Mutated reality by Gary Tatintsian Gallery

gary tatintsian gallery, Moscow

mutated reality

В РАМК А Х ВЫСТАВОЧНОГО ПРОЕК ТА ГОС УД АРСТВЕННОГО ЦЕНТРА СОВРЕМЕННОГО ИСК УССТВА

«Мистификаторы» Час ть I : МУТИРОВАННАЯ РЕАЛЬНОСТЬ

СООРГАНИЗАТОР ПРОЕКТА

GARY TATINTSIAN GALLERY, moscow

FRANCIS BACON CHUCK CLOSE GEORGE CONDO WIM DELVOYE CARROLL DUNHAM

KAWS MIKE KELLEY PETER SAUL TONY MATELLI MALCOLM MORLEY

FRANCIS BACON Two Men Working in a Field

TONY MATELLI fucked couple

CARROLL DUNHAM Dead Space (Wall)

CHUCK CLOSE Shirley

MIKE KELLEY Kandor 20

GEORGE CONDO SPIDERWOMAN

WIM DELVOYE Bidjar

KAWS Not Yet Titled

PETER SAUL Here Comes the Garbage

MALCOLM MORLEY texas swing

mutated reality

двое мужчин работающих в поле 1971 холст, масло 198 x 147 cm

ФРЭНСИС БЭКОН (1909 г., Дублин, Ирландия – 1992 г., Мадрид, Испания) Фрэнсис Бэкон является ведущим британским художником XX века. В молодости Бэкон экспериментировал с различными родами деятельности, что отразилось впоследствии на его стиле — сюрреалистического смешения собственного восприятия и ярких заимствованных образов. Портретные и метафоричные работы художника, зачастую изображающие кричащие, вытянутые, заключённые в геометрические фигуры тела, закрепили за Бэконом репутацию мрачного наблюдателя человеческой природы. С течением времени его работы становились все более личностными, художник старался по-новому интерпретировать понятие летальности человеческого бытия. Фрагментированные и искаженные объекты в работах Бэкона затрагивают зрителей на глубоком, физическом уровне, где собственные чувства и переживания доминируют над любой попыткой расшифровать авторский замысел картины. Работы Бэкона находятся в частных коллекциях и крупнейших музеях мира, в том числе в Metropolitan Museum of Art (New York), MoMA (New York), Solomon R. Guggenheim Museum (New York).

ширли

женщина-паук

биджар

2007

2002

2011

холст, масло 243.8 x 213.4 cm

холст, масло 244 x204 cm

иранский ковер на полиестровой скульптуре 148 x 52 x 77 cm

ЧАК КЛОУЗ (1940 г., Монро, Вашингтон, США)

ДЖОРДЖ КОНДО (1957 г., Конкорд, Нью-Гэмпшир, США)

ВИМ ДЕЛЬВУА (1965 г. Бервик, Бельгия)

Экспериментируя с формой, масштабом и цветом, Клоуз использовал различные стили живописи, включая эксцентричный неореализм в 1970-х и мрачный пуантилизм в 1980-х. Широкую известность художник получил благодаря своим поздним работам – блестящей серии портретов, в которых использовал метод разделения целостной картины на диагональную сетку, состоящую из отдельных цветных элементов, кажущихся абстрактными при детальном рассмотрении, но образующих единое беспрецедентно реалистичное изображение в целом. Обладая выдающимся чутьем цветового эффекта и пониманием конечного результата, Клоуз сосредотачивается на каждом элементе картины по отдельности, никогда не оценивая общий результат до момента полного завершения работы. Клоуз является членом Национальной академии дизайна США и Американской академии искусств и литературы. На счету художника свыше 200 персональных выставок более чем в 20 странах мира, в том числе в MoMA (New York), Metropolitan Museum of Art (New York), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid), Государственный Музей Эрмитаж (Санкт-Петербург).

Наряду со своими современниками Китом Харингом и Жаном-Мишелем Баския, Кондо стал ключевой фигурой в регенерации свободы самовыражения в живописи и рисунке. Неповторимый авторский стиль, известный как «искусственный реализм» (“artificial realism”) Кондо, воплощает в себе гротеск и иронию, при этом в работах художника прослеживается увлечение и глубокое знание живописи старых мастеров, художников французской и итальянской школы, где особое место занимают техника и стиль Пабло Пикассо. Варьируя от ренессанса до барокко, от мультипликации Такса Эвери до кубизма и сюрреализма, абстрактного экспрессионизма и поп-арта, Кондо убедительно доказывает, что картина может быть одновременно невероятно сложной, и при этом легкой и даже комичной, способной удивлять и шокировать публику. Серия эксцентричных экзистенциальных портретов вымышленных людей, порой препятствующих истинному выявлению сюжетно-нарративного подтекста изображения, в то же время разоблачающих внутренний характер абстрактного субъекта, характеризуется некоторыми искусствоведами как «метафизические манекены» и отражает реалии фундаментальных нравственных ценностей современного гуманистического общества. Работы Кондо являются гордостью самых престижных музейных и частных коллекций, включая MoMA (New York), Solomon R.Guggenheim Museum (New York), Whitney Museum of American Art (New York).

Творчество этого современного художника-неоконцептуалиста одновременно интригует и шокирует. Ироничный интерпретатор Дельвуа в своем творчестве без конца подтрунивает над всеобщей манией бессмысленного украшательства. Художник с огромным пиететом относится к миру простых вещей и ценностей, поэтизирует потенциал воображения, знаний, сноровки и скрупулезности к деталям, заключенный в ремесленничестве, стремясь придать ему эстетический смысл. Поразительно сочетая монументально-тяжелое и воздушно-невесомое, Дельвуа создал серию ажурной строительной техники - изящную интерпретацию кранов, самосвалов и экскаваторов, выполненных из кортеновой стали. Персональные выставки художника проводились в парижском Лувре и Национальном центре искусств и культуры Centre Pompidou (Paris), New Museum (New York), Peggy Guggenheim Collection (Venice), ГМИИ им. Пушкина (Москва) и других ведущих мировых институциях.

mutated reality

мертвое пространство (стена)

пока без названия

кандор 20

2005

2014

2007

холст, песок, графит 213.5 x 183 cm

холст, акрил 147.5 x 295 x 4.5 cm

смешанная техника и видео 137.2 x 96.5 x 96.5 cm 104.2 x 96.5 x 96.5 cm 204.5 x 243.8 x 106.7 cm

КЭРРОЛЛ ДАНЭМ (1949 г., Нью-Хейвен, США)

KAWS (1974 г., Нью-Джерси, США)

МАЙК КЕЛЛИ (1954 г., Уэйн, США – 2012 г., Лос-Анжелес, США)

Первоначально под влиянием постминимализма и концептуального искусства, внимание художника привлекли тактильность и аллюзии телесности в работах Мардена, Мангольда и Раймана. Вдохновленный возрождением интереса к сюрреализму, Данэм рисовал на фанерных досках, красил и видоизменял фактуру поверхностей, копировал и подчеркивал текстуру дерева, всякий раз умело используя материал и мастерски расставляя акценты. Современные работы художника представляют собой яркие, красочные, анимированные образы, изображения человеческих тел и гениталий, как в абстрактных, так и в конкретных, порой отталкивающих формах. Через провокационные, скандальные изображения, Данэм передает дерзкую правду человеческой натуры, побуждая зрителей обращаться к личным сексуальным инстинктам. Работы Кэрролла Данэма – это союз ума и тела, формы и цвета, мужского и женского, смесь абстракции и карикатуры, взрыв психосексуального удовольствия, агрессии и вожделения, они полны метафор и аллегорий. В 2004 году Кэрролл Данэм был награжден медалью «Scowhegan» за выдающиеся успехи в живописи. Работы художника были представлены в музеях Америки и Европы, в том числе музее Museum Ludwig (Köln), Allen Memorial Art Museum (Oberlin), The Drammen Museum (Oslo).

Художник, скульптор, дизайнер виниловых игрушек и уличной одежды Брайан Доннелли, профессионально известный как KAWS, некоторое время работал художником бэкграундов на студии Уолта Диснея, а затем решил попробовать себя в сфере граффити и стритарта в Джерси. Его рисунки на автобусных остановках, телефонных будках и биллбордах постепенно стали своеобразными достопримечательностями улиц Нью-Йорка, а затем и других городов мира: Парижа, Лондона, Берлина и Токио. Свою раннюю серию работ, сделанную в 2000-м году, KAWS назвал Kimpsons, обыгрывая название знаменитого американского мультфильма The Simpsons, а затем продолжил перевоплощать и других всем известных персонажей: Губку Боба, человека Мишлен, Смурфов и т.д. В 2013 году KAWS создал статую «Moonman» для премии MTV “Video Music Awards”. Художник незаметно перешел от коммерческих объектов массового производства к созданию уникальных скульптур, картин и инсталляций для самых престижных музеев мира. В настоящее время он живет и работает в Бруклине. В акриловых картинах и скульптурах KAWS повторяются узнаваемые образы персонажей поп-культуры, порой выходящие за границы языков и смыслов. Работы художника были представлены в Brooklyn Museum; Pennsylvania Academy of The Fine Arts (Philadelphia); The Modern Art Museum of Fortworth (Texas); The High Museum of Art (Atlanta), The Aldrich Contemporary Art Museum (Ridgerfield).

Один из самых провокационных и влиятельных представителей мира современного искусства, чье уникальное творческое наследие включает в себя перфоманс, инсталляцию, скульптуру, видео- и фото материалы, музыку и внушительную часть критических статей. Работы Келли отражают ежедневные социальные проблемы американской жизни и нередко сочетают в себе сильнейшие эмоции человека - страх и желание, соединяют высшие и низшие формы проявления массовой культуры: комичное и трагичное, невинное и порочное, банальное и экстравагантное. Художник тщательно исследует систему общественных убеждений, социальные отношения и культурную идентичность. Используя свое главное оружие – черный юмор, Келли разрушает понятие художественной эстетики и чистоты, демонстрируя самые неприятные недостатки и противоречия социума. С присущей ему невозмутимостью Келли преобразовывает безвкусные обыденные предметы – «отходы» - в произведения искусства, стараясь показать зрителям истинный смысл пагубного влияния этих вещей на жизни людей. Художник часто работал совместно с Полом Маккарти, Тони Оуслером и Джоном Миллером, а арт-критик Голланд Коттер назвал его «одним из самых влиятельных американских художников последних 25 лет». Картины Майка Келли были представлены в Carnegie Museum (Pittsburgh), Centre Pompidou (Paris), Metropolitan Museum of Art (New York), MoMA (New York), Solomon R. Guggenheim Museum (New York), MOCA (Los Angeles).

а вот и мусор!

отверженные

техасский поворот

2012

2005-2007

2009

холст, акрил 183 x 213 cm

полиестр, силикон, полиуретан, масло, дерево, сталь, волосы 213 x 400 x 400 cm

масло, лён 198,1x298,5 cm

ПИТЕР СОУЛ (1934 г., Калифорния, США)

ТОНИ МАТЕЛЛИ (1971 г., Чикаго, США)

МАЛКОЛЬМ МОРЛИ (1934 г., Калифорния, США)

Предшественник поп-арта, проложивший путь неосюрреализму, Питер Соул известен своим зловеще-тревожным колоритом и критичной оценкой в изображении поп-культуры и политической истории. Художник живет и работает в Нью-Йорке и более 50 лет сочетает в своих работах элементы абстрактного экспрессионизма, чикагского имажинизма, сан-франциского фанка и мультипликации, демонстрируя смесь главных культурных ценностей общества, политических установок и психологических настроений. Прожив почти десять лет Европе и вернувшись в США в 1964 году, вдохновленный работами Роберто Матта, художник утверждал: «Я хочу признания за мое творчество, а не за политические взгляды, которые у меня могли бы быть». Картины и рисунки Питера Соула находятся в коллекциях многих музеев мира, включая The Art Institute of Chicago, Centre Pompidou (Paris), LACMA (Los Angeles), Metropolitan Museum of Art (New York), Museum Ludwig (Köln), MoMA (New York), Stedelijk Museum (Amsterdam).

Художник известен своей уникальной интерпретацией традиций гиперреализма в американской скульптуре. За последние несколько лет в своих работах он совершил переход от ранних образов, повторяющих фигуры людей и животных, к глубокому изучению следов и признаков человеческого присутствия. Используя художественные приемы гиперреализма, балансирующего на границе между тревогой и юмором, Мателли изображает объекты и ситуации, на первый взгляд кажущиеся довольно понятными, и в то же время тонко описывающие наиболее тревожащие стороны человеческого общества. Гиперреалистичный характер его работ бросает вызов зрителю, приглашая его подробно изучить те пласты жизни, которые сам человек зачастую игнорирует и избегает, закрывая глаза на несовершенную человеческую природу. Работы Тони Мателли – хорошо продуманная игра иллюзий, начиная с окрашенных бронзовых растений, заканчивая человеческими манекенами. Cкульптура «Fucked couple» является олицетворением любви и стойкости – мужчина и женщина, жестоко искалеченные и изуродованные, все еще держатся за руки, противясь нелепой смертоносной случайности. Работы художника были представлены в Cranbrook Art Museum (Michigan), FLAG Art Foundation (New York), ARoS Aarhus Kunstmuseum (Denmark), Museum Ludwig (Köln), ГЦСИ (Москва).

Уже в начале 1980-х годов он приобрел славу ведущего представителя неоэкспрессионизма, всегда верный своим излюбленным мотивам – кораблям и самолетам, и основной теме – разрушения и насилия в современном обществе. После окончания эпохи абстрактного экспрессионизма, под влиянием Лихтенштейна и Уорхола, Морли обратился к поп-арту. Полностью отказавшись от своего привычного стиля, Морли увлекся фотореализмом в то время, когда этот стиль только начал развиваться. Картины Морли легко принять за фотографии – порой они кажутся даже более правдоподобными, чем обычные снимки. Художник использует старые календари, путеводители, популярную фантастическую литературу и фильмы, смешивая их при создании своего оксюмороничного гибрида суперреализма. С присущей ему разносторонностью и безукоризненной точностью воспроизведения, художник абстрагируется от самой сути изображения, сосредоточившись на ее абстрактных составляющих. В 1984 году Морли стал первым победителем знаменитой премии Тернера, вручаемой каждый год в галерее Tate (London), за работы в стиле неоэкспрессионизма. Работы художника были представлены на многочисленных выставках Европы и Северной Америки, в том числе в Centre Pompidou (Paris), The Museum of Contemporary Art (North Miami), Ashmolean Museum (Oxford) и многих других.

MUTATED REALITY 27.11.2015 - 02.04.2016

В РАМКАХ ВЫСТАВОЧНОГО ПРОЕКТА ГОСУДАРСТВЕННОГО ЦЕНТРА СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА "Мистификаторы"

Co-curated by Victoria Dushkina

16 +

gary tatintsian gallery, Moscow

mutated reality