Frieze Week Seoul 2025

C O EX , S EO U L

The Mugunghwa, by Sungjae Oh 오성재의 무궁화

S EPT EMBER 3– 6 , 20 25

Asia’s Young Collectors 아시아의 젊은 컬렉터들

Remembering Suki Seokyeong Kang 강서경을 기리며

COLLECTION N°5 샤넬 화인 주얼리에서 대담한 기술력과 독창적이고 자유로운 아이디어의 결합이라는 창의적 표현이 담긴 55.55 네크리스를 탄생시켰습니다. 이 네크리스는 N°5 향수병의 모든 코드를 재현한 디자인으로, 55.55캐럿이라는 인상적인 무게로 커팅 된 다이아몬드가 가운데 위치하며 700여 개의 다이아몬드가 주위를 감싸고 있습니다. 그 아이디어를 담아낼 수 있는 완벽한 다이아몬드 원석을 탐색하는 일. 더 크고 무거운 원석을 찾기보다 완벽한 퀄리티의 스톤을 찾는 것, 그 누구도 시도하지 않았던 접근법 입니다. 이 특별한 작품은 이제 샤넬 하우스의 유산 속에 남아 우리에게 다시금 확인 시킵니다. 샤넬의 창작물은 영원하다는 것을.

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N°5 네크리스. 18K 화이트 골드*와 다이아몬드.

55.55캐럿 에메랄드 컷 DFL Type IIa 다이아몬드.

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DIRECTOR’S LETTER

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디렉터의 말

One way to understand a city is through its food. We Koreans are rightly proud of our cuisine, but Seoul is a city where you can also find world-class Chinese and Japanese fine dining, inventive Thai cooking and Uzbek and Indonesian cafés.

The city’s role as a meeting place for all of Asia is reflected in this year’s Frieze Seoul, where the best established and emerging galleries from Korea join a conversation with their peers from Hong Kong to Ho Chi Minh, as well as world-leading galleries from Europe and the Americas. This unique dialog between local, continental and global is reflected in the city’s museums and nonprofits, who have assembled a spread of must-see exhibitions, from Ilmin Museum’s survey of emerging Korean painting and Mark Bradford at Amorepacific Museum of Art to Lee Bul’s largest career survey to date, opening at the Leeum.

As key ingredients in the Frieze Seoul recipe, I’m excited that the Artist Award as well as our Film, Talks, Music and Live programs are returning this year, and will take place both at COEX and around the city.

Our Neighborhood Nights in Cheongdam, Euljiro, Hannam and Samcheong are back too: a unique chance to explore the best of the city’s culture.

Lastly, don’t miss Frieze House, our brand-new permanent exhibition space here in the city with its own program of events and exhibitions: all based in a characterful, architect-renovated dwelling. In the shadow of Namsam, its landscaped garden features a site-specific installation by renowned Japanese studio SANAA: a perfect instance of the Korean and wider Asian scenes coming together.

Whatever you choose to sample this Frieze Week, eat well and leave full.

한 도시를 경험하는 데 있어 음식은 빼놓 을 수 없는 요소 중 하나이다. 서울은 한식에 대한 자부심은 물론, 세계적인 수준의 중식 과 일식 파인 다이닝부터, 실험적인 태국 요 리, 우즈베키스탄과 인도네시아의 이국적 풍 미를 담은 카페까지, 풍부한 미식 경험을 선 사한다. 올해 프리즈 서울은 아시아 미술 교류의 중심지로서 서울의 위상을 더욱 공고히 한 다. 국내 유수의 갤러리와 신진 갤러리들은 홍콩에서 호찌민까지, 아시아 전역의 동시대 미술과 함께 호흡하며, 유럽과 북미, 남미의 저명한 갤러리들과도 심도 있는 교류를 이어 간다. 이러한 지역적, 대륙적, 그리고 초국가 적 담론은 서울의 주요 미술관과 비영리 기 관들의 전시 프로그램에서도 찾아볼 수 있 다. 일민미술관은 한국 현대 회화를 조망하 는 기획전을, 아모레퍼시픽미술관은 미국의 대표적인 추상 화가 마크 브래드포드(Mark Bradford)의 개인전을, 리움미술관은 이불 작 가의 대규모 서베이 전시를 개최하는 등 놓 쳐서는 안 될 풍성한 전시들이 준비되어 있 다. 프리즈 서울의 레시피를 이루는 핵심 재료 들을 살펴보자. 작년에 이어 아티스트 어워 드(Artist Award)뿐만 아니라, 코엑스와 도시 전역에서 다채로운 프리즈 필름·토크·뮤직· 라이브 프로그램이 펼쳐진다. 또한, 올해에도 어김없이 청담·을지로·한남·삼청 나잇이 진 행되어 서울의 문화적 정수를 다시 한번 생 생하게 만나볼 수 있는 기회를 제공한다. 올해 새롭게 설립된 프리즈의 첫 국내 상 설 전시 공간, 프리즈 하우스(Frieze House) 역 시 주목할 만하다. 감각적인 리노베이션을 거친 주택 공간에서 프리즈 하우스만의 특별 한 행사와 전시 프로그램이 진행될 예정이 다. 특히 남산의 아름다운 경관을 배경으로 한 프리즈 하우스의 정원에는 세계적인 일본 건축사무소 SANAA의 장소 특정적 설치 작 품이 자리하여, 한국을 비롯한 동시대 아시 아 미술 현장의 조화로운 풍경을 온전히 감 상할 수 있다. 이번 프리즈 위크에서 무엇을 맛보든, 그 경험이 여러분의 감각과 영감을 풍성하게 채 워줄 수 있기를 바란다.

Patrick Lee, Director, Frieze Seoul

패트릭 리, 디렉터, 프리즈 서울

Frieze Fairs

Director, Frieze Seoul Head of VIP & Business Devt., Asia Fair & Program Manager Korean Editor Korean Assistant Editor Executive Director CEO Founders

Patrick Lee Minju Kweon Sei Yeon Ko Dayun Ryu Sara Liu Kristell Chade Simon Fox Amanda Sharp & Matthew Slotover

Frieze Week

Editor & Creative Director, Frieze Studios Senior Editor Project Editor Assistant Producer Studios Assistant Art Director Designer Content Operations Manager Picture Researcher

Matthew McLean Chris Waywell Sara Harrison Sherie Sitauze Rebeka Eleki Olena Slyesarenko Christopher Lacy Rosalind Furness Elettra Gotti

Above Patrick Lee Photograph: Young Min Lee

friezeofficial friezeofficial friezeofficial info@frieze.com www.frieze.com

Commercial Director Head of Partnerships Director of Branded Cont. & Studios Publisher

Emily Glazebrook Alexandra Howker Francesca Girelli Lisa Gersdorf

To advertise in Frieze Week, please contact: morenike.graham-douglas@frieze.com (Partnerships) andrew.cannon@frieze.com (UK & EMEA) melissa.goldberg@frieze.com (Americas & Asia)

Teresita Fernández: Liquid Horizon

213 Itaewon-ro, Yongsan-gu, Seoul August 27–October 25, 2025

Frieze Seoul | Stand no. C11 September 3–6, 2025

서울시 용산구 이태원로 213 2025 년 8 월 27 일 – 10 월 25 일

프리즈 서울 | 부스 C11 2025년 9 월 3 일 – 6일

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CONTENTS 22

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As we celebrate the fourth edition of Frieze Seoul, this issue highlights the range of pan-Asian voices represented at the fair.

You will find emerging Seoul-based artists, photographers and retailers alongside reports on Japanese galleries, the Thai scene and a survey of young collectors across the continent, from Daegu to Jakarta. I’m proud to include a tribute to the beloved artist Suki Seokyeong Kang, who passed away earlier this year. Hers is an art that is truly tran­scen­ dent: speaking to anyone, in any place. 이번 호는 제4회 프리즈 서울 개최를 기 념하여, 올해 아트페어에서 두각을 나타내 는 아시아 각지의 다양한 목소리를 담았다. 서울의 활기찬 예술 현장 속 유망한 예술가 와 사진작가, 리테일러 등을 조명하고, 일본 갤러리들과 태국 미술계의 역동적인 현황 을 살펴본다. 나아가 한국 대구에서부터 인 도네시아 자카르타에 이르기까지, 아시아 곳곳에서 활약하고 있는 젊은 컬렉터들의 이야기를 다룬다. 무엇보다 올해 초 별세한 고(故) 강서경 작가에 대한 깊은 존경과 애 도의 마음을 담은 헌사들로 더욱 특별한 의 미를 지닌다. 그녀의 예술은 누구에게나, 또 어디에서나 끊임없이 깊은 감명을 전달하 는 실로 초월적인 힘을 지니고 있다.

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16 Beyond the Great Wall Ulay in China

Frieze Seoul Headline Partner

Global Lead Partner Deutsche Bank

Global Media Partner

Global Partners

16 Beyond the Great Wall 울라이와 중국

18 Parallel Worlds Japanese Galleries at Frieze Seoul

18 Parallel Worlds 프리즈 서울의 일본 갤러리들

27 Deep Water On Kim Tschang-Yeul

27 Deep Water 김창열에 대하여

32 On the Move Young Collectors in Korea, and beyond

32 On the Move 한국과 그 너머의 젊은 수집가들

44 Thailand Takes to the Stage An Asian art scene on the rise

44 Thailand Takes to the Stage 떠오르는 아시아 예술계의 주역

48 Form and Function Design in Seongsu

48 Form and Function 성수동에서 만난 디자인

Matthew McLean, Editor, Frieze Week 매튜 맥클린, 에디터, 『프리즈 위크』 Official Partner of Focus Asia

Official Partner of Frieze Seoul Artist Award

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Fair Partners

On the cover Sungjae Oh, Untitled, 2025 A note on style: While we have followed Korean naming conventions, placing Korean surnames before given names, in some cases we have adopted alternate usage.

Frieze Week is printed in Korea by Hyundae Color Printing and published by Frieze Publishing Ltd © 2025

The views expressed in Frieze Week are not necessarily those of the publishers.

Unauthorized reproduction of any material is strictly prohibited.

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GALLERIES

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갤러리들

A solo presentation at Frieze Seoul explores how a complex relationship with China shaped Ulay’s art. 프리즈 서울에서 선보이는 울라이의 솔로 프레젠테이션은 그가 중국과 이어온 예술적 유대감을 조명한다.

BEYOND THE GREAT WALL

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Ulay (1943–2020) often declared that he became an artist “out of discontent” with himself. Born Frank Uwe Laysiepen in Germany, he was simultaneously iconicized and overshadowed by his 12-year relationship and collaboration with Marina Abramović (b. 1946).

Indeed he often referred to himself as one of the “most known unknown artists.”

Working at the intersection of photography and performance, he produced a significant solo body of work. In the early 1970s, he relocated to Amsterdam, where he created his early and seminal performative Polaroid self-depictions, presenting himself as a man, a woman, half of both, a S’he (1973), a white bride, a dead cross-dresser, an elf, transforming and manipulating his face and body in myriad ways. His entire life and artistic trajectory were marked by an intense search for identity and his recurring attempts to run away from himself—his

울라이(Ulay, 1943–2020)는 생전 “스스로에 대한 불만족”이 예술가의 길 을 걷게 된 계기였다고 회고했다. 독 일에서 프랑크 우베 라이지펜(Frank Uwe Laysiepen)이라는 본명으로 태어 난 그는 마리나 아브라모비치(Marina Abramović, 1946–)와의 12년에 걸친 긴 밀한 예술적 협업과 연인 관계로 세계적 인 주목을 받았으나, 동시에 그 그늘에 가려지기도 했다. 실제로 그는 자신을 “가장 잘 알려진 무명 예술가 중 한 사람” 이라고 언급하기도 했다. 사진과 퍼포먼 스를 넘나드는 왕성한 개인 작품 활동을 통해, 그는 독자적인 시각 언어를 구축하 며 예술사에 뚜렷한 획을 그었다. 1970 년대 초, 암스테르담으로 이주한 후 폴라 로이드 자화상 시리즈를 발표하며 예술 가로서의 정체성을 본격적으로 형성하기 시작했으며, 대표작으로는 자신을 남성 과 여성의 모습을 반반씩 담아낸 〈S’he〉 (1973)가 있다. 이 외에도 신부, 죽은 드래 그 퀸, 엘프 등 다양한 존재로 변장한 채 얼굴과 신체를 변모시키고 재정의하는

Opposite Marina Abramović / Ulay, The Lovers: The Great Wall Walk, 1988.

Courtesy: Marina Abramović Archives, ULAY Foundation, Ljubljana, LI-MA Amsterdam, and SPURS Gallery, Beijing Above Ulay, Diary from the Great Wall Walk, 1986–1989/2016.

Courtesy: ULAY Foundation, Ljubljana, and SPURS Gallery, Beijing

name, his origins, the art world—only to return to himself again and again.

Ulay maintained a long-standing personal and artistic connection with China, which informed his later oeuvre in particular. However, the best-known work relating to the country is The Great Wall Walk (1988), conceived with Abramović, his then partner in life and art. Preparations for this seminal work began in the early 1980s: countless bureaucratic procedures, permissions and negotiations with the Chinese author­ities were necessary to realize what had never been done by any Westerner before—to walk the full length of the wall. Originally conceived as a durational performance (though Ulay himself preferred the terms “event” or “action”), the couple were to begin at opposite ends and meet in the middle.

The walk was intended to symbolize the confirmation of their love. Yet, the journey ultimately marked the end of one of the 20th century’s most iconic and productive artistic partnerships.

Inspired by China’s vastness—its landscapes, culture, religion and people—Ulay documented the journey through photographs and in multiple diaries. China—Along the Great Wall (1988) is a series of dozens of color pho­­tographs capturing the scenery and individuals he encountered. Included in his posthumous retrospective at the Stedelijk Museum in Amsterdam (2020), and subsequently in two exhibitions in China at HOW Art Museum and SPURS Gallery (both 2022), the series is displayed alongside large, gate-like, aluminum sculptures. Suspended from the ceiling and titled Mén (门, meaning “door” in Chinese, 1989), they are inspired by the architecture of the Great Wall and visitors are invited to walk beneath and through them.

After separating from Abramović in 1988, Ulay returned to his first artistic love: Polaroid photography, continuing to experiment with larger formats. In 1989, he produced the mid-size Polaroid series The Lovers, in which he restaged The Great Wall Walk as a puppet perfor­ mance for the camera. His then-wife, Ding Xiao Song, animated the paper puppets, layering new interpretations onto the existing narrative. The final Polaroid images show Song setting the figures on fire—symbolizing not only the end of Ulay and Abramović’s relationship but also the beginning of a new stage in Ulay’s life. This was a chapter deeply connected to what he describes as the process of “unlearning—forgetting the values by which I had justified myself, my commitment.” Indeed this mood of searching permeates many of his works from the early 1990s, which remain deeply marked by his experience of the realities of China and its spiritual traditions, as well as the physicality of his own body in motion.

“I walk. Feet. Bones. Muscles. Veins.

Blood. Skin. Mind within. Walls of skin.

No thought. Remember, surrender.

Walk on,” Ulay wrote in one of his China diaries in 1988. Like much of his artistic work from this period, these writings remain largely unknown—fragments of a life and art intensely lived, waiting to be traced like the paths he followed in search of himself.

작업을 선보였다. 울라이의 예술 인생은 자아에 대한 끊임없는 탐구와 자신의 정 체성으로부터 벗어나려는 시도로 특징지 어진다. 그는 이름, 출신 배경, 그리고 예 술계의 여러 경계를 넘어섰지만, 언제나 본래의 자아로 회귀하곤 했다. 울라이는 그의 생애 전반에 걸쳐 중 국과 깊은 개인적·예술적 유대감을 이어 갔으며, 특히 후반기 작품에서 그 영향 이 더욱 뚜렷하게 나타났다. 하지만 이와 관련하여 가장 널리 알려진 작품은 단연 코 〈만리장성 걷기(The Great Wall Walk)〉 (1988)이다. 이 작업은 아브라모비치와 함께 1980년대 초부터 오랜 기간 준비한 대규모 프로젝트로, 두 사람은 만리장성 의 양쪽 끝에서 출발해 중간에서 만나는 지속 퍼포먼스(durational performance) 를 계획했다. 울라이가 “이벤트(event)” 또는 “액션(action)”이라고 부르기를 선 호했던 이 작품은 사랑의 상징으로 출발 했지만, 궁극적으로는 20세기 가장 상징 적인 예술적 파트너십의 종말을 선언하 는 사건이 되었다. 울라이는 중국의 광활한 풍경, 문화, 종교, 그리고 사람들에게서 영감을 받아, 그 여정을 사진과 여러 권의 일기 속에 담아 기록했다. 그 결과물 중 하나인 컬 러 사진 연작 《China—Along the Great Wall》(1988)는 2020년 암스테르담 시립 미술관(Stedelijk Museum)의 회고전에 소개되었으며, 2022년에는 중국 HOW 아트 뮤지엄과 스퍼스 갤러리(SPURS Gallery) 각각에서 알루미늄 조각 작품 〈Mén(门)〉과 함께 전시되었다. 중국어 로 ‘문’을 뜻하는 제목의 이 작품은 만리 장성의 건축적 형태를 모티브로 하여, 관 람객이 그 아래를 걷거나 통과할 수 있도 록 천장에서 내려오는 거대한 구조물로 설치되었다. 아브라모비치와의 이별 이후, 울라이 는 초기 폴라로이드 사진 작업으로 되돌 아가 보다 확장된 형식과 의미를 모색했 다. 1989년에는 중형 폴라로이드 연작인 《The Lovers》를 통해 당시 그의 아내였던 딩 샤오송(Ding Xiao Song)과 함께 인형 극 형식으로 〈만리장성 걷기〉를 재해석 했다. 딩 샤오송이 조작하는 종이 인형은 기존 서사를 전복시키면서 새로운 감정 의 층위를 불러일으켰고, 불붙은 인형을 포착한 마지막 이미지들은 아브라모비치 와의 관계 종결과 새로운 시작을 상징적 으로 드러냈다. 이는 울라이가 “자신의 존재를 정당화하기 위해 쌓아온 가치들 을 잊어버리는 과정을 ‘언러닝(unlearning)’”이라 명명한 자기 비움의 시각적 표 현이었다. 이러한 사유는 1990년대 초반 그의 작업 전반에 스며들었으며, 중국의 물리적 현실과 영적 전통, 그리고 그 시 공간 속에서 자신의 신체와 치열하게 마 주하며 더욱 깊어졌다. 그는 1988년 중국 일기에 다음과 같 이 서술했다. “나는 걷는다. 발, 뼈, 근육, 정맥, 피, 피부, 내면의 마음, 피부의 벽. 생각 없이. 기억하라, 항복하라. 계속 걸 어라.” 이러한 기록들은 그의 다른 많은 작품들과 마찬가지로 아직 대중에게 잘 알려지지 않았지만, 그의 치열했던 삶과 예술의 단편들로서 자아를 향한 여정 속 에서 발견되기를 기다리고 있다.

Spurs Gallery is showing a solo presentation of Ulay at Frieze Seoul 2025 (Stand M16).

하나 오스탄-오즈볼트-하스(Hana Ostan-Ožbolt-Haas)는 미 술사학자, 큐레이터, 비평가이다. 2019년부터 2023년까지 우 라이 재단(Ulay Foundation)의 디렉터로 재직했다. 현재 오 스트리아 비엔나에 거주 중이다.

Hana Ostan-Ožbolt-Haas is an art historian, curator and writer. From 2019–23, she was director of the Ulay Foundation. She lives in Vienna, Austria.

프리즈 서울 2025에서 Spurs Gallery(M16)는 울라이의 솔 로 프레젠테이션을 선보인다.

영-한 번역: 김형준.

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With 22 galleries joining Frieze Seoul from Japan this year, Taro Nettleton surveys the historic and ongoing dialogue between the Japanese and Korean art scenes. 올해 22개의 일본 갤러리가 함께하는 프리즈 서울을 맞아, 타로 네틀턴(Taro Nettleton)은 일본과 한국 미술계 사이의 담론이 지닌 역사적 깊이와 현재를 살펴본다.

PARALLEL WORLDS In the modern era, the paths of Japanese and Korean art have at times been intertwined, at others run parallel. Both flourished in the aftermath of WWII and the Korean War, responded to the influence of art informel and other Western trends, and developed adjacent movements such as the Japanese mono-ha (school of things) and Korean dansaekhwa (monochrome painting), whose specific approaches stood apart from those of their Euro-American contemporaries.

Art practices in Japan and Korea have necessarily—and sometimes self-consciously—addressed Western influences, global trends and local concerns. With 22 Japan-based galleries across all sections, the fourth edition of Frieze Seoul reflects Korea’s and Japan’s art histories and future directions.

Participating in Frieze Masters, Tokyo Gallery + BTAP first became involved with Korean art more than 70 years before the launch of Frieze Seoul.

Established in 1950, Tokyo Gallery has played a formidable role in the development of both Japanese and Korean contemporary art history. It organized solo exhibitions of gutai painter Kazuo Shiraga in 1962, neo-dada artists Ushio Shinohara and Jiro Takamatsu in 1966, and the group exhibition “Tricks and Visions: Stolen Eyes,” which arguably spawned the mono-ha movement, in 1968. By the 1970s, the gallery had turned its attention to Korea and, in 1975, in a pioneering move, it presented the first exhibition featuring the landmark monochrome painting movement dansaekhwa with “Five Hinsek ‘White’: 5 Korean Artists”—before the label “dansaekhwa” existed.

Tokyo Gallery owner Hozu Yamamoto’s views on the shifts in the Japanese and Korean art scenes of the last 50 years are unsurprisingly panoramic. “In the 1960s and 1970s,” he explains, “there was virtually no market for [avant-garde] art. When there was no market, artists had to cooperate to rent gallery spaces and have group shows, which fostered communication

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현대에 이르기까지, 한국과 일본 미 술은 때로는 서로 얽히고, 때로는 나란히 각자의 길을 걸어왔다. 제2차 세계대전과 한국전쟁 이후, 두 나라는 활발한 예술 활동을 펼치며, 앵포르멜(informel)을 비 롯한 다양한 서양 미술의 흐름을 수용했 다. 이러한 영향을 바탕으로 일본의 모노 하와 한국의 단색화처럼 독자적인 미술 운동이 비슷한 시기에 등장했으며, 유럽 과 미국의 동시대 예술과는 차별화된 미 적 감수성과 접근 방식을 제시했다. 한국과 일본의 예술은 서양 미술, 세 계적인 흐름, 지역 문화의 영향을 자연스 럽게, 그리고 의식적으로 받아들이며 발 전했다. 올해 제4회 프리즈 서울에는 전 체 아트페어 섹션에 걸쳐 총 22개의 일 본 기반 갤러리가 참가하여 두 나라 미 술의 과거와 미래를 조망하는 기회를 제 공한다. 프리즈 마스터스 섹션에 참가하는 도 쿄화랑+BTAP는 프리즈 서울 출범 70여 년 전부터 한국 미술과 뜻깊은 인연을 맺 어왔다. 1950년에 설립된 도쿄화랑은 일 본과 한국 현대미술사의 전개에 있어 중 요한 역할을 해왔다. 1962년에는 구타이 그룹의 시라가 카즈오(Kazuo Shiraga)의 개인전을, 1966년에는 네오 다다의 시노 하라 우시오(Ushio Shinohara)와 다카마 츠 지로(Jiro Takamatsu)의 개인전을 개 최했으며, 1968년에는 모노하 운동의 출 발점으로 평가받는 단체전 《Tricks and Visions(盗まれた眼)》을 선보였다. 1970 년대에 들어 도쿄화랑은 한국 미술에 본 격적으로 주목하기 시작했고, ‘단색화’라 는 용어가 등장하기 전인 1975년에 이미 이 움직임을 조명한 전시 《한국 5인의 작 가 다섯 가지의 흰색(韓國·五人の作家 五つの ヒンセク)》을 개최하는 등 선구적 인 행보를 이어왔다. 도쿄화랑의 야마모토 호즈(Hozu Yamanoto) 대표는 지난 50년간 일본과 한국 미술계의 성장을 가까이서 지켜보 며, “1960 ~70년대에는 [아방가르드] 미 술 시장이 사실상 존재하지 않았다. 당시 작가들은 직접 전시 공간을 빌려 단체전 을 열어야 했고, 이 과정에서 상호 교류 와 피드백이 자연스럽게 이루어졌다. 오 늘날에는 미술 시장이 활성화되면서 아 트페어와 개인전이 보편화되었고, 작품 판매 자체가 피드백의 방식이 되었다. 이 처럼 시장은 작품에 가장 큰 영향을 미치 는 요소로 자리 잡게 되었다.”라고 설명

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Opposite Yuko Mohri, Decomposition, 2025.

Courtesy: Yutaka Kikutake Gallery, Tokyo This page from top Exterior view of Yutaka Kikutake Gallery, Tokyo. Photograph: Moe Machida Installation view of “Korea: Five Artist, Five Hinsek ‘White’,” 1975, at Tokyo Gallery.

Courtesy: Tokyo Gallery+BTAP, Tokyo Misako and Jeffrey Rosen, 2025. Photograph: Mie Morimoto

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and feedback between artists. Today, with thriving markets, art fairs and solo exhibitions have become the norm, and feedback is received through sales.

The market has become the strongest influence on the work.” He also suggests that, within the contemporary market, distinctions based on nationality become blurred as they are superseded by broader cultural trends, such as pop or anime. This year, the gallery will present works by dansaekhwa artists Park Seo-Bo and Suh Seung-Won as well as mono-ha artists Lee Ufan, Kishio Suga and Koji Enokura.

Looking to the more recent past, Tokyo gallery Misako & Rosen cofounder Jeffrey Rosen fondly remembers the inaugural edition of Frieze Seoul in 2022.

“The fair closed on a Monday amid a raging typhoon, and yet it was packed,” he says. “The level of enthusiasm was infectious.” Rosen, whose gallery this year will showcase the works of three painters —Richard Aldrich, Trevor Shimizu and Margaret Lee—and the multimedia ironist Ken Kagami, says that, with some notable exceptions, both the Korean and Japanese art worlds seem currently to “favor aesthetic over explicitly political conversations.” The greatest commonality between the two scenes, he notes, is the healthy growth of “art-forward spaces and artist-run galleries, such as Shower and Primary Practice in Seoul, and XYZ collective, 4649 and Galerie Tenko Presents in Tokyo.” The growth of these spaces, which are responding to the blue-chip Western gallery model, could be important not only culturally and economically, but socio-politically.

In commercial terms, Rosen notes, the “Korean market for blue-chip work seems to have grown exponentially larger than in Japan,” while “the market for lower-priced emerging art is also significantly larger in Korea.” Perhaps this is unsurprising as the GDP from the cultural sector in Korea has nearly doubled in the last two decades and the number of art galleries in the country grew by more than 40 percent between 2015 and 2024. Tokyo Gallery owner Yamamoto laments the difference in support that the Japanese and Korean art scenes enjoy: “Korea has a strong cultural policy,” he says. “Japan doesn’t. Many Japanese leaders in the private and public sectors here think that art should be provided free of charge.”

Established in Minato, Tokyo, in 2015, Yutaka Kikutake Gallery aims to underscore the social contribution of contemporary art practices. Director Yutaka Kikutake echoes Yamamoto in noting that contemporary works in both Japan and Korea reflect global trends. He feels, however, that Japanese and Korean artists also betray influences of “Asian, or perhaps even Buddhist, thought, resulting in a balance of sensi­ bility and reason which differs from those of Western artists.”

Kikutake thinks that the increase in young collectors is also significant in both the Japanese and Korean markets.

“The art scene is reaching a broader audience,” he says. While both markets are growing, the speed at which they are moving is drastically different: “If Korea is running at 120 kmph,” he says, “Japan is moving at about 40 kmph.”

The Japanese market also faces infrastruc­ tural issues. “Many Japanese galleries and other organizations have raised this,” he says, “but the current tax system in Japan is slowing things down.

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했다. 또한, 최근에는 주류 문화 콘텐츠 나 일본 애니메이션과 같은 대중적인 문 화 트렌드가 미술 시장에 큰 영향력을 행 사하면서 국적의 경계가 점차 모호해지 는 추세라고 덧붙였다. 올해 도쿄화랑은 단색화 작가 박서보와 서승원, 모노하의 이우환, 스가 키시오(Kishio Suga), 에노 쿠라 코지(Koji Enokura)의 작품을 선보 일 예정이다. 최근 동향을 살펴보면, 도쿄에 위 치한 갤러리 미사코앤로젠(Misako & Rosen)의 공동 설립자인 제프리 로젠 (Jeffrey Rosen)은 2022년 첫 프리즈 서 울을 “태풍이 몰아치던 월요일 폐막일에 도 페어장은 많은 인파로 붐비며 그 열 기가 대단했던 인상적인 경험”이었다 고 회상했다. 올해는 리처드 알드리치 (Richard Aldrich), 트레버 시미즈(Trevor Shimizu), 마가렛 리(Margaret Lee) 세 명 의 회화 작가와 함께, 유머와 풍자를 기 반으로 작업하는 멀티미디어 작가 카가 미 켄(Ken Kagami)의 작품을 소개할 예 정이다. 로젠 대표는 몇몇 예외를 제외하 고, 현재 한국과 일본 미술계는 “정치적 담론보다는 미학적 실험을 선호하는 경 향이 뚜렷하다.”라고 진단하며, 양국 미 술계의 가장 큰 공통점으로 “서울의 샤 워, 프라이머리 프랙티스, 그리고 도쿄 의 XYZ 콜렉티브(XYZ Collective), 4649, 갤러리 텐코 프레젠트(Galerie Tenko Presents)와 같은 작가 주도 갤러리 및 창 작 중심의 예술 공간들이 건강하게 성장 하고 있다.”라는 점을 꼽았다. 이러한 공 간들은 서양의 블루칩 갤러리 운영 모델 에 대한 대안이자 문화적·경제적인 측면 과 아울러 사회정치적인 측면에서도 잠 재력을 지닌다고 평가한 것이다. 상업적인 관점에서 로젠 대표는 이어 서 “한국의 블루칩 시장 규모가 일본보다 기하급수적으로 성장했고, 신진 작가들 의 저가 작품 시장 역시 한국이 훨씬 크 다.”라고 분석했다. 이는 놀라운 일이 아 니다. 지난 20년간 한국의 문화 부문의 GDP는 거의 두 배로 증가했으며, 2015년 부터 2024년 사이 국내 갤러리 수는 40% 이상 늘어났다. 이러한 현상과 관련하여 야마모토 대표는 “한국은 강력한 문화 정 책을 가지고 있지만, 일본은 그렇지 않 다.”라며, “예술은 무료로 제공되어야 한 다고 생각하는 일본 내 공공 및 민간 지 도자들의 견해”에 대한 아쉬움을 표했다.

2015년 도쿄 미나토구에 설립된 유 타카 키쿠타케 갤러리(Yutaka Kikutake Gallery)는 현대 미술이 사회에 기여할 수 있는 역할에 주목해 왔다. 키쿠타케 유타카(Yutaka Kikutake) 디렉터는 일본 과 한국의 현대 미술이 세계 미술 흐름을 반영하고 있다는 점에서는 야마모토 대 표와 같은 견해를 보였다. 하지만 두 나 라 작가들이 “아시아 특유의 감수성과 불 교적 사상의 영향을 받아 서양 작가들과 는 다른 방식으로 감성과 이성의 조화를 표현한다.”라고 보았다. 또한, 그는 일본과 한국 미술 시장에 서 젊은 컬렉터의 증가를 중요한 변화로 짚으며, “미술계가 더 넓은 관람층으로 확장되고 있다.”라고 평가했다. 다만, “한 국이 시속 120km 로 달리고 있다면, 일 본은 40km 정도”라고 비유하며, 두 미 술 시장의 성장 속도에 뚜렷한 차이가 있 음을 강조했다. 일본 미술 시장의 인프라 문제에 대해서는, “많은 일본 갤러리와 미술 기관들이 지속적으로 문제를 제기 해 왔다. 현재 일본의 세금 제도가 발전 의 걸림돌이 되고 있으나, 민간의 제안과 노력을 통해 개선될 것”으로 전망했다. 특히, 젊은 예술가들에게 더 많은 전시 기회가 주어지고 있는 점을 희망적으로 보며, “현대미술의 사회적 존재감과 중요 성이 한국과 일본 모두에서 확대되고 있 다.”라고 전했다. 이번 프리즈 서울에서 유타카 키쿠타 케 갤러리는 도쿄를 기반으로 활동하는 모리 유코(Yuko Mohri), 그리고 최근 베 니스, 시드니, 리옹 비엔날레에 참여한 홍 콩 기반의 트레버 영(Trevor Yeung)의 작 품을 선보일 예정이다. 두 작가는 다양한

Above Richard Aldrich, Untitled, 2017/2023–2024.

Courtesy: Misako and Jeffrey Rosen, Tokyo Discover Japanese galleries at Frieze Seoul 2025. 프리즈 서울 2025에 참가하는 일본 갤러리들은 다음과 같다. A Lighthouse

Called Kanata (M20), Anomaly (A37), Art Front Gallery (M03), Tokyo Gallery + BTAP (M01), CON_ Gallery (F04), Taka Ishii Gallery (A32), Kaikai Kiki Gallery (A06), Kosaku Kanechika (C14), Kana Kawanishi Gallery (F02), Kenji Taki Gallery (B13), Yutaka Kikutake Gallery (C06), Tomio Koyama Gallery (C08), Maho Kubota Gallery (B11), Misa Shin Gallery (A22), Misako & Rosen (B12), Nanzuka (C12), Taro Nasu (B15), Kotaro Nukaga Gallery (M06), Parcel (F03), SCAI The Bathhouse (A26), Takuro Someya Contemporary Art (C20) and Take Ninagawa (A34).

I’m hopeful, however, that recommendations from the private sector will bring change soon.” Kikutake’s take is optimistic, especially for the future of young artists: “I do see more opportunities for younger artists to exhibit,” he says.

“The social presence and significance of contemporary art is growing in both countries.”

At Frieze Seoul, the gallery will feature the works of Tokyo-based Yuko Mohri and Hong-Kong-based Trevor Yeung, whose works have recently been shown at the Venice, Sydney and Lyon biennials. Both artists’ work deals with systems, and the relation of human and non-human actors. Yeung’s installations, for example, often reference horticulture and fishkeeping; Mohri’s Decomposition (2021) translates changes inside rotting fruit into sound.

The range of works represented

by Japan-based galleries participating in this year’s Frieze Seoul promises a nuanced view of historical and current concerns, and productive conversations on how to negotiate the local and the global. Despite the dominant influence of market demands and globalized culture, Yamamoto suggests, “art fairs allow us to identify trends connected to specific regions by grouping many works together. They promote communica­ tion; communication can often matter much more than objects.”

Taro Nettleton is associate professor at Temple University, Japan. He lives in Tokyo, Japan.

유기적, 인공적 시스템에 주목하며, 인간 과 비인간 존재의 관계를 탐구하는 작업 을 이어오고 있다. 트레버 영은 원예학과 물고기 기르기에서 모티프를 얻은 설치 작품을, 모리 유코는 과일의 부패 과정을 소리로 변환한 〈Decomposition〉(2021) 을 출품한다. 올해 프리즈 서울에 참가하는 일본 갤러리들은 역사와 동시대의 주요 쟁점 들을 섬세하게 조망하며, 지역성과 세계 성을 조율하는 생산적인 담론을 제안하 는 다양한 작품을 선보인다. 야마모토 대 표는 미술 시장의 수요와 세계화된 문화 의 지배적인 영향 아래, “아트페어는 많 은 작품을 한자리에 모아 특정 지역의 동 향을 한눈에 파악할 기회를 제공하고, 무 엇보다 교류와 소통의 장이 되어준다. 때 로는 작품보다 소통의 기회가 더 큰 의미 를 있을 수 있다.”라며 아트페어의 본질 적인 가치를 강조했다.

타로 네틀턴(Taro Nettleton)은 템플 대학교 일본 캠퍼 스의 미술사 부교수다. 일본 도쿄에 거주 중이다. 영-한 번역: 고누리.

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프리즈 아티스트 어워드

Im Youngzoo talks to Hyejung Jang about the evolution of her practice and her Frieze Artist Award commission Calming Signal. 임영주 작가는 장혜정 큐레이터와의 담화에서 자신의 작업이 발전해 온 과정과 프리즈 아티스트 어워드 커미션작 (카밍 시그널) 에 대해 이야기한다.

“I HAVE ALWAYS BEEN DRAWN TO WHAT LIES BEYOND THE VISIBLE” HYEJUNG JANG We tend to think of the modern world as governed by reason and scientific logic, but ancient belief systems continue to shape our lives in subtle ways.

You have consistently acknowledged and explored this through video, painting, sculpture and VR. What initially drew you to this?

IM YOUNGZOO Over time, I found myself increasingly questioning our shared perception of real­ ity. I started to wonder: Is something truly invisible, or are we simply choosing not to see it? In Korea, technology has advanced alongside longstanding tradi­ tions and superstitions, and I noticed that certain realities would be deliberately ignored at times. For a 2016 exhibition, I looked at natural elements like stone and the wind, which are often associated with superstition, and approached them in the style of textbook experiments, as if they were scientific subjects. The exhibi­ tion’s title, THEWESTLIESWINDCOMESANDGOES,” references a weather report issued during the 2011 Tōhoku earthquake and tsunami, and I presented the video Rock and Fairy (2016). This approach has continued to inform my work.

HJ Your practice often bridges historical and contemporary narratives,

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drawing on traditional Korean motifs, folklore and superstition. What does “tradition” mean to you, and how do you engage with it in your work?

IY As someone who primarily works with video, I am constantly thinking about framing: What is brought into view and what remains outside the frame?

There are certain things in the world that undeniably exist, yet we treat them as if they do not. I think tradition is one such thing—especially what I would call “pseudo-traditions.” I am less interested in adding more to the frame than in capturing what has been intentionally left out. Tradition, for me, often exists at the periphery.

HJ Since your first solo exhibition in 2015, you have developed an extensive body of work. What strikes me most is how interconnected your work feels, as if each piece is in conversation with the last, building a web of evolving narratives. I understand you have recently been researching people who observe migratory birds. What stories have emerged from that process?

IY I have always been drawn to what lies beyond the visible. My book 인간과나 (HUMAN/I, 2021) is a guide on how to pass into the world beyond the visible.

I am interested in how people imagine

장혜정(HJ) 현대 사회는 이성과 과학적 사고로 발전 한다고 여겨지지만, 원시종교와 유사한 믿음들은 여전히 우리 삶 곳곳에 스며들 어 있습니다. 작가님은 영상, 회화, 조각, VR 등 다양한 매체를 아우르며 삶 속에 자리한 제각각의 믿음의 존재를 인정하 고 탐색해 오셨습니다. ‘믿음’이라는 주제 에 집중하게 된 계기는 무엇인가요? 임영주(IY) 시간이 흐르면서 ‘정말 보이지 않는 것일 까, 아니면 보이지 않는 척하는 것일까?’ 라는 의문이 점점 깊어졌습니다. 한국은 전통과 미신, 최첨단 기술이 공존하는 공 간이지만, 때로는 의도적으로 일부 세계 를 없는 것처럼 여기는 태도를 마주하곤 합니다. 2016년 전시를 준비하면서 돌, 바람, 자연현상과 관련된 미신적 요소들 을 과학 교과서의 실험 형식을 빌려 보여 주고자 했습니다. 그 일환으로 동일본 대 지진 당시 기상청 발표 문구였던 《오늘은 편서풍이불고개이겠다》를 전시 제목으로 삼고, 〈돌과 요정〉(2016)이라는 영상을 제작했습니다. 그때부터 이러한 주제의 작업을 계속 이어오고 있습니다.

HJ 작업에서는 동시대를 포함한 다양 한 시공간의 서사를 소재로 가지고 오며, 특히 한국의 전통적 대상이나 설화, 미신 등이 주요하게 자리 잡고 있습니다. 작가 님에게 전통은 어떤 의미이며, 이를 작업 에서 어떤 방식으로 다루고 계신가요?

IY 주로 영상 작업을 하다 보니 자연

스럽게 ‘프레임’에 대해 많이 생각하게 되 었습니다. 무엇을 프레임 안에 넣고 뺄지 를 구분하게 되는 과정인 것이죠. 세상에 는 존재하지만 없는 것처럼 여겨지는 것 들이 있는데, 전통도 그러한 사례라고 생 각합니다. 제가 말하는 전통은 엄밀히 말 하면 ‘유사 전통’에 더 가깝습니다. 단순 히 프레임을 넓히기보다, 애초에 ‘프레임 에 들어가서는 안 되는 것’으로 여겨지는 대상들을 다시 중심에 두고 이야기를 전 개하는 데 관심이 있습니다. 전통은 저에 게 그러한 대상 중 하나입니다.

HJ 2015년 첫 개인전 이후 꾸준한 작 업 활동을 통해 작품들이 서로 참조점이 되어 가지를 뻗어 나가는 모습을 흥미롭 게 지켜보고 있습니다. 최근에는 ‘이동하 는 새를 보는 사람들’에 대한 작업을 준 비 중이라고 들었는데, 어떤 이야기를 담 아내실지 궁금합니다.

IY 오래전부터 눈앞에 보이는 것 너 머의 세계에 관심을 가져왔습니다. 지난 2021년 발간한 책 『인간과나』는 그 너머 의 세계로 나아가기 위한 수련법을 다룬 일종의 기술서입니다. 사람들은 직접 볼 수 없는 대상에 대해 상상력을 발휘하게 되는데, 저는 이러한 상상이 개인과 사회 의 정신세계를 드러낸다고 생각합니다. 대표적인 예로, ‘죽음’은 누구도 경험하고 돌아와서 말할 수 없지만, 우리는 다양한 상상을 통해 그 실체를 구체화하죠. 마찬가지로, 사람들은 보였다가 사 라지는 철새에 대해서도 각기 다른 상상

Opposite Im Youngzoo Photography Jaemin Kim

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what they cannot observe directly, and I believe those imaginings reveal some­ thing fundamental about the emotional and spiritual life of both the individual and society. Death is an apt example: no one returns from it, but we endlessly theorize and construct stories around it.

Migratory birds appear and then vanish, prompting speculation and myth­ making. In Korea, for instance, ducks flying north were once believed to be departing for the afterlife, and their return was considered sacred. This story struck me as a profound reflection of the human need to give meaning to what we cannot fully grasp. While birdwatching, I encountered many such stories. I was especially moved by accounts of socalled lost birds, and how people would give them names or mimic their calls.

I also learned that birdsongs could shift in response to changes in migratory paths and climate change. That led me to think more broadly about the climate crisis, planetary instability and other apocalyptic scenarios, and it gradually evolved into a meditation on disappear­ ance, and on the human impulse to perceive and fill in what no longer exists.

HJ Your 2025 Frieze Artist Award commission is titled Calming Signal. This year’s theme is “Future Commons”—how are you responding to that?

YI The title, Calming Signal, comes from a term used to describe behavioral patterns in animals that help reduce anxiety. More specifically, I began by observing dogs spinning in circles or digging at the floor, even when there is no ground to dig. It occurred to me that these “signals” can also be found in human actions. Many of these move­ ments are circular, often resembling dances that express a desire to realign with the earth, the divine and the planetary. This led me to study circular dances across cultures, such as ganggangsullae in Korea, or Sufi whirling.

Sufi whirling adheres to relatively strict rules like spinning in alignment with the Earth’s axis, but it was interesting to see how it is adapted in various contem­ porary contexts. You might see these dances stylized in a K-pop performance or staged for tourists in Dubai. Around that time, I also came across a study from Seoul National University on rising sea levels and changes in the Earth’s rotational axis.

I saw these seemingly unrelated phenomena—Sufi whirling, K-pop chore­ ography, shifts in the Earth’s rotational axis, repetitive behaviors of animals—as different ways of sensing the instability of our present. Calming Signal imagines the “Future Commons” as a space where we can bring our various patterns of anxiety and repetition into focus, and collectively witness their precarious balance, even if only for a moment.

Im Youngzoo is the winner of the 2025 Frieze Seoul Artist Award, supported by Bvlgari. Her commission for the award, Calming Signal, is presented at Frieze Seoul 2025.

Hyejung Jang is chief curator at DOOSAN Art Center and co-organizer of WESS. She lives in Seoul, Korea.

Translated from the Korean by Sara Liu.

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을 덧붙여 왔습니다. 예를 들어, 한국에 서는 북쪽으로 날아가는 오리가 ‘저세상 으로 간다’고 믿었고, 때가 되면 다시 돌 아오는 오리를 신성시했습니다. 이 이야 기를 들었을 때, 사람들의 상상력과 믿음 이 어떻게 형성되는지를 잘 보여주는 사 례라고 느꼈습니다. 탐조를 하며 접한 여 러 이야기 중, 특히 길 잃은 새, 즉 ‘미조 (迷鳥)’에 새로운 이름을 붙여주거나 새소 리를 흉내 내는 사람들의 모습이 인상 깊 었습니다. 또한, 새들의 언어가 이동 경로나 환 경 변화에 따라 바뀐다는 사실을 알게 되 면서, 이것이 기후 위기와 행성 변화, 종 말 이미지와도 연결된다고 생각했습니 다. 결국 사라지는 것들과 그 빈자리를 바라보는 사람들의 상상과 감각에 대한 성찰로 점차 작업을 이어가고 있습니다.

HJ 마지막으로, 2025년 프리즈 아티 스트 어워드 수상작 〈카밍 시그널〉에 대 해 듣고 싶습니다. 이 작품을 통해 올해

의 키워드 ‘Future Commons’를 어떻게 해석하고 계신가요?

IY 〈카밍 시그널〉이라는 제목은 동물 이 불안을 달래기 위해 무의식적으로 반 복하는 동작을 뜻하는 용어입니다. 강아 지가 제자리에서 맴돌거나 땅이 없는데 도 땅을 파는 행동들을 관찰하면서 작업 을 시작하게 되었고, 이러한 신호가 인 간에게도 다양하게 나타난다는 것을 깨 달았습니다. 나아가, 대부분의 전통 춤에 서 나타나는 회전 동작이 땅과 신, 지구 와 하나 되려는 의미라는 것을 알게 되어 강강술래, 수피 춤 등에 관해 집중적으로 연구했습니다. 그중에서도 수피 춤은 지 구의 자전축 각도로 회전해야 하는 비교 적 엄격한 규칙을 가지고 있지만, 두바이 의 관광지나 K-팝 행사장에서는 변형된 모습으로 연출되는 점이 흥미로웠습니 다. 비슷한 시기에 서울대 연구팀의 해수 면 상승과 자전축 변화에 대한 논문도 접 했고요.

수피 춤, K-pop 공연, 자전축의 변화, 동물의 반복 행동은 모두 다르지만, 어쩌 면 지금 우리가 서 있는 세계의 불안정한 축을 감지하는 방식일 수 있다는 생각이 들었습니다. 〈카밍 시그널〉에서 제가 상 상하는 ‘Future Commons’는 각자가 감지 한 불안과 반복을 잠시 한 공간에 펼쳐내 고, 그 안에서 흔들리는 균형을 함께 바 라보며 감각하는 자리입니다.

Above Im Youngzoo Photography Jaemin Kim

임영주는 불가리의 후원으로 진행되는 프리즈 서울 아티스트 어워드 2025의 수상자이며, 프리즈 서울 2025에서 커미션 작품 〈카밍 시그널〉을 공개한다. 장혜정은 두산아트센터 수석 큐레이터이자 WESS의 공동 조 직자이다. 한국 서울에 거주 중이다.

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EXHIBITIONS

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전시

The revered painter Kim Tschang-Yeul spent half a century obsessively painting droplets of water. On the occasion of a major retrospective at MMCA—the first since his passing in 2021—three experts reflect on the significance of his singular vision. 저명한 화가 김창열은 반세기 동안 집요한 열정으로 물방울을 화폭에 담았다. 2021년 작가가 타계한 이후, 국립현대미술관에서 열리는 첫 대규모 회고전을 기념하여, 세 명의 전문가가 그의 유일무이한 예술 세계의 의미를 되새긴다.

DEEP WATER A little more than 30 years have passed since Kim Tschang-Yeul’s retrospective exhibition at the National Museum of Modern Art in Gwacheon in 1993. Now, the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Seoul is staging a new survey show. This is a rare opportunity to experience Kim’s oeuvre across the various phases and periods of his career, including previously unseen pieces from his Paris studio, uncovered after his passing in 2021.

Kim is recognized as one of the key figures in Korean monochrome painting, known as dansaekhwa, an abstract art movement that emerged in the 1970s.

The traumatic experiences of his early life are visibly reflected in his informel paintings from the 1950s and early 1960s. His “Rite” series from the early 1960s, in particular, is characterized by rough painterly textures and intense color contrasts across flat surfaces.

In June 1965, following his participation in the International Association of Art under UNESCO, Kim relocated to New York—encouraged by his mentor, Kim Whanki. From the mid- to the late 1960s,

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he distanced himself from informel aes­t hetics and the remnants of war, ex­perimenting with new materials such as Plexiglas and exploring more geo­ metric forms. And between the late 1960s and 1973, he developed his signature water droplet motif, marking a significant, sustained shift in his practice.

Although Kim remains best known for his water drop paintings, this new exhibition provides a broader view of his artistic pursuits, tracing the development of his unique visual language throughout his career. It includes his “Recurrence” series, in which droplets are juxtaposed with passages from classical Chinese texts, influenced by his grandfather’s calligraphic practice. Temporality in his work transforms into atemporality, while the repetitive and performative act often evokes the aesthetics of dansaekhwa.

Kim’s work embodies the paradox of visibility: the impossibility of truly seeing water drops versus the illusion—and anti-illusion—of their presence.

Yeon Shim Chun is professor of art history and theory at Hongik University, Seoul, Korea.

Above left Kim Tschang-Yeul, Phenomenon, 1971.

Courtesy: MMCA, Seoul Above right Kim Tschang-Yeul, Waterdrops, 1983.

Courtesy: Estate of Kim Tschang-Yeul and Almine Rech, Paris/ Brussels/London/New York/Shanghai/ Monaco. Photograph: Rebecca Fanuele

1993년 국립현대미술관 과천관에서 열린 김창열의 회고전 이후, 어느덧 30여 년이 흘렀다. 현재 국립현대미술관 서울 관에서는 그의 작업 세계를 조망하는 대 규모 기획전이 열리고 있다. 이번 전시는 2021년 작고 후, 파리 작업실에서 발견된 미공개작들을 포함해, 작가의 전 생애에 걸친 창작의 궤적을 한 자리에서 감상할 수 있는 보기 드문 기회이다. 김창열은 1970년대 등장한 추상미술 사조인 단색화의 핵심 인물로 널리 알려 져 있는데, 1950년대 후반부터 1960년대 초반까지 앵포르멜(informel) 회화 작업 에는 작가가 경험한 전쟁과 삶의 흔적이 고스란히 반영되어 있다. 특히 1960년대 초 제작한 《제사》 연작에서는 거친 붓질 과 강렬한 색채 대비가 두드러진다. 김창 열은 1965년 6월, 유네스코 산하 국제미 술협회 행사에 참가한 이후, 스승 김환기 의 권유로 뉴욕으로 떠난다. 그는 1965년 부터 1969년까지 뉴욕에서 체류하며 앵 포르멜의 미학과 전쟁의 상흔에서 벗어 나 플렉시글라스를 사용한 재료 실험과 기하추상 형식을 탐색했다. 그리고 1960 년대 후반부터 1973년 즈음 그는 마침내 고유한 회화 언어로 자리한 물방울 모티 프를 구축하며 작업 방향에 있어 근본적 인 전환을 맞이하게 된다.

많은 이들이 김창열을 ‘물방울 화가’ 로 기억하지만, 이번 전시는 그의 창작 세계를 보다 폭넓은 관점으로 조망하며 독창적인 시각 언어의 발전 과정을 추적 한다. 서예가였던 조부의 영향을 반영한 천자문과 물방울을 병치한 《회귀》 연작 은 작가 고유의 시간성이 어떻게 무시간 성(atemporality)으로 변환되는지를 보여 줌과 동시에, 반복적인 수행을 통해 단색 화의 미학을 환기시킨다. 이렇듯 김창열 의 회화는 ‘보이는 것’과 ‘보이지 않는 것’ 사이의 역설을 체현한다. 그의 물방울은 환영이자 동시에 반(反)-환영으로 완벽 히 보는 것이 불가능한 존재인 것이다.

정연심은 서울 홍익대학교 예술학과 교수이다.

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EXHIBITIONS

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전시

On the occasion of the 2023–24 exhibition “Water” at the Boghossian Foundation in Brussels, we had the honor of presenting 14 works by the great Korean painter Kim Tschang-Yeul. His evocative depictions of water drops found a natural and touching resonance with the setting of the Villa Empain.

Kim’s life was shaped by a succession of struggles and exiles. Aged just 15, he fled his village in North Korea under the cover of night. He never saw his family again—most poignantly, he lost all contact with his beloved grandfather, who had founded the village school and inspired Kim’s vocation. Later, forcibly conscripted to fight against the communists, the artist witnessed the loss of his comrades and narrowly escaped death on the front line.

Kim devoted 50 years to the development of a singular and remarkable body of work—one centered entirely on a lone motif: the water drop. He painted hundreds of thousands of water drops— each alike, each distinct. With the precision of an illusionist, he deployed his implacable technique, introducing subtle variations in format and medium.

The result is work of extraordinary visual impact, a compelling testament to his painterly rigor and mastery of light and shadow.

“Since 1971, this has been my only path,” he remarked during a press conference held for the inauguration of his museum in Jeju, Korea, in 2016. “That’s it— this is what I am meant to do.” The drops, he insisted, “carry no meaning,” nor does the endless repetition of this motif over the years.

In his rare confiding moments, Kim acknowledged that the water drops served to “erase the anxieties” of a “needlessly complicated” life and to help him “live without fear.” His unique body of work reveals an inconsolable man in search of a lost paradise. Kim’s work, poised between dolorism and mysticism, is at once masterful and enigmatic.

Louma Salamé is director of the Boghossian Foundation, Brussels, Belgium.

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브뤼셀 보고시안 재단(Boghossian Foundation)에서 열린 2023-24년 《Water》 전시를 맞아, 한국의 위대한 김 창열 화백의 작품 14점을 소개하는 영광 을 누렸다. 그의 화폭에 담긴 물방울은 빌라 앙팡(Villa Empain)의 공간에 자연 스럽게 스며들어 깊은 울림을 자아냈다. 김창열의 삶은 연이은 고난과 망명 의 연속이었다. 15세에 그는 북한의 고향 마을을 밤에 몰래 빠져나와 도망쳤으며, 그 후 가족을 다시는 만나지 못했다. 특 히 마을 학교를 설립하고 김창열의 예술 적 소명을 일깨워준 조부와의 생이별은 작가에게 깊은 상흔으로 남았다. 이후 강 제로 징집되어 전선에 투입된 그는 전우 들의 죽음을 목격하고 자신도 죽음의 문 턱까지 이르렀던 전장에서 가까스로 살 아남았다. 김창열은 대표적인 물방울 모티프에 천착하여 50여 년에 걸쳐 독보적인 작업 세계를 구축해 나갔다. 그는 수없이 많 은 물방울을 그렸고, 서로 닮았지만 결코 같은 물방울은 없었다. 일루전(Illusion) 을 연출하는 마술사처럼 완벽에 가까운 기법을 구사하면서도, 형식과 재료에 미 묘한 변주를 더했다. 그 결과물은 작가의 회화적 기량과 빛과 그림자에 대한 정묘 한 감각이 돋보이는 시각적 성취였다. 그는 2016년 제주도립 김창열미술관 개관 기자회견에서 다음과 같이 회고했 다. “1971년 이후, 이것만이 나의 길이었 다. 그게 전부다. 나는 이것을 하기 위해 태어난 사람이다.” 그는 물방울에는 그 어떤 의미도 없다고 단언하며, 수십 년간 그것을 반복해 온 행위에도 어떤 해석도 부여하지 않았다. 그러나 드물게 진심을 털어놓은 순 간, 물방울을 그리는 것은 “다사다난했 던 삶의 불안을 씻어내기 위한 것”이자, “두려움을 몰아내기 위한 방식”이었다고 고백한 바 있다. 그의 고유한 작업 세계 는, 마치 잃어버린 낙원을 좇는, 위로할 길 없는 존재의 초상을 담고 있다. 고통 과 숭고함 사이 어딘가에 놓인 김창열의 예술은, 실로 탁월한 예술적 성과이면서 도 여전히 수수께끼 같은 잔향을 남긴다.

루마 살라메(Louma Salamé)는 벨기에 브뤼셀에 위치한 보고시안 재단(Boghossian Foundation)의 디렉터로 재 직 중이다.

Above Kim Tschang-Yeul, Recurrence, 1991.

Courtesy: MMCA, Seoul Opposite from top Hong Jin-hwon, Undocumented Mona Lisa, 2019/2025.

Courtesy: the artist and Buk-Seoul Museum of Art, Seoul Adrián Villar Rojas, The End of Imagination VI, 2024. Installation view at Fondation Beyeler, Basel, 2024. Courtesy: the artist. Photograph: Jörg Baumann Lee Bul, Willing To Be Vulnerable, 2015–2016.

Installation view at 20th Biennale of Sydney, 2016. Courtesy: the artist and Biennale of Sydney

Much of Kim Tschang-Yeul’s work presents the dual nature of water’s austerity (colorlessness) and sensuality (fullness).

His paintings of water droplets are often rounded (facing the viewer: forward energy) and flat on the canvas (behind: receding energy); they are light and dark, transparent and refractive. The dialectic between tension and collapse, form and formlessness, reminds me that living can be abstracted into cycles of stasis, crisis and transformation. Kim’s work forces me to pause, to meet beauty.

The cool gray-white-silver reflections on the surface of the droplets that contrast with the warmth of the yellow-orangebrown refracted light within the paintings remind me that even the smallest prism can possess a luxurious, enigmatic, time-stopping magnetism.

The shallow depth of field in Kim’s works means our attention cannot escape into the painting. Yet, as with other Korean artists retroactively described as making dansaekhwa, or monochrome, paintings, the abstraction and formality of the work offer a kind of respite from sensory overload. The crowds of water droplets, individual yet lacking individuality, set on top of and against backdrops of Chinese characters or newsprint in Waterdrops (1983), present what feels like a harmonious juxtaposition of the natural and the cultural. A co-existence in the same space without necessarily speaking to each other.

In the paintings, water appears to be captured before, during or after implied moments of movement. The drops may soak the paper, magnify or distort newsprint letters or appear to cling roundly to a surface right before they drip. Looking at Kim’s paintings, I remember that water and oil repel each other, which reminds me that not everything can coalesce, merge and dissolve.

김창열의 작품은 물이 지닌 이중성 을 섬세하게 드러낸다. 무색이 가진 절제 미와 대비되는 충만한 감각성은 그의 작 업 전반에 깃들어 있는 상반된 성질이다. 그의 작품 속 물방울은 종종 둥글고 (보 는 이를 향한, 전진하는 에너지) 캔버스 위에서 평평하며 (뒤로 물러나는, 후퇴하 는 에너지), 밝고도 어둡고, 투명하면서도 굴절시킨다. 긴장과 이완, 형태와 무형의 변증법은 삶이라는 것이 곧 정체, 위기, 변화의 순환으로 요약될 수 있다는 사 실을 새삼 일깨운다. 나는 그의 회화 앞 에선 늘 발길을 멈춰 아름다움을 목도하 게 된다. 물방울 표면의 차가운 회색빛백색-은빛의 반사광과 대비되는 따듯한 황색-오렌지빛-갈색의 굴절광은 가장 작 은 프리즘조차도 화려하고 신비로운, 시 간을 멈추어버릴 듯한 자성(磁性)을 지닐 수 있음을 깨닫게 한다. 김창열의 회화는 얕은 심도를 통해 보는 이의 시선을 캔버스 너머로 도망치 지 못하도록 붙잡는다. 단색화로 분류되 는 한국적 추상의 한 갈래로서, 그의 작 업이 갖는 추상성과 형식성은 과잉된 감 각의 세계 속에서 잠시 모든 것을 내려 놓을 수 있는 안식처를 제공한다. 〈물방 울〉(1983) 연작에서는 수많은 물방울들 이 각기 분리된 존재이면서도 개별성을 지우고, 한자나 인쇄물 위에 놓여 자연과 문화가 조화롭게 병치 되는 장면을 만들 어낸다. 비록 서로 대화하지 않더라도, 이 질적인 존재들이 한 공간에 함께 머무는 모습이다. 회화 속 물은 움직임이 발생하기 전 이나 그 도중, 혹은 직후의 상태로 포착 되어 있는 듯하다. 물방울은 종이를 적시 거나, 활자를 확대 혹은 왜곡하기도 하며, 금방이라도 떨어질 듯한 긴장 속에서 둥 글게 매달려있다. 김창열의 회화를 보며 나는 물과 기름이 섞이지 않듯, 모든 것 이 합쳐지고 녹아들 수 없음을 다시금 떠 올린다.

Sun Yung Shin is a writer and poet based in Minneapolis, USA.

신선영은 미국 미니애폴리스를 기반으로 활동하는 한국계 미 국인 시인이자 글을 쓰는 작가이다.

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EXHIBITIONS

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전시

Five to See

주목해야 할 5개의 전시

“Panorama” at Songeun The lively survey of work by the juryselected “Korean Artists Today” provides an overview of the Korean art landscape. songeunartspace.org

송은 《파노라마》 예술경영지원센터의 ‘한국작가 해외 진출(Korean Artists Today)’ 사업 선 정 작가들의 작품을 한자리에 모아 한 국 미술의 역동적인 지형도를 조망한다.

Adrián Villar Rojas at Art Sonje Center The debut exhibition in Korea by the nomadic artist, admired for his richly textured, often melancholic sculptural installations. artsonje.org “Lee Bul: From 1998 to Now” at Leeum A homecoming for a towering figure in Korean art. This touring international survey is the most comprehensive exhibition of her pioneering work ever staged. leeumhoam.org “Mark Bradford: Keep Walking” at Amorepacific Museum of Art Two decades of work by the seminal Los Angeles artist, including painting, sculpture, video and an interactive “walkable painting.” apma.amorepacific.com Young-hae Chang Heavy Industries vs. Hong Jin-hwon at Buk-Seoul Museum of Art In the museum’s annual “Title Match” series, two Korean artists square off over questions of political action in an overwhelming media sphere. sema.seoul.go.kr

songeunartspace.org

아트선재센터 《아드리안 비야르 로하스: 적군의 언어》 유목민적인 삶을 추구하는 작가 아드리 안 비야르 로하스(Adrián Villar Rojas)는 인류 본연의 멜랑콜리한 정서가 담긴 풍 성한 질감의 조각 설치 작업으로 이름을 알렸으며, 이번에 국내에서 첫 개인전을 선보인다. artsonje.org 리움 《이불: 1998년 이후》 국내에서 개최되는 한국 미술계 거장 이 불의 국제 순회 서베이 전시. 작가의 선 구적인 작품 세계를 가장 포괄적으로 감 상할 수 있는 기회이다. leeumhoam.org 아모레퍼시픽 미술관 《Mark Bradford:

Keep Walking 》

미국 로스앤젤레스 출신 작가 마크 브래 드포드(Mark Bradford)의 지난 20년간의 예술 여정을 총망라하는 이번 전시에서 는 세계를 매료시킨 그의 회화, 조각, 영 상뿐만 아니라, 관람객이 직접 “들어가 그 위를 거닐 수 있는 회화”를 만나볼 수 있다. apma.amorepacific.com 서울시립미술관 북서울관 《타이틀 매치: 장영혜중공업 vs. 홍진훤》 올해 서울시립미술관의 대표적인 연 례 전시인 《타이틀 매치》에서는 과부 하된 미디어 환경 속에서 벌어지는 정 치적 행동을 화두로, 두 한국 작가 의 날카롭고 첨예한 설전이 펼쳐진다.

sema.seoul.go.kr

At Frieze Seoul 2025, Kim Tschang-Yeul is included in the presentations of BHAK (Stand M10), Tina Kim Gallery (Stand B19), Johyun Gallery (Stand B01) and Almine Rech (Stand C22).

A retrospective of Kim Tschang-Yeul, the first major museum exhibition since his death, is on view at MMCA, Seoul, Korea, until January 4, 2026.

Translated from the Korean by Sara Liu.

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프리즈 서울 2025의 BHAK(M10), 티나킴갤러리(B19), 조현 갤러리(B01), 그리고 Almine Rech(C22) 스탠드에서 김창열 화백의 작품을 감상할 수 있다. 국립현대미술관 서울관에서 김창열 화백 사후 첫 대규모 미 술관 회고전이 2026년 1월 4일까지 개최된다. 영-한 번역: 류사라.

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MASTERS OF ART HOMAGE TO

PIERRE-AUGUSTE RENOIR 몽블랑 마스터 오브 아트 오마주 투 피에르 오귀스트 르누아르

피에르 오귀스트 르누아르 – 빛의 거장

인상주의를 대표하는 화가 피에르 오귀스트 르누아르는 느슨한 붓터치와 찬란한 색감으로 일상 속

기쁨과 빛을 생생하게 담아낸 선구자였습니다. 현대 미술에 지대한 영향을 남긴 그의 위대한 업적을 기리며, 몽블랑은 ‘마스터 오브 아트 오마주 투 피에르 오귀스트 르누아르 컬렉션’을 선보입니다.

몽블랑 마스터 오브 아트 컬렉션은 몽블랑이 예찬해 온 예술의 완벽함과 그 아름다움을 끊임없이 추구한 위대한 예술가들의 업적을 기념합니다.

2023년 첫 에디션을 시작으로, 매년 한 명의 예술가를 조명하고 있으며 그 시작은 빈센트 반 고흐, 그리고 2024년에는 구스타프 클림트, 올해는 프랑스를 대표하는 인상주의 화가 르누아르가 그 주인공입니다.

<Luncheon of the Boating Party> 1880-1881, Oli on canvas, 129.9×172.7cm

마스터 오브 아트 오마주 투 피에르 오귀스트 르누아르 리미티드 에디션 92 인상주의 시대 대표하는 르누아르의 걸작 중 하나인

〈뱃놀이 일행의 오찬 (Luncheon of a Boating Party,

1880–1881)〉 에서 영감 받은 에디션입니다. 가격 6천만원대.

*자세한 제품 정보는 www.montblanc.com 또는 1877-5408 문의 바랍니다.

몽블랑 아티잔 및 하이 아티스트리는 최상급 소재와 장인의 손길로 완성된 예술적 가치를 지닌 마스터피스입니다. 예술적 디테일과 유니크한 디자인, 의미 있는 스토리텔링까지 담아낸 전 세계 한정 생산으로 특별함을 더합니다.

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COLLECTING

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컬렉팅

From Seoul to Shanghai, Taipei to Tokyo: young collectors to watch across Asia-Pacific. By Payal Uttam 서울에서 상하이, 타이베이에서 도쿄에 이르기까지, 아시아 태평양 전반에서 떠오르는 젊은 컬렉터들의 이야기를 파얄 우탐 (Payal Uttam)이 전한다.

ON THE MOVE Soyoung Lee Seoul, Korea Installed high on a wall of collector Soyoung Lee’s home in Seoul is a dramatic fabric and wire sculpture shaped like a moth orchid. The recent acquisition is a piece from Korean artist Hannah Woo’s “Bleeding” series. For Lee, its soft yet dynamic folds evoke female genitalia.

“It’s surprisingly fresh and original,” she says of the piece that presides “like a guardian” over the space.

An avid supporter of emerging Korean artists, Lee discovered Woo’s work at Frieze Seoul last year. Her collection— now comprising around 270 works—cham­ pions young local artists, such as Woo, Shin Min and Lim Heejae, as well as inter­ national female artists including Etel Adnan, Carmen Herrera and Rosemarie Castoro—many of whom gained recogni­ tion later in life. Lee sees the role of collector as both patron and custodian.

“Through collec­ting,” she says, “we can

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preserve and spotlight voices that may otherwise be omitted from art history.”

In 2008, Lee founded Joymuseum, an art education organization that fosters museum-based learning for children through collaborations with leading art institutions. In addition, she runs Re:Art Ground in Seoul, a community art space where she conducts art lectures for fellow collectors and enthusiasts.

With an academic background in both art history and art education, she regularly publishes essays and is writing a book tentatively titled Forgotten Women Artists.

For Lee, the act of collecting extends far beyond the pursuit of personal satis­ faction. “An art collector is not merely someone who owns artworks,” she says, “but someone who discerns and records the artistic sensibilities of our current era. By selecting and collecting artwork, they are ultimately preserving the values and perspectives of our times.”

이소영 한국 서울 서울에 거주하는 컬렉터 이소영의 집 벽면 상부에는 천과 철사로 호접란을 형 상화한 조각 작품이 설치되어 있다. 이는 최근 소장한 우한나의 연작 〈Bleeding〉 중 한 점이다. 이소영은 패브릭이라는 소 재가 구현하는 부드럽고 생동감 있는 주 름에서 여성의 생식기를 연상했다고 한 다. “수호신 같은 존재”처럼 공간을 군림 하는 이 작품은 “놀랍게도 새롭고 독창적 인” 매력을 지니고 있다고 덧붙였다. 이소영은 한국의 신진 작가들을 적극 적으로 후원하는 컬렉터이며, 작년 프리 즈 서울에서 우한나의 작품을 처음 접했 다. 270여 점으로 구성된 컬렉션에는 우 한나를 비롯해 신민, 임희재 등 국내 젊 은 작가들과 에텔 아드난(Etel Adnan), 카 르멘 에레라(Carmen Herrera), 로즈마리 카스토로(Rosemarie Castoro) 등 생애 후 반에 주목받은 해외 여성 작가들의 작품 이 함께 소장되어 있다. 그녀는 컬렉터를 후원자이자 조력자로 여기며, “미술사에 서 간과될 수 있었던 목소리를 수집이라

는 방식으로 보존하고 조명할 수 있다.” 라고 설명한다.

2008년, 이소영은 주요 미술 기관들 과 협력하여 어린이를 위한 미술 교육 프 로그램을 제공하는 ‘조이뮤지엄’을 설립 했다. 또한, 서울에서 커뮤니티 아트 공간 ‘리아트 그라운드’를 운영하며 컬렉터와 미술 애호가들을 대상으로 미술 강연을 진행하고 있다. 미술사와 미술교육을 전 공한 그녀는, 정기적으로 에세이를 기고 하며, 현재 『잊혀진 여성 미술가들(가제)』 이라는 책을 집필 중이다. 이소영에게 컬렉팅은 개인적인 만족 을 넘어선 의미를 지닌다. “컬렉터는 단 순히 작품을 소장하는 사람이 아니라, 지 금 이 시대의 미적 감수성을 감식하고 기 록하는 사람이다. 작품을 선택하고 수집 하는 행위는 궁극적으로 동시대의 가치 와 시선을 보존하는 일이다.”라며 컬렉터 가 지닌 책임을 환기시켰다.

Opposite Soyoung Lee at her home, Seoul, 2025.

On wall from left: Pam Evelyn, Below, 2021; Jason Martin, Untitled, 2021 Photography Jiuk Kim

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컬렉팅

스트(Damien Hirst)와 무라카미 다카시 (Takashi Murakami)의 화려한 회화와 케니 샤프(Kenny Scharf), 에르빈 부름 (Erwin Wurm)의 위트 있는 조각이 자리 하고 있다. 하지만 시간이 흐르면서 두 사람의 관심사는 점차 넓어졌고, 현재는 국내외 젊은 갤러리들을 적극적으로 지 원하고 있다. 이들은 지금까지 100점이 넘는 작품을 수집해 왔으며, ‘조앤킴 컬렉 션(Cho & Kim Collection)’이라는 이름으 로 자택에 전시된 소장품을 사립 미술관 형태로 공개하고 있다. 이들 컬렉션 가운 데 특별한 의미를 지닌 작품은 중국 작가 쩡판즈(Zeng Fanzhi)의 〈Christ Child〉 (2012)이다. 당시 부부는 아이를 갖기 위 해 노력하던 시기였기에, 이 작품을 처음 마주했을 때 느껴진 울림이 남달랐다고 한다. 이 경험을 통해 새롭게 소장하는 모든 작품을 가족의 일원처럼 여기게 되 었고, 컬렉션의 방향 역시 기쁨과 행복에 맞춰 가기 시작했다. 또한, 부부는 미술 커뮤니티를 위한 모임을 정기적으로 주최하는 등 한국 미 술계와 다양한 형식의 교류를 이어가고 있다. 조재용은 “컬렉팅을 통해 우리만 의 작은 세계에서 벗어날 수 있었다. 미 술 작품을 수집한다는 것은, 타인과 기 쁨을 나누며 유대감을 형성하는 행위이 다. 조앤킴 컬렉션이 앞으로도 그런 매개 역할을 계속해서 이어가기를 바란다.”라 고 전했다.

Hyunji Kim and Jaeyong Cho Daegu, Korea About 15 years ago, when Korean collec­ tor Hyunji Kim opened a new plastic surgery clinic in Daegu, she acquired some prints and small sculptures by Yayoi Kusama, alongside a print by Kim Tschang-Yeul. Her husband, Jaeyong Cho, was shocked at the cost. “At the time, I wasn’t familiar with contemporary art,” he recalls. “The prices seemed outra­ geous.” Soon after, they were introduced to the Daegu-based Misuhoe, a group of seasoned collectors, and everything changed. “Just two hours into meeting them, I felt as if I had discovered an entirely new world,” says Cho. “Like a frog in a well seeing the ocean for the first time.” He apologized to his wife and began reading about the history of art.

“The more I learned, the more exhilarated and moved I felt,” he says. “Eventually, we began acquiring contemporary works, one piece at a time.”

Initially, they bought established masters; their home is dotted with multi-colored paintings by Damien Hirst and Takashi Murakami as well as play­ ful sculptures by Kenny Scharf and Erwin Wurm. But over time, they have expanded their scope. Today, the couple actively supports young galleries in Korea and abroad. They now own more than a hundred works, which are displayed in their home that doubles as a private museum called the Cho & Kim Collection.

One of their most meaningful acquisi­ tions was Christ Child (2012), by the Chinese artist Zeng Fanzhi. When they first encountered the piece, the couple were struggling to conceive a child, and the work struck a chord. Today, they see every artwork that they acquire as a new addition to their family, and a central thread running through the collection is the idea of joy and happiness.

Deeply involved in the Korean art scene, the couple are known for hosting regular gatherings for the art community.

“Collecting has helped us grow beyond our own small world,” says Cho. “One of the most meaningful roles of buying art is to share joy and connection with others—and we hope the Cho & Kim Collection continues to do exactly that.”

Ji Won Kim Seoul, Korea When she was a child, Korean collector Ji Won Kim remembers leafing through exhibition catalogs alongside her picture books, surrounded by the paintings that filled her home. One piece in partic­ ular left a lasting impression: a luminous depiction of water by Korean artist Kim Tschang-Yeul. “I remember staring at the transparent droplets on faded paper,” she recalls, “captivated by how restora­ tive it felt.” Years later, her grandmother gifted her the work—the first piece in her collection.

In 2014, Kim’s father established the Hansae Yes24 Foundation, a non-profit dedicated to fostering cultural exchange between Korea and Southeast Asia.

Inspired by the foundation, Kim began to take a more active role in the art world and started collecting. Today, she often buys works from artist friends, such as Sooyoung Chung, Meeyoung Kim, SAMBYPEN and GRAFFLEX. Kim also enjoys discovering emerging names and often collects pieces by artists who have participated in the foundation’s exhibitions. Recently, she acquired Listen to Your Mentors (2024), a surreal­ist oil painting by Thai artist

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Wal Chirachaisakul, which now hangs in her office.

Currently, Kim acts as an ambassador for the foundation. She is passionate about introducing lesser-known South­ east Asian artists to Korean audiences.

Earlier this year, for instance, the found­ation opened “Contemporary Art of Thailand: Dream and Reflection” at the Hangaram Art Museum, Seoul Arts Center. “While collecting brings me joy, I feel most energized when I’m pro­ moting cross-cultural dialogue,” she says, adding that she hopes to become more involved in the foundation’s exhibition programming in the future.

Looking ahead, Kim is committed to creating new opportunities for the public to access contemporary art, especially emerging talents: “I still carry the same feeling I had as a girl standing in front of my grandmother’s water-drop painting,” she says. “That sense of calm and emo­ tional clarity. I want others to have the chance to encounter art in that way, too.”

Above Ji Won Kim at her office, Seoul, 2025; on wall: Zulkifli Yusoff, Untitled, 2014 Photography Yongsoo Cho Opposite Hyunji Kim and Jaeyong Cho at their home, Daegu, 2025; on wall from top: Austin Lee, Stack, 2021; Tomokazu Matsuyama, Chronic Vertigo Jump, 2022 Photography Jiuk Kim

김현지 & 조재용 한국 대구 약 15년 전, 김현지 컬렉터는 대구에 서 성형외과를 개원하며 쿠사마 야요이 (Yayoi Kusama)의 판화와 작은 조각품, 그리고 김창열 화백의 판화 한 점을 처음 구매했다. 남편 조재용은 당시 작품 가격 에 크게 놀랐다고 회상한다. “그때는 현 대 미술에 대한 이해가 깊지 않았고 작품 값이 너무 비싸게 느껴졌다.” 그러던 중, 베테랑 컬렉터들로 구성된 대구 기반의 정기 컬렉터 모임 ‘미수회’를 알게 되면 서 전환점을 맞이했다. 조재용은 “모임에 참석하고 두 시간이 채 지나지 않아 완전 히 새로운 세계를 발견한 기분이었다. 마 치 우물 안 개구리가 처음으로 바다를 본 것 같았다.”라며 첫 모임의 감회를 전했 다. 그는 아내에게 미안함을 전하며 미술 사를 진지하게 공부하기 시작했고, “미 술을 알면 알수록 신이 나고 감동적이었 다. 그렇게 우리 부부는 현대미술 작품을 하나씩 수집해 나가기 시작했다.”라고 이 야기했다. 초기에는 저명한 작가들의 작품들 위 주로 수집했다. 자택 곳곳에는 데미언 허

김지원 한국 서울 김지원 컬렉터는 어린 시절, 집 안을 가득 채운 그림들에 둘러싸여 다양한 그 림책과 전시 도록을 뒤적이던 기억을 간 직하고 있다. 그중에서도 김창열 화백의 물방울 그림은 유독 깊은 여운을 남긴 작 품이었다. “바랜 종이 위의 투명한 물방 울을 볼 때면 마음이 맑아지는 기분이 들 었다.”라고 회상했다. 몇 년 후, 할머니로 부터 이 물방울 작품을 선물로 받았고, 이것이 그녀의 첫 소장품이 되었다.

2014년, 김지원의 부친은 비영리 재 단 ‘한세예스24문화재단’을 설립하여 글 로벌 문화예술 교류, 특히 한국과 동남 아시아 간의 문화예술 교류 촉진에 주력 하고 있다. 김지원은 이러한 재단 사업 을 누구보다 가까이에서 지켜보며 자연 스럽게 미술에 대한 관심과 지식을 쌓았 고 컬렉팅을 시작하게 되었다. 그녀의 컬 렉션에서는 정수영, 김미영, 샘바이펜 (SAMBYPEN), 그라플렉스(GRAFFLEX) 등 친분이 있는 작가들의 작품을 찾아 볼 수 있다. 또한, 재단 전시에 참여했던 작가들의 작품을 수집하거나 신진 작가 를 발굴하는 일에도 관심을 기울이고 있 다. 최근에는 태국 작가 완 찌라차이싸꾼 (Wal Chirachaisakul)의 초현실주의 유 화 작품 〈Listen to Your Mentors〉(2024) 을 소장해 사무실에 걸어두었다. 현재 김지원은 재단의 앰배서더로 활 동하고 있으며, 국내에 상대적으로 잘 알 려지지 않은 동남아시아 작가들을 소개 하는 데 힘쓰고 있다. 올해 초에는 재단 주관으로 서울 예술의전당 한가람미술관 에서 국제문화교류전 《태국 현대미술: 꿈 과 사유》를 성공적으로 개최하기도 했다. “작품을 소장하는 것도 즐겁지만, 문화예 술 교류에 활발히 참여할 때 에너지가 샘 솟는다.”라며, 재단의 다양한 전시 프로 그램에 더욱 적극적으로 참여하고 싶다 는 의지를 드러냈다. 김지원은 앞으로도 현대미술, 특히 신진 작가들이 더 많은 관객에게 다가갈 기회를 만들 수 있도록 힘을 보태고 싶 다며, 다음과 같이 말했다. “어릴 적 할머 니의 물방울 그림 앞에서 고요해지고 맑 아지는 것을 느꼈던 소녀의 마음을 아직 도 간직하고 있다. 다른 분들도 저와 같 은 방식으로 미술을 접할 기회를 얻길 바 란다.”

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COLLECTING

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컬렉팅

Evelyn Halim Jakarta, Indonesia “Without art, my life would be very plain,” says Jakarta-based collector Evelyn Halim.

“It would be like being on a diet of only white rice.” As one of the most dynamic young collectors in Indonesia, Halim’s life is anything but plain.

Halim’s interest in contemporary art took root during her university years in London, where she studied economics and accountancy. Outside the classroom, she immersed herself in the city’s art museums. Upon returning to Jakarta, she was inspired to start collecting.

A chance encounter with veteran collec­ tor Wiyu Wahono at a gallery opening sparked a deeper interest in contemporary art. During the Covid-19 pandemic, he shared a stack of art theory books with her and became her mentor. “It opened my mind and changed my collection,” she says, explaining that she began acquir­ ing more strategically rather than just following her instinct.

Today, her collection features leading Indonesian artists including Jompet Kuswidananto, Heri Dono, F.X. Harsono and Nindityo Adipurnomo, as well as internationally acclaimed figures such as Anri Sala, Anicka Yi and Pierre Huyghe.

Halim houses the majority of her collection—including large installations— in a private art space that she opens to artists, friends, visiting collectors and curators. Selected works also hang in her home, including wedding gifts from artists. Her most prized possession is a painting by Raden Saleh, a seminal 19th-century artist often seen as the father of modern Indonesian art.

Her commitment to the local art eco­ system extends beyond collecting.

Halim actively supports artists through commissions, such as a large underwater installation by Indonesian artist Teguh Ostenrik off the coast of northern Bali. For Halim, collectors play a key role in nurturing the country’s cultural land­scape: “Indonesia’s contemporary art scene is still developing,” she reflects.

“We should learn to appreciate it and take part in shaping its future.”

Cherry Xu Shanghai, China It’s difficult to keep track of Shanghaibased cultural entrepreneur and collector Cherry Xu. A regular on the art-fair circuit, she is constantly crisscrossing the globe in search of fresh talent to add to her burgeoning collection. Last year alone, nearly all her acquisitions were by artists who were new to her—among them a textile sculpture of an oversized watch

by Portuguese artist Bruno Zhu. Xu began painting as a child and later studied fine art at university in California. The first piece she acquired was a light box by Julian Opie from Lisson Gallery. Since then, she has added works by the likes of Japanese artist Yu Nishimura, German artist Cosima von Bonin and French artist David Rappeneau to her collection.

This year, she launched Cheruby, a nonprofit cultural institution in the city that bridges the worlds of fashion and art. The organization will champion inter­ disciplinary artists and new designers through an ambitious slate of exhibitions, residencies and public programming.

Although she hasn’t yet opened a permanent space, Xu is already mounting pop-up exhibitions such as “Taste,” a solo show that opened in March at the Ziwu Gallery in Shanghai. Curated by Harriet

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Min Zhang, it featured experimental work by Los Angeles-based artist Andrew J. Greene.

Today, Xu supports artists across the globe. Most recently, she backed Zhu’s first institutional solo exhibition in the UK, “License to Live” at the Chisenhale Gallery in London, and contributed to “A Map of the Pit,” the closing perfor­ mance of Mire Lee’s recent Turbine Hall commission at Tate Modern.

Kankuro Ueshima Tokyo, Japan When Japanese entrepreneur and investor Kankuro Ueshima began collecting in 2022, he purchased artworks almost daily, amassing some 500 pieces within a year. While he has since slowed down, he still has a voracious appetite. Today, he often spends more time researching and acquir­ing art than doing his day job. “My lifestyle changed after I started collecting,” he says. “Even when I travel, I am thinking more about the culture or history of each country and what kind of art and museums can be found there.”

While Ueshima owns a handful of modern works, such as prints by Andy Warhol, his vast collection focuses on contemporary art. An Agnes Martin watercolor hangs in his living room and he recently acquired an ethereal light installation by James Turrell. He also supports young local artists, including recent university graduates and emerg­ ing names such as Nanae Mitobe and Kohei Yamada. “Living artists inhabit the same atmosphere as me,” he explains, “and they are developing new ideas and concepts from our current environment, so I enjoy exploring their works.”

Unlike many collectors in Japan, who tend to keep a low profile, Ueshima is passionate about sharing his collection of more than 700 works with the public.

Early on, he created a detailed website and shared his acquisitions on Instagram.

Last year, he converted a former school in Tokyo into the Ueshima Museum to display his collection. The six-story building with a tea house on the top floor covers more than 1,500 square metres.

“We spend so much time in the digital world today on our smartphones and com­ puters,” he says. “Art is a tool to rehabilitate our mindset. It has the power to pull us back into the real world. That is the story of my collection.”

Vicky Chen Taipei, Taiwan Taipei-based collector Vicky Chen grew up surrounded by art. When she was young, she remembers her father care­ fully assembling a collection of Chinese antiques. “He has always been my biggest inspiration to collect,” she says. “Art has become a shared language between us, a bridge.” While Chen often visited major museums and galleries with her father, she embarked on her collect­ ing journey while traveling with friends.

“It opened my eyes when we visited smaller, off-the-radar events and fairs,” she recalls. Her first purchase was a 3D lenticular print by Indonesian collective Tromarama, which she spotted at the Singapore Biennale.

Today, Chen handles acquisitions of contemporary art for her family. Recent additions to the Tao Art Collection include Pierre Huyghe’s Mind’s Eye (2021) as well as video works by Carsten Nicolai in collaboration with Ryuichi Sakamoto.

“The collection is a reflection of the journey of my life,” she says, explaining

that she is interested in themes such as feminism, identity and the environment.

In 2020, Chen and her father co-founded Tao Art, a private exhibition space designed by Japanese architect Jun Aoki. Conceived as a platform to support the artists they collect, the space also celebrates emerging Taiwanese talent.

Chen frequently collaborates with cura­ tors to mount shows that place antiquities in dialogue with contemporary works.

She also invites young Taiwanese artists, such as ceramicist Christina Liu, to create work that responds to the antiques in the collection.

A committed patron, Chen enjoys helping artists bring ambitious projects to life. After presenting an exhibition for French artist Laurent Grasso at Tao Art in 2023, for instance, Chen funded his project on Lanyu, off the southeastern coast of Taiwan, where he created the film Orchid Island (2023). “Supporting a project rooted in our region felt especially meaningful,” she says. “He brought this small, relatively unknown island to the world.”

From top Evelyn Halim Photograph: Indra Leonardi Cherry Xu Photograph: Yujie Fan Kankuro Ueshima Courtesy: Ueshima Museum Collection Vicky Chen Photograph: Hazel Chiu Tony Lyu Courtesy: Tony Lyu

Tony Lyu Seoul, Korea It’s not every day that you step into an art fair and find yourself face-to-face with a colony of penguins. “It was like they lost their way during migration and wandered into Frieze London. It was very visceral,” says Korean venture capitalist and collec­ tor Tony Lyu, referring to an installation of penguin-shaped foil balloons that he acquired from the fair last year. The whim­ sical piece by Danish artist Benedikte Bjerre is one of many striking works that now sit in his spacious Seoul home.

Lyu began collecting in 2019, initially to decorate his home. When a friend enlisted his help to build an online plat­ form to support emerging artists, his curiosity was piqued. He started learning more about the art world and began col­ lecting seriously.

Soon after, Lyu moved into a new apartment where he dedicated an entire floor to his collection. “If I had had a choice, I would have been an artist, but collecting is another avenue of selfexpression,” he explains. “Having this space helped me to kickstart the process.”

His early acquisitions were luminous glass and metal sculptures, as well as abstract works by artists such as Tomás Saraceno and Kyou-Hong Lee. Later, he began exploring artwork that embod­ ied dualities between East and West, and old and new.

Having spent his childhood in Korea, Japan and the United States, and subse­ quently lived in Sri Lanka, Germany and Austria, Lyu naturally gravitates towards artists with diasporic backgrounds, such as Colombian-Korean-American artist Gala Porras-Kim and New York-based Korean artist Jesse Chun.

Beyond collecting, Lyu has invested in the Art Busan fair, a media outlet called ARTART and an art storage company.

He has also started supporting museums.

“Donating, investing or purchasing is all part of the same spectrum,” he says.

“It’s a way for me to contribute to the art ecosystem and a way to keep learning.”

To discover more collector profiles and interviews visit: frieze.com/collectors Payal Uttam is a writer and editor. She lives between Hong Kong and Singapore.

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COLLECTING

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컬렉팅

에블린 할림(Evelyn Halim) 인도네시아 자카르타 “예술이 없는 삶은 흰쌀밥만 먹는 밋 밋한 식단 같을 것이다.” 이는 인도네시 아 자카르타를 중심으로 활동하는 컬렉 터 에블린 할림(Evelyn Halim)의 말이다. 인도네시아에서 가장 활발한 행보를 보 이는 젊은 컬렉터 중 한 명인 그녀의 일 상은, 그녀의 표현처럼 평범함과는 거리 가 멀다. 런던에서 회계학과 경제학을 공부하 던 대학 시절, 할림은 현대미술에 대한 관심을 갖기 시작했고 수업이 없는 시간 에는 런던 곳곳의 미술관을 찾아다녔다. 작품 수집은 자카르타로 돌아온 후 본격 적으로 시작했다. 어느 갤러리 오프닝에 서 베테랑 컬렉터인 위유 와호노(Wiyu Wahono)를 우연히 만난 것이 계기가 되 어, 현대미술에 대한 관심을 더욱 키울 수 있었다. 와호노는 코로나19 팬데믹 시 기에 할림에게 미술 이론 서적 여러 권 을 건네며 멘토 역할을 자처했다. 할림은 “그 경험으로 시야를 넓혔고, 컬렉팅 접 근 방식도 바뀌었다”며, 이제는 직감보다 는 전략적으로 작품을 수집하게 되었다 고 덧붙였다. 현재 그녀의 컬렉션에는 좀펫 쿠스 위다난토(Jompet Kuswidananto), 헤 리 도노(Heri Dono), F.X. 하르소노 (F.X. Harsono), 닌디티오 아디푸르노모 (Nindityo Adipurnomo) 등 인도네시 아 주요 작가들과 함께 안리 살라(Anri Sala), 아니카 이(Anicka Yi), 피에르 위그 (Pierre Huyghe) 같이 세계적으로 주목받 는 작가들의 작품도 포함되어 있다. 대형 설치 작품을 포함한 대부분의 소장품은 개인 전시 공간에 보관되고 있 으며, 작가와 동료 컬렉터, 큐레이터 등 지인들에게 공개하고 있다. 작가들로부 터 받은 결혼 선물과 일부 작품은 자택 에 전시되어 있으며, 가장 아끼는 작품 은 19세기 인도네시아 근대 미술의 아버 지로 불리는 라덴 살레(Raden Saleh)의 회화이다. 할림은 미술품 수집 활동 외에도 인 도네시아 미술 생태계 전반을 적극적 으로 지원하고 있다. 예컨대, 북발리 연 안에 전시된 테구 오스텐리크(Teguh Ostenrik)의 대형 수중 설치 작품과 같 은 작가들의 신작 커미션을 후원하고 있 다. 할림은 컬렉터들이 자국의 문화 생태 계를 키우는 데 중요한 역할을 한다고 믿 는다. “인도네시아의 현대 미술계는 아직 성장하는 단계에 있으며, 이 시기를 소중 히 여기고 함께 미래를 만들어가야 한다” 라고 강조했다. 체리 쉬(Cherry Xu) 중국 상하이 중국 상하이를 기반으로 활동하는 문 화 사업가이자 컬렉터인 체리 쉬(Cherry Xu)의 행보를 따라잡기란 쉽지 않다. 그 녀는 각종 아트페어에 꾸준히 모습을 드 러내며, 빠르게 확장 중인 컬렉션에 추가 할 새로운 작가를 발굴하기 위해 전 세계 를 끊임없이 누비고 있다. 지난해만 해도 그녀가 수집한 작품 대부분은 새롭게 알 게 된 작가들의 작품이었으며, 그중에는 포르투갈 작가 브루노 주(Bruno Zhu)의 손목시계를 형상화한 대형 텍스타일 조 작 작품도 포함되어 있다. 쉬는 어린 시절부터 그림을 그렸고, 미국 캘리포니아주에 있는 대학에서 순 수미술을 전공했다. 그녀가 처음 소장한 작품은 리슨 갤러리(Lisson Gallery)에서 구매한 줄리안 오피(Julian Opie)의 라이 트박스 작품이었다. 이후 일본의 유 니시 무라(Yu Nishimura), 독일의 코시마 폰 보닌(Cosima von Bonin), 프랑스의 다비 드 라피노(David Rappeneau) 등 다양한 작가의 작품을 수집해 왔다. 쉬는 올해 상하이에 패션과 예술 을 연결하는 비영리 문화기관 ‘체루비 (Cheruby)’를 설립했다. 체루비는 공공 프로그램, 아티스트 레지던시, 전시 등을 통해 다양한 매체의 예술가와 신진 디자 이너 지원을 목표로 한다.

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아직 상설 공간은 마련되지 않았지 만, 팝업 전시를 통해 활동을 알리고 있 다. 최근 사례로, 지난 3월에는 상하이 지 우 갤러리(ZiWU Gallery)에서 장 민 해 리엇(Harriet Min Zhang)이 기획한 로 스앤젤레스 기반의 작가 앤드루 그린 (Andrew J. Greene)의 개인전 《Taste》를 개최하여 그의 실험적인 작품 세계를 소 개했다. 현재, 쉬는 세계 각지의 작가들을 후 원하고 있으며, 최근 런던의 치슨헤일 갤 러리(Chisenhale Gallery)에서 열린 브루 노 주의 첫 영국 기관 개인전 《License to Live》와 한국의 이미래 작가가 테이트 모 던의 터빈홀에서 선보인 커미션 전시의 마지막 퍼포먼스였던 〈A Map of the Pit〉 도 후원한 바 있다. 우에시마 칸쿠로(Kankuro Ueshima) 일본 도쿄 일본 기업가이자 투자자인 우에시마 칸쿠로(Kankuro Ueshima)는 2022년부 터 컬렉팅을 시작한 이래 거의 매일 작 품을 한 점씩 구매하며 불과 1년 만에 약 500점에 달하는 컬렉션을 구축했다. 이 후 조금 더 긴 호흡으로 수집을 하고 있 지만, 예술에 대한 열정은 식지 않았다. 현재 우에시마는 본업보다 미술 작품에 대해 연구하고 수집하는 데 더 많은 시간 을 투자할 정도로, “컬렉션을 시작한 이 후 삶이 완전히 바뀌었다.”라고 말한다. 그는 “여행을 갈 때도 각 나라의 문화와 역사, 그리고 어떤 작품과 미술관이 있 는지를 먼저 생각하게 되었다.”라고 덧 붙였다. 그의 방대한 컬렉션은 앤디 워홀 (Andy Warhol)의 판화와 같은 주요 근대 작품도 포함하지만, 초점은 현대 미술에 맞춰져 있다. 자택 거실에는 아그네스 마 틴(Agnes Martin)의 수채화가 걸려 있으 며, 최근에는 제임스 터렐(James Turrell) 의 몽환적인 조명 설치 작품을 소장하 기도 했다. 또한, 미토베 나나에(Nanae Mitobe), 야마다 코헤이(Kohei Yamada) 와 같이 대학을 갓 졸업한 신진 작가나 일본의 젊은 예술가들을 후원하는 데 주 력하고 있다. 그는 “동시대를 살아가는 작가들과 같은 환경에 살고 있다.”라며 “그들의 작업을 통해 우리의 현실에 대한 새로운 관점과 시각을 발견하는 것에서 큰 즐거움을 느낀다.”라고 설명했다. 일본의 많은 컬렉터들과는 달리, 우 에시마는 700점이 넘는 소장품을 사람 들과 적극적으로 공유해 왔다. 컬렉션 초 창기부터 웹사이트에 상세한 정보를 제 공하고, 인스타그램을 통해 소장품을 지 속적으로 공개해 왔다. 작년에는 도쿄의 한 폐교를 개조해, 총 1,500제곱미터가 넘는 6층 건물 전체를 컬렉션 전시 공간 으로 마련한 ‘우에시마 미술관(Ueshima Museum)’을 개관했으며, 꼭대기 층은 다 실로 활용되고 있다. 그는 “우리는 스마 트폰과 컴퓨터 화면 앞에서 대부분의 시 간을 보내며 소통하고 있다. 예술은 그러 한 우리의 감각과 태도를 바꿀 수 있는 도구이며, 우리를 현실 세계로 이끌어내 는 힘을 지니고 있다. 이것이 바로 제 컬 렉션이 전하고자 하는 예술의 가치다.”라 고 전했다. 비키 첸(Vicky Chen) 대만 타이베이 대만 타이베이를 기반으로 활동하는 컬렉터 비키 첸(Vicky Chen)은 어린 시 절부터 예술과 함께 성장했다. 특히 중 국 고미술품을 정성스럽게 수집하던 아 버지의 모습을 인상 깊게 기억하며, “컬 렉팅에 가장 큰 영감을 준 사람은 아버 지다. 예술은 우리 사이의 공통 언어이 자 징검다리 같은 존재”라고 설명했다. 첸은 아버지와 함께 여러 미술관과 갤러 리를 다니며 자연스럽게 안목을 키웠지 만, 본격적인 컬렉팅은 친구들과 여행하 면서 시작했다. “주류에서 벗어난 전시 나 아트페어를 돌아다니며, 비로소 내 취 향을 발견할 수 있었다.”라고 말했다. 그 녀의 첫 소장품은 싱가포르 비엔날레에

서 구매한 인도네시아 콜렉티브 트로마 라마(Tromaramo)의 3D 렌티큘러 프린 트였다. 현재 첸은 가족의 미술품 컬렉션인 ‘타오 아트 컬렉션(Tao Art Collection)’ 에서 현대미술 작품 수집을 주도적으로 담당하고 있다. 최근 소장품으로는 피에 르 위그(Pierre Huyghe)의 〈Mind’s Eye〉 (2021)를 비롯하여, 사카모토 류이치 (Ryuichi Sakamoto)와 카스텐 니콜라이 (Carsten Nicolai)의 협업 영상 작품 등이 포함된다. 첸은 “소장품 하나하나가 제 삶의 여정을 반영하고 있다.”라고 표현하 며, 페미니즘, 정체성, 환경과 같은 주제 에 깊은 관심을 가지고 있다고 밝혔다.

2020년에는 아버지와 함께 사립 전시 공간 ‘타오 아트(Tao Art)’를 설립했다. 일 본 건축가 아오키 준(Jun Aoki)이 설계한 이 공간은 컬렉션의 주요 작가들을 지원 하기 위한 플랫폼이자 대만의 신진 작가 들을 소개하는 장으로 기능한다. 첸은 여 러 큐레이터와 협력 관계를 이어가며 고 미술과 현대미술이 어우러진 전시를 개 최하고 있다. 또한, 도예가 크리스티나 리 우(Christina Liu)와 같은 대만의 젊은 작 가들을 초청해 컬렉션 속 고전 예술품을 현대적으로 재해석하는 작품을 의뢰하기 도 한다. 예술의 열정적인 후원자로서 첸은 작가들의 야심 찬 프로젝트가 실현되도 록 지원하며 큰 보람을 느껴 왔다. 한 예 로, 2023년 타오 아트에서 프랑스 작가 로랑 그라소(Laurent Grasso)의 개인전 을 개최한 뒤, 대만 남동쪽에 있는 란위 섬을 배경으로 한 그의 새로운 영상 작 품 〈Orchid Island〉(2023) 제작을 후원했 다. “대만에 기반한 프로젝트를 지원할 수 있어 뜻깊었고, 그라소의 작품을 통해 잘 알려지지 않은 이 작은 섬이 전 세계 에 소개될 수 있어서 더욱 보람찼다.”라 고 전했다. 유영석(Tony Lyu) 한국 서울 아트페어에서 펭귄 무리를 마주하는 일은 흔치 않을 것이다. 하지만 한국의 벤 처 캐피털리스트이자 컬렉터인 유영석은 작년 프리즈 런던에서 새롭게 소장한 펭 귄 모양의 포일 풍선 작품에 대해, “마치 길 잃은 철새가 페어장 안으로 들어온 듯 했다.”라며 생생했던 첫인상을 떠올렸다. 덴마크 작가 베네딕테 비에레(Benedikte Bjerre)의 엉뚱한 매력이 돋보이는 이 작 품은 현재 그의 넓은 서울 자택에 안착한 수많은 인상적인 소장품 중 하나이다.

2019년부터 미술품 수집을 시작한 유 영석은 처음에는 단순히 집을 꾸밀 목적 으로 시작했다. 그러다 지인의 부탁으로 신진 작가들을 위한 온라인 플랫폼 개발 에 참여하면서 미술에 대한 호기심이 커 졌고, 이를 계기로 미술계에 발을 들여 본격적으로 작품을 수집하게 되었다. 얼마 지나지 않아, 그는 새 아파트 로 이사하면서 한 층 전체를 컬렉션을 위 한 공간으로 만들기로 결심했다. 선택의 여지가 있었다면 예술가가 되었을 것이 라고 말하는 그에게 “미술 수집은 또 다 른 방식의 자기표현”이다. 이어서, “이렇 게 넓은 공간이 있었기에 컬렉팅이 가능 했다”라며, 초기에는 유리와 금속으로 된 조각 작품이나, 토마스 사라세노(Tomás Saraceno)와 이규홍 같은 작가들의 추상 작품들을 주로 수집했다. 이후에는 동서 양과 고금의 이중성을 담은 작품으로 관 심을 점차 넓혀갔다. 유년기를 한국, 일본, 미국에서 보내 고, 스리랑카, 독일, 오스트리아 등지에서 거주한 그는 디아스포라 정체성을 지닌 작가들에게 자연스럽게 깊은 공감을 느 낀다. 대표적인 예로 한국-콜롬비아계 미 국인 작가 갈라 포라스-킴(Gala PorrasKim)과 뉴욕에서 활동하는 한국인 작 가 제시 천(Jesse Chun)의 작품을 소장하 고 있다. 컬렉터로서의 활동 외에도 국제 아트 페어 아트부산, 미디어 플랫폼 ARTART, 그리고 미술품 보관 전문 회사 등에 투자

했으며, 최근에는 미술관 후원에도 참여 하기 시작했다. 그는 “후원, 투자, 구매는 결국 모두 같은 흐름 안에 있다고 생각한 다. 이러한 활동은 미술 생태계를 지원하 고, 미술의 다양한 주체로부터 지속적으 로 배워 나갈 수 있는 방식”이라며 컬렉 팅에 대한 그의 의지를 드러냈다.

더 많은 컬렉터들의 이야기가 궁금하다면 frieze.com/collec­ tors에서 다양한 프로필과 인터뷰를 확인할 수 있다. 파얄 우탐(Payal Uttam)은 미술 평론가이자 편집자이다. 홍 콩과 싱가포르에 거주 중이다. 영-한 번역: 고누리.

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This page, clockwise from top From the collection of Soyoung Lee: Jiwon Choi, The Death of Wasps, 2022 From the collection of Soyoung Lee: Eunha Kim, Stump Mushrooms Bloom Stool, 2025 Soyoung Lee in her library at home, 2025; on wall: Sung Inje, Wind, 2021; on floor: Suh Yongsun, Head, 2015 Photography Jiuk Kim Opposite page, clockwise from top From the collection of Ji Won Kim: Wal Chirachaisakul, Listen To Your Mentors, 2024 Photography Yongsoo Cho Hyunji Kim and Jaeyong Cho at their home, Daegu, 2025. On wall, left to right: Zeng Fanzhi, The Christ Child, 2012; Alejandro Cardenas, Benedict, 2024 Hyunji Kim and Jaeyong Cho at their home, Daegu, 2025. On wall, in centre: Jeppe Hein, I am right here right now, 2018 Photography Jiuk Kim

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Colors Drawn from Nature: Persimmon Color

(자연에서 빌려온 色 : 홍시색)

Drawn from the rich hue of a ripened persimmon in autumn, this color symbolizes the passage of time and a sense of abundance. Through it, Park Seo-Bo reflected on nature’s smooth rhythm—one that ripens slowly, without haste. To him, the persimmon color embodied maturity, ripening, and the deep density of life. LG OLED captures the subtle variations in saturation and brightness of this persimmon color, visually conveying the warmth of a fully mature sensibility in this exhibition.

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Looking in part to Korea, Thailand invests in its global artworld ascent. 한국을 한 축으로, 태국이 글로벌 미술 시장으로 진출하는 데 박차를 가하고 있다.

THAILAND TAKES TO THE STAGE When DIB Bangkok opens the doors on its more than 6,000-square-meter exhi­ bition space this December, its striking sawtooth roof will be a crown on the new landscape of contemporary art in Thailand. A former steel warehouse converted by WHY architects—the same firm behind Frieze Los Angeles, led by Santa Monica-based Thai expat Kulapat Yantrasast—DIB Bangkok plans to mount exhibitions of works from the collection of the late beverage magnate Petch Osathanugrah. The opening show, exploring the theme of “invisible presence,” will bring together impressive sculptures

by Korean pioneer Lee Bul and German master Anselm Kiefer alongside an installation by the revered Thai sculptor Montien Boonma. Chaired by the collector’s heir, Purat “Chang” Osathanugrah, DIB’s program will be overseen by the Japanese curator Miwako Tezuka.

Led by dedicated—and financially committed—patrons, institutions like DIB speak to a growing collector base in Thailand, which is ripe for further development. In recent years, growing the footprint of arts and culture has been a focus of Thai government policy.

In 2023, prime minister Srettha Thavisin announced a target of 400 trillion Thai baht for the sector. Inspired in part by the success in Korea of initiatives such as the Korean Arts Management Service (KAMS), several cultural agencies have been established, including a national Soft Power Strategy Committee, and the Thailand Creative Culture Agency (THACCA). An example of the success of such developments: the Thailand-set third season of HBO’s The White Lotus—starring K-idol Lisa— rebated 30 percent of their production costs through central funding.

태국 현대미술의 지평에 새로운 이 정표를 세우는 공간이 2025년 12월 개 관한다. ‘DIB 방콕’으로도 알려진 딥 국제 현대 미술관(Dib International Contemporary Art Museum)은 총 6,000제곱미터에 육박하는 전시 공간 과 인상적인 톱니 형태의 지붕으로 주 목을 끈다. 과거 철강 창고였던 건물 을 미국 산타모니카를 기반으로 활동하 는 태국계 건축가 쿨라팟 얀트라사스트 (Kulapat Yantrasast)가 이끄는 WHY 아 키텍처(WHY Architecture) 팀이 개조한 것이다. WHY 아키텍처 팀은 프리즈 로 스앤젤레스의 설계를 맡은 것으로도 알 려져 있다. DIB 방콕은 음료 산업의 거 물이자 컬렉터였던 고(故) 펫치 오사타 누그라(Petch Osathanugrah)의 개인 소 장품으로 구성된 전시를 선보일 예정이 다. 개관전은 ‘보이지 않는 존재(invisible presence)’를 주제로, 한국의 선구적 작가 이불과 독일의 거장 안젤름 키퍼(Anselm Kiefer)의 조각 작품과 태국을 대표하는 조각가 몬티엔 분마(Montien Boonma)의 설치 작품을 선보인다. 컬렉터의 명맥은 차세대 컬렉터 푸랏 ‘창’ 오사타누그라 (Purat “Chang” Osathanugraph)가 이어 받아, 일본 출신의 큐레이터 미와코 테즈 카(Miwako Tezuka)와 함께 DIB의 전시 프로그램을 꾸려나갈 예정이다.

DIB와 같이 재정적 지원과 헌신을 아 끼지 않는 후원자들이 운영하는 미술 기 관들은 태국 내에서 활동하는 컬렉터층 의 추세를 잘 보여주는 사례이다. 이러한 성장세는 단순한 민간 차원을 넘어, 최근 몇 년간 태국 정부의 문화 예술 분야에 대한 제도적 지원이 집중되면서 더욱 탄 력을 받고 있다. 2023년에는 세타 타위신 (Srettha Thavisin) 전 태국 총리가 문화· 콘텐츠 산업의 목표치를 400조 바트 (약 15조 달러)로 발표한 바 있다. 예술경 영지원센터(KAMS)와 같은 국내 성공 사 례를 참고하여, 국가소프트파워전략위원 회(Soft Power Strategy Committee), 태국 창작 협회(THACCA) 등 여러 문화 진

This page Kornkarn Rungsawang, MALI BUCHA: Dance Offering, 2024.

Performance view at Leeum Museum of Art, Seoul. Courtesy: Leeum Museum of Art, Seoul. Photograph: Yeonje Kim

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미술 시장

At a THACCA event earlier this year, the present Thai prime minister Paetongtarn Shinawatra emphasized the “One Family, One Soft Power” policy as a means of “empowering individuals with the tools, skills and knowledge to turn creativity into economic opportunity.”

The international standing of contemporary Thai artists is testimony to this growing soft power. Take Apichatpong Weerasethakul, who has showcased Thai experience and landscape in films such as the Palme d’Or-winning Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (2010), alongside a parallel practice as a visual artist. His multi-channel video work Primitive (2009), filmed in a village in northern Thailand, was acquired for Tate Modern in 2011 by the museum’s Asia Pacific Acquisitions Committee, spearheaded at the time by Korean curator Sook-Kyung Lee. The Whitworth gallery in Manchester, UK, where Lee is now director, recently staged an exhibition by Thai artist Jakkai Siributr, whose richly embroidered textile pieces evoke the experiences of his female forebears, including a touching monument to his deceased mother.

The theme of intergenerational heritage is found across art institutions that have opened in Thailand since 2010.

When her children came of age, the thoughts of Seoul-raised, Korean-Thai collector Marisa Chearavanont (aka Kang Soo-hyeong) turned to her own legacy.

A renewed commitment to patronage birthed the Khao Yai Foundation. Opened in early 2024, the foundation’s Bangkok Kunsthalle in the city’s Chinatown aims to promote Thai contemporary art, while forging a dialog with the international scene. Its opening display of work by video pioneer Michel Auder was followed by an expansive exhibition by much loved Bangkok-born Korakrit Arunanondchai. Three hours’ drive from the Kunsthalle into the countryside, more than 60 acres of land have been transformed by the foundation into the Khao Yai Art Forest, where Chearavanont and founding director Stefano Rabolli Pansera seek to sensitively integrate works by the likes of Louise Bourgeois, Elmgreen & Dragset and Thai stupamaker Ubatsat into the surrounding landscape.

In the country’s lush north, Chiang Mai’s MAIIAM Contemporary Art Museum was cofounded in 2016 by the Asian antiquarian Jean Michel Beurdeley, his wife Patsri Bunnag and their son, Eric Bunnag Booth.

In 2016, it mounted the first survey of Weerasethakul’s work in his homeland.

Booth, who serves as managing director of the historic Jim Thompson Silk Company, also oversaw the expansion of the Jim Thompson Art Center, an elegant concrete and tile building in downtown Bangkok. The center recently hosted an exhibition by Kader Attia and “Fragmented Reality,” a curated selection from the DC Collection, formed

by US-trained Thai lawyer Dr. Disaphol Chansiri, which includes Thai artists like Araya Rasdjarmrearnsook alongside international blue-chip names such as Olafur Eliasson and Kara Walker.

A growing dialog between Thailand and the wider Asian art scene has been evinced over the past few editions of Frieze Seoul. Timed for the debut fair in 2022, Gladstone’s Seoul outpost presented an exhibition by the internationally acclaimed Thai artist Rirkrit Tiravanija: “SUBMIT TO THE BLACK

COMPOST” featured two robotic arms writing on the Gangnam-based gallery’s wall. Ever a champion of fellow artists (the same year, Tiravanija nominated Wantanee Siripattananuntakul to show in Frieze London’s Artist-to-Artist section), in 2024 he was artistic director of “ArtSpectrum” at the Leeum Museum, a group exhibition that included artists from Myanmar, Thailand, Vietnam and elsewhere alongside their Korean contemporaries in a surreal structure inspired by a haunted mansion.

This year, Sac Gallery—established in 2012 in central Bangkok—is dedicating its stand to several bodies of work by Prapat Jiwarangsan, whose digital manip­ ulation of archival portraiture explores issues of social belonging. This marks a return of sorts to Seoul for Jiwarangsan, who in 2023 won the Nam June Paik: Post-Fluxus Sense Award with his film Parasite Family (2021), which was in­stalled in Gwanghwamun Square.

Sac’s program is often boundary-pushing: earlier this year, the gallery mounted an exhibition dedicated to queer artists from Myanmar, many of whom have settled in Thailand because of intolerance in their home country. This spirit is indicative of a new generation of Thai galleries, whose local identity is informed by an alertness to the global scene.

Having exhibited in Focus Asia at Frieze Seoul 2024, emerging gallery Nova Contemporary this year cut back on fair participation to realize its relocation to a larger space in Bangkok’s Bang Rak district, advantageously sited near the Hualamphong Temple—a magnet for international visitors to the city as well as a Thai icon. Chatting during an exhibition the gallery mounted in London in January as part of the Condo initiative,

흥 기관들이 설립되기도 했다. 대표적인 문화 발전의 예로, K-팝 스타 리사가 출 연한 HBO 제작의 미국 드라마 《화이트 로투스》 시즌 3은 태국을 주요 로케이션 으로 촬영되었다. 태국 정부는 제작비의 30%를 지원하며 현지 촬영 유치에 성공 했다. 올해 초 THACCA 주최 행사에서 패통탄 친나왓(Paetongtarn Shinawatra) 총리는 ‘하나의 가족, 하나의 소프트파워 (One Family, One Soft Power)’ 정책을 강 조하며, “개개인이 창의성을 경제적 기회 로 전환할 수 있도록 역량과 지식, 도구 를 제공하겠다.”라고 밝혔다. 이러한 국가적 지원은 동시대 태국 작가들의 국제적 위상에서도 확인할 수 있다. 대표적인 인물로는 영화 《엉클 분 미》(2010)로 칸 영화제 황금종려상을 수 상한 아피찻퐁 위라세타쿤(Apichatpong Weerasethakul)이 있다. 그는 영화감독 이자 시각예술가로 활발히 활동하며, 태 국의 풍경과 경험을 전 세계에 알리는 데 기여해 왔다. 그의 대표작 중 하나인 〈프리미티브〉(2009)는 태국 북부 마을 에서 촬영된 멀티채널 비디오 작업으로, 2011년 영국 테이트 모던(Tate Modern) 의 아시아태평양 수집위원회(Asia Pacific Acquisition Committee)에 의해 미술관 컬렉션에 편입되었다. 당시 위원회를 주 도한 인물은 한국인 큐레이터 이숙경이 며 현재 영국 맨체스터의 휘트워스 미술 관(Whitworth Art Gallery) 관장으로 재 직 중이다. 최근 이 미술관에서는 태국 작가 자카이 시리부르트(Jakkai Siributr) 의 전시가 열렸으며, 그의 대표적인 텍스 타일 작업들은 돌아가신 어머니를 기리 는 감동적인 헌정을 포함하여 여성 조상 들의 삶과 경험을 섬세하게 담아낸다.

2010년 이후 태국에 새롭게 문을 연 여러 미술 기관들의 공통된 화두는 바로 ‘세대 간 유산의 계승’이다. 서울에서 성 장한 한국계 태국인 컬렉터 마리사 찌야 와논(한국명 강수형)은 자녀들이 성인이 되자, 자신의 유산에 대해 고민하게 되었 다. 이는 자연스레 후원자로서의 역할에

대한 재고로 이어져 카오야이 재단(Khao Yai Foundation)의 설립으로 결실을 맺 었다. 2024년 초 문을 연 재단 산하 방콕 쿤스트할레(Bangkok Kunsthalle)는 방콕 차이나타운 중심부에 위치하며, 태국 동 시대 미술의 진흥과 국제 예술계와의 교 류를 촉진하는 것을 목표로 삼는다. 개관 전으로는 비디오 아트의 선구자 미셸 오 더(Michel Auder)의 작업이 소개되었고, 이후 방콕 출신으로 전 세계적으로 사 랑을 받는 작가 코라크릿 아루나논차이 (Korakrit Arunanondchai)의 대규모 기 획전이 이어졌다. 한편, 쿤스트할레에서 차로 약 3시간 떨어진 전원 지역에는 210 에이커(약 26만 평)가 넘는 광활한 대지 가 카오야이 아트 포레스트(Khao Yai Art Forest)로 탈바꿈되었다. 이 프로젝트는 마리사 찌야와논과 재단의 창립 디렉터 스테파노 라볼리 판세라(Stefano Rabolli Pansera)의 공동 기획으로, 루이즈 부르 주아(Louise Bourgeois), 엘름그린 & 드 라그셋(Elmgreen & Dragset), 태국 전통 불상 제작자이자 예술가 우밧삿(Ubatsat) 등의 작품을 자연경관과 유기적으로 조 화시키는 시도를 지속하고 있다. 태국 북부의 울창한 자연 속에 위 치한 치앙마이의 마이암현대미술관 (MAIIAM)은 2016년 아시아 고미술 전 문가 장 미셸 뵈르들레(Jean Michel Beurdeley), 그의 아내 팟스리 분낙 (Patsri Bunnag), 그리고 아들 에릭 분 낙 부스(Eric Bunnag Booth)에 의해 공 동 설립되었다. 같은 해, 미술관은 아피 찻퐁 위라세타쿤의 태국 첫 회고전을 개 최하며 주목을 받았다. 에릭 부스는 태 국 전통 실크의 상징이라 할 수 있는 짐 톰슨 실크 컴퍼니(Jim Thompson Silk Company)의 총괄 이사로도 활동하며, 방콕 중심부에 위치한 짐 톰슨 아트센터 (Jim Thompson Art Center)의 확장 프로 젝트를 총괄했다. 콘크리트와 타일로 우 아하게 설계된 아트센터에서는 최근 카 데르 아티아(Kader Attia)의 개인전과 함 께, 미국에서 법학을 전공한 태국 변호

Above Prapat Jiwarangsan, The Portrait of Siamese Family no.5, 2024.

Courtesy: Sac Gallery, Bangkok Overleaf from top Nova Contemporary gallery stand at Frieze Seoul, 2024.

Photograph: Lets Studio.

Courtesy: Frieze and Lets Studio Dib International Contemporary Art Museum, Bangkok, 2024. Courtesy: Dib International Contemporary Art Museum. Photograph: Wison Tungthunya

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ART MARKET

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미술 시장

founding director Sutima Sucharitakul told me of the inspiration she draws from many London-based dealers, including Emalin and Sadie Coles HQ. Her main aspiration, however, is for connection.

“I really hope for a strong dialog between Asia, America and Europe,” she told me.

“What we need for a young market like Thailand is conversation.” Frieze Seoul is shaping up to be just the place for such an exchange.

사 디사폴 찬시리(Dr. Disaphol Chansiri) 의 ‘DC 컬렉션’ 주요 소장품들로 구성된 기획전 《Fragmented Reality》를 개최했 다. DC 컬렉션에는 아라야 라스잠리안 숙(Araya Rasdjarmrearnsook)과 같은 태 국 대표 작가들뿐만 아니라 올라퍼 엘리 아손(Olafur Eliasson), 카라 워커(Kara Walker) 등 세계적 블루칩 작가들의 작품 을 아우른다. 프리즈 서울이 거듭 진행될수록 태국 과 아시아 미술계 간의 담론이 더욱 활발 해지고 있음을 확인할 수 있는데, 2022년 미국의 글래드스톤 갤러리는 서울 강남 에 아시아 첫 지점을 열고, 제1회 프리즈 서울 개막에 맞춰 태국 출신의 전속 작 가 리크리트 티라바닛(Rirkrit Tiravanija) 의 개인전 《SUBMIT TO THE BLACK COMPOST》를 선보였다. 이 전시에서는 두 대의 로봇 팔이 갤러리 벽면에 글을 쓰는 장면을 연출하며 큰 이목을 끌었다. (같은 해 프리즈 런던의 ‘A rtist-to-Artist’ 섹션에서 태국 작가 완타니 시리파타나 눈타쿨(Wantanee Siripattananuntakul) 을 추천하기도 하며) 평소 동료 작가들을 적극 지지해 온 티라바닛은, 2024년에는 리움미술관의 단체전 《아트스펙트럼》의 예술감독을 맡아, ‘귀신 들린 집’을 모티 프 삼은 초현실적인 공간 속에서 한국의 젊은 작가들과 미얀마, 태국, 베트남 등 아시아 동시대 작가들의 작업을 심도 있 게 조망했다.

2012년 방콕 도심에 설립된 Sac 갤러 리는 올해 아트페어에서 프라팟 지와랑 산(Prapat Jiwarangsan)의 작업을 집중적 으로 조명한다. 지와랑산은 과거 인물 사 진들에 디지털 변형을 가하여 사회적 정 체성과 소속의 여러 측면을 탐구해 왔다. 한국에 그의 작업이 소개되는 것은 이번 이 두 번째로, 2023년에는 영상 작품 〈기 생하는 가족(Parasite Family)〉(2021)이 국제공모전 ‘백남준: 포스트 플럭서스 센 스(Post-Fluxus Sense)’ 상을 수상하며 광 화문 광장에서 상영된 바 있다. Sac 갤러 리는 제도와 규범에 도전하는 전시 프로 그램으로 주목받아 왔으며, 올해 초에는 본국의 억압을 피해 태국에 정착한 미얀 마 퀴어 작가들을 위한 전시를 열기도 했 다. 이러한 행보는 세계적인 흐름을 인지 하고 반영하는 태국 차세대 갤러리들의 지향점을 드러낸다. 작년 프리즈 서울 2024의 포커 스 아시아 섹션에 참가했던 젊은 갤러 리 중 하나인 노바 컨템포러리(Nova Contemporary)는 갤러리 확장 이전을 위해 올해 아트페어 참가를 미루게 되 었다. 갤러리가 새롭게 자리 잡을 방콕 의 방락 지역은 태국의 상징적인 후알람 퐁 사원 인근에 위치해 해외 관광객을 포 함한 유동인구가 많은 이점을 가지고 있 다. 올해 1월, 노바 컨템포러리는 ‘콘도 (Condo)’라는 협동 전시 프로젝트의 일 환으로 런던에서 전시를 개최했으며, 이 를 통해 갤러리의 설립자이자 대표인 수 티마 수차리타쿨(Sutima Sucharitakul)의 이야기를 직접 들어볼 수 있었다. 수차리 타쿨 대표는 에마린(Emalin), 세이디 콜 스 HQ(Sadie Coles HQ)와 같은 런던 기 반의 아트 딜러들에게서 많은 영감을 받 는다고 언급했지만, 자신이 추구하는 핵 심 사명은 연결이라는 것을 강조했다. 또 한, “아시아, 아메리카, 유럽 간의 긴밀한 대화가 있기를 바란다.”라며, “특히 태국 처럼 미술 시장이 이제 막 구축되기 시작 된 곳일수록 대화가 중요하다.”라고 덧붙 였다. 프리즈 서울은 바로 이러한 소통을 이끌고 있는 플랫폼으로서의 역할을 하 고 있는 것이다.

프리즈 서울 2025에서 Sac Gallery(A14)는 프라팟 지와랑산 (Prapat Jiwarangsan)의 솔로 프레젠테이션을 선보인다.

Sac Gallery is showing a solo presentation of Prapat Jiwarangsan at Frieze Seoul 2025 (Stand A14).

Matthew McLean is creative director of Frieze Studios and editor of Frieze Week. He lives in London, UK.

매튜 맥클린(Matthew McLean)은 프리즈 스튜디오(Frieze Studios)의 크리에이티브 디렉터이자 『프리즈 위크』의 에디 터이다. 현재 영국 런던에 거주 중이다. 영-한 번역: 류사라.

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LIFESTYLE

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라이프스타일

With a philosophy of “look fine, work fine,” Koeun Kim’s Finork brings refined craft pieces from Japan, Korea, the UK and beyond to Seongsu. Hayoung Chung reports.

“Look Fine, Work Fine”이라는 철학을 바탕으로, 일본, 한국, 영국 등 다양한 나라의 아름다운 공예품을 큐레이션 하는 피노크. 성수동에 자리한 김고은 대표의 피노크에 대해 정하영이 소개한다.

FORM AND FUNCTION Opposite A selection of objects available to purchase at Finork, Seoul Photography Yoongeun Shin

There was a time when all my weekends were spent in the pottery studio. Kneading clay, balancing shapes on the wheel, making thin, intense lines, drying, firing, carving and painting, glazing and firing again. Despite my amateur status, the pieces—cups, plates, jars—felt infinitely more precious because they were so unlike the polished ceramics in department stores. Imperfections from unexpected distortions during firing didn’t detract; instead, they vividly captured each fleeting moment of the process—one in which the maker imagines someone using the piece in their daily life.

Some of that same spirit can be found at Finork, a design store nestled close to Seoul Forest, just off the bustling caféand-boutique-lined Yeonmujang Street in Seongsu. Finork, though, doesn’t display the wares of amateur weekend hobbyists but the dedicated craftsmanship of artisans who shape their entire lives through their skill.

Founder Koeun Kim majored in ceramics and once considered further studies, aspiring to become an artist.

However, at a crossroads in her journey, she, along with her family and mentors, saw a unique potential rooted deeply in her nature and talents. She had a feel for multiple genres like music, architecture and design, and knew how to bring them together to tell new stories.

True to its name—which combines “fine” and “work”—Finork is a design store meticulously curated by Kim that introduces unique, contemporary craft pieces. Kim herself finds it hard to define Finork in a single word. Courageously (or perhaps recklessly), she opened her first store in Seongsu in 2020 during the pandemic. Delaying her initial opening for half a year when the end of restrictions remained uncertain, she eventually decided to go ahead regardless. Initially, only three people could enter her modest showroom at a time, and promotion was minimal. Now, in Finork’s fifth year, Kim reflects, laughing, “I was naive enough not to know how tough it would be.”

Walking up to the second floor of an otherwise unremarkable building, where the subtly backlit Finork sign quietly marks the outer wall, visitors step into a space that feels considered yet unpretentious. Pristinely elegant, it has the analog warmth of a friend’s tasteful study—an environment that invites both contemplation and comfort. More than 30 designers’ pieces, spanning ceramics, glass, wood and metal, are displayed on white pedestals. In one corner, a softly humming turntable and a well-worn, plush sofa encourage visitors to linger and immerse themselves in the ambience.

When Kim opened the store, she placed everyone’s objects prominently,

한때 나의 주말은 도예 스튜디오에서 보내는 시간이 대부분이었다. 흙을 반죽 하고 물레에 올려 형태를 잡은 후, 섬세한 선을 새기고, 건조, 초벌, 채색, 재벌 소성 에 이르기까지, 일련의 과정은 마치 의식 과도 같았다. 비록 아마추어의 솜씨로 만 들어진 컵과 접시, 화병들이었지만, 백화 점 진열장의 완벽하게 가공된 도자기와 는 분명히 다른 고유한 존재감을 지니고 있었다. 소성 과정에서 예기치 않게 생기 는 일그러짐조차, 그 물건을 사용할 누군 가의 일상을 상상하며 정성껏 빚어낸 순 간의 생생한 기억을 담고 있는 듯했다. 이러한 감성은 서울숲 인근, 북적이 는 카페와 부티크가 밀집한 성수동 연무 장길에서 한 발짝 물러선 곳에 위치한 디 자인 스토어 ‘피노크’에서도 찾아볼 수 있다. 하지만 이곳은 주말 취미로 빚어진 도자기를 전시하는 공간이 아니다. 이곳 에 진열된 오브제들은 오랜 시간 동안 공 예가들이 기술과 감각을 갈고닦아 응축 시킨 결과물들이다. 피노크를 설립한 김고은 대표는 도예 를 전공하고 예술가의 꿈을 키웠지만, 삶 의 전환점에서 자신의 재능과 개성을 살 려 새로운 가능성을 발견했다. 음악, 건 축, 디자인, 등 다양한 분야에 대한 폭넓 은 이해를 바탕으로 서로 다른 소재들을 감성적으로 엮어내는 큐레이션 능력을 발휘한 것이다. 이는 가족과 멘토로부터 인정받은 감각이기도 했다. ‘피노크(FINORK)’라는 이름은, 영어 단어 ‘fine’과 ‘work ’를 결합한 합성어로, 김고은 대표의 ‘좋은 작업’에 대한 철학을

담아 그녀가 정성스럽게 엄선한 독창적 이고 현대적인 공예 작품들을 선보인다. 김고은 대표는 이러한 피노크를 하나의 정의로 규정하기 어렵다고 말한다.

2020년, 코로나19 팬데믹으로 인해 개점 이 반년이나 늦춰졌던 피노크는, 불확실 한 상황 속에서 방역 수칙을 준수하며 3 인 입장 제한과 최소한의 홍보만으로 조 심스럽게 문을 열었다. 그러나 돌이켜보 면 당시의 결정은 무모함이 아닌 담대한 직관의 표현이었다. 개점 5주년을 맞이한 김고은 대표는 “얼마나 힘들지 몰라서 가 능했던 일”이라며 웃었다. 눈에 잘 띄지 않는 건물 2층에 자리 한 피노크는 은은한 백라이트 조명 간판 으로 존재를 드러내며, 문을 열면 신중하 게 연출된 우아하고 세련된 공간이 펼쳐 진다. 미니멀하면서도 아늑한 분위기의 쇼룸은 단순한 전시 공간을 넘어, 사유 와 명상을 유도하는 평안한 환경으로 조 성되어 있다. 30명이 넘는 디자이너의 작 품은 도자기, 유리, 목재, 금속 등 다양한 소재로 전개되며, 커다란 백색 좌대 위에 섬세하게 배치되어 그 자체로 조형적인 조화를 이룬다. 또한, 공간 한편에 놓인 턴테이블에서 흘러나오는 잔잔한 음악과 세월의 흔적이 느껴지는 소파는 현대와 전통이 어우러진 공간 속에서 천천히 머 무르며 일상 속 공예를 향유하는 감미로 운 시간을 선사한다. 처음에는 모든 작가의 작품을 전면 에 내세워 전시되었는데, 그중에는 미 국 도예가 카렌 게일 티니(Karen Gayle Tinney)의 시그니처 실 짜임 도자 시리즈

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Above left Miwa Ito, Snack Sticky Bag, 2024 Above right Alex Zablocki, Yellow, Purple, Orange Glaze Stack Vase, 2023 Photography Yoongeun Shin

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including signature pieces like the threadintertwined creations by American ceramist Karen Gayle Tinney. Initially, Finork was about introducing unfamiliar international figures discovered through Kim’s tireless research and outreach.

But today, with its growing reputation, Finork operates differently. Visitors often have certain pieces in mind from the website, and come to “meet them before taking them home,” leading Kim to transition to a by-appointment system.

Now, specific makers and moods are selected in advance, with each guest’s visit thought out, providing a more personal and exclusive interaction akin to a private dialog with the pieces. Meanwhile, a branch in Busan’s Ananti Resort is open to casual visitors—a strategic decision that balances exclusivity with accessibility.

The items in Finork reflect Kim’s own distinctive taste. Instead of widely available domestic artisans, she favors international makers less well known in Korea—from Japan, the UK and the US. Discovering craftspeople at design fairs and on social media, she meticulously digs into their backgrounds and observes their development over months and years before featuring them at Finork.

When asked which of her collaborators she has been most impressed by, Kim immediately mentions Japanese glassmaker Miwa Ito. Active with Finork since

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its early days, Ito, who was born in 1995, has attracted young audiences through her social media videos that show her making process. She is known for glassblowing in playful forms and vibrant colors, popular not only in Japan but now also in Korea.

Kim’s long-term vision for Finork is sustainable growth alongside its artisans.

To achieve this, she emphasizes the need to lower barriers to connecting with craft. Reflecting on past experiences, she acknowledges the psychological remove that Korean consumers feel toward craft: “They hesitate to buy a 50-dollar cup,” she says, “but happily spend that on a T-shirt from a museum store.” Her solution has been to produce Finork’s own line of goods—tote bags, T-shirts, stationery— that extends her storytelling and reflects the items in the store. This initiative helps overcome any resistance or reticence to craft by creating accessible items that serve as entry points, gently embedding design into the everyday. That, after all, has always been Finork’s mission: to bring a fineness to the functional things in life.

finork.kr Hayoung Chung is a writer and curator. She lives in New York, USA, and Seoul, Korea.

도 포함했었다. 김고은 대표의 꾸준한 노 력으로 국내에 잘 알려지지 않았던 해외 작가들을 발굴하고 소개하면서 피노크는 빠르게 명성을 얻었고, 운영 방식도 점차 변화를 맞이했다. 웹사이트를 통해 특정 작가의 작품을 눈여겨본 방문객들이 직 접 작품을 ‘만나보기 위해’ 피노크를 찾 는 경우가 많아지면서, 쇼룸은 예약제를 도입하게 되었다. 현재 피노크 성수점은 방문객의 취향을 세심하게 고려하여, 특 정 작가와 그에 어울리는 공간 분위기를 미리 설정하고, 각 방문자에게 작품과 일 대일로 대화하는 듯한 맞춤형 경험을 제 공한다. 한편, 부산 아난티 리조트에 마련 된 두 번째 지점은 보다 자유로운 접근이 가능하도록 운영되어, 피노크는 두 지점 사이에서 프라이빗한 경험과 개방성의 균형을 이루고자 한다. 김고은 대표의 예리한 심미안을 엿볼 수 있는 피노크의 컬렉션은, 특히 일본, 영국, 미국 등지에서 아직 대중적인 주목 을 받지 못한 공예가들을 발굴하여 국내 관객들에게 소개하는 데 중점을 두고 있 다. 수개월에서 수년에 걸친 심층적인 리 서치를 통해 작업의 배경과 서사를 깊이 있게 이해한 후, 피노크만의 방식으로 그 들의 작업 세계를 세상에 알린다. 피노크의 가장 인상 깊은 협업자로 김고은 대표는 일본의 유리 공예가 이토 미와(Miwa Ito)를 지목했다. 1995년생의 이토는 전통 유리 공예에 위트와 생동감 을 불어넣어 소셜 미디어를 통해 젊은 세 대의 많은 관심을 받고 있다. 피노크 초 기부터 함께한 이토는 이제 한국에서도

점차 인지도를 넓혀가고 있다. 피노크의 장기적인 비전은 공예가들 과 함께 지속 가능한 성장을 이루는 데 있다. 김고은 대표는 한국 소비자들이 공 예를 심리적으로 멀게 느끼고 있다는 점 을 인지하고, “사람들은 5만 원짜리 컵은 망설이지만, 같은 가격의 티셔츠는 선뜻 구매한다.”라며 아쉬움을 드러냈다. 이러 한 간극을 좁히기 위해 브랜드 철학을 일 상으로 확장한 제품 라인을 기획했다. 티 셔츠, 토트백, 문구류 등 누구나 쉽게 접 할 수 있는 디자인 제품을 통해 공예를 향한 진입 문턱을 낮추고자 한 것이다. 이와 같은 시도는 실용적인 물건에 미적 깊이를 더해, 일상 속 현대 공예의 섬세 한 아름다움(fineness)을 전달하고자 하 는 피노크의 사명을 다시금 확립한다.

finork.kr 정하영은 미술 평론가이자 큐레이터이다. 현재 미국 뉴욕과 한국 서울에 거주 중이다. 영-한 번역: 김형준.

JAE YONG KIM AMERICAN EXPRESS LOUNGE FRIEZE SEOUL COEX SEPTEMBER 3–6, 2025

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CULTURE

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문화

Stationer and author Juhee Mun on the “healing stillness” of letter writing. 편지 가게 ‘글월’의 대표이자 작가인 문주희는 편지 쓰기가 가져오는 “고요하고 평온한 마음”에 대해 적는다.

PUTTING PEN TO PAPER Writing a letter is, in many ways, composing an intimate monologue. Recently, I wrote 20 letters and, with each one, I felt a reconnection to those I had lost touch with. I reminisced about the trips we took and the conversations we once shared. Some letters were addressed to public figures I had never met, some long since passed, each having, in one way or another, shaped my thinking. In the process, I found myself tracing the subtle ways the past shapes who I am today.

As I revisited days that I cannot call well-lived, some letters brought tears, others a sense of warmth. Putting these feelings down on paper felt like a veil of fog that had weighed on my heart was beginning to lift.

This, I believe, is the art of letter writing: in writing to another person, we confront ourselves and discover new ways to reflect and express what lies within. By the time I finished the twen­ tieth letter, I felt a calming stillness, as if standing in a damp forest at dawn, waiting for the sun to rise. geulwoll.kr Juhee Mun is the owner of the Geulwoll stationery shops in Seoul devoted to letter writing, and the author of The Healing Power of Korean Letter Writing, published in Korean in 2022 and in English in 2025. She lives in Seoul, Korea.

Translated from the Korean by Dayun Ryu

편지 쓰기는 한 사람만을 위한 내밀 한 독백을 차곡차곡 채워가는 작업 같 다. 최근 스무 통의 편지를 쓰면서, 그동 안 외면해왔던 내 주변 사람들과 다시 연 결되는 기분을 느꼈다. 그들과 나눴던 대 화나 함께했던 여행을 추억했고, 만난 적 없거나 이 세상에 없는 유명인에게 편지 를 쓸 땐, 그들이 내게 어떤 영향을 주었 는지 되새기며 과거의 내가 어떻게 지금 의 나로 이어졌는지 돌아보는 시간을 가 졌다. 결코 잘했다고 말할 수 없는 지난 일 들을 떠올리며 많은 눈물을 흘리기도 했 고, 때로는 행복했던 순간에 잠기기도 했 다. 편지를 쓰며 감정의 소용돌이를 한 번 지나고나니, 마음속에 낀 희뿌연 안개 가 걷히는 듯했다. 편지 쓰기의 예술성은, 타인에게 보 내는 글을 통해 오히려 자기 자신을 표 현하고 되돌아보게 된다는 점에 있다. 스 무 통의 편지를 모두 쓴 뒤, 나는 마치 이 슬 맺힌 새벽숲에서 해가 떠오르길 기다 리는 것처럼 고요하고 평온한 마음이 되 었다. geulwoll.kr 문주희는 편지의 가치와 정신을 이어가는 편지 가게 ‘글월’ 을 운영하고 있으며, 2022년에는 『편지 쓰는 법』을 집필하여 2025년 영어 번역본을 출간하기도 했다.

Left Letter from Park Seo-Bo to Lee Ufan, March 31, 1969.

Courtesy: Lee Ufan

The Moon is Wet, Video Still, 2025 © the artist

Deutsche Bank “Artist of the Year” 2025 Charmaine Poh

Unter den Linden 5, 10117 Berlin palaispopulaire.db.com

11.9.25— —23.2.26

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PHOTOGRAPHY

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사진

Photography by Sungjae Oh 사진: 오성재

ETERNAL BLOSSOMS Sungjae Oh is a photographer. He lives in Seoul, Korea. 오성재는 서울에서 활동하는 포토그래퍼 이다.

A symbol of resilient beauty, the national flower of Korea is the hibiscus syriacus or mugunghwa. For Seoul-based photographer Sungjae Oh, this icon provides an opportunity to reflect on the meaning of heritage. Using other traditional forms, including hanji paper kites and the cards flipped in the game Ddakji, Oh infuses surfaces with planes of deep color—as if clothes, skin and lens alike have been dipped in dye. A group of women are draped in wish-ribbons, turning their bodies into trees, while a cheek becomes a soft petal. Drawing together nature and culture, Oh’s refined eye pictures a world where contemporary life dances through deep time, like a kite on the wind, or pollen on a breeze. — MM 강인한 아름다움을 상징하는 대한민국의 국화(國花), 무궁화. 서울을 기반으로 활동하는 사진작가 오성재는 무궁화를 통해 유산의 의미를 되새긴다. 한지로 만든 연과 종이딱지 등 전통적인 시각적 소재 와 문양을 빌려, 옷감과 피부, 카메라 렌즈를 염색한 듯 깊은 색감을 이미지 표면에 스며들게 한다. 소망리본을 몸에 두른 여성들은 마치 나무의 형상을 닮았고, 또 다른 장면에서는 고운 꽃잎이 뺨 위로 피어나는 듯하다. 오성재의 섬세한 시선은 자연과 문화를 하나의 화면에 담아내어, 현대인의 삶이 유구한 역사의 흐름 속에서 춤을 추는 조화로운 풍경을 포착한다. 바람에 휘날리는 연처럼, 산들바람에 흩날리는 꽃가루처럼. — MM

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Drink champagne responsibly

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Curators Miranda Lash and Lauren Mackler and artists Oscar Murillo and Gala Porras-Kim remember the artist Suki Seokyeong Kang, who passed away in April this year. 큐레이터 미란다 래시(Miranda Lash)와 로렌 맥클러(Lauren Mackler), 그리고 아티스트 오스카 무리요(Oscar Murillo)와 갈라 포라스-김(Gala Porras-Kim)이 올해 4월에 별세한 예술가 강서경에게 추모의 메시지를 전한다.

DEAR SUKI I admire Suki’s work and her way of thinking. It has taught me so much about traditional thoughts and forms and how to incorporate them successfully into works in a way that makes aspects of the past feel relevant today. I was a big fan before we met, and when we did meet I was very excited, fangirling and relieved that she was so approachable. We ended up hanging out spontaneously in differ­ ent parts of the world over the years, but the shape of our friendship seemed to occupy a separate timeframe, so that it felt like a continuous moment, regard­ less of the time that passed between meetings. When we were together, I felt like we were our best grandpas. With her, I learned how to think about history and tradition and how to recognize them in contemporary life; to identify the essential qualities of something ancient, and understand which parts were circum­ stantial and could be altered to move someone today. She was so encouraging and realistic in “director’s cut”-type con­ versations where she advised me on how to do practical things as an artist.

I’m so glad for the time we had together. When I see and think about her works, I feel as if they are prompting me to have a conversation with her through them, so I’ll be glad to run into them once in a while.

Gala Porras-Kim is an artist. She lives in Los Angeles, USA, and London, UK.

나는 강서경의 작업과 그녀의 사유 방식에 깊은 존경심을 갖고 있다. 그녀 를 통해 나는 전통적 사유와 형식을 동시 대 예술의 맥락 안에서 어떻게 유의미하 게 작동시킬 수 있는지를 배웠다. 이전부 터 그녀의 열렬한 팬이었기에, 실제로 만 났을 때는 들뜬 마음을 감추지 못했고, 그녀가 매우 따듯하고 격의 없는 사람이 라는 사실에 안도했다. 덕분에 우리는 이 후 몇 년간 세계 여러 도시에서 자연스럽 게 만남을 이어갔다. 우리의 우정은 일정 한 시간에 고정되지 않은 듯한 감각을 주 었고, 만나지 못한 시간의 간극에도 불구 하고 늘 지속되는 순간처럼 느껴지곤 했 다. 함께 있을 때면, 마치 각자의 삶 속에 서 가장 너그럽고 현명한 할아버지가 된 듯한 기분이 들었다. 그녀는 내게 역사와 전통을 사유하는 법을 가르쳐주었고, 그 것이 어떻게 동시대의 삶과 호흡할 수 있 는지를 일깨워주었다. 오래된 것 속에서 본질적인 가치를 가려내고, 그것이 오늘 날의 누군가에게 의미 있는 울림을 줄 수 있도록 변주하는 법을 배웠다. 또한, 그녀 는 영화의 ‘감독판’처럼 심도 높은 대화 들을 통해 예술가로서 마주하는 현실적 인 결정에 대해 실질적이고도 따듯한 조 언을 아끼지 않았다. 그녀와 함께한 시간은 내게 깊은 축 복이었다. 그녀의 작품을 마주할 때면, 마 치 작품을 매개로 우리가 다시 대화를 나 누는 듯한 기분이 든다. 앞으로도 종종 그렇게, 그녀를 다시 마주하는 일이 찾아 오길 바란다.

갈라 포라스-김(Gala Porras-Kim)은 예술가이다. 미국 로스 앤젤레스와 영국 런던에 거주 중이다.

Opposite above Suki Seokyeong Kang, “Willow Drum Oriole,” 2023. Exhibition view at Leeum Museum of Art, Seoul. Photograph: Cheolki Hong Opposite below Suki Seokyeong Kang, 2023. Courtesy: Kukje Gallery, Seoul.

Photograph: Lee Jae-an The work of Suki Seokyeong Kang is represented by Commonwealth and Council Gallery (Stand A21), Tina Kim Gallery (Stand B19) and Kukje Gallery (Stand A3). 고(故) 강서경의 작품은 Commonwealth and Council Gallery(A21), 티나킴갤러리(B19), 그리고 국제갤러리(A3) 에서 대표·관리한다.

Suki Seokyeong Kang will be remembered for many reasons, including her elegant approach to incorporating elements from Korea’s art historical past with the concerns of our present. Her artworks urge us to surrender to the beauty of the “pause” as a tool for cultivating an aware­ ness of one’s own being in relation to others. I think of the quiet moments she allowed between claps of the bak, notes of birdsong or stanzas of poems.

I recall the careful pauses between move­ ments of the body in her activations (gaps between the slow wave of an arm or the bend of a leg), and the exquisite joy of pausing before her artworks to absorb their intricate details. In the “Mountain” sculptures, there is a graceful elision between time as it is experienced by us mere mortals and the deep time of the landscape around us. In Colorado, where admiration for the mountains is already ever-present, it was moving to see our visitors respond to these arrest­ ingly streamlined depictions of peaks.

In unexpected materials, we witnessed portraits of different seasons and climates in ways that made these meeting places between heaven and earth feel intimate.

The mountains became ours.

Miranda Lash is the Ellen Bruss senior curator at the Museum of Contemporary Art Denver, USA. In 2025 she co-curated with Leilani Lynch “Suki Seokyeong Kang: Mountain—Hour—Face” at MCA Denver.

강서경은 오래도록 기억될 것이다. 한국 예술사의 여러 요소를 우아하고도 섬세한 접근으로 동시대 문제의식과 연 결한 작가라는 점에서 특히 그러하다. 그 녀의 작업은 ‘멈춤’의 아름다움에 기꺼이 우리를 내맡기도록 허락한다. 이는 타자 와의 관계 속에서 자기 존재에 대한 감각 을 길러내는 도구이자 태도인 것이다. 나 는 그녀가 박(拍)이 울린 뒤의 정적, 새소 리의 음계 사이, 시구의 연(聯) 사이에 허 락된 고요한 간극들을 떠올린다. 그녀의 퍼포먼스(액티베이션)에서 팔이 천천히 휘어지거나 다리가 구부러지며 만들어 진 몸의 여백에서 마주한 사유의 틈을 기 억한다. 그녀의 작품 앞에서 잠시 멈춰서 서 섬세한 물성의 층위에 몰입하던 기쁨 또한 잊을 수 없다. 〈산〉 연작의 조각들 은 인간이 경험하는 시간성과 풍경이 간 직한 깊은 시간 사이의 우아한 교차점을 보여준다. 산을 향한 경외감이 늘 깃들어 있는 미국 콜로라도주에서, 이 간결하게 추상된 산의 형상 앞에서 관람객들이 보 였던 반응은 몹시 인상 깊었다. 흔히 볼 수 없는 재료로 구현된 이 산들은 각기 다른 계절과 기후의 초상을 품고 있었고, 천지(天地)가 맞닿는 그 경계가 한층 친 숙하게 다가오게끔 했다. 그렇게 산은 우 리 모두의 것이 되었다.

미란다 래시(Miranda Lash)는 미국 덴버현대미술관 (Museum of Contemporary Art Denver)의 Ellen Bruss 수석 큐레이터로 재직 중이며, 2025년에는 레일라니 린치 (Leilani Lynch)와 함께 강서경의 개인전 《Suki Seokyeong Kang: Mountain—Hour—Face》를 공동 기획했다.

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We existed in soils of love, mutual respect, care and laughter …

우리는 사랑과 상호 존중, 보살핌과 웃음 의 토양에서 함께 했지요 …

Shared knowledge—our differences, cherished spirits and ancestors met—the studio a hive of active mastery—radically turning ancestry on its head. Dancing!

함께 나눈 지식—우리의 차이, 소중히 간 직해온 영혼들과 조상들이 스치고—스튜 디오는 생동하는 창작의 힘으로 가득한 벌집—우리의 기원을 과감히 뿌리채 뒤 흔들었죠. 춤을 추며!

A grounding star system internal eternal …

내면에 깃든 별의 무리, 영원한 근원 …

Travel served to bridge gaps, but also act as a vessel of spiritual intimacy which upon landing bursts into joy and pure energy … people, gently a landscape appears—souls

여행은 고요를 가로질러 이어진 다리이 자, 서로의 땅에 다다르며 환희와 순수한 에너지로 피어오르는 영적인 교감을 실 어 나르는 선박이었지요 … 사람들, 서서 히 가까워져오는 풍경—영혼들

A warm embrace

따스한 포옹

Mother, child, friend

어머니, 아이, 친구

The studio! Determined—ceaselessly

그리고 작업실! 쉼 없이—결의에 찬

Cosmos, world, nature, universe—courage!

우주, 세계, 자연, 만물—용기!

More laughter … landscape of generosity—love My Dearest Suki, thank you for your eternal laughter, warmth and friend­ ship—please read this telegram, upon my early morning landing, let’s meet for galbitang.

Oscar Murillo is an artist. He lives in La Paila, Colombia.

더 많은 웃음 … 풍요로운 풍경—사랑 사랑하는 수키, 당신의 영원한 웃음, 따스 함, 우정에 감사해요—이른 새벽 비행기 에서 내리면, 이 전보를 읽어주세요, 우리 갈비탕을 먹으러 가요.

오스카 무리요(Oscar Murillo)는 예술가이다. 콜롬비아 라 파일라에 거주 중이다.

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In 2018, at the Schindler House, amid the bustle of West Hollywood, Suki’s sculptures—a delicate arrangement of disparate forms—teeter with precision.

Others, set on wheels, seem ready to cruise. They are immobile though, fixed in perfect balance—until the video on a monitor on the floor comes into view.

In Black Under Colored Moon (2015), two performers are arranging Suki’s objects around the black rectangle of the screen.

This bearing-less space reminds me of Derek Jarman, who described his own velvety backdrop as the “black without end, that lurks behind a blue sky.” And it is against this pregnant void—that fertile, interstellar space out of which planets are forged—that Suki stages her carefully crafted objects; steel skeletons wrapped in thread (for “friction” she says) or flaw­ lessly painted. Her actors (one, perhaps, recognizable to Korean viewers from a soap) are personifying a Goryeo-era poem called Love at the Dumpling Shop. The result is abstract. Suki’s “black under” is a “timeless space” where the two figures never meet. It is also a surrogate for the Jeongganbo; a precise traditional Korean notation system that places rhythm, pitch and movement into a grid, allowing language, sound and gesture to be read simultaneously—essentially spatializing time. Within her grid, Suki’s pastel-colored objects are stacked and disassembled to make shapes, like an alphabet, and the figures become a language too.

Suki’s work reflects a commitment to tradition as it underpinned her daily life, and a sense that by collapsing the two she could embed an idea into an object, deconstruct the structures of her world and hone her focus on how the individual works within the whole. Through the rigor of her thought and the devotional quality of her craft, she alchemized mate­ rials into a new metric—a non-linear, non-worldly time, that draws the past into the present.

Above Suki Seokyeong Kang, “Willow Drum Oriole,” 2023. Exhibition view at Leeum Museum of Art, Seoul. Photograph: Cheolki Hong Below Suki Seokyeong Kang, 2019. Photograph: Albrecht Fuchs

Lauren Mackler is a curator based in Los Angeles, USA. In 2018, she included Suki Seokyeong Kang’s work in “Public Fiction: The Conscientious Objector” at MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles, USA.

2018년, 웨스트 할리우드의 부산한 거리 한복판에 자리한 쉰들러 하우스 (Schindler House)에서는 강서경의 조각 들이 전시되었다. 이질적인 형상들의 섬 세한 배치는 정확하고도 아슬아슬한 균 형을 이루고 있다. 바퀴 위에 놓인 몇몇 조각들은 당장이라도 미끄러지듯 움직 일 것 같지만, 실제로는 단단히 고정되어 있다. 바닥에 놓인 모니터에서는 작가의 2015년 영상 작품 〈검은아래 색달〉이 상 영되고 있다. 검은 직사각형 화면 안에서 두 명의 퍼포머는 작가의 오브제들을 배 열하고 있다. 방향 감각을 상실하게 만드 는 완전한 무(無)에 가까운 이 공간은 데 릭 저먼(Derek Jarman)이 자신의 작업에 서, “푸른 하늘 뒤에 도사리고 있는, 끝 없는 암흑”이라고 묘사한 벨벳 배경막을 연상시킨다. (작가의 설명에 따르면, 마 찰을 위해) 실로 감싼 철제 골조나 흠 없 이 도색된 표면 등의 정교하게 제작된 오 브제들은 이 임박한 공허, 혹은 행성들 이 태어나는 비옥한 성간 공간에 펼쳐 놓 인 것들이다. 영상에 등장하는 배우들(그 중 한 명은 한국 드라마 팬들에게는 낯익 은 인물일 수 있다)은 고려시대 가요 〈쌍 화점〉을 구현한 것이나 그 결과물은 추상 적이다. 강서경이 묘사하는 “검은아래”는 두 인물이 끝내 마주치지 않는 “무시간의

공간”이다. 동시에 이는 정(井)자 안에 리 듬과 음의 높낮이, 움직임을 표기해 언어, 소리와 몸짓이 함께 읽힐 수 있도록 하 는 한국 전통 유량악보인 ‘정간보’를 표현 한 것이기도 하다. 말하자면 시간의 공간 화라고 볼 수 있다. 이 격자 속에서 파스 텔 톤의 사물들은 해체되었다가 다시 쌓 이며 형태를 구성한다. 마치 새로운 알파 벳처럼, 그 안의 인물들 또한 하나의 언 어가 된다. 강서경의 작업은 일상의 결을 이루던 전통에 대한 헌사이며, 삶과 전통의 경 계를 허물며 관념을 사물 속에 침윤시키 고, 익숙한 세계의 구조를 해체함으로써 개별의 존재가 전체 안에서 작동하는 방 식에 대한 집요한 탐색의 산물이다. 이처 럼 그녀는 창작에 대한 열정과 끈기를 통 해 물성을 새로운 단위로 연금술화한다. 이 세상의 것이 아닌 비선형적인 곳, 바 로 과거를 현재로 소환하는 비시간의 영 역으로 말이다.

로렌 맥클러(Lauren Mackler)는 미국 로스앤젤레스를 기반 으로 활동하는 큐레이터이다. 2018년 MAK 건축예술센터 (MAK Center for Art and Architecture)에서 열린 기획전 《Public Fiction: The Conscientious Objector》에 강서경의 작품을 소개한 바 있다. 영-한 번역: 류사라.

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