30° Festival - Diario - Día 1

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DIARIO DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

N°1 VIERNES 30 DE OCTUBRE DE 2015 DISTRIBUCIÓN GRATUITA

CINE A TODA COSTA El Festival cumple treinta ediciones y, para hacerle honor a las pantallas y sus espectadores, este año preparó una programación para mirar cine de frente y dorso, en todas las direcciones posibles.

En nuestro primer número, te ofrecemos una guía por secciones para surfear el Festival de punta a punta.

CANTO RODADO La voz de Hugo del Carril, el guion de Homero Manzi y la dirección de Ralph Pappier inauguran la edición aniversario del Festival. ¿Qué más se puede pedir? Pobre mi madre querida es la proyección que da comienzo a diez días en los que el cine de ayer y el de hoy seguirán edificando la cinefilia de nuestro futuro.

CARLOS BORCOSQUE LUIS CÉSAR AMADORI Director de estrellas, artífice de gloria, Luis César Amadori fue un emblema del cine popular argentino del período clásico. Periodista y letrista de tango, conocedor del teatro de revista y la noche porteña, llegó a Argentina Sono Film para consagrar a Pepe Arias y dejó películas memorables, sinónimo de una era de apogeo industrial que entraría en lenta decadencia con la caída del peronismo. En este homenaje se verán dos películas, una comedia con Arias y un melodrama con Hugo del Carril. No se puede pedir más.

La proyección de una verdadera rareza de la cinematografía nacional como Pobres habrá siempre, que retrata el levantamiento de trabajadores de un frigorífico en 1935, es una ocasión inmejorable para acercarse a un cineasta que se anticipa al cine militante que vendría décadas después. Filmada en locaciones reales, con actores provenientes del teatro, y financiada por el director, es una obra de una potencia emocional única. Una película maldita, que conserva una vigencia conmovedora.

CINE ARGENTINO SIEMPRE III Nacida en 2013, esta sección concentra la actividad de difusión del material fílmico recuperado por el Estado a partir de una serie de donaciones públicas y privadas, pero fundamentalmente de la actividad del Programa de Recuperación del Patrimonio Cultural desarrollado por el INCAA. Este material excepcional, hoy preservado en adecuadas condiciones, es exhibido en copias nuevas en 35mm para quienes no pudieron verlo en su momento y para quienes hoy quieren volver a disfrutarlo.

al intimismo familiar, el rango de experiencias de estas películas señala un horizonte cinematográfico pleno. Este año la Competencia Internacional tiene mucha presencia latinoamericana, con producciones de Uruguay, Brasil, Colombia, Chile, Venezuela y Argentina, un dato que valida algo que también se repite en otros festivales: el cine de la región sigue haciendo punta.

COMPETENCIA LATINOAMERICANA Hace más de una década que el cine latinoamericano expande su producción y su alcance, potenciado por la accesibilidad de las formas de registro digital.

Desde documentales de formas libres (que van de la reflexión política al ensayo biográfico), hasta narraciones más clásicas que juguetean con los géneros, pasando por una adaptación literaria y retratos de los márgenes, la búsqueda de estas once películas no se detiene en ninguna frontera.

COMPETENCIA LATINOAMERICANA DE CORTOMETRAJES AUTORES Kitano, Iosseliani, Maddin, Dumala, Weerasethakul, Loznitsa, Wiseman, Skolimowski, Guerin, Ospina, Tsai, Straub, Desplechin, Hong... Los protagonistas de nuestra sección más voluminosa–con 38 películas, bien podría ser un festival en sí misma– no necesitan sus nombres de pila para presentarse. Del testamento fílmico (snif) de Akerman a la trilogía de As mil e uma noites según Gomes, pasando por la última locura (¡en 3D!) de nuestro visitante ilustrísimo To: aquí está lo mejor de los mejores, pónganle la firma.

COMPETENCIA ARGENTINA PIERRE CHENAL EN LATINOAMÉRICA Cineasta del realismo poético francés, de aquel tiempo entre guerras que mostró la oscuridad que se avecinaba en un espléndido claroscuro de emociones. Su cine de los 30 en Francia fue un escalón importante para el policial de los 40, que llegaría con gran impacto a estas tierras y sería su carta de presentación cuando huyera del nazismo. Recibido por Luis Saslavsky, comenzó a dirigir amparado por sus películas latinoamericanas indagaron como pocas en el misterio de la conciencia humana. Desde hoy podremos descubrirlas, incluyendo la gloriosa y maldita Sangre negra, sobre la que el Festival edita un libro.

BOLIVIA ALTERADA El futuro del cine está en Bolivia. Una frase que puede sonar un poco exagerada, pero luego de ver los cortos de este programa se podrá comprobar que hay algo de cierto en semejante aseveración. Nueva vida, de Kiro Russo (ganador de innumerables premios), y Primavera, de Joaquín Tapia Guerra (ganador del Festival de Valdivia), son dos de los títulos que junto a otras tres obras breves demuestran que allí una nueva generación de realizadores está realizando en este momento el cine más interesante, no solo de la región, sino (¿por qué no decirlo?) del mundo.

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Hace tiempo que no se habla del boom del cine argentino porque ya nos acostumbramos a un nivel de producción estable en calidad y cantidad. De lo experimental a ficciones de narrativa más clásica, varias películas apuestan por indagar temas recurrentes de la argentinidad –el fútbol, el tango, el gaucho, etc.–, con un cambio de perspectiva o jugando con los límites de lo autóctono y lo extranjero. De una road movie a un relato de encierro, del realismo directo al artificio sofisticado, el cine argentino sigue mirando en direcciones múltiples.

COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOMETRAJES Lo bueno, si breve, dos veces cine. Eso parecen decir las historias desarrolladas en los dos programas de esta competencia, que pone el acento en el estímulo a un género poseedor no solo de la virtud de la brevedad, sino de ser cada vez más accesible y económico sin perder por ello capacidades expresivas y estéticas.

COMPETENCIA INTERNACIONAL Un viaje en primera clase por el cine del presente en doce películas que compiten por el Astor. Del relato histórico al estado actual del capitalismo, del fútbol a la literatura, de exploraciones territoriales

Los cortos que integran este programa son una manera de contener la Patria Grande en frasco chico.

Visiones jóvenes desde Latinoamérica que incluyen trabajos de Venezuela, Perú, México, Paraguay, Colombia y Brasil (este último con tres representantes, dando cuenta de la potencia de su producción de cortos). De la animación al realismo, pasando por varias pertenencias e impertinencias en los géneros, esta es una forma de empezar a seguir el pulso a las voces hermanas.

HUGO DEL CARRIL Una vez cada tanto aparece una persona que parece hacerlo todo bien. Así fue Hugo Del Carril, extraordinario cantante, actor y director. Si bien el Festival ya había homenajeado a este notable creador en 2005 y 2010, el rescate de los negativos originales de La calesita y Esta tierra es mía permite apreciar en impecables copias una parte importante y olvidada del autor de Las aguas bajan turbias, emblema de independencia y creatividad en nuestro país.

En su serie Film ist., Deutsch trabaja con material reciclado, documentales científicos, películas en blanco y negro, mudas, de variados orígenes y temáticas, todo esto para dar cuenta de una particular historia del cine que no se centra en anécdotas, sino que lo hace a través de su propia materialidad. Con Shirley - Visions of Reality (2013), realiza su primer largometraje de ficción. Un muy sutil y bello trabajo basado en la reconstrucción de los espacios mostrados por el artista norteamericano Edward Hopper. El cineasta austríaco, además, visita el Festival para presentar sus películas y realizar una masterclass junto a la directora de arte Hanna Schimek.

conceptos de lo cinematográfico. Películas que trabajan con materiales autobiográficos y con los límites de las formas y los recursos; que hacen del cine un arte tan inasible como vivo, y que confirman que el cinematógrafo (como definiría Bresson) sigue siendo un lenguaje que no necesita ampararse en otras artes para demostrar su grandeza y validez.

GENERACIÓN VHS

TRENT HARRIS

Una vez más, a riesgo de repetirnos: el VHS fue el formato que democratizó al cine. Videoclubes, caseteras, fines de semana de alegre mezcla de géneros, autores, texturas, tonos. Películas al alcance de la mano, del Play, del Rew, de otro Play. Esta sección –cuyo material será completamente proyectado en 35mm– busca ser un fiel reflejo de esa época, en la que un thriller de autor como Peligro inminente convive en absoluta armonía con Ninja III o la mejor Pesadilla de Wes Craven, maestro absoluto y total del género, del VHS y del cine.

¿Por dónde empieza la independencia? ¿Es solo un criterio de producción o una intención primigenia?

Preguntas ya atávicas de lado, el cine de Trent Harris es un excelente punto de partida para comprender el asunto. Sus películas, raras (rarísimas) avis, tienen a la autogestión como comienzo, pero lo mejor es que definen mundos paralelos, alucinados, contagiosos.

Descubrirlos –con él presente en las salas– va a ser uno de los grandes placeres de esta edición. Trent no defrauda: desafía. Están avisados.

GRAMADO PRESENTA

HOLLYWOOD SIN CENSURA

ALEKSANDR DOVZHENKO La historia oficial ha cristalizado a Aleksandr Dovzhenko junto a otros grandes nombres del cine soviético de vanguardia, como Eisenstein, Pudovkin o Vertov. Sin embargo, la difusión de su obra en nuestro país ha sido escasa. Afortunadamente eso podrá remediarse gracias a la presentación de obras maestras como Arsenal, La tierra o Michurin, en hermosas copias en 35mm, que nos revelan a un artista total, a un poeta del mundo rural que hizo del cine pintura en movimiento. Varios de los films, además, estarán acompañados por música en vivo.

LEONARDO FAVIO Si hay un director ineludible en la historia del cine argentino, ese es Leonardo Favio. Su nombre fue el de la épica del ascenso y la consagración, anudado a los tiempos que le tocaron vivir y capaz de trascenderlos. Actor, director, cantante, artista popular y ferviente peronista, su carrera estuvo signada por sus orígenes humildes, por su inicios bajo la dirección de Torre Nilsson, por su temperamento febril y su alma rebelde. Dos documentales dedicados a su vida y obra y Crónica de un niño solo, aquella sorpresa del Festival de 1965, se exhiben en este merecido homenaje a su inolvidable figura.

El Festival de Cine de Gramado, en pleno Brasil gaúcho, nació en 1973 para llevar lo mejor de la cinematografía mundial y regional a Rio Grande do Sul. En esta ocasión, y en vínculo franternal con dicho evento, se proyectarán el cortometraje ganador de la última edición (O corpo) y la película de apertura (Que horas ela volta?), muestras de un cine brasileño punzante y vital. Dos extraordinarias oportunidades de asomarse a una producción vecina, tan rica por lo que nos separa como por lo que nos une con ella.

El cine pre-Code se desarrolló en los albores del sonoro y antes de la implementación del Código Hays, arma de la autocensura impuesta por Hollywood en 1934.

Aquellos años fueron los del pecado y la osadía, y los de la audacia rayana en lo escandaloso. Muchas de esas películas se prohibieron, otras se destruyeron en resistencia a los cortes que les exigían y otras simplemente cayeron en el olvido. Ver hoy ese cine es redescubrir aquel espíritu iconoclasta y contestatario, ferviente fabulador que subvirtió las reglas que se le imponían a sus emociones.

ESTADOS ALTERADOS Estados Alterados ofrece un panorama de autores y películas de riesgo en su concepción. Este año, la selección vuelve a apostar por nuevos nombres y por obras altamente personales, que buscan extender los

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GUSTAV DEUTSCH

HORA CERO Para los distraídos, sí, fue así: Hora Cero engulló a otras secciones. Haciendo gala de sus afiladas fauces, el resumen de esa panza llena es claro. Ahora es el lugar donde se encuentran las más bajas pasiones dentro del Festival: el rock, el terror, la ciencia ficción, el humor, la irreverencia y un hermoso etcétera. Mucho ruido y aun muchas más nueces. No desaparecieron las demás, creció un concepto que busca aunar gritos primitivos, instintos primales. Que sea rock. Que sea género. Que sea Hora Cero.

VÍCTOR ITURRALDE Realizador, animador, documentalista, docente, escritor, crítico, erudito, investigador, historiador, cineclubista, anarquista, bohemio. Iturralde –a quien homenajeamos en Mar de Chicos– fue todo eso y más para no quedarse quieto, para volverse movimiento puro, como esas líneas dibujadas en sus cortos que no detienen su poder de transformación con un estilo de animación libérrimo. Fue creador de un cine increíble, y no lo hizo propio sino que lo compartió con quien se cruzara, estimulando a relacionarse con él de forma vital. Ver o volver a ver sus películas contagia cine.

NUEVOS AUTORES Con nueve largos y dos cortos, inauguramos esta sección en la que “nuevos” no es antónimo de “viejos” sino que marca, algunas veces, la atención a ciertas cuestiones generacionales (Necktie Youth, The Automatic Hate) y otras, simplemente, un menor volumen de obra que el de los Autores a secas. Y otras más, ninguna de esas dos cosas: ahí tienen las cinco horas y media de la monumental Homeland (Iraq Year Zero) y los últimos trabajos de los prolíficos y bien conocidos por estas costas Ben Rivers o el dúo Attieh/Garcia.

PANORAMA DEL CINE LATINOAMERICANO Desde aproximaciones documentales a dramas sociales y medioambientales hasta ficciones que reflexionan sobre la memoria y el amor, en esta sección conviven la denuncia política y la incerteza existencial. Diversa e accidentada como el paisaje latinoamericano, en ella se puede encontrar, por ejemplo, una historia de amor en Lima (Ella y él), la crónica de los lazos entre las Madres de Plaza de Mayo y las madres kurdas (Pañuelos para la historia), o una adolescente evadiendo un matrimonio arreglado a los pies de un volcán guatemalteco (Ixcanul).

MARLEN KHUTSIEV Dice el crítico Boris Nelepo sobre su compatriota Marlen Khutsiev: “La mayoría de sus contemporáneos, al igual que la generación que le siguió, quedaron huérfanos debido a la guerra. Khutsiev es uno de esos cineastas que, ciertamente, le habló a las masas acerca del mundo que todos compartían; sus películas eran vistas por millones”. La obra de Kuthsiev es a veces comparada con la de Andrei Tarkovsky y Aleksandr Sokurov, entre otros grandes nombres del cine ruso, pero sin embargo sigue siendo desconocida para el público argentino. Esta retrospectiva, la primera realizada en Latinoamérica, pone fin a ese desconocimiento y presenta, orgullosamente, a un gran director.

LAS ESPADAS FILOSAS DE DAISUKE ITO

PANORAMA ARGENTINO

Solitarios héroes nihilistas, complicada destreza coreográfica y una extraordinaria inventiva para filmar el movimiento y la violencia conviven en la filmografía de Daisuke Ito, el director que durante los años 20 fraguó definitivamente el estilo del drama japonés de época o jidai-geki. Este año, el Festival de Mar del Plata homenajea a este maestro del existencialismo samurái con una selección de films de su época muda acompañados de música en vivo.

La diversidad es síntoma de vitalidad, y eso es lo que el cine argentino contagia hace ya bastante más que un tiempo. Heterogeneidad de enfoques, de formatos y de intenciones. Cine que estalla en todas las direcciones. Esta nutrida selección conjuga a cineastas locales con una obra muy personal (Ortega, Ruiz, Fund) con nuevos nombres (Rinner, Fontana), entablando un diálogo generacional y estilístico, donde el musical, el material de archivo, la comedia disparatada y la denuncia social conviven y se nutren.

MAR DE CHICOS Para chicos de verdad y de espíritu, esta sección es la estrella de cada edición del Festival. Además de la ya clásica minicompetencia de cortos y de dos largos animados que se las traen, vuelve la selección estelar del festival rosarino Ojo al Piojo. Este año, además, hay dos funciones con música en vivo: la primera antología de cine de animación argentino, gentileza del Museo del Cine de Buenos Aires, y un especial de slapstick con genios de la comedia muda como Chaplin y Keaton.

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PANORAMA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS Ante la abrumadora cantidad de cortometrajes argentinos que recorrieron los festivales del mundo (y que en varios casos resultaron galardonados), el Festival de Mar del Plata ha decidido brindarles un lugar y mostrarlos en conjunto. El grupo de películas aquí exhibidas revela una diversidad tal que no solo asegura un futuro auspicioso para el cine local, sino que confirma un presente que ya parece haber olvidado viejos vicios del pasado, para enfrentar al cine hoy con armas tan renovadas como clásicas.

PROGRAMA PAÍS

Exiliado en Argentina, Pappier fue un escenógrafo sofisticado primero y un cineasta notable después, con un sentido plástico de la composición del plano que le permitió dejar huella profunda en la imagen del cine nacional. Esta retrospectiva reúne su mejor obra como director, que incluye cortos de propaganda para el primer peronismo, colaboraciones con Homero Manzi y films valiosos pero muy poco vistos, como Caballito criollo, Escuela de campeones y el único fragmento conservado de El festín de Satanás.

Mediante un sistema de acreditaciones y becas, el INCAA potencia el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata como una instancia de formación para los estudiantes de cine, comunicación audiovisual y gestores culturales de todo el país. Los participantes de las 70 escuelas de cine, los cien festivales nacionales, los más de 70 Espacios INCAA y los Cinemóviles de las 24 provincias argentinas fortalecen las redes de cooperación existentes y generan nuevos vínculos productivos. Además, el Programa País brinda conferencias y actividades abiertas para todo público.

HUMBERTO RÍOS

PROGRAMA DE RECUPERACIÓN DEL PATRIMONIO AUDIOVISUAL Junto con la tarea de restauración y difusión que lleva a cabo el INCAA, se encuentra la valoración de la obra de realizadores fundamentales del cine argentino.

En esta edición se verán copias en digital de títulos emblemáticos de Fernando Birri, Raymundo Gleyzer y Gerardo Vallejo, cineastas clave de los años 60. Los inundados, Tire dié, El camino hacia la muerte del “Viejo” Reales, tres cortometrajes de Gleyzer: todos ellos representantes del corazón de aquella época y hoy exhibidos en una calidad que les hace definitiva justicia.

Merecido homenaje a un realizador, docente, militante, divulgador y artista que, entre otras cosas, supo ser el vínculo de varias camadas de jóvenes con la Generación del 60 y el cine militante, gracias a su generosa sabiduría. Se proyectarán su corto más influyente, Faena (1961), obra pionera y decisiva para enmarcar los movimientos más revolucionarios del cine político latinoamericano, y Esta voz... entre muchas, realizado en México en 1979, uno de los primeros y más importantes films militantes argentinos en el exilio.

SUPER 8MM “Aquello clandestino; literalmente, bajo la superficie. Fuera de la burocracia de empresas y gobiernos.

Sin normas fijas, sin ideas hechas y sin presupuesto.

Lo underground se vive como una elección artística y existencial”. Así habló Silvestre Byrón, un artista capaz de conjurar lo raro y lo oculto, lo misterioso y lo desconocido, sin jamás perder su función de choque intelectual. Byrón es el director que ocupará la Noche Especial de la ya instalada sección que el Festival le

dedica al Super 8mm y a los artistas que resisten desde los formatos pequeños, invulnerables al paso de las modas de turno y las tecnologías del momento.

VENTANA DOCUMENTAL Un stop motion sobre la década del 50 en la frontera oriental polaca (The Deal), un grupo de amigos que no hace más que filmar desfachatadas películas amateur (El sistema Gorevisión), una narración en primera persona desde el hermetismo de Corea del Norte (The Propaganda Game). La sección que se asoma a esos y otros documentales de aquí, de allá y de todas partes rebosa de diversidad en formatos, visiones y temáticas, pero siempre con personajes entrañables y narraciones extraordinarias que vienen a confirmar eso de que algunas de las mejores historias exceden los límites de la ficción.

KIDLAT TAHIMIK Dijo Susan Sontag sobre Perfumed Nightmare, ópera prima de Kidlat Tahimik: “Este film hace que uno se olvide de meses rutinarios de ir al cine, ya que nos recuerda que la inventiva, la insolencia, el encantamiento –incluso la inocencia– todavía pueden hallarse en las películas”. Tahimik, luego del mítico Lino Brocka, es el director más destacado de las Filipinas. Algunos, incluso, lo describen como “el padre del cine independiente filipino” y su filmografía, tan personal como libre e innovadora, atraviesa la historia de su atribulado país. Kidlat está presente en el Festival acompañando su retrospectiva: prepárense para conocer a un personaje tan único como su cine.

WIP Para los bichos de festival, uno de los momentos más apasionantes es encontrarse de golpe con esas joyitas inesperadas. Casi nunca salen en los recomendados, a menudo aparecen dispersas por las secciones, o se las encuentra por error al llegar tarde a un mega hit. Un buen lugar para buscarlas es la competencia de Work in Progress, una de las más heterogéneas y definitivamente la más fresca del Festival. Esas apuestas que pueden convertirse en grandes tesoros en el futuro (y que podés descubrir antes que todos los demás).

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RALPH PAPPIER

RA L P H PA P P I E R

ARTES PLÁSTICAS Nació en Shanghái, se crió en Alemania y se afincó en Buenos Aires huyendo de la Europa amenazada por el nazismo. Ralph Pappier inició por casualidad una carrera como escenógrafo en la época de oro del cine de estudio, para luego migrar hacia la dirección de algunas de las películas que mejor narraron testimonios, fantasías y berretines con un talento plástico reconocible en cada uno de sus encuadres. Este año no solo se le dedica una retrospectiva justiciera sino que se publica, en forma de folleto, una entrevista inédita y reveladora de 1992 realizada por el presidente del Festival, José Martínez Suárez, de la que les ofrecemos un fragmento.

–¿Cómo ingresás al cine, Ralph?

–De manera accidental, como muchas cosas en la vida. Por una recomendación había conseguido trabajo en un estudio de arquitectura y nos tocó hacer un mercado grande, en Martínez. Al lado se estaba levantando el edificio de los estudios Pampa y al mediodía el arquitecto del estudio y yo coincidíamos en un restaurant donde almorzábamos. Nos hicimos amigos y un día me dijo que había hablado con Olegario Ferrando, que era su primo y además el dueño de Pampa, para que pasara a trabajar en el estudio haciendo decorados.

Yo no tenía ninguna experiencia en construir decorados para cine, así que al principio todo fue un poco vergonzoso. En Frente a la vida el director Enrique de Rosas me dijo: «Yo quiero un decorado que sea igual a mi casa, porque los actores ya han ensayado allí, están familiarizados con ese espacio y es justo lo que necesito. Es más: voy a traer mis muebles para que quede tal cual». Me pareció perfecto, nada más fácil: fui a su casa, tomé las medidas que necesitaba, la dibujé y la reproduje tal cual en el estudio. El día de la filmación trajimos los muebles y quedó exacto. Empezamos a filmar y lo primero era una escena con José Gola y Pepita Serrador en la cocina, que era bastante estrecha.

Como De Rosas no entraba me pidió que sacara una de las paredes. «No se puede», le dije. «¿Y por qué no se puede?» «Porque todo el decorado está hecho con ladrillos…» No sabíamos nada. Fuimos aprendiendo sobre la marcha, con sangre, sudor y, por suerte, muchas risas. Hice muchísimas películas en Pampa, luego trabajé con Lucas Demare en la primera etapa de Artistas Argentinos Asociados y después me quedé en los Estudios San Miguel mucho tiempo, quince años.

Ahí hice no solo los decorados sino también los efectos especiales, los trucos. Y después empecé a dirigir.

–Yo digo siempre que el sentido plástico con el que están filmadas tus películas permite que uno las reconozca como tuyas sin ver los títulos, como pasa con las de Daniel Tinayre.

–Te agradezco que marques eso. La razón es que yo, siendo dibujante y pintor, dibujo cada toma antes de filmarla. Es algo que puse en práctica antes de empezar a dirigir. La primera vez fue en La guerra gaucha.

Habíamos hecho los decorados en medio de los valles calchaquíes, y estuvimos como una semana sin hacer nada esperando que llegara todo el equipo para comenzar la filmación. Así que para entretenerme me puse a dibujar todos los ángulos posibles para filmar cada escena, según el libro y de acuerdo con los decorados que ya habíamos construido. Más aún: también elegí la hora más propicia para filmar cada escena, según la posición del sol. Así que cuando llegó Lucas Demare le entregué el álbum completo con todas las escenas ya dibujadas. Lucas se agarró la cabeza y dijo: «¡Pero acá ya está hecha la película!» «No, no está hecha. Son ideas mías, nada más. Si las puedes utilizar, fantástico…» «¡Claro que las voy a utilizar! Esto está hecho con mucho sentido pictórico y aprovecha muy bien el paisaje». Desde entonces decidí proponer ese sistema a otros directores con los que trabajé y después lo utilicé en todas las películas que dirigí.

Siempre, antes de filmar, dibujé la película de punta a punta, como se hace una historieta.

–¿Cómo fue tu primera experiencia como realizador?

–Se la debo a Eduardo Morera. Estaba filmando

LAS HUELLAS COMPARTIDAS 6

Melodías de América y había una escena con una bailarina cubana estupenda, Orquídea Pino. En eso Morera mira el reloj y me dice: «Son las cinco y en media hora tengo que estar en el centro. ¿Por qué no me hacés el favor y me filmás esta escena? Con todo lo que hiciste, bastante debés saber ya». Y se fue. Así que me puse a trabajar con la chica y me pareció tan fotogénica que no solo filmé la escena sino toda la secuencia. Al otro día, cuando Morera vio el material, dijo: «Pero esto no lo filmé yo». «Y bueno, Eduardo. Vos me dijiste que yo la terminara y la terminé…».

–Pero ese no fue tu primer crédito, ¿verdad? Los primeros fueron los que hiciste en codirección con Homero Manzi, Pobre mi madre querida y El último payador.

–Sí, Manzi figura como codirector, pero eso fue por un acuerdo que hicimos con la empresa. Homero había escrito los libros y eran excelentes, así que se decidió darle un adicional y la forma para hacerlo era que cobrara también como codirector. Yo estuve totalmente de acuerdo, porque éramos muy amigos. Se lo merecía, eran muy buenos libros, y además lo necesitaba porque estaba enfermo. Pero en realidad jamás fue al rodaje, nunca. La dirección de esas dos películas fue exclusivamente mía. Pobre mi madre querida la tenía que hacer Luis Saslavsky, pero por razones personales no quiso trabajar con Hugo del Carril, así que un sábado a la tarde me llamaron para proponerme que la hiciera yo. Había que empezar en una semana pero ¿cómo iba a dejar pasar semejante oportunidad? La película anduvo muy bien, así que después me ofrecieron El último payador y fue un esfuerzo aún mayor: elaboré de antemano cada encuadre, cada efecto de luz, cada movimiento. La crítica la consideró la mejor

Un año antes de debutar como realizador con Historia del 900, Hugo del Carril protagonizó Pobre mi madre querida, película que forma un díptico con El último payador (1950), dos miradas retrospectivas y medularmente tangueras que se plantan sobre mitologías populares porteñas desde un sentimiento que conjuga la garra poética del guion de Homero Manzi con la versátil capacidad visual de Ralph Pappier. Se puede enmarcar a estas dos películas en la continuidad del cine popular de Manuel Romero, quien inició a Del Carril en las artes de la interpretación cinematográfica

película del año.

–La personalidad que tenían tus encuadres trascendía lo que por lo general se veía en el cine. Yo recuerdo siempre en El festín de Satanás una toma cenital donde se ven cinco objetos que no se sabe qué son, hasta que se descubre que son las calvas de cinco sacerdotes. ¿Cómo concebiste una cosa así?

–Yo no quería ofender a la curia, porque ya habíamos tenido bastantes dificultades para filmar en una iglesia. Esa parte de la película hablaba de cosas muy serias y al mismo tiempo necesitaba un cierto efecto cómico. Así que la solución era no mostrar las caras de los curas que hablaban, pero sí sus calvas, así desde arriba, mientras se los escuchaba hablar. Teníamos cuatro calvos, así que salimos a buscar un quinto calvo para lograr esa especie de dibujo…

–Esa película adapta el libro Miércoles Santo, de Manuel Gálvez. ¿Tuviste contacto con él?

–Muy poco, porque él no estaba muy de acuerdo con que se filmara su obra. Nos vimos una o dos veces. Le compré la novela con la aclaración de que sería una versión muy libre. De hecho, del «Miércoles Santo» nos fuimos al «Festín de Satanás»… Aunque de todas maneras hay un santo en la película, yo creo.

AYER Y HOY + POBRE MI MADRE QUERIDA HOY, 14.30 I MAR LU 2, 17.00 I MAR

con Los muchachos de antes no usaban gomina (1936). Pobre mi madre querida es la ópera prima de Ralph Pappier, quien dirigió solo la película aunque el guionista Manzi figure como codirector (ver entrevista arriba), y no es difícil pensar que trabajar en ella haya terminado de envalentonar a Del Carril para pasarse a la dirección. Al menos, no es difícil encontrar huellas de Romero, tanto como de estos films de Pappier y Manzi, en el cine dirigido por Del Carril, a quien se homenajeará en esta edición del Festival con las proyecciones de Esta tierra es mía (1961) y La calesita (1963).

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GENERACIÓN VHS

VENGANZA SOBRENATURAL SOBRE CUATRO RUEDAS Hace algunos años, Zack Carlson y Bryan Connolly se mandaron la patriada de compilar cada aparición punk en el cine entre 1974 y 1999, en un libro erudito de 500 páginas llamado Destroy All Movies, que debería ser la guía de consulta de cuanto degenerado por el VHS exista. En sus páginas incluye este texto sobre El ejecutor (The Wraith, 1986), firmado por el mismísimo Carlson, que hemos traducido especialmente para nuestra primera trasnoche.

Una pandilla de jóvenes despiadados de Arizona crearon un imperio criminal inverosímil, lo que obliga a los conductores a competir para quedarse con sus propios autos. El líder psicótico de la pandilla, Packard (Nick Cassavetes), no permite que nadie gane, ni deja que nadie vea a su desinteresado amor Keri (Sherilyn Fenn). Los ánimos se caldean cuando el chico malo Jake (Charlie Sheen) comienza a yirar por la ciudad, y con su llegada viene una fuerza misteriosa que devasta a los matones de Packard, uno por uno. La forma en que se manifiesta ese vengador fantasma se alterna entre un auto deportivo y elegante, un guerrero de la ciencia ficción con casco y una bola de luz cegadora, todas armas utilizadas contra los desviados locales.

La película es tan ambiciosa como desigual, sus explosiones gigantescas son neutralizadas por la actuación unidimensional de Sheen, pero Packard y

sus marginales son increíbles. Cada miembro de la banda es un estereotipo en plena ebullición y/o un bizarro, bobo impotente. Cassavetes es realmente intimidante en su papel de supervillano, un machazo de rabia obsesiva. Clint Howard interpreta a Rughead, el científico desmantelador del equipo, un genio loco frenético con un jopo de 20 centímetros. Pero los más divertidos de todos son el dúo de descerebrados Skank (David Sherrill) y Gutterboy (Jamie Bozian); el primero un tipo de cresta colorinche, de alto consumo de disolventes, un maníaco maquillado para la guerra, y el segundo un Neanderthal desnutrido, llorón, un manojo de asquerosidad. Skank es el subhumano alfa de los dos, y grita guarangadas y se zarpa tanto como ladra órdenes a su compadre por debajo de la pirámide evolutiva. Cuando “The Wraith” destruye una concesionaria de autos con su rifle futurista, Gutterboy

brama: “¿Quién es ese chico, Skank?”. Su compañero le responde: “No lo sé, pero sea quien sea, ¡es raro y pesadito!”. La cresta de Skank parece cambiar de color según el trago tóxico que elija tomar, el pelo pasa de un marrón rojizo a un verde violento a la velocidad en que puede tomarse una quinta parte de fluido hidráulico.

Una perfecta película de venganza, El ejecutor deja sus misterios sin resolver, reemplazando el cierre fácil por atronadoras ráfagas de fuego. No nos po-

demos quejar. El director Marvin también hizo la fiestera comedia slapstick Hamburguesa: La película, estrenada apenas siete meses antes; o sea que le quedó un curriculum impecable como cineasta para todo el año 1986.

que todo empezó a tomar forma. Productor musical y DJ, el expatriado Reeder en sus lejanos comienzos fue promotor de Factory Records en Berlín (fue quien llevo a Joy Division a tocar ahí) y también quien invitó a Nick Cave a vivir en la ciudad donde formó sus Bad Seeds, pero también supo oficiar de corresponsal para un programa televisivo británico, y cuando los responsables de B-Movie vieron su archivo, decidieron que tenían película. Con apenas unas pocas escenas agregadas, filmadas en la actualidad, el documental es puro archivo y puro Reeder, y más que nada puro Berlín occidental, cuya noche arranca aquella década siendo gélida hasta desembocar en lo que terminaría siendo el Love Parade, una historia

que la película cuenta con ganas y entusiasmo, y también cierta liviandad, hay que decirlo. Pero siempre con muy buena música, e invitando generosamente al viaje.

Martín Pérez

EL EJECUTOR HOY, 1.10 | PAS 2 SA 31, 22.30 | PAS 2

EL NACIMIENTO DE UNA CANCIÓN: CINE & MÚSICA

LA MÁQUINA DEL TIEMPO Alguna vez alguien dijo que los olores y las canciones son las únicas máquinas del tiempo que por ahora funcionan. Claro que el viaje tiene que ver, en esos dos casos, con lo vivido anteriormente por quienes sean arrastrados de pronto por el camino del recuerdo. En cambio, ciertas imágenes con fuerte textura de realidad pueden llevarnos también a un viaje por el tiempo y el espacio, pero sin necesidad de haber estado allí anteriormente. Incluso sin siquiera ser necesario que ese tiempo y espacio hayan existido alguna vez. En el caso del viaje que propone la fascinante B-Movie –hábil, original y excitante documental alemán con un trío de directores como responsables–, tiempo y lugar son explicitados en un juguetón subtítulo que denuncia su origen al arrancar anunciándose como Perdido y encontrado (Lost & Found), pero que inmediatamente se corrige como Lujuria y sonido –Lust & Sound–, y agrega su filiación: en Berlín Oeste, 1979-1989.

Con música y canciones de sobra, e imágenes que comunican tanto que solo les falta oler, el trip documental firmado por Jörg A. Hoppe, Klaus Maeck y Heiko Lange cuenta la historia de Mark Reeder, un empleado de disquería que deja su natal Manchester para ir a vivir como squatter en Berlín Occidental,

en busca del origen de esa nueva música alemana que tanto lo fascina. La entusiasta voz en off de Reeder guía las poderosas imágenes documentales de la película, que retratan crudamente aquella extraña ciudad sitiada, una Troya que era al mismo tiempo el Caballo en cuestión, suerte de subvencionado presente bien plantado ante el muro de la Alemania comunista. Conquistado para el rock internacional por Bowie, referencia permanente durante toda la película, aquel Berlín pobre y en ruinas pero también salvaje, creativo y libertino, estalla ante los ojos del recién llegado Reeder y se multiplica en referencias musicales deslumbrantes, especialmente las alemanas, que incluyen desde grupos perdidos en el tiempo como Malaria! hasta clásicos como Die Toten Hosen o Einsturzende Neubaten (las apariciones de un jovencísimo Blixa Bargeld son un tesoro de su metraje).

Partiendo del profuso archivo de Hoppe, productor musical de la televisión alemana, los directores de B-Movie comenzaron rescatando filmaciones perdidas, realizadas en la ciudad durante aquellos años agitados, con la idea de armar un documental.

Pero, según cuentan, recién cuando se acercaron a Reeder para que les armase la banda de sonido es

Subeditor de Radar (Página/12) y creador de musicacretina.blogspot.com

B-MOVIE: LUST & SOUND IN WEST BERLIN 1979-1989 HOY, 22.50 I AMB 3 SA 31, 20.10 I AMB 3 MI 4, 22.50 I AMB 3

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VIERNES 30 14.30 I MAR AYER Y HOY Ralph Pappier / 8’ POBRE MI MADRE QUERIDA Homero Manzi, Ralph Pappier 92’ / PAP

17.00 I CIN 2 THE BIRTH OF SAKÉ Erik Shirai 91’ / DOC 17.00 I MAR FILM IST. (1-6) Gustav Deutsch 60’ / DEU 17.10 I PAS 2 ELLA Y ÉL Frank Pérez Garland 77’ / PCL

16.40 I PAS 3 THE MAD HALF HOUR Leonardo Brzezicki / 22’ 55 PASTILLAS Sebastián Muro / 14’ PRESENTE IMPERFECTO Iair Said / 16’ GULLIVER María Alché 25’ / PCA

18.30 I AMB 1 NECKTIE YOUTH Sibs Shongwe-La Mer 86’ / NAU

17.30 I AMB 3 PEOPLE OF 1941 Marlen Khutsiev 53’ / KHU 17.40 I PAS 1 LO QUE LLEVA EL RÍO Mario Crespo 104’ / PCL

17.00 I AMB 4 THE SEVENTH FIRE Jack Pettibone Riccobono 78’ / DOC

18.50 I CIN 1 COOKING UP A TRIBUTE Luis González, Andrea Gómez 87’ / DOC 18.50 I PAS 3 LA NOVIA DE FRANKENSTEIN Francisco Lezama, Agostina Gálvez / 13’ EL PASADO ROTO Martín Morgenfeld, Sebastián Schjaer / 16’ EL SER MAGNÉTICO Mateo Bendesky / 17’ VIDEOJUEGOS Cecilia Kang 18’ / PCA

18.00 I AMB 2 COUNTING Jem Cohen 112’ / AUT

19.20 I AMB 3 O CORPO Lucas Cassales / 16’ QUE HORAS ELA VOLTA? Anna Muylaert 110’ / GRA 19.20 I PAS 4 LA INCREÍBLE HISTORIA DEL NIÑO DE PIEDRA Pablo Aldrete, Miguel Bonilla, Jaime Romandía, Miguel Ángel Uriegas 70’ / CHI

20.50 I PAS 3 AQUELLO QUE AMAMOS Leopoldo Torres Ríos 71’ / CAS 21.10 I AMB 1 HIGH-RISE Ben Wheatley 112’ / AUT

19.50 I CIN 2 AS MIL E UMA NOITES: VOLUME 1, O INQUIETO Miguel Gomes 125’ / AUT

19.30 I ALD 6 ELEMENTOS VISUALES DE CONSTRUCCIÓN Y DESTRUCCIÓN José Mujica 62’ / PAN

20.20 I PAS 1 LA ACADEMIA DE LAS MUSAS José Luis Guerin 91’ / AUT

20.40 I AMB 2 IN JACKSON HEIGHTS Frederick Wiseman 190’ / AUT

22.50 I AMB 3 B-MOVIE: LUST & SOUND IN WEST-BERLIN 1979-1989 Jörg A. Hoppe, Heiko Lange, Klaus Maeck 95’ / HOR

21.40 I ALD 5 LULÚ Luis Ortega 87’ / PAN

19.50 I PAS 2 LOS TALLOS AMARGOS Fernando Ayala 90’ / NAT

19.30 I MAR MAESTRO LEVITA Luis César Amadori 105’ / NAT

18.00 I COL A DIARY OF CHUJI’S TRAVELS Daisuke Ito 111’ / ITO

19.40 I AMB 4 NO COW ON THE ICE Eloy Domínguez Serén 63’ / ALT

21.40 I CIN 1 KAILI BLUES Gan Bi 110’ / ALT

23.00 I PAS 1 CORTOS – TUNGSTENO (SHORT) FILMS Pedro Maccarone, Max Franco / 25’ PAUL’S BOUTIQUE - A VISUAL COMPANION Paolo Gilli, Fabio Suanno 53’ / HOR FUNCIÓN GRATUITA

22.20 I AMB 4 CHANT D’HIVER Otar Iosseliani 117’ / AUT 22.30 I PAS 2 MINOTAURO Nicolás Pereda 56’ / ALT 22.40 I CIN 2 VIRGIN MOUNTAIN Dagur Kári 94’ / AUT

23.30 I PAS 3 MUNDO EXTRAÑO Franz Eichhorn 94’ / CAS 0.00 I AMB 1 LACE CRATER Harrison Atkins 81’ / HOR

DAISUKE ITO “A masterpiece in pieces from an early master”, jugó con las palabras el crítico Allan Fish para decir lo que hoy comprobaremos con nuestros propios ojos: A Diary of Chuji’s Travels –perdido durante décadas, encontrado de casualidad en Hiroshima en 1991 y restaurado gracias a los buenos oficios del National Film Center de Tokio– es uno de los mejores films japoneses de todos los tiempos.

Fish, que había visto una copia en VHS de los dos tercios sobrevivientes de la trilogía original, terminaba su declaración de amor a la película con una adver-

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tencia: “Si alguna vez tienen la oportunidad de verla, aprovéchenla porque no van a tener otra”. También en eso tenía razón: hoy, mañana y pasado son las únicas tres funciones de Las Espadas Filosas de Daisuke Ito, el ciclo (¡ciclón!) que llega a Mar del Plata cortesía del ya mencionado NFC y del amigo de la casa Chris Fujiwara, quien está entre nosotros para explicarnos qué significan exactamente palabrejas como jidai-geki, chambara y bakuto.

Estrenada en 1927, A Diary of Chuji’s Travels relata los esfuerzos del forajido Chuji Kunisada –una figura

Diego Trerotola Agustín Masaedo

Guido Segal Paula Vázquez Prieto

legendaria al estilo de Jesse James o Robin Hood– por salvar a la geisha Oshina y su rebelión a espadazo limpio contra las rígidas estructuras sociales del Japón del período Edo, que Ito convierte en un vibrante ballet visual, estilizado y violento. La copia en 35mm estará acompañada por música compuesta y ejecutada para la ocasión por Fernando Kabusacki y Matías Mango, para mayor gloria de un cine que no puede conjugarse en diminutivo: el cinazo de Daisuke Ito.

A DIARY OF CHUJI’S TRAVELS HOY, 18.00 | COL

Andrea Guzmán Gastón Olmos

Viviana D’Amelia

COLABORA HOY Martín Pérez

0.30 I CIN 1 THE SKY TREMBLES AND THE EARTH IS AFRAID AND THE TWO EYES ARE NOT BROTHERS Ben Rivers 98’ / NAU 1.10 I CIN 2 DRUNK STONED BRILLIANT DEAD: THE STORY OF THE NATIONAL LAMPOON Douglas Tirola 92’ / HOR 1.10 I PAS 2 EL EJECUTOR Mike Marvin 93’ / VHS