Colectiva XLVII-Vitamina A | DIC 2023 by galeriaanimal

VITAMINA A COLECTIVA XLVII DICIEMBRE 2023

VITAMINA A COLECTIVA XLVII 21 DIC 2023 - 31 ENER0 2024

La exposición que cierra nuestro calendario del 2023 ha sido concebida como un vibrante recorrido a través de las obras de 12 artistas que exploran una variedad de técnicas y medios. La frescura y la fuerza impregnadas en estos trabajos van a tono con la culminación de un año exitoso para Galería Animal. Hemos presentado seis exposiciones, tanto individuales como colectivas, que han atraído a un amplio público. Vitamina A explora una diversidad de expresiones artísticas, desde la documentación fotográfica de la vida en un barrio emblemático de la ciudad de Buenos Aires, capturada por Cristóbal Palma, hasta la interpretación pictórica que se nutre de la historia del arte, en el caso de las pinturas intimistas de Pilita García, inspiradas en la icónica obra Red Studio (1911), de Matisse, que forma parte de la colección permanente del MoMa. Realizadas al óleo húmedo sobre húmedo, las pinturas de García se construyen de manera libre directamente sobre el lienzo a partir de un collage de imágenes digitales. En la composición, cada personaje y su vestuario parecen mimetizarse en entornos saturados de color. El registro fotográfico de Palma, realizado entre 2019 y 2020, captura la singularidad de Villa 31, un barrio bonaerense reconocido por su ubicación privilegiada y, al mismo tiempo, por su desconexión urbana. Las imágenes resaltan la diversidad y distintas formas de habitar presentes en esta comunidad. Cada proyecto de Javier Aravena Costa comienza con la exploración de zonas mixtas o cruces entre paisaje natural y urbano. La serie de fotografías analógicas que presenta en esta exposición se centra en detalles de las máquinas barredoras de nieve, resaltando aspectos de su estructura en medio del blanco paisaje que la mirada fugaz tiende a pasar por alto. En sus acuarelas de formato mínimo, Carmen Carreño Villavicencio plasma imágenes que emanan de la observación del paisaje a través de la ventana de un vehículo en movimiento. Con habilidad y sutileza, la artista se concentra en capturar las atmósferas y entornos que suelen pasar desapercibidos durante un viaje en carretera. La práctica artística de M. Jacinta Silva Armstrong se enfoca en el ámbito de las emociones y lo afectivo. Temas como el tiempo, la muerte, la fragilidad del momento presente, el habitar y el perderse se manifiestan en sus pinturas. Las obras expuestas en Vitamina A se detienen en elementos del cotidiano que invitan a la compresión de aspectos psicológicos y sociales más amplios.

Bernardita Arís recurre a la experimentación con los materiales y a la luz como medios para generar atmósferas fenomenológicas en sus pinturas. En sus representaciones de espacios arquitectónicos, la artista incorpora elementos fluidos de manera intuitiva, buscando establecer una tensión entre la estructura contenida y la experiencia visceral. Nora Unda busca evocar la fragilidad de la vida y la influencia humana en su entorno mediante composiciones realizadas en plastilina. Oníricas, coloridas y llenas de simbolismo, sus obras se inspiran en la naturaleza y en los animales. En "El Destierro", por ejemplo, un mandril similar a Kali, la diosa del hinduismo que simboliza el ciclo de la vida y la muerte, es elevado en una flor de loto, liberándose de lo terrenal. Aune Ainson presenta en esta exposición una serie de dibujos eróticos caracterizados por trazos libres y veloces que transmiten una sensación de agitación y confusión. Las representaciones de cuerpos distorsionados evocan un mapa pulsante de deseos que atraviesan nuestra cotidianidad, capturando simultáneamente la fluidez y la intensidad de la sensualidad humana. Diego Terán indaga en los efectos de la luz en nuestra percepción del mundo físico mediante la creación de objetos elaborados a partir de chapas de bronce latón, que corta, pule y pliega. Las siluetas planas y refractantes que exhibe en Vitamina A construyen un posible relato sobre la conexión entre nuestros antepasados, el cobre y la cultura visual que ha marcado nuestra historia. Las pinturas de Cristóbal Anwandter se construyen a partir de la interacción aleatoria de dos procesos esenciales: la repetición de patrones (como códigos de programación y geometrías fractales), construidos de manera mecánica, y su sometimiento a intervenciones, desplazamientos e incisiones de carácter análogo. El resultado es una imagen ambigua que explora los límites entre figura y fondo, soporte y materia, ordenamiento y accidente. Rodrigo Díaz crea composiciones dinámicas en las que la elección de colores, la disposición de elementos, la manipulación de luz y sombra, así como la relación entre lo que está en primer y segundo plano generan una amplia variedad de efectos ópticos. Muchas de sus imágenes evocan arquitecturas imaginarias que parecen suspenderse frente al espectador. Finalmente, la muestra incluye piezas geométricas de Sebastián Cobo que se distinguen por la repetición selectiva y aleatoria de movimientos, trazos y patrones. El artista, que trabaja exclusivamente a mano sobre diversos soportes, se destaca por su obsesiva pulcritud en cada uno de sus trabajos.

Vitamina A | Colectiva XLVII | Diciembre 2023

AUNE AINSON STATEMENT “Afternoon habits” - serie de dibujos eróticos que se caracteriza por sus tonos directos de lapiz de color y el trazo libre y veloz. A través de líneas delgadas y precisas se van revelando escenas, cuerpos y la dinámica de dobleces, dejando entrever el mapa pulsante de deseos que atraviesan el plano cotidiano.

BIO Nacida en Estonia, vive y trabaja en Santiago de Chile. Actualmente dedicada a fotografía y pintura. Titulada en Arte, con varios años de experiencia en enseñanza en Historia del Arte. Titulada además en Semiótica, con Magister en Semiótica y Teoría de la Cultura. Ha ganado dos becas para realizar estudios en Italia, y ha tomado cursos en ICP (International Center of Photography) en Nueva York. El año 2019 tuvo su exposición individual News From Nowhere en Galería CIMA y el 2022 "Sistemas Privados" en la Galerìa Nac. Ha participado en varias exposiciones colectivas y ferias de arte, siendo seleccionada en el concurso Artespacio Joven 2017 y ganadora de la beca para realizar la residencia Taller Bloc 2020. Ha realizado talleres de análisis de obra con Matias Movillo y Alejandra Prieto. Trabaja simultáneamente en distintos formatos y cuerpos de obra, desde el dibujo, pintura y fotografía.

Mapamundi Acrilico, lápiz y crayon sobre mantel 160 x 160 cm

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Serie Dibujos I al XII Tiralineas, lápiz y crayon sobre papel 32 x 23 cm

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CRISTÓBAL ANWANDTER STATEMENT En mi trabajo utilizo la pintura como eje principal y desde ahí reflexiono sobre diversas estrategias formales El interés consiste en generar imágenes a partir de la interacción aleatoria de dos procesos fundamentales: La repetición de patrones construidos de forma mecánica y el sometimiento de los mismos mediante intervenciones, desplazamientos e incisiones de carácter análogo. Utilizo patrones visuales de diversos orígenes como códigos de programación, geometrías fractales, grillas de composición, configuraciones del diseño textil entre otros Estos en una primera instancia dan orden, ritmo y sentido para posteriormente ser tergiversados, manipulados e incluso anulados. El uso de elementos y herramientas digitales, al contrario de considerarse artificiales, se presentan como una extensión de la mente humana. En la superposición des jerarquizada y aleatoria de estos procesos busco construir una imagen ambigua que invite a la reflexión sobre los límites entre figura y fondo, soporte y materia, ordenamiento y accidente. A partir de estas variables formales, desarrollo un sistema que construye relato material y establece relaciones simbólicas entre lo mecánico y lo accidental. Para mi esta reflexión es una oportunidad para pensar en las nociones de la pintura contemporánea. La estratificación delicada de la superficie, con sus represiones e ilusiones desvela apenas lo que está contenido. Al someterme a las leyes propias del material, cada pintura contribuye a la formación de una tipografía del inconsciente.

And some lines too Acrilico y esmalte sobre madera 152 x 180 cm

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BERNARDITA ARÍS STATEMENT En mi trabajo utilizo la pintura como eje principal y desde ahí reflexiono sobre diversas Mi medio es la pintura. Construyo las imágenes principalmente involucrando la experimentación con los materiales y los símbolos o ideas generales que se tiene por contención y desborde. La luz es una herramienta que uso constantemente para mover la superficie pictórica, y encontrar los paisajes ominosos de espacios arquitectónicos, mostrando los límites entre contención estructural y la experiencia visceral, con un especial énfasis en la intuición del inconsciente y las imágenes de fenómenos naturales.

BIOGRAFÍA Bernardita Arís Alonso (Talca, 1984) estudió Licenciatura en Artes Visuales con Mención en Pintura en la Universidad de Chile (2008). Ha expuesto colectivamente en el MAC de Valdivia con la exposición "Ejercicio: Retrato"(2008), en la Galería Animal en "Como queremos vivir" (2011), "Cortar y Pegar" en la Galería Sofá (2012) e individualmente en la Galería Pax con la exposición "Los Fuertes o el filo del cuchillo" (2010). Recientemente ganó la residencia que otorga Oficinas Meteoro, donde pudo trabajar y exponer individualmente en Galería Instituto Telearte con “Espejos rotos” (2022). También han publicado su obra en revistas nacionales e internacionales, como la chilena "Anuario Arte #2" (2008), la argentina "Dada Mini #7" (2009) y en páginas web como "Booooooom“ e "It´s nice that “.

Ventana Acrilico y óleo sobre tela 70 x 60 cm 2023

Luna llena (playa) Óleo sobre madera 18x17 cm 2023

Luna llena (negro) Óleo sobre madera 42x49 cm

Cascada Óleo sobre madera 40x40 cm 2023

Linterna Óleo sobre madera 39x40 cm 2023

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JAVIER ARAVENA STATEMENT El trabajo de Javier Aravena Costa se acerca al paisaje desde su tránsito, no hay una búsqueda del modelo sino más bien una búsqueda del trayecto, como una estrategia de entendimiento del territorio; geográfica, política y materialmente. De esta manera cada proyecto comienza con la exploración y el recorrido a pie de un territorio determinado, principalmente zonas mixtas o cruces entre paisaje natural y urbano. El paisaje no es entendido por estas investigaciones fotográficas como una totalidad, sino como una intersección entre un lugar y otro delimitado por vestigios posibles de identificar y transformar en signos visuales.

BIOGRAFÍA Javier Aravena Costa nació en 1986 en Santiago de Chile. Estudió Fotografía profesional en ARCOS y Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Mayor. Ha sido seleccionado para residencias , workshop y premios de fotografía, donde destaca la residencia en el Festival Internacional de Fotografía de Valparaíso (2012) y los workshop de trabajo con fotógrafos como François Hebel (Francia), Juan Valbuena (España), Andreas Rost (Alemania) Fernando Montiel (México) y el premio del festival “Nano Festival” a la categoría “Nano busca un autor”. Dentro de sus exposiciones se encuentran: “Retratos, paisajes y objetos en la fotografía chilena contemporánea” Galería Resplandor, Oaxaca, México (2015), “La Africana”, Galería Bech, Santiago Chile (2018), “Artefactos”, Galería XS, Santiago Chile (2018), “. En 2018 publica su primer fotolibro con la editorial ZuniZines “Densidad Relativa”, luego edita “La Africana”con la editorial Gronefot (2019) y “Escombros” (2020) publicado con su proyecto editorial Cizalla, donde actualmente es editor y curador.

Nieves 5 Fotografía análoga 95 x 116 cm

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Nieves 2 Fotografía análoga 95 x71 cm

Nieves 3 Fotografía análoga 95 x71 cm

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Nieves 1 Fotografía análoga 95 x71 cm

Nieves 4 Fotografía análoga 95 x71 cm

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CARMEN CARREÑO STATEMENT La obra se enfoca en la temática del viaje donde exploro el paisaje de recorridos específicos. Mi interés radica en representar el paisaje en tránsito, mirado desde una ventana, enfocándome en las atmósferas y situaciones que aparecen en la cotidianeidad del paisaje. Son escenas que pasan desapercibidas y que posteriormente se develan a través de la acuarela y el pequeño formato.

BIOGRAFÍA Carmen Carreño Villavicencio (Santiago, 1985). Estudió Licenciatura en Arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile donde comenzó a explorar la pintura realista en torno al cotidiano en distintas técnicas, posteriormente estudió un diplomado en estética y fotografía en la misma universidad. Ha sido seleccionada en concursos de arte contemporáneo como arte joven del museo MAVI y mención honrosa en el concurso de arte joven de la Universidad de Valparaíso, como también ha participado en ferias de arte como FAXXI y Artstgo entre otras.

Serie I al VII Acuarela sobre papel 6 x 9 cm c/u

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SEBASTIÁN COBO STATEMENT Mi obra se caracteriza por la exhaustiva repetición de movimientos, trazos y patrones. Exploro el acto de la repetición como quehacer estético, tomando la repetición selectiva y aleatoria como nueva herramienta y material dispuestos para experimentar mediante el error. Trabajo completamente a mano, sobre y con distintos soportes, destacando por la obsesiva limpieza, pulcritud y el uso de la geometría y la monocromía como eje principal. Actualmente, investigo y genero un proceso exploratorio de formato y materialidades, junto con la reinterpretación de imágenes, objetos y técnicas para la creación de nuevas obras.

BIOGRAFÍA Sebastián Cobo (Santiago, 1993) es Diseñador y Artista. Su obra se caracteriza por el uso de la geometría y la repetición selectiva y aleatoria de movimientos, trazos, patrones y objetos como herramienta visual para experimentar a través del error. Ha expuesto individualmente los proyectos ‘Ocupar un Vacío’ en Galería Animal, ‘Perderse en Extrañas Direcciones’ en Galería NAC, ‘Pensamientos en Detalle’ en Galería La Sala, entre otros. Su obra ha sido mostrada en varias exposiciones colectivas, ferias y proyectos tanto dentro como fuera de Chile. Ha realizado residencias artisticas en Piramidón – Centre d’art Contemporani (Barcelona, España. 2023), HANGAR – Centro de Investigaçao Artística (Lisboa, Portugal. 2022) y Proyecto PAC – Galería Gachi Prieto (Buenos Aires, Argentina. 2019) Su obra se ha agregado recientemente a las colecciones de Maya Castro y ‘Colección Ca.Sa’ en Santiago de Chile.

Ecos de imperfección Acrilico, spray, lápiz y pintura escenica sobre tela 145 x 96 cm

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Composiciones lineales A-B-C-D-E Tinta, acuarela y ñápiz sobre papel 47 x 37 cm c/u

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RODRIGO DÍAZ STATEMENT En mi obra hay siempre la “luz/sombra" y el "adelante/atrás" van a ser lo más importante. La concentración del color usada en la iluminación y la penumbra. Las formas son en general arquitecturas imaginarias, suspendidas frente al espectador

BIOGRAFÍA

Venecia I Dibujo digital 78 x 78 cm

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Profundida en cuartos Dibujo digital 78 x 78 cm

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Ondas en diagonal Dibujo digital 78 x 78 cm

Venecia II Dibujo digital 78 x 78 cm

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PILITA GARCÍA STATEMENT Las obras de mi investigación titulada "rooms” en general un documento pandémico, actúa como estudio para mi nueva serie "bespoke”. Las versiones más grandes se exhiben en conjunto con sus respectivas fuentes pequeñas para explorar el significado de cada obra, como la carta que repartes para profundizar el despliegue de carta original. Me interesa cómo agrupadas en dueto, la obra se convierten en circunstancia, donde el espectador puede experimentar la pintura, como un despliegue compartido del misterio que supone el mirar y contemplar dentro del contexto pictórico del inmigrante. Mirar durante una especie de díptico, lado a lado la versión original y la versión zoom o a gran formato de la obra, al igual que lo hago yo al Pintarla. Mi objetivo es compartir y revelar lo que nos diferencia y nos identifica, a través de las partes móviles de la Obra. Busco resaltar, contemplar y sentir pequeños acontecimientos que suceden durante la transferencia de imaginarios desde uno al otro. La pintura es un acto directo, presente y altamente emocional. Nos permite la libertad y por ende todo tipo de condiciones psíquicas y al igual que “La Figura” en el centro de la sala, conecta la realidad y la conciencia

BIOGRAFÍA Pilita García Esquivel es una pintora nacida en Chile que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Estudió arte en La Pontificia Universidad Católica de Chile, y luego obtuvo su BFA en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ella ha sustentado rigurosamente su práctica de arte durante más de dos décadas, integrando plenamente su práctica de asistente de artista en su investigación artística: Fue archivista de Vito Aconcci, mezclo colores para Jeff Koons, fue camarógrafo documentalista para Cai Guo-Qiang, asistente de colocación en seco de azulejos en el aeropuerto LaGuardia para el mural de Laura Owens y recientemente pinto para Derek Fordjour. Proveniente de una familia de inmigrantes (de Chile a Venezuela) se sintió atraída por explorar otras culturas y emigró a Estados Unidos en 1992. Su trabajo refleja experiencias de las culturas contrastantes de Venezuela y Chile, incluidos los dibujos animados japoneses y el sup mexicano, que se mezclan en sus narrativas de ficción. “Soy un artista inspirada en el tiempo, interesada en cuerpos de trabajo que evolucionan unos de otros, y que encuentran forma en la pintura al óleo clásica (con un enfoque en la paleta de colores sintéticos ) y también en collages de papel”. Está incluida en las colecciones privadas de Abigail y Jessica Asher, David Tunkl, John McWinnie, Stefan Sagmeister, Margarita Hankes, Cecil Chellew, David y Barbara Slater, Patrick Craig, Alex Gillette, Rebecca Smeyne, Laura Doak, Oscar Carvallo, David. Genat, Agathe Lerolle, Dan Bailey, entre otros. Exposiciones recientes incluyen “Vista” en la Universidad de Maryland; “Collage” en el Museo de Arte Moderno de Chiloé, Chile; “All Cut-up” Roebling Hall, Nueva York, “The First NY Art Parade” Deitch Projects, “Latin Icons” Exit Art en Nueva York; y Rich Gallery “Refelct-Refract” en Londres, entre otras. Actualmente esta participando con una obra hasta el 17 de Diciembre en el Long Island Museum de Nueva York.

Vitamina A | Colectiva XLVII | Diciembre 2023

Juanita celebrando el 18 Oleo sobre tela 61 x 61 cm 121 x 121 cm

Cute girls inside Katharina Grosse Installation Oleo sobre tela 61 x 61 cm 121 x 121 cm

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CRISTÓBAL PALMA BIOGRAFÍA Realizó estudios de arquitectura en la Architectural Association (AA) de Londres, ciudad donde posteriormente inició su carrera como fotógrafo, enfocado principalmente en registros de arquitectura y espacio construido. En el 2008 estableció Estudio Palma en Santiago de Chile. Su trabajo ha sido expuesto de forma individual y colectiva en diversos países, destacando el Museo de Arte Moderno de Nueva York —colección de la cual forma parte—, y en múltiples versiones de la Bienal de Arquitectura de Venecia. Palma publica regularmente su trabajo en distintos medios internacionales y colabora con arquitectos tanto en Chile como en Latinoamérica.

Sin nombre Edición de 3 + 1PA Impresion fine art de inyección sobre papel fotográfico 160.5 x 120 cm

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CONSTRUCCION Villa 31 ACERCA VILLA 31 Villa 31 —también conocida como Barrio Padre Carlos Mugica— es probablemente el barrio popular más emblemático de la Ciudad de Buenos Aires. Hogar de más de 40.000 personas, la mitad de ellas inmigrantes principalmente de países vecinos. Sus límites son el principal puerto de la ciudad, por un lado, y la Estación Retiro y su infraestructura, por el otro. Se extiende a lo largo de 72 hectáreas y la atraviesa una autopista elevada en casi toda su extensión. Pese a estar en un lugar estratégico de la ciudad —a pasos de Recoleta y del centro político y financiero de la ciudad— la villa se encuentra en una condición de casi total aislamiento urbano, careciendo de los servicios y equipamientos públicos más esenciales. El origen del barrio se remonta a la crisis de 1929, cuando un conjunto de inmigrantes europeos se instaló en las zonas aledañas al puerto y bautizó el lugar como Villa Desocupación. El asentamiento fue demolido por el gobierno en la década de 1940, pero construyó sobre sus restos nuevas viviendas sociales. Más tarde, entre 1976 y 1983, fue una de las pocas villas que resistió a la erradicación de las villas miseria impulsada por la dictadura cívico militar. En 2016, el gobierno puso en marcha un ambicioso y controvertido plan, en desarrollo hasta el día de hoy, para la integración social y urbana del barrio al resto de la ciudad. Este incluye la consolidación de infraestructura pública, la construcción de nuevas viviendas junto con la mejora de las existentes y la relocalización de quienes vivían debajo de la autopista. Este registro fue realidado en 2019-20.

Sin nombre Edición de 3 + 1PA Impresion fine art de inyección sobre papel fotográfico 160.5 x 120 cm

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JACINTA SILVA STATEMENT Mi práctica artística se enmarca en el terreno de las emociones y lo afectivo. Me aproximo a la pintura como un ejercicio de lentitud activa, entendida como una posición desde la cual detenerse en elementos del cotidiano que puedan aportar a la compresión de aspectos psicológicos y sociales más amplios. Trabajo en base a observaciones sensibles y preguntas para las cuales una respuesta parece difícil de traducir a palabras. Preguntas sobre el tiempo, la muerte y la fragilidad del momento presente, las emociones, los afectos, el habitar y el perderse, lo impermanente, lo inaparente, lo invisible y lo difuso.

BIOGRAFÍA M. Jacinta Silva Armstrong es artista visual, vive y trabaja en Santiago de Chile. Estudió MA in Painting en Royal College of Art (Reino Unido) y Arte en la Universidad Católica de Chile. Ha exhibido su trabajo en exposiciones individuales —donde destacan La línea aparente (Galería Bicentenario, Centro Cultural Estación Mapocho), Ejercicios de memoria (Museo de Arte Moderno Chiloé) y Relato de familia (Galería BECH), entre otras— y exposiciones colectivas en Chile y el extranjero —entre ellas RCA 2020 (Bargehouse, Londres), 50/50 (Fold Gallery, Londres), Final, Not Over (Unit 1 Gallery/ Workshop, Londres), Tú, yo y las cosas de este lugar (Sala de Arte CCU, Santiago), The Distance Between (Hockney Gallery, Londres) y Selección Premio MAVI/Minera Escondida (MAVI, Santiago). Se ha adjudicado Fondart de Creación en 2016 y el Fondo del Libro de Creación en 2022.

Lugar seguro Goauche sobre tela 30 x 40 cm

El libro Goauche sobre tela 30 x 40 cm

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Afterbirth Goauche sobre tela 30 x 40 cm

Aparecer entre las cosas Goauche sobre tela 30 x 40 cm

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Crows Goauche sobre tela 30 x 40 cm

Gorran Haven Goauche sobre tela 30 x 40 cm

Soft opening Goauche sobre tela 30 x 40 cm

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DIEGO TERÁN STATEMENT Cuerpo de trabajos hecho, principalmente, a partir de chapas de bronce latón que son cortadas, pulidas y plegadas. Siluetas planas con reflejos aberrantes instaladas en el muro, piezas de pliegues autoportantes en el piso y dispositivos análogos colgantes que exploran la percepción binocular del espacio. Su creación está inspirada en un posible relato acerca de la relación entre nuestros antepasados, el cobre y la cultura visual que domina nuestra historia. Descubrir y escapar. Movimiento en grupo a través de la vastedad. En el tránsito hay descansos. Niños cuelgan, como frutos, de los grandes. Al caminar hay ritmo, canto, memoria, futuro. Un repentino destello bajo los pasos. Partículas de metal rojo son coleccionadas. Al avanzar, hay espejismos que se alejan. ¿Qué es lo que vemos? Detrás de cada reflejo hay una imagen del Sol. Nuestro Sol. Absoluto. Distante. Motivador de la vida, acariciador de olas. Las culturas se detienen ante su resplandor. Lo llaman Ra, Amaterasu, Surya, Huitzilopochtli, Inti ... ¿Algo está sobre su poder? puede ser, pero no será nuestro. Nos ve nacer. Nos ve morir. La tarde amenaza con volverlo todo oscuro y peligroso. Debemos examinar el horizonte. Los pliegues del paisaje indican refugio. Eco. Huesos. Cenizas. No somos los primeros. Otros han encontrado protección aquí. Esperando al sol. Las llamas bailan. Brilla una veta metálica en las paredes. Cargar el metal a pesar de su peso. Su brillo encandila el pensamiento. Un metal ha martillado a otro. Un disco luminoso cuelga ahora de los cuellos. Separar cuero y carne. Limpiar con tela. Volver a colgar. Avanzar. Una mañana, grupos de bípedos atraviesan del primer al último plano visual del espacio. La mirada binocular, el foco en la presa y el horizonte. Otra jornada de luz visible.

BIOGRAFÍA Formado en la arquitectura y en las artes visuales, mantiene una práctica en torno a los materiales y a la composición del entorno físico. Inició un camino de investigación artística que indaga en la naturaleza de la percepción visual y los efectos de la luz en nuestra percepción del mundo físico, trabajando con métodos y materiales industriales para crear piezas a partir de líneas orgánicas.

Set of sunsets 122 piezas de bronce 200 x 200 cm

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Stereo mask 2 Bronce 30 x 15 x 10 cm Stereo mask 4 Bronce 16 x 10 x 6 cm Stereo mask 3 Bronce 30 x 18 x 10

Flor I Bronce 10 x 6 x 23 cm

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Death sunset II Fierro bañado en niquel 14 x 16 x 5.5 cm

Gas sun Fierro bañado en niquel 13 x 10.5 x 2 cm

Death sunset I Fierro bañado en niquel 13x 14 x 4 cm

Sable fierro bañado en niquel 5 x 102 x 4

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Doppler Bronce 45 x 20 x 60 cm Bach Bronce 33 x 21 x 2 cm Rayo jónico Bronce 90 x 20 x 20

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NORA UNDA STATEMENT “Mi intensión es , a través de la plasticina como material principal, develar simbólicamente la fragilidad de la vida y la manipulación humana en torno a ella, generando composiciones oníricas, paisajes abstractos, desfragmentación de la realidad, inspiradas en la naturaleza y los animales, en donde las emociones, la simbología y el misterio son la puesta en escena para relatar estas historias”

El enigma de King Kong Plasticina 67 x 57 cm

Vitamina A | Colectiva XLVII | Diciembre 2023

Paraiso clandestino Plasticina 102 x 61 cm

El destierro Plasticina 55 x 99 cm

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MARIA JESUS VALENZUELA STATEMENT María Jesús Valenzuela: Dibujos. Texto por Camila Alegría. ¿Se le puede llamar dibujo a estos aparentes planos de color de la artista María Jesús Valenzuela? La artista recurre a la línea, efectivamente uno de los elementos gráficos que componen cualquier dibujo, sin embargo, la suma y superposición de la misma nos llevan al plano pictórico, al mismo tiempo que nos llevan a un ejercicio meditativo de respiración y repetición. La imagen final: un aparente plano -compuesto, en realidad, de múltiples líneas-, permite que el ojo viaje entre capas de una sumatoria de colores, y luego nuestro cerebro decide traducir como uno solo. Uno muy específico, algo inestable -a pesar de su solidez-, pues incluso un ojo afilado no sabría definir de qué rojo se trata; qué rojo que ofrezca el mercado de los materiales artísticos es el que está aquí, presente, mirándonos de vuelta, mientras lo observamos. Me imagino que estas imágenes se trabajan en silencio, pues el sonido del roce con el papel es un sentido fundamental para saber si la presión que se está ejerciendo es la justa y necesaria para acariciar los poros del soporte, sin ahogarlos, permitiendo que luego encima, seguramente en una dirección distinta a la capa anterior, se sume otra veladura. Se trata de una especie de achurado que subvierte su propia naturaleza, pues ya no nos enseña el volumen a través de la luz y la sombra, sino que nos sumerge en un solo plano luminoso, en una naturaleza purista del color.

Enredo Hilo bordado en papel 140 x 116 cm

Dibujos con mano izquierda Escisión - Frágil - Cornalina Lápiz de palo en papel 50 x 35 cm

Dibujos con mano izquierda Rosa mosqueta - Verde Oliva - Amarillo mostaza - Rojo Lápiz de palo en papel 50 x 35 cm

DICIEMBRE 2023_ Av. Nueva Costanera 3731, Vitacura, Santiago de Chile._ Lunes - Viernes 10:30 - 19:00 hrs._ Sábados 10:30 - 14:00 hrs._ galeria@galeriaanimal.com_ www.galeriaanimal.com_ @galeriaanimal_