ARMAN
FRANCIS BACON
FERNANDO BOTERO
BERNARD BUFFET
CÉSAR
MARC CHAGALL
CHRISTO & JEANNE CLAUDE
ROBERT COMBAS
SALVADOR DALI
TAMARA DE LEMPICKA
NIKI DE SAINT-PHALLE
JIM DINE
SAM FRANCIS
KEITH HARING
DAMIEN HIRST
ROBERT INDIANA
PAUL JENKINS
YVES KLEIN
MARIE LAURENCIN
ROY LICHTENSTEIN
HENRI MATISSE
JOAN MIRÒ
PABLO PICASSO
MIMMO ROTELLA
VICTOR VASARELY
ANDY WARHOL
TOM WESSELMANN
Né à Nice en 1928, Armand Pierre Fernandez fait preuve dès l’enfance d’un talent précoce pour la peinture et le dessin. (Inspiré par Vincent van Gogh, il signe ses premières œuvres de son seul prénom ; il conservera jusqu’à la fin de sa carrière l’orthographe erronée de son nom par l’imprimeur en 1958). Fils d’un antiquaire et d’une violoncelliste amateur, l’artiste acquiert très tôt un goût prononcé pour la musique, l’art de collectionner et la culture du goût. Après des études à l’École nationale des arts décoratifs de Nice, Arman se rend à Paris pour étudier l’histoire de l’art à l’École du Louvre. Au cours de ces premières années, son travail se concentre sur des peintures abstraites inspirées par l’œuvre de Nicolas de Staël. Lecteur passionné, Arman cherche son inspiration dans les livres et les revues d’art, ainsi que lors de fréquents voyages à travers l’Europe avec ses amis artistes niçois, Claude Pascale et Yves Klein.
Born in Nice in 1928, Armand Pierre Fernandez showed a precocious talent for painting and drawing from an early age (inspired by Vincent van Gogh, he signed his first works with his first name alone; he retained the erroneous spelling of his name by the printer in 1958 until the end of his career). The son of an antiques dealer and an amateur cellist, the artist acquired an early taste for music, the art of collecting and the culture of taste. After studying at the École nationale des arts décoratifs in Nice, Arman moved to Paris to study art history at the École du Louvre. During these early years, his work focused on abstract paintings inspired by the work of Nicolas de Staël. An avid reader, Arman sought inspiration in art books and magazines, as well as on frequent trips across Europe with his artist friends from Nice, Claude Pascale and Yves Klein.
73,5 x 63 x 9 cm
Violons, Pinceaux & Acrylique sur toile
Violins, Brushes & Acrylics on Canvas
Unique Piece
59 800 €
81 x 61 cm
Trompettes coupées & Acrylique sur toile
Cut trumpets & Acrylic on canvas
Unique Piece
69 800 €
81 x 61 cm
Ukulélé & Acrylique sur toile
Ukulele & Acrylic on canvas
Unique Piece
100 x 81 cm
Guitare Portuguaise découpée & Acrylique sur toile Portuguese guitar cut-out & Acrylic on canvas
Unique Piece
59 800 €
100 x 81 cm
Instruments de musique & Acrylique sur panneau
Musical instruments & Acrylic on panel
Unique Piece
800 €
100 x 81 cm
Violon découpé & Acrylique sur toile
Cut-out violin & Acrylic on canvas
Unique Piece
58 700 €
26 x 12,5 x 9 cm x 3
Trois Coupes de Violons en bois, Pigments bleus, Pigments roses, Dorure Or jaune & Boîte en Plexiglas
Three Wooden Violin Cups, Blue Pigments, Pink Pigments, Yellow Gold Gilding & Plexiglas Box
50 x 110 x 50 cm
Bronze & golden
Edition 9/10
45 000 €
60 x 25 x 17 cm
Bronze original - Original bronze Edition 74/100
22 800 €
60 x 30 x 16 cm
Violons tranchés verticalement avec archet en Bronze poli
Vertically sliced violins with polished bronze bow Edition 6/8
65 800 €
60 x 93 cm
Violons, Pinceaux & Acrylique sur toile
Violins, Brushes & Acrylics on Canvas
Unique Piece
59 800 €
63 x 40 x 23 cm
Accumulation de Revolvers en Bronze & Patine argentée
Accumulation of Revolvers in Bronze & Silver Patina
OM - (ED. 8 + 2 AP)
36 800 €
63 x 52 x 20 cm
Unique Piece
45 600 €
65 x 19 cm
Bronze poli - Polished bronze Edition 8/99
17 800 €
65 x 35,5 x 11 cm
Bronze & Patine dorée
Bronze & golden patina
Edition 15/99
67 x 20 x 15 cm
Bronze poli découpé & Marbre noir
Polished cut bronze & black Marble
AP 6/20
28 000 €
72 x 26 x 10 cm
Violon Calciné & Éclaté dans un bloc de Résine
Calcined & Burst Violin in Resin Block Unique Piece
79 800 €
125 x 94 x 33 cm
Accumulation de Pinceaux et de Vélos & Acrylique sur toile
Accumulation of Brushes and Bicycles & Acrylic on Canvas
Unique Piece
59 800 €
190 x 100 x 70 cm
Bronze original - Original bronze Edition 3/5
298 000 €
198 x 90 x 89 cm
Bronze original - Original bronze Edition 4/8
248 000 €
220 x 125 x 80 cm
Bronze original - Original bronze Edition 8/8
298 000 €
Né en Irlande de parents anglais, Francis Bacon est un enfant chétif, maladif (il souffre d’asthme), qui ne peut suivre une scolarité normale. Dès l’âge de 16 ans, son homosexualité et ses tendances fétichistes sont découvertes par son père, qui le rejette du foyer familial. Après une période d’errance en Europe, Bacon s’installe à Londres en 1928. Influencé par la découverte de l’œuvre de Pablo Picasso et des surréalistes, il s’engage dans la carrière de peintre.
Loin de l’abstraction qui domine les années 1950, Francis Bacon est le peintre du corps torturé et hurlant, de l’introspection doloriste. Personnalité complexe, il est l’auteur d’une Œuvre expressionniste fortement influencée par la relecture des grands-maîtres du passé. Évacuant toute anecdote, sa peinture est une forme de miroir qui reflète ses angoisses, ses drames et ses obsessions dans une époque marquée par les conséquences de la Seconde Guerre mondiale. Sacré et profane se mêlent constamment dans cette œuvre métaphysique, dont le sujet véritable est cette parenthèse que constitue l’existence (douloureuse) entre la naissance et la mort.
Born in Ireland to English parents, Francis Bacon was a sickly child (he suffered from asthma) who was unable to attend a normal school. At the age of 16, his homosexuality and fetishist tendencies were discovered by his father, who rejected him from the family home. After a period of wandering in Europe, Bacon settled in London in 1928. Influenced by his discovery of the work of Pablo Picasso and the Surrealists, he embarked on a career as a painter.
Far from the abstraction that dominated the 1950s, Francis Bacon is the painter of the tortured, screaming body, of dolorous introspection. A complex personality, his Expressionist work is strongly influenced by a rereading of the great masters of the past. Avoiding all anecdote, his painting is a kind of mirror reflecting his anxieties, dramas and obsessions in an era marked by the aftermath of the Second World War. Sacred and profane are constantly intertwined in this metaphysical work, whose true subject is the parenthesis of (painful) existence between birth and death.
51 x 38,5 cm
Lithographie sur Papier Vélin d’Arches
Lithograph on Arches Vellum paper
Edition 78/150
110 000 €
127,5 x 115,5 cm
Lithographie sur Papier Vélin d’Arches
Lithograph on Arches Vellum paper
Edition 15/150
Fernando Botero, qui est peut-être l’artiste latino-américain contemporain le plus célèbre, crée des peintures, des dessins et des sculptures figuratives dont les proportions exagérées traduisent les sentiments qu’il éprouve à l’égard de leur sujet. Bien que son Œuvre comprenne des natures mortes et des paysages, Fernando Botero est surtout connu pour ses portraits en situation, dans lesquels les personnages et les animaux apparaissent gonflés pour signifier de la tendresse.
Né à Medellín, en Colombie en 1932, Fernando Botero quitte l’école des matadors pour devenir artiste et trouve son inspiration dans l’art précolombien et espagnol, ainsi que dans les peintures murales politiques de l’artiste mexicain Diego Riviera. Après une première exposition personnelle dans une galerie de Bogota à l’âge de 18 ans, il part pour Madrid, où il étudie la peinture, puis voyage à Paris et à Florence. Installé à New York en 1960, il développe son style caractéristique et acquiert peu à peu une audience internationale. À partir de 1973, l’artiste s’installe à Paris, où il commence à créer des sculptures en plus de ses travaux sur toile et sur papier. Dans les années 1990, ses figures monumentales en bronze sont exposées avec succès dans le monde entier. Ses œuvres figurent dans les collections du Museo Nacional de Arte Renia Sofía, à Madrid, du Museum of Modern Art, à New York, et du Botero Museum, à Bogota, entre autres.
Fernando Botero, perhaps the most famous contemporary Latin American artist, creates figurative paintings, drawings and sculptures whose exaggerated proportions convey the feelings he has for their subject. Although his work includes still life and landscapes, Fernando Botero is best known for his situational portraits, in which figures and animals appear inflated to signify either tenderness or affection. Born in Medellín, Colombia in 1932, Fernando Botero left matador school to become an artist, finding inspiration in pre-Columbian and Spanish art, as well as in the political murals of Mexican artist Diego Riviera. After his first solo exhibition in a Bogotá gallery at the age of 18, he moved to Madrid, where he studied painting, before traveling to Paris and Florence. Settling in New York in 1960, he developed his characteristic style and gradually gained an international audience. In 1973, the artist moved to Paris, where he began to create sculptures in addition to his works on canvas and paper. In the 1990s, his monumental bronze figures were successfully exhibited worldwide. His works can be found in the collections of the Museo Nacional de Arte Renia Sofía, Madrid, the Museum of Modern Art, New York, and the Botero Museum, Bogotá, among others.
31 x 41 cm
Crayons & Crayons de couleur sur Papier
Pencils & Colored Pencils on Paper
Unique Piece
98 000 €
Né à Paris en 1928, Bernard Buffet est un peintre, lithographe et graveur qui a étudié à l’École des beaux-arts de Paris. Il a été très tôt acclamé par la critique et a connu la fortune grâce à sa production prolifique - il a peint plus de 8 000 œuvres au cours de sa vie - et à son style immédiatement reconnaissable. Avec des portraits, des paysages urbains, des natures mortes et des sujets historiques et religieux, l’Œuvre de Bernard Buffet est essentiellement graphique, avec des formes piquantes, anguleuses et allongées rendues dans une palette de couleurs sombres. Ce mode stylistique donne à son travail un ton austère et mélancolique qui a été interprété comme une représentation de l’état émotionnel de la génération d’après-guerre. Buffet a participé à des dizaines d’expositions internationales et a reçu de nombreuses distinctions prestigieuses, dont le titre d’officier de la Légion d’honneur en 1973 et l’entrée à l’Académie des Beaux-Arts en 1974. Ses peintures sont conservées dans certains des plus grands musées du monde, notamment le ‘Tate Modern’ de Londres, le ‘Museum of Modern Art’ de New York et une collection dédiée au ‘Bernard Buffet Museum’ au Japon.
Born in Paris in 1928, Bernard Buffet is a painter, lithographer and engraver who studied at the École des Beaux-Arts in Paris. He won early critical acclaim and fortune for his prolific output - he painted over 8,000 works in his lifetime - and his instantly recognizable style. With portraits, cityscapes, still life and historical and religious subjects, Bernard Buffet’s work is essentially graphic, with piquant, angular and elongated forms rendered in a dark color palette. This stylistic genre gives his work an austere, melancholy tone that has been interpreted as a representation of the emotional state of the post-war generation. Buffet took part in dozens of international exhibitions and received many prestigious awards, including Officer of the Legion of Honor in 1973 and entry into the Académie des Beaux-Arts in 1974. His paintings are held in some of the world’s greatest museums, including the Tate Modern in London, the Museum of Modern Art in New York and a dedicated collection at the Bernard Buffet Museum in Japan.
50 x 40 cm
Lithographie - Lithography AP 28 / 30
2 500 €
58 x 75,5 cm
Lithographie - Lithography
2 500 €
César était un sculpteur français et un membre éminent du mouvement artistique du XXe siècle, le Nouveau Réalisme. Il a expérimenté l’échelle et les matériaux, comprimant et compactant du métal ou des pièces d’automobiles pour en faire des sculptures compactes, ou produisant de grandes sculptures en mousse de créatures, d’insectes et d’animaux miniatures. En plus d’exploiter les objets quotidiens pour leur valeur artistique, ses œuvres remettent en question les implications de la production de masse.
L’artiste est né César Baldaccini en 1921 à Marseille, en France, de parents italiens. Il suit une formation académique traditionnelle à l’École des Beaux-Arts, mais se tourne rapidement vers la soudure de matériaux non-conventionnels, tels que la ferraille et le métal usagé, pour créer des sculptures aux juxtapositions chromatiques surprenantes et audacieuses. Il rejoint le groupe des Nouveaux Réalistes, et, à partir des années 1960, il commence à expérimenter les plastiques, le cristal fondu et le polyuréthane, qui se dilate après avoir été mis en place. César a été nommé Chevalier de la Légion d’honneur en 1978 et promu Officier en 1993.
César was a French sculptor and a leading member of the twentieth-century art movement Nouveau Réalisme. He experimented with scale and materials, compressing and compacting metal or car parts into compact sculptures, or producing large foam sculptures of miniature creatures, insects and animals. In addition to exploiting everyday objects for their artistic value, his works question the implications of mass production.
The artist was born César Baldaccini in 1921 in Marseille, France, to Italian parents. He received traditional academic training at the École des Beaux-Arts, but soon turned to welding unconventional materials, such as scrap and used metal, to create sculptures with surprising and daring chromatic juxtapositions. He joined the Nouveaux Réalistes group and, from the 1960s onwards, began experimenting with plastics, molten crystal and polyurethane, which expands after being put into place. César was named Chevalier de la Légion d’honneur in 1978 and promoted to Officier in 1993.
40 x 40 x 15 cm
Compression en Laiton - Brass Compression
Unique Piece
67 500 €
H. 64 cm
Cristal de Verre - Édition Baccarat
Glass Crystal - Baccarat Edition Edition 74 / 300
32 000 €
97,5 x 77,5 cm
Badges Batibouw en Métal & Crayon sur Panneau
Metal & Pencil Batibouw Badges on Panel Edition 3/8
9 500 €
Peintre, graveur et designer français né en Biélorussie, Marc Chagall a créé une œuvre figurative singulièrement poétique, pleine de couleurs riches et d’images oniriques qui ont fait de lui l’un des artistes modernes et occidentaux les plus populaires du XXe siècle. Né en 1887 à Vitebsk, dans l’Empire russe, Marc Chagall grandit au sein d’une communauté juive pieuse. Après avoir appris les éléments du dessin dans une école locale et étudié la peinture chez Zvantseva à Saint-Pétersbourg, il s’installe à Paris en 1910 et se lie d’amitié avec des peintres expressionnistes et cubistes. Cependant, sa pratique s’imprègne également des riches teintes des peintures impressionnistes, post-impressionnistes et fauvistes en vogue à l’époque. Marc Chagall est célèbre pour avoir repeint gratuitement le plafond du Palais Garnier à Paris, répondant ainsi aux efforts de modernisation de l’institution. Ses œuvres figurent également dans les collections du Musée des beaux-arts de Montréal et du Solomon R Guggenheim Museum de New York.
A French painter, engraver and designer born in Belarus, Marc Chagall created a singularly poetic figurative body of work, full of rich colors and dreamlike images that made him one of the most popular modern and Western artists of the 20th century.
Born in 1887 in Vitebsk, in the Russian Empire, Marc Chagall grew up in a devout Jewish community. After learning the elements of drawing at a local school and studying painting with Zvantseva in St. Petersburg, he moved to Paris in 1910 and befriended Expressionist and Cubist painters. However, his practice was also imbued with the rich hues of Impressionist, Post-Impressionist and Fauvist paintings in vogue at the time. Marc Chagall is famous for having repainted the ceiling of the Palais Garnier in Paris free of charge, in response to the institution’s modernization efforts. His works also feature in the collections of the Montreal Museum of Fine Arts and the Solomon R Guggenheim Museum in New York.
25 x 19 cm
Gouache, Pastel, Plume & Encre de Chine sur Papier
Gouache, Pastel, Pen & Chinese Ink on Paper Unique Piece
Christo et Jeanne-Claude sont nés le même jour, le 13 juin 1935 - Christo Vladimirov Javacheff en Bulgarie et Jeanne-Claude de Guillebon au Maroc, de parents français. Ils se sont rencontrés en 1958 à Paris, où Christo s’était installé après avoir étudié l’art à Sofia (1952-56). Le couple est devenu célèbre pour ses installations environnementales monumentales et éphémères, qui utilisent souvent la technique du drapage ou de l’enveloppement de bâtiments et de paysages existants à l’aide de tissus et d’équipements de fixation spécialement conçus à cet effet. Le couple a toujours affirmé que son seul objectif était de créer de la beauté et de la joie en permettant aux spectateurs d’avoir une nouvelle appréciation de la forme, du volume et de la signification du site dans lequel ils intervenaient. Cependant, leur travail peut être considéré comme un commentaire général sur les questions environnementales et l’histoire du XXe siècle.
Christo and Jeanne-Claude were born on the same day, June 13, 1935 - Christo Vladimirov Javacheff in Bulgaria and Jeanne-Claude de Guillebon in Morocco, to French parents. They met in 1958 in Paris, where Christo had settled after studying art in Sofia (1952-56). The couple became famous for their monumental, ephemeral environmental installations, often using the technique of draping or enveloping existing buildings and landscapes with specially designed fabrics and fastening equipment. The couple have always maintained that their sole aim is to create beauty and joy by enabling viewers to gain a new appreciation of the form, volume and meaning of the site in which they intervene. However, their work can also be seen as a general commentary on environmental issues and twentieth-century history.
56 x 71 cm
Lithographie - Collage graphique sur papier Guarro, monté sur Carton
Lithography - Graphic collage on Guarro paper, mounted on cardboard
Edition 13/110
Robert Combas est un artiste contemporain français né en mai 1957 à Lyon. Alors qu’il est encore très jeune, ses parents décèlent chez lui un don pour la caricature et pour le dessin de manière générale, et décident de l’inscrire à l’École des Beaux-Arts de Sète. Après une année, il rejoint l’École des BeauxArts de Montpellier où il suit un enseignement approfondi. Fort des enseignements qu’il a reçus, Robert Combas développe progressivement une esthétique novatrice. L’Œuvre de Robert Combas révèle l’immensité de son imagination et sa perception du monde. Dans ses œuvres, il représente des scènes mouvementées dans lesquelles s’entremêlent des représentations de figures humaines, de crimes, de sexe, de célébration ou encore de transgression. Ce désordre ambiant s’inspire de sujets qui lui tiennent à cœur depuis l’adolescence et influencent sa vie d’adulte comme la télévision, le rock, les BD ou encore le sexe. Décomplexé, son travail s’inscrit dans le mouvement de la figuration libre, influencé par la culture pop et le néo-expressionnisme. Robert Combas se distingue par son utilisation des techniques non-conventionnelles. En effet, à la fin des années 70, il fait le pari d’utiliser des matériaux de récupération et se découvre une passion pour la création à partir de formes existantes et redonne vie à ses matériaux usagés.
Robert Combas is a contemporary French artist born in Lyon in May 1957. When he was still very young, his parents saw in him a gift for caricature and drawing in general, and decided to enroll him at the École des BeauxArts in Sète. After one year, he joined the École des Beaux-Arts de Montpellier, where he received in-depth training. Drawing on the lessons he received, Robert Combas gradually developed an innovative aesthetic. The work of Robert Combas reveals the immensity of his imagination and his perception of the world. In his works, he depicts hectic scenes in which representations of human figures, crime, sex, celebration and transgression intermingle. This ambient disorder is inspired by subjects that have been close to his heart since adolescence and have influenced his adult life, such as television, rock, comics and sex. Decomplexed, his work is part of the figuration libre movement, influenced by pop culture and neo-expressionism. Robert Combas stands out for his use of unconventional techniques. Indeed, in the late 70s, he took the gamble of using recycled materials and discovered a passion for creating from existing forms, giving new life to his used materials.
168 x 117 cm
Acrylique sur toile, Marouflée sur toile
Acrylic on canvas, mounted on canvas
Unique Piece
120 500 €
Né en 1904 à Figueras, en Espagne, Salvador Dalí s’installe à Madrid au début des années 1920 et étudie à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Il ne termine pas ses études et s’installe à Paris, où il fréquente les artistes espagnols Joan Miró et Pablo Picasso, ainsi que l’artiste belge René Magritte. Ses œuvres de cette époque témoignent d’un engagement précoce dans les images fantastiques et oniriques du surréalisme qui définiront sa carrière. L’apogée du développement artistique de Salvador Dalí est atteint en 1931 avec son tableau «La persistance de la mémoire» dont les horloges en fusion dans un paysage désertique comptent parmi les images les plus reconnaissables de l’histoire de l’art.
Salvador Dalí était célèbre pour son comportement flamboyant et sa moustache retroussée caractéristique. Bien que l’on se souvienne principalement de cet artiste prolifique pour sa peinture, il a expérimenté la sculpture, la gravure, la mode et, ce qui est peut-être le plus remarquable, ses incursions dans la réalisation de films en collaboration avec Luis Buñuel et Alfred Hitchcock.
Born in Figueras, Spain, in 1904, Salvador Dalí moved to Madrid in the early 1920s and studied at the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. He did not complete his studies and moved to Paris, where he frequented the Spanish artists Joan Miró and Pablo Picasso, as well as the Belgian artist René Magritte. His works from this period show an early commitment to the fantastical, dreamlike images of Surrealism that would define his career. The pinnacle of Salvador Dalí’s artistic development was reached in 1931 with his painting “The Persistence of Memory”, whose melting clocks in a desert landscape are among the most recognizable images in art history.
Salvador Dalí was famous for his flamboyant demeanor and characteristic upturned moustache. Although this prolific artist is best remembered for his painting, he experimented with sculpture, printmaking, fashion and, perhaps most remarkably, his forays into filmmaking in collaboration with Luis Buñuel and Alfred Hitchcock.
78 x 55 cm
Lithographie - Lithography Edition 42/250
600 €
« Baronne au pinceau » et icône des années folles, Tamara Rosalia Gurwik-Gorska est née en 1898 en Pologne (alors un État souverain de la Russie). Fille de parents fortunés, elle est envoyée à Lausanne, pour y suivre un enseignement en internat. Au cours d’un été, sa grand-mère l’emmène faire un tour en Italie, où elle découvre pour la première fois les œuvres des maîtres anciens : une rencontre qui inspirera sa passion pour l’art tout au long de sa vie. À 18 ans, elle épouse Tadeusz Lempicki, mais moins d’un an après leur mariage, la révolution russe les oblige à s’installer à Paris, où elle prend le nom de Tamara de Lempicka. Elle suit alors une formation formelle à l’Académie de la Grande Chaumière sous la direction d’André Lhote, étroitement associé aux cubistes.
Tamara De Lempicka peint toutes sortes de sujets et son style unique, très stylisé et fortement influencé par le cubisme et le néoclassicisme, attire immédiatement l’attention de l’élite sociale de Paris. Au début de la Seconde Guerre mondiale, elle s’installe à Hollywood. Dans un premier temps, elle est la coqueluche de Tinseltown et continue d’exécuter des commandes de portraits prestigieux pour les riches et les célèbres ; cependant avec la montée de l’expressionnisme abstrait, son travail commence à tomber en désuétude.
Tamara Rosalia Gurwik-Gorska, “Baroness with a paintbrush” and icon of the Roaring Twenties, was born in 1898 in Poland (then a sovereign state of Russia). The daughter of wealthy parents, she was sent to Lausanne to attend boarding school. One summer, her grand mother took her on a tour of Italy, where she discovered the works of the Old Masters for the first time: an encounter that would inspire her lifelong passion for art. At 18, she married Tadeusz Lempicki, but less than a year after their wedding, the Russian Revolution forced them to move to Paris, where she took the name Tamara de Lempicka. She received formal training at the Académie de la Grande Chaumière under André Lhote, who was closely associated with the cubists.
Tamara De Lempicka painted a wide range of subjects, and her unique, highly stylized style, strongly influenced by cubism and neoclassicism, immediately attracted the attention of Paris’s social elite. At the outbreak of the Second World War, she moved to Hollywood. At first, she was the darling of Tinseltown and continued to execute prestigious portrait commissions for the rich and famous; however, with the rise of Abstract Expressionism, her work began to fall into disuse.
51 x 42 cm
Aquatinte en couleur et Roulette sur Chine Appliqué
Aquatint in color and Roulette on China applied Edition 74/100
48 900 €
Niki de Saint-Phalle était une sculptrice et peintre franco-américaine, surtout connue pour ses sculptures monumentales en fibre de verre et ses matériaux expérimentaux. Son Œuvre, associée à son féminisme, a donné une voix à la rébellion et au rejet des notions sociales de la féminité. Niki de Saint-Phalle est née près de Paris en 1930 dans une famille aristocratique. Son père, le comte AndréMarie Fal de Saint Phalle, dirigeait un foyer conservateur et catholique en France, mais aussi dans le Connecticut et à New York, où elle a grandi. La violence et l’oppression de ses parents et de son enfance ont influencé sa vie d’adulte et son Œuvre. Elle est principalement reconnue pour ses ‘Nanas’, des sculptures à grande échelle aux formes exagérées et aux couleurs explosives, qui répudient les conventions et les rôles sociétaux des femmes. Les sculptures de Niki de Saint-Phalle se trouvent dans des espaces publics du monde entier, notamment en France, en Allemagne, en Écosse, en Suisse, en Californie et en Caroline du Nord. Ses œuvres sont exposées au Museum of Modern Art de New York, au Walker Art Center de Minneapolis et dans de nombreuses autres grandes institutions du monde entier.
Niki de Saint-Phalle was a French-American sculptor and painter, best known for her monumental fiberglass sculptures and experimental materials. Her Work, combined with her feminism, gave voice to rebellion and the rejection of social notions of femininity. Niki de Saint-Phalle was born near Paris in 1930 into an aristocratic family. Her father, Count AndréMarie Fal de Saint Phalle, ran a conservative, Catholic household not only in France, but also in Connecticut and New York, where she grew up. The violence and oppression of her parents and childhood influenced her adult life and Work. She is best known for her ‘Nanas’, large-scale sculptures of exaggerated form and explosive color, which repudiate the conventions and societal roles of women.
Niki de Saint-Phalle’s sculptures can be found in public spaces all over the world, including France, Germany, Scotland, Switzerland, California and North Carolina. Her works are exhibited at the Museum of Modern Art in New York, the Walker Art Center in Minneapolis and many other major institutions worldwide.
99 x 48 x 30 cm
Résine peinte - Painted resin
Edition 37/50
148 000 €
L’artiste multimédia Jim Dine (James Dine) est né dans l’Ohio en 1935. Après le lycée, il suit des cours du soir à l’Art Academy of Cincinnati, où l’expressionnisme abstrait est principalement enseigné à l’époque. Bien qu’il ait par la suite expressément rejeté ce style, sa formation précoce au style pictural a eu un effet profond sur son art. En 1957, il obtient sa licence en beaux-arts à l’université de l’Ohio et, l’année suivante, il s’installe à New York. Là-bas, il fait la connaissance des artistes John Cage, Allan Kaprow et Claes Oldenburg, entre autres. À la suite de sa première exposition personnelle en 1960, Jim Dine est souvent considéré comme faisant partie du Pop Art, mais l’artiste ne s’est jamais considéré comme tel. Après un séjour de quatre ans à Londres au début des années 1970, Jim Dine a commencé à s’intéresser de plus près à sa technique et à son style, dans le but de parvenir à une approche plus nuancée et plus raffinée de son travail. Il a également commencé à élargir son choix de supports, en réalisant des sculptures et des dessins en plus de la peinture. Ses explorations médiatiques se sont étendues à sa pratique actuelle, qui en est venue à être principalement de nature photographique.
Multimedia artist Jim Dine (James Dine) was born in Ohio in 1935. After high school, he attended evening classes at the Art Academy of Cincinnati, where Abstract Expressionism was mainly taught at the time. Although he later expressly rejected this style, his early training in the pictorial style had a profound effect on his art. In 1957, he graduated from Ohio University with a Bachelor of Fine Arts degree, and moved to New York the following year. There, he made the acquaintance of artists John Cage, Allan Kaprow and Claes Oldenburg, among others. Following his first solo exhibition in 1960, Jim Dine is often considered part of Pop Art, but the artist has never considered himself as such. After a four-year stay in London in the early 1970s, Jim Dine began to take a closer look at his technique and style, with the aim of achieving a more nuanced and refined approach to his work. He also began to broaden his choice of media, making sculptures and drawings in addition to painting. His media explorations have extended to his current practice, which has come to be predominantly photographic in nature.
119 x 91 cm
Lithographie, Gravure & Aquatinte réhaussées à la main Lithography, Engraving & Hand enhanced Aquatint Edition 29/40
23 500 €
Né en Islande en 1932, Erró (Gudmundur Gudmundsso) est un artiste post-moderne et du Pop art, célèbre pour ses peintures, dessins, collages, gravures, sculptures et vidéos. Il est diplômé de la Reykjavík School of Visual Art, où il travaille en tant que professeur pendant une courte période. En 1952, il se rend en Norvège, où il étudie la gravure, le fresco et la peinture au sein de l’Académie d’Oslo. Puis, il entre à l’Académie des beauxarts de Florence et à l’École de l’art mosaïque byzantin de Ravenne. En tant qu’artiste globe-trotter, Erró collectionne et rassemble publicités, images d’actualités, bandes dessinées et posters, en y incorporant souvent des personnages d’œuvres d’Eugène Delacroix, Fernand Léger et Pablo Picasso. L’imagerie surréaliste d’Erró est composée de sujets allant de personnages de bandes dessinées à de célèbres dictateurs, notamment Donald Duck, Chip & Dale, Adolf Hitler et Saddam Hussein. Ses images provocantes explorent les thèmes de la violence et de la sexualité en faisant des comparaisons avec des icônes Pop comme Roy Lichtenstein, Andy Warhol et James Rosenquist. Ses œuvres figurent, entre autres, parmi les collections du musée des beaux-arts de Prague, du musée d’art contemporain Ludwig à Budapest et du musée Reykjavik en Islande.
Born in Iceland in 1932, Erró (Gudmundur Gudmundsso) is a post-modern and Pop artist, famous for his paintings, drawings, collages, prints, sculptures and videos. He graduated from the Reykjavík School of Visual Art, where he worked as a teacher for a short period. In 1952, he moved to Norway, where he studied engraving, fresco and painting at the Oslo Academy. He then entered the Florence Academy of Fine Arts and the Ravenna School of Byzantine Mosaic Art.
As a globe-trotting artist, Erró collects and assembles advertisements, newsreels, comic strips and posters, often incorporating characters from the works of Eugène Delacroix, Fernand Léger and Pablo Picasso. Erró’s surreal imagery features subjects ranging from comic-book characters to famous dictators, including Donald Duck, Chip & Dale, Adolf Hitler and Saddam Hussein. His provocative images explore themes of violence and sexuality, drawing comparisons with Pop icons such as Roy Lichtenstein, Andy Warhol and James Rosenquist. His works can be found in the collections of the Museum of Fine Arts in Prague, the Ludwig Museum of Contemporary Art in Budapest and the Reykjavik Museum in Iceland, among others.
78 x 42 cm
Acrylique sur toile - Acrylic on canvas
Unique Piece
16 800 €
134 x 197 cm
Acrylique sur toile - Acrylic on canvas
Unique Piece
67 900 €
196 x 165 cm
Acrylique sur toile - Acrylic on canvas
Unique Piece
67 900 €
Membre célèbre du mouvement Street Art contemporain, Shepard Fairey (OBEY) s’est fait connaître dans les années 1990 avec sa campagne « Andre the Giant Has a Posse ». Plus tard, l’artiste populiste autoproclamé a acquis une renommée considérable grâce à son affiche « HOPE », qui est devenue le cri de guerre de la campagne du président Barack Obama en 2008. Il est devenu l’éponyme du portrait politique, qui illustre avec audace les thèmes récurrents du pouvoir, de la justice, de la propagande et de la corruption. Le travail de Shepard Fairey s’oriente sur différents supports, mais ce sont ses gravures qui ont suscité les éloges qui l’ont élevé au rang de personnalité politique. L’art en tant que politique n’a rien de nouveau, mais son style « street-graffiti-come-pop » se traduit par des œuvres d’art très convoitées et immédiatement reconnaissables. Ses œuvres emblématiques figurent dans les collections du ‘MoMA’, du Musée d’art moderne de San Francisco, du ‘Victoria and Albert Museum’.
Famous member of the contemporary street art movement, Shepard Fairey (OBEY) made a name for himself in the 1990s with his “Andre the Giant Has a Posse” campaign. Later, the self-proclaimed populist artist gained considerable fame with his “HOPE” poster, which became the battle cry of President Barack Obama’s 2008 campaign. It has become the eponym of political portraiture, boldly illustrating recurring themes of power, justice, propaganda and corruption.
Shepard Fairey’s work spans a variety of media, but it’s his prints that have garnered the acclaim that has elevated him to political prominence. Art as politics is nothing new, but his “street-graffiti-come-pop” style translates into highly coveted and instantly recognizable works of art. His iconic works can be found in the collections of MoMA, the San Francisco Museum of Modern Art and the Victoria and Albert Museum.
61 x 46 cm
Sérigraphie sur Papier Recyclé
Silk-screen printing on recycled paper
Edition 361/450
1 800 €
91 x 61 cm
Sérigraphie sur Papier Recyclé
Silk-screen printing on recycled paper
Open Edition
1 200 €
Jean-Michel Folon est un artiste artiste bruxellois né en 1934 et décédé en 2005. Il a travaillé sur de nombreux matériaux et créé sous diverses formes : aquarelles, tapisserie, peintures, sculptures ou encore décors de théâtre.Dessinateur, peintre, affichiste, sculpteur, scénographe, concepteur de vitraux et réalisateur. Folon, artiste multidisciplinaire, exposera ses oeuvres aux quatre coins du monde dans les musées les plus prestigieux.
Jean-Michel Folon mettra aussi son talent au service des plus grandes institutions. On lui doit des représentations marquantes comme le sigle du bicentenaire de la Révolution française (1989) ou l’illustration de la Déclaration des droits de l’homme des Nations Unies (1988).L’artiste possède son propre musée, la « Fondation Folon » inagurée le 27 octobre 2000 à La Hulpe. Quinze salles d’exposition permettent au visiteur de découvrir plus de cinq cents oeuvres de l’artiste (aquarelles, peintures, sculptures, gravures, objets, affiches et illustrations).
En septembre 2003, l’artiste belge est fait Chevalier de la Légion d’Honneur par le président français Jacques Chirac.
Jean-Michel Folon was born in Brussels in 1934 and died in 2005. A draughtsman, painter, poster artist, sculptor, scenographer, stained-glass designer and film director, he worked with a wide range of materials and created works in a variety of forms: watercolours, tapestries, paintings, sculptures and theatre sets.
Folon, a multi-disciplinary artist, has exhibited his work all over the world in the most prestigious museums. Jean-Michel Folon has also put his talent at the service of the greatest institutions. He has been responsible for such landmark works as the logo for the bicentenary of the French Revolution.
The artist has his own museum, the ‘Folon Foundation’, which opened in La Hulpe on 27 October 2000. Fifteen exhibition rooms allow visitors to discover more than five hundred works by the artist (watercolours, paintings, sculptures, engravings, objects, etc.), paintings, sculptures, engravings, objects, posters and illustrations),
In September 2003, the Belgian artist was made a Chevalier de la Légion d’Honneur by French President Jacques Chirac. by French President Jacques Chirac.
51 x 71 x 41 cm Ed. 24/50
93 x 25,5 x 25,5 cm AP 17/20 Bronze edition
Né en Californie en 1923, Sam Francis a servi dans l’armée de l’air américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, avant d’obtenir des diplômes en psychologie et en botanique à l’université de Berkeley. Dans les années 1950, il s’installe à Paris où il découvre les ‘Nymphéas’ de Claude Monet, qui influencent durablement l’échelle de son art et sa sensibilité à la lumière, à la couleur et à l’art abstrait. Son œuvre évolue des abstractions monochromes aux riches peintures murales chromatiques, en passant par ses emblématiques peintures « ouvertes », dans lesquelles des éclaboussures et des gouttes de couleurs vives sont ponctuées d’étendues de blanc. Ces peintures expressionnistes abstraites sont devenues synonymes de l’œuvre de Francis, et le mouvement s’est défini en même temps que lui.
À partir des années 1960, Sam Francis vit et travaille à Los Angeles à l’exception d’un séjour au Japon au milieu des années 1970. Il a également été l’un des fondateurs du ‘Los Angeles County Museum of Art’, dont les œuvres font partie de la collection permanente, tout comme celles du ‘Kunstmuseum de Bâle’, du ‘Centre Pompidou’ de Paris et du ‘Metropolitan Museum of Art’ de New York.
Born in California in 1923, Sam Francis served in the U.S. Air Force during World War II, before earning degrees in psychology and botany at UC Berkeley. In the 1950s, he moved to Paris, where he discovered Claude Monet’s ‘Water Lilies’, which had a lasting influence on the scale of his art and his sensitivity to light, color and abstract art. His work evolves from monochrome abstractions to rich, chromatic murals, including his iconic “open” paintings, in which splashes and drips of vivid color are punctuated by expanses of white. These abstract expressionist paintings became synonymous with Francis’ work, and the movement defined itself as he did.
From the 1960s onwards, Sam Francis lived and worked in Los Angeles, with the exception of a stay in Japan in the mid-1970s. He was also one of the founders of the Los Angeles County Museum of Art, whose works are part of the permanent collection, along with those of the Kunstmuseum Basel, the Centre Pompidou in Paris and the Metropolitan Museum of Art in New York.
55,9 x 75 cm
Acrylique sur papier - Acrylic on paper
Unique Piece
178 000 €
SFM 199 - 1986
122 x 102 cm
Lithographie - Lithography Edition 86/240
178 000 €
Né en mai 1958 en Pennsylvanie, Keith Haring est surtout connu pour ses dessins saisissants inspirés des graffitis, qui l’ont conduit des rues, des métros et des clubs de New York, aux musées et aux espaces publics du monde entier. Fasciné par la bande dessinée dès son plus jeune âge, Keith Haring abandonne l’Ivy School of Professional Art de Pittsburgh pour s’installer à New York et s’inscrire à la School of Visual Arts en 1978. Il y découvre une communauté artistique florissante qui comprend des artistes émergents tels que Jean-Michel Basquiat, avec qui il se lie d’amitié. Keith Haring crée un style graphique singulier basé sur la primauté de la ligne, qu’il peuple d’images caractéristiques telles que des figures dansantes, des « bébés radieux », des chiens aboyeurs et des soucoupes volantes, auxquelles il insuffle une énergie et un optimisme hors du commun. Après avoir utilisé la ville comme toile, il a appliqué ses lignes audacieuses et ses couleurs vives à des dessins et des peintures autonomes. En trouvant un moyen direct d’exprimer des concepts universels tels que la naissance, la mort, l’amour, le sexe et la guerre, Keith Haring a créé une imagerie durable qui a été adoptée dans le monde entier.
Born in Pennsylvania in May 1958, Keith Haring is best known for his striking graffiti-inspired drawings, which have taken him from the streets, subways and clubs of New York to museums and public spaces around the world. Fascinated by comics from an early age, Keith Haring dropped out of Pittsburgh’s Ivy School of Professional Art to move to New York and enroll at the School of Visual Arts in 1978. There he discovered a thriving artistic community that included emerging artists such as Jean-Michel Basquiat, with whom he became friends. Keith Haring created a singular graphic style based on the primacy of line, which he populated with characteristic images such as dancing figures, “radiant babies”, barking dogs and flying saucers, and to which he infused an uncommon energy and optimism.
After using the city as his canvas, he applied his bold lines and vivid colors to stand-alone drawings and paintings. By finding a direct way to express universal concepts such as birth, death, love, sex and war, Keith Haring created an enduring imagery that has been adopted the world over.
96,5 x 96,5 cm
Sérigraphie - Silk-screen printing Sheet 4/10
9 800 €
96,5 x 96,5 cm
Sérigraphie - Silk-screen printing Sheet 10 /10
9 800 €
106 x 127 cm
Sérigraphie en couleurs signée au crayon sur Papier Vélin
Silkscreen in color signed in pencil on Velin paper
Edition 93/100
78 000 €
106 x 127 cm
Sérigraphie en couleurs signée au crayon sur Papier Vélin
Silkscreen in color signed in pencil on Velin paper
Edition 93/100
78 000 €
108 x 132 cm
Sérigraphie - Silk-screen printing AP 2/2
55 000 €
227 x 250 cm
34 800 €
Avec sa personnalité flamboyante et son penchant pour l’autopromotion, Damien Hirst est peut-être l’artiste britannique le plus connu aujourd’hui. Né à Bristol en 1965, il a connu un début de carrière terne ; son travail en tant qu’étudiant à la Goldsmiths School of Art a été décrit comme peu distingué. Mais en 1988, il se fait un nom en organisant Freeze, une exposition de travaux d’étudiants qui sera plus tard considérée comme l’origine des influents Young British Artists (YBA), un groupe vaguement affilié à lui et à ses pairs tels que Jake & Dinos Chapman, Tracey Emin et Sarah Lucas, qui domineront le monde de l’art britannique dans les années 1990. Préoccupé par le concept de la mort depuis son plus jeune âge, Damien Hirst a utilisé des animaux morts conservés comme matériau principal dans plusieurs œuvres. Il a également réalisé un film satirique intitulé «Treasures from the Wreck of the Unbelievable» (Trésors de l’épave de l’Incroyable), qui documente de fausses œuvres d’art provenant de naufrages ayant attiré l’attention du monde entier. Les œuvres de l’artiste appartiennent à de nombreux musées dans le monde, dont le ‘Tate Modern’ de Londres, la collection ‘Astrup Fearnley’ d’Oslo et le ‘Museum of Fine Arts’ de Boston.
With his flamboyant personality and penchant for self-promotion, Damien Hirst is perhaps the best-known British artist today. Born in Bristol in 1965, he had a lacklustre start to his career; his work as a student at Goldsmiths School of Art was described as undistinguished. But in 1988, he made a name for himself by organizing Freeze, an exhibition of student work that would later be seen as the origin of the influential Young British Artists (YBA), a group loosely affiliated to him and peers such as Jake & Dinos Chapman, Tracey Emin and Sarah Lucas, who would dominate the British art world in the 1990s.
Preoccupied with the concept of death from an early age, Damien Hirst has used preserved dead animals as the main material in several works. He has also made a satirical film entitled “Treasures from the Wreck of the Unbelievable”, documenting fake works of art from shipwrecks that have attracted worldwide attention. The artist’s works are held in museums around the world, including London’s Tate Modern, Oslo’s Astrup Fearnley Collection and Boston’s Museum of Fine Arts.
POLYTIQUE : TO BEGIN, TO BELIEVE, TO BELONG, TO LOSE, TO LOVE, TO LURE - 2008
41 x 44 cm x 6
Set de 6 Sérigraphies en couleurs sur Papier Vélin
Set of 6 color Serigraphs on Vellum Paper
32 500 €
119,5 x 108 cm
Photogravure, Gravure colorée à la main & Gouache
Photogravure, Hand-colored Etching & Gouache Edition 50/58
24 500 €
Robert Indiana est né dans l’Indiana en 1928. Il est adopté dès son plus jeune âge et reçoit le nom de Robert Clark. Après le lycée, Indiana s’engage dans l’US Air Force afin de financer son inscription à l’Art Institute of Chicago. En complément de ses études, il suit également des cours à la ‘Skowhegan School of Painting and Sculpture’ dans le Maine et à l’’Edinburgh College of Art’ en Écosse, avant d’obtenir sa licence en 1954. En 1958, il change son nom de famille de Clark en Indiana, en hommage à son État d’origine.
Bien que cette approche ait conduit certains à l’associer au mouvement du Pop art, il ne s’identifiait pas particulièrement à ce groupe. En 1965, le ‘Museum of Modern Art’ lui demande de concevoir une carte de Noël, pour laquelle il crée un motif avec le mot ‘love’. L’année suivante, il transpose l’œuvre sur une toile, qui deviendra le modèle de son œuvre sans doute la plus emblématique : LOVE (1966), une sculpture en aluminium du mot avec un « O » incliné. Aujourd’hui, parmi les nombreuses installations de ses œuvres dans le monde entier, il fait partie de la collection permanente d’institutions importantes.
Robert Indiana was born in Indiana in 1928. He was adopted at an early age and given the name Robert Clark. After high school, Indiana enlisted in the US Air Force to finance his enrolment at the Art Institute of Chicago. In addition to his studies, he attended the Skowhegan School of Painting and Sculpture in Maine and the Edinburgh College of Art in Scotland, before obtaining his bachelor’s degree in 1954. In 1958, he changed his surname from Clark to Indiana, in homage to his home state. Although this approach led some to associate him with the Pop art movement, he did not particularly identify with this group. In 1965, -the Museum of Modern Art asked him to design a Christmas card, for which he created a motif with the word “love”. The following year, he transposed the work onto canvas, which was to become the model for perhaps his most emblematic work: LOVE (1966), an aluminum sculpture of the word with an inclined “O”. Today, among the many installations of his work around the world, it forms part of the permanent collections of major institutions.
244 x 245 cm
Edition 75/175
17 800 €
x 245 cm
Edition 37/100
46 800 €
Né dans le Missouri en 1923, Paul Jenkins est un peintre abstrait américain qui a passé sa vie entre New York et Paris. Après des études au Kansas City Art Institute il entre à la Art Students League où il travaille avec Yasuo Kuniyoshi et se familiarise avec le mouvement expressionniste abstrait. Grand représentant de l’Abstraction lyrique de l’école de New York, il était proche de Jackson Pollock et de Mark Rothko. Paul Jenkins est connu pour son processus de peinture, qui consiste à verser de la peinture sur la toile. En dirigeant la toile pour contrôler le débit de peinture, il parvient à créer un effet diaphane et lumineux. Ses œuvres se caractérisent par des couleurs vives.
Ses œuvres font partie, entre autres, des collections permanentes du ‘Hirshhorn Museum and Sculpture Garden’, du ‘Smithsonian American Art Museum’, de la ‘National Gallery’ de Washington D.C., du ‘MoMA’ et du ‘Guggenheim’ de New York, du ‘Fogg Museum of Art ‘de l’université d’Harvard, de la ‘Tate Gallery’ de Londres et du ‘Centre Pompidou’ de Paris .
Born in Missouri in 1923, Paul Jenkins was an American abstract painter who has spent his life between New York and Paris. After studying at the Kansas City Art Institute, he joined the Art Students League, where he worked with Yasuo Kuniyoshi and became familiar with the Abstract Expressionist movement. A leading exponent of Lyrical Abstraction of the New York School, he was close to Jackson Pollock and Mark Rothko. Paul Jenkins is known for his painting process, which involves pouring paint onto the canvas. By directing the canvas to control the flow of paint, he creates a diaphanous, luminous effect. His works are characterized by vivid colors. His works are included in the permanent collections of the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, the Smithsonian American Art Museum, the National Gallery in Washington D.C., MoMA and the Guggenheim in New York, the Fogg Museum of Art at Harvard University, the Tate Gallery in London and the Centre Pompidou in Paris, among others.
122 x 162,5 cm
Acrylique sur toile - Acrylic on canvas
Unique Piece
69 000 €
Élevé en France dans un milieu artistique, Yves Klein exprime ses penchants artistiques dès l’adolescence. Selon un récit, sur la plage de Nice avec ses amis d’enfance, le poète Claude Pascal et l’artiste Arman, le jeune Klein a symboliquement revendiqué le ciel comme son médium. C’est ainsi que Klein développera plus tard sa signature, l’International Klein Blue (IKB), une teinte saturée qu’il utilisera dans nombre de ses peintures, sculptures et performances et qu’il fera breveter en 1960. Yves Klein était une figure de proue du Nouveau Réalisme, le mouvement crée en 1960 par le critique d’art Pierre Restany, qui aspirait à découvrir de « nouvelles façons de percevoir le réel ». Ses œuvres les plus célèbres sont peut-être ses Monochromes, qu’il a exécutés dans une gamme de couleurs comprenant l’orange, le jaune et le rose, pour finalement se concentrer sur l’IKB, le pigment outremer en suspension dans une résine synthétique qu’il a développée et fabriquée. Cette couleur incarne l’essence de l’idée pure et apparaît dans nombre de ses peintures et sculptures. Ses œuvres figurent dans les collections de musées du monde entier, notamment le ‘Solomon R. Guggenheim Museum’ à New York, le ‘Centre Pompidou’ à Paris,et le ‘Kunsthaus’ de Zurich.
Brought up in an artistic environment in France, Yves Klein expressed his artistic inclinations from adolescence onwards. According to one account, on the beach in Nice with his childhood friends, the poet Claude Pascal and the artist Arman, the young Klein symbolically claimed the sky as his medium. Klein would later develop his signature International Klein Blue (IKB), a saturated hue he used in many of his paintings, sculptures and performances, and patented in 1960. Yves Klein was a leading figure in Nouveau Réalisme, the movement founded in 1960 by art critic Pierre Restany, which aspired to discover “new ways of perceiving reality”. His most famous works are perhaps his Monochromes, which he executed in a range of colors including orange, yellow and pink, eventually focusing on IKB, the ultramarine pigment suspended in a synthetic resin he developed and manufactured. This color embodies the essence of the pure idea and appears in many of his paintings and sculptures. His work can be found in museum collections around the world, including the Solomon R. Guggenheim Museum in New York, the Centre Pompidou in Paris and the Kunsthaus in Zurich.
36 x 124 x 100 cm
Table en Verre, Plexiglas, Métal et Pigments Purs IKB
Table in Glass, Plexiglas, Metal and Pure Pigments IKB
27 500 €
Marie Laurencin, figure centrale de la bohème parisienne, est surtout connue pour ses portraits stylisés d’ingénues lumineuses aux yeux sombres se prélassant dans des intérieurs aux tons pastel. Marie Laurencin est née en 1883 à Paris. Elle étudie la peinture sur porcelaine à Sèvres avant de revenir à Paris pour étudier la peinture à l’huile à l’Académie Humbert. Au début du XXe siècle, elle évolue dans deux cercles distincts d’artistes d’avantgarde : «Les cubistes de Montmartre» regroupés autour de Picasso et Braque, et le collectif de «la Section d’Or» composé de peintres, de poètes et de critiques. Ce dernier groupe s’est fait connaître après sa participation au Salon des Indépendants de 1911. Elle connaît une réussite financière éphémère jusqu’à la Grande Dépression, après quoi elle devient professeur d’art dans une école privée. À l’occasion du centenaire de sa naissance en 1983, le ‘musée Marie Laurencin’ a ouvert ses portes à Nagano, au Japon, avec une collection permanente de plus de 500 de ses peintures, dessins et gravures. Aujourd’hui, ses œuvres sont également exposées au ‘Museum of Modern Art’ de New York, à la ‘Tate Gallery’ de Londres et au ‘Haggin Museum de Stockton’ en Californie.
Marie Laurencin, a central figure of Parisian bohemia, is best known for her stylized portraits of luminous, dark-eyed ingénues lounging in pastel interiors. Marie Laurencin was born in Paris in 1883. She studied porcelain painting at Sèvres before returning to Paris to study oil painting at the Académie Humbert. At the beginning of the 20th century, she was involved in two distinct circles of avant-garde artists: “Les cubistes de Montmartre”, grouped around Picasso and Braque, and the “Section d’Or” collective of painters, poets and critics. The latter group made a name for itself after participating in the 1911 Salon des Indépendants. She enjoyed short-lived financial success until the Great Depression, after which she became an art teacher in a private school. To mark the centenary of her birth in 1983, the ‘Musée Marie Laurencin’ opened in Nagano, Japan, with a permanent collection of over 500 of her paintings, drawings and prints. Today, her works are also on show at the Museum of Modern Art in New York, the Tate Gallery in London and the Haggin Museum in Stockton, California.
45 x 36 cm
Aquarelle & Graphite sur Papier
Watercolor & Graphite on Paper
Unique Piece
48 900 €
Né à Manhattan en 1923, Roy Lichtenstein s’est fait connaître dans les années 1960 comme l’un des précurseurs du mouvement pop art. Avant de créer ses peintures inspirées de la bande dessinée, il a étudié les beaux-arts comic-strip-inspired à l’Art Students League de New York sous la direction de l’artiste réaliste américain Reginald Marsh. Plus tard, après avoir servi pendant la Seconde Guerre mondiale, il a étudié l’art à l’Ohio State dans le cadre du GI Bill. Ses œuvres se caractérisent par des points Benday peints, qui imitent l’impression commerciale. Plus tard dans les années 1960 et tout au long de sa carrière, Roy Lichtenstein expérimente un certain nombre de styles, notamment en reproduisant des chefs-d’œuvre de Picasso et de Mondrian. Ses peintures font partie des collections de musées du monde entier, notamment du ‘Museum of Modern Art’ de New York, de la ‘National Gallery of Art’ de Washington DC et du ‘Museum Ludwig’ de Cologne.
Born in Manhattan in 1923, Roy Lichtenstein made his name in the 1960s as one of the precursors of the Pop Art movement. Before creating his comic-book-inspired paintings, he studied fine art-comic-strip-inspired-at the Art Students League in New York under the guidance of American realist artist Reginald Marsh. Later, after serving in World War II, he studied art at Ohio State under the GI Bill. His works are characterized by painted Benday dots, which mimic commercial printing. Later in the 1960s and throughout his career, Roy Lichtenstein experimented with a number of styles, notably reproducing masterpieces by Picasso and Mondrian. His paintings are in the collections of museums around the world, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington DC and the Museum Ludwig in Cologne.
45,5 x 61 cm
Lithographie en couleurs Offset sur Papier Vélin
Offset color lithograph on Vellum paper
Unnumbered Edition
98 000 €
69 x 51,5 cm
Lithographie originale en couleurs Offset sur Papier Vélin
Original Offset color lithograph on Vellum paper
Unnumbered Edition
67 000 €
84,5 x 60,5 cm
Lithographie en couleurs sur Papier Vélin d’Arches
Color lithograph on Vellum Paper AP 14/30
15 000 €
Fils de riches négociants en grains, Henri Matisse a suivi des études de droit avant de découvrir l’art et de s’inscrire à l’Académie Julian, puis à l’École des Beaux-Arts de Paris. De ces racines conservatrices sont nées des expérimentations radicales, au fur et à mesure que Matisse découvrait le travail de Vincent van Gogh et des post-impressionnistes. Après un voyage dans le sud de la France en 1904, où la qualité de la lumière du soleil l’éblouit, Henri Matisse réoriente complètement son esthétique. Au Salon d’automne de 1905 à Paris, il présente des œuvres aux couleurs vibrantes et non naturelles qui attirent l’attention des critiques, des artistes et de mécènes d’avant-garde. Les œuvres de cette période ‘Riviera’ des années 1920 se concentrent sur les intérieurs et les portraits, bien qu’il crée également de la lithographie à la sculpture. Au cours des dernières années de sa vie, sa santé décline et il mène une existence plutôt isolée. Ayant perdu une grande partie de sa dextérité, il entreprend des séries de papiers découpés afin de composer divers collages. Les œuvres d’Henri Matisse figurent dans les collections d’éminents musées, notamment le ‘Museum of Modern Art’ de New York, le musée de l’Ermitage de Saint-Pétersbourg (Russie), le ‘Kunstmuseum’ de Berne et le musée Matisse de Nice.
Son of wealthy grain merchants, Henri Matisse studied law before discovering art and enrolling at the Académie Julian, then the École des Beaux-Arts in Paris. From these conservative roots came radical experimentation, as Matisse discovered the work of Vincent van Gogh and the Post-Impressionists. After a trip to the south of France in 1904, where the quality of the sunlight dazzled him, Henri Matisse completely reoriented his aesthetic. At the 1905 Salon d’Automne in Paris, he presented works in vibrant, unnatural colors that attracted the attention of avant-garde critics, artists and patrons.
Works from this ‘Riviera’ period of the 1920s focused on interiors and portraits, although he also created lithographs and sculptures. In the last years of his life, his health declined and he led a rather isolated existence. Having lost much of his dexterity, he began a series of paper cut-outs for various collages. Works by Henri Matisse can be found in the collections of eminent museums, including the Museum of Modern Art in New York, the Hermitage Museum in St. Petersburg (Russia), the Kunstmuseum in Bern and the Musée Matisse in Nice.
61 x 41 cm
sur papier - Ink on paper Unique Piece
352 000 €
Né en 1893 à Barcelone, Joan Miró commence ses études artistiques très tôt, à l’âge de quatorze ans, à l’Académie des beaux-arts de Barcelone. En 1917, il présente sa première exposition personnelle, la même année où il rencontre Pablo Picasso et Francis Picabia.
Bien que les premières œuvres de Joan Miró aient été influencées par plusieurs mouvements de l’époque, dont le fauvisme, le cubisme et le dadaïsme, c’est parmi les surréalistes, dont il a signé le premier manifeste en 1924, qu’il s’est le plus fait connaître. Tout au long de sa carrière, malgré des retours occasionnels à la figuration ou à l’abstraction totale, Miró est resté fidèle au principe fondamental du surréalisme : travailler avec l’intention de libérer les pouvoirs créatifs de l’inconscient des contraintes de la logique et de la raison.
Une grande partie de l’œuvre de Joan Miró est empreinte d’un charmant sens du jeu, bien que le début de la guerre civile espagnole ait inspiré des motifs plus solennels et mélancoliques dans son travail.
Ses œuvres font notamment partie de collections au sein de la ‘Fundació Joan Miró’ à Barcelone, le ‘Museu d’Art Contemporani’ de Barcelone, le ‘Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia’ à Madrid, et la ‘Fundación MAPFRE’ à Madrid.
Born in Barcelona in 1893, Joan Miró began his artistic studies at the early age of fourteen, at the Barcelona Academy of Fine Arts. In 1917, he held his first solo exhibition, the same year he met Pablo Picasso and Francis Picabia. Although Joan Miró’s early works were influenced by several movements of the time, including Fauvism, Cubism and Dadaism, it was among the Surrealists, whose first manifesto he signed in 1924, that he became best known. Throughout his career, despite occasional returns to figuration or total abstraction, Miró remained faithful to the fundamental principle of Surrealism: to work with the intention of liberating the creative powers of the unconscious from the constraints of logic and reason. Much of Joan Miró’s work is imbued with a charming sense of playfulness, although the outbreak of the Spanish Civil War inspired more solemn and melancholy motifs in his work.
His works are held in collections including the ‘Fundació Joan Miró’ in Barcelona, the ‘Museum d’Art Contemporani’ in Barcelona, the ‘Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia’ in Madrid, and the ‘Fundación MAPFRE’ in Madrid.
58,5 x 93 cm
Gravure avec Aquatinte en couleurs sur Papier Vélin de Mandeure
Engraving with Aquatint in colors on Papier Vélin de Mandeure
38 900 €
65 x 45 cm
Lithographie en couleurs - Lithography in color
Edition 58/80
13 800 €
75 x 58 cm
Aquatinte imprimée en couleurs au carborundum sur papier chiffon Mandeure
Aquatint printed in carborundum colors on Mandeure rag paper
104 x 69,5 cm
Aquatinte imprimée en couleurs au carborundum sur papier chiffon Mandeure
Aquatint printed in carborundum colors on Mandeure rag paper
OM (Edition 75)
32 500 €
Pablo Picasso est sans doute l’artiste le plus célèbre et le plus influent du XXe siècle. Né en Espagne en 1881, il commence à dessiner dès son plus jeune âge sous la direction de son père, José Ruiz Blasco, qui était peintre académique. Après avoir étudié à l’école d’art La Lonja à Barcelone, Pablo Picasso s’installe à Paris.
La progression des premières œuvres de Picasso est en grande partie déterminée par la palette de couleurs prédominante utilisée dans ses œuvres à un moment donné. Sa première phase artistique est la période bleue (1901-1904), elle est suivie par la période rose, qui introduit des sujets plus lyriques tels que des jongleurs, des acrobates et d’autres artistes. La transition de Pablo Picasso vers le cubisme est marquée par son chef-d’œuvre «Les Demoiselles d’Avignon» (1907). Ce style qui influencera son Œ uvre à des degrés divers pendant le reste de sa longue carrière. L’artiste passait facilement d’un médium à l’autre, y compris la céramique, la sculpture, la gravure et le collage, le tout avec la même virtuosité qu’il possédait en peinture. Ses œuvres sont conservées dans les plus grandes collections d’art du monde entier ainsi que dans les musées Picasso de Paris, de Barcelone, d’Antibes et de Malaga.
Pablo Picasso is arguably the most famous and influential artist of the 20th century. Born in Spain in 1881, he began drawing at an early age under the guidance of his father, José Ruiz Blasco, who was an academic painter. After studying at the La Lonja art school in Barcelona, Pablo Picasso moved to Paris.
The progression of Picasso’s early works is largely determined by the predominant color palette used in his work at any given time. His first artistic phase was the blue period (1901-1904), followed by the pink period, which introduced more lyrical subjects such as jugglers, acrobats and other artists. Pablo Picasso’s transition to Cubism is marked by his masterpiece “Les Demoiselles d’Avignon” (1907). This style would influence his work to varying degrees for the rest of his long career.
The artist moved easily from one medium to another, including ceramics, sculpture, engraving and collage, all with the same virtuosity he possessed in painting.
His works are held in major art collections around the world, as well as in the Picasso museums in Paris, Barcelona, Antibes and Malaga.
34 x 45 cm
Pointe sèche sur filigrane Montval Vollard
Drypoint on Montval Vollard watermark
22 800 €
22 500 €
REPRÉSENTANT LE RAPT D’EUROPE - 1933
34 x 45 cm
Gravure sur Papier Vélin d’Arches Engraving on Arches Vellum Paper Edition 56/260
25 200 €
62 x 58 cm
Lithographie signée sur la planche - Lithograph signed on the plate
Unnumbered Edition
1 300 €
Membre du groupe français des Nouveaux Réalistes, Mimmo Rotella était un artiste surtout connu pour ses « doubles décollages ». Né à Catanzaro, il a étudié à l’Accademia di Belle Arti à Naples, puis s’est installé à Rome en 1945. C’est également à cette époque qu’il développe la poésie « épistaltique », une combinaison de mots réels et inventés, de sons et de répétitions d’onomatopées. En 1951, il reçoit une bourse Fulbright et se rend aux États-Unis, où il étudie à l’université de Kansas City. Lorsqu’il revient à Rome en 1953, il commence à réaliser ses premiers décollages, des compositions composées d’affiches décollées des murs extérieurs de Rome. Ces affiches sont appliquées sur des toiles, puis déchirées. D’abord abstraits, il crée à partir de 1958 des décollages figuratifs. Dans les années 1980, il s’installe à Milan et réalise ses blanks, dans lesquels il recouvre les affiches déchirées de feuilles de papier monochromes. En 1984, il commence à peindre et réalise des séries dans lesquelles il peint directement sur des publicités. En 2000, la ‘Fondation Mimmo Rotella’ a été créée dans le but de promouvoir l’art contemporain et de préserver l’Œuvre de l’artiste.
Member of the French Nouveaux Réalistes group, Mimmo Rotella was best known for his “double décollages”. Born in Catanzaro, he studied at the Accademia di Belle Arti in Naples, then moved to Rome in 1945. It was also during this period that he developed “epistaltic” poetry, a combination of real and invented words, sounds and repetitions of onomatopoeia. In 1951, he received a Fulbright scholarship to the United States, where he studied at Kansas City University. When he returned to Rome in 1953, he began producing his first décollages, compositions composed of posters peeled off Rome’s exterior walls. These posters were applied to canvas, then torn up. Initially abstract, from 1958 onwards he created figurative décollages.
In the 1980s, he moved to Milan and created his blanks, in which he covered torn posters with monochrome sheets of paper. In 1984, he began painting, creating series in which he painted directly onto advertisements. In 2000, the ‘Mimmo Rotella Foundation’ was created to promote contemporary art and preserve the artist’s work.
110 x 70 cm
Multiples Collages - Multiple Collages
Né en Hongrie en 1908 sous le nom de Vásárely Gyözö, Victor Vasarely est largement considéré comme l’initiateur de l’Op art, un style basé sur l’illusion d’optique. Débutant sa carrière à Paris en 1930 dans plusieurs agences de publicité pour soutenir son travail dans les arts graphiques, il commence à développer sa signature abstraite après le succès de sa première exposition personnelle en 1944. Très influencé par les abstractionnistes géométriques tels que Kazimir Malevitch et Piet Mondrian, Victor Vasarely maîtrise l’utilisation des effets optiques et de l’illusion par le biais de la couleur et des formes géométriques.
Une grande partie de son Œuvre est également une réponse au progrès technologique moderne, l’artiste fondant souvent ses abstractions sur des calculs mathématiques et des théories scientifiques ; il considérait que son travail avait une corrélation directe et visuellement perceptible avec l’énergie, l’espace, la matière, le mouvement et le temps. Plus tard dans sa carrière, Victor Vasarely a reçu de nombreux prix et récompenses, dont le prix Guggenheim à New York en 1964 et la Légion d’honneur française en 1970. Ses œuvres se trouvent notamment au ‘Museum of Modern Art’ à New York, au ‘Centre Pompidou’ à Paris, et au ‘Metropolitan Museum of Art’ à New York.
Born Vásárely Gyözö in Hungary in 1908, Victor Vasarely is widely regarded as the originator of Op art, a style based on optical illusion. Beginning his career in Paris in 1930 in several advertising agencies to support his work in the graphic arts, he began to develop his signature abstract style after the success of his first solo exhibition in 1944. Strongly influenced by geometric abstractionists such as Kazimir Malevitch and Piet Mondrian, Victor Vasarely mastered the use of optical effects and illusion through color and geometric forms. Much of his work is also a response to modern technological progress, with the artist often basing his abstractions on mathematical calculations and scientific theories; he saw his work as having a direct, visually perceptible correlation with energy, space, matter, movement and time. Later in his career, Victor Vasarely received numerous prizes and awards, including the Guggenheim Prize in New York in 1964 and the French Légion d’honneur in 1970. His works can be found at the Museum of Modern Art in New York, the Centre Pompidou in Paris and the Metropolitan Museum of Art in New York.
36 x 34 cm
Gouache & Collage sur Papier
Gouache & Collage on Paper
13 500 €
80 x 80 cm
Sérigraphie en couleurs sur Papier
Color Silk-screen on paper
Edition 50/50
8 900 €
Fils d’immigrés slovaques, né en Pennsylvanie en 1928, Andy Warhol a su allier avant-garde et sensibilité commerciale, ce qui a fait de lui un des fondateurs et une figure de proue du Pop Art. À partir du début des années 1960, son Œuvre explore la relation entre la publicité, la célébrité et l’expression artistique par le biais de la peinture, de la sérigraphie, de la sculpture, du cinéma et de la photographie. Diplômé en design pictural du Carnegie Institute of Technology en 1949, Warhol s’installe à New York, où il devient l’un des illustrateurs commerciaux les plus populaires et les plus imités des années 1950, avec des clients tels que Harper’s Bazaar et Tiffany & Co. Se tournant vers la peinture, il révolutionne la forme sur le plan conceptuel et technique, en produisant des œuvres sur les produits de masse et les célébrités à travers la sérigraphie, un procédé qui supprime les traces de la main de l’artiste tout en permettant la répétition d’une image avec des variations. Avec des œuvres qui satirisent et célèbrent à la fois la matérialité et la célébrité, Andy Warhol a façonné de nombreuses générations d’artistes par la suite. Ses œuvres font partie des collections du ‘Museum of Modern Art’ de New York, du ‘Moderna Musset’ de Stockholm, du ‘San Francisco Museum of Modern Art’ ...
Son of Slovak immigrants born in Pennsylvania in 1928, Andy Warhol’s combination of avantgarde and commercial sensibility made him one of the founders and leading figures of Pop Art. From the early 1960s onwards, his work explored the relationship between advertising, celebrity and artistic expression through painting, silkscreening, sculpture, film and photography.
After graduating in pictorial design from the Carnegie Institute of Technology in 1949, Warhol moved to New York, where he became one of the most popular and imitated commercial illustrators of the 1950s, with clients including Harper’s Bazaar and Tiffany & Co. Turning to painting, he revolutionized the form conceptually and technically, producing works on massproduced goods and celebrities through silkscreen, a process that removes traces of the artist’s hand while allowing an image to be repeated with variations. With works that both satirize and celebrate materiality and celebrity, Andy Warhol shaped many subsequent generations of artists. His works can be found in the collections of New York’s Museum of Modern Art, Stockholm’s Moderna Musset, the San Francisco Museum of Modern Art...
96,5 x 96,5 cm
Sérigraphie - Silk-screen printing Edition 62/250
148 000 €
96,5 x 96,5 cm
Sérigraphie - Silk-screen printing Edition 133/190
188 000 €
Tom Wesselmann, l’une des premières figures du pop art américain, se destinait à l’origine à la caricature. Né en 1931 dans l’Ohio, il a d’abord étudié la psychologie. Peu après avoir obtenu son diplôme à l’université de Cincinnati, il s’installe à New York pour étudier l’art à la Cooper Union. Ses premières œuvres étaient de petits collages et assemblages, utilisant d’abord du papier jeté et de vieilles publicités, puis intégrant des objets trouvés, tels que des ustensiles ou même de vieux téléviseurs.
Sa première grande série, «Great American Nude», commencée en 1961, a attiré l’attention du monde de l’art. Mettant en scène des figures féminines agressivement sexualisées et fortement dépersonnalisées dans un environnement banal, les compositions se concentrent sur des détails sensuels, tels que la bouche, les mamelons et les organes génitaux des femmes. Cette série illustre la place de Tom Wesselmann comme l’un des initiateurs du Pop art américain ; l’utilisation de couleurs vives et non diluées ainsi que les motifs impersonnels, semblables à ceux de la publicité, sont autant de caractéristiques de ce mouvement.
Tom Wesselmann, one of the first figures of American pop art, was originally destined to become a cartoonist. Born in Ohio in 1931, he initially studied psychology. Shortly after graduating from the University of Cincinnati, he moved to New York to study art at the Cooper Union. His early works were small collages and assemblages, first using discarded paper and old advertisements, then incorporating found objects, such as utensils or even old TV sets. His first major series, “Great American Nude”, begun in 1961, attracted the attention of the art world. Featuring aggressively sexualized and highly depersonalized female figures in mundane surroundings, the compositions focus on sensual details, such as women’s mouths, nipples and genitals. This series illustrates Tom Wesselmann’s place as one of the initiators of American Pop Art; the use of bright, undiluted colors and impersonal, advertising-like motifs are all hallmarks of this movement.
96,5 x 152,5 cm
Sérigraphie en couleurs sur Papier Wove
Color Silk-screen on paper Edition 45/75
32 500 €
149 x 164,5 cm
Sérigraphie en couleurs - Color Silk-screen printing Edition 85/100
31 800 €
Né dans la province du Sichuan (Chine) en 1968, Feng Zheng-jie (chinois, né en 1968) est un peintre contemporain. Il a étudié à l’Académie des beaux-arts du Sichuan, où il a obtenu une licence en éducation des beauxarts en 1992 et une maîtrise en peinture à l’huile en 1995. L’Œuvre de Feng Zheng-Jie est souvent comparée aux sérigraphies d’Andy Warhol avec son utilisation de couleurs anormalement vives et sa perspective aplatie. Ses portraits, inspirés des panneaux d’affichage, sont généralement massifs et représentent des femmes à l’allure glamour, aux cheveux balayés par le vent et aux lèvres rouges et pulpeuses. Les yeux de ses modèles - considérés comme sa signature artistique - sont mystérieusement vides et errants, représentant la critique de l’artiste à l’égard du vide associé à la société de consommation. Ses portraits sont immédiatement reconnaissables à leur palette de rouges riches, de roses électriques, de verts persistants et de sarcelles profondes. Ses œuvres ont fait l’objet d’expositions individuelles dans de nombreux musées et galeries du monde entier, notamment à la ‘Primo Marella Gallery’ de Milan, au ‘Shine Art Space’ de Shanghai et à la ‘Tilton Gallery’ de New York.
Shanghai et à la ‘Tilton Gallery’ de New York. Born in Sichuan province (China) in 1968, Feng Zheng-jie (Chinese, b. 1968) is a contemporary painter. He studied at the Sichuan Academy of Fine Arts, where he obtained a Bachelor’s degree in Fine Arts Education in 1992 and a Master’s degree in Oil Painting in 1995. Feng Zheng-Jie’s work is often compared to Andy Warhol’s serigraphs, with their use of unnaturally bright colors and flattened perspective. His billboard-inspired portraits are generally massive, depicting glamorous-looking women with windswept hair and luscious red lips. His models’ eyes - considered her artistic signature - are mysteriously empty and wandering, representing the artist’s critique of the emptiness associated with consumer society. His portraits are immediately recognizable by their palette of rich reds, electric pinks, evergreens and deep teals.
His work has been the subject of solo exhibitions in numerous museums and galleries worldwide, including Milan’s Primo Marella Gallery, Shanghai’s Shine Art Space and New York’s Tilton Gallery.
x 40 cm
32 400 €
Unique Piece
Unique Piece
35 000 €
100 x 180 cm
sur toile - Oil on canvas
Unique Piece
44 500 €
150 x 150 cm
Acrylique sur toile - Acrylic on canvas
Unique Piece
150 x 150 cm
Unique Piece
98 000 €