models in different colors and embellished with fluorescent contrasts for a look that does not go unnoticed.

The new CR7 Eyewear collection will be available on the market from April in the official online Store www.cr7-eyewear. com, at the Italia Independent Boutique located in Via Fiori Chiari in Milan, at the best opticians Worldwide and on selected e-commerce platforms.

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Campagna di Comunicazione Communication Campaign Cristiano Ronaldo è il protagonista della nuova Campagna di Comunicazione della collezione che porta il suo nome.

Immagini fresche, divertenti e colorate capaci di intercettare il DNA, l’anima ed il carattere della nuova collezione SS 21 firmata CR7.

Ambientata tra la terrazza e il living room di un in un loft dal design contemporaneo, il fuoriclasse lusitano – in un clima conviviale - diverso rispetto a quello in cui siamo abituati ad apprezzarlo – si racconta con tutto il suo savoir – fair, la sua carica e l’energia dirompente che lo rendono un campione di stile anche fuori dal campo.

Cristiano Ronaldo is the protagonist of the new Communication Campaign of the collection that bears his name.

Fresh, fun and colorful images capable of intercepting the DNA, the soul and character of the new SS 21 collection signed CR7.

Set between the terrace and the living room of a loft with a contemporary design, the Lusitanian star player champion – in a convivial atmosphere, different from the one we are accustomed to appreciating him – tells himself with all his savoir-faire, his charge and the explosive energy that make him a champion of style even off the field.

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Fantinel, il Friuli Venezia Giulia nel mondo Fantinel, Friuli Venzia Giulia in the world di/by Matteo Macuglia

Marco Fantinel Marco Fantinel è nato a Udine, nel 1970, in una famiglia di proprietari terrieri e viticoltori del Friuli Venezia Giulia, nel nord-est dell’Italia. Ha studiato nel Regno Unito, alla European School of London dove si è laureato in International Business Administration, e dal 1995 è stato Export Manager delle due cantine di famiglia, Fantinel e La Roncaia. Nel 2005 è stato nominato Presidente dell’azienda, divenuta negli anni una realtà dal prestigio internazionale, ambasciatrice dell’arte vinicola friulana nel mondo. Produttori di vino da generazioni, i Fantinel mirano a esportare la passione per il vino di una piccola regione italiana in ogni angolo del Pianeta grazie al coraggio e alla visione dei manager moderni. Le parole d’ordine per Marco Fantinel e per la sua famiglia sono: vocazione, territorio, qualità, nuovi consumatori e mercati.

Marco Fantinel was born in Udine, Italy, in 1970, in a family of landowners and winegrowers based in Friuli Venezia Giulia, in the north-east of Italy. Marco Fantinel was educated in the United Kingdom, at the European School of London where he graduated in International Business Administration. Since 1995 he has been the Export Manager of the two family-owned wineries Fantinel and La Roncaia, an internationally prestigious winery, ambassador of Friulian winemaking art in the world. In 2005 he was appointed as the President of the Fantinel group. Wine producers for generations, the Fantinels aim at exporting the passion for wine of a small Italian region to every corner of the Planet thanks to the courage and the vision of modern managers. The watchwords for Marco Fantinel and his family are: vocation, territory, quality, new consumers and markets.

Cantine Fantinel, una storia che viene da lontano, giusto?

Da oltre 50 anni produciamo vini con amore e passione in Friuli Venezia Giulia. Una storia lunga, una storia di famiglia.

Cantine Fantinel: a long history, right?

We produce wine in Friuli Venezia Giulia with love and passion from over 50 years. It’s a long history, a family story.

Quando ha preso in mano le sorti di questa azienda?

Conseguita la laurea in International Business Administration al Regent’s College di Londra e, dopo alcuni anni di studi tra Francia e Usa, mi sono tuffato in azienda, senza grande esperienza ma con tanta voglia di conquistare il mondo. Insieme a mio cu-

When did you take over the company?

After I graduated in International Business Administration at London’s Regent College and after I studied in France and in the States, I decided to work in the company. I didn’t have a lot of experience but I wanted to conquer the world. Thanks to our

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gino Stefano e grazie alla visione dei co-fondatori, abbiamo preso in mano la cantina di famiglia trasformandola in un’importante realtà vitivinicola del Friuli Venezia Giulia.

co-founders’ vision, alongside my cousin Stefano I took over the family business and we transformed it into an important wine-growing estate in Friuli Venezia Giulia.

Era quello che pensava di fare nella vita?

Sì, la mia strada era tracciata già da ragazzino. La mia famiglia mi ha fatto sempre vivere l’azienda con passione e il passaggio generazionale da mio padre Loris e i miei zii Luciano e Gianfranco è stato ben gestito.

Is this what you expected to do in your life?

Yes, my path was traced since I was a kid. My family made me passionate about the business and the generational shift, from my father Loris and my uncles Luciano and Gianfranco to us, worked well.

Che azienda ha trovato e che azienda si trova oggi di fronte?

Ci vorrebbe un libro per rispondere a questa domanda. In 25 anni è cambiato tutto. Nell’ultimo anno poi il nostro modello di business è stato completamente stravolto. Un’evoluzione continua che bisogna sempre affrontare con prontezza e determinazione. Un mondo sempre più digitale che però nel lungo periodo farà comunque emergere i vecchi valori, in particolare quello della terra. Il nostro payoff è Fantinel “Feel The Emotion”. Perché alla fine contano i valori e per noi ogni bicchiere di vino deve lasciare un segno e colpire le emozioni.

How was the business like at the time and how is it now?

I could write a book about it! In the last 25 years everything has changed. In the last year our business model was completely disrupted. You need to face evolution with promptitude and great determination. The world’s is more and more digital but, in the long run, the old values will still emerge, especially those about land. Our payoff is Fantinel “Feel the Emotion”. We believe in values and every glass of wine must leave a mark and stir the emotions.

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Fantinel e Friuli Venezia Giulia. Ci parli delle vostre Tenute.

Il cuore pulsante dell’azienda è a Tauriano, nei pressi dell’antico borgo di Spilimbergo, cittadina di cultura nota in tutto il mondo per la sua prestigiosa Scuola Mosaicisti. Da qui curiamo la gestione dei nostri preziosi vigneti, suddivisi nelle rinomate zone DOC Prosecco, Friuli, Collio e Colli Orientali. Terroir unici, aree privilegiate che godono di microclimi ideali per l’ottimale maturazione dei frutti e la massima espressione di ciascun vitigno, in primis le nostre amate uve autoctone tra cui Friulano, Refosco dal Peduncolo Rosso, Ribolla Gialla, Verduzzo Friulano e Picolit e le varietà internazionali che in Friuli hanno trovato la propria dimora privilegiata, come Pinot Grigio, Sauvignon Blanc, Merlot e Cabernet Sauvignon. Dalla “Tenuta Sant’Helena”, nel cuore del magnifico Collio, culla dei bianchi e rossi premium a marchio Fantinel, alla tenuta di pianura “Borgo Tesis”, da cui nascono i nostri vini DOC Friuli, genuini e ricchi di personalità; dalla linea “Spumanti”, bollicine d’eccellenza rese uniche da un ambiente pedoclimatico eccezionale, alla nostra boutique winery nei Colli Orientali del Friuli, “La Roncaia”, globalmente riconosciuta grazie ad una collezione di vini preziosa, iconica e premiata con i riconoscimenti più desiderati.

Fantinel and Friuli Venezia Giulia. Let’s talk about your estates.

The beating heart of the company is Tauriano, near Spilimbergo, an ancient and cultural village that’s known all around the world for its Scuola Mosaicisti. From here we manage our vineyards divided in the zones DOC Prosecco, Friuli, Collio and Colli Orientali. Unique terroir, they’re privileged areas with an ideal microclimate that is perfect for the fruits’ ripening and for the vineyards’ maximum expression, especially for our beloved autochthonous grapes such as Friulano, Refosco dal Peduncolo Rosso, Ribolla Gialla, Verduzzo Friulano and Picolit, and for those international varieties that are now made in Friuli as well (Pinot Grigio, Sauvignon Blanc, Merlot and Cabernet Sauvignon).

From the “Tenuta Sant’Helena” in the heart of the Collio, the cradle of the premium reds and whites branded Fantinel, to our plain estate “Borgo Tesis” in which our genuine and rich DOC Friuli wines are born; form our Spumanti line, our bubblespar excellence that’s unique thanks to the environment’s extraordinary climate, to our winery boutique in Friuli’s Colli Orientali, “La Roncaia”, that’s globally known for its precious, iconic and award-winning collection.

Come si riflette nei vostri prodotti il legame con il territorio?

Onorare la terra è la nostra prima vocazione. Ecco perché cerchiamo di valorizzare con autenticità e stile le peculiarità di ciascuna varietà e zona in cui produciamo. Solo così si possono ottenere vini di carattere che al contempo siano espressioni naturali del territorio e del vitigno da cui nascono.

How is the link with the territory reflected in your products?

Honoring the land is our first vocation. That’s why we try to value with authenticity and style the peculiarities of each variety and each area in which we produce wine. This is the only way to obtain wines with character, natural expressions of the territory and of the grape variety from which they’re made.

Qual è il vostro impegno in ambito di ecosostenibilità?

Crediamo che l’ecosostenibilità rappresenti il futuro, anche nel mondo del vino. Da anni presso la tenuta di Tauriano adottiamo degli strumenti volti a ridurre l’impatto sull’ambiente (dall’impianto fotovoltaico al moderno impianto di fertirrigazione). Un impegno che puntiamo a massimizzare all’insegna di una visione sempre più eco-compatibile.

What is your commitment to environmental sustainability?

We believe that environmental sustainability represents the future, even in the wine universe. For years, at the Tauriano estate, we have been adopting tools aimed at reducing the impact on the environment (from the photovoltaic system to the modern fertigation system). A commitment that we aim to maximize in the name of an increasingly eco-friendly vision.

Da una piccola azienda agricola ad una cantina dal prestigio internazionale. Come si configura oggi la vostra presenza all’estero?

Nel corso della nostra storia e, in particolare, durante gli ultimi vent’anni, il nostro approccio all’internazionalizzazione è stato notevole. Oggi vantiamo una massiccia presenza nei mercati esteri: sono oltre 90 i Paesi in cui i vini Fantinel riscuotono un crescente successo, in particolare nei ristoranti, hotel, resort di alto livello, nei migliori negozi specializzati e nelle più prestigiose compagnie navali ed aeree. Un successo comprovato dalle ottime recensioni da parte della stampa internazionale.

From a small winery to a winery of international prestige.

How would you describe your presence abroad today?

During the course of our history and, in particular, during the last twenty years, our approach to internationalization has been remarkable. Today we can boast a massive presence in foreign markets: there are more than 90 countries where Fantinel wines are having a growing success, in particular in high level restaurants, hotels, resorts, in the best specialized stores and in the most prestigious naval and airline companies. A success proven by the excellent reviews of the international press.

Come si approcciano i mercati esteri?

Innanzitutto serve un know-how aziendale. L’azienda deve essere culturalmente “allenata” ad operare con i mercati esteri ed ogni mercato ha le proprie peculiarità ed esigenze. Per questo,

How do you approach foreign markets?

First of all, business know-how is needed. The company must be culturally “trained” to operate with foreign markets and each market has its own peculiarities and needs. For this reason, Fantinel has created important experiences over the years, establishing

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In foto bottiglia Sun Goddess - Pinot Grigio Ramato

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la Fantinel ha nel tempo creato delle esperienze importanti, instaurando dei legami molto stretti con distributori specializzati.

Convincere un nuovo distributore non è assolutamente facile.

Prima occorre costruire il brand, inserirlo nei locali di riferimento e piano piano crearne la riconoscibilità. Si tratta di un percorso che dura una vita intera. Non ci sono scorciatoie: solo duro lavoro, idee chiare, grandi qualità e tanta voglia di fare.

Quali sono quindi le chiavi del vostro successo?

La capacità di imporre uno stile, innanzitutto. Lo stile non passa di moda e dura nel tempo. Questo vale anche per il gusto del vino. L’eccellenza qualitativa va abbinata ad uno stile ben definito in cui il consumatore sappia riconoscere il proprio gusto.

Molto spesso nel nostro settore vediamo apparire nuovi fenomeni (vini biodinamici, vini macerati, vini prodotti in anfora).

Questi sono esempi di moda che non dura nel tempo. Fantinel punta a creare uno stile di gusto evergreen. E cerca di ampliare la conoscenza e la visibilità del brand attraverso lo sviluppo di collaborazioni internazionali di alto livello. Partnership (come quelle intraprese negli scorsi anni con Italia Independent di Lapo Elkann e con la famiglia Cipriani) volte alla creazione di collezioni esclusive che noi definiamo “icon wines”, nonché al rafforzamento della presenza sul mercato con uno stile di comunicazione capace di emergere.

Ci faccia degli esempi.

Due esempi vincenti e recenti, nonostante le difficoltà dell’anno appena trascorso. Innanzitutto, “Sun Goddess Wines”, la collezione creata in collaborazione con la celebrity americana Mary J. Blige. Lanciato digitalmente a fine giugno 2020, con il mondo in lockdown, il progetto ha immediatamente suscitato uno straordinario interesse a tutti i livelli, nonché un enorme riscontro mediatico nel mondo dei magazine di stampo economico-culturale/life-style/fashion a livello internazionale, da Vogue a Forbes, da People a Cosmopolitan. Riconoscimenti qualitativi, primi posti nelle classifiche dei migliori celebritybrands, una lunga serie di articoli, interviste, degustazioni digitali con il coinvolgimento di opinion leader/influencer e la partecipazione live dei consumatori; dalla stampa al web, dalla tv al mondo social, Sun Goddess è sicuramente uno dei trend (positivi) del 2020. Un’ondata di freschezza ed energia, nonché di boost per il nostro business, che punta a propagarsi ulteriormente con nuovi progetti e l’introduzione in nuovi mercati a livello globale, dopo il boom riscontrato in USA. E la seconda?

L’altra esperienza internazionale che ci inorgoglisce particolarmente riguarda lo Showroom Fantinel di Shanghai, inaugurato due anni fa. Un’iniziativa creata insieme ad altri partner friulani, Gianandrea Cattelan e Stefano Bianchini, non per rincorrere la chimera dei grandi volumi in Cina, ma per creare cultura e comunicare il brand in modo efficace e costruttivo al consumatore cinese. Ad oggi possiamo dirci soddisfatti dei risultati fino-

very close links with specialized distributors. Convincing a new distributor is not at all easy. First of all, you must build up the brand, introduce it in the right places and slowly create its recognizability. This is a journey that takes a lifetime. There are no shortcuts: just hard work, clear ideas, great qualities and a great desire to do.

So what are the keys to your success?

First and foremost, the ability to impose a style. Style never goes out of fashion and lasts over time. This is true for wines as well.

Qualitative excellence must be matched to a well defined style in which consumers can recognize their own taste. Very often in our sector we see new phenomena appearing (biodynamic wines, macerated wines, wines produced in amphora). These are examples of a fashion that won’t last in time. Fantinel aims at creating an evergreen style of taste. And it expands the knowledge and visibility of the brand through the development of high-level international collaborations. Partnerships (such as those undertaken in recent years with Lapo Elkann’s Italia Independent and with the Cipriani family) aimed at the creation of exclusive collections, that we call “icon wines”, as well as at strengthening the presence of the brand on the market with a recognizable communication style.

Give us some examples.

I’ll give you two successful and recent examples, despite the difficulties of the past year. First, “Sun Goddess Wines,” the collection we created with American celebrity Mary J. Blige. We launched the project digitally at the end of June 2020, with the world in lockdown, and it immediately aroused extraordinary interest at all levels and an enormous media response in the world of economic-cultural/life-style/fashion magazines at an international level, from Vogue to Forbes, from People to Cosmopolitan.

Quality awards, first places in the rankings of the best celebrity-brands, a long series of articles, interviews, digital tastings with the involvement of opinion leaders/influencers and the live participation of consumers; from the press to the web, from TV to social media, Sun Goddess is definitely one of the (positive) trends of 2020. A wave of freshness and energy, as well as a boost for our business, which aims to spread further with new projects and the introduction of new markets, after the boom in the USA. And the second one?

The other international experience we are particularly proud of refers to the Fantinel Showroom in Shanghai that we inaugurated two years ago. The initiative was created together with other Friulian partners, Gianandrea Cattelan and Stefano Bianchini, not to chase the chimera of large volumes in China, but to create culture and to communicate the brand in an effective and constructive way to the Chinese consumer. To date we are satisfied with the results achieved so far, as we can already boast some loyal customers in the field of haute cuisine and luxury hotels such as Otto

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In foto la barrique di La Roncaia

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ra raggiunti, potendo già vantare alcuni clienti affezionati nell’ambito dell’alta ristorazione e hôtellerie di lusso del calibro di Otto e Mezzo, Da Vittorio e Bulgari. Siamo comunque pronti a sviluppare nuove idee, tra cui la creazione, proprio all’interno della show-room, del primo Fantinel Prosecco Bar in Cina.

Avete creato anche altri “Prosecco Bar” durante gli scorsi anni. Ce ne parli.

Il Fantinel Prosecco Bar nasce nel 2014 sull’onda del successo globale del nostro blasonato spumante con l’obiettivo di rafforzare ancor più il brand attraverso la realizzazione di un concept basato sulle attuali tendenze di consumo e socializzazione, ovvero creare un’esperienza degustativa e un incontro con il nostro brand. Concepito come spazio di mescita dedicato, dall’innovativo design in ottica wine-bar dall’appeal moderno e, ovviamente, Made-In-Italy, il Fantinel Prosecco Bar può essere inserito nel contesto di un ristorante, un hotel, un resort, un aeroporto, un museo, una piscina, ovvero, un locale che attrae e convoglia un’affluenza considerevole; un esclusivo punto d’incontro in cui degustare un aperitivo a base di Prosecco, secondo uno stile tipicamente Italiano. Ne sono nati diversi negli anni, dal Sudafrica alla Nigeria, dai Caraibi alla Svizzera, dalla Croazia alla Repubblica Ceca. Quello di Praga, tra le aperture più recenti, è un interessante esempio di concept store, realizzato in collaborazione con la galleria Dea Orh, all’interno di un lussuoso palazzo nel cuore della città. Qui il Fantinel Prosecco Bar è incastonato in un ambiente ricco ed eterogeneo. Un’area degustazione ma anche un negozio, uno spazio espositivo, per un’esperienza che coinvolge tutti i sensi.

In che direzione sta andando il mercato del vino per quello che può dirci dal suo punto di vista?

Il mercato si dirige verso vini ecosostenibili, di altissima qualità, con aziende in grado di coltivare il proprio brand. La digitalizzazione, inoltre, aiuta le aziende a comunicare direttamente con il consumatore. Vinceranno coloro che meglio sapranno esprimersi e coinvolgeranno i nuovi consumatori che hanno canoni di valutazione completamente diversi dalle generazioni dei baby-boomers e dei millenials. In questo scenario noi ci siamo!

e Mezzo, Da Vittorio and Bulgari. However, we are ready to develop new ideas, among which the creation, right inside the showroom, of the first Fantinel Prosecco Bar in China.

You have also created other “Prosecco Bars” during the past years. Tell us about them.

Fantinel Prosecco Bar was born in 2014 after the global success of our blazoned sparkling wine with the aim of strengthening the brand through the creation of a concept based on the trends of consumption and socialization: we wanted to create a tasting experience and a meeting point with our brand. Fantinel Prosecco Bar has been conceived as a wine bar, with an innovative design and a modern appeal, and, obviously, Made-In-Italy. It can be palced in restaurants, hotels, resorts, airports, museums, swimming pools and in places that attract people; it’s an exclusive meeting point where people can taste an aperitif based on Prosecco, according to a typically Italian style. Over the years, we’ve opened several of them: from South Africa to Nigeria, from the Caribbean to Switzerland, from Croatia to the Czech Republic.

The one in Prague, among the most recent openings, is an interesting example of concept store: it was realized in collaboration with Dea Orh gallery, inside a luxurious building in the heart of the city. Here, the Fantinel Prosecco Bar is set in a rich and heterogeneous environment. It’s a tasting area but also a store, an exhibition space, for an experience that involves all senses.

In which direction is the wine market going? What can you tell us from your point of view?

The market is heading towards eco-sustainable wines, of very high quality, with companies that are able to build their own brand. Moreover, digitalization helps companies to communicate directly with consumers. The winners will be the ones who will better know how to express themselves and that will involve new consumers whose evaluation canons are completely different from the generations of baby-boomers and millenials. In this scenario, we are ready!

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Generazione grappa Intervista a Lisa Tosolini: l’arte del distillato in Bepi Tosolini Grappa generation Interview with Lisa Tosolini: distillate’s art in Bepi Tosolini di/by Carolina Sardelli

Lisa Tosolini Lisa Tosolini, una vita trascorsa nell’azienda di famiglia, la Bepi Tosolini, da quasi 80 anni un punto di riferimento nel mondo dei distillati made in Italy. Dopo la laurea in Scienze Politiche a Bologna torna a Udine, dove inizia a muovere i primi passi nella distilleria. Insieme ai suoi fratelli rappresenta la terza generazione di imprenditori nell’impresa fondata da suo nonno, il mastro distillatore Bepi. Oggi Lisa è l’export manager dell’azienda, portando i prodotti della Bepi Tosolini in tutto il mondo.

© AIRONEFOTO ph. Anna Airone

Lisa Tosolini has spent her entire life in her family business: Bepi Tosolin, a company that for over 80 years has been Made in Italy’s point of reference in the distillates’ universe. After she graduated in Political Science in Bologna she came back in Udine where she took her first steps in her distillery. She and her brothers are the third generation of entrepreneurs in the company that their grandfather, master distiller Bepi, founded. Today Lisa is the company’s export manager and she brings Bepi Tosolini’s products all around the world.

La vostra è una storia che parte da lontano.

La distilleria nasce per la volontà di mio nonno, aveva 20 anni e credeva in questo prodotto: la grappa. Era la sua grande passione. Insieme a mia nonna decide di fondare la Bepi Tosolini e inizia a portare questo distillato, abbastanza umile e sottovalutato, in tutto il mondo, puntando su una qualità eccellente. Sono passati quasi 100 anni. Dopo di lui è arrivato mio padre, e poi io e i miei fratelli.

Your story comes from a long way.

Our distillery was born thanks to my grandfather. He was twenty years old and he believed in this product: in grappa. It was his true passion. He and my grandmother started to export our distillate, that at the time was humble and underestimated, all around the world, focusing on its excellent quality. Nearly 100 years have passed. Then my father took over, and then me and my brothers did.

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Quando si parla di grappa, si parla di Italia. Il nostro obiettivo è quello di continuare a portare il distillato ovunque, farlo apprezzare sempre di più, e far crescere la nostra azienda, arrivando alla quarta, magari alla quinta generazione di imprenditori.

When you talk about grappa, you talk about Italy. Our goal is to export our distillate everywhere, to make people appreciate it more and more, and to grow our business in order to get to the fourth or even the fifth generation of entrepreneurs.

Voi continuate a tramandare la tradizione di un mastro distillatore come vostro nonno, ma avete anche puntato sull’innovazione.

Mio nonno aveva iniziato a fare un prodotto forse un po’ più grezzo sia per le possibilità del tempo, sia per la conoscenza, che nei decenni si è evoluta. All’inizio degli anni ’80 questo distillato è sbocciato. Si è cominciato a fare delle piccole produzioni di vitigni singoli, a realizzare degli invecchiamenti. Con mio papà c’è stata la vera rivoluzione, migliorando e valorizzando le produzioni di nicchia. È arrivato a cambiare anche la veste della bottiglia, utilizzando il vetro soffiato, per rendere il packaging più elegante. Si è detto addio alla classica fiaschetta.

Dovevamo dare un’immagine diversa della grappa, più fine, moderna. Il restyling è stato totale e ha coinciso anche con il cambiamento del prodotto che veniva inserito al suo interno.

La grappa viene distillata dalla vinaccia, quindi tutta quella che è stata l’evoluzione del vino è andata di pari passo con quella dei distillati. Si è passati a sistemi di raccolta e distillazione che potessero preservare meglio la qualità del prodotto. Piccole quantità per un’ottima qualità, puntando al 100% sull’artigianalità.

Quanto lavoro c’è dietro ai vostri distillati?

Noi ci occupiamo di tutto: raccogliamo l’uva, la spremiamo, facciamo le vinacce, devono essere sempre fresche, sempre ricche di mosto per dare più profumo al distillato. Non possiamo ricevere una vinaccia che sia stata già “sfruttata” dal contadino, perché dobbiamo essere sicuri che il prodotto che acquistiamo e utilizziamo sia di altissima qualità. Per questo i nostri distillati hanno un prezzo diverso rispetto ad altri sul mercato. I vignaioli rinunciano a parte della produzione di uva e quindi anche di vino, perciò il costo della materia prima sale. E anche i nostri tempi di produzione sono stretti: terminiamo tutta la distillazione in vendemmia, quando l’uva e la vinaccia sono fresche e profumate. Non vogliamo neanche pensare a prevedere dei metodi di conservazione, perché la conservazione già di per sé mi dà un prodotto di qualità inferiore.

You still respect the tradition of a great master distiller, your grandfather, but you also have focused on innovation.

My grandfather’s product was a bit rougher because of the times he lived in and because of the knowledge they had at the time and that now has changed. At the beginning of the ‘80s our distillate became very popular. So we started creating single grape varieties products, using ageing processes. My father made the real revolution, he improved and gave value to the niche productions. He changed the bottles as well and we started using blown glass to make the packaging more elegant. We got rid of classic flasks. We wanted to convey a different image for grappa: more elegant, more modern. The restyling process was total and we even changed the product we put in the bottles. Grappa is made from grape pomace and so wines have evolved in line with distillates. We moved to collection and distillation systems that would preserve our products’ quality. Small amounts for an excellent quality, we focused on artisanship.

How much work goes into your products?

We manage everything: we harvest grapes, we manage the winepress, we make grape pomace: it must always be fresh, rich in must in order to give the aroma to our distillate. We can’t use grape pomaces that were already “exploited” by farmers because we want to make sure that the products we buy are the best. And for this reason our products have a different price if compared to the others on the market. Winemakers give up part of their grape production and of their wine as well, so the cost of raw materials grows. We work on a tight schedule: we end distillation during the harvest, when both grapes and grape pomace are fresh and fragrant. There’s no method of preservation because the quality of our products would then be lower.

In the making of each grappa and each distillate, there’s a knowledge that comes from years of study, even in the combination of different grapes.

It’s master distillers’ art. Making a distillate is like making a perfume. You must know how to combine grapes. We essentially use

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Nel realizzare ogni grappa, ogni distillato c’è una sapienza che deriva da anni di studio, anche per combinare insieme uvaggi diversi. È l’arte dei mastri distillatori. Fare un distillato è come creare un profumo. C’è una sapienza nel combinare le uve, noi utilizziamo essenzialmente materie prime friulane, e poi le uniamo per creare qualcosa di unico. Delle essenze che rendono distinguibili tutti i nostri prodotti.

La vostra è una produzione di nicchia, come riuscite a farla conoscere in Italia e nel mondo?

Noi offriamo l’unicità di un prodotto artigianale che per essere gustato ha bisogno dell’aiuto del ristoratore o del sommelier che sono in grado di riconoscere un prodotto di qualità, suggerendolo al consumatore. Accompagniamo i nostri clienti nella degustazione dei nostri prodotti, grazie a grandi professionisti del settore, che noi incontriamo quando andiamo al ristorante o andiamo in un’enoteca. Il nostro prodotto deve parlare e lo fa attraverso queste figure, che riescono a valorizzarlo nel modo migliore.

Con lo scoppio della pandemia e la chiusura delle attività di ristorazione quanto è stato colpito il vostro settore?

Noi siamo una nicchia, quindi abbiamo sofferto di meno, il consumo dei distillati si è spostato nelle case. Se da un lato la ristorazione ha subito un duro colpo, le enoteche, in parte, hanno tenuto. Anche se le difficoltà ci sono, soprattutto per far conoscere il prodotto. Non avendo più il cliente a tavola è difficile che con le varie soluzioni, come delivery o altro, si sia ordinato anche il distillato.

I vostri prodotti nel corso degli anni sono arrivati in tutto il mondo?

Abbiamo una distribuzione in 60 Paesi. Si tratta sempre di un mercato di nicchia e di una ristorazione italiana all’estero. Solo grazie a loro riusciamo a far conoscere un prodotto come il nostro a clienti sempre nuovi. Tra i mercati che ci hanno stupito maggiormente c’è la Cina. Loro hanno un distillato che somiglia moltissimo al prodotto grappa e lo bevono a pasto. Quando abbiamo iniziato a esportare la grappa italiana l’hanno amata alla follia.

Guardando al futuro quali sono gli obiettivi della Bepi Tosolini?

Vogliamo portare la grappa ad avere lo stesso grado di apprezzamento dei suoi cugini francesi e inglesi come il Cognac e il Whisky. Per noi italiani la grappa fa parte della storia, ma fuori dal nostro Paese spesso è una novità. Ci vuole tempo. Il tempo per far assaggiare, per promuoverla. Affinché il palato si abitui e abbia piacere a berla. È una lunga strada, si ricomincia sempre. E adesso vogliamo farla arrivare anche ai giovani, che sono più lontani dal mondo della grappa, rispetto ad altri fine pasto.

Friulian raw materials and the we combine them to create something unique. Their aromas make our products special.

Yours is a niche production, how do you manage to make it known in Italy and in the world?

We offer the uniqueness of an artisan product: we need specific restaurants and sommelier that understand what a quality product is to advise it to their customers. We guide our clients in the tasting of our products and we do so thanks to the professionals we meet in restaurants and in wine shops. Our products need a voice and professionals give them one: they give value to our products in the best way ever.

With the outbreak of the pandemic and the closure of restaurant operations how much was the industry affected?

We’re a niche and, for this reason, the pandemic hasn’t affected us that much: distillates are now home-consumed. Restaurants have suffered, but, on the other hand, wine shops have survived.

Yet we do have our problems, especially when it comes to promote our product. We don’t have guests at the table and the other solutions, such as delivery and so on, don’t work for us: people don’t often order a distillate.

In these years have your products been exported worldwide?

We work with 60 different countries. It’s a niche market and it’s always about Italian restaurants abroad. Through them we manage to promote our product and to get to new clients. We were truly amazed by the Chinese market. They have a product that’s very similar to grappa and they have it during their meals. When we started exporting our Italian grappa, they loved it.

What are Bepi Tosolini’s goals for the future?

We want grappa to be as popular as its English and French cousins, Cognac and Whiskey. To us, grappa is part of our history, but abroad is something new. It takes time. To taste it, to promote it.

To get used to it and to like it. It’s a long road, and you always have to start all over again. Now we want young people to know grappa: they aren’t used to it and usually drink something else at the end of their meals.

As a product, grappa is seen closer to men’s taste, is this true?

Even though today distillates are even soft, fruity and enjoyable, grappa is a male product. But we did study alternatives closer to women’s taste. For example, Most is one of our most popular products: it’s very delicate and refined and even those who aren’t used to traditional grappas seem to appreciate it.

You’re also a woman at the top of a distillery, surrounded by men, who produces a product that’s not easy for ladies. How do you live all this?

Actually, when I speak about my job, I like to underline the fact that women are more and more present in the industry. I entered

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In foto la famiglia Tosolini

Come prodotto si pensa sempre che la grappa sia vicina a gusti più maschili è corretto? È un prodotto prettamente maschile, nonostante oggi ci siano dei distillati morbidi, fruttati e piacevoli. Siamo riusciti, infatti, a studiare anche alterative più vicine ai gusti femminili. Per esempio uno dei nostri prodotti più importanti, il Most, è così delicato e raffinato che accoglie anche clienti meno abituati a un palato ruvido e forte come quello delle grappe tradizionali.

this world because of a memory I have and that binds to the distillery: it’s my grandmother. She managed the company. My grandfather managed sells and she managed all the work. She was the boss, the company’s real engine.

And your grandfather?

Well, he was the artist. Behind every distally, there’s a master distiller. There are many Tosolini out there, but there’s just one Bepi.

Lei per altro è una donna, che si trova al vertice di una distilleria contornata da uomini, producendo un prodotto non così facile per le signore. Come vive tutto questo?

In realtà quando parlo del mio lavoro la cosa che mi piace più sottolineare è la presenza delle donne, sempre maggiore, nel settore. C’è un ricordo alla base della grande passione che mi lega a questa distilleria e che, più di ogni altro, mi ha spinto a entrare in questo mondo: è quello di mia nonna. Era lei che gestiva l’azienda. Mio nonno andava a vendere e lei organizzava tutto il lavoro interno. Era lei il capo, il motore di tutto.

E suo nonno?

Beh, mio nonno era l’artista. Dietro ogni distilleria c’è un mastro distillatore. Di Tosolini siamo in tanti, ma di Bepi ce n’è uno solo.

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Clara C’. Le bollicine premium secondo Clara Carpenè Clara C’. Premium bubbly according to Clara Carpenè Una nuova grande area di produzione, un e-commerce che sta per prendere il via e la recente apertura di una società di importazione in Florida per rafforzare la presenza sul mercato statunitense.

Il 2021 delle Cantinæ Clara C’ di Valdobbiadene è iniziato con una grande spinta verso la crescita internazionale e con una serie di investimenti mirati a conquistare nuova competitività e una rinnovata capacità produttiva.

Nata nel 2004 dalla tradizione di famiglia nel mondo del Prosecco di Clara Carpenè, Clara C’ è un’azienda con una radicata

A new large production area, an e-commerce ready to go and the recent opening of an import company in Florida in order to enhance their presence in the American market.

2021 has started with a great push towards international growth and targeted investments aimed at winning Valdobbiadene’s Cantinae Clara C’s new competitiveness and a renewed production capacity.

Clara C’ was born in 2004 from Clara Carpenè’s family tradition in the Prosecco world. The company has a strong identity and is female-run: Marta Pasquon is its leader and co-founder.

In foto Clara Carpenè - Ph. Gian Paolo Serna Amarcord Studio

In foto Marta Pasquon - Ph. Gian Paolo Serna Amarcord Studio Genius People Magazine

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In foto le bollicine prodotte da Cantinae Clara C’ - Ph. Gian Paolo Serna Amarcord Studio

identità e con una gestione manageriale tutta al femminile guidata dalla co-fondatrice Marta Pasquon.

Clara C’ è una realtà di nicchia nel mondo del Prosecco che diventa ogni trimestre più forte: la nuova cantina recentemente realizzata è un vero salto industriale per garantire sempre la massima qualità di prodotto e anche i volumi da azienda di grandi dimensioni. Il nuovo impianto assicura una capacità di 13.000 ettolitri, di cui di 5.500 dedicati alla vinificazione e allo stoccaggio delle basi, e una capacità di spumantizzazione che arriverà a 7.500 ettolitri entro il 2022, arrivando a toccare i 45.000 ettolitri di spumantizzato all’anno.

Con una solida presenza in Italia, l’azienda da sempre investe nella crescita all’estero, in particolare negli USA dove è già presente in 15 stati e dove la richiesta di Prosecco, nonostante la leggera flessione dovuta alla pandemia, è sempre in crescita. È stata appena aperta infatti la società di importazione Clara C’ of America Inc. a Fort Lauderdale in Florida: si tratta di un passo fondamentale per rafforzare la penetrazione di un mercato così vasto come quello americano che, per essere realmente competitivi, richiede di avere un controllo diretto della catena di distribuzione e della logistica, per essere sempre pronti a soddisfare tempestivamente le richieste dei distributori dislocati nei vari Stati. Inoltre, l’acuirsi della crisi dei trasporti inter-

Clara C’ is a niche in the Prosecco world but at every quarter the company becomes stronger: the company’s recent new wine cellar is an industrial leap aimed at ensuring the highest quality of its products and the large company’s production volume. The new plant produces 13.000 hectoliters, of which 5.500 are for wine-making and for the storage, and a sparkling process that will reach 7.500 hectoliters in 2022 and 45.000 hectoliters of sparkling wine a year.

With a solid presence in Italy, the company has always been investing in the growth abroad, in particular in the US where it’s already present in 15 states and where the demand for Prosecco, despite the slight decrease due to the pandemic, is always growing.

The import company Clara C’ of America Inc. has just been opened in Fort Lauderdale, Florida: this is a fundamental step to strengthen its penetration in the vast American market: in order to be really competitive, this market requires companies to have direct control of the distribution chain and of logistics. Companies must always be ready to promptly satisfy the requests of the distributors located in the different states. Moreover, because of the worsening of the international transport crisis it’s urgently necessary to have goods on site ready to be delivered, as quickly as possible.

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In foto l’headquarter di Cantinae Clara C’ - Ph. Gian Paolo Serna Amarcord Studio

nazionali rende ormai urgente la presenza di merce in loco pronta ad essere consegnata nel più rapido tempo possibile.

Il marchio premium dell’azienda è Fiori di Prosecco, nato con l’obiettivo di racchiudere tutta la ricerca e l’attenzione per la qualità. Fiori di Prosecco, infatti, nasce solo dal mosto fiore, la prima spremitura che si ottiene con la pressatura delle uve raccolte a mano.

Da quando è cambiata la regolamentazione, il marchio si è sdoppiato: Fiori di Valdobbiadene per il D.O.C.G., prodotto esclusivamente nei 15 comuni delle colline di Conegliano Valdobbiadene, e Fiori di Prosecco per il D.O.C., che si riferisce al territorio di produzione allargato tra Veneto e Friuli Venezia Giulia.

Estate 2021: in arrivo il nuovo Clara C’ Extra Brut Dopo aver presentato il Prosecco DOC Rosè a marzo 2021 (riscuotendo grande successo negli USA) e la nuova veste grafica del Cartizze Valdobbiadene Superiore ad aprile 2021, Clara C’ sta preparando per l’estate 2021 un nuovo prodotto che diventerà un unicum per l’azienda: un Valdobbiadene DOCG Extra Brut, ricco di toni floreali, avvolgente e setoso.

Il nuovo Clara C’ Extra Brut sarà un prodotto dinamico, contemporaneo e intrigante per brindare - speriamo prima possibile - al ritorno alla normalità dopo l’emergenza Covid e a quella libertà di stare insieme, condividere e festeggiare.

The company’s premium brand is Fiori di Prosecco. The brand was created with the aim of encapsulating all the research and the attention to quality: Fiori di Prosecco is made only from must flower, the first pressing of hand-picked grapes.

Since the regulations changed, the brand has been split into two: Fiori di Valdobbiadene for D.O.C.G., produced exclusively in the 15 municipalities of the Conegliano Valdobbiadene hills, and Fiori di Prosecco for D.O.C., which refers to the enlarged production area between Veneto and Friuli Venezia Giulia.

Summer 2021: the new Clara C’ Extra Brut is coming After having presented Prosecco DOC Rosè in March 2021 (gaining great success in the US) and the new look of Cartizze Valdobbiadene Superiore in April 2021, Clara C’ is preparing, for Summer 2021, a new product that will become the winery’s unicum: a Valdobbiadene DOCG Extra Brut, with floral tones, mouth-filling and silky.

The new Clara C’ Extra Brut will be a dynamic, contemporary and intriguing product to toast - hopefully soon! - to the return to normality after the Covid emergency and to the freedom to be together, share and celebrate.

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Scatto foto in mezzo all’oceano, ma non so nuotare.

Carlo Borlenghi racconta come nascono le sue foto I take pictures in the middle of the ocean, but I can’t swim.

Carlo Borlenghi tells how his photos come to life di/by Giorgio Di Bernardo - a cura di/edited by Francesca Gatti

Carlo Borlenghi È il fotografo di vela più famoso al mondo. Carlo Borlenghi, classe 1956 di Bellano sul Lago di Como, è l’uomo che sta dietro agli scatti più belli ed emozionanti dell’Americas Cup, a partire da Azzurra, passando per il Moro di Venezia, fino a Luna Rossa. Le sue foto sono esposte in tutto il mondo e collabora con le più prestigiose riviste internazionali.

In foto Carlo Borlenghi

He is one of the most famous yacht photographers in the world. Carlo Borlenghi was born in 1956 in Bellano on Lake Como, and he’s the man behind the most beautiful and exciting shots of the America’s Cup regattas. He followed the endeavours of the sailboats Azzurra (1983), Moro di Venezia (1992), and Luna Rossa. His photos are exhibited all over the world and he works with the most prestigious international magazines.

Lei è il fotografo delle competizioni velistiche più importanti del mondo. Come ha iniziato?

Come spesso accade, per caso. Ero uno studente di ingegneria con la passione per la fotografia: vivendo sul lago di Como, molti amici avevano una barca e così iniziai a fotografare per hobby le regate sul lago. I miei scatti piacevano, tanto che la rivista Uomo Mare Vogue mi chiamò per collaborare come fotografo.

You’ve been the official photographer of the most important sailing competitions in the world. How did you start?

As it often happens, by chance. I was an engineering student with a passion for photography: living on Lake Como, many of my friends had a boat, so I started to photograph the regattas on the lake as a hobby. They liked my shots, so much so that the magazine Uomo Mare Vogue offered me a job as a photographer.

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In mezzo al mare, o a bordo di un elicottero con il portellone aperto, non puoi gestire niente, ma devi prendere quello che la natura ti dà in quel momento.

When you are at sea, or on a helicopter, you have no control over anything.

You are at the mercy of Nature.

Da lì in poi cambiò tutto…

Sì, la passione si trasformò in lavoro e in una nuova vita. E pensi che io non so andare a vela, non so nemmeno nuotare.

From there on everything changed....

Yes, my passion turned into work and in a new life. And think that I can’t sail, I can’t even swim.

… non ha paura di stare ore in mezzo al mare?

Diciamo che ne ho il giusto timore. Forse è proprio per questo che le mie immagini sono diverse dalle altre, perché riconosco e rispetto quella forza del mare che può generare inquietudine e la racchiudo nelle mie foto.

...Aren’t you afraid of spending all these hours in the middle of the sea?

Just the right amount. Perhaps that’s why my shots are different from others: I recognize and respect the power of the sea and, in my photos, I capture the anxiety it can cause.

Da quando segue l’America’s Cup? Dal 1983 con Azzurra, la barca de l’Aga Khan e di Gianni Agnelli, che regatò a Newport. Da allora ho seguito tredici America’s Cup come fotografo ufficiale passando dal Moro di Venezia fino a Luna Rossa e alla 36a edizione che si è da poco conclusa ad Auckland in Nuova Zelanda.

Since when have you been following the America’s Cup? Since 1983 with Aga Khan IV’s and Gianni Agnelli’s yacht Azzurra which competed in the Louis Vuitton Cup in Newport. Since then, I’ve been America’s Cup official photographer thirteen times. I photographed the sailboats Moro di Venezia (1992), Luna Rossa and America’s Cup 36th edition, recently held in Auckland, New Zealand.

In questi decenni le barche e la competizione sono cambiate moltissimo. È stato davvero incredibile vivere in prima persona questa continua e inesorabile evoluzione. Negli anni ’80 le barche erano performanti per quel tempo ma lentissime rispetto alle velocità a cui siamo abituati oggi. Ogni Coppa America segnava un passo avanti enorme rispetto alla precedente in termini di vele, materiali, forme, tecnologie: era la gara in cui si mettevano in gioco i migliori tecnici e designer del mondo per tracciare nuovi traguardi, guadagnando 3,5 nodi di velocità in più ad ogni edizione.

In the last decades, the sailboats and the competition have changed a lot.

It’s been incredible to experience first-hand this continuous and inexorable evolution. Back in the 80’s, sailboats performed very well, but it was nothing compared to the speed we’re used to see today. Each America’s Cup marked a huge step forward in terms of sails, materials, shapes, and technologies: in this race the best engineers and designers in the world are brought into play to set new goals, and at each edition they gained 3.5 knots of speed each.

Sono cambiate anche le persone a bordo? Gli equipaggi?

Sì. I vecchi skipper hanno lasciato spazio alle generazioni più giovani a cui vengono richieste non solo conoscenza e tattica, ma anche preparazione fisica e atletica non indifferenti: devono muoversi e saltare velocemente su una barca che può toccare i 50 nodi sull’acqua.

Have the people on board changed as well? The crews?

Yes. The younger generations of skippers are required to have a deep knowledge and understanding of tactics and also an important physical preparation and athletic prowess: they have to move and jump quickly on a sailboat that can reach a speed of 50 knots.

L’emozione è la stessa?

L’emozione sì, quella resta la stessa. Anche se in passato si vedeva di più il lato umano della competizione: oggi l’equipaggio è vestito con tute tecniche per non diminuire l’attrito, indossa caschi protettivi, non si vedono i visi, è più difficile carpire le espressioni.

Have your feelings for this sport changed?

No, they haven’t. Even though, in the past, the human side of the competition was more visible. Today crews are dressed in technical suits to reduce friction, and they also wear protective helmets; you can’t see their faces and it’s more difficult to catch their expressions.

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All I know is that I will be there. Anything else is mere verbiage.

What is your approach to photography?

I’m never satisfied and I’m always looking for a new way to create my images. Nowadays, with digital technology, everyone can be a photographer. My work begins way before I take a photo. I’m not a studio photographer and I always try to visualize the shot based on the conditions of that specific day. When you are at sea, or on a helicopter, you have no control over anything. You are at the mercy of Nature: wind, light, clouds, rain, rough sea or calm.

You’re not in charge, the sky and the sea are. And you simply wait for the right moment.

Qual è il suo approccio alla fotografia?

Non mi accontento mai, cerco sempre un nuovo modo di creare le mie immagini. Ormai con il digitale tutti possono essere fotografi. Il mio lavoro invece inizia prima, non sono un fotografo di studio e mi immagino già lo scatto in base alla condizione di quella specifica giornata. In mezzo al mare, o a bordo di un elicottero con il portellone aperto, non puoi gestire niente, ma devi prendere quello che la natura ti dà in quel momento: vento, luce, nuvole, pioggia, mare agitato o calma piatta. Non sei tu che comandi, sono il cielo e il mare. E tu aspetti il momento perfetto.

Let’s talk about the last America’s Cup that Luna Rossa lost: was Emirates Team New Zealand advantaged by its knowledge of the climatic variables of their gulf?

It’s hard to understand how much knowledge and tactics counted compared to the technology of these two boats that were designed for completely different wind conditions: Luna Rossa was designed for winds from 7 to 11 knots, Emirates Team New Zealand from 12 knots up. At that level, as we saw, the smallest mistake is enough to lose important meters and to never recover.

So solo che io ci sarò. Il resto sono solo rumori di banchina.

Parliamo dell’ultima America’s Cup che l’Italia ha perso per un soffio: New Zealand è stata avvantaggiata dalla conoscenza delle variabili climatiche del loro golfo?

Difficile capire quanto abbiano contato conoscenza e tattica di contro alla tecnologia di due barche che sono state progettate per condizioni di vento completamente diverse: Luna Rossa per vento dai 7 agli 11 nodi, New Zealand dai 12 nodi in su. A quel livello, come abbiamo visto, basta un minimo errore per perdere metri importanti e non recuperare più.

Can you imagine the America’s Cup in Italy with the Bora, in the Gulf of Trieste?

I know the bora, I have seen it, heard it and photographed it many times. There are limits to the strength of the wind for racing. With a strong bora, which “hits hard”, it would be impossible for today’s sailboats to leave port.

What about the next edition? When will it take place? Where?

It’s up to the defender to decide and there’s no protocol yet. All I know is that I will be there. Anything else is mere verbiage.

Si immagina l’America’s Cup in Italia con la bora del golfo di Trieste?

Conosco la bora, l’ho vista, sentita e fotografata tante volte. Per regatare ci sono dei limiti di forza del vento: quindi sicuramente con la bora quella vera, che “picchia duro”, sarebbe impossibile uscire dal porto per le barche di oggi.

E se parliamo della prossima edizione? Quando si farà? Dove? È il defender a decidere tutto e non c’è alcun protocollo ancora definito. So solo che io ci sarò. Il resto sono solo rumori di banchina.

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THE RIDERS ARE BACK

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Sfide oltre i miei occhi Gigi Soldano: il dietro le quinte della Moto GP Challenges beyond my eyes Gigi Soldano: Moto GP behind the scenes

Riuscire a scattare un’immagine che parli è spesso il massimo del risultato per un fotografo.

Non solo cronaca quindi ma descrizione e spiegazione di un evento, di un gesto, di un momento importante.

La foto più difficile da realizzare, mai usuale e scontata.

Come riuscire a descrivere perfettamente un momento speciale a qualcuno che non lo vive in diretta? Dando un secondo significato come se si realizzasse un “secondo scatto”?

Quello fatto di gesti e parole con animo e spirito interpretativo. Che poi sia solo simbolico, che sia solo per raccontare o esprimere sentimenti, rabbia o fatica, sfida, poco importa.

Tutto il mio lavoro prova a vivere sulla storia di personaggi da rendere speciali. Spesso i più unici e veri.

Chiudiamo gli occhi e pensiamo al contenuto di queste foto. Non a quello che vediamo ma solamente a quello che sentiamo. Magari ascoltare e leggere gli elementi contenuti in queste immagini potrebbe essere il segreto.

Spero percepiate le emozioni e che non resti una semplice sensazione visiva.

Spero abbiate percepito una storia, un racconto che alla fine non è mai uguale e che prima di tutto ha sempre un gran finale…da non dimenticare fra una frazione di secondo.

Trasparenze mai lasciate al caso che vorrei appartenessero a tutti.

Sfide oltre i miei occhi.

To take a photo that tells a story is a photographer’s greatest result.

Not just media coverage, but the description and the explanation of an event, of an action, of an important movement.

It’s the most difficult picture to take, and it’s never common or obvious.

How can we describe a special moment to someone who’s not there and who’s not living it? How can we give the picture a second meaning as if we took a second shot? Another picture made by actions and words and its own interpretation. And it doesn’t matter if it’s symbolic, if it was made to express and tell feelings, anger or fatigue, the challenge.

My work lies on the lives of the people I want to make special. And they’re often the most unique and true.

Let’s close our eyes and think about these pictures. And not only to what we see but to what we feel. Maybe we should listen to all the elements in the picture: that’s the secret.

I hope you’ll feel the emotions and that the experience won’t be narrowed down to their visual sensations.

I hope you heard their stories. It’s a tale that changes and that always have a great ending…and you mustn’t forget it.

These transparencies are never left to chance and I’d like them to be yours.

Challenges beyond my eyes.

In foto Gigi Soldano

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Big wave riding, sfida contro se stessi Big wave riding, a challenge against yourself di/by Matteo Macuglia

Rudy Ghiara

In foto Rudy Ghiara – Ph. Filippo Falco

24 anni, gli ultimi 7 passati a lottare con le onde, sempre più grandi, il viso di Rudy Ghiara racconta qualcosa dei suoi viaggi in giro per l’Europa alla ricerca di una sfida da affrontare sulla sua tavola. Dopo la Francia, ora il suo quartier generale è Nazaré, in Portogallo. Da qui parte ogni mattina, da solo, per affrontare l’Oceano che proprio in questo punto crea le onde più alte del mondo, sono delle montagne che compaiono e scompaiono in pochi secondi. In questa finestra di pochi attimi, Rudy si gioca le sue giornate, mettendo a rischio anche la sua vita.

He’s 24 years old and he has spent the last 7 years fighting with waves. Rudy Ghiara’s face tells something about his journeys in France and around Europe in the search for a new challenge for his surfboard. After Frances, his headquarter is now in Nazaré, in Portugal. Every morning he faces the ocean on his own. And in Nazaré the waves are the highest in world, they’re mountains that appear and disappear within seconds. In these few seconds, Rudy plays his cards, and everyday he risks his life.

Com’è nata la passione per il surf?

Solitamente i surfisti professionisti iniziano molto giovani. Io ho iniziato a 16 anni, un po’ più tardi rispetto ai miei colleghi.

How was your passion for surfing born?

Usually, professional surfers start when they’re vey young. I started when I was 16, a little later compared to my colleaugues.

Dov’eri?

Ho iniziato a Varazze, a casa mia, grazie un mio amico che già surfava e un giorno mi invitò ad andare con lui. Fin dal primo momento in acqua ho avuto una bellissima sensazione. Ho subito preso la mia prima onda, l’ho tagliata tutta; quindi, oltre a

Where were you?

I started in Varazza, where I lived, thanks to a friend of mine that already surfed. One day he asked me to go with him. From the first moment I got in the water I felt good. I managed to immediately catch my first wave and I stemmed it. So, aside from enjoy-

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piacermi un sacco perché mi era riuscita nonostante fosse la prima volta, è stata una cosa che poi mi ha preso e mi ha dato davvero tanto negli anni.

ing the experience because I made it even though it was my first time, surfing really got to me and it gave me so much in all these years.

Quando è cominciato a diventare un lavoro per te?

Dopo un anno. Fui contattato dal referente in Europa di un brand australiano molto conosciuto nel settore. Questa persona mi propose di iniziare un percorso all’estero, in Europa. Dopo aver convinto mia madre, visto che allora ero ancora minorenne, è iniziata questa avventura.

When did it become a job?

After one year. A contact person from a very famous Australian brand called me. He asked to start working abroad, in Europe.

After I convinced my mother, since I was still a minor, I started this adventure.

Dopo questo incontro cos’è successo?

Sono andato subito ad Hossegor (Francia). Abbiamo girato per due o tre mesi tra le coste francesi, lì le onde sono di livello mondiale. Quindi ho iniziato a fare le mie prime esperienze sull’oceano e a conoscere la gente del settore. È stato un grande lancio per me, un momento che mi ha aperto gli occhi: ho capito cosa c’è in giro e qual era il livello al quale dovevo uniformarmi. In quei mesi ho capito veramente cosa fosse il surf.

Com’è stato entrare in questo mondo rispetto a come te l’eri immaginato dall’esterno?

L’ho vissuta veramente bene anche se non penso di essere il classico surfista da stereotipo, un po’ hippy e cose così. È vero quello che si pensa su questi sportivi molto amichevoli, molto aperti, che vivono giorno per giorno la natura, alzandosi e andando a dormire in base al moto ondoso. È tutto molto spontaneo.

Come funziona la tua giornata?

In questo momento mi trovo a Nazaré (Portogallo) e sto passando dal surf tradizionale al “Big wave riding”. Ho iniziato da uno dei luogo più pericolosi al mondo, quello con le onde più grandi del Pianeta. Per svolgere questo tipo di attività bisogna essere molto preparati sia livello a mentale che fisico. Parliamo di un altro livello di preparazione. Molti surfisti, anche professionisti, non si allenano così tanto ma con queste onde si rischia la vita. A Nazaré, bisogna essere pronti per qualsiasi cosa possa succedere.

La differenza tra il surf e il Big wave riding?

Il surf si basa di più su manovre tecniche e su onde generalmente più basse, tendenzialmente non pericolose. Nel Big wave riding, invece, ci sono pochi spot su tutto il Pineta dove è possibile trovare onde abbastanza alte, e Nazaré è il punto più critico al mondo. Si tratta di due modi diversi di vivere la stessa disciplina. Nel surf tradizionale si parla di uno o due metri d’onda. A Nazaré, per dire, le onde arrivano fino a 20 metri e questa è la principale differenza. Oltre a essere preparato come un normale surfista, quando vai su questa tipologia di onda devi triplicare il tuo allenamento, avere molto più fisicità, apnea, e molta più concentrazione mentale perché ogni errore può costare caro.

And what happened next?

I went to Hossegor, in France. We toured for two or three months the French coasts, the waves there are amazing. I started to get to know the ocean and I met people from the business. It was a very important moment for me, it opened my eyes: I saw what it was about and I saw the level I wanted to get to. In those month I understood what surf’s really about.

How was this world compared to what you imagined as an outsider?

I really had a good time even though I’m not the classic surfer, a bit hippie and stuff. What you think about these sportsmen is true: they’re very friendly, open minded and they live nature day by day, waking up and going to sleep based on the swell. It’s all so spontaneous.

How are your days?

At the moment I’m in Nazaré, in Portugal. I’m moving from traditional surf to big wave riding. I started in one of the most dangerous spots in the world: it has the biggest waves in the planet. For this reason, you must be prepared, both mentally and physically.

It’s a whole other level. Many surfers, even professional ones, don’t train enough but with these waves you risk your life. In Nazaré, you must always be prepared.

What’s the difference between surf and biga wave riding?

Surf’s based on technical moves and on shorter waves, they usually aren’t dangerous. On the other hand, big wave riding’s spot aren’t that common in the world because you have to find waves that are high enough, but Nazaré is one of the world’s most critical spots. They’re two different ways of living the experience. In traditional surf, waves are two or three meters high. In Nazaré, for example, waves reach 20 meters, and that makes all the difference. We must me trained as traditional surfers, but for these waves you have to triple your training: more physicality, apnea, concentration. Because every mistake can cost you your life.

You chose to do this sport without outer props. What does it mean, concretely, when you’re in the water?

This is something I really care about. Most surfers work with Tauwins, a hook that ties your feet to the surfboard, and they’re helped by a team of jet skis to reach the wave. In these cases,

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In foto Rudy Ghiara – Ph. Heidi Hansen Genius People Magazine

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Tu tra l’altro hai scelto di fare questo sport senza appoggi esterni, cosa significa in concreto quando ti trovi in acqua? È un discorso a cui tengo moltissimo. La maggior parte dei surfer lavorano con il Tauwin, un gancio che lega i piedi alla tavola, e si fanno aiutare da un team di moto d’acqua per raggiungere l’onda. In questo caso non sei mai solo perché oltre al jet ski driver, ci sono anche delle persone che da un promontorio o un punto sopraelevato comunicano via radio per avvisare circa eventuali onde anomale o situazioni di pericolo dalle quali allontanarsi al più presto.

you’re never alone because, beside the jet ski driver, there are also people that, from vantage points or hills, warn you by radio in case of tidal waves or dangerous situations you must get away from.

Tu invece quindi ti prendi tutti questi rischi da solo...

Quello che faccio io si chiama paddling: mi sposto con la forza delle mie braccia. Niente spotter, niente moto d’acqua per aiutarmi a conquistare la cima delle onde, niente Tauwin. Vado in acqua da solo e faccio tutto da solo. Prendo l’onda e spero vada tutto bene.

Why did you choose to surf this way?

Partly because maintaining a team is very expensive and partly because often, even though you have the money, the best are already part of other teams. I claim my choice because who “rows” does so for love, for what you feel when the water is all around you. You can only count on yourself and on your mental and physical skills.

Come mai hai deciso di surfare così?

In parte perché è molto costoso mantenere un team e in parte perché molte volte, pur avendo la disponibilità economica, non trovi delle persone che lo facciano a regola d’arte perché i migliori fanno già parte di altri team. È una scelta che rivendico perché chi “rema” lo fa per amore, per quello che si crea tra noi e il mare che ci sta intorno. Puoi contare solo su te stesso e sulla tua preparazione fisica e mentale. È un po’ come buttarsi con il paracadute o con la tuta alare: due rischi simili ma completamente diversi.

Esatto. In acqua ci sei solo tu con le tue forze e le tue paure. Infatti la testa diventa importantissima, anche più del fisico.

Provi mai paura in quei momenti?

Non la chiamerei paura, magari parlerei di timore. È qualcosa di profondamente legato al rispetto che ho per l’Oceano, lui mette ognuno al suo posto. Serve rispetto perché la Natura è una cosa che non si può controllare. Specialmente in un contesto come questo.

La tua giornata tipo a Nazaré com’è?

Comincio la giornata svegliandomi presto, alle cinque. Inizio subito a bere molta acqua. Vado in palestra e comincio a scaldarmi e a ossigenare il corpo. Una volta fatto questo mi preparo una buona colazione e poi, se le onde sono buone, si fa la prima uscita, la prima remata. Se va tutto bene, si surfa pure. Quando torno indietro mangio, mi riposo, faccio stretching. Poi al pomeriggio guardo il mare; se le onde sono buone ritorno in acqua, altrimenti vado in palestra. Durante tutta la giornata, insieme al mio manager, lavoro anche sulla parte di business: promozione dell’immagine, ricerca di sponsor e brand, così da portare avanti i nostri progetti. Una full immersion tutto il giorno, tutti i giorni.

And you take the risk all by yourself…

What I do is called paddling: I move with my own arms. I don’t use spotters or jet skis to reach the waves. I don’t use Tauwin. I go in the water by myself and I do everything on my own. I catch the wave and hope everything will be fine.

It’s live jumping with a parachute or with a wingsuit: the risks are both similar and different.

Yes, exactly. When you’re in the water, you’re by yourself, with your strength and your fears. Your mind becomes very important, more than your body.

Are you ever afraid?

I wouldn’t call it fear, maybe it’s more a concern. I respect the Ocean, it keeps you humble. You must be respectful because you can’t control nature. Especially in these cases.

How are your typical days in Nazaré?

I wake up early, at five. And I start drinking a lot of water. I go to the gym and I warm up and I bleach my body. Then I have breakfast and if the waves are fine I go out. If everything works out, I get to surf. When I get back home, I sleep, I relax, I do some stretching. And in the afternoon I look at the sea: if the waves are fine again, I go back in the water, otherwise I go to the gym. I also work with my manager and focus on the business part: we promote my image, we look for sponsors and brands and we work on our projects. It’s full immersion, all day, all days.

Who’s supporting your career at the moment?

I work with different important brands: Moscova, Modom, Europa, Jeep Portogallo, Sami Hossny, who’s my personal trainer and Nodaysoff’s owner.

Do you have the time to relax and have fun?

Sometimes, but I’m not the classical light-hearted surfer. Even when I do go out, I think about all the work I did during the week and I’m very careful to what I do. I think my approach is very similar to the one of athletes of other sports.

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Chi sta supportando la tua carriera in questo momento?

Lavoro con diversi brand di riferimento nel mondo del surf: Moscova, Modom Europa, Jeep Portogallo, Sami Hossny, il mio personal trainer e proprietario del brand Nodaysoff.

Riesci a svagarti in una settimana come quella che hai descritto?

Un po’ sì, ma non credo di rispettare lo stereotipo del surfista scanzonato. Anche quando esco, penso a tutta la fatica che ho fatto durante la settimana quindi cerco di stare attento e di non fare niente che possa compromettere il percorso che ho davanti. Non credo che il mio approccio sia diverso da quello di tutti gli atleti di un certo livello in qualsiasi campo.

L’onda più bella la stai cercando proprio lì dove sei ora, a Nazaré?

Qui a Nazaré ho avuto grandi risultati nonostante un contesto davvero sfidante. Vorrei che la prossima stagione avesse un respiro internazionale, con spot anche fuori dall’Europa. Mi piacerebbe fare un tour a caccia delle onde più grosse al mondo tra California, Hawaii, Messico, Polinesia francese e Portogallo.

Parliamo di quando sei in acqua, cosa fai?

Per prima cosa quando entro in acqua cerco di andare verso il mare, può sembrare banale ma tra le onde e le schiume gigantesche già questo è un allenamento di per sé: provare a prendere il largo. Quando non ci riesci, non prendi nemmeno un’onda e torni a casa. Altre volte invece ce la fai a uscire e, quando arrivi a posizionarti sul picco, sei già stremato. Da questo momento inizia la vera fase “mentale” perché la stanchezza non è solo quella di quel giorno, è la stanchezza di un mese di allenamenti, della sessione del giorno prima. Nonostante tutto devi rimanere concentrato perché si rischia di farsi veramente male con un piccolo errore. È per questo che, quando te ne vai da Nazaré, sai che questo posto ti ha cambiato come persona e come atleta.

E, quindi, quando arrivi all’onda?

Quando arrivo sul picco mi siedo e remo ancora 500 metri - 1 chilometro al largo. Aspetto l’onda perfetta, la più grossa, e parto.

Nel big wave riding sono previsti “trick” particolari mentre cavalchi l’onda?

Passare in mezzo al tunnel creato dall’acqua con onde di questo genere è veramente difficile. Qui si tratta più che altro di fare dei “drop”, delle discese molto importanti e di correre l’onda della tua vita senza farti travolgere. Anche perché senza il supporto di un team, di una moto d’acqua, si parla veramente di un “one shot”: ci si gioca tutto in pochissimi secondi. Tutto quello che hai fatto per arrivare lì non vale niente se cadi, in quel caso è finita. Torni in spiaggia perché non riesci fisicamente a tornare in cima, non ce la fai. Se ne riparla il giorno dopo.

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Are you waiting for the best wave in Nazaré?

Here in Nazaré I achieved important results despite the hard context. I’d like the next season to be more international, with spots outside Europe. I’d love to tour and look for the biggest waves in the world in California, Hawaii, French Polynesia, Portugal.

Let’s talk about when you’re in the water. What do you do?

First, I try to go towards the sea. I know it may sound trivial, but between those enormous waves and all the sea foam, it’s really tough: to put out into the deep is a real training. When you don’t make it, you don’t catch a single wave and you just go back home. Sometimes, you make, but when you get in position, you’re already too tired. And this is when your mental skills come in handy: that tiredness is the fatigue of that day, of a month of training, of the day before. But must stay focused because you could really get hurt if you get something wrong. And this is why Nazaré changes you, as a person and as an athlete.

And so, when do you reach the waves?

When I get to the peak, I sit down and I row for other 500 meters or for one kilometer. I wait for the perfect wave, the biggest one, and I go.

Are there any tricks to ride the waves in big wave riding?

Passing through tunnels made by water in these waves is generally very hard. Mostly, we do drops: they’re important descents, and we try to ride the wave of a lifetime without getting swept up.

Especially because, without a team or a jet ski, we’re talking about a one shot experience: you risk everything in few seconds.

Eveything you’ve done to be there, counts nothing if you fall.

You’re done. You go back to the beach because physically you can’t get back on your surfboard. You have to wait for tomorrow.

You really must understand the sea in order to do the things you do.

Yes, you have to deeply understand the ocean. You have to understand how it moves, and Nazaré is unpredictable. The biggest and more powerful waves are here, it’s tough. It’s not just about your surfing abilities, there are different important factors you need to take care of. Understanding the ocean is partly innate and partly given by experience. I personally have a intuitions, even though I still don’t have much experience as a big wave rider.

And in those waves it must be hard to understand what’s happening around you.

Often, when you’re rowing, you can’t see the beach you have behind you. You can only see gigantic walls of water everywhere around you.

And there surely are a lot of people that decide to quit…

This last season we were only in six. And these are not quitters, I can tell you that!

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In foto Rudy Ghiara - Ph. Heidi Hansen

Certo che, per fare quello che fai, tu bisogna anche saper osservare bene il mare.

Devi avere una lettura dell’oceano molto profonda. Devi capire come si muove, e Nazaré è il punto in cui l’oceano è più imprevedibile. Qui c’è l’onda più grossa al Mondo, quella più potente, è davvero tosta. Non si tratta solo delle tue capacità surfistiche, ci sono un sacco di fattori. Saper leggere queste situazioni è un’abilità in parte innata, in parte data dall’esperienza. Personalmente posso dire di avere molto intuito pur non avendo un’esperienza gigantesca alla spalle come big wave rider.

Tra l’altro in mezzo a quelle onde dev’essere complicatissimo capire cosa ti succede intorno.

Spesso e volentieri, quando stai remando, non vedi nemmeno la spiaggia dietro di te. Ci sono solo muri enormi d’acqua dovunque ti volti.

Ci saranno anche molti che decidono di mollare a simili condizioni...

A remare come faccio io, in questa stagione, eravamo solo in sei. È tutta gente che non molla, te lo garantisco.

Tu hai cominciato a 17 anni, sei stato sempre fuori a surfare da lì in poi?

Si, sono stato più sull’oceano che a casa in questi anni.

Cosa ti ha insegnato il surf?

Sembra scontato ma mi ha dato davvero tanto. Mi ha cambiato la vita, mi ha tranquillizzato, mi ha fatto incanalare tutte le mie

You started when you were 17, did you just surf for all these years?

Yes, in these last years, I’ve been more in the ocean than at home.

What did surf teach you?

It may seem trivial but it gave me a lot. Surf changed my life: it has calmed me, it makes me channel all my concentration and my strength in one goal. I learned new languages, English and Spanish. I met a lot of people who have given me incredible opportunities, and not just in the surf world.

Someone in particular?

My manager Gregorio De Feo. Ans his family as well. When I met Gregorio, he asked me to work with brands with which I still work today. I worked with his father Dionigi as well on the legal front. I still remember when he asked me to fast to measure my calorie intake and my mental resistance without food for four days.

How did the fasting go?

It helped me understand if I was strong enough to face what I’m dealing with today in Nazaré. The first three days were super hard: the body reacts by burning sugars. You can’t imagine it: you’re mind goes off, you feel confused, nervous. It’s like withdrawal. If you pass this phase, your body gets energy from fat.

So, at that point, even if you don’t eat, your body finds new energy. It gets active again. After the fasting, you eat in a better way.

In this way, you’re more focused and your energetic level is firmer because you don’t have sugar spikes.

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energie e tutta la mia concentrazione e la mia forza - che è tanta - verso un unico scopo. Ho imparato lingue che prima non sapevo: l’inglese, lo spagnolo. Ho conosciuto un sacco di persone che mi hanno dato grandi possibilità nella vita anche al di fuori del mondo del surf.

Qualcuno in particolare?

Uno su tutti Gregorio De Feo, il mio manager, ma anche la sua famiglia. Gregorio, quando ci siamo conosciuti, mi ha proposto lavori con diversi brand con i quali collaboro tutt’ora. Ho lavorato anche con suo padre, Dionigi, sul fronte legale; ricordo ancora quando mi propose un periodo di digiuno per valutare da un lato il mio fabbisogno calorico come sportivo, dall’altro la mia resistenza mentale senza cibo per quattro giorni.

Questo digiuno com’è andato?

Mi è servito per capire se dentro di me c’era la forza per affrontare quello che poi oggi mi trovo davanti a Nazaré. I primi 3 giorni sono stati durissimi: il corpo reagisce bruciando tutte le riserve di zucchero. Puoi immaginare, il cervello va in tilt, ti senti confuso, agitato, una sorta di astinenza. Se superi questa fase il corpo non trovando più zuccheri inizia ad attingere l’energia dai grassi. A quel punto, sempre senza mangiare nulla, il corpo trova nuove energie, si riattiva. Finito il digiuno ricominci a mangiare in modo migliore, così facendo si ottiene una migliore concentrazione oltre che un livello energetico più costante visto che non ci sono più i picchi glicemici legati allo zucchero, nello sport come nella vita di tutti giorni.

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And how’s your relationship with the sea?

It’s indescribable, I don’t know if I can explain it to you. My family loves sea too. And since I was little, I always loved being in the water and swimming. The sea is the place where I vent, where I’m ok with myself and where I feel at home. The ocean has always been a liberation. And even today, now that’s my working place, it’s still my second home.

When it comes to sports, what’s your goal now?

Now I just want to ride the biggest waves in the world.

And what about competitions?

Before getting on my surfboard, I lived a life where competition was everywhere. I struggled a lot, even personally. When I got chosen by my first sponsor, I immediately started racing in the pro Junior championship. But then I realized that for me this sport isn’t about races, and I decided to quit for a while.

Now that I’m a big wave rider maybe they’ll ask me to race again and I’m ready to start again.

E il tuo rapporto con il mare?

Per me è una cosa indescrivibile, non sono sicuro di riuscire a spiegartelo. Io vengo da una famiglia di persone che amano il mare. Fin da piccolo mi è sempre piaciuto stare in acqua, nuotare. Il mio rapporto con il mare è un rapporto di benessere. È il contesto nel quale mi sfogo, sto bene con me stesso e mi sento veramente a casa. Per me l’oceano è sempre stata una liberazione. Ancora oggi, ora che è il mio luogo di lavoro, rimane la mia vera seconda casa.

Sportivamente parlando quali sono i tuoi obiettivi ora?

Io ora ho in mente una sola cosa: surfare le onde più grandi del mondo.

E parlando di competizioni?

Prima di salire sulla tavola ho dovuto affrontare una vita dove la competizione era una costante, ho lottato molto da un punto di vista personale. Quando il primo sponsor mi ha scelto per il surf, mi sono lanciato subito nel mondo delle gare con il campionato pro Junior. Poi però mi sono accorto che per me questo sport non è una gara intesa in questo modo e ho smesso con le competizioni per un po’. Ora che sono nel settore del Big wave riding forse riceverò qualche invito per delle gare e devo dire che mi sento pronto a ricominciare.

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SEIZE THE (CUMINI) SUMMER di/by Andrea Cumini

La domanda è una. Cumini è sinonimo di design? Assolutamente sì.

Perseguire il concetto di Total Living diventa il punto cardine da cui partire, grazie al continuo lavoro di ricerca e di selezione a livello internazionale, garantendo una qualità sempre elevata e un modo di vivere all’avanguardia.

Riconoscere pezzi iconici, saperli scegliere e attribuire loro un valore richiede tempo, sapienza e un occhio esperto.

There’s only one question. Is Cumini synonymous with design? It surely is.

The concept of Total Living becomes the pivotal point from which to start, thanks to the continuous work of research and selection at an international level, guaranteeing consistently high quality and an avant-garde way of living.

Recognizing iconic pieces, knowing how to choose them and give them a value requires time, knowledge and an expert eye.

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Sapore di sale, sapore di mare Il Design profuma d’estate

Taste of salt, taste of sea Design smells like summer

Il procedimento non cambia, se prendi un mix di oggetti di design, li shakeri insieme e ci aggiungi un po’ di immaginazione, il risultato è sempre lo stesso: la classifica Shop on Trend di Cumini.

Questa volta però ha un sapore diverso, ha il sapore della salsedine, della sabbia sotto ai piedi e di un cocktail a bordo piscina. L’outdoor è a tutti gli effetti il settore di Home Design del momento e, per questo motivo, non poteva non essere anche il protagonista della nuova selezione firmata Cumini.

In un periodo come questo, dare valore a tutti gli spazi della propria casa è un’occasione per vivere situazioni che prima erano quotidianità. Il design diventa l’alleato perfetto per sentirsi in vacanza nel giardino o nella terrazza di casa per tutto il periodo estivo.

The procedure doesn’t change: if you take different design objects, you shake them together and you add a little imagination, the result is the same: Cumini’s Shop on Trend chart.

But this time its taste is different, it tastes like salt, like sand underneath your feet and like a cocktail drank by the pool.

Outdoor is Home Design’s sector of the moment and it had to be the main protagonist of Cumini’s selection.

In this moment, giving value to every space in your house is an opportunity to live those situations that once were part of our daily lives. Design is your ideal alley to feel on vacation in your own garden or terrace during all the summer.

Il design diventa l’alleato perfetto per sentirsi in vacanza.

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Jar Fat Fish Pols Potten

Non si chiama Nemo e non ha bisogno di essere nutrito, anche se la sua bocca aperta dimostra il contrario. Questo pesciolino firmato Pols Potten è un vaso in vetro color verde acqua, pensato per arredare con carattere e ricreare un piccolo angolo di mare nella propria casa.

Its name isn’t Nemo and it doesn’t need food, even though its mouth says otherwise. This Pols Potten little fish is glass vase colored in teal. It was designed to decorate houses with personality and to recreate a sea corner in your homes.

(€ 82,50)

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Vaso Torcia Venini

Il suo colore e la sua forma attorcigliata, ottenuta dalla lavorazione del vetro soffiato di Murano, ricordano le onde del mare mosse dal vento che piano piano si infrangono sul lido. È un vaso Venini ideale per contenere un mazzo di fiori regalati o appena raccolti. (€ 550,00)

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Its color and its twisted shape, obtained by Murano’s glass workmanship, remind of how waves, moved by the wind, slowly run to the lido.

This Venini vase is perfect for a bunch of flowers, received as a gift or freshly picked.

SHOP ON TREND / CUMINI INTERIORS

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Lanterne Bronze

Edizione Cumini

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Per ricreare un’atmosfera romantica non occorre molto: stiamo parlando delle lanterne Bronze di EDG in Edizione Cumini. La combinazione tra bronzo e vetro richiama lo stile bohemien mantenendo però le linee semplici e pulite dello stile contemporaneo.

Inserendo le candele profumate al loro interno, le lanterne Bronze diventano un’ottima soluzione per le occasioni speciali.

It doesn't take much to create a romantic atmosphere: we are talking about EDG's Bronze lanterns in Cumini Edition. The combination of bronze and glass recalls a bohemian style while maintaining the simple and clean lines of contemporary style. If you put scented candles inside them, Bronze lanterns become an excellent idea for your special occasions.

(Da € 48,00)

Virgil Abloh. Nike. Icons.

Taschen

Reinterpretare la cultura delle sneaker è l’obiettivo della collaborazione tra Virgil Abloh e Nike che, catalogando le oltre 50 scarpe ideate insieme a partire dal 2016, danno vita a un volume da collezione limitatissimo.

Icons traccia il processo creativo di Abloh attraverso lo scambio di messaggi, prototipi e archivi originali Nike, permettendo al lettore di assistere al progetto da dietro le quinte.

Virgil Abloh’s and Nike’s goal was to reinterpret sneakers’ culture: they catalogued more than 50 shoes they designed together since 2006 and they created a limited, collectible volume. Icons traces Abloh's creative process through the exchange of messages, prototypes and original Nike archives, allowing the reader to witness the project from behind the scenes.

(€ 60,00) Genius People Magazine

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WIN 03 Da/From € 3.442,00

WIN 05 Da/From € 1.702,00

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SHOP ON TREND / CUMINI INTERIORS

Da/From € 310,00

INOUT 41 Da/From € 340,00

GERVASONI

INOUT 43

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Win Genius People Magazine

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Vaso Chakra Agave Edizione Cumini

Questo vaso di EDG in Edizione Cumini si ispira alle forme della pianta dell’Agave e alle zone tropicali del Sud America. Decora la zona outdoor senza bisogno di troppe attenzioni, ed è il miglior alleato per chi non possiede il pollice verde.

This Cumini Edition EDG pot is inspired by the shapes of the Agave plant and by the tropical areas of South America. It decorates the outdoor area without needing too much attention and is the best ally for those who do not have a green thumb.

(€ 168,00)

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Gin Set Riedel

Non c’è niente di più piacevole che godersi un gin tonic a bordo piscina. Il set non offre solo quattro calici che fanno risaltare pienamente gli aromi del drink, ma anche la possibilità di sentirsi come Sugar Kane in “A qualcuno piace caldo”. Più che un Manhattan, “Un Gin signora”.

Tonic per la signora” (€ 43,00)

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There’s nothing like having a gin tonic by the pool. The set is made by four glasses designed to stand the aroma and they will make you feel like Sugar Kane in “Someone likes it hot”. Rather than a Manhattan, “A Gin Tonic for the lady”.

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Van Gogh Irises

Culti Milano

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Il diffusore Van Gogh Irises di Culti Milano è un omaggio allo straordinario stile dell’artista da cui prende il nome. L’aroma agrumato delle foglie di cedro e arancia, il profumo romantico e delicato dell’iris e il pungente odore del legno di labdano ricordano l’estate. È una profumazione inebriante perfetta per ogni tipo di ambiente.

The Van Gogh Irises diffuser

by Culti Milano is a tribute to the extraordinary style of the artist from whom it takes its name. The citrusy aroma of cedar and orange leaves, the delicate, romantic scent of iris and the pungent smell of labdanum wood remind of summer. Its fragrance is intoxicating and perfect for any type of environment.

(€ 85,00)

Vaso Testa Chakra con limoni Edizione Cumini

Un peculiare vaso di EDG in Edizione Cumini che intreccia lo stile country a quello moderno. Il volto femminile e la sua acconciatura di limoni esaltano la bellezza mediterranea, grazie alla lucidità e all’intensità del colore, bianco o giallo che sia. Può essere utilizzato come porta piante, ma anche come semplice vaso ornamentale.

A peculiar vase by EDG in Cumini Edition that mixes country and modern styles.

The female face and her hairstyle of lemons enhance the Mediterranean beauty thanks to the brightness and intensity of the color, whether white or yellow. It can be used as a plant holder and also as a simple ornamental vase.

(Da € 99,00)

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Calice vino Amadeus St. Louis

St.Louis è classe, eleganza e preziosità. Questa coppia di calici da vino in cristallo permette di sorseggiare vini prelibati, risvegliando tutti i cinque sensi.

Sono perfetti per imbandire una tavola dal gusto ricercato e per lasciare gli ospiti piacevolmente stupiti dall’incontro tra semplicità e raffinatezza.

St.Louis is class, elegance and preciousness. This couple of crystal wine glasses was made to enjoy delicious wines and to awaken the senses.

They are perfect to set a table with a refined taste and to leave all the guests pleasantly surprised by their simplicity and refinement.

(€ 183,00 - € 99,00)

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Blues d’Ailleurs Hermés

I toni del blu e del bianco richiamano i colori del Mar Mediterraneo, Blues d’Ailleurs mescola tradizioni europee a quelle orientali. Mangiare in questi piatti sarà un piacere e la porcellana farà risaltare tutti i gusti dei cibi serviti. Sono perfetti per un pranzo intimo all’aria aperta e il loro decoro floreale si sposerà con l’ambiente circostante.

Blues d'Ailleurs mixes European and Oriental traditions, its blue and white tones recall the colors of the Mediterranean Sea. Eating in these dishes will be a pleasure and the porcelain will bring out all the flavors of the food served. They are perfect for an intimate lunch in the open air and their floral decoration will blend in with their surroundings.

(Da € 240,00)

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Genius is all around a cura di/by REDAZIONE GENIUS

Elegante. Originale. Grintoso.

Genius People Magazine inaugura la sua prima sezione Shop: una rubrica nuova in cui esibire una gamma di prodotti unici nati dall’entusiasmo e dal desiderio di mettersi in gioco del team di questo straordinario book magazine ibrido.

In collaborazione con alcuni dei brand più promettenti e affermati del panorama nazionale e internazionale, Genius ha aperto le porte all’eccellenza e allo stile.

Elegant. Original. Gritty.

Genius People Magazine opens its first Shop section: a new heading in which we will present our unique range of products born from the excitement and the desire to get in the game of the team of this extraordinary hybrid book magazine.

In partnership with some of the most promising and established brands on the national and international scene, Genius ha opened its doors to excellence and style.

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SHOP ON TREND / GENIUS STYLE

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Nasce Valdobbiadene GENIUS by Clara C’ Valdobbiadene GENIUS by Clara C’ comes to life Nera. Essenziale. Elegante. Iconica. È l’etichetta di Genius nata dalla collaborazione con le Cantinæ Clara C’, l’azienda di Prosecco nel cuore di Valdobbiadene (TV), il luogo eletto delle bollicine italiane.

Clara C’ è una realtà con un’importante tradizione, ma al tempo stesso giovane, dinamica e contemporanea nel mondo del Prosecco, che ha saputo costruire un’identità forte, elegante e sempre riconoscibile.

Merito delle donne che hanno fondato e guidano l’azienda e che hanno investito passione e impegno per far crescere la cantina in modo costante, con una solida base di clienti in Italia e un ottimo posizionamento all’estero, in particolare negli Stati Uniti.

Qualità delle uve prima di tutto e grande attenzione al dettaglio: cura dell’immagine, delle etichette, delle bottiglie, del packaging, della comunicazione tout court. Valori perfettamente in linea con il posizionamento di Genius, che da sempre investe nel carattere distintivo del book magazine, dalla scelta iconografica a quella della carta utilizzata per la stampa.

Genius vuol dire raccontare le persone, far conoscere i protagonisti del nostro tempo, dare valore alle loro storie e ai loro successi. Oggi, grazie al Valdobbiadene GENIUS by Clara C’, sarà presente nei locali, nei ristoranti e negli eventi con un’etichetta esclusiva e con un prodotto di qualità superiore, fresco e contemporaneo.

Black. Essential. Elegant. Iconic. This is the Genius label born from the collaboration with Cantinæ Clara C’, the Prosecco company in the heart of Valdobbiadene (TV), the elected place of Italian bubbly.

Clara C’ is a company with an important tradition, but at the same time the company is young, dynamic and contemporary in the world of Prosecco. It has built a strong, elegant and recognizable identity.

All this is thanks to the women who founded and lead the company and who invested passion and commitment in order to make the winery grow constantly, with a solid base of customers in Italy and an excellent positioning abroad, especially in the United States.

Quality of the grapes first of all and great attention to detail: care for the image, the labels, the bottles, the packaging, the communication tout court. Values perfectly in line with the positioning of Genius, which has always invested in the book magazine’s distinctiveness, from the iconographic choices to the paper used for printing.

Genius recounts people, makes known the protagonists of our time, gives value to their stories and to their successes.

Today, thanks to Valdobbiadene GENIUS by Clara C’, Genius will be in bars, restaurants and events with an exclusive label and with a superior quality product, fresh and contemporary.

Potete acquistare la vostra bottiglia Valdobbiadene Genius

by Clara C’ al sito www.clarac.it

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Genius Style A cura di/by REDAZIONE GENIUS

Genius People Magazine è lieto di presentare la collezione accessori Genius realizzati in partnership con ©Fri-go.

Lo stile è sempre stato di casa, qui da Genius, e ora, con l’arrivo dell’estate, possiamo essere con voi anche in vacanza.

Venite a scoprirci sul sito https://www.fri-go.it/genius

Genius People Magazine is pleased to present to all its readers and enthusiasts its new accessory collection in partnership with ©Fri-go.

Style is our second nature and this summer we can come with you on vacation.

Find out more on our website https://www.fri-go.it/genius

Baseball Cap Baseball Cap € 19,90

Felpa con cappuccio Hoodie € 49,90

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SHOP ON TREND / GENIUS STYLE

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T-shirt T-shirt € 19,90

Felpa Sweatshirt € 39,90

Borsa Mare Beach Bag € 19,90

Telo Mare Beach Towel € 19,90

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Cover Cover € 14,90

Zaino Backpack € 29,90

Valdobbiadene GENIUS by Clara C’ € 18,00

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Genius Focuses on Talent I cappelli personalizzati firmati June Rebula, Nebulover Stuff

Customized hats by June Rebula, Nebuolver Stuff

Fashion hand made June Rebula, appassionata di moda e di interior design sin dalla tenera età, è una giovane imprenditrice triestina. Nonostante le difficoltà causate dalla pandemia, June si è messa in gioco e dal 2020 realizza cappelli e accessori esclusivi e personalizzati. Il country vintage incontra il mondo dei grandi nomi della moda nazionale e internazionale: un sogno nel cassetto che ora diventa realtà.

I prodotti sono interamente cuciti e decorati a mano con cuoio, pietre turchesi, bandane, gemme colorate preziose.

Fashion hand made June Rebula is a young Triestine entrepreneur passionate about fashion and interior design. Despite last year’s difficulties, June’s got skin in the game and from 2020 she creates exclusive and customized hats and accessories. Country vintage meets the big names of the fashion world: a life-long dream that has now turned into reality.

The products are hand-made and are decorated with leather, turquoise gems, bandanas and precious colored gems.

Prezzo 79 Euro Price 79 Euro

nebuloverstuff@gmail.com Nebuloverstuff

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Shop - Collezione Valsport Shop - Valsport Collection Tournament Classic - 197 € L’evergreen di Valsport nella sua versione più classica Valsport’s evergreen in its most classic version

Tournament nappa mix - 209 € Mix di colori per la più classica delle sneaker Valsport A mix of colours for Valsport’s most classic sneaker

Tournament XL – 219 € La Tournament grintosa con il boomerang in versione XL Gritty Tournaments with an XL boomerang

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SHOP ON TREND / GENIUS STYLE

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Super Davis - 199 € La “scarpa da tennis” vintage anni ‘80 The ‘80s vintage “tennis shoe”

Magic Run - 249 € Sneaker Heritage running da uomo con la suola prefresata a mano Man’s running Sneaker Heritage with handmade pre-milled soles

Magic Gold - 269 € La Magic impreziosita dal logo e boomerang in oro Magic shoes enriched by the golden logo and boomerang

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Magic Heritage - 259 €

Magic Classic - 249 €

La versione più heritage della Magic in quattro nuove versioni colore Magic’s most heritage version in four new colored versions

Tre nuove version colore per la Magic nella sua versione classica Magic’s original version in three different colour versions

Magic Summer - 249 € Summer vibes e colori decisi per la Magic che accompagnerà la vostra estate Summer vibes and bold colours for the sneaker you will wear in the summer

Magic Washed - 249 € Versione della Magic in scamosciato delavé e mesh Magic’s faded suede and mesh version

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SHOP ON TREND / GENIUS STYLE

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M’Over E-bike Shop In partnership con M’OVER In anteprima esclusiva le e-bike del servizio noleggio e vendita offerto da M’Over, una realtà sportiva unica con sede a Cortina d’Ampezzo.

I prodotti saranno disponibili a breve su: www.moversport.it

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La sede ufficiale M’Over si trova in Piazzetta San Francesco, 2 nella splendida località di Cortina d’Ampezzo.

An exclusive preview of the e-bikes of the rental and sale service offered by M’Over, a unique sport reality based in Cortina d’Ampezzo. The products will be available soon on: www.moversport.it

mover_by_kristian_ghedina

M’Over’s official headquarter is located in Piazzetta San Francesco, 2 in the beautiful town of Cortina d’Ampezzo.

Modello C-EVO X1 Model C-EVO X1

Modello C-EVO DH1 Model C-EVO DH1

Modello C-EVO S8 Model C-EVO S8

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Shop Hi-Tech A cura di/by C&C

iPhone 12 Pro Max Da 1.289 Euro

iPhone 12 Pro Max. Rete 5G ultrarapida. Chip A14 Bionic, il più veloce mai visto su uno smartphone. Sistema di fotocamere Pro per foto notturne incredibili. E un display Super Retina XDR ancora più grande. È un passo avantissimo.

iPhone 12 Pro Max. Superfast 5G. A14 Bionic, the fastest chip in a smartphone. Pro camera system for unbelievable low-light photography.

And a larger Super Retina XDR display. It’s a huge leap forward.

iPhone 12 Pro Da 1.189 Euro

iPhone 12 Pro. Rete 5G ultrarapida. Chip A14 Bionic, il più veloce mai visto su uno smartphone. E un sistema di fotocamere Pro per foto notturne di altissima qualità. È uno splendido passo avanti.

iPhone 12 Pro. Superfast 5G. A14 Bionic, the fastest chip in a smartphone. Pro camera system for next-level low-light photography. It’s a beautiful leap forward.

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iPad Pro

Da 899 Euro Questo è iPad Pro. Ha il display mobile più evoluto al mondo, in due formati. Sa trasformare la realtà con le sue fotocamere professionali.

Sorpassa in velocità la maggior parte dei PC portatili. E puoi usarlo come vuoi: con i gesti, la Apple Pencil, una tastiera, e perfino un mouse o un trackpad.

This is iPad Pro. It has the world’s most advanced mobile display in two sizes. It has pro cameras that can transform reality. It’s so fast most PC laptops can’t keep up.

And you can use it with touch, pencil, keyboard, and even mouse or trackpad.

Apple Watch Series 6 Da 439 Euro

Con un nuovo sensore e una nuova app per misurare i livelli di ossigeno nel sangue, l’app ECG e altre funzioni evolute per la salute, Apple Watch Series 6 è l’orologio che si prende cura di te.

With a new sensor and app to measure blood oxygen, the ECG app and other advanced health features, Apple Watch Series 6 is the watch that watches over you.

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AirPods Max 629 Euro

Le AirPods Max reinventano completamente le cuffie over-ear. Il driver progettato da Apple offre un suono ad alta fedeltà. Ogni dettaglio è studiato per un comfort eccezionale, dai cuscinetti al design innovativo dell’archetto. La cancellazione attiva del rumore, all’avanguardia nel settore, blocca i suoni ambientali, e la modalità Trasparenza li lascia entrare.

AirPods Max reimagine overear headphones. An Apple-designed driver provides high-fidelity audio. Every detail, from canopy to cushions, has been designed for an exceptional fit. Industry-leading Active Noise Cancellation blocks outside noise, while Transparency mode lets it in.

Mac mini

Da 819 Euro Mac mini con il nuovo chip Apple M1. CPU fino a 3 volte più veloce, GPU fino a 6 volte più scattante, e un potente Neural Engine per un machine learning fino a 15 volte più rapido*. Un computer grande? No, un grande computer.

Mac mini with the new Apple M1 chip. With a CPU that is up to 3x faster, a GPU up to 6x faster, and a powerful Neural Engine that delivers up to 15x faster machine learning capabilities.* For towering performance, without the tower.

*Rispetto alla generazione precedente.

*Compared with previous generation.

MacBook Pro 13” Da 1.479 Euro

Scopri un MacBook Pro 13” completamente trasformato dal chip Apple M1. Potenza di elaborazione fino a 2,8 volte superiore. Grafica fino a 5 volte più veloce. Fino a 20 ore di autonomia: più di qualsiasi Mac. Per spingerti ancora oltre, ovunque ti trovi.

The 13-inch MacBook Pro is completely transformed by the Apple M1 chip, for up to 2.8x more processing power, 5x faster graphics, and up to 20 hours of battery life — the longest ever in a Mac. So you can push everything further, everywhere you go.

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MacBook Pro 16” Da 2.799 Euro

Prestazioni rivoluzionarie, uno strabiliante display Re­ tina da 16” e una batteria che dura tutto il giorno.

MacBook Pro mette la potenza al centro di tutto. Così tu puoi fare di tutto, ovunque sei.

With game-changing performance, an immersive 16-inch Retina display and all-day battery life, MacBook Pro puts power above all else. So you can accomplish anything, anywhere.

iMac 27”

Da 2.049 Euro Ora iMac 27” ha di serie processori di nuova generazione, memoria più veloce, grafica potente e archiviazione SSD ultraveloce. E con la tecnologia True Tone e la pos­ sibilità di scegliere il vetro con nanotexture, il display Retina 5K è più spettacolare che mai. Grazie a macOS e alle app incluse, iMac 27” è l’all‑in‑one all’ennesima po­tenza per dare vita a tutti i tuoi progetti.

The 27-inch iMac now comes packed with the latest processors, faster memory, powerful graphics and ultra-fast SSD storage. And the gorgeous Retina 5K display is better than ever with True Tone technology and optional nano-texture glass. With macOS and all its built-in apps, the 27-inch iMac is the total creative package — powered up.

Mac Pro

In base alla configurazione Riprogettato in ogni singolo dettaglio, il nuovo Mac Pro offre prestazioni eccezionali e possibilità di espansione e configurazione al top.

Reimagined from the inside out, the new Mac Pro is defined by performance, expandability and customisability.

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Colour your world with a new palette of 16 sophisticated colours for iconic Series 7™ designed by Arne Jacobsen.

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Igor Mitoraj Imponenti e silenti bronzi vegliano sulla cattedrale di Noto Igor Mitoraj The silent and majestic bronzes guard the cathedral of Noto di/by Riccarda Grasselli Contini

Sei bronzi monumentali del famoso artista polacco Igor Mitoraj sono i protagonisti della mostra “Mitoraj, Noto e siti Unesco Siciliani”. Imponenti e silenziose trovano spazio sulla sontuosa scalinata della Basilica di San Nicolò, nel cuore della cittadina barocca di Noto, capofila del sito Unesco “Città Tardo Barocche del Val di Noto”. La cornice della Cattedrale di Noto si trasforma così in un museo a cielo aperto, visitabile da tutti. È nata come palcoscenico di un incredibile e unico evento culturale e mediatico, una sorta di connubio tra arte e musica ed è stata inaugurata il 24 ottobre 2020 con il concerto del celebre tenore Andrea Bocelli, ispirato alle più grandi opere firmate da Mascagni, Bellini e Puccini e con la sapiente regia di Alberto Bartalini.

L’esposizione si fa portavoce di bellezza attraverso atmosfere oniriche ed un immaginario senza tempo, in cui lo stile dello scultore, fortemente radicato nella tradizione della Grecia classica, riesce a rappresentare al meglio la storia e l’essenza della meravigliosa terra siciliana.

Le sculture di Mitoraj sono conosciute ed esposte in tutto il mondo, è trascorso poco tempo dalla sua morte ed il suo mito cresce senza fine, esattamente come gli eroi dell’antica Grecia sono cresciuti ed arrivati a noi. E la sua arte li rende immortali profeti delle fragilità umane che il tempo non cancella ma esalta.

Mitoraj, in particolare, pone attenzione ai busti maschili reinterpretati e riprodotti in maniera originale al fine di rilevare al pubblico il mistero dell’antichità, trasmesso da secoli fino ad oggi attraverso frammenti e reperti. È quindi la classicità il referente principale di Mitoraj – che guarda anche alle culture dell’estremo oriente - un mito forse tramontato ma non finito, un richiamo costante per la civiltà occidentale, un elemento imprescindibile del nostro Dna, una caratteristica che anche il più sfrenato modernismo tecnologico non riesce a divellere totalmente.

La sua lettura della tradizione classica non vuole celebrare (la sola rappresentazione dei modelli greci si auto-celebra) né adattare o rimodellare, ma vuole rappresentare per frammenti il tempo che è passato su queste sculture, così come frammentate ci sono giunte a rappresentare gli archetipi dell’antichità.

Attraverso la sua arte Mitoraj non riprende semplicemente l’arte classica come fece Canova. Non vuole trasmettere allo spetta-

The six monumental bronzes made by the Polish artist Igor Mitoraj are the protagonists of the exhibition “Mitoraj, Noto e siti Unesco Siciliani”. These impressive and silent bronzes are located on the sumptuous stairs of San Nicolò’s Basilica in the heart of the baroque city of Noto, the lead city of the Unesco site “Città Tardo Barocche del Val di Noto”.

The setting of the Cathedral of Noto is thus transformed into an open-air museum that can be visited by everyone. It was born as a stage for an incredible and unique cultural and media event that aimed at connecting art and music. It was inaugurated on October 24, 2020 with the concert of the famous tenor Andrea Bocelli, inspired by the greatest works signed by Mascagni, Bellini and Puccini and with the wise direction of Alberto Bartalini.

The exhibition is the spokesman of beauty through dreamlike atmospheres and timeless imagery. The sculptor’s style is strongly connected to the tradition of classical Greece and represents the history and the essence of Sicily.

Mitoraj’s sculptures are known and exhibited all over the world.

It’s been a short time since his death but his myth has continued to grow just as the heroes of ancient Greece that have come to us. And his art makes them immortal prophets of human frailty: they can’t be erased by time, just exalted.

Mitoraj, in particular, pays attention to male busts. He reinterpretes and reproduce them in an original way in order to reveal the mystery of antiquity,transmitted for centuries through fragments and finds to the public. Classicism is therefore the main reference point for Mitoraj - who also looks to the cultures of the Far East -: it’s a myth that may have waned but has not yet ended, a constant reminder for Western civilization, an essential element of our DNA, a characteristic that even the most unbridled technological modernism is unable to destroy.

His reading of the classical tradition doesn’t want to celebrate (the representation of the Greek models is self-celebrating) nor adapt or remodel: he wants to represent time in fragments, as the fragments that have come to us to represent the archetypes of antiquity. Mitoraj doesn’t simply take up classical art as Canova did. He doesn’t want to convey a calm series of images or to reassure and confirm human greatness through beauty. Through the stateliness of his valiant and perfect physiques, but fragmented by time and by uncertainties, the artist tells human fragility in

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ART ON TREND / GALLERIA CONTINI

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In foto il Dedalo

tore una serie pacata d’immagini od una bellezza esemplare volta a rasserenare e confermare la grandezza umana. Diversamente, attraverso l’imponenza dei suoi valorosi dal fisico perfetto ma frammentati dal tempo e dalle scarse certezze, l’artista decanta le fragilità umane dinanzi all’evolversi della storia. La sua arte diviene Oracolo che non enuncia risposte ma si dichiara genitrice impavida di interrogativi e precarietà. Un’arte dispensatrice di solitudine e riflessione interiore sull’irriducible bisogno d’amore del genere umano.

Dedalo, Ikaria, Eros Bendato, Gambe Alate, Ikaro Alato ed Eros Alato Screpolato, si inseriscono armoniosamente nell’architettura barocca circostante dando vita ad un luogo mistico popolato da eroi caduti, alati, feriti, da volti bendati e sensuali ispirati ad un mondo antico e perduto ma che grazie alla loro modernità rivive nel presente indagando la realtà e il sentire umano allo scopo di coinvolgere emotivamente lo spettatore.

Sono antichi guerrieri riemersi per dimostrare la loro umanità.

Fatti a pezzi e sparsi per le varie dimensioni del tempo. Eroi precipitati di fronte alla precarietà dell’uomo moderno e destabilizzati di fronte alla penuria di ideali e di morale. Con un’anima imperfetta ma pur sempre presente.

Noto, grande città d’arte, culla della cultura barocca lancia, quindi, un messaggio di speranza e di riscossa al mondo della

the face of history’s evolution. His art becomes an Oracle with no answers but that declares to be the fearless parent of questions and precariousness. An art dispenser of solitude and inner reflection on the irreducible need for love of mankind.

Dedalo, Ikaria, Eros Bendato, Gambe Alate, Ikaro Alato and Eros Alato Screpolato are part of the surrounding baroque architecture and give life to a mystical place populated by fallen heroes, winged, wounded, blindfolded and sensual faces inspired by an ancient and lost world that, thanks to their modernity, lives again in the present. They investigate reality and human feelings in order to emotionally involve the audience. They are ancient warriors re-emerged to tell their humanity. Torn to pieces and scattered through the different dimensions of time. Heroes destabilized by the lack of ideals and morals and by the precariousness of modern man. With an imperfect, yet still present, soul.

Noto is a great city of art and it’s the cradle of baroque culture. In this difficult moment, the city conveys a message of hope and redemption to the world of culture, entertainment and tourism and does so through a contemporary giant, expression of the world of art: Igor Mitoraj. His work is an exhortation to confidence and beauty. The artist wrote: “I can say that, for me, beauty is something that makes you dream, but it is much stronger than dreams. It’s an ideal, a mirage, an enigma.”

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Issue 17

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In foto Ikaria e Ikaro alato

cultura, dello spettacolo e del turismo in questo periodo difficile a causa della pandemia, proprio attraverso un gigante contemporaneo, espressione del mondo dell’Arte come Igor Mitoraj. La sua opera è esortazione alla fiducia e alla bellezza.

L’artista scriveva a tal proposito: “Posso dire che per me la bellezza è qualcosa che fa sognare, ma è molto più forte del sogno. È un ideale, un miraggio, un enigma.”

La mostra sarà ammirabile fino al 31 ottobre 2021, organizzata in collaborazione con la Galleria d’Arte Contini e l’Atelier Mitoraj, dalla Regione Siciliana, tramite l’assessorato al Turismo, e dal Comune di Noto, è sostenuta dall’Assemblea Regionale Siciliana, dal ministero dei Beni Culturali, dalla Diocesi di Noto, dalla Camera di Commercio del Sud-Est, da Unicredit e da Mediatica.

The exhibition, organized in collaboration with the Contini Art Gallery and Atelier Mitoraj, by the Sicilian Region, through the Department of Tourism, and the Municipality of Noto, will be open until October 31, 2021. The exhibition is supported by the Sicilian Regional Assembly, the Ministry of Culture, the Diocese of Noto, the Chamber of Commerce of the Southeast, Unicredit and Mediatica.

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ART ON TREND / GALLERIA CONTINI

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In foto l’Eros Bendato – Gambe Alate Genius People Magazine

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In foto Ikaria e Ikaro alato

In foto il concerto inaugurale del 24 ottobre 2020 Genius People Magazine

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TECNICA ORIGIN è l’unica scarpa da trail running che può essere termoformata sull’unicità delle caratteristiche del piede di ciascuna persona.

C ONTROL LO DE L L A TORSIONE I N S E RTI ES S Quando la stanchezza intorpidisce gambe e muscoli, stabilità e supporto sono la chiave. La suola delle ORIGIN LD presenta un innovativo design con inserti ESS a forma di V nella zona del mesopiede per supportare la torsione e prevenire infortuni alla caviglia.

A S S O RBI MENTO DEGL I URT I INTERSUOLA EVA AD ALTO RIMBALZO Il terreno tecnico e sconnesso presenta la prova decisiva per le scarpe e le gambe dei runners, specialmente nelle discese. L’intersuola EVA ad alto rimbalzo offre grande elasticità e, con un’altezza dello stack di 21 / 27 mm e un drop di 6 mm, garantisce un’eccellente ammortizzazione e assorbimento degli urti per le corse a lunga distanza.

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