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Fundación Centenera IV Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba


PRESENTACIONES / APRESENTAÇÕES

Carmen Rodríguez Flores, Distrito de Arganzuela, Ayuntamiento de Madrid Carmen Rodríguez Flores, Distrito de Arganzuela, Ayuntamiento de Madrid

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Fernando M.ª Centenera Jaraba, Fundación Centenera Fernando M.ª Centenera Jaraba, Fundación Centenera

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Cinco claves para acercarse a esta edición, Óscar Alonso Molina, crítico de arte Cinco chaves para abordar esta edição, Óscar Alonso Molina, crítico de arte

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PREMIOS / PRÉMIOS

PRIMER PREMIO / PRIMEIRO PRÉMIO Juan Carlos Bracho

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SEGUNDO PREMIO / SEGUNDO PRÉMIO Nuno Henrique

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ACCÉSIT / MENÇÕES HONROSAS

Abdelkader Benchamma Pollyanna Freire Abigail Lazkoz Daniel Martín Corona

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SELECCIONADOS / SELECCIONADOS

Aggtelek anak&monoperro Tamara Arroyo Luz Marina Baltasar Javier Chozas Daniel Chust Peters Ángela Cuadra Democracia Manuel Antonio Domínguez Gonzalo Elvira Sabine Finkenauer Fernando García García Nuno Gil Ana H. del Amo Jimena Kato Murakami Aleksandra Kopff Chico López Estefanía Martín Sáenz Pepe Medina Quino Monje Santiago Morilla Teresa Moro Isabel Nuño de Buen Andrés Pachón Francisco Javier París Javier Peñafiel Guillermo Peñalver Javier Pividal Arturo Prins Cristina Ramírez Bueno Fernando Renes Isabel Sánchez de la Nieta Martín Vitaliti Simon Zabell

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Presentaciones Como Concejala Presidenta del Distrito de Arganzuela del Ayuntamiento de Madrid, es una gran satisfacción acoger en Madrid la exposición de las obras presentadas en esta IV edición del Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba, desarrollado bajo el lema «Me, Myself and I.» El prestigio que ha ido ganando este Certamen en cada edición ha hecho que aumente, cada vez más, el número de obras presentadas así como el de participantes. La sala La Lonja del Centro Cultural Casa del Reloj abre sus puertas del 6 al 23 de febrero de 2013 para que podamos contemplar la expresión de los artistas ganadores y seleccionados, plasmada en obras relacionadas con el dibujo contemporáneo. Felicito a la Fundación Centenera en su iniciativa de incrementar la visibilidad de los artistas que trabajan en torno a todas las expresiones del dibujo y les animo a continuar en esta tarea de difusión de la cultura. Carmen Rodríguez Flores Concejala Presidenta del Distrito de Arganzuela, Ayuntamiento de Madrid

Apresentações Como Conselheira Presidente do Distrito de Arganzuela do Ayuntamiento de Madrid, é uma grande honra acolher em Madrid a exposição das obras apresentadas nesta IV Edição do Certame de Desenho Contemporâneo Pilar e Andrés Centenera Jaraba, sob o lema «Me, Myself and I.» O prestígio que este vem a ganhar a cada edição tem feito com que aumente, cada vez mais, o número de obras apresentadas, bem como o número de participantes. A sala La Lonja do Centro Cultural Casa del Reloj abre suas portas de 6 a 23 de Fevereiro de 2013 para que possamos contemplar a expressão dos artistas ganhadores e seleccionados, captada em obras relacionadas com o desenho contemporâneo. Felicito à Fundação Centenera por sua iniciativa de incrementar a visibilidade dos artistas que trabalham ao redor de todas as expressões do desenho e lhes encorajo a seguir com esta tarefa de difusão cultural. Carmen Rodríguez Flores

Conselheira Presidente do Distrito de Arganzuela, Ayuntamiento de Madrid

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Presentaciones Estimados amigos, lo que entre vuestras manos tenéis es el resultado de la IV edición del Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba convocado por la Fundación Centenera. La Fundación ha iniciado un cambio de dimensión en todos sus planteamientos. Hemos abandonado una actitud más marginal y local; buscamos un acercamiento, una mayor profesionalidad en los medios utilizados y, con ello, obtener una mayor presencia en todos los estamentos del mundo artístico actual. La Fundación ha tratado de trabajar con una amplitud de miras desconocida para nosotros que, aunque pudiera estar latente en nuestro espíritu y en nuestros sueños, jamás hubiéramos creído alcanzar con las dimensiones manejadas en los proyectos anteriores. Todo ello se ha logrado gracias al espíritu, el empuje y sobretodo el saber hacer y la profesionalidad de Susana Bañuelos, directora artística de la Fundación. Te queremos dar las gracias por saber imbuirte del espíritu del Certamen y de los proyectos futuros de nuestra Fundación. Porque no queremos acabar aquí, queremos llegar más lejos y ustedes van a ser testigos de ello. Los cambios que han podido observar en el diseño del Certamen, las comunicaciones de la Fundación, la atención dispensada a todas las dudas y propuestas presentadas o la organización del proyecto y su culminación en la posterior exposición y edición de este catálogo son fruto del nuevo destino hacia el que se dirige la Fundación. Estas novedades se han resuelto con grandes dotes de imaginación, profesionalidad y una utilización de los recursos de los que disponemos verdaderamente eficaces. Sin escatimar medios, hemos logrado lo que en otros ámbitos se consigue con una ingente cantidad de recursos. Este año hemos pedido a los artistas que piensen, vivan, sueñen y trabajen sobre un lema más críptico que en otras ocasiones: «Me, Myself and I». Es ésta una frase que corresponde al mundo del Pop y que no por ser un concepto muy difundido es una idea estática y monolítica; todo lo contrario, se trata de algo muy amplio, dinámico y diverso, como el propio Certamen. Es cierto que al proponer el lema de trabajo tuvimos una idea germinal de las posibles aproximaciones al proyecto; lo confieso ante ustedes, debido a varias circunstancias, pensábamos que se caracterizarían por un gran contenido político y social. La situación política actual de España y Portugal; la distancia entre nuestras aspiraciones y las realidades que la situación nos está ofreciendo; las diferencias entre los sueños y las «verdades del barquero que nos están leyendo.» Porque los artistas, que en su mayoría acuden a este Certamen, son bastantes jóvenes y los más jóvenes parecen llevarse la peor parte de la situación actual… eso sí, si no eres hijo de un eterno político o has empezado a hacer carrera en algún partido desde la base. Bueno, quimeras que acudieron a nuestra mente seguramente como consecuencia de la edad de la mayoría de los miembros del jurado. La realidad es que la mayoría de los trabajos se han presentado desde el intimismo, lo relacionado con lo más cercano al personaje (o al artista), lo más doméstico y cotidiano, por lo más «ropa interior», por lo más «egoísta» de la propuesta. También nos lo planteamos, como un proyecto inmerso en el concepto Pop, multidisciplinar y con pocas limitaciones estéticas más allá de la excelencia, no creímos que fuera la opción elegida… bien, eso pasa por creernos más listos que nadie. Bromas aparte, es un inmenso orgullo para esta Fundación la amplia repercusión que ha tenido esta edición, la gran afluencia de trabajos y la elevada calidad de los mismos. La selección de trabajos, la decisión de los premiados, accésit 6

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Presentaciones y seleccionados han sido tareas muy arduas. Hemos disfrutado mucho con el trabajo que realizamos un sábado de diciembre y una vez más, estamos muy orgullosos del resultado. En esta edición ha sido fundamental la colaboración con algunas instituciones para la mejora del Certamen. Este año tendrá lugar la primera exposición en Madrid, y ha sido posible gracias al apoyo de la Concejalía del Distrito Arganzuela mediante la Sala de la Lonja durante el próximo mes de febrero, mes muy relevante dentro de la agenda de arte contemporáneo en Madrid. Los espacios de trabajo para la reunión del jurado en Matadero Madrid han resultado muy apropiados dada la amplia participación (443 participantes). A éstos se suman la feria ARCOmadrid, que ha propiciado encuentros profesionales, y el aporte del papel para el catálogo por parte de Antalis. No queremos dejar de mencionar a todas las personas que han acompañado a la Fundación de distintos modos y desde diversos puntos geográficos. Esperamos que este espíritu se mantenga e incluso amplíe en sucesivas convocatorias. Quiero agradecer a los creadores su aplicación en la materia, en el concepto que desarrollamos en el Manifiesto que sacábamos a la luz en la edición del 2009 y que completábamos en la siguiente bajo dos conceptos: trabajo y reflexión. Vemos, con alegría, que ambos han calado y que nos encontramos con resultados muy vivos y llenos de ese Rock ‘n’ Roll que hemos pedido para todo. No queremos que desaparezca la Academia como institución, pero sí como concepto, y seguimos estando a tiempo de lograrlo. Al contrario de lo que opinan algunas voces discordantes y altisonantes, la fuerza de los trabajos presentados, las propuestas y métodos de trabajo que nos han ofrecido y los resultados estéticos nos hacen ver, que no prever, un futuro muy halagüeño para el arte procedente de España y Portugal. Hay una mezcla de edades, de trayectorias profesionales, de métodos de trabajo, de técnicas y de ambiciones que me hacen creer que les presentamos algo más que los famosos «brotes verdes», presentamos realidades que se han formalizado en las obras artísticas que constituyen esta edición. Fernando M.ª Centenera Jaraba Presidente de la Fundación Centenera

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Apresentações Caros amigos, o que se encontra em suas mãos é o resultado da IV edição do Certame de Desenho Contemporâneo Pilar e Andrés Centenera Jaraba, convocado pela Fundação Centenera. A Fundação iniciou uma mudança de dimensão em todos os sentidos. Abandonamos uma atitude que era mais marginal e local. Buscamos uma aproximação, uma maior profissionalidade nos meios empregados e, com isto, buscamos obter uma maior presença em todos os patamares do mundo artístico actual. A Fundação tem tratado de trabalhar com uma amplitude de visão desconhecida por nós, que por muito que pudesse estar latente em nosso espírito e em nossos sonhos, jamais houvéssemos pensado alcançar com as dimensões dos projectos anteriores. Tudo isso se alcançou graças ao espírito, ao impulso e sobretudo graças ao conhecimento e profissionalismo de Susana Bañuelos, directora artística da Fundação. Queremos agradecer-te por saber embeber-te do espírito do Prémio e dos futuros projectos de nossa Fundação. E não queremos acabar aqui, queremos ir mais longe e vocês serão testemunhas disso. As mudanças que se puderam observar na concepção do prémio, na comunicação da Fundação, na atenção dada a todas as dúvidas e propostas apresentadas, na organização do projecto e na culminação da posterior exposição e deste catálogo são fruto do novo destino a que se dirige a Fundação. Estas novidades foram resolvidas com grandes dotes de imaginação, profissionalismo e uma utilização perfeita de todos os recursos disponíveis. Não poupando meios, conseguimos o que em outros âmbitos se consegue com prodigiosas quantidades de recursos. Este ano pedimos aos artistas que pensem, vivam, sonhem e trabalhem sobre um lema mais enigmático que em outras ocasiões: «Me, Myself and I». É uma frase que pertence ao mundo do Pop. Mas, apesar de ser um conceito muito difundido, não se trata de uma ideia estática. Muito pelo contrario, é algo bastante amplo, dinâmico e diverso, como o próprio Prémio. É verdade que, ao propor o lema de trabalho, tivemos uma ideia germinal sobre como os criadores abordariam o projecto, e (lhes confesso) imaginávamos um grande conteúdo político e social, por diversas circunstâncias. Pela actual situação de Espanha e Portugal. Pela distância que há entre nossas aspirações e as realidades que a situação nos está a oferecer. Pela diferença entre os sonhos e as «verdades do barqueiro que nos estão a ler.» Porque a maioria dos artistas que participam deste prémio são bastante jovens, e sobre os jovens parece recair a pior parte da situação actual… claro, se não és filho de um eterno político ou começaste a fazer carreira em algum partido desde o princípio. Bem, quimeras que nos passaram pela cabeça como consequência dos anos que têm a maioria dos membros do Júri. Mas a verdade é que a maior parte dos trabalhos vieram pela linha do intimismo, do relacionado com o mais próximo ao personagem (ou ao artista), do mais doméstico e quotidiano, da «roupa interior», do mais «egoísta» da proposta. Também o havíamos pensado, mas como um projecto imerso no conceito pop, multidisciplinar e com poucas limitações estéticas além da excelência, não imaginamos que fosse a opção escolhida… Bem, isso sucede por acharmo-nos mais espertos que ninguém. Brincadeiras à parte, é um imenso orgulho para esta Fundação a ampla repercussão que esta edição obteve, a grande afluência de trabalhos e a alta qualidade dos mesmos. Foi uma árdua tarefa a selecção dos trabalhos, a decisão dos premiados, menções honrosas e seleccionados. Desfrutamos muito do trabalho que realizamos um sábado de Dezembro e, uma vez mais, estamos muito orgulhosos do resultado. Este ano, a colaboração de algumas instituições foi fundamental para a melhoria do Certame. Esta será a primeira exposição em Madrid, e isto foi possível graças ao apoio do Conselho do Distrito de Arganzuela que disponibilizou a Sala de La Lonja durante Fevereiro, mês especialmente relevante na agenda da arte contemporânea de Madrid. Os 8

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Apresentações espaços de trabalho para a reunião do júri em Matadero Madrid foram muito apropiados, dada a ampla participação (443 participantes). A estes agradecimentos somo a feria ARCOmadrid por propiciar encontros profissionais e a Antalis pelo fornecimento do papel deste catálogo. Não queremos deixar de mencionar todas as pessoas que acompanharam a Fundação em diversos lugares e de diversas maneiras. Esperamos que este espírito se mantenha, e que mesmo se amplie nas seguintes convocatórias. Quero agradecer aos criadores por sua dedicação à matéria, ao conceito que propusemos no Manifesto que sacamos à luz na edição de 2009 e que completávamos na seguinte, resumindo dois conceitos: trabalho e reflexão. Vemos, com alegria, que ambos foram compreendidos e que nos encontramos com resultados vivos e cheios desse Rock ‘n’ Roll que pedíamos a tudo. Não queremos que a Academia desapareça como instituição, mas sim como conceito, e ainda estamos a tempo de consegui-lo. A força dos trabalhos apresentados, as propostas e métodos de trabalho que nos foram oferecidos e os resultados estéticos nos deixam ver (não prever) um futuro lisonjeiro para a arte procedente de Espanha e Portugal, ao contrário do que podem opinar algumas vozes discordantes e ostentosas. Há tamanha mescla de idades, de trajectórias profissionais, de métodos de trabalho, de técnicas e de ambições que creio que lhes apresentamos um pouco mais do que os famosos «brotos verdes»: apresentamos-lhes realidades que se formalizam nas obras artísticas que constituem esta exposição. Fernando M.ª Centenera Jaraba

Presidente da Fundación Centenera

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Presentaciones Cinco claves para acercarse a esta edición El dibujo Este Certamen de dibujo nació en 2008 con el convencimiento de que el dibujo ya no puede definirse en el presente tanto por una adscripción disciplinar (una técnica, unos soportes e instrumentos de trabajo, ciertas operaciones gráficas), cuanto por un posicionamiento de la idea con respecto al proyecto de su realización. También el dibujo, los dibujos son definitivos —no el mero bosquejo—, pero a diferencia de la obra por venir, conclusa y llena, albergan siempre en su interior la promesa de llegar a ser: no necesariamente algo distinto y más completo, sino simplemente algo más, quizá un poco de vacío a su alrededor… cierta posibilidad de crecimiento. Su carácter abierto, transparente, en movimiento, lo sitúa justo en el momento en que el disegno interno, la cosa mentale, la idea, cristaliza en proceso o forma sin que éstos la colmen. Los perfiles Quería la Fundación desde su constitución dibujos en presente y, con ello, un dibujo del presente. Fenomenal propuesta que aspira a conseguir fijar, siquiera por un instante y con trazo no imperativo, el perfil de un tiempo incierto gracias al cual, como si de un sismógrafo se tratara, seguir el movimiento de su devenir, registrando tanto las más violentas convulsiones (en estos momentos la iniciativa se mantiene en formato de bienal) como sus mínimos temblores (los artistas destacados con premio o mención, muchos de ellos en las primeras fases de su profesionalización, avanzan con paso firme para afianzarla). Todo es significativo. En estos cuatro años el amplio muestreo de los artistas que dedican su atención al dibujo y han pasado por aquí nos han contado ya muchas cosas sobre ellos, sobre nuestro sistema artístico, sobre nosotros mismos. Y los trabajos seleccionados, efectivamente, consiguen trazar una suerte de instantánea representativa, transversal, fresca y muy fiable de lo que acontece en la escena artística cercana: empieza a ser posible contar mínimamente nuestra historia reciente y sus expectativas al analizar la propia historia del Certamen. Un lema «Me, Myself and I»… del ensimismamiento narcisista al individuo como el fragmento nuclear de la polis, de lo político; «Me, Myself and I»… del yo como círculo simbólico del cual ha desaparecido su centro al sujeto como cadena inagotable de enlaces con uno mismo o con los demás, deviniendo rizoma; «Me, Myself and I»… red de maya triangular, pues, o dos espejos en paralelo donde el tercero, cada uno de nosotros, se sitúa en medio para descubrir que nada se refleja allí dentro; pero también «Me, Myself and I» como una extraña trinidad, una alusión psicoanalítica, mística o egotista, un símbolo, un emblema… quizá incluso una mónada, una interioridad completa y excluyente, cerrada por completo sobre sí misma pero en cuyos repliegues interiores resuena el universo entero; o tal vez el trípode donde éste se apoya, con su cielos, sus estrellas, su vacío infinito… «Me, Myself and I», por tanto, como el tridente que lo atraviesa, las tres gracias que coronan su belleza, el trébol mágico que ha brotado en uno de sus más íntimos rincones. 10

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Presentaciones Accésit De los casi cuatrocientos cincuenta participantes en esta edición se han destacado para su exposición e inclusión en el catálogo en torno a cuarenta piezas. Impresionante respuesta tanto a nivel cuantitativo —la convocatoria se ha duplicado en esta edición—, como a nivel cualitativo. Felicidades, antes que nada, a todos los seleccionados. De entre ellos el jurado ha querido destacar como accésit cuatro piezas de muy distinta naturaleza. Entre ellas una instalación sin título, fechada en 2012, de la brasileña afincada en Portugal Pollyanna Freire (Sâo Paulo, 1982), donde el dibujo se expande por el muro de la sala, conformado a partir de pequeñas piezas de tres dimensiones realizadas en madera de balsa, papel y cartulina, pasta de modelar y arcilla. Coloreadas con gouache en distintos colores, la obra cuestiona los límites del formato-soporte tradicional al fragmentarse e inscribirse en una suerte de dibujo expandido, donde éste entra en contacto con la escultura y el objeto —sustituyendo ambos el pedestal por la pared—, con la pintura —el vivo coloreado compone una paráfrasis de la pintura abstracta gestual o sígnica—, y obviamente con la instalación. Otro accésit ha recaído en Original (2012), vídeo de 2’ 30’’ de Daniel Martín Corona (Madrid, 1980), que pone en movimiento los guillochés o rosetas de seguridad, esos grabados geométricos habituales en los documentos: pasaportes, billetes, diplomas, antiguas acciones de bolsa, títulos, etcétera. Destinados en principio a ser irreproducibles e infalsificables, su aspecto decorativo ha dado pie al artista a individualizarlos como forma autónoma que evoluciona rítmicamente siguiendo pautas cercanas al Op Art, desde una figura simple a otra muy compleja, y en cuyo trasfondo cabe entreverse un irónico comentario sobre el origen del dibujo como garabato. ¡De lujo! Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) se ha destacado por su Autorretrato con hueso negro (2012), un dibujo sobre papel, madera, metacrilato, cartulina y escultura africana, definido por ella misma como «un cuento a medio camino entre lo abstracto y la figuración que recrea mis paseos diarios por Nueva York.» La estructura tripartita y por tres veces enmarcada, que amplía el concepto tradicional de tríptico al desdibujar su distribución y volverla más compleja, «amontonándolo» sin espacio entre las piezas a ras de suelo y sobre el que se apoya la alargada figurilla étnica que la artista recogió en uno de esos paseos por la ciudad donde reside habitualmente, invita al inesperado diálogo entre los papeles. Finalmente, del francés Abdelkader Benchamma (Mazamet, 1975) es el otro de los accésit por su Maquette (sculpture) (2012), un dibujo que como el mismo título indica parece antes que nada preocupado por el análisis y el lenguaje de la construcción y las tres dimensiones. Su propio proceso, según revela el artista, se articula como una suerte de ensamblaje donde cada una de las etapas puede entenderse como «pieza» que se acopla progresivamente al conjunto, ampliándolo, erigiéndose sobre un pedestal (cada dibujo de la serie parte de una base que crea y define el espacio donde actuar, sirviendo de apoyo a todo el peso que se levantará sobre ella). El efecto final, con su extraña amalgama surrealizante de partes encaramadas unas sobre otras, tiene el aire ruinoso de toda construcción precaria y contradictoria. Fundación Centenera

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Presentaciones Premios En una edición tan competida como ésta, con tantos trabajos excepcionales entre los que elegir, cabría esperar que los premios encarnaran además un mensaje intencional sobre cómo se orienta el Certamen hacia su futuro; un comentario por parte de la Fundación y del propio jurado sobre la situación del dibujo, incluso del arte en el presente; o sobre los diálogos entre la escena portuguesa y española hoy. Tal vez sobre el significado que se ha querido privilegiar de ese sutilmente provocativo «Me, Myself and I» del lema en un tiempo como el actual… Sin embargo, todas esas lecturas u otras han de llevarse a cabo a posteriori, tras reconocer la calidad de ambas obras premiadas que se acordaron por unanimidad y de forma sorprendentemente rápida en medio tanto de un número muy amplio de posibilidades y combinaciones como de un jurado de criterios plurales. El segundo premio ha recaído este año sobre la pieza del portugués Nuno Henrique (S. Pedro, Funchal, 1982), un libro de artista titulado O llheo dos Dragoeiros (2012), que como viene siendo habitual en su trabajo enlaza arte e investigación científica. El artista ha realizado ya una larga serie que tiene como protagonista a la especie vegetal Dracaena Draco Draco, el drago, y con ella conecta este proyecto que se concreta en un formato tan especial como el libro de artista, donde la secuencia del paso de las páginas troqueladas va dejando un hueco interior en el libro-objeto, dando lugar a un vacío de marcado aire escultórico. Inspirado en las expediciones botánicas decimonónicas, en su sistema taxonómico de especies y ejemplares, así como en la cartografía, el artista realiza una personal descripción de una isla concreta: la Ilha do Porto Santo, poblada por especies de drago hoy extintas, a partir de una visita que realizara inspirado por su aparición en el Libro II, Capítulo IX, del manuscrito Saudades da Terra, de Gaspar Frutuoso (1522-1591). Cuaderno de bitácora, pues, pero también transcripción tan analítica como poética de ese espacio, Nuno Henrique impone una serie de reglas internas (el color y la textura de cada página responde a determinadas especies vegetales) que pautan su recorrido por una geografía real y, al tiempo, ya imaginaria. Finalmente, el primer premio ha sido para la videoanimación La boule de neige. Historia de un fracaso (2011), del gaditano Juan Carlos Bracho (La Línea de la Concepción, 1970), de su reciente producción una de las obras más ambiciosas y que mayor carga poética contienen. También es la primera vez que el artista se muestra en uno de sus trabajos hablando desde el «yo», rompiendo con ello la tradicional distancia que mantiene con respecto a los aspectos autobiográficos y emocionales en su obra, donde como él gusta decir, siempre se retira a tiempo. El intento de construcción de una gran bola de nieve es el hilo narrativo de este vídeo que cabe inscribir en la categoría de «animación pobre», de pausada cadencia y plagado de vacíos y silencios significativos. Esa figura ideal de la bola de nieve gigante, nunca conseguida tras sucesivos fracasos, pero que el artista volverá a intentar, puede ser entendida como una metáfora vital, incluso como una alegoría del proceso creativo, que enlaza en su voluntad de llegar a hacerse realidad con el sueño de una colectividad cercana ligada por lazos sentimentales, por la amistad y por lo cotidiano. Una felicitación muy especial para él en esta ocasión. Óscar Alonso Molina Crítico de arte

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Apresentações Cinco chaves para abordar esta edição

O desenho Este Certame de desenho nasceu em 2008 com a convicção de que o desenho, no presente, já não se pode definir por uma adscrição disciplinar (uma técnica, uns suportes e instrumentos de trabalho, certas operações gráficas) nem tampouco por um posicionamento da ideia com respeito ao projecto de sua realização. Também o desenho, ou os desenhos, são definitivos –não o mero esboço da futura obra–, mas diferente desta, concluída e cheia, abrigam sempre em seu interior a promessa de chegar a ser: não necessariamente algo distinto e mais completo, mas simplesmente algo mais, talvez um pouco de vazio ao seu redor… certa possibilidade de crescimento. Seu carácter aberto, transparente, em movimento, o situa justo no momento em que o disegno interno, a cosa mentale, a ideia, cristaliza em processo ou forma sem que esses a cumulem. Os perfis A Fundação queria, desde sua constituição, desenhos no presente e, assim, um desenho do presente. Fenomenal proposta que aspira a conseguir fixar, talvez por um só instante, e com um traço não-imperativo, o perfil de um tempo incerto graças a qual, como se de um sismógrafo se tratasse, seguir o movimento do seu devir, a registar tanto as mais violentas convulsões (neste momento a iniciativa se mantém em formato de bienal) quanto seus mais mínimos tremores (os artistas destacados com prémio ou menção, muitos deles nas primeiras fases de sua profissionalização, avançam com passo firme para assegurá-la). Tudo é significativo. Nestes quatro anos, a ampla amostragem dos artistas que dedicam sua atenção ao desenho e que passaram por aqui já nos contaram muitas coisas sobre eles, sobre nosso sistema artístico e sobre nós mesmos. E os trabalhos seleccionados, efectivamente, conseguem traçar uma espécie de instantânea representativa, transversal, fresca e muito fiável do que acontece na cena artística próxima: começa a ser possível contar minimamente nossa história recente e suas expectativas analisando a própria história do Certame. Um lema «Me, Myself and I»… do ensimesmamento ao indivíduo como fragmento nuclear da polis, do político; «Me, Myself and I»… do eu como círculo simbólico do qual sumiu o centro ao sujeito como cadeia inesgotável de vínculos com si mesmo ou com os demais, devindo rizoma; «Me, Myself and I»… rede de malha triangular, ou dois espelhos em paralelo onde o terceiro, cada um de nós, se coloca no meio para descobrir que nada se reflecte ali dentro; mas também «Me, Myself and I» como uma estranha trindade, uma alusão psicanalítica, mística ou egotista, um símbolo, um emblema… quiçá até um trejeito, uma interioridade completa e excludente, fechada por completo sobre si mesma, mas em cujas dobras interiores ressoa o universo inteiro; ou talvez o tripé onde este se apoia, com seus céus, suas estrelas, seu vazio infinito… «Me, Myself and I», portanto, como o tridente que o atravessa, as três graças que coroam sua beleza, o trevo mágico que brotou numa das suas mais íntimas esquinas… Menções honrosas Dos quase quatrocentos e cinquenta participantes desta edição, se destacaram para sua exposição e inclusão no catálogo cerca de quarenta peças. Impressionante resposta, tanto a nível quantitativo –o recebimento de trabalhos mais que Fundación Centenera

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Apresentações duplicou nesta edição– quanto a nível qualitativo. Parabéns, antes de mais nada, a todos os seleccionados. Dentre eles o júri quis destacar com menções honrosas a quatro peças de naturezas muito distintas. Entre elas está a instalação sem título, datada de 2012, da brasileira residente em Portugal, Pollyanna Freire (São Paulo, 1982), onde o desenho se expande pelo muro da sala, formado a partir de pequenas peças tridimensionais feitas de madeira de balsa, papel e cartolina, massa de modelar, argila. Coloridas com guache em diferentes cores, a obra questiona os limites do formato-suporte tradicional ao fragmentar-se e inscrever-se em uma espécie de desenho expandido, onde entra em contacto com a escultura e o objecto –ambos a substituir o pedestal pela parede–, com a pintura –o colorido vivo compõe uma paráfrase da pintura abstracta gestual ou sígnica–, e obviamente com a instalação. Outra menção honrosa foi dada a Original (2012), vídeo de 2´30” de Daniel Martín Corona (Madrid, 1980), que põe em movimento os guillochés, esses gravados geométricos característicos de documentos como passaportes, bilhetes, diplomas, antigas acções da bolsa, títulos, etc. Pensados a princípio para serem irreproduzíveis e infalsificáveis, seu aspecto decorativo suscitou o artista a individualizá-los como forma autónoma que evolui ritmicamente seguindo pautas próximas à op-art, de uma figura simples a uma complexa, e em cujas entrelinhas se deixa enxergar um irónico comentário sobre a origem do desenho como rabisco. De luxo! Por sua vez, de Abigail Lazkoz (Bilbao,1972) se destacou seu Autorretrato con hueso negro (2012), um desenho sobre papel, madeira, acrílico, cartolina e escultura africana, definido por ela mesma como «um conto na metade do caminho entre o abstracto e o figurativo, que recria meus passeios diários por Nova York.» Estrutura tripartida e três vezes emoldurada, que amplia o conceito tradicional de tríptico ao desdesenhar sua distribuição e deixá-la mais complexa, «amontoando-o» sem espaço entre as peças no rés do chão, e sobre o qual se apoia uma alargada estatueta étnica que a artista apanhou em um desses passeios pela cidade onde mora habitualmente, para entrar no inesperado diálogo dos papéis. Finalmente, é do francês Abdelkader Benchamma (Mazamet, 1975) outra menção honrosa, por sua Maquette (sculpture) (2012), um desenho que, como o próprio título indica, parece antes de tudo preocupado com a análise e a linguagem da construção e das três dimensões. Seu próprio processo, segundo o artista, se articula como uma espécie de montagem onde cada uma das etapas se pode entender como «peça» que se acopla progressivamente ao conjunto, ampliando-o, erguendo-se sobre um pedestal (cada desenho da série parte de uma base que cria e define o espaço onde actuar, servindo de apoio para todo o peso que se levantará sobre ela). O efeito final, com sua estranha amálgama surrealizante de partes empoleiradas umas sobre as outras, possui o ar ruinoso de toda a construção precária e contraditória. Prémios Numa edição tão concorrida como esta, com tantos trabalhos excepcionais entre os quais escolher, caberia esperar que os prémios encarnassem ademais uma mensagem intencional sobre como orienta-se ao futuro o certame, ou um comentário por parte da Fundação e do próprio júri sobre a situação do desenho e mesmo da arte nos dias de hoje, ou ainda sobre o diálogo que hoje há entre as cenas espanhola e portuguesa, talvez sobre qual significado desse subtilmente provocativo lema «Me, Myself and I» quis-se privilegiar em um momento como o actual… Entretanto, todas essas leituras, ou outras, hão de acontecer a posteriori, depois de reconhecer a qualidade de ambas obras premiadas. A decisão 14

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Apresentações dos prémios ocorreu por unanimidade e de forma surpreendentemente rápida em meio a um número muito amplo de possibilidades e combinações, e também a um jurado de critérios plurais. O segundo prémio foi concedido este ano à peça do português Nuno Henrique (S. Pedro, Funchal, 1982), um livro de artista titulado O Ilheo dos Dragoeiros (2012), que une arte e investigação científica, como é habitual no seu trabalho. O artista já realizou uma longa série que tem como protagonista a espécie vegetal Dracaena Draco Draco, o dragoeiro, e a ela vincula este projecto que se concretiza em um formato tão especial como o livro de artista, onde a sequência do passar das páginas, perfuradas a deixar um vazio interior no livro-objecto, vai dando lugar a um vazio de ar especialmente escultórico. Inspirado nas expedições botânicas novecentistas, em seu sistema taxonómico de espécies e exemplares, bem como na cartografia, o artista realiza uma descrição pessoal de uma ilha concreta: a Ilha do Porto Santo, povoada por espécies de dragoeiros hoje extintas, a partir de uma visita que realiza inspirado pelo Livro II, Capítulo IX, do manuscrito Saudades da Terra, de Gaspar Frutuoso (1522-1591). É caderno de bordo, mas também transcrição tão analítica quanto poética desse espaço, e Nuno Henrique impõe uma série de regras internas (a cor e a textura de cada página corresponde a determinadas espécies vegetais) que servem de pauta para seu deslocamento em uma geografia real e, ao mesmo tempo, imaginária. Finalmente, o primeiro prémio foi para a videoanimação La boule de neige. Historia de un fracaso (2011), do gaditano Juan Carlos Bracho (La Línea de la Concepción, 1970), uma de suas obras recentes mais ambiciosas e que maior carga poética contém. É também a primeira vez que o artista se mostra em um de seus trabalhos falando a partir do «eu», quebrando a tradicional distância que mantém com respeito aos aspectos autobiográficos e emocionais em sua obra, onde, como ele gosta de dizer, sempre se retira a tempo. A tentativa de construção de uma grande bola de neve é o fio narrativo deste vídeo que pode pertencer à categoria «animação pobre», de pausada cadência e assolado por vazios e silêncios significativos. Essa figura ideal da bola de neve gigante, jamais alcançada após sucessivos fracassos, mas que o artista voltará a repetir, pode ser entendida como uma metáfora vital, ou mesmo como uma alegoria do processo criativo, unindo sua vontade de torná-la realidade ao sonho de uma coletividade próxima ligada por laços sentimentais, pela amizade e pelo quotidiano. A seqüência, de 11’ 51’’ de duração, aparece narrada em francês por um alter ego (o artista aquí se dubla a si mesmo, necessitando para tanto receber aulas de um idioma que não é o seu), e legendada pacientemente (cada letra foi desenhada à mão por Bracho), como estratégias de distanciamento do autor para mostrar-se abertamente enquanto realiza em público uma reflexão sobre «a necessidade de errar, a emoção do imprevisto e de deixar-se seduzir pela expectativa de vir com algo inesperado», que devemos entender como uma das mais honestas e emocionantes declarações de intenções ou ideário estético de sua geração. Um parabéns muito especial a ele nesta ocasião. Óscar Alonso Molina

Crítico de arte

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Juan Carlos Bracho La Línea de la Concepción (España), 1970 www.juancarlosbracho.com

Primer Premio

El dibujo como espacio conceptual generador de ideas es el punto de partida de gran parte de los proyectos de Juan Carlos Bracho. Su práctica de esta disciplina parte de pequeños gestos repetitivos, y donde cabría prever rigidez y monotonía Bracho nos sorprende con imágenes y escenografías de una gran potencia sensorial y evocadora. Mediante procesos de adicción sistemática y repetición de elementos gráficos mínimos —rayas, puntos, trazos y, más recientemente, el polvo del propio grafito—, Bracho ha elaborado un discurso desde el cual reflexiona sobre la circularidad de los procesos creativos, los tiempos de la mirada o el significado de las imágenes y su proceso de consolidación mental; sobre las posibilidades que ofrece el paisaje como campo de transformación simbólica; sobre la disciplina y el rigor de la práctica artística en contraste con las ideas de genio y los tópicos románticos; y finalmente, también, sobre la experiencia estética como sublime catarsis, en un presente que huye de semejante responsabilidad.

Tras una experiencia vivida en Canadá por Bracho, y a través del personaje principal y narrador, La boule de neige… se convierte en un profundo ejercicio de reflexión y análisis sobre algunos de los temas recurrentes —o Leitmotive— de su producción. Una suerte de declaración de intenciones o de ideario estético y vital que defiende la necesidad de errar, la emoción de lo imprevisto y de dejarse seducir por la expectativa de dar con algo insospechado. Porque, en definitiva, de nuestras experiencias, de la acumulación de éstas y de cómo sepamos gestionarlas se nutre sin duda nuestro trabajo.

Sus proyectos —que siempre se sabe cuando empiezan pero nunca cuando acaban— se mueven en terrenos intangiblemente efímeros y subjetivos, y tratan de poner al público ante un espejo, donde sólo podremos encontrar tanto como estemos dispuestos a dar: la experiencia a través de la experiencia. El conjunto de su producción incluye vídeo, fotografía, instalación, performance, escultura, dibujo y libros de artista. Estos proyectos, con un fuerte carácter procesual, exigen una toma de conciencia del paso del tiempo y de la dimensión del sujeto —artista y espectador— implicado en unas obras que en ocasiones constituyen verdaderas arquitecturas invasoras. La boule de neige. Historia de un fracaso es una videoanimación narrada en primera persona por Juan Carlos Bracho e interpretada por un alter ego: una versión animada de sí mismo. Patológicamente, el hecho de hablar en un idioma que no es el suyo y de mostrarse a través de otro le permite distanciarse y al mismo tiempo mostrarse sin tapujos. Al contrario que en el resto de sus trabajos donde el artista se retira a tiempo —precipitando la búsqueda del espectador en su universo emotivo y sensitivo para dar sentido final a lo que ve— en esta historia es él quien toma la palabra. 18

La boule de neige. Historia de un fracaso, 2012 Videoanimación (11’ 51’’)

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Primer Premio


Nuno Henrique Funchal, Ilha da Madeira (Portugal), 1982 nunodosantos@gmail.com A medio camino entre el dibujo y la escultura, la obra de Nuno Henrique se basa en narrativas que tienen por objeto las especies botánicas.

Segundo Premio

Su trabajo se debe, en parte, a su experiencia afectiva con el bosque nativo de los archipiélagos de Madeira —de donde es natural— y de Porto Santo. Este bosque, que ha sobrevivido al asentamiento portugués en los lugares más inaccesibles de las islas, ocupa hoy apenas el 15% de la totalidad del territorio que ocupaba hace unos años. A partir de esta relación con el bosque, la experiencia artística deviene una experiencia de su ausencia, donde lo que permanece y desaparece convive de forma simultánea.

las coloraciones y texturas propias de los papeles que utilizó en trabajos anteriores. Por lo tanto, las páginas acuareladas tienen también como punto de partida esos papeles, y otros elementos como pequeñas manchas o fragmentos de letras utilizadas para crear nuevas cartografías a través del dibujo.

El libro de artista O Ilheo dos Dragoeiros sucede a un conjunto de obras relacionadas con la especie botánica Dracaena Draco Draco, el drago, árbol acerca del cual Nuno Henrique desarrolla su trabajo. Gaspar Frutuoso, teólogo y humanista portugués del siglo XVI, describió en el manuscrito Saudades da Terra el poblamiento de Porto Santo. Este texto contiene numerosas alusiones al drago –especie hoy extinta en su estado natural– e identifica uno de los islotes del archipiélago: «en dónde hay muchos palos de drago, y por eso le llaman el islote de los dragos». Tras una visita a dicho islote, se crea un modelo topográfico del mismo, cortando 52 curvas de nivel en papel. En ese proceso, con cada curva de nivel realizada surge también el negativo del islote. Este hecho incita al artista a presentar este negativo en formato de libro, donde al hojearlo se baje al interior del islote. En el modelo positivo el artista representa la sequedad actual del islote, conseguida a través del blanco del papel, e incorpora la actual escalera que lleva a la cima. Inspirado en los mapas físicos y en la hipsometría (representación de la altitud con uso de una escala cromática), Nuno Henrique introduce color a las páginas del libro con acuarela, al buscar lo inverso al modelo positivo y contrarrestar su aridez, cumpliendo así con la descripción de Gaspar Frutuoso. Los colores, como en trabajos anteriores del artista, hacen alusión a los colores del cuerpo del árbol, y no son asignados de manera naturalista, sino a través de 20

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Segundo Premio

O Ilheo dos Dragoeiros, 2012 Libro de artista, ejemplar único Acuarela sobre papel Fabriano 300 g cortado (120 páginas - 31x37x3,6 cm)

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Abdelkader Benchamma Mazamet (Francia), 1975 kahh@hotmail.fr En el trabajo de Abdelkader Benchamma, la cuestión de la gravedad es esencial pues se relaciona con la cuestión de la existencia, ésa de estar en pie, de cómo nos mantenemos en pie, la que hace al hombre. Bachelard dice: «Quien no sube, cae. El hombre en tanto que hombre no puede vivir horizontalmente».

Esta pieza utiliza el vocabulario formal de la construcción (grillajes, paneles de madera, bandas, clavos...) como si el trabajo del dibujante pudiese estar cerca del que realiza el escultor: transformar materias en otros elementos. La utilización de varias técnicas que se mezclan dan este aspecto realista, pero siempre ambiguo: los carboncillos se mezclan con las tintas, los bolígrafos con los lápices.

Accésit

El dibujo Maquette (sculpture) no se determina a priori, sino que se desarrolla a partir de un lugar de la hoja para buscar su propia forma. En este sentido, el dibujo no se concibe como un borrador realizado con anterioridad, sino que se construye paulatinamente, y encuentra su sujeto: el de una materia indeterminada

y en proceso de construcción o ya en ruinas. Es en la base donde el pedestal del dibujo, que sugiere un objeto posible, alcanza un real en tres dimensiones. El pedestal proporciona peso y gravedad.

Maquette (sculpture), 2012 Tinta, carboncillo, bolígrafo sobre papel (130x90 cm)

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Pollyanna Freire São Paulo (Brasil), 1982 www.pollyannafreire.com Pollyanna Freire crea un léxico con elementos de naturaleza híbrida más próximos al dibujo que a la escultura. A través del color dicta nuevas reglas donde peso, volumen y gravedad quedan enmascarados. Esta obra está formada por diversas piezas tridimensionales de pequeño formato que se exhiben fijadas a la pared. La diversidad es la principal característica de este conjunto, lo que está patente en los materiales empleados (papel, arcilla, plastilina, madera de balsa), en los colores y en los tratamientos ejecutados. Asimismo, se observan características comunes que les dan unidad. Estas piezas se someten al plano vertical: están pegadas a la pared. Se acercan, en su ensamblaje, a un esquema expositivo más frecuente de obras

bidimensionales, por lo que se elige la pared y no la peana; cuando una de las vistas se hace inaccesible, se renuncia parcialmente a la tridimensionalidad. Cada una de estas piezas es, por lo tanto, presentada como si hubiera posado sobre una hoja de papel en blanco. Realizadas en pequeños formatos, la medida de las piezas corresponde a la medida de la mano. Se dibujan directamente con sus materiales, lenta o rápidamente, y a veces rehúsan un acabado más cuidado. Un juego experimental donde los materiales empleados adoptan formas y composiciones variadas, y donde los elementos, en su presentación final –colocados lado a lado– confirman esta variedad. Este trabajo existe únicamente por la unión de sus partes, que se complementan al diferenciarse sucesivamente.

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Accésit

Sin Título, 2012 Técnica mixta, gouache sobre papel, arcilla, plastilina y madera de balsa (medidas variables)


Abigalil Lazkoz Bilbao (España), 1972 www.abigaillazkoz.blogspot.com.es El dibujo y el uso casi exclusivo de la tinta negra sobre fondo blanco son para Abigail Lazkoz restricciones estratégicas. Dibujar para conseguir una escritura artística modesta, de recursos reducidos, «una especie de lenguaje frugal apropiado para una economía de guerra.» Su obra es una reflexión tragicómica sobre la imposibilidad de alcanzar la felicidad, articulada a través de síntomas recurrentes en las relaciones del individuo con la sociedad. La acción artística es concebida como la encarnación posibilista de la incapacidad humana para resolverse en lo paradójico de su propia existencia.

ofrece. El hueso negro, un montón de huesos negros, fue recolectado en uno de estos paseos y ha estado durmiendo en su envoltorio de papel de periódico a la espera de poder conversar con algo. Autorretrato… es el resultado de una de esas conversaciones. El palo, «hueso de figuración distraída», complementa conceptual y físicamente, de un lado las líneas y manchas negras habituales de las obras sobre papel, y de otro el marco que en este caso se multiplica por tres. La interacción de todos estos elementos ofrece una visión expandida del dibujo que desborda los límites habituales aspirando a lo tridimensional.

Accésit

Autorretrato con hueso negro es un cuento a medio camino entre lo abstracto y la figuración que recrea los paseos diarios de la artista por Nueva York. En ellos desordena ideas, teje manchas y recolecta lo que la ciudad le

Autorretrato con Hueso Negro, 2012 Tinta pigmentada y caseína sobre papel, cartulina, madera, metacrilato, escultura africana (139x102 cm)

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Daniel Martín Corona Madrid (España), 1980 www.danielmartincorona.blogspot.com Los intereses de Daniel Martín Corona giran en torno a la idea de desmaterialización, encontrando en esta un terreno perfecto para articular reflexiones en torno al espacio, cada vez más difuso entre realidad y ficción. Se autodefine «muy espectador.» «—¿Le ha ocurrido ya tener en la mano una moneda falsa? —preguntó al fin. —Sí —dijo Bernardo—; pero el “no” de las dos mujeres cubrió su voz. —Pues imagínese una moneda de diez francos, falsa. No vale en realidad más que diez céntimos. Valdrá diez francos mientras no se compruebe que es falsa. Por lo tanto, si parto de la idea de que…»

de agua, confeti, filamentos de seguridad, hologramas o, como en este caso, los guillochés o rosetas de seguridad, una técnica decorativa de grabado en la cual un patrón de diseño repetitivo y complejo es grabado mecánicamente con gran precisión y detalle para evitar su falsificación, un problema en un mundo reproducible. Esta preocupación pierde todo su sentido, en un tiempo en el que el objeto único está, más que nunca, en crisis. En este contexto, la intención de Daniel Martín Corona es construir un dibujo-guilloché (en constante movimiento), cuyo único fin consista en ser irreproductible e infalsificable (obviamente, de manera irónica) para, así, crear una certificación personal.

André Gide, Los monederos falsos (1925)

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Original, 2012 Vídeo en loop (2’ 30’’)

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Accésit

Original forma parte de un proyecto que utiliza como herramienta los elementos de seguridad estandarizados dentro del ámbito de los documentos (pasaportes, billetes, diplomas), tales como tintas especiales, marcas


Aggtelek Gemma Perales - Barcelona (España), 1982; Alejandro Valles - Barcelona (España), 1978 www.aggtelek.net Los procesos creativos y la disolución de las categorías artísticas y de sus formatos son los centrales puntos de interés del colectivo Aggtelek. Desde una variedad de disciplinas (performance, vídeo, textos, escultura o instalación) analizan y representan conceptos en torno a lo creativo desde una dinámica vital. La metodología de trabajo surge del constante diálogo, cuestionando siempre el papel del arte, el rol del artista y las consecuencias de la propia creatividad. Les interesa abrir nuevas lecturas en torno a la obra y su representación desde una perspectiva en la que se analizan todo tipo de influencias y se aporta un amplio abanico de referencias contemporáneas, propias de diferentes disciplinas artísticas.

Esta obra expone una serie de notas de un proyecto jamás realizado que se originó con una invitación de la galerista Soledad Lorenzo, quien después ignoró las comunicaciones de los artistas: la obra se convierte así en la crónica de un fracaso, la documentación de algo inexistente que toma forma en la mente de los artistas (y del espectador), y al mismo tiempo una crítica al aparente poder de los galeristas para determinar la materialización de ciertos trabajos. La pieza consiste en un folio con un texto explicativo de la historia de (in)comunicación con Soledad Lorenzo y seis collages que conforman los esbozos de una instalación/performance que jamás se llevó ni se llevará a cabo. Loose Lips Do Sink Ships, 2011 Tinta y fotografía sobre papel (siete unidades - 42,5x36,5 cm c/u)

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anak&monoperro Anak - Madrid (España), 1979; Monoperro - Madrid (España), 1973 www.anakmonoperro.com La producción de anak&monoperro abarca diversos campos, no se restringe al mero ámbito artístico. Este colectivo produce objetos siempre incluidos en un proceso de conexión, tanto con la sutil verdad como con el circuito integral del tiempo. anak&monoperro consideran como «arte» cualquier acción en el mundo de cualquier ser; a partir de este punto ponen cualquiera de sus acciones en el contexto del arte, para el mundo en sí mismo, no sólo para la esfera del arte. En estos seis dibujos se muestran a través de una épica simbólica etapas de la declaración, por parte de anak&monoperro, de su Monarquía Absoluta. La Monarquía Absoluta es una de las cuatro verdades de Metem, que fueron reveladas a anak&monoperro. anak&monoperro declaran que su Monarquía consiste en la asunción del destino, y del plan original. La Monarquía Absoluta está fuera del tiempo, en un ciclo orgánico. La Monarquía del Tiempo forma parte de lo que anak&monoperro llaman Animismo Urbano, un tipo de conexión con el origen del poder, que además es en sí misma una revolución permanente, y es desde el Animismo Urbano desde donde contextualizan su trabajo. Esta serie de dibujos, según anak&monoperro, está inserta, no tanto en la tradición artística visible sino en la invisible tradición precientífica de la que se valían las artes curativas y mánticas, y que usaban las hoy consideradas Bellas Artes como una herramienta más de poder.

La Monarquía del Tiempo, 2011 Tinta negra sobre papel (seis unidades - 14,7x21 cm c/u)

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Tamara Arroyo Madrid (España), 1972 www.tamaraarroyo.com Tamara Arroyo observa e interpreta el espacio que le rodea para establecer un diálogo entre lo real y lo imaginado. Las vivencias o sus propias experiencias se convierten en lugares para pensar e investigar. En este proyecto sigue con la idea de retornar al pasado y revisarlo a través de su trabajo artístico, y se retrotrae hasta una época que ni siquiera conoció. A pesar de que no existen imágenes fotográficas del primer encuentro de sus padres, algunos indicios demuestran que estuvieron allí. Tarjetas de visita, mapas o la publicidad de un hotel son los elementos con los que la artista empieza a realizar su trabajo de investigación, siguiendo estas pistas y, guiada por la información que guarda en su memoria de los relatos contados por sus padres, recorre esos mismos lugares en los que ellos estuvieron para documentarlos y fotografiarlos. Parte de este proyecto general aparece la obra Cuaderno Romano I, una serie de dibujos que responde a sus primeras impresiones durante su actual estancia en la ciudad de Roma. Cuaderno Romano I, 2012 Cuaderno de artista. Tinta china sobre papel (29x21 cm)

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Luz Marina Baltasar Logroño (España), 1981 www.luzmarinabaltasar.jimdo.com Luz Marina Baltasar ha desarrollado un amplio trabajo de autorretrato. Inicia la búsqueda del yo a través de la figura de la casa y la morada. Ella misma y la casa se reiteran, o quizá deberíamos decir el hogar, ¿por qué? Entre ambas se establece un tipo de relación tan humana y natural que la propia casa acaba impregnándose de esa condición, pasando de ser un mero objeto inerte a tener personalidad propia. Una atadura orgánica que también aparece reflejada en la longitud y el crecimiento del cabello. El pelo se asocia aquí a las fantasías, ideas y anhelos interiores. Su aspecto nos habla de la «cabeza» de la que nacen esos cabellos, que aparecen aquí como algo con vida propia, sensual y magnético.

Asimismo en sus instalaciones, diseña pequeñas estructuras de casas que vuelven a hablarnos de esa personalidad que puede adquirir el espacio y, por extensión, el carácter de quien lo habita. Existe en estos pequeños espacios un recuerdo infantil, esa obsesión por la miniatura de muchos niños y niñas. Objetos que hablan de la educación y las expectativas de felicidad inculcadas por la pedagogía en los más pequeños, enfocada a entretenerlos con la idea de conseguir una vivienda, signo de seguridad, lugar que acoge y protege al individuo con tintes casi maternales, pero donde a veces se siente atrapado, provocando una urgencia de huída.

¿Cómo hacerlo sin trampa?, 2009 Grafito sobre papel (92x73 cm)

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Javier Chozas Madrid (España), 1972 www.javierchozas.com La obra de Javier Chozas explora las fisuras que se producen en el individuo en su convivencia con el medio urbano. Esta obra aborda una de ellas, el proceso de disociación de la identidad nacido bajo el amparo de las redes sociales. En ellas ha surgido la identidad digital, que convive con la física y, al menos hasta ahora, se comporta de modo complaciente. Este Doppelgänger bien puede ser el combustible de algunas de las fracturas más patentes del individuo urbano, a partir del hecho de que es infinitamente más fácil subsanar o corregir en la identidad digital todas aquellas deficiencias cotidianas que nos abruman y contra las que es difícil luchar en el mundo físico.

la aplicación detecta un tweet que contiene una de estas palabras, convierte mediante un algoritmo el mensaje en un rectángulo blanco, gris o negro. La obra elabora un retrato de la identidad digital, definida tanto por las manifestaciones propias como por las de aquéllos a quienes uno decide seguir. Dado que esta identidad se nutre de un proceso continuo, la aplicación tampoco se detiene nunca. La distribución de los grafismos es aleatoria del mismo modo que es difícil evaluar a priori la relevancia que tendrán los estímulos que nos rodean en nuestro proceso de autoconstrucción.

Autorretrato es una aplicación que analiza en tiempo real las apariciones de las palabras «yo», «mi», «mío» y «conmigo» en una cuenta de Twitter. Cada vez que

Autorretrato, 2012 Net-art (dimensiones variables, duración ilimitada)

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Daniel Chust Peters Sâo Paulo (Brasil), 1965 danielchust@aavc.net Por más que Daniel Chust se sienta eufórico o melancólico, las medidas que ha tomado con la cinta métrica del espacio de su taller siempre son las mismas, como también es inmutable el método de trabajo que utiliza desde hace más de veinte años: «1. Tengo una idea: reproduzco el taller; 2. No tengo ninguna idea: reproduzco el taller; 3. Tengo otra idea: reproduzco el taller.» Los múltiples inputs externos que le mantienen constantemente estimulado durante el trabajo provocan en Daniel Chust Peters continuos cambios de estados de ánimo. Este hecho ha desencadenado que las medidas y todo el espacio del taller se volvieran excesivamente emotivas; desde entonces, su actividad artística y su taller se han convertido en un mismo contencioso

homogéneo: una fusión entre arquitecturas humanas y estados de ánimo. En este nuevo contexto de seducción mediática, el artista y otras cincuenta personas, intensamente alegres y sospechosamente demasiado estimuladas, no paraban de reír juntas, una al lado de la otra, formando una arquitectura humana con la forma de su taller de Barcelona; de repente la tristeza les invadió: los llantos se contagiaron entre todo el grupo. Otro día, un mal olor o algún virus que contaminaba el aire les provocó mucha tos, una tos nerviosa y constante. Este hecho provocó en el artista un malhumor que recorrió todo el taller; de pronto, su taller se convirtió en un centenar de individuos que no paraban de toser.

Air Force One, arquitecturas humanas, 2009 Construcciones y dibujo digital (diez unidades - 6,4x19x25,3 cm)

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Ángela Cuadra Madrid (España), 1978 www.angelacuadra.tumblr.com «El afuera es siempre un dentro» Le Corbusier Ángela Cuadra centra su interés en el dibujo como modo de materializar ideas rápidamente. Trabaja a partir de imágenes o textos preexistentes con la idea de dotarlos de una nueva vida, con el fin de explorar los límites entre lo natural y lo artificial, lo público y lo privado. Su trabajo investiga qué constituye la frontera última entre nuestro yo íntimo y el mundo exterior, los espacios de fricción entre conceptos antagónicos, ese intersticio en el que sólo el lenguaje puede penetrar. El título de esta obra está extraído de la novela homónima de Raymond Roussel, autor cuya vida transcu-

rrió en un enclaustramiento casi completo; a pesar de haber viajado a lo largo de todo el mundo, reúne en sí a la figura del nómada y a la del ermitaño. En este sentido, las casas prototípicas de la modernidad, casas de cristal o con la característica ventana panorámica lecorbusierana, encierran una paradoja similar: la de estar absolutamente abiertas hacia el exterior a la vez que tienen algo de cluster, de estructura encerrada en sí misma. En este sentido, la manera de imponerse al paisaje de este tipo de arquitecturas tiene algo de obstinado, de irreal, un repliegue hacia el interior que remeda el terco empeño del ser humano en encerrarse en sí mismo pese a estar condenado a ser un animal social.

Locus Solus, 2012 Lápiz de color, tinta y rotulador sobre papel Hahnemühle 190 g (seis unidades - 33x41 cm c/u)

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Democracia Iván López - Madrid (España), 1970; Pablo España - Madrid (España), 1970 www.democracia.com.es Para Democracia, la opción de trabajo en grupo responde a la intención de abordar una práctica artística centrada en la discusión, el enfrentamiento de ideas y formas de acción. El mismo hecho de trabajar en grupo fija un interés de intervención en el ámbito de lo social a través de planteamientos comprometidos con lo real. Esta instalación está relacionada con su obra Ser y Durar, una acción en la que un grupo de parkour (traceurs) realiza un recorrido en el Cementerio Civil de la Almudena de Madrid.

En parkour la individualidad se fija en su actividad (en el recorrido subjetivo por la ciudad) más que en el estilo de unos símbolos compartidos, al contrario que en el resto de las subculturas de marcado carácter consumista. Bajo este marco se sitúa este trabajo que propone una relectura de su identidad comunitaria, una identidad abierta y no estandarizada, en clave situacionista (acudiendo a la cita del Manifesto, Internationale Situationniste #4 expresada en el stencil «… una actividad realmente artística es siempre clasificada como criminal», teniendo en cuenta que el parkour por su subversión de las ordenanzas municipales está perseguido e incluso prohibido en algunas ciudades).

En esta obra se juega con la estética de una subcultura urbana específica: el parkour. De tal modo que se utilizan su lema («Ser y Durar»), su imagen gráfica (stencil) y su ropa (sudadera).

Ser y Durar (traceur 1), 2012 Serigrafía sobre papel, stencil sobre papel, bordado sobre sudadera (70x50 cm; 100x70 cm; talla XL)

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Manuel Antonio Domínguez Villablanca (España), 1976 www.manuelantoniodominguez.com Cuando el universo real de la sexualidad ocupa la zona de lo innombrable y la masculinidad insegura se siente amenazada, ésta responde a la búsqueda de estereotipos que le alejen de toda sospecha y cuestionamiento. El trabajo de Manuel Antonio Domínguez Gómez (H.s.C.) «profundiza en la investigación de este proceso, en el que la inseguridad replantea en el hombre cambios físicos, represiones y aptitudes hacia cualquier ubicación en la que su hombría no sea relacionada con la de una aparente masculinidad blanda.» La pieza, una construcción de lona de papel, se forma a partir de la recopilación de fragmentos de cartelería publicitaria del entorno en el que participa el habitante de la ciudad. Retales de papel que van conformando

una lona donde lograr reconocerse en eventos de los que ha participado; extremos de recorridos, cercanías y límites de su relación «íntima» con el mundo. Esta superficie le proporciona una plataforma sobre la que dibujar la frase «la gente piensa de mí cosas», palabras que contienen en sí mismas las distorsiones y perversiones propias de la verbalización de una práctica reprimida. Esta frase habla de un estereotipo construido y divulgado por la creencia popular entorno a la construcción de la masculinidad del individuo. Ambas identificaciones, cartelería construida y elección de frase, coexisten simultánea o sucesivamente en el mismo entorno del individuo.

La gente piensa de mí cosas, 2012 Collage, bordado y gouache (200x200 cm)

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Gonzalo Elvira Neuquén (Argentina), 1971 www.gonzaloelvira.com El plano histórico-social y la propia historia del arte, entendidos como procesos que sufren modificaciones y clasificaciones, comprenden los dos ejes en torno a los cuales gira la obra de Gonzalo Elvira. Este díptico establece un lugar de encuentro entre dos puntos que conforman la vida del artista: Barcelona y Buenos Aires. Ambas ciudades están representadas a través de las llamadas Semanas Trágicas de Barcelona (1909) y la de Buenos Aires (1919). Mediante la aguja y el martillo graba e inscribe las imágenes de los dibujos, a modo de proceso doloroso. Las Semanas Trágicas tienen muchos puntos en común aunque los detonantes hayan sido muy distintos.

Alejandro Lerroux se encontraba en Buenos Aires cuando estallan los sucesos de Barcelona; mientras, Alejandro Merletti, el fotógrafo italiano formado en Buenos Aires, registraba la única imagen del juicio a Ferrer i Guardia. La semana trágica de Barcelona tenía lugar durante el gobierno de Maura en contra del reclutamiento de tropas para la guerra del Riff en Marruecos. En Buenos Aires, durante el gobierno de Hipólito Yrigoyen, los trabajadores demandaban la reducción de la jornada laboral de 11 a 8 horas en los talleres metalúrgicos Vasena. La revolución rusa, las figuras de Lenin, Trotski, Kautski, Bela Khun, los asesinatos de Karl Liebknecht y Rosa Luxemburg coincidieron con la Semana Trágica de Buenos Aires mientras Marcel Duchamp se encontraba de visita.

Assaig S.T. 1909-1919/000, 2011 Perforaciones con aguja y martillo sobre papel (díptico - 50x70 cm c/u)

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Sabine Finkenauer Rockenhausen (Alemania), 1961 www.sabinefinkenauer.com Para Sabine Finkenauer «dibujar es una manera de pensar. El dibujo es la idea de un objeto y su verificación: su formación, su reformación o transfomación en verdad, la cual se revela como la esencia, particularidad y unidad de la forma.» 3 formas se compone de tres dibujos que representan una forma que deriva de un objeto: un ataúd, una flor y un rectángulo. Estos elementos hacen parte de un gran repertorio de símbolos y signos que se han ido cristalizando en su obra a lo largo del tiempo y que se van repitiendo y transformando en sus dibujos, pinturas y esculturas de diversos modos. El material, el color y la escala son concebidos como elementos de resistencia de la forma contra su deformación, son

su densidad y su fuerza, y se contrastan, solapan y modifican en un proceso cuyo fin es la invención, la aparición de lo no-predeterminado. En consecuencia, su obra no corresponde a un proyecto definido, pero sí está soportada por una intención que goza del surgimiento de la forma y su despliegue in statu formandi. Mediante la evolución del trabajo las formas se van cargando de contenidos inconscientes, aunque más que significados son significantes; significantes de un misterio que se explica por sí mismo y mientras pierden su nombre obedecen a un deseo que ya no busca un objeto, sino un sentido.

3 formas, 2011 Lápiz de color sobre papel (tríptico - 59x42 cm c/u)

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Fernando García García Madrid (España), 1975 www.fernandogarciagarcia.com Para Fernando García «Las Obras Revisitadas provienen de una continua y constante revisión de mis trabajos anteriores. Bajo este juicio, y considerando a todos esos trabajos que revisar de una elevada factura, la valoración que otorgo a unas determinadas obras es que aún podrían ser presentadas de un modo más simple o efectivo.» Obra Revisitada #014 finalmente tiene la apariencia de un collage sobre el dibujo In Tränen Aufgelöst de la serie Obras Antiberlinesas (2008). La presentación final de la obra adquiere un sentido casi abstracto, y se acerca a soluciones propias de la abstracción geométrica, al eliminar toda narratividad, simbolismo o memoria de la obra anterior.

un objeto. En este caso, bajo la serie Homenaje a Stuart Sutcliffe, nos descubre a quien fue el bajista y miembro fundador de The Beatles y nos oculta el lema In Tränen Aufgelöst (Disuelto en lágrimas), que cobra sentido años después de su realización. En 1961, The Beatles habían realizado su segunda gira por Hamburgo, cuando la banda regresó a Liverpool, Stuart Sutcliffe decidió quedarse para satisfacer su inclinación por la pintura. Stuart murió en el 10 de abril de 1962, justo antes de que The Beatles publicaran su primer sencillo en el Reino Unido «Love Me Do» el 5 de octubre de 1962, demostrando una vez más el poder cautivador de la pintura frente al resto de las cosas.

Es frecuente, la referencia a la idea de invisibilidad, a las razones del ocultamiento o a la no-revelación de

Obra Revisitada #014. De la serie: Homenaje a Stuart Sutcliffe, 2012 In Tränen Aufgelöst. De la serie: Obras Antiberlinesas, 2008 Collage, papel charol sobre dibujo (195x150 cm)

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Nuno Gil Lisboa (Portugal), 1983 www.nunogilblog.tumblr.com Si hay un lugar donde esa masa informe –aunque no se llegue a realizar– se pueda experimentar, Nuno Gil se situará exactamente en ese espacio que distingue una cosa de otra. Una voluntad de repetición encuentra aquí una lógica común, y a su vez se relaciona con todo lo que diferencia una cosa de todas aquéllas que le son idénticas. La consecuencia de esta repetición es el exceso, pero más allá de ésto lo que hay de común entre su trabajo y el barroco como categoría es un tipo de inversión que tiene la finalidad de destapar todo lo que aparentemente y de forma sistemática se esfuerza por encubrir.

El presente dibujo pertenece a una nueva serie titulada Supernova. En ella se reanudan algunas cuestiones esenciales para Nuno Gil, principalmente respecto a la diferencia fundamental que él establece entre la pintura y el dibujo. Ante una clara imposibilidad de disolución (o separación) de los límites de la propia forma, su esfuerzo viene tomando cada vez más un sentido radicalmente opuesto, o sea, el de entender esos límites como cada vez más precisos e inequívocos.

Sin título, 2012 Tinta china, acrílico, grafito y grapas sobre papel Fabriano 300 g (76x56 cm)

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Ana H. del Amo Cáceres (España), 1977 www.anahdelamo.blogspot.com.es En la obra de Ana H. del Amo el aspecto puramente formalista toma el assemblage o ensamblaje como método principal; de este modo, color, forma y materia dan lugar a piezas de carácter geométrico que, en ocasiones, surgen a partir de objetos encontrados. La incorporación de colores luminosos, incluso fluorescentes, sobre materiales poco convencionales niega la clasificación de su discurso en lo estrictamente pictórico, derivando su obra a un territorio híbrido a caballo entre la pintura y la escultura. Sus obras condensan formas de apariencia depurada en las que pueden apreciarse los elementos o errores de su manufactura. Descartar los procesos o materiales industriales en la realización de su obra hace que su discurso se enmarque en un espacio poético. La pieza presentada, resuelta con listones de madera unidos entre sí con tornillos, permite el juego de desplazamiento, de dilatación. Nos muestra una estructura geométrica que persigue el equilibrio, de carácter variable, ya que el sentido y el volumen de la forma del dibujo se definen gracias a la situación de puntas en el muro. Esta pieza se diseña a partir de la letra «Y», del «yo», que aparece como caligrafía fantasma, invertida, como tipografía escondida —tránsito de lo introspectivo a lo extrovertido, autorreferencial—, que sitúa al gesto pictórico en los límites.

Sin título, 2012 Madera y barra de óleo (108x76x1,5 cm)

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Jimena Kato Murakami Lima (Perú), 1979 www.jimenakatomurakami.net Jimena Kato Murakami articula su trabajo alrededor de las nociones de temporalidad y de desplazamiento (físico o semántico) y de la utilización de materiales de carácter efímero, que forman parte de un proceso de naturaleza nómada. Sus preocupaciones artísticas toman como referencia la relación con nuestro entorno inmediato, los productos que consumimos, los objetos y el lenguaje que usamos para subvertir sus convenciones preestablecidas y revelar así los artificios que encontramos para poder aferrarnos a un pedazo de realidad. La representación de un objeto banal y desechable como la envoltura de una magdalena contrasta con

el carácter decorativo de la gola, pieza de vestimenta emblemática y signo de distinción entre los monarcas y las clases acomodadas en España y Flandes durante el siglo XVII. Con el descubrimiento del almidón, la altura de estas piezas fue aumentando al no perder su forma original, creando así una especie de gran recipiente pomposo para la cabeza del que la llevase. La creación de un volumen a partir de un objeto bidimensional, a través de la acumulación de pliegues que dispuestos de cierta manera, crea una forma-módulo que es a la vez contenido y contenedor, cóncavo y convexo. Estos módulos apilados crean una pieza donde, como explica Gilles Deleuze en Rizoma «lo uno forma parte de lo múltiple» y viceversa.

Ruff/Gola, 2012 Papel de patronaje plegado a mano (80x60x60 cm)

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Me, Myself and I


Aleksandra Kopff Varsovia (Polonia), 1982 www.aleksandrakopff.blogspot.com Un dibujo es la circunstancia en que ha sido creado. Un garabato en la pared o el plano del arquitecto, cada trazo es la marca del camino en la búsqueda de un resultado, la necesidad de una respuesta. Al dibujar Aleksandra Kopff «entra en un soliloquio, un diálogo, un juego de posibilidades entendido como un diálogo con la realidad, un proceso creativo infinito, a veces natural, a veces un sinfín de preguntas.»

Aleksandra Kopff interpreta en esta obra el íleón como una forma aislada: un cerebro visceral, circunstancia cerrada donde lo dado circula ciegamente; representa la dificultad de sobrepasar las propias limitaciones, también las creativas y las propias de la personalidad.

«Me, Myself and I» es considerado como una pregunta sobre la identidad. Según la definición del Diccionario de la Real Academia Española, «íleon» (del griego eileon, retorcerse) es la tercera porción del intestino delgado de los mamíferos, que empieza donde acaba el yeyuno y termina en el ciego; en el feto, el íleon está conectado con el ombligo a través del conducto vitelino. Eileon, 2012 Tinta sobre papel (60x50 cm)

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Chico López Linares (España), 1967 www.chicolopezjm.blogspot.com Desde hace más de diez años Chico López se ha dedicado a profundizar en la contextualización del arte contemporáneo en lo que él entiende como «la Verdad Negada, Olvidada, Omitida y Simulada», apropiándose del distanciamiento evidente entre la obra de arte y el espectador, también entendida como la separación paulatina de cierto ámbito artístico formado por la pasada proliferación del número de centros de arte contemporáneo en España. Radicaliza aún más su propuesta, al considerar la experiencia creadora como único valor para acercarse al objeto de arte. El trabajo que ahora presenta gira sobre la actualidad de su ámbito artístico. Un trabajo de cuestiones relacionadas con actitudes que reclaman la atención

hacia los valores que han fundamentado nuestra historia contemporánea en busca de una nueva identidad, allí donde confluye lo real y lo virtual dando lugar a estructuras con las que pretende establecer una clasificación simbólica. En la serie de dibujos llamada Castillos en el Aire relaciona la identidad del objeto artístico con el proceso de-constructivo y re-constructivo, de manera que los objetos para realizar obras artísticas dejen de ser meras estructuras con el fin de sugerir diferentes procesos narrativos. Chico López diluye el significado y la utilidad que siempre se ha adjudicado a los objetos, al aportar comprensiones satisfactorias para el arte sobre sus propias obras.

S/T de la serie Castillos en el aire, 2012 Grafito sobre papel (nueve unidades - 50x65 cm)

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Me, Myself and I


Estefanía Martín Sáenz Bilbao (España), 1982 www.estefaniamartins.blogspot.com.es Estefanía Martín Sáenz pone a dialogar sus microrelatos con los dibujos y las pinturas. El textil está presente dentro de su obra: el hilo forma dibujos y el soporte de sus pinturas no responde al habitual lienzo. Estos cuentos de su autoría intentan desenmascarar a los personajes que surgen en las obras otorgando a éstas una personalidad y una historia que giran en torno a un mundo irreal. Candace es una muestra de uno de sus últimos trabajos. «La mujer de rosa presidía la reunión y las guardianas las salidas. Candace dormía tranquila en una esquina. ¡Esto no puede seguir así, necesitáis vuestras cabezas ya! dijo con voz fuerte la mujer de rosa. Lo sabemos pero las ramas son cada vez más fuertes y nosotras más débiles, gritaron todas al unísono.

Ahora eran cabezudas mientras que para Candace (que no le preocupaba su cabeza) ya en pie, la preocupación eran sus preciosos dientes e imaginaba que se convertían en miles de perlas y que caían por toda la sala. Se los tocaba una y otra vez revisando que estuviesen perfectamente alineados a través de su barbilla, le daba grima. Las ideas se le enredaban con las ramas-cabeza mientras las zarpas del tigre que hasta entonces no habían hecho acto de presencia en la reunión, empezaban a asomar por allí y por allá. Empezaba a desmoronarse todo. Candace suponía bien, el tigre no asomaría su cuerpo mientras ella siguiese en el sueño. ¡Sueño! eso era lo que tenía, y en lo que estaba metida.»

Y se podía ver perfectamente cómo las ramas crecían y crecían dando forma a las cabezas de las gigantas.

Candance I y Candace II, 2012 Acrílico, grafito y bordados sobre papel (100x140 cm)

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Pepe Medina Palencia (España), 1969 www.pepemedina.net Para Pepe Medina la exploración del entorno, su confrontación y toma de posiciones pasa por la creación de un espacio libertario. Un campo de batalla sobre el papel donde luchar contra los trazos impuestos para dibujar una imagen del mundo. Esta metáfora de su resistencia diaria ejercida mediante el dibujo produce objetos reales. Podemos hallar en su interior instrumentos de propaganda, herramientas para conspirar, tales como periódicos gratuitos, carteles o, sencillamente, las últimas anotaciones o bocetos. Todo depende del momento en el que entremos y del material que se encuentre disponible. Conviene no desaprovechar la oportunidad de obtener algún ejemplar de aquellas publicaciones que estén a disposición de los visitantes.

Con Refugio el autor piensa un lugar para pensar, dibuja un lugar para dibujar, proyecta un lugar para proyectar; en definitiva, construye un lugar para construir. Esta construcción desde la que resistir a través del dibujo se nos ofrece como un espacio donde planear y conspirar. Un área al que no afecta el tiempo ni el poder. Un lugar que se desplaza con su autor y destinado a ser compartido en su uso y disfrute. Pero también, un espacio efímero sin ubicación definitiva, un hogarmaleta donde vivir dibujando.

Refugio, 2012 Tinta, cartón reciclado y madera Instalación temporal (320x320x320 cm)

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Me, Myself and I


Quino Monje Huelva (España), 1974 www.quinomonje.com El dibujo de Quino Monje se entiende como la proyección resultante de los procesos de percepción cognitiva que se dan en la configuración del mundo.

Dimensión Desplazativa de la Cognición: Esquema Neoténico, 2012 Tinta sobre papel de algodón (tríptico - 50x70 cm c/u)

Dimensión desplazativa de la cognición: Esquema Neoténico presenta tres imágenes de un individuo cuyo esquema neoténico ha sido sometido a una serie de alteraciones morfológicas que desplazan su semblante original. La pieza trabaja desde la desdibujación cognitiva y la experimentación sensorial, es decir, desde procesos desplazativos de la percepción en los que se piensan y significan diferentes posibilidades de sentido como resultado de la experiencia sensible. El observador, como sujeto pensante construido simbólicamente, refleja y proyecta un valor de creencia a lo cognoscible. La respuesta cognitiva a lo percibido dependerá, por un lado, de propiedades formales (en este caso: distancia interocular, forma de la mandíbula, inclinación de la barbilla) y, por otro, del constructo resultante de esa experiencia a partir del prejuicio del observador, la resistencia a ese prejuicio y la proyección que el sujeto hace sobre el objeto observado. Toda interpretación precisa de procesos de valoración en los que la información disponible se ordena en la mente del receptor y se le asigna un índice de validez y creencia. Estos procesos mentales se ven afectados por la dimensión desplazativa de la cognición, es decir, por los procesos de desviación perceptual objeto de análisis en este trabajo.

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Santiago Morilla Madrid (España), 1973 www.santiagomorilla.com Las intervenciones artísticas de Santiago Morilla suponen una transformación radical del entorno y la experiencia. Ahora que la visión cenital ha dejado de ser patrimonio divino, sus figuras, fruto del disfraz o del capricho de la naturaleza, son un tipo de anamorfosis que sólo puede ser completada mediante múltiples capas de representación. Abrir los límites del paisaje para ampliarlo también consiste en señalar su contorno. En un campo de labranza, con un tractor y la ayuda de los propios agricultores y vecinos de la localidad de Morille (Salamanca), nace un enorme agroglifo de 230 x 75 metros. Una intervención site-specific que presente la integración de la imagen a través de la comprensión

del entorno y el paisaje desde la cartografía digital. Esta acción ahonda en la capacidad de redefinir la productividad o capitalización de los procesos creativos para iniciar la rebelión personal: «Me gusta la idea de que un paisano salga de la retícula y dibuje con su tractor algo que no va a ver nadie y que sólo él sabe que existe, pero que sin embargo tiene un mensaje completamente inequívoco y directo para un hipotético extraterrestre o sistema de vigilancia de nivel bélico». Nace así una actitud que permite transformar (o redibujar) la materia y cuestionar la idea de restitución ante un enriquecimiento legal pero indebido con la propiedad, la tierra o la especulación que la altera.

Por donde habéis venido/To where you came from, 2012. Vídeo HD (3’ 29’’)

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Me, Myself and I


Teresa Moro Madrid (España), 1970 www.teresamoro.blogspot.com El mobiliario y los objetos que contienen la casa — dentro y fuera del espacio doméstico—, así como su poder de evocación, son el principal y obsesivo tema en el trabajo de Teresa Moro. Interesada en el concepto freudiano de «lo familiar extraño», ahonda en el proceso según el cual las cosas más banales se manifiestan un día extraordinarias y nos revelan la otra cara de lo cotidiano de una manera inexplicable y sobresaltada. En una de sus últimas series Stands de ferias de arte, elimina las obras para así poder resaltar los muebles que presenta a modo de bodegón; bajo el mismo planteamiento ha proyectado la serie Casas de coleccionistas. En 3 camas Teresa Moro recoge las imágenes de las camas que las revistas de decoración atribuyeron a John Currin, artista, Louise Bourgeois, artista, y Enrico Navarra, galerista. Tal vez sea puro artificio y decorado; estas exclusivas casas de revistas no siempre consiguen escapar a la globalización que nos obliga a habitar espacios impersonales y clónicos. Es posible que ninguno haya dormido nunca en estas camas; no obstante, cada una consigue transmitirnos un carácter diferente. Quizás carezcan de la intención autobiográfica que impregnaba las de los años 90 y primeros 2000 realizadas bajo la invocación del escritor Georges Perec, pero mantienen la capacidad de evocar su recuerdo.

3 camas, 2012 Gouache sobre papel Arches acuarela satinado (tres unidades - 51x66 cm c/u)

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Isabel Nuño de Buen México D.F. (México), 1985 www.isabelnunodebuen.tumblr.com En los dibujos de Isabel Nuño de Buen, como en una cadena de ideas, cada imagen contiene la siguiente antes de ser dibujada. Los espacios de sus dibujos se presentan abiertos y ambivalentes, son puntos y momentos de transición de un lugar o de un estado a otro. Túneles, olas y umbrales que insinúan entradas a algún espacio interior o exterior sin mostrarlo por completo. Su trabajo, de naturaleza aditiva y fragmentaria, genera múltiples narrativas e interpretaciones posibles que escapan de una lectura lineal. Insistiendo en un juego de miradas que buscan atravesar y ver más allá de la superficie, Nuño de Buen hace uso del collage y la instalación para crear capas de sentido que se superponen, fragmentan, ocultan y revelan unas a otras generando así una acumulación de tiempo y una multiplicidad de puntos de vista. «Empezaré construyendo una escalera sin peldaños, la idea de una escalera inútil que lleva a ningún lado. Mis manos tratan de sostenerse pero resulta imposible. Sólo aire frío bajo mis pies. Desde afuera, me veo caer dentro de una espiral que me lleva cada vez más lejos. Un enorme rayo de luz golpea mis ojos cegándome por largos segundos. Finalmente algo me detiene, escucho el rechinar de una puerta y veo el reflejo del mar.»

Labyrinth, your outside is in - your inside is out, 2012 Dibujo, instalación (medidas variables)

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Me, Myself and I


Andrés Pachón Madrid (España), 1985 www.andrespachon.com Escenificar cómo nuestra realidad social se sustenta sobre un soporte ficticio, conformado por un imaginario mediático y cultural, es una de las constantes en la obra de Andrés Pachón. En 1964 Robert Gardner filmó el documental Dead Birds, película que estudia el pueblo de Dani en Nueva Guinea, una de las únicas áreas que quedaban en el mundo por ser colonizadas en ese momento. Dead Birds fue duramente criticada desde la comunidad antropológica por su falta de autenticidad: recreó escenas de batallas con fotos fijas y postsincronizó el sonido, rompiendo así con ciertas estrategias audiovisuales de la antropología y la etnografía como era la (supuesta) toma de distancia respecto a lo que se retrataba.

Lo que Sombras de Nueva Guinea plantea es un paso más en esa falta de autenticidad. A partir de pequeños trozos del film se realiza una rotoscopia (redibujado manual fotograma a fotograma) mediante la cual se generan sombras a los protagonistas del documental; éste queda entonces transformado en un enorme fondo artificial, un trampantojo desvelado por las sombras. Estas sombras, y su consecuente efecto ficticio en el conjunto de las imágenes, quieren revelar la fantasía contenida en el imaginario occidental de un mundo exótico y tribal. Nos desvelan un fondo finito; un muro que nos separa del otro, sobre quien desde este lado proyectamos nuestros miedos y fantasías.

Sombras de Nueva Guinea, 2011 Rotoscopia sobre vídeo digital (1’ 50’’)

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Francisco Javier París Madrid (España), 1968 www.javierparis.wordpress.com Francisco Javier París confronta cierta concepción del dibujo —la delineación, figura o imagen ejecutada en líneas claras y oscuras, que toma nombre del material con que se hace— con el concepto de máquina entendido como aquel conjunto de mecanismos dispuestos para producir, aprovechar o regular una energía motriz. Draw_Machine # (005/006/007) forma parte de un proyecto, aún en proceso, cuyo fin es proponer, a partir de los procesos, herramientas y técnicas habituales del dibujo, una visión lúdica que permita distanciarse y plantear una reflexión sobre lo que consideramos dibujo, y sobre aquello que lo hace posible. Su objetivo consiste en poner de manifiesto estos trazos y recorridos efímeros que por lo general pasan desapercibidos,

rastros que representan acontecimientos no necesariamente pasados. En esta serie, la obra de Francisco Javier París aborda tres desarrollos diferentes de dibujo: bien a través de los recorridos de los automóviles, bien a partir de la línea que marca la evaporación del agua, o tal vez a partir de la imaginaria ruta que se ha de seguir en la escalada. La ilusión de lo que se cree ver pone en marcha los procesos de la mirada y dota al dibujo de un tiempo y, de este modo, también de una historia. Lo representado, aquí, no tiene más referente que aquél que tengamos en nuestra memoria. El dibujo, no es sólo lo que vemos, es también todo aquello que imaginamos.

Draw_Machine #, 2012 Técnica mixta, dibujo rayado sobre pizarra (tres unidades - 22x32 cm c/u)

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Me, Myself and I


Javier Peñafiel Zaragoza (España), 1964 www.javierpenafiel.com El trabajo de Javier Peñafiel puede definirse como un ejercicio personal, una batalla interna entre la razón crítica y la autoridad poética. El denominador común de su trabajo es el esfuerzo permanente por descubrir, y descubrirnos, que los mitos modernos no son sino una proyección de los afectos humanos, de sus ansias y de sus miserias. Y, para afrontar tan valerosa hazaña, Peñafiel da vida a uno de sus personajes más logrados: el Egolactante. Se trata de una curiosa reinvención del doble romántico, lo otro de sí, el artista desacralizado al que el autor, Peñafiel, lanza al mundo para que lo «machaquen» a él.

de esta nueva mitología personal que se halla representada en el conjunto de las obras de Javier Peñafiel. En los dibujos Test de conversación las imágenes se completarán con el público. Javier Peñafiel no está interesado en el dibujo como un método aislado, es decir, no ve el dibujo como un inicio o un fin en sí mismo; en su opinión, la colección de dibujos es un buen escenario para la comunidad. En muchos de sus vídeos, y también en sus actuaciones, siempre hay un dibujo animado en el fondo, lo que hace posible hablar de los dibujos de una manera que invita a la empatía.

Lenguaje, protolenguaje poético, improvisación, tecnología, ciencia y una misteriosa forma de mirar lo que está sucediendo a su alrededor constituyen las claves

Test de conversación 2, 2008 Dibujo, tinta sobre papel fotográfico impresión giclée (110x150 cm)

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Guillermo Peñalver Tarragona (España), 1982 www.hombrenariz.com Si preguntan a Guillermo Peñalver qué pinta, responderá «Yo pinto paisajes.» La verdad, lo que hace es pervertirlos, los usa como excusa para poner en relieve sus preocupaciones. Éstas parten de situaciones cotidianas como desplazarse al trabajo en coche, el ruido de los camiones sobre el asfalto puede sugerirle un adelantamiento feroz entre dos ballenas, que lo único que quieren es no perecer por el camino.

Flordzilla… se divide en dos partes, como el biombo que lo separa de nosotros. Esta gran lona blanca tensada en su fina estructura intenta alejarnos de la criatura pero con un algodonado roce, la naturaleza comienza a brotar y cubre aquella piel, haciendo peligrar el muro de contención.

De sus últimas obras nos presenta a Flordzilla… El mimético, una especie de monstruo vegetal que emerge de las profundidades del bosque, avanza sigilosamente, mezclándose con todo lo que encuentra a su paso; de las rocas y las plantas brotan los deseos más oscuros, como si de su propio reverso se tratase.

Flordzilla… El mimético, 2012 Papel y grafito sobre papel (díptico - 112x140 cm)

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Me, Myself and I


Javier Pividal Cartagena (España), 1971 www.javierpividal.wordpress.com Javier Pividal trabaja desde hace años en el proyecto Écrire en blanc (Escribir en blanco) a través del que investiga las posibles implicaciones entre escritura/ texto/palabra y cuerpo. El ideario barthesiano, esencial para los conceptos de lenguaje y texto —«una escritura blanca, libre de toda sujeción con respecto a un orden ya marcado del lenguaje», escribe Barthes—, va más allá y propugna escribir el cuerpo: «El lenguaje es una piel». Junto al pensamiento de Barthes, son fundamentales el concepto de «excription» desarrollado por JeanLuc Nancy y la distinción lacaniana que establece Mario Perniola entre la «palabra llena», que articula

la dimensión simbólica del lenguaje, y la «palabra hueca», que articula la dimensión imaginaria. Únicamente la primera tiene sentido (sens): difícil y laboriosa, transforma a quien habla y escucha. La palabra hueca sólo posee significado; es fácil, fluida, y se identifica con la alienación y la agresividad. Una de las etapas de este proyecto ha consistido en diseñar una tipografía esencial, sustractiva y residual, que defina una «escritura blanca» en oposición al esquema tradicional de negro sobre blanco. A través de esta «escritura blanca», invisible como un iceberg, el significado es redistribuido y el significante —el texto— se convierte en tejido, en imagen.

S/T (je suis tu), 2012 Cortes y collage sobre papel fluorescente (100x70 cm)

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Arturo Prins Buenos Aires (Argentina), 1972 www.arturoprins.com Los diversos estilos de la obras de Arturo Prins aspiran a un arte metafísico. Alegorías casi didácticas que provienen en su mayoría de un mundo onírico, fruto de visualizaciones en meditaciones que intercalan lo banal y profano con el sentimiento del espacio infinito y la trascendencia. Con esa amplitud de curiosidades se construye el mensaje de una pintura también ecléctica en sus procedimientos, que huye de cualquier clasificación recurriendo a transmutaciones y a cambios constantes. La abstracción, el simbolismo, una cosmogonía esotérica, la figuración expresiva y misteriosa se mezclan con humor naif quitando seriedad a la trascendencia. Obras que evocan una nostalgia de futuro, una ener-

gía invisible e infantil, que obtienen una significación de espiritualismo ecléctico, transreligioso, que tiende puentes entre Oriente y Occidente. «No podría haber realizado mejor autorretrato que desentrañando dos fotogramas del film de Frank Capra Lost Horizon (1937). He estado en los Himalayas, tengo afecto por esas cumbres y este par de fotogramas en los que el personaje Robert Conaway (Ronald Colman) se despide de la ciudad feliz de Shangri-La. Refleja cómo me siento actualmente: como cuando uno deja algo que nunca debería haber perdido o cuando va en su búsqueda como al final del film… puro paisaje, puro carboncillo.»

Me, myself and I, 2012 Lost Horizon… Os preguntarán cómo cruzar la vida. Bellamente, cuidadosamente, y raudamente; Shangri-La… Os preguntarán cómo cruzar la vida. Bellamente, cuidadosamente, y raudamente Carboncillo sobre papel (díptico - 120x210 cm)

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Me, Myself and I


Cristina Ramírez Bueno Toledo (España), 1981 www.miembrofantasma.blogspot.com La representación de una escena impracticable es una obsesión en la obra de Cristina Ramírez, no sólo en el contenido sino también en la forma de mostrarlo. La aglutinación de elementos y su tratamiento preciosista impiden que la mirada pueda abarcar el dibujo de una manera total. El panorama Desde siempre (A.A) es el relato de un horizonte que, a modo de cardiograma, mide el pulso del desastre bajo una extraña calma. La fiereza de la catástrofe es anulada por una interpretación de la topografía a la manera de los primitivos cartógrafos que hacían compartir escala a capitales de imperio con fantásticos monstruos marinos.

En Desde siempre (A.A.), el ojo va y viene de un accidente a otro, entre corales, magmas e insectos, deteniéndose en abigarrados montones de líneas pero sin encontrar descanso en el artificioso jardín. Estos paisajes compuestos, vedutas fantásticas y bizarras, funcionan como una viñeta extraída de su página: se suprime el antes y el después, se anula la secuencia narrativa a la que pertenecen y se dispara así la semántica de la imagen. El asunto final se presenta en su ausencia. Son síntomas y consecuencias los que construyen el terreno en una representación donde se renuncia a la sensualidad de la naturaleza y es el contorno el que plantea el enigma.

Desde siempre (A.A.), 2012 Tinta sobre papel (30x300 cm)

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Fernando Renes Covarrubias (España), 1970 www.fernandorenes.com Se podría definir el trabajo de Fernando Renes como una resistencia al discurso generalizado, dirigido y enlatado —como una poética brusca y naïve, tartamuda y abyecta, sutil e inteligente, que nos interroga sin dar respuestas, que sólo hace preguntas— concentrado en las particularidades de su experiencia y en los detalles que pueden parecer superficiales o insignificantes para los demás. «Dibujar es algo terapéutico, especialmente, si tenemos en cuenta mi propia inseguridad. No solamente muestro, más bien trato de desentrañar intenciones ocultas y motivos inconscientes. El lighweight de la práctica del dibujo me permite yuxtaponer objetos disparatados entre sí en la misma escena y poder cambiar de

dirección el sentido de mi obra en un pequeño espacio casi al ritmo al cual mi proceso de pensamiento cambia de dirección; hablar de mi dibujo como si fuera un sismógrafo capaz de registrar este desarrollo.» La obra consiste en dos dípticos que dialogan entre sí: el abono con la planta y la carátula desplegada de un single. El diálogo entre la planta y el abono podría dar título a las canciones del disco ficticio, cara A y cara B, tanto en inglés como en español, De sedimento fértil a fango cansado y viceversa; el título del dibujo sería el título del disco: The Fernando Renes Experience, inspirado en una de las bandas de Jimi Hendrix, The Jimi Hendrix Experience, que es uno de sus artistas más admirados.

The Fernando Renes Experience, 2011 Tinta y acuarela sobre papel (cuatro unidades - 61x46 cm c/u)

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Me, Myself and I


Isabel Sánchez de la Nieta Madrid (España), 1987 www.isabelsanchezdelanieta.jimdo.com Durante los últimos años el trabajo de Isabel Sánchez de la Nieta se ha enfocado en torno a dos temas principales: el interior del cuerpo humano y las cartografías. El concepto cuerpo-paisaje es el germen de las reflexiones que se muestran en las obras. El interés por la relación que establece el cuerpo humano con su entorno, en concreto con las ciudades, deriva en el proyecto artístico aquí expuesto.

En Cartografías del interior se fusionan placas radiográficas con dibujos de mapas de la ciudad de la artista: Madrid. La relación que establece el dibujo cartográfico con la radiografía envuelve bellas contradicciones en la imagen. A modo de palimpsesto se superponen recorridos de la capital, creándose la dualidad cuerpo-paisaje donde los cuerpos trabajan como un sistema urbano y las ciudades se forman a través de múltiples y pequeños organismos que le dan vida. Nosotros somos ciudad.

Gran parte de la producción está realizada sobre radiografías, un material común en la medicina. Su descubrimiento por parte de Wilhelm Conrad Röntgen supuso un gran avance en la medicina moderna. Pero detrás de estas imágenes hay algo más que un diagnóstico, habita la esencia del interior, una imagen enigmática envuelta en suaves degradados que provocan una gran sugestión en el espectador.

Cartografías del interior, 2012 Técnica mixta sobre radiografía retroiluminada (díptico - 58x65 cm c/u)

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Martín Vitaliti Buenos Aires (Argentina), 1978 www.martinvitaliti.net El cómic se caracteriza por una representación icónica basada en un lenguaje elíptico que ordenamos perceptivamente. Sus elementos se muestran y exhiben evidenciando su esquema en la superficie del mismo como un mapa cartográfico, donde el tiempo, o la progresión de las cosas a través del tiempo, se representa de forma espacial. El trabajo de Martín Vitaliti desmenuza dicho lenguaje, aísla ciertos elementos esenciales, los combina y aúna para alterar sus efectos narrativos. # 67 es una secuencia lineal que ha realizado a partir de tres viñetas de diferentes revistas de cómics. En cada una aparecen dos personajes que se abrazan a causa de un esperado reencuentro. Una vez aislado —el marco, un bocadillo y un personaje por cada viñeta— ha desplazado estos elementos horizontalmente hacia ambos lados en un mismo orden.

Desarticulando formal y narrativamente aquella situación de reencuentro que originalmente se daba en los protagonistas, estas viñetas, que fueron en su momento independientes, son ahora una sola historia: tres reencuentros desmembrados que los personajes comparten y experimentan entre sí. La concepción de presencia, ausencia o soledad entran en un juego ambivalente. McDuffie, D.; McDonnell, L.; Vincent, T. Los 4 Fantásticos, n.º 27; Planeta de Agostini: Barcelona, 1990. Wayne, B.; Shiner, L.; Thibert, A. Time masters, n.º 3; Ediciones Zinco: Barcelona, 1990. W. Barr, M.; Davis, A.; McFarlane, T. Batman. Año 2, cap. 1, Planeta de Agostini: Barcelona, 2005.

# 67, 2012 Collage (41,3x62,3 cm)

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Simon Zabell Málaga (España), 1970 www.simonzabell.com A lo largo de más de una década, Simón Zabell ha desarrollado proyectos artísticos en los que se ha propuesto la «traducción» de obras de otros creadores al lenguaje plástico, principalmente la pintura y la instalación, mediante un código plástico específico para cada proyecto. Me, Ernest Ka’ai es la continuación uno de estos proyectos y consiste en la reconstrucción de la vida y las composiciones de un modesto músico, el hawaiano Ernest Ka’ai (Hawai 1881 - Miami 1962), motivo de la reciente exposición The Life and Times of Ernest Ka’ai. En estos papeles, haciendo uso de un plotter laser, ha recortado frases que toman la forma de recuerdos del músico, narrados en primera persona. Se trata de

recuerdos inventados pero verosímiles de anécdotas de la vida del músico, que se materializan mediante un quemado que acaba perforando el papel y dejando una huella carbonizada. Las leves y vaporosas huellas pictóricas, cual luz descompuesta, luchan por lograr la construcción de una imagen relacionada con el recuerdo expresado, como tantas veces ocurre con la memoria. La dificultad para enfocar las leves tramas de colores primarios, unida a la percepción del espacio real a través de las perforaciones en el papel, crea una sensación de irrealidad que remite al lejano recuerdo.

Me, Ernest Ka’ai, 2012 Acrílico, papeles cortados con laser (cuatro unidades - 65x50 cm c/u)

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Me, Myself and I


Edita / Edita Fundación Centenera www.fundacioncentenera.org Organiza / Organiza Fundación Centenera IV Certamen de Dibujo Contemporáneo Pilar y Andrés Centenera Jaraba Lema «Me, Myself and I» (443 candidaturas presentadas al IV Certamen) Jurado / Júri Fernando M.ª Centenera Jaraba, presidente de la Fundación y coleccionista de arte - Salvador Granizo, patrono de la Fundación y coleccionista de arte - Glòria Picazo, comisaria y directora del Centre d’Art la Panera - Óscar Alonso Molina, comisario y crítico de arte - Mário Texeira da Silva, director de Módulo-Centro Difusor de Arte - Baltazar Torres, artista - Miguel Ángel Fúnez Rodríguez, artista, primer premio III Certamen. Exposición / Exposição Sala de La Lonja, Centro Cultural Casa del Reloj, Paseo de la Chopera, 10 - C. P. 28045 Madrid Distrito de Arganzuela, Ayuntamiento de Madrid 6-23 de febrero de 2013 Coordinación / Coordenação Fundación Centenera - Susana Bañuelos Traducción / Tradução Theo Firmo Corrección de textos / Correção de textos Blanca Sotos Diseño / Design Roberto Vidal Studio Impresión / Impressão V. A. Impresores S.A. Depósito legal GU-08-2013 Papel Antalis Interior impreso en Olin Regular Absolute White de 120 g distribuido por Antalis Cubierta impresa en Keaykolour reKreate Sandy Beige de 300 g distribuido por Antalis Colaboran / Colaboradores Distrito de Arganzuela de Madrid - Matadero Madrid - ARCOmadrid - Antalis Impreso en España / Impresso em Espanha

© De la edición © De las imágenes de los autores © De los textos de los autores


Directorio de artistas


PRIMER PREMIO / Primeiro prémio

Juan Carlos Bracho

)España, 1970( www.juancarlosbracho.com SEGUNDO PREMIO / Segundo prémio

Nuno Henrique

)Portugal, 1982( nunodosantos@gmail.com ACCÉSIT / Menções honrosas

Abdelkader Benchamma )Francia, 1975( kahh@hotmail.fr

Pollyanna Freire )Brasil, 1982( www.pollyannafreire.com

Abigail Lazkoz )España, 1972( www.abigaillazkoz.blogspot.com

Daniel Martín Corona )España, 1980( www.danielmartincorona.blogspot.com SELECCIONADOS / Seleccionados

Aggtelek )España, 1982 y 1978( www.aggtelek.net

anak&monoperro )España, 1979 y 1973( www.anakmonoperro.com

Tamara Arroyo )España, 1972( www.tamaraarroyo.com

Luz Marina Baltasar )España, 1981( www.luzmarinabaltasar.jimdo.com

Javier Chozas )España, 1972( www.javierchozas.com

Daniel Chust Peters )Brasil, 1965( danielchust@aavc.net


Ángela Cuadra

Santiago Morilla

)España, 1978( www.angelacuadra.tumblr.com

)España, 1973( www.santiagomorilla.com

Democracia

Teresa Moro

)España, 1970 y 1970( www.democracia.com.es

)España, 1970( www.teresamoro.blogspot.com

Manuel Antonio Domínguez

Isabel Nuño de Buen

)España, 1976( www.manuelantoniodominguez.com

)México, 1985( www.isabelnunodebuen.tumblr.com

Gonzalo Elvira

Andrés Pachón

)Argentina, 1971( www.gonzaloelvira.com

)España, 1985( www.andrespachon.com

Sabine Finkenauer

Francisco Javier París

)Alemania, 1961( www.sabinefinkenauer.com

)España, 1968( www.javierparis.wordpress.com

Fernando García García

Javier Peñafiel

)España, 1975( www.fernandogarciagarcia.com

)España, 1964( www.javierpenafiel.com

Nuno Gil

Guillermo Peñalver

)Portugal, 1983( www.nunogilblog.tumblr.com

)España, 1982( www.hombrenariz.com

Ana H. del Amo

Javier Pividal

)España, 1977( www.anahdelamo.blogspot.com.es

)España, 1971( www.javierpividal.wordpress.com

Jimena Kato Murakami

Arturo Prins

)Perú, 1979( www.jimenakatomurakami.net

)Argentina, 1972( www.arturoprins.com

Aleksandra Kopff

Cristina Ramírez Bueno

)Polonia, 1982( www.aleksandrakopff.blogspot.com

)España, 1981( www.miembrofantasma.blogspot.com

Chico López

Fernando Renes

)España, 1967( www.chicolopezjm.blogspot.com

)España, 1970( www.fernandorenes.com

Estefanía Martín Sáenz

Isabel Sánchez de la Nieta

)España, 1982( www.estefaniamartins.blogspot.com.es

)España, 1987( www.isabelsanchezdelanieta.jimdo.com

Pepe Medina

Martín Vitaliti

)España, 1969( www.pepemedina.net

)Argentina, 1978( www.martinvitaliti.net

Quino Monje

Simon Zabell

)España, 1974( www.quinomonje.com

)España, 1970( www.simonzabell.com


Me, Myself and I  

Fundación Centenera catálogo de la exposición «Me, Myself and I»

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