Bizarre Magazine

Get Bizarre

Abril-Junio

Creadora Ana Paula Huerta @frenopatica

Número 1

Creadora Jimena Troche @jimenatf

Creadora María José Martínez @majo_mb

BIZARRE © es una publicación de CASA20. Revista trimestral, No. 1, Mayo-Junio.Reserva de Derechos al Uso Exclusivo No.: 04-5893,324-2435342-1002; Certifiacdo de Licitud de Título No. 3458, Certificado de Licitud de Contenido No.: 67879. BIZARRE © es una publicación editada y publicada por CASA20. con domicilio en Calle 23, Barcelona , España con código postal: 294198. Creadoras: Ana Paula (frenopática) Huerta, Jimena (dafaq) Troche y María José (intensa) Martínez. Esta publicación fue impresa por CASA20 Graphic Reproductions, con domicilio en Atenas, Grecia, calle 67 colonia Odiseo. Distribuida por CASA20. Se prohíbe la reproducción total o parcial del contenido, fotografías, ilustraciónes, colorimetría y textos. Proyecto escolar SIN FINES DE LUCRO.getbizarre.

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Conociendo más sobre los primeros diseños p. 12 La Gran Estafa Versión Diseño p. 17 El poder de la belleza en el diseño p. 22

HISTORIAS

8 pasos para iniciar un negocio de Diseño Gráfico p. 26 El Rey de Instagram / No le llames a todo Logotipo p.28 5 trucos y consejos de Photoshop que no sabes p. 32 Cómo crear tu logo personal p. 34

TIPS

Lo que todo diseñador debe ver p. 37 Adobe, archivos y jerarquía p. 38

Las mejores portadas de álbumes del 2019 p. 42 10 Documentales de Arte y Diseño en Netflix p. 46 La psicología del color en el cine p. 51 Los eventos de arte más esperados este 2020 p. 56

Tits from the Past p. 62 Tendencias en el Diseño Gráfico 2020 p. 68

ENTRETENIMIENTO ARTÍCULOS ENCUENTROS

Hecho por Andrea p. 78 Paolina Rusoo p. 85

RIP AVELINA p. 94 #OFNAWARDS, la supremacía de lo bizarro p. 99 Pantone “Color of the Year 2020” p. 106

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VARIEDAD #Get Bizarre

Conoce Bizarre, la única revista con lo mejor del mundo del Arte y el Diseño.

Nos mantenemos en vanguardia para ti y reunimos la mejor información, fotografías, artículos y noticias sobre las artes visuales y diseño contemporáneo, para ofrecerte siempre una experiencia innovadora y reflexiva sobre el mundo creativo.

En Bizarre buscamos formar un sentido de pertenencia en nuestros lectores. A través de nuestras secciones de tips, encuentros, artículos, historias, entretenimiento y variedad, el lector puede disfrutar de un acercamiento con los universos visuales y artísticos.

Te mantenemos informado a través de nuestras redes sociales, con actividades interactivas y el mejor contenido, que no querrás perderte de nuestras ediciones print trimestrales.

Nuestro discurso visual es tan estético como moderno, con un estilo limpio y diagramaciones estratégicas. Atrapamos toda tu atención con nuestras tipografías modernas, y te sorprendemos con nuestra paleta de colores.

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Bizarre, somos la revista perfecta para gente joven y creativa como tú, que busca adueñarse del mundo del arte y diseño. Nuestro compromiso contigo, es brindarte el mejor contenido exclusivo, para sumergirte en un mundo completamente refrescante y nuevo.

Te invitamos a ser parte de esta experiencia que trasciende. Es hora de descubrir ese lado artístico en ti, que quizás no sabías que existía.

Nuestra misión es sencilla: transformar a nuestros lectores en creadores. #Get Bizarre.

#Get Bizarre

¡Vamos con todo!

Una revista loca. Una revista diferente. Una revista única. Somos apasionadas del diseño, de sus secretos y trucos; de sus locuras e inovaciónes.

Y queremos enseñarte todo esto en unas cuantas hojas. Queremos compartir lo increíble de un movimiento incomprendido. Queremos volver a nuestros lectores en creadores. #Get Bizarre a nuestro lado y descubre ese lado creativo que nunca pensaste en llegar a tener. ¿Estás listo para el mundo Bizarre?

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CONOCIENDO MÁS SOBRE LOS PRIMEROS DISEÑOS por Rich Fowler

¿Qué es el grabado en linóleo? Es un tipo de grabado que mantiene similitudes con la xilografía. El linóleo es un bloque hecho a base de plástico donde, escencialmente, el artista carva una imagen en el mismo bloque y lo que queda en este es entintado y estampado en diversas superficies con ayuda de una prensa.

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Photo by Angelina Litvin en Unsplash

INICIOS

¿COMO HACER UN GRABADO EN LINOLEO?

El proceso que yo sigo normalmente empieza con un sketch en papel y un estudio rápido en pequeños pedazos del linóleo para experimentar con composiciones y patrones. De vez en cuando utilizo el programa de Adobe “Photoshop Elements” para ver cómo el dibujo se vería en distintos colores y analizar de una mejor manera la composición. Este programa es mucho más económico que el programa “profesional” para diseño gráfico: Adobe Illustrator.

Después de desarrollar un plan, trazo mi diseño final en papel y transfiero la imagen al linóleo usando papel grafito transferible para dibujar directamente en el bloque. Uno debe recordar que la imagen se imprimirá en reverso, entonces se debe acomodar todo en “espejo”.

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#Get Bizarre

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La herramienta con la cual vamos a carvar sobre el linóleo se llama gubia. Lo que se carva fuera del bloque del linóleo no se va a imprimir, no se verá en la imagen. Siempre hay que carvar en dirección opuesta a la otrqa mano para mantenernos lejos de las heridas y las cortadas. La posición del linóleo es muy importante.

Herramientas Las gubias vienen en diferentes formas (“V” y “U”) y tamaños. Depende del trabajo requerido. Para líneas finas o espacios chicos, gubias con punta en v y delgadas son recomendables. Herramientas que marcan la diferencia son las que están afiladas. Ayudan mucho con los detalles.

Constantemente realizo un chequeo de mi trabajo entintándolo con una capa muy muy delgada de tinta. Imprimo la imagen que se va formando para darme una idea de cómo va el diseño y así poder realizar cambios conforme los vea necesarios. Hay que evitar sobre entintar el linóleo. El tipo de tinta normalmente empleada es “Offset”. Hay que tener cuidado al emplearla, ya que es muy fuerte y mancha todo lo que toca. Y no se quita. La manera de remover la tinta de las herramientas y otras superficies (excepto ropa) es con Thiner.

Cuando se imprime, el papel es cuidadosamente puesto en el bloque entintdo y barnizado en la parte trasera. El bloque también puede ser impreso en una prensa. Si no tienes acceso a una, puede utilizarse un cucharón grande para crear presión entre la superficie, donde se imprimirá el diseño, y el linóleo.

Superficies Desde diversos tipos de papel hasta textil pueden ser buenas superficies para imprimir el diseño. Todo depende del propósito o el enfoque que se le vaya a dar.

Equipo

B El equipo Bizarre probó las técnicas de impresión y así quedaron los diseños. ¿Comentarios? Déjanos lo que pensaste y cuál crees que fue el mejor en nuestras redes sociales. Síguenos en Instagram como @bizarre.mx

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LA GRAN ESTAFA POR Sandra Ileana Cadena

Versión Diseño

Por medio de la tipografía se pueden decir muchas cosas, representar diferentes emociones, así como transportarnos a épocas y lugares específicos tan solo por sus formas y poder sentir toda esta cultura en la que México se regodea.

Sin embargo, es importante conocer realmente sus orígenes y a sus creadores.

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éxico es maravilloso debido a que es un país con una profunda raigambre barroca, que se puede apreciar en su comida, su variedad de colores, tradiciones y costumbres de su gente.Es fundamental comprender estas cualidades, ya que conforman la identidad del mexicano, de tal forma que “[...] el diseño tiene la misión de renovar el sentido de los símbolos, de poner al día las imágenes que son el espejo donde nos miramos.”

De tal manera, la identidad nos permite representar los valores y costumbres de este país, mismas que desde la aparición de la imprenta en México fue un poco complicado mantener; motivo por el cual, los tipógrafos mexicanos contemporáneos se han enfocado en rescatar y conservar las cuestiones autóctonas, dejando fuera lo proviniente de otras culturas para fortalecer sus propias raíces.

A veces no nos damos cuenta de la trascendencia que pueden tener las acciones simples e incluso ingenuas en el colectivo visual o cultural de nuestro entorno. Lo que es bueno para unos, es malo para otros y muchas veces lo único que realmente cuenta es la experiencia que se ha obtenido con el cliente y con la marca. ¿LA...CONFUSON?

En la época en la que la lucha libre era estelarizada por figuras como el Santo, Blue Demon, y esas leyendas del cuadrilátero, la forma de dar publicidad a las luchas era a través de carteles.

Así lo que en diseño se considera una aberración, en el uso común y popular del cartel de la lucha libre se volvió la norma “no dejes espacios para que llame la atención”.

La imprenta de mayor tradición en la impresión de carteles de lucha en México se conocía como la “Imprenta PAYOL”, pertenecía al señor Juan Muñoz. En un negocio familiar donde todos se involucran, fue así como su hija, ahora conocida como “la señora Payol”, fue la encargada de crear una tipografía única para su imprenta….

Ella sin saber cómo realizar esta tarea, tomó una navaja y empezó a cortar y cambiar bordes, dar curvaturas y modificar una antigua tipografía que había en la imprenta, incluso sin guías, sin simetría y solo con voluntad creó una tipografía inconfundible, que se volvió leyenda.

Se llama “Luchita Payol” y se puede apreciar claramente el concepto que fundamenta este diseño, con términos que definen sus formas, como “técnica y ruda”, concepto contrapuesto, así como sus estructuras ligeras y densas.

Ahora incluso, se ha convertido en una tipografía digital, (trabajo de Quique Ollervides) que muchos diseñadores no pueden dejar de tener. Sin embargo, seguido se cree que el fue el creador original.

“La señora Payol” dice:

....Digitalizaron la tipografía de “Luchitas Payol” y se hizo del dominio público y pues... ellos le pusieron el nombre. Era una tipografía de uso rudo. Incluso hay la confusión de que la persona que lo digitalizó fue el creador de la tipografía. Pues no. Se ha hecho muy popular y me encanta pero me da envidia que la utilicen tanto”.

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Lo anterior es un claro ejemplo de que la tipografía mexicana actual está luchando por defender su identidad. Además de tener la plena convicción de las facilidades que otorgan las nuevas tecnologías, el enfoque no se pierde y las raíces siguen presentes en sus trabajos por innovadores y modernos que sean.

Es con estas ligeras pinceladas es como se muestra un pequeño panorama de lo que está sucediendo en México, donde tipógrafos colaboran en el desarrollo de las letras que reflejan la intención, la habilidad y las ganas, dejando ver con sus trazos el corazón de este país.

En los últimos años, esta tierra de cultivo tipográfico está dando jugosos frutos que se aprecian en los diferentes niveles académicos, profesionales e inclusive autodidactas. Por lo tanto, en México algunos grupos de reconocido nivel en el campo de estudio del diseño, han coincidido en el valor de la tipografía como parte esencial del diseño grafico y en la recuperación de las tradiciones populares y las formas vernáculas mexicanas.

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LO FUNCIONAL VS. LO ESTÉTICO ¿Cómo se puede comprender qué es el diseño “estético” y su importancia para la percepción de lo funcional? A los humanos les gustan las cosas que tienen diseños bonitos y brillantes; lo desean mucho más que algo que es funcional.

Los diseñadores tienden a pensar en la estética como lo visual del diseño. Sin embargo, el diseño estético consiste en muchos más elementos que simplemente cómo se ve.

Lo “Estético”, El poder de la belleza en el diseño por Anton Nikolov

Photo by Amy Shamblen en Unsplash

¿Qué es el diseño estético?

Hay una enorme rama de filosofía que explora la estética.

Existe un fenómeno que los psicólogos sociales llaman “the halo effect” (el efecto halo). Significa que los humanos tienden a asumir que las personas atractivas tienen otras cualidades positivas a parte de su apariencia. Lo mismo es valido para el diseño del producto. Productos e interfaces atractivas son percibidas con más valor y con más cualidades. ¿Por qué importa el diseño estético?

Usuarios esperaban únicamente productos funcionales y usables cuando realizaban sus compras. El día de hoy, las expectativas de los usuarios han evolucionado junto con el campo de diseño. La gente espera funcionalidad por default y buscan productos que son aun más que funcionales y usables. Se quiere experimentar placer, para estimular los sentidos. Se quieren productos que desprendan emociones positivas en uno miso. El diseño estético es crucial para satisfacer esas necesidades.

Todos juzgamos un libro por su cubierta. Mientras mejor portada, mejor creeremos que el contenido es increíble. Este fenómeno se denomina como “FuncionalEstético” cuando los productos bonitos son percibidos como algo más fácil de usar y algo con más valor, a comparación de los feos. ¡Incluso si eso no es cierto! Es es-

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Photo by Azka Rayhansyah en Unsplash

pecialmente válido cuando los productos comparados tienen los mismos niveles en cuanto a funcionalidad y ser fáciles de usar. El producto que mejor se vea ganará a los usuarios. Diseños que son estéticamente satisfactorios están generando una actitud positiva en los usuarios.

Los hace tener más cariño hacia el producto.

El diseño estético hace a la gente más leal a la marca y tolerante hacia los errores o fallas que ocurran por su parte. Imagina a todos los fans de Apple. Tempranas impresiones del diseño del producto importan.

El diseño estético está influenciando cómo la gente piensa y siente. Influencia cuanta satisfacción sentimos por parte del producto. El diseño estético afecta nuestra actitud a largo plazo sobre los productos, e incluso la gente.

#Get Bizarre

historia s

Existen 4 aspectos de placer que se tienen que considerar cuando se quiera realizar un diseño estéticamente satisfactorio.

Placer Ideológico Este contexto es principalmente sobre el placer abstracto. Por ejemplo, en el diseño del producto, utilizar el ángulo de sustentabilidad puede desencadenar placer en el usuario, haciéndolo sentir bien por el medio ambiente.

Placer social El placer derivado de la interacción con otras personas o con inteligencia artificial. Este contexto es muy amplio, puede ser desde un aparato de asistencia en casa y experiencias VR hasta un cuarto/ edificio donde sucederán eventos sociales.

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Placer psicológico El placer derivado al completar un trabajo o sentirse en control y seguros. Este contexto es fijamente relacionado con la usabilidad del producto.

Pero también puede estar relacionado con cómo el diseño del producto se ve.

Placer físico Asegurar que el diseño es ergonómico. Que se sienta confortable y no sobrecargue nuestros sentidos. Considerar qué tan sensibles son los sentidos de los usuarios y qué tan diferentes son.

Ti ps

¿Estás ansioso por ganar dinero como diseñador gráfico?

Si tiene algunas habilidades de diseño gráfico y desea saber cómo iniciar un negocio de diseño gráfico, tengo algunos consejos para que lo ponga en funcionamiento.

Tenga en cuenta que las primeras etapas de la creación de su negocio de diseño gráfico serán difíciles.

No es difícil porque la industria está saturada sino porque la competencia es dura, ¡especialmente si nadie te conoce! Pero bueno, ¡la competencia es buena! ¡Esto significa que hay demanda en el campo!

Te animo a comenzar, a calmarte y perseverar. ¡El resto seguirá!

1. Comprende tus habilidades Tómate unas horas, escribe lo que te apasiona del diseño. La pasión juega un gran papel en todos los negocios. Si no eres lo suficientemente apasionado, puedes quedarte sin vapor muy rápidamente. La pasión y las habilidades a menudo están unidas.Permítame decirle que el negocio del diseño gráfico es súper vasto y que no desea ofrecer todos los tipos de servicios de diseño gráfico que existen bajo el sol.

Sin embargo, puede optar por algunos de ellos. Tómese el tiempo que necesita para analizar lo que le encanta diseñar, qué nivel de diseño podrá ofrecer, etc.

Porque esto determinará cuánto cobrará por sus servicios.

2. Elige un nicho Las empresas están más interesadas en trabajar con personas que tienen experiencia en su industria.

Siempre están buscando a alguien que ya haya trabajado en la misma industria que ellos.

Pasos para empezar un negocio de diseño gráfico en 2020

3. Construir un Portafolio Un portafolio es uno de los activos más esenciales en sus manos como diseñador gráfico en expansión. Sin una cartera, diga adiós a clientes, proyectos y dinero.

No tengo que decirte que tus prospectos siempre querrán ver tu trabajo pasado. Dado que cada perspectiva tiene un gusto diferente, simplemente no le pagarán por diseñar algo para ellos si no conocen su estilo de diseño.

Por lo tanto, tener una cartera profesional es una buena manera de atraer clientes y cerrar acuerdos de diseño. Los CLIENTES POTENCIALES definitivamente se pondrán en contacto con usted si les gusta lo que ven en su cartera. Por eso es importante tener una cartera increíble y actualizada.

4. Consigue tu propio sitio web ¿Desea tomarse en serio su negocio de diseño gráfico? Es imprescindible tener su propio sitio web en vivo. ¡Una cartera en Behance no será suficiente si quieres atraer grandes clientes! Y si quieres servir a grandes clientes, debes verte profesional.

Su propio sitio web será su espacio personal al que desea atraer a sus clientes potenciales. Su propio sitio web no se trata solo de mostrar su obra de arte, sino que, de hecho, es una herramienta estratégica en sus manos para el crecimiento del negocio.

5. Inspírate de los expertos Otra cosa que realmente te ayudará cuando comiences es inspirarte en aquellos que están en el extremo superior ... ¡los expertos!

De ninguna manera, no estoy diciendo que debas copiar su obra de arte. Pero en cambio, vea lo que están haciendo, trate de encontrar dónde están teniendo éxito, no tenga miedo de comunicarse con ellos para hacerles preguntas ...

Si ya ha elegido un tipo de diseño específico, busque algunos expertos en el mismo área y analizarlos en todos los ángulos. Verá que esto tendrá un impacto positivo en su futuro negocio de diseño gráfico.

6. Equípate

Después de preparar su mentalidad para la gran zambullida, debe invertir en sus materiales. Como diseñador gráfico, necesitará un sistema de diseño robusto que no lo defraudará en medio de un proyecto serio.

Antes de elegir sus equipos, ya debería estar suficientemente claro qué tipo de servicios de diseño desea proporcionar. ¡No querrás gastar dinero en cosas que no usarás! Para e.x,

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supongamos que desea ofrecer servicios de diseño de logotipos e identidad de marca, no es necesario comprar Adobe Creative Suite. ¡Photoshop e Illustrator serán suficientes para este propósito!

Según sus servicios, haga una lista de todos los tipos de equipos que necesitará y elija el mejor ... No puedo insistir lo suficiente en la importancia de la calidad en las herramientas de diseño gráfico.

7. Unirse a las comunidades Hay una etapa en la vida de cada diseñador que es buena y mala: la soledad.

Es cierto que cuando trabajas independientemente, tendrás la tendencia a aislarte del resto del mundo.

No siempre es algo bueno en mi opinión.

Es por eso que te animo a que te involucres en eventos de redes comerciales, únete a algunas comunidades de diseñadores. Conectarse con otras personas de ideas afines puede inspirarte y elevarte cuando estás atrapado en algún lugar.

Entonces, si definitivamente te tomas en serio comenzar tu negocio de diseño gráfico independiente y buscas formas de ganar dinero como diseñador gráfico, únete a grupos de Facebook, comunidades en línea para diseñadores o participa en foros sobre diseño gráfico.

8. Establecer un plan de marketing

Ahora es el momento de buscar a sus primeros clientes porque nadie vendrá a buscarlo.

Cuando recién comienza, es su trabajo ir a buscar a sus clientes. Por lo tanto, establecer un plan de marketing sólido no debe pasarse por alto.

Hoy en día, hay muchos canales que puede aprovechar para encontrar a sus clientes ideales. Pero primero, necesita construir su estrategia de marketing.

Desarrollar una estrategia de marketing es lo que le traerá un flujo constante de proyectos y quién dice que los proyectos dicen dinero.

#Get Bizarre

Perfil público Lograrás mayor visibilidad.

El

Ser creativo

de instagram

Comparte

REY

Lo que tienes que hacer para tener éxito

Usa filtros y enfoques novedoso.

Publica tus fotos en otras redes sociales.

Concursos Planifica y organiza sorteos.

#Hashtags Haz uso de las palabras clave.

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No le llames a todo

“LOGOTIPO” LOGOTIPOS

Se componen únicamente de palabras.

ISOTIPOS

Son símbolos que ya reconocemos como una marca en específico. No requiere mostrar acompañamientos textuales.

ISOLOGOS

Son la fusión de imagen más texto. Son indivisibles, ya que sólo funcionan como conjunto.

IMAGOTIPOS

Son también una fusión de texto e imagen. Éstos si pueden separarse, sin temor a que se pierda el significado.

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#Get Bizarre

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Cinco trucos y consejos de Photoshop que no sabes

Refinar máscara

Con una selección o máscara activa, mantenga presionada la tecla Mayús y vaya a Seleccionar> Seleccionar y enmascarar. ¡Esto abrirá la ventana Refinar borde en lugar del área de trabajo Seleccionar y enmascarar!

01 Mantenga un registro de texto

Abrir una versión aplanada de su capa de PSD Archivo> Abrir y busque el archivo PSD que desea abrir y haga clic en él una vez para seleccionarlo.

Luego, mantenga presionada la tecla Mayús Alt (Mac: Opción Shift) y haga clic en Abrir.

Photoshop le preguntará si desea “Leer los datos compuestos en su lugar”. Presione OK, y se abrirá una versión aplanada de ese archivo.

Seleccione cualquier color desde fuera de Photoshop Active la herramienta Cuentagotas (I en el teclado). Luego haga clic con el botón izquierdo y sostenga dentro de su imagen en Photoshop, y arrastre el cursor fuera de Photoshop a cualquier otra ventana o aplicación.

Suelte el botón del mouse y el color de muestra aparecerá como su nuevo color de primer plano.

02

Presione Ctrl K (Mac: Comando K) para abrir el panel de Preferencias. En la pestaña Registro de historial, haga clic en la casilla de verificación Registro de historial. Luego haga clic en Archivo de texto, y elija una ubicación para guardar el archivo y asígnele un nombre.

03 Protege tus imágines

04

Al enviar una copia en PDF de un proyecto a un cliente, es posible que desee proteger el archivo, para que requiera una contraseña para imprimir o editar.

Archivo> Guardar como ... y elija Photoshop PDF. En el cuadro de diálogo Guardar PDF, haga clic en “Seguridad” y en “Permisos”, puede ingresar una contraseña para evitar la impresión y edición

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#Get Bizarre

Como diseñador gráfico, su logotipo no es solo la pieza central de la identidad de su marca. También funciona como una especie de pieza de portafolio que le da al público su primer gusto de su trabajo de diseño.

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Escribe un resumen bastante creativo

No entrarías en ningún otro proyecto de diseño sin antes describir un resumen creativo con tu cliente para averiguar qué quieren y qué tipo de mensaje quieren transmitir.

El mismo principio se aplica a tumarca personal: debeS actuar como si fueras Tu propio cliente.

Debes descubrir: -quién es tu audiencia -qué quieres que sepan -cómo quieres que perciban tu marca

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Especifica qué variación de tu nombre quieres usar

Podrías usar tu nombre completo, pero si prefieres que te llamen con una versión más corta o un apodo, no hay nada malo en hacer que forme parte de su diseño.

Asegúrate de incluir tu nombre de alguna manera.

Clavar esa idea perfecta que forma la base de tu diseño es a menudo la parte más difícil de crear un logotipo. Las técnicas generales de lluvia de ideas, como la creación de un mood board pueden ayudar.

Trucos especialmente útiles cuando se trata de logotipo:

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Mira lo que otros diseñadores están haciendo

Inspírate directamente de tu nombre

Dale ese toque artesanal

Pregunta a los demás qué piensan de ti

En caso de duda, haz que se parezca a ti

enfocate en lo que haces

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cómo crear tu

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Encuentra inspiración

logo

Elegir su propio nombre es una experiencia enriquecedora y le permite controlar el nivel de inversión personal que tiene en la identidad de su marca.

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refina tu concepto

Las reglas de diseño no se salen de la ventana solo porque no tienes que preocuparte de que otra persona rechace tu trabajo.

Recuerda estos básicos: -Considera tu público objetivo -Mantenlo relativamente simple -Centrate en solo una o dos ideas específicas

-Manten el equilibrio adecuado -Establece tendencias en lugar de seguirlas -Usa el espacio negativo para tu ventaja

personal

No tengas miedo de hacerlo tan raro como tú

Seleccione su marca de color

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Cada marca, no importa cuán grande o pequeña sea, puede beneficiarse de la marca de color sólido.

Tendrás que averiguar qué color le queda mejor, lo cual es fácil si eres una de esas personas cuyo vestuario, decoración del hogar y automóvil son todos de un color característico.

Pero para el resto de nosotros que no somos Power Rangers, puede ser un poco más difícil encontrar lo que nos funciona.

Ten en cuenta que, por motivos de impresión, querrás elegir un color Pantone y así podrás garantizar la consistencia del color en tu logo a la hora de impresión.

Evalua el Final

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Intena evaluar tu logotipo objetivamente; no importa cuánto te guste un diseño si no funciona con tu marca.

Refiérete a tu resumen creativo y hazte responsable de los objetivos que estableciste para el proyecto. NUNCA está de más pedirle a un amigo de confianza algunos comentarios antes de finalizar tu diseño.

Alejarse y tomarse un tiempo para relajarte

Regresa y ve con una nueva perspectiva

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Asegura que los objetivos en tu resumen creativo se hayan cumplido

Haz algunas ediciones si son necesarias

Finaliza tu DISEÑO

#Get Bizarre

LO que todo diseñador tiene que ver.

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películas en Netflix

¿ ?

INDESIGN PHOTOSHOP ILLUSTRATOR Una pequeña lista de usos para bloggers o diseñadores

Basado en texto Carteles y volantes Ebooks y libros

Formularios Folletos Revistas

Basado en pixeles Mockups Imágenes en 3D

Basado en vectores Logotipos Ilustraciones

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Tarjetas de presentación Documentos de varias páginas

Motion Filtros para fotos Edición de fotos

Mapas Infografías Patrones

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Manipulación de fotos Anuncios publicitarios para web

Iconos web Manipulación de textos

Mantener los archivos organizados como un diseñador ten una carpeta de trabajo separada work

crea carpetas de cada uno de tus clientes

acme hollywood

crea carpetas de cada proyecto que hagas

oscar brochure client input

lo que tu cliente te manda

business

cotizaciones, horarios, propuestas, etc.

assets

Imágenes, íconos y elementos de diseño

design

El diseño, nada más

brochure_01.ai brochure_02.ai brochure_03.ai

guarde cada cambio como un archivo separado. agregue números al final Las cosas finales que su cliente necesita. archivos para imprimir listos, sitios web, etc. #Get Bizarre

Usa una tipografía clara y legible para guiar al lector La jerarquía tipográfica se utiliza para guiar la mirada del lector a través del texto en el orden más natural.

Ayuda a hacer que los largos bloques de texto sean más legibles e incluso puede permitir al lector omitir la información y aún así obtener los puntos principales que desea transmitir.

3 tipos de niveles jerarquicos tipográficos Primer nivel: Son los titulares, es lo que llama la atención del espectador.

Segundo nivel: Es información no tan relevante pero importante.

Tercer nivel: Texto principal del diseño y más pequeño en el diseño en general. El diseño pretende ser informativo, no solo bonito.

Contraste, Contraste, Contraste Cuanto más contraste, por lo general, mejor impacto de diseño. Descubre la maravilla del contraste. Con una ilustración o una foto ocupada, lo más probable es que haya una buena porción de espacio en blanco.

El contraste entre los diferentes niveles de su jerarquía tipográfica debe ser muy claro (color, tamaño, combinaciones tipograficas y estilo de character).

Contraste de peso Contraste de color Contraste de tipo Contraste de cuerpo/tamaño Contraste de peso visual

d

c jA z

h

xf e

je rar quía Tamaño, peso, colocación y espaciado A la hora de crear un diseño lo primero que debemos planificar y tener claro es nuestro objetivo, definir cuáles son nuestras metas y lo qué queremos comunicar.

Por ejemplo si queremos crear un cartel sobre un evento debemos decidir qué es más importante en ese evento: ¿la fecha? ¿el nombre del evento? ¿ los organizadores?... una vez tengamos esto claro es cuando debemos pasar a diseñar.

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Entretenimie nto

CUANDO EL ARTE, LA MÚSICA Y EL DISEÑO SE UNEN

LAS MEJORES PORTADAS DE ÁLBUMES QUE NOS DEJÓ EL

2019

Porque el envoltorio también cuenta. Esta es nuestra selección de las carátulas más estéticas, originales y bonitas de álbumes de artistas como Amaia, Leiva, Bon Iver o Harry Styles. por Lara Úbeda Rodríguez

‘Magdalene’ - FKA Twigs Magdalene no solo es uno de los mejores discos del año por su contenido, sino también por el arte que decora el formato físico (CD y vinilo). En la portada del último álbum de FKA Twigs podemos ver un retrato de la artista que mezcla la estética clásica (al simular la textura de un cuadro al óleo) con lo surrealista de la propia imagen. Si el título del trabajo evoca la figura de María Magdalena, el detalle del cabello trenzado es una referencia clara a Medusa. Tanto esta como las ilustraciones interiores son obra del artista Matthew Stone.

i,i - Bon Iver El último de Bon Iver no podía estar ausente en la selección de portadas de discos más artísticas del año. El diseño del formato físico corre a cargo de Eric Timothy Carlson. Tanto la portada como las imágenes interiores, así como los visuales que ilustran cada canción, recurren a la estética del collage (que ensambla fotografías artísticas con otras tomadas durante la propia grabación y donde también incorpora símbolos que ya estaban presentes en su anterior trabajo) para componer creaciones abstractas, evocativas y únicas.

‘Carolina durante’ - Carolina Durante Para la portada del álbum de Carolina Durante, el equipo creativo de la banda apuesta por una fotografía que muestra una especia de escultura que hace al mismo tiempo de bodegón moderno. Los objetos que la componen son fácilmente asociables al vicio, la cotidianidad, el placer, la jovialidad, o el juego, términos que también podemos vincular a la razón de ser de la música del propio grupo, que busca siempre el golpe de efecto más que el significado profundo. La espontaneidad antes que la estética y la diversión antes que la trascendencia.

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#Get Bizarre

Entretenimie nto

‘Harry Styles’ - Fine Line La carátula de Fine Line es la primera vez que Harry Styles utiliza la totalidad de su imagen para ilustrar su proyecto. En las instantáneas que ilustran el proyecto, obra del inconfundible Tim Walker, el cantante y compositor se muestra en su característica faceta seductora y de ambigüedad sexual. Con un toque psicodélico y divertido, el arte que envuelve Fine Line refleja la frescura y el buen gusto de la música que envuelve.

‘Otras Alas’ - Natalia Lacunza La portada del EP de Natalia Lacunza, Otras Alas, recurre a un curioso retrato de la artista que escapa de la tradicional “foto bonita” de autor/a.

Llaman la atención la acertada paleta de colores y el original sombrero de pescador, que junto a la divertida expresión de la extriunfita consiguen crear una imagen original, divertida y acorde con la estética a la que tan acostumbrada está la generación de público al que se dirige.

‘Charli’ - Charli XCX Charli XCX se muestra en la portada de Charli como una mártir futurista del pop. Completamente desnuda, solo cubren su cuerpo unas cintas creadas por ordenador que aportan plasticidad a la imagen. En el interior del disco podemos encontrar fotografías de su autora junto a los/as múltiples colaboradores/as siguiendo la misma estética que la carátula.

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Entretenimie nto

documentales de arte y diseño que debes ver en Netflix Si tu intención es conocer más sobre arte y diseño, aquí te presentamos 10 documentales que están dentro del catálogo de Netflix. por Eduardo Carrasco

3.

Ai Weiwei: never sorry (2012)

¿QUÉ VER?

La directora Alinson Klayman hace un recorrido por la vida de Ai Weiwei. Sus obras y su activismo político en contra del gobierno de su país son revisadas con detenimiento para contarnos los fascinantes acontecimientos que ha tenido que pasar este artista chino.

Si has agotado todas tus series de Netflix y no sabes que ver; te presentamos un listado con los mejores documentales sobre arte y diseño.

Prepara tu mejor snack y disfruta de una maratón televisivo en donde podrás adentrarte en el mundo de los artistas contemporáneos.

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Exit Through the Gift Shop (2010)

1.

Abstract: The Art of Desgin (2017) Una revisión al diseño contemporáneo es lo que capítulo con capítulo descubren los espectadores de esta gran serie. Personajes como Cristoph Niemman, Paula Scher y Ralph Gilles cuentan los retos que tuvieron que sortear para crear diseños reconocidos en todo el mundo. Actualmente existen dos temporadas.

Este documental narra la historia de un individuo que se dedica filmar todo lo que ve. Todo bien hasta ahí, sin embargo, la trama de esta obra fílmica cambia cuando en una de sus aventuras nocturnas, nuestro protagonista conoce al artista urbano Bansky, quien lo adopta como uno de sus aprendices.

Largometraje hilarante que nos muestra la realidad del arte contemporáneo.

5.

Falsificación o Fortuna (2011)

2.

El arte tiene un conjunto de situaciones que lo vuelven un mundo complejo. La falsificación es un ejemplo de esto, ya que día con día crece este tipo de prácticas en el mercado artístico.

Este contexto lo retoman los especialistas Fiona Bruce y Phillip Mould para mostrar casos inimaginables. Lo asombroso de esta serie documental es como los investigadores utilizan la tecnología para determinar la autenticidad de las obras de arte que revisan.

Have you seen the Listers (2017) Producción australiana que retrata la multifacética vida del artista urbano Anthony Lister, quien es considerado un provocador nato del canon artístico y de la sociedad de su tiempo.

El filme muestra los primeros años de este pintor, hasta su consolidación como un referente del arte actual.

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Entretenimie nto

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Struggle: The Life and Lost Art of Szukalski (2018) Con poco reconocimiento, Stanislav Szukalski dedicó toda su vida a la creación obras excepcionales. En este largometraje se documenta la vida y obra de un artista magnífico que vivió durante gran parte del siglo XX, en un Polonia convulsa por los conflicto bélicos que azotaron a Europa. Cabe mencionar que en esta producción de Netflix estuvo involucrado el actor Leonardo Di Caprio, quien creyó necesario contar la historia de este escultor polaco para sacarlo del olvido.

7.

I Am Sun Mu (2015))

Sun Mu es un artista que se ha dedicado a criticar, con sus pinturas, los problemas políticos y sociales que se viven en Corea del Norte. Las consecuencias de su activismo lo han llevado a sufrir la persecución y la censura de su obra. En este documental se muestra lo sucedido en la exposición masiva que montó en Beijing, la cual fue clausurada por las autoridades del gobierno chino.

8.

Skin Wars (2014) Adéntrate en el mundo del body painting en esta serie televisiva que muestra a los mejores artistas competir para ser los mejores. Lo interesante de este programa son las ingeniosas creaciones que diseñan los artistas con tal de ganar el reconocimiento de los jueces.

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10.

Cai Guo-Qiang es una artista chino que a lo largo de toda su obra ha explorado las diferentes posibilidades que tiene el arte como forma de expresión humana. Sus búsquedas, lo han llevado a utilizar incluso la pirotecnia. En este filme se muestra la forma en que se montó su proyecto más ambicioso: Sky Ladder. El documental fue galardonado en 2016 en el Festival de Sundance.

En este documental se narra la vida de Crhris Burden, un ícono del arte performativo que durante los años setenta realizó distintos performance, en donde llevó su vida hasta los límites con tal de denunciar los problemas que aquejan a las sociedades contemporáneas. A

Escalera al cielo: El arte de Cai Guo-Qiang (2016)

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Burden (2016)

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EL COLOR Y SU MAGIA

LA PSICOLOGÍA DEL COLOR EN ELCINe CINE En ¿Cómo ejecutan su magia estos maestros del color? ¿Cómo consiguen películas como las dirigidas por Wes Anderson, con esos tonos pastel, introducirnos en una experiencia de suavidad vintage? ¿Cuáles son los trucos usados en las últimas producciones de David Fincher para transmitirnos esa pureza aristocrática?

POR ESTHER MIGUEL TRULA

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LA MAGIA DEL COLOR El cine, la producción y el círculo cromático Hay muchos elementos de una película que suelen quedar eclipsados por el papel de sus actores y directoresMuy importantes pueden ser en el triunfo de un producto audiovisual el maquillaje, los efectos especiales o los sonidistas. Pero hoy venimos a hablar sobre el papel de los coloristas, aquellos que se encargan de manipular los tonos que resultan en las imágenes finales de la producción de una película.

El diseño de producción y la colometría es un trabajo que consiste mucho más en crear atmósferas que en crear entornos bonitos, un arte que, desde la creciente evolución del medio digital, ha ido ganando cada vez más importancia,, y cuya complejidad técnica (así como sus posibilidades) ha crecido a pasos agigantados desde hace aproximadamente diez años.

Resumiendo: uno de esos detalles sutiles de los que a veces ni nos damos cuenta, pero que pueden ser la pieza clave que convierta un buen título en una obra verdaderamente sobresaliente.

Con ayuda del círculo cromático es posible establecer criterios para determinar los colores que aparecerán en pantalla. Conoce los cinco esquemas más usados:

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COMPLEMENTARIO

Es el esquema más empleado. Consiste en elegir los colores que se ven opuestos en el círculo cromático y que por lo tanto se complementan. Es un esquema que funciona de manera sencilla y que viene muy bien tanto para retratar acción externa como interna. Un ejemplo podría ser ser la suma de rojo y verde en la famosa película ‘Amelie’, de Jean-Pierre Jeunet.

ANALOGO Los colores análogos son los que se encuentran cerca dentro del círculo cromático. Con esta combinación se logra mayor armonía, siempre que la elección de colores se mantenga dentro del esquema de colores cálidos o colores fríos. También puede funcionar si se elige un color predominante, otro que lo acompañe y el blanco o negro que acentúe a los otros dos. Este esquema funciona para los exteriores. Un ejemplo es Spring Breakers de Benoît Debie (2012).

COMBINADO

EL COLOR DE UNA PELÍCULA PUEDE DARLE LA IDENTIDAD HASTA EL PUNTO DE SER RECONOCIDA POR ELLO”

Este esquema, en lugar de buscar un color complementario, busca dos. y mantiene el contraste de una forma más discreta. Un ejemplo de este esquema es Donde Viven los Monstruos de Spike Jonze (2009).

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TRIADICO Son tres colores que se encuentran espaciados de forma equitativa dentro del círculo cromático. Uno de ellos predomina sobre los otros dos, los cuales tienen como función resaltar al color principal. Es importante que no se vean saturados,por lo tanto es uno de los esquemas más difíciles de utilizar. Un ejemplo es Amarcord de Federico Fellini (1973).

TETRADICO Este esquema funciona con cuatro colores espaciados de forma equitativa y crea la sensación de armonía excesiva. Son dos pares de colores, de los cuales dos se acercan más entre sí que los otros, de tal manera que se dibuja un rectángulo en el círculo cromático. Un ejemplo es Irma la dulce de Billy Wilder (1963).

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Muchas son las disparidades en el simbolismo de los colores a lo largo y ancho del mundo, pero como hemos visto la amplitud de opciones y la preocupación por adulterar los sentimientos de los espectadores por parte de los coloristas de todas las culturas es, sin duda, un tema que deberíamos siempre tener en cuenta a la hora de analizar las películas”. A 54

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LOS EVENTOS de arte más esperados este

Clara Porset, Mario García Torres y Gallery Weekend CDMX serán algunas de las citas imprescindibles para el arte en 2020.

Por revista código

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Los eventos de arte más esperados para 2020 en México Con un nuevo año, una cantidad considerable de eventos relacio-

nados con el arte se llevan a cabo en territorio mexicano. Aunado al trabajo de los artistas, las instituciones en México plantean revisiones críticas sobre el trabajo de nombres clave para la historia del arte y el diseño del siglo XX, como Clara Porset en el Museo Jumex, o artistas activos en las últimas décadas, como Luis Felipe Ortega o Mario García Torres.

A continuación, presentamos una selección de las citas del arte imprescindibles durante 2020.

Lina Bo Bardi: Habitat GEGO

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Museo Jumex | Del 30 de enero al 10 de mayo .

Organizada por los curadores Julieta González, José Esparza Chong Cuy y Tomás Toledo —director del Museo de Arte de São Paulo—, en esta exposición se aborda el legado de Lina Bo Bardi: una destacada arquitecta, diseñadora, curadora, directora de museos, escritora, editora y escenógrafa.

Mediante una selección de dibujos, fotografías y mobiliario diseñado por Bo Bardi, Habitat presenta su trabajo como una práctica que modificó el canon de la arquitectura moderna en Brasil y la tarea educativa del museo al incorporar otros conocimientos adquiridos durante su acercamiento a la cultura popular.

Museo Jumex | Del 30 de abril al 30 de agosto Esta retrospectiva internacional de la obra de la artista Gego (Gertrud Goldschmidt) —organizada por Pablo León de la Barra, Julieta González y Tanya Barson— , traza una ruta histórica por su amplia producción artística, en la que exploró disciplinas como la arquitectura, el diseño, la escultura, el dibujo, el grabado, el textil, las instalaciones de sitio específico, las intervenciones espaciales, el arte público y la pedagogía. La exposición incluye obras de diversos medios de mediados de los años cincuenta hasta los noventa, abarcando todos los períodos en el desarrollo de la práctica de la artista.

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Habitat

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Ruidos Negros: Parasitage Museo de Arte Carrillo Gil | Del 1 de febrero al 3 de mayo.

Curada por Michel Blancsubé como parte de la Sexta edición del programa BBVA-MACG, Parasitage muestra el trabajo de poco más de 10 artistas, cuyas reflexiones en torno a la imagen y la cultura contemporánea se condensan en medios como la pintura, el dibujo y distintas disciplinas híbridas.

Acto De Dios

Laboratorio Arte Alameda | Del 4 de febrero al 17 de mayo Actos de dios fue el proyecto del artista Pablo Vargas Lugo y la curadora Magalí Arriola seleccionado por la Secretaría de Cultura, a través del INBAL, para representar a México en su pabellón nacional en la 58ª Muestra Internacional de Arte Bienal de Venecia. El Laboratorio Arte Alameda será la primera sede de la itinerancia de la muestra en México, la cual continuará por distintos espacios del país.

Clara Porset: Diseño y pensamiento Museo Jumex | Del 29 de febrero al 30 de mayo Con planos, fotografías, maquetas, objetos y mobiliario procedentes colecciones particulares en México y archivos de la UNAM, esta exposición —curada por Ana Elena Mallet— mostrará una faceta muy poco conocida de la diseñadora de origen cubano; donde la reflexión en torno al diseño y sus implicaciones culturales y sociales son de gran utilidad para comprender el desarrollo del diseño en Latinoamérica durante el siglo XX.

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El círculo que faltaba Museo Amparo | Del 28 de marzo al 27 de junio Curada por Magalí Arriola, la exposición muestra un repaso por la influencia de las políticas imperiales y de la explotación colonial en la historia de los países latinoamericanos.

A partir de los mitos históricos y las narrativas que permean los imaginarios de nacionalismo, en El círculo que faltaba se reúnen diversos tipos de imágenes y materiales documentales para comprender los miedos y deseos en diferentes momentos de la historia del continente.

Mario García Torres Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey | De marzo a agosto En esta, su primera exposición individual en Nuevo León, Mario García Torres presentará más de veinte obras y proyectos que abarcan una producción realizada en los últimos 18 años, en la que García Torres aborda el arte conceptual y la crítica institucional a través de diversos medios como películas, fotografías, proyección de diapositivas, sonido, texto y video.

Luis Felipe Ortega Museo Amparo | Del 22 de agosto al 22 de noviembre Curada por Daniel Montero, esta exposición ofrece una amplia revisión al trabajo de Luis Felipe Ortega, en el cual convergen referencias de distintas disciplinas —académicas y creativas— para tejer un mapa híbrido de relaciones culturales. A

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Artí cu lo s

TITS FROM THE PAST Conoce a Ornella Rondinella, la artista italiana que desafía la censura de Instagram con su proyecto “Tits From The Past”

La censura en cuanto a los pezones de las mujeres es una controversia creada por redes sociales como Instagram y Twitter que, francamente, no tiene espacio en el siglo XXI. De hecho, mostrar los senos de las mujeres (y si, incluyendo los pezones) es una práctica artística que se realiza desde hace siglos.

Eso es precisamente lo que quiere transmitir la artista Ornella Rondinella con su cuenta de Instagram, Tits from the Past, un sitio dedicado a resaltar las pinturas — y desnudos — de los pintores más famosos de la historia que se dedicaron, con fervor y diligencia, a pintar a mujeres en su máxima expresión de belleza y arte: desnudas y mostrando sus atributos.

La cuenta resalta el trabajo de artistas como William Merritt Chase (A Modern Magdalen, 1888); Otto H. Bacher (July, 1893); Sir Joshua Reynolds (Cupid Untying the Zone of Venus, 1788); Diego Rivera (Dancer Resting, 1939); y otros que resaltan la feminidad y la sensualidad de las mujeres a través del arte en el tiempo.

Uno de los más impactantes es Ghismunda (entre 1650 y 1659), de Bernardino Mei, que muestra la historia de Tancredo, el príncipe de Salerno, quien mató al amante de su hija y le mandó su corazón en una copa de oro. Su hija, destrozada de dolor, se envenene y se mata.

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No obstante, Rondinella no solamente resalta las obras europeas, también muestra arte asiático, como la obra del chino Chang Li (Hua Mulan, 2012) y del japones Katsushika Hokusai (In borst bijtende man, 1815), además del arte de América Latina, con la obra del mexicano Jorge González Camarena (Allegory of Mixed-Race Mexico, 1930).

A Modern Magdalen, William Merritt Chase, 1888

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¿QUIÉN ES ORNELLA RONDINELLA?

Con más de 222 publicaciones en casi tres años, no cabe duda que Ornella ha logrado alcanzar reconocimiento en un espacio virtual saturado de publicidad e imágenes vacías. Por esta razón, su perfil “Tits from the Past” tiene alrededor de 30 mil seguidores.

Pero ahora, ¿quién es Ornella Rondinella, y cuáles son sus razones para difundir estos fragmentos artísticos? Conseguir información sobre Ornella en Internet es complicado, ya que es una persona que da prioridad a su privacidad.

Sin embargo, descubrimos que es una diseñadora gráfica italiana radicada en Milan, Lombardia, que trabaja para la agencia artística y de diseño Circular Agency, donde es directora creativa.

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Además, estudió artes plásticos en la Arts University Bournemouth, una universidad ubicada en Poole, Dorset, Reino Unido, que se dedica al desarrollo de talentos artísticos.

Aparte de su trabajo de directora creativa, participó también en varias exhibiciones artísticas de diseño cuando era estudiante universitaria en Inglaterra, y su arte fue expuesto en la galería Boutique Graphic Design Studios.

Luego de conocer más sobre ella, su proyecto Tits From The Past, al igual que FreeTheNipple, nos muestra que la visión décimonónica de la censura puritana en el siglo XXI es tan absurda como lo fue en la época de las pinturas originales que destaca en su Instagram.

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S A I C N O E Ñ D E N S I E T EL D 2020 O N C E I F Á R G fico á r og ñ e s n di 2020 ntes e s cia o año iguie n e nd óxim tus s e t r s e la te el p arlo en r b so uran utiliz o d o e t erse d uedes c o Con van a v ómo p s o que rende c reativ c y ap ectos at ny e proy s n

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Artí cu lo s

En este artículos dividido por secciones encontrarás cada una de las tendencias en el diseño gráfico en este 2020, y te brindaremos los mejores ejemplos para que conozcas dónde y cómo exactamente puedes aplicarlas.

CROMADOS, RETRO, LOOK 80’S, COLOR NEON Nostalgia & miami nights. Lo retro está de vuel-

ta. El uso de tipografías con un toque retro y los colores neones van a coger fuerza durante el próximo año 2020.

Ya son bastantes los estudios de diseño gráfico e incluso diseño web, donde podemos apreciar este tipo de look tan retro. El uso de cromados también dará un toque muy cool y fresco a cualquier trabajo de diseño gráfico este 2020.

Dónde lo vamos a encontrar

Esta tendencia va a predominar sobre todo en el diseño web y en diseño de carteles, aunque lo podremos encontrar o aplicar en gráficas corporativas para proyectos que lo requieran.

Diseño web Carteles Imagen corporativa Landing pages Packaging Tarjetas de visita Cómo aplicar esta tendencia

Presta especial atención a la tipografía que escojas, ya que puede darle o quitarle toda la gracia a tu diseño Juega con los distintos tipos de gamas cromáticas y combinaciones de colores En impresión, haz uso de los distintos tipos de color, prestando especial atención a los metalizados a modo de cromado y los colores neon.

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TEXTURAS CONTRASTADAS EN IMPRESIÓN

El uso de diferentes tipos de texturas en impresión va a ser otra de las tendencias aplicadas que observaremos en el diseño gráfico durante este año 2020.

Normalmente en el momento de diseñar un branding completo, lo más habitual siempre ha sido escoger un tipo de papel y en base a ese tipo de papel imprimir todos los materiales corporativos necesarios. De esta forma, se consigue una cohesión entre todas y cada una de las piezas diseñadas.

Sin embargo, ya son bastantes, los estudios de diseño gráfico que están apostando por utilizar distintos tipos de texturas entre los materiales impresos. Algo que puede parecer arriesgado (y de hecho lo es), ya que hacerlo de forma correcta requiere maestría.

Dónde lo vamos a encontrar

Lo vamos a encontrar sobre todo en trabajos de identidad corporativa integral: Tarjetas de visita Etiquetas Packaging Sobres Bolsas Documentos corporativos Cómo aplicar esta tendencia

Crea un recurso gráfico que sirva como punto de unión entre las distintas piezas diseñadas Ándate con ojo de no sobre cargar el diseño de demasiadas texturas. La línea entre lo elegante y el mal gusto es muy fina.

Haz renders semirealistas del resultado antes de empezar la producción con imprenta o invierte dinero en hacer una prueba de impresión previa a la tirada final Utiliza cromados, metalizados, y diversos papeles texturizados

Papeles con relieves, texturizados, metalizados, todo se vale aquí .

La única regla es la de crear un conjunto armónico”.

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Artí cu lo s

OBJETOS 3D Y COLORES GLOSSY Ya hace tiempo que los artistas 3D están ofreciendo un gran aporte al diseño gráfico. El uso de los objetos en 3 dimensiones y los colores glossy van a ser una de las claras tendencias en diseño gráfico para 2020.

Explosiones de color y modelado 3D. Si quieres hacer gráficas que destaquen y lo peten, ésta es la receta.

Esta tendencia en diseño, va a tomar especial protagonismo sobre todo en plataformas digitales, puesto que nos ofrece la posibilidad de dar vida a todas estas creaciones 3D. Si estás interesado en crear websites de última generación, te recomiendo que experimentes con la librería Three.js. Puesto que ofrece la posibilidad de integrar modelos 3D en el navegador y crear experiencias interactivas con ellas.

El resultado que se obtiene es súper vistoso y realmente despierta la parte más curiosa de las personas, siendo adictivo visualmente.

Dónde lo vamos a encontrar

Vamos a encontrar esta tendencia en diseño gráfico para 2020 en: Medios digitales como websites Vídeos publicitarios Carteles Cómo aplicar esta tendencia

Utiliza colores glossy Juega con las texturas, desde texturas de tipo plástico, goma, ropa, hasta metalizados, etc. El límite lo pone tu imaginación Añade un extra al diseño, creando animaciones a tus objetos 3D En websites, utiliza Three.js para integrar los modelos y crear una experiencia interactiva de lo más vistosa

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FONDOS BASADOS EN TEXTURAS SEMIREALISTAS

El uso de fondos basados en texturas semirealistas como pinturas mezcladas va a ser otra de las tendencias que van a venir fuerte en el diseño gráfico para 2020.

Ya sea en un website como en una identidad corporativa integral o en unas tarjetas de visita, utilizando distintos colores y jugando con el movimiento capturado vamos a conseguir un resultado muy vistoso.

En websites o vídeos, podremos jugar con la textura y darle movimiento siempre que vaya acorde con la línea gráfica del proyecto.

Cómo aplicar esta tendencia

Dónde lo vamos a encontrar

Utiliza colores, contrastes y texturas Apóyalo de una buena elección tipográfica Puedes jugar con las mascaras para aplicar estas texturas en tipografías con cuerpo En websites juega con las animaciones, utilizando librerías como Pixi.js para crear una experiencia interactiva llamativa

Vamos a encontrar esta tendencia en diseño gráfico para 2020 en: Identidades corporativas integrales Tarjetas de visita Catálogos Websites Carteles y vídeos publicitarios

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GRUNGE & GLITCH

Las reglas están para ser rotas El uso de grunge y glitch será una tendencia en diseño gráfico que vamos a ver durante 2020. Si bien no se utilizará en muchos proyectos, puesto que es un tipo de recurso muy particular, sí que será una de las tendencias que podremos aplicar en proyectos que lo requieran.

Distorsiones, colores subidos de saturación, tipografías rotas, las reglas están para ser rotas cuando hablamos de grunge y glitch.

Prestad especial atención a esta tendencia si queréis crear un diseño web de actualidad.

Dónde lo vamos a encontrar

Vamos a encontrar esta tendencia en diseño gráfico para 2020 en: Websites Landingpages Carteles Identidades corporativas Tarjetas Catálogos Cómo aplicar esta tendencia

Utiliza librerías vircomo Pixi.js para los websites y landingpages, ya que puedes conseguir experiencias muy rompedoras Deja volar tu imaginación, no hay muchos límites más allá del buen gusto y la estética Utiliza esta tendencia en proyectos muy concretos que lo requieran

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ILUSTRACIÓN HANDMADE Y VECTORIAL El uso de ilustraciones creadas tanto a mano alzada como en formato vectorial va utilizarse en trabajos de diseño gráfico durante todo 2020.

De hecho, esta es una de las tendencias en diseño que nunca pasa de moda.

Si tienes dotes en ilustración, aprovéchalas al máximo y aplícalo a tus trabajos de diseño gráfico y así huir del típico recurso fácil como puede ser el uso de fotografías.

Dónde lo vamos a encontrar

Esta es una de las tendencias en diseño que vamos a encontrar en: Packagings Carteles Websites Cómo aplicar esta tendencia

Combina elementos de ilustración a mano alzada con trabajos de diseño de forma que ofrezca un plus a la comunicación del trabajo Si no tienes skill en ilustración a mano alzada, puedes hacer uso de formas vectoriales para crear tus ilustraciones Recuerda que si trabajas ilustrando a mano alzada, deberás pasar el trabajo a vectores para obtener una buena escalabilidad de la ilustración y así poder aplicarlo a formatos grandes En caso de no querer pasar la ilustración a vectorial para que no pierda el toque natural, trabaja con tamaños grandes y utiliza un buen método de importación de la ilustración en formato físico a digital

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FORMAS GEOMÉTRICAS

Desde cuadrados, circunferencias y triángulos, hasta todo tipo de polígonos y tipografías poligonales. El uso de este recurso será tendencia en diseño para 2020.

En combinación con una elección cromática potente, vamos a conseguir trabajos de diseño gráfico de vanguardia.

Además podemos aplicar aquí otras tendencias de las que ya hemos hablado en este artículo, como el uso de efectos cromados, efecto glitch, look retro, etc.

Este es un recurso muy fácil de utilizar pero difícil de dominar; la ley de Bushnell en su máximo esplendor: «easy to learn hard to master».

Dónde lo vamos a encontrar

Cómo aplicar esta tendencia

Vamos a encontrar esta tendencia en diseño gráfico para 2020 en: Carteles Websites Catálogos Identidades corporativas Tarjetas de visita Sobres Documentos corporativos Carpetas

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Juega con la estética, creando conjuntos visuales llamativos y destacados Presta especial atención a los colores Utilízalo en conjunto con otras tendencias de las que ya hemos hablado, tales como cromados, colores neón, glossy, etc Puedes jugar con los degradados para dar cierto volumen a tus polígonos No te limites únicamente con el 2D, puedes usar elementos 3D dentro de la misma gráfica. A

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Encuentros

Andrea Ramirez es una estudiante en diseño de modas y emprendedora joven, fundoadora de la marca Hecho por Andrea que tuvo un hit gracias a que subió un tweet enseñando los zapatos que ella había pintado a mano, muchas personas al rededor del mundo la emepzaron a contactar y así fue cómo empezó a surgir con nuevos diseños únicos.

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La diseĂąadora que crea haute couture vanguardista con piezas deportivas.

Pa0lina Rusoo

Un sello de Paolina en sus diseños es su reinterpretación de las piezas deportivas, debido a su pasado como jugadora de fútbol en su natal Canadá.

A pesar de que ya no juega más allá de sus tiempos libres, el deporte es una pieza importante en sus diseños y en su estética en general, no solo de su trabajo sino de su vida, así lo dejó saber en una entrevista para Ssense.

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“La ropa que yo hago no es fácil de vestir, es muy brillante y colorida, muchos de los atuendos son atrevidos y me encanta cuando una persona quiere serlo”.

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Para Russo ella siempre ha sido su prioridad en la vida y es necesario que su trabajo lo refleje, no se trata de que el trabajo no sea importante, pero de otra forma el trabajo no podrĂ­a ver luz.

Variedad

Foto por Mj.designn

RIP Avelina

Gon ma o l Pa por

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AVELINA LÉSPER ROMPIÓ LA OBRA DE UN RECONOCIDO ARTISTA EN ZONA MACO

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Algunos asistentes a la feria aseguran que fue intencional y que incluso intentó huir después de hacerlo. Miles de fanáticos del arte, curiosos y coleccionistas llegaron al Centro Banamex para una edición más de Zona Maco, una de las ferias de arte más importantes de México, en la que se presentan galerías de todas partes del mundo, desde Nueva York hasta Guatemala y Europa.

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#Get Bizarre

Variedad

Este año, Zona Maco presentó en un espacio más grande, a comparación de las ediciones anteriores, obras de arte de artistas reconocidos, nuevos talentos y piezas de diseño. Lo que nadie se esperaba es que una de esas piezas desaparecería por completo. .

cortesía de galería OMR

El tercer día de la feria, la crítica de arte (autoproclamada) Avelina Lésper rompió una de las obras de la galería OMR que pertenecía al artista mexicano Gabriel Rico, quien fue uno de los artistas principales en la Bienal de Venecia.

La galería OMR publicó en su cuenta de Instagram que Lésper había roto la pieza accidentalmente al colocar una lata de refresco sobre ella.

Otros asistentes aseguran que fue una acción intencional y que ella incluso intentó huir después de haberlo hecho, pero, el muralista Pavel Éguez, quien acompañó a Lésper al evento, asegura que ella no tocó la escultura. “Avelina no la tocó, un vidrio demasiado delgado y su débil estructura ocasionaron el accidente”, dijo el artista.

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FOTO Por eRGUÉZ SÁNCHEZ

La obra de Gabriel Rico tiene, o más bien tenía, un valor de 20 mil dólares.

De acuerdo con los reportes, en un principio se pensaba que podría ser un caso de performance art, pero, al ver a la crítica escoltada por los guardias de seguridad, quedó claro que ese no era el caso.

La pieza se llama “Nimbre and sinister Tricks (To be preserved with put scandal and corruption)”, hecha con vidrio, latón y otros objetos y otro galerista comentó que Lésper estuvo haciendo comentarios negativos antes de destruirla. Todavía no se sabe qué va a pasar ahora y si Lésper va a tener que pagar la obra de Rico, pero el mundo del arte está furioso e indignado por su comportamiento, haya sido o no un accidente.

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Alfonso Miranda, director del Museo Soumaya, escribiรณ en su cuenta de Twittter:

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Llegó el momento. Participaron decenas de profesionales y piezas espectaculares. El jurado se ha tomado el tiempo adecuado para poder valorarlos adecuadamente. Y aquí está el resultado. Os dejamos una palabras de cada uno de los jueces y la pieza en cuestión.

Ganadores #OFNawards– La Supremacía de los bizarro por Andrés Sanchis Giner

Variedad

ES UN BLOG SOBRE EL MUNDO DEL DISEÑO, SOBRE TODO GRÁFICO, PERO TAMBIÉN AUDIOVISUAL, AMANTE DE LA ILUSTRACIÓN, DE LAS BUENAS TIPOGRAFÍAS, Y UN POCO, DE PRODUCTO.

Ya están aquí. ¡Aquí tenéis los resultados de los #OFNawards! Pasen y vean. Descubran a los que se han hecho con el galardón más codiciado.

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OFNaward al DISEÑO más fresco: TIA FINA DE VIBRA · El proyecto a destacar en la sección del diseño más fresco es La Tía Fina, de Vibra, por la relación entre el concepto y la técnica de ejecución de las etiquetas del envase, utilizando la materia prima del producto para crear un sello identificativo de cada producto. Así mismo la limpieza en la composición tipográfica de la etiqueta convive perfectamente con la textura y el tono cálido de la imagen representativa del ingrediente principal.”

FICHA TÉCNICA: – Diseño de packaging: La Tía Fina (2015) – Empresa: VIBRA Branding & Packaging – Cliente: La Tía Fina – Equipo: Juanma Aznar & Carles Andreu – Descripción: Diseñamos el packaging de la gama de productos La Tía Fina, una marca de mermeladas artesanas, un producto que localiza su pequeña producción en la población de Sot de Ferrer (Castellón). Destaca por su carácter familiar y por la utilización de productos de cercanía y de calidad, productos de la comarca de Alto Palencia. El diseño del packaging intenta reflejar la dedicación y entusiasmo por hacer las cosas artesanalmente, para ello utilizando las materias primas para trasladar estos valores.

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Variedad

OFNaward a la ILUSTRACION más brutal: STICKERS DE DIETER RAMS DE TRAMONTANA “Mi villancico preferido es ese que dice lo de “todos le llevan al niño / y ellos le llevan también / bajo su capa de armiño / buen vinillo de Jerez”. Es mi favorito porque está mal: nadie llevó vino de Jerez al niño Jesús.

Pero está bien porque uno de los modos de expresar cariño es desear la cercanía.

Y eso, precisamente, es lo que me ha gustado de la pieza ganadora. La gente de Tramontana es muy fan de un señor que se llama Dieter Rams, que según Wikipedia es “un diseñador industrial alemán, cercanamente asociado a la compañía de productos de consumo Braun”. Le admiran, le adoran, y parece ser que se lo encontraron en la Costa Brava, quemado y empapado en sangría cual guiri nórdico.

Verle de cerca y más mediterráneo que nunca, les hizo admirarle aún más. Y lo convirtieron en un pack de stickers para Telegram. Dieter Rams en chanclas y calcetines, lanzando un beso, diciendo Hey!, haciendo el facepalm.

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FICHA TÉCNICA: – Diseño: Stickers para Telegram de Dieter Rams – Empresa: Tramontana – Cliente: Autopromoción – Equipo: Javier Cañada & Gabby Vila – Año: 2017 – Descripción: Querido Dieter Rams, Hemos querido mediante estos stickers rendirle homenaje y hacer que el compromiso apolíneo (suyo, nuestro) se conjugue con los placeres dionisiacos del corazón. Y, ¿por qué no?, con una jarra de sangría y un poco de espíritu mediterráneo.

Con nuestro más sincero cariño, Tramontana.

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El OFNaward a la CAMPAÑA más bizarra: COLADA ROSA DE YERNO “Después de muchas horas, muchos plays, replays y quebraderos de cabeza, he de decantarme por el OFN ganador de la categoría de Campaña más bizarra. Antes que nada, y aunque suena a topicazo, decir que he disfrutado con cada una de las piezas.

Además de buena publicidad, he visto ganas de pasárselo bien; y eso es fundamental para poder levantarnos cada mañana.

He visto piezas bien paridas, con un buen concepto de fondo y todas con ese toque bizarro que tanto me gusta. Pero, finalmente, hay que decantarse por una, y aquí va mi resolución: Sin desmerecer el pedazo trabajo del resto de agencias finalistas, el OFNaward para la campaña más Bizarra es para la Agencia YERNO y su Colada Rosa. Porque fue la que más bizarrismo me despertó desde el primer momento que la vi. Porque es una de esas ideas que muchas veces no salen por miedo al qué dirán, pero aquí se ha apostado por las ganas de dar la nota y positivizar lo que suele ser un problema.

Porque he visto creatividad, humor, un toque canalla y algo de locura, tan necesaria en estos días de briefings tan oscuros. ¡Enhorabuena!”.

FICHA TÉCNICA: – Diseño de packaging: Campaña Colada Rosa – Empresa: Yerno – Cliente: Romacho – Equipo: Juanma Aznar & Carles Andreu – Año: 2015 – Descripción: A todos alguna vez se nos ha colado un calcetín rojo, el tanga de nochevieja o hasta el pañuelo de los San Fermines en una lavadora ‘de blanco’. Una metedura de pata tan catastrófica como habitual, que acaba siempre de la misma manera: con una colada rosa.

Romacho decidió darle la vuelta a tan sonrojante error y juntar, a propósito, blanco y rojo en un mismo lavado, con un objetivo solidario: llenar de rosa las calles del municipio para apoyar la lucha contra el Cáncer de Mama.

Así, estos especialistas en electrodomésticos le dieron un uso insólito a una de sus lavadoras, pintada de rosa para la ocasión, con motivo del Día Mundial contra esta enfermedad, destiñendo la ropa de sus clientes para tornarla al rosa, y de esta manera ayudar a la la AECC de la localidad granadina en su campaña de concienciación y recaudación de fondos, mediante donativos y el sorteo de la propia lavadora.

Camisetas, blusas o pañuelos, el único requisito era que fuesen blancos. Una vez en el tambor de la lavadora solo había que mezclarlos con ‘amor’, o lo que es lo mismo, con un simbólico corazón rojo, para que destiñera bien. Porque si de algo necesita esta enfermedad, es de mucho corazón.

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Vari edad

El OFNaward a la ANIMACION más cañera: FEARDOM DE PANGUR ANIMATION “Ha sido una tarea muy difícil decidir al ganador en la categoría de animación ya que los participantes enviaron piezas en muchas y diferentes técnicas y finalidades pero que tenían en común la gran excelencia en el resultado de su trabajo. Después de darle muchas vueltas y ver las piezas en varias ocasiones, he optado a premiar el trabajo de Pangur Animation con su corto Feardom. Una pieza de stopmotion cuidada al detalle. Heredera del movimiento de stopmotion valenciano y representando a una nueva ola de profesionales de la animación como son los propios chicos de Pangur. Técnica, animación, modelaje con detalle en cada plano. Un uso del guion, de un story y narración impecable que resuelve la historia con un giro narrativo divertido y directo. ¡Enhorabuena a todo el equipo por el merecido OFNaward!”

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FICHA TÉCNICA: – Diseño: Feardom – Empresa: Pangur Animation – Cliente: Autopromoción – Equipo: ·Ana Esteve: Model making, Animación, Espiritu protector del Hogar · Vicente Mallols: Model making, Animación, Story Board, Post-producción, Sabio · Iván Madolell: Model making, Animación, Diseño de personajes, Post-producción, Soltero de Oro · Pablo Muñoz: Guión, Dirección de Fotografía, Foto fija, Dirección, Chef ·Arturo Olmeda: Sonido y Música, Ermitaño – Año: 2016 – Descripción: Feardom es el proyecto de presentación de Pangur Animation,un estudio creado por cuatro profesionales Valencianos de animación stop-motion. Un trabajo absolutamente independiente, que se ha realizado contando únicamente con los (escasos) recursos y el (inmenso) talento de los miembros del equipo y que cuenta la historia de un simpatico pajarillo azul atrapado en su zona de confort. Un trabajo que se ha paseado por 50 festivales alrededor del mundo y que ha supuesto el pistoletazo de salida para la carrera de un estudio que, al contrario que el protagonista de este corto, no tiene miedo de echar a volar.

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BIZARRE BIZARRE

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#Get Bizarre

PRESENTAMOS EL PANTONE “COLOR OF THE YEAR 2020” PANTONE 19-4052 Classic Blue por Pantone Color Institute

Foto por Mj.designn

El PANTONE 19-4052 Classic Blue es un tono azul atemporal

El proceso de selección del Color del Año conlleva un profundo estudio y análisis de tendencias. Para llegar a la selección final de cada año, los expertos del color de Pantone del Pantone Color Institute analizan a fondo el mercado en busca de nuevas influencias. Entre estas se incluye la industria del entretenimiento, películas en fase de rodaje, colecciones itinerantes de arte, nuevos artistas, moda, todas las áreas del diseño, destinos turísticos populares y nuevos estilos de vida, tendencias de juego y diversión y condiciones socioeconómicas. Asimismo, estas influencias pueden proceder de las nuevas tecnologías, materiales, texturas y efectos que afectan al color, de relevantes plataformas de redes sociales e incluso de eventos deportivos de proyección global.

Photo by Guzmán Barquín on Unsplash

e imperecedero que destaca por su elegancia y simplicidad.

Este tono azul infunde calma, confianza y conexión; las cualidades reconfortantes del sugerente PANTONE 19-4052 Classic Blue resaltan nuestro deseo de consolidar unos cimientos fiables y estables sobre los que edificar nuestro camino hacia el umbral de una nueva era.

Grabado en nuestras mentes como un color apacible, el PANTONE 19-4052 Classic Blue aporta una sensación de paz y de tranquilidad al espíritu humano y ofrece refugio. El PANTONE 19-4052 Classic Blue facilita la concentración y aporta una claridad que nos ayuda a enfocar de nuevo nuestros pensamientos. El Classic Blue es un tono azul reflexivo que fomenta la resiliencia.

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#Get Bizarre

Vari edad

Más de 10 millones de diseñadores y productores de todo el mundo confían en los productos y servicios de Pantone para definir, comunicar y controlar el color, desde la inspiración hasta la plasmación, aprovechando la avanzada tecnología X-Rite para lograr la coherencia del color en diferentes materiales y acabados para gráficos, moda y diseño de productos. Los Estándares Pantone incluyen herramientas de flujo de trabajo y de especificación de color físicas y digitales.

Hemos creado cinco paletas de color exclusivas que incorporan el PANTONE 19-4052 Classic Blue para que sus diseños incorporen el tono especial de este año. Cada paleta traslada un estado de ánimo distinto, ilustrando la versatilidad del Classic Blue, y está apoyada por tres combinaciones de color sugeridas. Visita nuestra página en Instagram @bizarre.mx para conocer estas paletas de PANTONE.

“VIVIMOS EN UNA ÉPOCA QUE EXIGE CONFIANZA Y FE. ESTA CLASE DE CONSTANCIA Y CONFIANZA ES LA QUE EXPRESA EL PANTONE 19-4052 CLASSIC BLUE”.

Photo by Charles DeLoye on Unsplash

En una época en que la tecnología sigue por delante de la capacidad humana de procesarlo todo, resulta fácil entender por qué gravitamos hacia colores que desprenden honestidad y ofrecen la promesa de protección. Como color fiable, no agresivo y fácilmente reconocible, el PANTONE 19-4052 Classic Blue se presta a una interacción relajada. Asociado al retorno de otro día, abrazamos este favorito universal de una manera confortable.

Abril - Junio

Durante más de 20 años, el Color del Año de Pantone ha influido en el desarrollo de los productos y en las decisiones de compra de múltiples sectores, como el de la moda, la decoración de interiores y el diseño industrial, así como el embalaje y envasado de productos y el diseño gráfico.

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