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Ivรกn Aguilar


PERSONAJES UNA GUÍA ILUSTRADA para DISEÑARLOS

Iván Aguilar


PERSONAJES UNA GUÍA ILUSTRADA para DISEÑARLOS

Iván Aguilar


Personajes: Una Guía Ilustrada para Diseñarlos Iván Aguilar Diseño Editorial: Iván Aguilar Ilustraciones: Iván Aguilar

© 2016 Iván Aguilar Todos los derechos reservados.

Iván aguilar Av Central Ote # 1518 CP. 29000 inugamipod@gmail.com ISBN: 978-0-547-92821-0 Para información sobre permisos para reproducer este libro, escribir permiso a Empresa Patito, ubicada en Calle Central Norte # 1479 . www.freehalletoes.com Hecho en México.©


Ă?ndice Nacimiento de Personajes

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Elige colores cuidadosamente

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Agregue accesorios

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Dales Personalidad

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Construye una Historia de Fondo

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Pixar, detrĂĄs de la magia

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Desarrollo del Personaje

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Personalidades y composiciones predefinidas

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Recomendaciones bĂĄsicas para ilustrar personajes

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Personas van y vienen, personajes se quedan para siempre


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NACIMIENTO DE PERSONAJES

El diseño de personajes puede ser una bestia difícil de abordar, ya que si bien muchos de los personajes clásicos familiares para todos nosotros a través de dibujos animados, películas y publicidad simple mirada, que por lo general simplicidad contrasta con las muchas horas de trabajo que han entrado en su desarrollo. De famosas manos de tres dedos de Mickey Mouse - dibujados para ahorrar tiempo de producción, cuando fue desarrollado por primera vez para las animaciones en la década de 1920 - a la elegante sencillez de Homero Simpson, el diseño de personajes ha sido siempre trata de mantener las cosas simples. Pero aparte de líneas limpias y características de fácil lectura, lo que más vas a necesitar saber sobre el diseño de los personajes? Hay saber qué exagerar y qué jugar abajo, qué añadir para dar un toque de fondo y la profundidad, y qué hacer para desarrollar la personalidad. El conseguir comenzado puede ser la parte más complicada en cualquier proyecto de diseño de personajes, pero una vez que tienes algunas ideas que estos consejos le ayudará a respirar la vida en su creación.

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¿A DÓNDE DIRIGIRSE? Cuando empiezas a diseñar un personaje debes de saber a quién dirigir la forma en la que se comunica tu personaje.

Piense en su público. Diseño de personajes dirigida a los niños pequeños, por ejemplo, están diseñados típicamente alrededor de formas básicas y colores brillantes. Si usted está trabajando para un cliente, el público objetivo del personaje es generalmente predeterminado, como artista australiano Nathan Lurevicius explica. “Diseño de los personajes y suboficiales son por lo general más restrictiva, pero no menos creativa. Los clientes tienen necesidades específicas, pero también quieren que haga mi” cosa “. Por lo general, voy a romper las características básicas y personalidad. Por ejemplo, si los ojos son importantes a continuación, me centraré todo el diseño alrededor de la cara, haciendo de esta la característica clave que se destaca.

Decida en dónde aparecerá. ¿Dónde estará el diseño de los personajes ser visto y en qué medio? Esto tendrá un impacto directo en cómo usted va sobre su diseño de personajes. Por ejemplo, si es para una pantalla de teléfono móvil, no tiene sentido diseñar para tener una gran cantidad de intrincados detalles y características. Nathan Lurevicius dice que, independientemente del formato: “El proceso de idear conceptos comienza siempre el mismo: papel, lápiz, el té verde... un montón de imágenes en miniatura, ideas escritas, arañazos y bocetos más de bocetos.”

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INVESTIGUE

SOBRE OTROS

DISEÑOS Puede ser útil para tratar de deconstruir por qué cierto carácter diseños de trabajo y por qué otros no. No hay escasez de material de investigación que se encuentran, con personajes que aparecen ilustrados en todas partes: en los comerciales de televisión, cajas de cereales, rótulos de establecimiento, pegatinas en las frutas, las animaciones en los teléfonos móviles y más. Estudiar estos diseños de personajes y pensar en lo que hace a algunos exitosos y, en particular, lo que te gusta de ellos.

Puede ser útil para tratar de deconstruir por qué cierto carácter diseños de trabajo y por qué otros no. No hay escasez de material de investigación que se encuentran, con personajes que aparecen ilustrados en todas partes: en los comerciales de televisión, cajas de cereales, rótulos de establecimiento, pegatinas en las frutas, las animaciones en los teléfonos móviles y más. Estudiar estos diseños de personajes y pensar en lo que hace a algunos exitosos y, en particular, lo que te gusta de ellos.

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Ilustración por Iván

Haga su carácter distintivo


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Usa Líneas con cualidades y estilos para describir

TU PERSONAJE Exagerando las características que definen el diseño de su personaje va a ayudar a que parezca más grande que la vida. Exagera características también ayudarán a los espectadores a IDENTIF y cualidades clave del personaje. La exageración es clave en caricaturas y ayuda a enfatizar ciertos rasgos de personalidad. Si su carácter es fuerte, no sólo le dan de tamaño normal brazos abultados, llenados de sopa para que sean cinco veces más grande que deberían ser!

USA CARACTERÍSTICAS EXAGERADAS Las líneas dibujadas de los cuales el diseño de los personajes está compuesto pueden de alguna manera a la descripción de la misma. Las líneas gruesas, incluso, suaves y redondos pueden sugerir un carácter accesible, lindo, mientras que las líneas afiladas, ásperas y desiguales podrían apuntar a un personaje incómodo y errático. Los personajes de Sune Ehlers están en negrita y parecen bailar en la página, que se hace eco su acercamiento a dibujarlos. Él explica: “Dibujar un garabato consiste en maniobrar la pluma decisivamente. Una linea fuerte viene de fuerza y ritmo”.

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ELIGE COLORES CUIDADOSAMENTE Los colores pueden ayudar a comunicar la personalidad de un personaje. Por lo general, los colores oscuros como negros, púrpuras y grises representan los malos con malas intenciones. Los colores claros como el blanco, azules, rosas y amarillos expresan inocencia, pureza y buena. Cómics rojos, amarillos y azules podrían de alguna manera a dar cualidades de héroe a un diseño de personajes. Hay muchas formas de contraste, así que co- Con las características de color y valor tonal; menzaré mencionando, que el contraste es todo podemos generar contraste cromático con los cambio reconocible. En esa simple definición, personajes. Por ejemplo, para reconocerlos del entran una gran cantidad de variables posibles; escenario; o intencionalmente, para fundirlo con contrastes de sonido, de forma, de tiempo, de el entorno. Puede ser que las condiciones lumínicolor, de signos reconocibles, de constancia, de cas del lugar, sean pobres; digamos, la luz de unas velas. ¿Que tal que están periodicidad, etc.. Para que sepamos que una ¿Qué quieres decir? Y, ¿que color va con bajo el agua? También película (por decir algo), ello? El color tiene una gran cantidad de podemos imaginar un ha comenzado; la panta- valores y conceptos inherentes, tanto po- atardecer o la quietud de lla va de negro y sin so- sitivos como negativos. El rojo puede ser la noche. ¿Has notado cómo varias nido, a presentar el logo de la casa productora. el color del amor, pero también represen- redes sociales, son color El siguiente contraste es ta peligro. Pero, ¿realmente lo representa? azul? No puedo darte ver los créditos, el título ¿Quién decide los significados del color? una explicación exacta y comienza la primera ¿Te consta que el color rojo es peligroso? del porqué son de ese color, pero podemos analiescena. Al definir el escenario por medio de sonidos, forma, composición, zar y obtener respuestas. Para ello necesitamos color; al fin aparece un personaje. Su entrada, del contexto; ¿cual es la reminiscencia del color contrasta con lo que se había establecido, por lo azul en las personas que usan redes sociales, en que podemos reconocerlo. Entre otras caracterís- éste momento? La respuesta depende de ese enticas, podemos identificar a los personajes por su torno, de la forma de vida que llevan las personas silueta, su voz (o sus sonidos, o ausencia de ellos), meta, y de cómo reaccionamos a ese color en este tiempo específico. y por el color.

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Al contextualizar, podemos obtener información de la experiencia colectiva; y saber si un color tiene características que den ventaja a nuestro personaje.

¡Ejemplo! El personaje Hulk, se creó en 1962. Cuando se presentó por primera vez, realmente era gris, no verde. No queriendo señalar grupos étnicos o raciales, Stan Lee le dió un color neutro. Pero en el siguiente número, Stan Goldberg, coloreó al personaje verde, pues tenía problemas con la apariencia gris del personaje; obteniendo gamas dispares en la impresión final del cómic. No puedo saber las razones exactas de porqué el personaje es verde. Pero contempla un poco del contexto de la época; los años 60as. Estamos en 1962, los Beatles suenan en la radio, se juega el mundial de futbol en Chile, muere Marilyn Monroe, Kennedy dice que habrá un americano en la luna en menos de una década, aparece la primera película de James Bond, y ocurre lo que nos interesa para el tema; comienza la guerra fría, con la crisis de misiles en Cuba.

¿Qué tiene que ver Hulk, con Cuba y sus misiles, con el color? Todo. Ya llevamos en 1962, casi 20 años de que ocurrió el primer ataque nuclear contra una ciudad real; Hiroshima (y Nagasaki unos días después.) El único ataque nuclear usado en una guerra. El peligro de una bomba nuclear, no solo está en la explosión, sino en los efectos de la radiación que se queda contaminando el lugar. Para los 20 años que han pasado desde ese momento, los americanos tienen aún un temor muy latente; los efectos de una guerra nuclear. Se habla en radio y televisión, de estos efectos, de la “nube nuclear”, de que no hay escapatoria, y de que (en este año 1962), los comunistas, habían aceptado armar a Cuba con misiles nucleares, apuntando directamente a ciudades importantes en Estados Unidos. La cultura se ve afectada por estos temas, subordinando el contexto, al término “nuclear” en todo aspecto de la vida norteamericana. Aparecen juguetes, diarios, personajes, remedios, con las palabras clave; nuclear, atómico, radioactividad. El contexto heredado de Estados Unidos en 1962, viene del cine e historietas pulp, donde muchos personajes e historias, vienen de marte, o de lugares olvidados y enigmáticos del planeta. Veamos la asociación de ideas: toda amenaza es verde. Los marcianos son verdes, al igual que el veneno, la enfermedad, la envidia, los monstruos y brujas de halloween. Y por otra parte, un contexto donde todo es nuclear, radioactivo, atómico. En ese mismo año, aparece Peter Parker, quien al ser mordido por una araña radioactiva, adquiere poderes sobrehumanos; convirtiéndolo en Spiderman.

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AGREGUE ACCESORIOS Una vez que usted da a sus accesorios a sus personajes para usar e interactuar, comienzan a cobrar vida. Puntales y prendas de vestir pueden ayudar a hacer hincapié en los rasgos de carácter y sus antecedentes. Por ejemplo, ropa desaliñada se pueden utilizar para los personajes pobres, y un montón de diamantes y de Bling para los ricos de mal gusto. Los accesorios también pueden ser extensiones más literales de la personalidad de su personaje, como un loro en el hombro de un pirata o un gusano en el cráneo de un vampiro.

¿2D o 3D? Dependiendo de lo que usted ha planeado para el diseño de su carácter, puede que tenga que trabajar en lo que se vería desde todos los ángulos. Un personaje aparentemente plana puede tener una personalidad completamente nueva cuando se ve desde el lado si, por ejemplo, tiene un vientre de cerveza masiva. Si su personaje va a existir dentro de un mundo 3D, como una animación o incluso como un juguete, la elaboración de su altura, peso y forma física es muy importante.

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DALES

PERSONALIDAD Debes de pensar en tu personaje como una persona viva que va a interactuar con el mundo actual o el que tu crees alrededor del personaje. Que se vea interesante no necesariamente hace que para un buen diseño de los personajes; su personalidad es clave. La personalidad de un personaje puede ser revelada a través de tiras cómicas y animaciones, donde vemos cómo reacciona a ciertas situaciones. La personalidad de su personaje no tiene por qué ser particularmente agradable, pero tiene que ser interesante (a menos que sus personajes es deliberadamente opaco). La personalidad también puede expresarse simplemente en cómo se ha elaborado el carácter.

Enfócate en expresiones faciales

Expresiones que muestra el rango de un personaje de emociones y que representan sus altibajos serán carne más lejos de su carácter. Dependiendo de su personalidad, las emociones de una cifra puede ser silenciado y torcida o explosivo y muy exagerada. Ejemplos clásicos de esto se pueden encontrar en la obra del legendario Tex Avery: los ojos de su personaje Wild Wolf menudo hacen estallar fuera de su cabeza cuando está excitado. Otro ejemplo de cómo las expresiones comunican movimientos es inexpresivo Droopy, que apenas registra ningún tipo de emoción.

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CONSTRUYE DE FONDO UNA HISTORIA

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Da metas y sueños a tus personajes

Si usted está planeando para su diseño de personajes a existir dentro de cómics y animaciones para luego desarrollar su historia de fondo es importante. De dónde viene, cómo llegó a existir y cualquier evento de cambio de vida que ha experimentado van a ayudar a volver a la solidez de, y la posterior creencia en, su carácter. A veces la narración de la historia de la espalda de un personaje puede ser más interesante que presentan aventuras del personaje (o no, en el caso de las precuelas de Star Wars).

La fuerza impulsora detrás de la personalidad de un personaje es lo que quiere lograr. Este “algo” puede ayudar a crear el empuje dramático detrás de las historias y aventuras de su personaje se levanta para. A menudo, el carácter incompleto o defectos en un diseño de personajes son los que hacen interesante. La conexión de la audiencia para el personaje es el objetivo principal en el diseño de un personaje de Pixar. Imbuir a los personajes con la humanidad, y se centra en su humanidad es de vital importancia para la creación de esta conexión. En el diseño de un personaje, un artista de Pixar necesita saber qué exagerar y lo que debe restar, qué añadir para dar un toque de fondo y la profundidad, y qué hacer para desarrollar la personalidad.

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L

a conexión de la audiencia para el personaje es el objetivo principal en el diseño de un personaje de Pixar. Imbuir a los personajes con la humanidad, y se centra en su humanidad es de vital importancia para la creación de esta conexión. En el diseño de un personaje, un artista de Pixar necesita saber qué exagerar y lo que debe restar, qué añadir para dar un toque de fondo y la profundidad , y qué hacer para desarrollar la personalidad.

detrás de la magia diseño de personajes comienza con dibujos a lápiz. A veces los artistas tienen una idea clara sobre el carácter, a veces sólo una vaga idea de la personalidad del personaje. Los diseñadores de personajes atraen a miles de lápiz y marcador bocetos para perfeccionar el aspecto de cada personaje. Pixar tiene que decidir cómo dibujos animados, la forma icónica, y el grado de realismo que quieren que aparezca cada carácter. Después de que los artistas han dibujado y diseñado el aspecto de cada personaje, son los animadores que debe entonces les dan vida en la pantalla, dándoles la personalidad y el movimiento.

Artistas de Pixar utilizan La animación está llena de detalles los medios tradición para inspirados en la vida humana. Cada dibujar el diseño inicial de “Pensar en el significado de la palabra movimiento de un carácter que está “carácter”. Se supone que dan vida sus personajes. Un artista animado se ejecuta con precisión y típicamente hace cientos, de gran detalle. Los animadores de a estas cosas, los hacen atractivo y a veces miles, de bocetos artesanía cuidadosamente sus creadarles la magia que permitirá a las antes de que está satispersonas imaginar lo que están gusta- ciones, y asegurarse de que fecho con el diseño de su son exactos hasta el último ría conocer y cómo podrían moverse.” detalle; lo que demuescarácter. Un personaje principal pasa por un protra por qué los perceso de diseño mucho más sonajes de Pixar Neil McFarland tiempo y con frecuencia son tan memoincluye una serie de artisrable y creíble. tas y el director de trabajo El siguiente para crear la apariencia, el tacto y la personalidad video muestra cómo se diseñaron los del personaje. caracteres de Carl y Ellie. El proceso de diseño de un personaje comienza con un diseñador de personajes de recibir páginas del guión del director. Estas páginas del guión describen lo que el personaje es como. El artista entonces tiene que completar cientos de dibujo de lo que creían que el personaje sería. Una revisión técnica a continuación, se lleva a cabo cuando el director selecciona un número de estos dibujos y diseños que mejor se adapten a su visión cuando estaban escribiendo el guión y el desarrollo del carácter de la película. El diseñador de personajes y luego toma los dibujos y les empieza a desarrollar de nuevo de vuelta en la mesa de dibujo. En Pixar,

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Estos fueron dos de los personajes más poderosos, y el público cree en su relación; a pesar del hecho de que sólo tenían los primeros ocho minutos de la película para crear esta conexión. Pixar logra esto a través de diseño de personajes es una excepción. Tenga en cuenta la influencia de los medios tradicionales en el diseño de Carl y Ellie. Este video muestra los aspectos técnicos del diseño de un personaje desde el punto de vista de la animación. Explora cómo el


El diseño de personajes es un componente vital de la obra de Pixar. El carácter es lo que impulsa a la vida y la historia de respiraciones en una película. El diseño de los personajes de la película comienza durante las etapas iniciales del desarrollo de la película. Diseñadores de personajes de Pixar trabajan con el director como el guión todavía se está escribiendo para traer vida a los personajes. A medida que el concepto y el guión de la película pasa por muchos cambios, lo mismo ocurre con el diseño de los diferentes personajes.

equipo de animación diseñado primera protagonista femenina de Pixar, Mérida, incluyendo el pelo. Cuando un artista de Pixar está diseñando un personaje hay una serie de áreas que exploran para asegurar un diseño de personajes de éxito. Investigación y evaluar Puede ser útil para tratar de deconstruir por qué ciertos personajes y sus características funcionan y por qué otros no. Estudio de otros personajes y pensar en lo que hace a algunos exitosos y, en particular, lo que te gusta de ellos. ¿A quién esta dirigido? Piense en su público. Personajes destinados a los niños pequeños, por ejemplo, están diseñados típicamente alrededor de formas básicas y colores brillantes. Impacto visual Tanto si estás creando un mono, robot o un monstruo, se puede garantizar que no va a haber un centenar de otras creaciones similares por ahí. Tu personaje tiene que ser fuerte e interesante en un sentido visual para llamar la atención de las personas. Características exageradas Exagerando los rasgos definitorios de su personaje va a ayudar a que parezca más grande que la vida. Exagerada características también ayudarán a los espectadores a identificar cualidades clave del personaje.

llos expresan inocencia, pureza y buena. Transmitir la personalidad Interesante belleza sola no necesariamente hace que para un buen carácter; su personalidad es clave. La personalidad de un personaje puede ser revelada a través de animaciones, donde vemos cómo reacciona a ciertas situaciones. La personalidad de su personaje no tiene por qué ser particularmente agradable, pero tiene que ser interesante (a menos que sus personajes es deliberadamente opaco). Exprésate Expresiones que muestra el rango de un personaje de emociones y que representan sus altibajos serán carne más lejos de su carácter. Dependiendo de su personalidad, las emociones de una cifra puede ser silenciado y torcida o explosivo y muy exagerada. Metas y sueños La fuerza impulsora detrás de la personalidad de un personaje es lo que quiere lograr. Toften el carácter incompleto o defectos en un personaje son las que hacen interesante. Volver a construir historias Si usted está planeando para su personaje a existir dentro de cómics y animaciones para luego desarrollar su historia de fondo es importante. De dónde viene, cómo llegó a existir y cualquier evento de cambio de vida que ha experimentado van a

Color Los colores pueden ayudar a comunicar la personalidad de un personaje. Por lo general, los colores oscuros como negros, púrpuras y grises representan los malos con malas intenciones. Los colores claros como el blanco, azules, rosas y amari-

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“El arte desafía la tecnología, la tecnología inspira el arte” John Lasseter

Los medios tradicionales incluye modelos originales, guiones gráficos, dibujos, pasteles, pinturas, dibujos, guiones de color y figuras de barro, y es increíblemente importante para una película animada por computadora. Los artistas de Pixar crean miles de obras de arte para ayudar en el descubrimiento de personajes y mundos de una película. Los medios tradicionales se utiliza durante la etapa de desarrollo de una película, para proporcionar inspiración para los animadores, y para crear la apariencia de la película. El trabajo que realizan es inspirador y con frecuencia no se ve fuera del estudio. Muchas personas no se dan cuenta que hay tantos artistas de Pixar que trabajan en los medios de comunicación dibujo tradicional a mano, pintura, pasteles, escultura, como en los medios digitales. La mayor parte de su trabajo se lleva a cabo durante el desarrollo de un proyecto, cuando Pixar está trabajando en la historia y la estética de la película. La riqueza de la bella arte creada por cada película rara vez se ve fuera del estudio, pero la película de Pixar terminado envía alrededor del mundo nunca sería posible sin él.Medios tradición cuenta la historia detrás de las historias, revelando donde las ideas de los clásicos animados de Pixar se originaron, y cómo las películas fueron llevados a la vida. Los medios tradicionales incluye modelos originales, guiones gráficos, dibujos, pasteles, pinturas, dibujos, guiones de color y figuras de barro. La imagen siguiente muestra el uso de los medios de comunicación tradicionales. Durante la etapa de desarrollo de una película del departamento de arte crea bocetos, pinturas, modelos y dibujos. La imagen muestra a un grupo de animadores que buscan en el concepto bocetos, fotografías, guiones de colores y modelos; para obtener inspiración sobre cómo van a animar a sus personajes, diseñar el medio ambiente, y crear la apariencia de la película. Las películas de Pixar hablan con pasión a la audiencia. A través de su narración que son capaces de compartir historias emocionales que resuenan con todo el mundo de una manera entretenida e interesante. Pixar como un estudio se puede considerar como algunos de los mejores contadores de historias de todos los tiempos, con una fórmula maravillosa para el éxito narración. Pixar crea constantemente historias hermosas e imaginativas. En Pixar que invierten una gran cantidad de energía para asegurarse de que la historia es la correcta. El desarrollo de una visión clara y singular de la forma en que se presentó a la historia y cómo fluirá es esencial para su proceso.

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Pixar también a elevar el listón muy alto para ellos mismos, y el éxito sólo puede medirse mediante el cumplimiento de sus propias normas extraordinarias. Esto probablemente explica su registro impecable de éxitos financieros y la racha de películas aclamadas por la crítica. Ellos trabajan muy duro en la preparación y moldear sus historias hasta que estén listos para sus artistas y animadores para hacer el producto final. Un guión o un guión, es una obra escrita por los guionistas para una película. En ellos, el movimiento, las acciones, la expresión y diálogos de los personajes están incluidos y narrado. No es ningún secreto que Pixar ha sido uno de los corredores de vanguardia en la industria del cine desde su primera película importante característica de Toy Story fue lanzado en los cines. El dominio de la técnica de animación por ordenador fue un nuevo cambio de los estilos tradicionales de animación de películas de dibujos animados, y desde entonces, todas las películas de Pixar ha sido éxitos financieros. Además de la hermosa animación, Pixar se ha destacado en la creación de historias fascinantes que han atraído a las audiencias cinematográficas y pequeños. Los escritores que trabajan en Pixar son algunos de los mejores en el negocio. Su talento suele ir acompañado de un estudio riguroso en la técnica de la escritura cinematográfica y es criticado acuerdo con los altos estándares de la empresa. Si cualquier aspirante a escritor quiere ver cómo un guión de calidad profesional está escrito, entonces Pixar es un gran lugar para comenzar. Guiones de Pixar se escriben a menudo por el director de colaboración con otros guionistas. La secuencia de comandos a menudo experimenta una serie de cambios como el concepto de la película se desarrolla. El guión es uno de los componentes más importantes para el desarrollo de la historia de la película, ya que describe el movimiento, las acciones, la expresión y el diálogo. Como proceso de Pixar es de colaboración, y hay muchas personas que trabajan en la película, el producto final será diferente al guión. Sin embargo, un buen guión es vital para asegurar que la película tiene una elevada calidad de Pixar para contar historias. Hay una hebra esencial, invisible que atraviesa todas las películas de Pixar; una aspiración más allá de lo que se muestra en la pantalla. Esto es, las historias en sí no terminan con los créditos, pero con lo que nos llevamos con nosotros y los aspectos de estas películas que tenemos en el resto de nuestras vidas. Las cosas que damos de distancia y llevamos con nosotros son tan importantes como las líneas divertidas de diálogo o las espectaculares escenas visuales. No es de ninguna manera un modelo para una historia de Pixar. Si lo hubiera, no habría mucho más historias hechas con la precisión y embarcaciones similares a las películas de Pixar. Pero lo que sí encontramos es un marco general, ciertos patrones y ritmos que se repiten.

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“Ninguna cantidad de gran animación salvará una mala historia.”

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El objetivo de Pixar no es sólo para hacer una gran película de animación o un éxito de taquilla, sino para crear películas y personajes que retienen significado al público. Las historias de Pixar hablan con pasión a la audiencia. Comparten historias emocionales que resuenan con todo el mundo, e incluyen personajes relacionables. La tecnología no es el objetivo de Pixar. Su objetivo es hacer una buena película, centrado fundamentalmente en los personajes y la historia. Esto ha diferenciado Pixar de otros estudios de animación, que se centran en mostrar sus avances tecnológicos para el público. Es la infusión de la tecnología en un proceso artístico que enriquece tanto la historia y los personajes. Cuando se construye sobre una historia con los mejores personajes de calidad, un entorno fascinante y la mejor animación por ordenador en el negocio, se crea una película verdaderamente notable. Pero todo comienza con una historia excepcional. Pixar se esfuerza por crear historias conmovedoras y hermosas caracteres. Historia y el personaje siempre es lo primero Imagen El medio de la animación tiene la capacidad de entretener, exagerar, simplificar, abstracto, revelar, y aclarar. Esto hace que el medio de un vehículo perfecto para la narración y el desarrollo del carácter. La forma de arte tiene la capacidad de explorar el comentario social perspicaz, retratar la condición humana, y hacer frente a las costumbres tema difícil e incómodo. La verdadera belleza de Pixar en su animación es la forma en que crean historias que permanecen con usted para siempre. Historias de Pixar se componen de imágenes basada en el tiempo que puede ser increíblemente surrealista debido a su proceso único de realización y comprensión. Imagen Cuando una película no cumple con los estándares de Pixar por la excelencia en la historia y el carácter, la película es fijo. Esto

implica la eliminación de escenas que no hay contribuyen a la historia o el desarrollo de carácter general. Incluso si una escena en particular demuestra notables avances tecnológicos y la animación excepcional, si no es relevante para la historia que se retira. Por ejemplo, i n diciembre del 1998, Pixar había terminado tres años de trabajo en Toy Story 2. El problema era la historia de la película no estaba a la altura. Con tan sólo ocho meses para terminar la producción, Pixar hizo lo impensable y revisó la película. Toy Story 2 fue reescrito por completo y se produce en los ocho meses restantes. Toy Story 2 se convirtió en uno de los más aclamados por la crítica películas de Pixar de todos los tiempos. Esto demuestra Pixar “historia primero” la filosofía y las longitudes van a ir a para asegurar una película cumple con sus estándares. Es fácil dejarse seducir por pensar enfoque de Pixar es la animación y la tecnología. Este es un componente importante de su trabajo, pero Pixar cree la historia y el carácter siempre debe ser el objetivo central. La animación y la tecnología simplemente complementa la historia y carácter. La personificación de la obra de Pixar es sus historias y personajes que permanecen con usted para siempre.

El objetivo de Pixar es combinar el talento creativo y la tecnología patentada para crear películas de animación por ordenador con historias y personajes conmovedores y memorable. Pixar tiene un enfoque “historia primero” en todas sus películas. No se puede basar una película entera en apenas el imaginario solo. Tiene que ser la historia y los personajes.

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DESARROLLO DEL PERSONAJE S

i se boceta al azar y se dibujan ideas sin dirección será más difícil llegar a una propuesta en concreto, de ahí la importancia de establecer una serie de pasos para llevar a cabo el proyecto. Tener un plan sobre cómo será el acercamiento al proyecto optimiza el nivel de producción, perdiendo menos tiempo en improvisar un resultado. Para que el personaje se perciba más real y sea mejor en aspectos de comunicación, se deben tomar en cuenta aspectos como el nombre que se le va a dar a este, tener en cuenta que las personas tienden a ligar sonidos con imágenes mentales, tal es el caso de las marcas donde al oírlas se puede hacer relación directa con la imagen gráfica de estas, entonces el nombre es un elemento muy importante para posicionar al personaje en la mente de público. Por lo anterior el diseñador debe pensar acerca de elementos como la apariencia y el trasfondo del personaje.

A continuación se presenta un proceso sugerido a tomar en cuenta para lograr un buen resultado.

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El trasfondo del personaje El punto que el personaje tenga una historia, es saber lo que se va a dibujar, teniendo un trasfondo ayuda a generar preguntas que darán los insumos necesarios para desarrollar un diseño exitoso.

1. Objetivos: Lo que dirige la personalidad, es lo que el personaje pretende lograr, ¿En qué consiste su motivación?, ¿Encontrar un tesoro?, ¿Salvar a alguien? O ¿Resolver un misterio? Hay que tomar en cuenta el pasado, presente y futuro del personaje; las personas se vuelven más interesantes cuando se sabe algo acerca de ellas. Mientras más se sepa del personaje más interesante será para el público.

2. El pasado del personaje: ¿De dónde viene? ¿Cómo fue su niñez?, ¿Nació y creció en el mismo lugar? Muchas veces el pasado del personaje puede ser más interesante que su presente. No necesariamente debe tener un pasado tan distante, podría ser que el personaje tenga una semana de edad y su pasado no es muy relevante

3. El presente del personaje ¿Qué le ha estado pasando al personaje en los últimos días, semanas o meses?, ¿Dónde vive el personaje actualmente y por qué?

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4. El futuro del personaje Esta información puede servir de ayuda para desarrollar el presente del personaje, como el hecho de saber hacia dónde se dirige y cuáles son sus metas.

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5. La personalidad del personaje: La personalidad es un aspecto clave también. Para establecer la manera en la que un personaje se comporta se debe considerar como el personaje actúa ante determinadas situaciones, cuál es su posición frente a ciertos sucesos, su personalidad no necesariamente tiene que ser aceptable, pero si debe ser interesante. Para que el personaje se vuelva relevante.


La motivación algunas veces se desprende de la interacción entre el deseo consciente y el inconsciente.

Si no sabemos por qué un personaje está haciendo algo, será difícil que nos sintamos involucrados en la historia que protagoniza. La Motivación empuja al personaje dentro de la historia. Actúa como el detonante, al principio de la historia, que fuerza al personaje a verse envuelto en ella. Muchas veces puedes explicar y centrar la motivación situando al protagonista en un punto de crisis al principio de la historia. En ese momento, los personajes son especialmente vulnerables para ser arrastrados hacia nuevas direcciones. Su mundo viejo se ha destruido y una historia nueva comienza a surgir. Los motivos son poco claros, o la falta de ellos, es uno de los problemas más habituales en las películas. Todos hemos visto muchos films en los que contínuamente nos preguntamos: ¿Por qué hace eso el personaje...? En ocasiones, la motivación necesita repetirse más de una vez para que el público la asimile. Muchas veces, la motivación de los personajes se pierde por el camino.

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PERSONALIDADES Y COMPOSICIONES PREDEFINIDAS

Los personajes tienen que ser creados con la mayor creatividad posible, para que puedan destacar de otros personajes; ya sea de la misma historia o de otras más. Una personalidad que el lector, o la audiencia; puedan entender, para que nuestras ideas sean correctamente dichas. Gran parte de lo que es el personaje, se debe a quien lo crea, pues innegablemente le da rasgos propios y vivencias personales. Pero, cada uno de nosotros somos resultado de vivir en éste mundo, y experimentarlo al convivir con otros seres vivos. Quiere decir que tenemos experiencias propias, únicas e irrepetibles. Entonces hay 2 elementos principales en la balanza, la experiencia personal y la experiencia colectiva. La experiencia personal será resultado de cómo sentimos e interpretamos el mundo. Por ejemplo cuando experimentamos dolor por primera vez.. eso dejará una huella mental muy difícil de borrar; que podemos herirnos. Esa misma huella bastará para que no tengamos que herir a los demás, pues sabemos cuales son las consecuencias. Pero el contexto específico de cómo es esa experiencia, marcará nuestra personalidad. En lo personal, nunca me han gustado los perros. No les deseo mal, y nunca he tenido uno. Pero cuando era niño, muy pequeño, sufrí un ataque de un perro. Esta sola experiencia bastó para que mi personalidad fuera renuente a los perros desde entonces. Si fuera personaje, habría que hallar un vínculo entre ésta experiencia, y el desarrollo del personaje en la historia. Digamos que el personaje tiene apariencia de gato, pues comparte rasgos de personalidad con estos animales. O bien, un antagonista, puede tener rasgos caninos. En la superficie, ésto basta. Pero si deseas crear personajes más relevantes, tendrías que ir más allá. ¿Esas características son relevantes a la historia? ¿De qué forma podrías vincular esa experiencia con el resto del universo

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del personaje?

Y ahí tenemos el segundo elemento importante; la experiencia colectiva. Ésta es la experiencia que comparten todas las personas. Digamos que el personaje de forma individual, tiene un problema con los perros. Pero cuando lo comparas con la experiencia colectiva, encuentras más factores en juego. Por ejemplo, generalmente los perros son aceptados por todas las personas, y es tal vez de los animales más antiguos en ser compañeros del hombre. También es importante saber que el perro es un animal noble y bondadoso por naturaleza, por lo mismo su imagen está relacionada con cosas buenas e inocentes. Lo haz visto en otros lugares. Por ejemplo los malos tienen gatos de mascotas. Las brujas no eligen otro compañero mágico. Un gato negro es de mala suerte. La señora loca de los gatos. Además de las características colectivas de los gatos; que son perezosos, desinteresados, difíciles de domesticar.


No es que sea imposible, pero crear una personalidad original es complicado, por la cantidad de experiencias personales y colectivas involucradas. Un último punto a tomar en cuenta es, ¿cómo entenderá el público a tu personaje? Suponiendo que éste personaje, con afinidad por los gatos, sea el protagonista; ¿cuál es el vínculo que convencerá a tu público, de que es el bueno en la historia? Y aún más allás; ¿es necesario antagonizarlo con perros? El personaje debe llevar una buena cantidad de experiencias personales que lo definen como lo que es individualmente. Pero también debe tener experiencias colectivas para que las otras personas lo puedan entender. Es necesario que el personaje tenga códigos de comunicación muy claros y que sean legibles para tu audiencia. Tu personaje, por ejemplo, puede hablar el mismo idioma, o bien, vestirse al igual que todos, puede tener un círculo de amigos, o ir a un lugar con personas como él. No va a gritar sin parar por las 2 horas y media de película, o no va a resolver el misterio inmediatamente. Tampoco esperaríamos que pasara a

segundo plano y que nunca más fuera relevante. Bien, pues esa experiencia colectiva puede ayudarse de las personalidades predefinidas. Hay 3 niveles de personalidades predefinidas; prototipo, estereotipo y arquetipo. El prototipo hace alusión al más básico de los niveles, donde encuentras al protagonista como una fuerza que encuentra un obstáculo en su antagonista. Y en el medio puedes poner personajes que puedan complementar esa gama de eventos y personajes que harán la historia interesante. Los estereotipos están subordinados a un contexto específico. Tienen un común denominador, tanto en lo social, lo cultural y lo temporal. Están dentro de un mismo círculo social, dentro de las costumbres heredadas de un lugar y tiempo específico. Aunque son representativos de una gran cantidad de personas, puedes encontrar si tu personaje en desarrollo tiene un estereotipo añadido. Los arquetipos definen una personalidad común y universal para el personaje, y aunque también pueden ser contextualizados; son atemporales. Los arquetipos abarcan facetas de la humanidad. ¿Quiere decir que son los ingredientes para el desarrollo de un personaje? No del todo, un personaje, al igual que una persona; cumplirá con su parte de la historia, pero hay más de su personalidad, de lo que se puede ver. Si analizamos un personaje, bien podríamos encontrar los elementos mencionados hoy; su experiencia personal, su experiencia colectiva, su prototipo, su estereotipo y su arquetipo. Conforme avanzamos en el desarrollo de la personalidad, nos alejamos de lo universal, y nos acercamos a lo particular. Esa es la meta, para que los personajes sean entrañables.

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RECOMENDACIONES

BÁSICAS PARA ILUSTRAR PERSONAJES En un principio pudiera pensarse que la tarea de un diseñador de personajes o “Character Designer” será exclusiva para la industria del cine, televisión y animación; y es claro que en estas áreas es donde más requerída es dicha labor, sin embargo no es exclusiva de estas industrias. Es una labor por lo regular delegada a los ilustradores quienes se encargarán de darle vida a un personaje, ya sea animado o inanimado. Pero no todos los ilustradores tienen la cualidad o habilidad para diseñar personajes, se pude decir que dentro de la ilustración una de las áreas sería el diseño de personajes. Son pocas o muy escasas las instituciones a nivel internacional y mucho menos a nivel nacional que tienen una especialidad o estudios en diseño de personajes, mas bien son materias complementarias dentro de una carrera de animación, cine o efectos visuales.El diseño de personajes no es tan fácil como poner dos ojos y una boca sobre un rostro.

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Trata sobre todo de dotar de personalidad al personaje -valga la redundancia pero así es. Dotarlo y hacerlo característico desde su forma de vestir, colores, expresiones, detalles y accesorios en su vestimenta ente otros detalles. Puede haber ocasiones que no tengas tiempo de dibujar, o que simplemente no sea lo tuyo y le dejes esta tarea a los ilustradores u otros diseñadores, pero saber las características que debe poseer un buen personaje y como se construye te ayudará a saber por qué esta mal o qué es exactamente lo que le está faltando a un personaje.


A continuación una serie de tips y recomendaciones básicas y necesarias en la creación de personajes: Antes que nada y si es que quieres ser un muy buen dibujante, ilustrador, artista o diseñador de personajes es muy necesario que dibujes, dibujes y después sigas dibujando; este es un arte que como todos los demás solo podrás perfeccionar con la práctica. • Como siempre en toda área del diseño y la comunicación, piensa primero en tu público y audiencia. Si tus personajes serán dirigidos a niños necesitarás trazos sencillos y colores brillantes, y por lo regular rasgos en el rostro muy exagerados como ojos y mejillas muy grandes y chapeadas (basta con ver el tamaño de los ojos de Bugs Bunny o cualquier personaje de Disney que esté pensado para niños).

• En la vida real ninguno de nosotros somos simetricos totalmente, si te fijas bien los rostros siempre tendrán cambios leves del lado derecho al izquierdo (al igual que en todo el cuerpo). Pero para el diseño de personajes esto cambia, mietras más simétrico sea tu personaje mas real y perfecto parecerá. Recuerda que todas las reglas tienen su excepción y que también dependerá de lo que quieras comunicar. • Por lo regular el diseño de personajes siempre exagera los rasgos característicos. Estos rasgos son los que definiran su personalidad. Procura que sean rasgos mas exagerados que la vida real, como unas orejas enormes, nariz muy ancha, ojeras por debajo de la nariz, brazos largos hasta la altura de las rodillas, etc.. Recuerda que estas exageraciones no son hechas al azar, cada exageración y cambio que realices evocará diferentes emociones en tus personajes. No es una regla, pero es recomendable que si tu personajes lo quieres hacer asimetrico exageres esa “asimetría” o de lo contrario paracerá mas bien un error el haberlo hecho diferente del lado izquierdo que del derecho.

Parece un punto muy obvio, pero es muy común ver animadores novatos que no se percatan de que todos sus personajes son semejantes.

• Si tu personaje va a ser requerido para una animación, comic, ilustración o medio donde participen 2 o mas personajes debes de cuidar que cada uno tenga características particulares y diferentes a todos los demás. Esto para poder diferenciarlos cada uno y que la gente no llegue a confundirlos “ ¿que este personaje no era el malo? ¿que no ya se había muerto? ¿por qué aparece de nuevo?. • Lo que cuesta mas trabajo de dominar son siempre las expresiones faciales, para reflejar exactamente el sentimiento que se desea deberás por fuerza una referencia visual, que casi siempre serás tu mismo haciendo gestos frente al espejo. Será gracioso y bueno para dominar esta parte.

Principalmente al diseñar un personaje se debe investigar, dibujar, leer, y no detenerte en una sola solución, mientras más practiques, más soluciones encontrarás, la práctica hace el mejor diseño.

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SE TERMINÓ DE IMPRIMIR EL 31 DE DICIEMBRE DE 2013 EN EL TALLER GRÁFICO BÖRK, DE LA CIUDAD CONEJOS. A 300 AÑOS DEL NACIMIENTO DE NUESTRO SEÑOR SALVADOR, CLARK KENT RAMIREZ.

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PERSONAJES GUÍA ILUSTRADA  

Guía ilustrada para diseñar personajes.

PERSONAJES GUÍA ILUSTRADA  

Guía ilustrada para diseñar personajes.

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